中华民族管弦的编曲（推荐阅读）

第一篇：中华民族管弦的编曲

浅谈电脑音乐中民族管弦的编曲

【引言】: “编曲”可以说是一个新词,早期音乐界中,编曲的意思是根据已有的原始素材如民歌等等进行改编的创作过程。而现在的“编曲”一词，其实是包括了配器和电脑音乐制作两者为一身。

我们知道,任何一部音乐作品的创作,最后都要体现为具体表现的音响上。他可能是人声，也可能是传统乐器、电声乐器的声音，或者是电脑音乐的音源，甚至是其它各种能够发声的器具。可以说，一个作曲家，当他有了创作的灵感和音乐动机的时候，就是带着最初的编曲概念出现的。比如在创作过程中嘴里的哼哼或者是在键盘上的弹奏，这时作曲家的脑中绝对不是只有一个单旋律，而是已经有了一种大致的、模糊的配器概念。比如“开头这是个唢呐”、“这里是咚咚的大鼓”等等概念。而这种概念已经就是配器了。虽然它并没有体现到谱纸上。

所以，可以说编曲与旋律的创作是密不可分的，而且是往往在某种程度上讲是同时出现的。编曲就是一种创作，而绝对不是一种单纯的技术，更不是商品的包装。

在音乐学院的作曲专业课程里，配器是作曲四大件技法之一。是作为单独的学科来学习的，就如同复调、和声、曲式一样。但我们要知道，即使你的每项课程考试都得满分，你仍然不一定是一位优秀的作曲家。著名配器大师彭修文曾说过：“创作这东西是根本不能教的，所以配器也是不能教和学的。能教学的只是前人做过的一般方法，而这是不能代替你自己创作的。”

目前，我国音乐院校的作曲系几乎都是只学西洋管弦乐配器法，其实在实际应用中，无论是社会歌曲还是通俗歌曲，民乐都是相当重要的成分。而且一些纯民乐的音乐比如戏曲音乐的制作也是经常会遇到的，这就要求音乐人必须具备一定的民乐功底。

在大学中，我跟从吴渝林老师学习写作，并通过电脑进行电脑音乐创作，学习和创作了不少的民乐管弦作品。我想就民族管弦乐器的编曲通过电脑音乐制作(MIDI)简单地谈下我在创作民乐作品中的一些心得体会和个人浅见。

一、电脑音乐制作（MIDI）里的民乐音色

电脑音乐对于现代作曲的学者们是一件很方便的工具，我们可以通过数字音乐聆听不同乐器的音色和运用这些音色进行MIDI音乐制作，即使你对于音乐的整体音响把握程度不够，那也不用担心，电脑音乐可以弥补你的不足。

当今的MIDI音乐制作，是运用作曲软件进行MIDI音乐制作的，通过软音源插件（如VST插件、采样音色giga），调入软件里，就可以制作你想要制作的音乐。

MIDI制作里的民乐的音色盘主要有GIGA、SampleTank、KONTAKT等等，我们可以通过这些音色盘来确认民乐乐器的音色和演奏特点，继而进行MIDI音乐制作。当然，如果有条件，建议一定要去了解真实乐器的音色、音域和演奏特点。毕竟这些音色大部分是数字模拟音源，不真实。一般在使用电脑音乐制作民乐的时候，用MIDI编完曲后，更多的要求民族乐器实录音的。所以作为编曲要掌握总谱写作的能力。

MIDI音乐制作我只做简单介绍，毕竟它只是我们进行创作的工具，有了工具，更多的是要求作曲者自身的配器功底和配器意识。基于电脑的技术运用，有了配器的意识，通过大量的实践写作，最终才能达到我们所希望达到的音响效果。毕竟我们没有太多的条件去请民乐队拉奏你的乐曲。

二、民族乐器的几种特性

1、色彩性

１ 色彩，是经常被用来形容配器的一个词。比如说某作品色彩艳、色彩丰富斑斓等等。可见色彩是配器中很重要的，就如同绘画中的音色。它是要与音乐表现的内容紧密联系的。举个例子，如果把《江河水》这首乐曲，用《喜洋洋》的织体、节奏等等来编曲，那结果不想而知。其实，仅仅是把编曲稍微改动一下，音乐就会有很大变化，比如把《喜洋洋》的两只小笛改成两只唢呐，那就成了喧闹而不是喜气洋洋了。

因此编曲的色彩性是很重要的，它一定要紧密联系音乐所表现的内容，要运用准确。

2、表现性

民乐乐器不同于西洋乐器之处的很重要的一点就是个性。每件民族乐器都非常有个性。因此合理运用民族乐器的表现性，就是很重要的。

下面，是一些民乐创作中常用的手法：

早晨——用笛声；水声——用古筝的滑奏；节日或热闹的场景——用吹管乐和打击乐；欢快场面——用柳琴等弹拨乐和笛子；情绪的增长——用埙、编钟、铝板琴、木鱼等；惊慌——用笙的不协和和弦；风声和波涛——吊钹滚奏„„等等。

我们要知道，这些惯用的手法是可行的，也是有效的，然而却是一般化的。要是成了模式，就没有独创性了。艺术作品，就是要有创造性和个性。而不能成了工业标准。

我认为作为一个作曲家，他的编曲作品不可能每部都是完全不同的，但要尽量少用点现成的模式，尽量多一点新鲜的东西，哪怕不是很新也最好不要去用那些被用滥了的东西，但这个阶段要短一些，成熟之后就切忌去模仿。

3、对比性

在音乐中，对比是非常关键的。编曲切忌完全一样的大段拷贝。变化不一定要很大，但要有。当然，这也要看音乐的具体内容。在编曲中，对比手法主要有三种：

(1)不同情绪的对比。

比如《春江花月夜》的前一段是大全奏、大力度的演奏、而后一段仅用了琵琶、萧和木鱼三件乐器。这是反差很大的对比，反衬出后段悠然自得、有缘深邃的情感。也可以运用音的强弱的增减(借术语及记号使音量增减)。和弦的变化，乐器组的配合，是整个乐曲音乐色彩基于转变。

(2)旋律相同而配器不同。

相同的主旋律，但使用不同的配器，就把同一个旋律做了多侧面的表现,使音乐表现出不同的感情.或是更深层次的发展。

(3)乐器的传递:

此方法简单的讲,就是把简单的旋律的伴奏乐句连续的依次在各乐器上演奏,这样可以使短小的旋律句,显示出快活的气氛。

4、技巧性

技艺是研习编曲者比较感兴趣的一个话题。技艺性包含两方面，一是演奏乐器的技艺性，也就是演技。二是动用乐器的技艺性，也就是配器的技能。前者是演奏者要研习的，而后者则是我们作曲者要研习的对象。但是，如果没有对前者的了解和熟知，后者就无从谈起。打个比方，你连古筝有多少根弦都不知道，就在编曲中使用古筝，这就很可笑了，并且写出来的音乐也不是理想的。

关于各民族乐器的性能和演奏技巧，就是民族乐器法了。比如这件乐器的音域、声音特点、演奏技巧等等，我认为

２ 这些知识，是作为一个中国的作曲家所必须熟知的。作为一个中国的音乐人，连自己的各民族乐器的性能都不知道，可以说是一种悲哀，也是可笑的。所以，我希望学习作曲、编曲的朋友能够尽量多接触一些民族音乐，多听，多看，在校的作曲专业学生应当多接触民乐专业的同学，去了解民族乐器，当然，还有很多民族管弦乐法的教材可以学习。这些其实是基本功，是死记硬背的东西，我希望学习作曲的同仁们能够重视这点。

三、配器写作应具备的条件与音色融合

我认为，在进行配器的写作前，首先具备几个条件：

首先是乐器的知识。这一点确实是重要的。比如弦乐、弹拨等各种乐器的构定弦、演奏技法、音域以及管乐的佳良音区和极限音区等等。都是要必须知道的。

其次就是记谱。民乐中有实际音高记谱的乐器，也有高八度或者低八度记谱的乐器。还有一些乐器用中音谱号记谱。作曲者要确定自己的记谱法，确定了就不要再更改了，以免混乱。如果是简谱来写总谱，那么首先要确定中央C在自己写的音乐中是哪个调，哪个音，是否要打高低八度点。这些都确定了，再按管、弹、打、拉的次序计入总谱。

如果记谱上出现问题，就会给排练和录音带来不少麻烦。尤其是简谱的总谱，有的作者几乎是一行一个标准，要是转调就更乱套了，简直让指挥家头疼。我认为，作为专业的作曲，民乐的总谱应当用标准的五线谱来写，给演奏员一般是简谱总谱。

接下来说一说作品的音色融合。

音色融合犹如化学中的化学反应一样，不同乐器的组合，可以带来不同的音响效果，或者说是歌曲的意境。以下我谈谈根据乐曲需要而组合不同的乐器组。

（1）

弹拨乐器与拉弦乐器结合的旋律

这两组乐器间的各种旋律位置的配合进行，一般都能产生较均衡的共鸣效果，音色自然，音质、音量相当调和，因为弦乐的柔和会被弹拨的清脆所补充，而弹拨的颗粒，又会被弦乐的拉弓所软化，因而不少优美动听的大段旋律经常在发展到一定阶段就要用弦乐与弹拨的混合音色来演奏。

高胡+柳琴

刚劲

高胡+扬琴

透明

二胡+琵琶

优美

中胡+中阮

含蓄

大胡+三弦

雄厚

（2）

拉弦乐器与吹管乐器结合的旋律

拉弦乐器与吹管乐器结合特别融合，在管、笙、笛、萧、唢呐等管乐器中，最易于与弦乐组合结合的是笛、笙两种。在编制不大的民乐合奏的戏曲乐队中，拉弦乐器与吹管乐器的结合，是最强有力的旋律的一种重要表现方式。

同度结合：

笛子+ 板胡

锐利

萧

+ 二胡

柔美

３

高音笙+二胡

甘美

低音笙+大胡

厚实

（3）

吹、弹、拉、三组乐器结合的旋律

民乐队中三组全体同奏旋律是常见，它的音色协调，音响效果坚实，圆润并丰满，在乐曲关键处用旋律手法能把音乐形象清晰而有力的表现出来。这三组乐器大多数情况是分别组合使用的。它能充实旋律，增加共鸣，强化管乐，融化弹拨，在写民乐队时常常采用三种混合旋律音色的配法，在各种乐器间如果选择得当，其趣味无穷。

把吹、弹、拉、三组乐器中的某些乐器作同度、八度齐奏的用法，是民间丝竹乐的基本配法，各个乐器的旋律可以有些差异。而在新型的民乐队中采用时，则常作严格的重复。其结合可分高、中、低三个音区来处理：

高音旋律：

吹：梆笛、曲笛、新笛、高音笙、高音唢呐

弹：柳琴、扬琴、琵琶

拉：板胡、高胡、二胡

中音旋律：

吹：中音笙、喉管、中音唢呐

弹：中阮、三弦、琵琶、扬琴

拉：中胡、大胡

低音旋律：

吹：低音笙、低音唢呐、低管

弹：大阮、三弦、扬琴

拉：大胡、低胡

总之，弦乐群善于表现歌唱性旋律，也可以胜任欢快轻松的旋律演

奏。在合奏中无论是混合音色还是单一音色都能产生美好的音乐效果；弹拨群是民乐中具有独特表现力的乐器，由于种类繁多，使得色调丰富，演奏节奏明快、生动、活泼的旋律；管乐群则因各自个性较强，音量不易控制的弱点，所以使用起来要特别小心，一般用于突出旋律，在造成高潮之时往往动用三组旋律音色。

四、如何修饰作品

当作品排练的时候，或者是在电脑上使用采样音色编曲的时候，如

果你觉得某处配器不尽人意，可以立即修改。比如，一般旋律由竹笛演奏，如果音色太亮，不适合这个旋律，你可以进行修改，更换乐器演奏。选用高音笙在中低音区演奏，就避免了尖锐感，而保持了一定的明亮度。如果改成曲笛在中音区演奏，情绪色彩就又变了。可见，乐器音色选择的变化，对音乐的表现是有很大影响的。

在民族风格的音乐编曲中，由一种乐器作为主奏，担任旋律声部的情况很多。除了旋律乐器之外，往往使用其他“铺底”乐器，比如弦乐，或者各种合成PAD音色。旋律乐器在音乐中的位置一般有三种：

４ 旋律乐器在和声之上，无论和声是由一群乐器或者一件乐器，或者合成音色的铺底，这种情况都叫做“上置”。比如一支竹笛在PAD音色铺底上独奏。

旋律音色包在和声之中，这种手法称之为“下置”。比如一只萧的低音区和弦乐群的高音区。

此外，还有一些常用的办法是可以用生活语言来称呼的，由于现在我们录音都采取分轨制的办法，各声部在音频编辑系统中都各自是独立的音轨，因此在编曲中可以随意进行编辑。下面说一些手段：

（1）“开天窗”：由于旋律上边的配器太厚，覆盖太重，旋律听不清，于是把覆盖主旋律的声部取消，旋律就听清楚了。当然，不能做有损音乐的事情，比如覆盖的部分中有复调因素或者承担着重要的和声效果，就不能删去。

（2）“塞枕头”：这与上面的例子正好相反。旋律清楚但总的音响发空、无力，而这又不是作品所要求的效果，这时我们就可以填充一些内声部的乐器。通常是和声长音，比如PAD类音色等等。

（3）“加厚”：在音响显得单薄时，用同族的其他乐器做同度的补充，如高胡不足就补充二胡和中胡。柳琴不足就补充琵琶和扬琴。另外，也完全可以尝试其它音色，包括合成音色和西洋音色。比如二胡群显得单薄一点，给它叠上一轨弦乐群音色，马上就饱满了很多，但又不影响二胡的感觉。听上去依然是二胡群。

（4）“去薄”：和上面的相反，如果声音浑浊笨重，可以去掉一些低音声部或同度重复分乐器，直到声音清晰、比例合适为止。

编曲和作曲一样，要依靠作者的灵感。编曲重在实践，更重的是音乐人的心，用心去编曲，不用心的编曲只不过是体力劳动，根本不是艺术创作。

五、民乐编曲中应注意的几个问题

1.不要用提琴的写法来写胡琴

现在的作曲课程都在学西洋管弦乐法，所以很多作曲者对民族乐器不是十分熟悉，所以编民乐作品的时候，时常用提琴的写法来写胡琴，或者用弦乐群的手法来制作胡琴群。这种做法不是不可以，但这样发挥不了胡琴的特点，如果超出了音域还会闹笑话。要知道板胡、京胡、高胡、二胡和中胡这五种胡琴各自都有不同的音色和个性，在演奏上都擅长表现不同风格的音乐，很难合群。因此写作的时候要从胡琴的实际出发，提琴的一些用法可以参考，但绝对不能代替。

2.弹拨乐齐奏要注意

弹拨乐器是民族管弦乐中的一大特点，这是西洋管弦乐不具备的。作为民族风格的编曲，要善于发挥它。但我们必须知道，弹拨乐的声音不是线条，而是由“点”的滚奏构成的。然而，每件弹拨乐器滚奏点子的密度又是截然不同的。比如琵琶的“轮”和阮的“滚”，点子的速度是不一样的，三弦的滚奏速度与前两者又是截然不同。就拿琵琶来说，琵琶的“轮”、“滚”和“摇”也是不一样的。因此这一点必须要注意，必须要统一密度。否则效果就会不好。尤其是在有MIDI制作的固定节奏鼓点的时候，弹拨乐的点子密度就要注意，这些可以标注在总谱上，录音时，让演奏员注意把握速度和滚奏的密度。如果是使用音色盘来编曲，就要换用不同密度点子的音色，甚至使用音频软件对其进行时间的拉伸和缩短，以配合音乐的节奏。

另外，各种弹拨乐器在演奏的时候，其右均可以在琴体自由上下，造成音色的变化。在琴体中部弹奏的时候，声音虚一些。靠近下方演奏，声音亮，杂音也大一些。这虽然是演奏上的一些技法，但和音色有关，作为作曲者也是必须应该知道的。

５

3.管乐器的音域

一定要熟知每件乐器的有效音域和极限音域，尤其是管乐。其他声部也是一样的。不要经常闯入极限音区。管乐器是靠人的气息来吹奏的，如果不熟悉乐器的演奏法，不仅会给演奏者带来困难，同时也会影响音乐的效果。要知道，唢呐和笛子都不仅仅是一件乐器，而是有各种调的一套，选择哪个调的管乐器来吹，也是关键的。因为每种调的笛子或者唢呐，其音色都不相同。另外，千万不要用写铜管的方法来写唢呐。

4.掌握民族打击的特点

民乐风格的编曲中，很重要的一个方面就是民族打击乐。尤其是戏曲类的音乐，打击是很重要的部分。司鼓在戏曲乐队中相当于乐队指挥的地位。对于打击乐的运用，我觉得作为一个作曲者，必须应该认真学习几套戏曲和民间音乐中的锣鼓，背几段锣鼓经，最好能够演奏某一件打击乐器，这对于制作民乐以及戏曲风格的音乐是大有好处的。现在年轻一代的音乐人往往对戏曲和民间音乐接触得太少。

有人这样来比喻编曲：弦乐是皮肤和脂肪，弹拨乐是骨头，管乐是肌肉，打击乐是血液。虽不一定很确切，但确实有点道理。

5.和声与齐奏

各种音色都是要根据音乐的需要来合理使用的，我们要会用单一音色，千万不要混合音色到底，很多音乐就要适合齐奏，尤其是吹打乐风格的音乐。如果你非要给它加上和弦，那反而不是个味了。戏曲类的也是如此。很多纯民乐或者戏曲风格的音乐，不要像做流行音乐那样给它加和弦，那样是画蛇添足。总之，对民族音乐的了解是非常重要的。

总结

编曲需要实践，需要创造。前人的经验和知识是有用的，但不要成为教条，而是只作为一种参考。作曲家肖斯塔科维奇曾经说过：“我的配器是从排练场学来的，而不是在教室里读书本学会的”。这是很有道理的。只要条件允许，我们一定要多接触民族乐器。现在，学习作曲的年轻一代，往往熟知西洋乐器的配器、和声，或者精通电脑音乐制作的软件、合成器，但是对于民族音乐、戏曲音乐掌握得极少，有的甚至是一窍不通。而目前民族音乐的编曲将是经常会遇到的工作，掌握和了解民族音乐，不仅是对自己音乐知识水平的提高，也是对中华民族文化的继承和保护。

参考文献：

本文参考和引用彭修文（1931-1997）在1994年中国音协配器进修班上的部分讲义内容。王保安

《音乐创作实用技法手册》 中国青年出版社 文海良

《玩转软音源》

湖南文艺出版社

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第二篇：《七彩的管弦》

《七彩的管弦》教学设计

执教教师：陈正明 长沙市明德天心中学 指导教师：黎 晓 长沙市天心区进修学校 教学年级：七年级

教学内容：湘版音乐教材七年级上册第六单元

教材分析：《七彩的管弦》是湘版音乐教材中的音乐欣赏单元，在七、八年级上、下册中都涉及了相关的管弦乐知识，本节课的教学内容选自教材七年级上册，单元的内容主要以赏析《卡门序曲》、《图画展览会》、《大进行曲》为主，本节课主要选取了《卡门序曲》、《图画展览会》中的《两个犹太人》作为教学内容。

教学目标：

1．通过欣赏现代管弦音乐作品激发学生学习兴趣，通过赏析、体验古典管弦作品加深学生对管弦乐的认识，感受管弦乐的音乐魅力。

2．让学生能对管弦音乐感兴趣，愿意探索与其相关的音乐文化知识。

教学设计意图（理念）：

在设计这节课之前，我通过学情调查发现大部分学生对管弦乐、古典乐曲不太感兴趣，有近90%的学生是喜欢听流行音乐的，对古典音乐普遍认为听不懂，学习兴趣并不强烈。针对现在初中生的学情特点去设计这堂西洋管弦乐的入门欣赏课并让学生产生学习兴趣，是我本节课堂设计追求的最大目标。我通过从学生喜闻乐见的电影音乐作品切入主题，激发学生的学习兴趣，然后复习小学接触过的乐器音色用以过渡到初中的学习阶段，之后通过对三组乐器发声原理的讲解，让学生分辨并将乐器分组，了解管弦乐的概念之后再逐步感受管弦乐的魅力。

教学设计亮点：

本节课在让学生体会管弦乐丰富音色的同时还让学生从管弦乐对人物形象的塑造力、对场景氛围的塑造力两个方面来让学生更深刻去体会和比较，在欣赏过程中学生的参与活动也能帮助学生更好的去体会音乐情感。

教学重点难点：

初步了解西洋管弦乐队的分类，引导学生欣赏音乐、获得审美体验，对管弦乐能产生一定兴趣。教学准备

多媒体教学设备和音像资料。

教学过程：

一、激趣导入 1．激发兴趣

播放电影《猫和老鼠》片断，导入话题。

师：认真观看下面这段视频，有没有你熟悉的乐器，请举例。2.复习听辨：常见乐器音色

二、学习铺垫

（一）初步了解管弦乐队

1.教师将乐器图片贴在黑板上，将学生分为三个小组，合作讨论将乐器分为三类。（弦乐组、管乐组、打击乐组）

意图：通过教师对三组乐器发声原理的讲解，让学生分辨并将乐器分组。2.听辨乐曲片段，分辨是由哪种乐组演奏的，并说出音色特点。3.简介什么是管弦乐队 管弦乐队是由弦乐器、管乐器和打击乐器组成的大型器乐合奏乐队。由于演奏不同体裁的器乐作品以及演出场地、功用的不同，而具有不同的称谓。例如：大型管弦乐队称“交响乐队”；而演奏室内乐作品、乐队编制较小的称“室内管弦乐队”等。

4.初步感受 管弦乐音响效果等特点

三、作品体验

（一）欣赏乐曲《两个犹太人》 1.简介《两个犹太人》

《图画展览会》中的一段，是俄国作曲家穆索尔斯基根据好友画展中的图画而创作的作品。全曲共分为十段，每段乐曲描绘了一个特定的景物。2.听赏音乐片段

听赏《两个犹太人》中“富人”、“穷人”片段，让学生进行想象，富人与穷人的样貌、形态。

3.讨论：“富人”和“穷人”的演奏乐器选择与人物形象是否符合。4.听赏乐曲。让学生进行想象，两个犹太人的对话是什么内容。

（二）欣赏管弦乐曲《卡门序曲》 1.听赏主题A

1）第一遍听赏，让学生感受管弦音乐对场景气氛的塑造力。2）第二遍听赏，思考是什么乐器组起主要的渲染效果。（打击乐组）3）观看视频，参与打击节奏，体验情绪。2.听赏整曲

1）简介法国作曲家比才及《卡门序曲》。《卡门序曲》管弦乐曲是法国作曲家比才于1874年创作的歌剧《卡门》中的前奏曲，是该歌剧中最著名的器乐段落，常单独演奏。一般的歌剧序曲都是用交响方式缩写或提示歌剧内容，卡门序曲结构简单，仅仅描写了欢乐气氛和剧中人物斗牛士的英勇形象。2）听赏音乐主题B 感受音乐情绪。

3）听赏音乐主题C感受音乐情绪。

3.简介回旋曲式。

回旋曲式： A+B+A+C+A+D+A+E+A„„

其中的A是多次出现的回旋曲主要主题，B、C、D、E是新材料，专用名词是“插部”。一首回旋曲至少要有两个插部，分别称作第一、第二插部。

4.完整观看视频。

三、课堂拓展

1.简介 音乐家 久石让

久石让，日本著名作曲家、歌手、钢琴家，以担任电影配乐为主。特别是宫崎骏导演的作品，从《风之谷》至《悬崖上的金鱼公主》的二十多年间所有长篇动画电影的音乐制作，为宫崎骏作品中不可欠缺的配乐大师。

2.欣赏管弦作品《豆豆龙》

意图：从学生喜欢、熟悉的音乐作品入手，加深对管弦乐的感受。

四、课堂小结

管弦乐队音乐张力强，表现力强，色彩丰富。今天我们只是初步体验了管弦乐的魅力，管弦乐在你们熟悉的动画、电影中都有经常出现，就在我们身边，不管事现代管弦作品给你的印象深刻还是古典作品，但是好音乐是经得起时间的考研，希望同学们多关注古典音乐。推荐：古典音乐网站 www.xiexiebang.com/索尼BMG古典部:http://www.xiexiebang.com/DG唱片:http://www.xiexiebang.com/

教学反思：

“感受与鉴赏”是音乐新课程的一个重要学习领域，是整个音乐学习活动的基础，是培养学生音乐审美能力的有效途径。通过音乐欣赏不仅可以丰富学生的知识结构、提高音乐鉴赏力，还可以从不同的角度去了解一个地区和民族的文化传统、风土人情、社会背景等。《七彩的管弦》是湘版音乐教材中的音乐欣赏单元，在七、八年级上、下册中都涉及了相关的管弦乐知识，本节课的教学内容选自七年级上册，可以说是初中音乐教学中西洋管弦乐学习的第一课，在教学设计之前，我通过学情调查，发现大部分学生对管弦乐、古典乐曲不太感兴趣，有近90%的学生是喜欢听流行音乐的，对古典音乐普遍认为听不懂，学习兴趣并不强烈。如何针对现在初中生的学情特点去设计这堂西洋管弦乐的入门欣赏课并让学生产生学习兴趣，是我本节课堂设计追求的最大目标。

本堂课的初始设计大致是这样的：

首先让学生辨听西洋乐器音色，让学生根据乐器的不同特点进行分类，之后的音乐欣赏环节选择的是《两个犹太人》、《卡门序曲》，赏听的过程中，感觉学生参与热情有点低落，课堂氛围似乎总是带动不起来，这种状态一直延续到最后阶段，直到我向同学们推荐我个人比较喜欢的作曲家久石让以及他的现代管弦乐作品《天空之城》时，学生们听到他们很熟悉的作品时才顿时来了精神，非常遗憾，这时下课铃已经响了。课后，我的心情很沮丧，一节课只在最后那么几分钟，学生才能进入状态，说明教学设计是不成功的，我不断的反思，也通过多种形式请教了数位音乐教学专家，在此基础上，对整堂课的设计又做了较大的调整: 新课导入是这样设计的：组织学生观看了他们非常熟悉的动画片《猫和老鼠》中的片段，可爱的老鼠指挥了一场西洋管弦乐队的演出，学生们看的哈哈大笑，这时我趁热打铁，开始给学生介绍：管弦乐离我们并不遥远，很多大家熟悉的动画片、电影音乐都是由管弦乐队配乐的，这样导入不仅拉近了管弦乐与学生的距离也让学生产生了学习的兴趣。

在新课教学中，我从让学生辨听小学时学过的部分西洋管弦乐器的音色入手，并引导学生通过探讨根据不同乐器的发声特点进行分组，之后我选择了他们熟悉的现代管弦乐作品《天空之城》来让学生体验、感受管弦乐队的音色特点。在之后的管弦乐作品赏析中，我选择的音乐素材还是《两个犹太人》和《卡门序曲》，但在教学设计上分别让学生从管弦乐对人物形象的塑造和对场景的塑造上来进行赏析，启发学生在听赏《两个犹太人》时思考、探讨表现两位人物的乐器选择上有何不同、旋律有何特点，让学生明白原来管弦乐不仅音响丰富多彩，还可以塑造不同人物形象。在欣赏《卡门序曲》时，我让学生熟悉乐曲背景之后，反复的辨听、哼唱其中的一段，一方面使学生凭着直感去准确细致地体验乐曲的感情表现，另一方面使学生从更广阔的方面，特别是从乐曲产生的社会环境、艺术风格等方面进行了解；通过听赏、讨论，学生不仅感受到了管弦乐对节日场景的塑造力，还通过模仿打击“大镲”，进一步体验管弦乐队的塑造魅力。

之后，我还向学生推荐了久石让的另一首现代管弦音乐作品《豆豆龙》，这也是学生非常熟悉的宫崎骏电影《龙猫》的主题曲，在整个欣赏过程中，学生非常投入，我成功地将课堂推向高潮。

在课堂的最后，我做了一个小小的测验，我问学生：“这节课，你们印象最深刻的管弦作品是那首？”让我没想到的是，大部分学生对《卡门序曲》印象深刻，于是我借机引导学生关注古典音乐，并推荐了几个古典音乐网站。

一个小小的改动，相同的内容，迥然不同的效果，这堂课给了我许多的启示，古典音乐欣赏对现阶段大多数喜欢流行音乐的初中生来说并不太好上，但通过教学设计的修改和教学方法的调整，也可以达到非常好的教学效果。在今后教学中，一定要做好“实”的文章，从教学设计开始就要扎实准备，充分了解学情，多寻找适合学生口味的音乐素材，紧密结合生活，专业上高标准严要求，不断充实自己，实实在在上好每一堂音乐课，既给学生带来不错的音乐审美体验，又能更好的帮助学生树立正确的音乐观。

第三篇：欣赏管弦乐曲[范文模版]

欣赏管弦乐曲《红旗颂》导学案

学习目标：

1、会唱《红旗颂》的主题旋律。

2、了解交响乐及其乐队。

3、了解《红旗颂》所表达的思想感情。

教学重点：聆听乐曲，感受节奏、速度、力度等音乐要素对塑造音乐形象所起的作用。教学难点：听辩主题音乐的重复和变化，体会音乐作品蕴含的情感内涵。导学过程：

一、激趣定标、导入新课 1、63年前，当第一面五星红旗冉冉生起，胜利的旗帜在北京天安门城楼的上空高高飘扬，中国像一条巨龙，告诉了全世界：中国人民从此站起来！

2、历史回眸：1949年开国大典升起新中国第一面五星红旗及北京奥运会开幕式生气场面。

提问：（1）、升国旗时我们应该有怎样的行为习惯?（立正、行注目礼、唱国歌）（2）、谁知道国旗的意义？

（国旗是国家的象征，是人民精神的集中体现。）

3、教师归纳并点出课题：国旗是团结的象征、力量的象征、胜利的象征。有一首管弦乐曲，它由衷地表达了对国旗的赞美和热爱之情，这部气壮山河的不朽之作，曾经被收录到“20世纪世界华人音乐经典”之中，它向人们展现了史诗般的历史画卷，它就是—《红旗颂》。

4、展示学习目标。

二、自学互动（适时点拨）

（一）、知识卡

1、什么是交响乐？

（交响乐又称交响曲，是采用大型管弦乐队演奏的奏鸣曲式。交响音乐主要是指交响曲、协奏曲、乐队组曲、序曲等。）

2、音乐家相册—吕其明简介。

3、简介《红旗颂》。

4、请学生阅读油画《开国大典》和交响诗《红旗颂》的作品介绍。问题：（1）、油画《开国大典》和交响诗《红旗颂》都以什么历史事件作为创作题材？（1949年10月1日新中国成立）

（2）、地点在哪？（北京天安门）

5、播放管弦乐曲《红旗颂》，请学生边聆听音乐边欣赏油画《开国大典》。

6、请学生谈谈听后感受，并用恰当的语言描述歌曲所表达的情绪是怎样的？

（《红旗颂》以红旗为主题，描绘了194910月1日中华人民共和国成立时，第一面五星红旗升起的情景，同样，它以宏伟庄严的歌唱性的旋律，表现了中国人民在红旗的指引下，英勇顽强，奋发向上的革命气概，热烈讴歌了伟大祖国蒸蒸日上的繁荣景象。）

7、说一说乐曲的引子采用了哪首歌曲的音调？（《国歌》）

8、唱一唱《红旗颂》的主题旋律。

1、播放《红旗颂》引子及主题旋律片段，请学生聆听。

三、达标测评

1、引子部分用哪些乐器演奏？

2、主题音乐共出现几次？

四、拓展延伸

1、欣赏合唱曲《在灿烂阳光下》。

2、哼唱歌曲的前半部分。

3、课堂总结。

第四篇：钢琴改编曲,《弄臣》赏析

李斯特改编钢琴曲《弄臣》赏析

弗朗兹·李斯特（Franz Liszt1811-1886）是欧洲浪漫主义时期一位享有特殊地位的音乐家，他的名字与钢琴家、作曲家、指挥家、评论家、教育家以及音乐社会活动家等名号相连。但最先给李斯特带来名声、名望的当属 “钢琴家” 的称号。作为钢琴家 他那炉火纯青、登峰造极的演奏技巧使其成为了时代骄子，他极大地开发了钢琴技巧的表现力，对当时整个欧洲钢琴界的演奏风格产生了巨大的影响。作为钢琴作曲家，他用一种全新的语言来挖掘钢琴的巨大潜能，在这件“乐器之王”身上塑造出一个令人叹为观止的音乐世界，使钢琴成为“万能乐器”。李斯特的钢琴作品主要分为独创曲与改编曲两大类，他的钢琴改编曲范围包括歌剧、交响曲、室内乐，幻想曲、变奏曲、练习曲等等。而大量优秀的钢琴改编曲的问世为李斯特赢得了“改编大师”的美誉。李斯特生活在一个歌剧高度繁荣并不断追求变革的时代，在他人生的 75 年时光中，欧洲伟大的歌剧作曲家群星灿烂，优秀的歌剧作品层出不穷，如韦伯有《自由射手》，瓦格纳《汤豪舍》，古诺 《罗密欧与朱丽叶》，比才 《卡门》，威尔第 《里格莱托》《茶花女》《阿依达》等。这些优秀的歌剧作曲家和歌剧作品，使歌剧艺术空前繁荣。作为钢琴创作和钢琴演奏上有杰出贡献的音乐家，李斯特也深受歌剧影响并一直保持着对歌剧的狂热兴趣。为了制造轰动的演出效果，李斯特经常在音乐会中作即兴演奏。而人们提供给他即兴演奏的旋律多为歌剧旋律。通过对人们熟知的歌剧旋律进行系统改编或创作，会使作品更具打动人的力量和强烈的亲切感。这样人们就会自然而然地进入音乐的意境，就会顺利地跨越时空与演奏者、作曲家心灵碰撞而产生共鸣，由于以上原因，李斯特根据歌剧主题进行改编的工作一直持续到他的晚年。李斯特用钢琴为当时歌剧推广起到推波助澜的作用，李斯特的钢琴就是一部戏剧艺术的钢琴李斯特是一位改编大师，在他手中改编过的经典曲目不计其数，而经过他所改编的曲子也都成为了经典。李斯特 1859 年根据威尔第的歌剧《 弄臣》 所改编的钢琴曲 ,选取了歌剧中第四幕中著名的四重唱《 赞美你爱情的女神》 作为其改编素材 ,在忠实表现原作的基础上 ,进行了适当的调整 , 对于原作的主要声部采取了保留、加强、装饰性润色等处理手法 ,使我们在聆听时感受到与歌剧原作相媲美的强烈戏剧性效果。丰富细腻的情感变化 ,同时更由于李斯特所使用的独特的钢琴表现手法 ,使得改编曲在某些地方进一步发展了、扩展了原曲的乐思 ,更大程度地发挥了钢琴的特性 ,使原本的声乐曲也具有了器乐化的特点 ,情绪表达得更为热烈、激情、色彩斑斓。

《弄臣》是威尔第作于 1851 年的意大利语歌剧 ,主人公 Rigoletto(里戈莱托)是一个逢迎拍马 , 在公爵府中靠溜须钻营 ,帮助公爵想坏心眼的弄臣。虽然他在人前表现得狡猾无情、恶毒 , 但是他心中有一处最温柔最圣洁的地方 ,那就是他的宝贝女儿 ,纯洁善良的吉尔达。他害怕女儿与外界接触 ,所以把她关在郊外的家里。可情窦初开的吉尔达在去做晚祷的路上遇上了装成贫困大学生的公爵 , 并且爱上了他。当公爵骗取了吉尔达的信任并玩弄了她之后 ,不知情的里戈莱托才知道自己的女儿被公爵欺骗 ,他心里燃烧着复仇的火 焰 ,去请杀手杀掉公爵。他带着女儿在杀手的家门 ,意外地发现了公爵竟然在对着杀手的妹妹大献殷情 , 想骗取她的爱。

钢琴曲 《弄臣》运用了类似四个乐段的连缀，形成了A+B与A+C的复二段曲式，各部的长度大致相等，形成了平均分配的格局。围绕曲式结构，作品选择了歌剧中几个富有典型性格的主要人物的声乐形象，通过张弛疏密的和声、变幻莫测的复调、纵横交错的织体、跌宕起伏的情绪，在钢琴宽广的音域中，完成了声乐艺术到钢琴艺术的形象转换。

这首乐曲的主题在18小节第一次出现,这小节开始取材于著名的四重唱 ,主旋律为公爵对玛达琳娜大献殷勤时所唱的情歌,第25小节将原作的降A改成了重降B ,于是和谐的纯五度音程就变成了不安的增四度音程。这一看似细微实质巧妙的改变使音乐瞬间充满了不稳定感 连续三指弹奏的五个连断音(降A到降E), 则将一种飘忽不定的旋律呈现了出来 , 细微的变化却可以使感情更加丰富。

在34小节第一次出现了副旋律，巧妙运用了八度行进，之后的六度音程下行仿佛构成了两个人在谈话或是争论。在钢琴曲的改编中，李斯特将其由低音区移植到了用左手弹奏的较高声区，以十六分音符上行半音化的和弦织体、跳音和渐强的力度增加节奏的紧迫感，在其上方高音区下行保持音符的笼罩下，共同形成了错综复杂的复调因素，有力地显示了里戈莱托仇恨发怒的内心世界。第39至41小节，作曲家将和弦织体的上方音稍作修改，借用了吉尔达唱段的动机，使之变成了乐曲的旋律，并把原曲中的二分音符缩短为十六分音符，形成了层层推进，使里戈莱托压抑而愤怒的情绪不断向上堆积，把乐曲推向高潮。

四个不同的角色，各自都有着不同的内心世界和人物个性： 一个是用抒情的旋律表现公爵对玛德琳娜的爱慕之情； 一个是用轻巧的八度跳音来表达玛德琳娜对公爵的嘲讽； 一个是吉尔达用连续而短促的变化音旋律在高声区抒发着痛苦的心情； 一个是里戈莱托用紧迫的十六分音符节奏型发出的愤怒的复仇誓言。四个角色在歌剧中相互穿插，公爵和玛德琳娜两个声部构成的二重唱，既形象展现了他们相互之间的调情，又为后面躲在墙外目睹此景的另外两人的心理冲突埋下了伏笔； 吉尔达的悲伤和里戈莱托的仇恨也形成了对比。钢琴改编曲中，除了将歌剧中相互冲突而又相互呼应的几对矛盾如实地进行了钢琴化的再 现外，还创新地将玛德琳娜对公爵的嘲讽和吉尔达对公爵的伤心放在一起形成对比，并放在了乐曲的开头，充分预示了矛盾的尖锐和展开的必要性，极大地增加了钢琴曲中人物角色的对比。

在里格莱特低沉的复仇誓言的引申下,感情推向了高潮 ,第45小节开始以一种极快速的双手交替小六度音程下行交代了感情的宣泄。在此 ,四个主人公各自的内心情感全部混在一起得到 了最大的表现。于47小节开始回到了公爵与玛达琳娜之间的调情 ,左右手交替出现的主旋律配以快速的装饰音群, 仿佛是面对公爵的求爱, 内心既有讥讽却又有期待的玛达琳娜那充满矛盾的心情。

由一段低沉而一致的节奏型作为里格莱特动机的补充, 吉尔达的唱段于第71小节出现了 ,作者在原来的旋律之上增加了一个八度音以达到一种强调的悲伤态度 , 而后第79小节开始是重复的旋律,但是增加了一倍的音符个数以及加快了一倍的速度演奏, 紧密的旋律表现极大地增强了全曲的紧张感, 推向了另一个情感的小高潮。

在经过了公爵、玛达琳娜以及吉尔达唱段素材的逐一回顾之后,整篇唱段可以 结束了, 于是在极快速的两种形式的八度演奏下,整首作品在一个极近悲壮的旋律中结束,丰富的戏剧化效果表现不仅尊重了原作 ,还使作品得到了更为全面的演绎

钢琴改编曲《弄臣》, 充分体现了李斯特钢琴曲改编创作理念, 始终坚持和贯穿技术为音乐服务的宗旨, 追求艺术家的个性精神, 形成了李斯特以炫技、声乐原作钢琴化、乃至交响化的特点。从创作构思、钢琴语汇、审美情趣等各个方面都体现了李斯特钢琴艺术的独特魅力 ,是李斯特钢琴改编曲中成功的力作 ,它不仅展示着李斯特辉煌的钢琴技巧和创作才华,亦体现着他对原作及作曲家的艺术评价和美学判断 ,从中我们更可以体会这位浪漫主义的大师对音乐的执著追求和审美原则。这是对钢琴演奏发展史上重大的贡献, 起着不可替代的作。

第五篇：青少年管弦指南教案

《青少年管弦乐队指南》教案

学习目标

1、知识与技能目标：让学生了解西洋管弦乐队的分类；欣赏两首乐曲。

2、过程与方法目标：通过欣赏、讲解、讨论等方法，让学生进一步了解西洋管弦乐器

3、情感态度与价值观目标：认识各种乐器的外型，了解其音质音色、表现力及在乐队中的地位和作用。

重点难点

1、教学重点：听辨弦乐器和铜管乐器的音色。

2、教学难点：欣赏两首乐曲及演奏乐器。

学法指导

听赏法 讲解法、讨论法

课前准备

多媒体辅助教学

教学过程

一、上课礼仪

安定情绪,师生互相问好.一首管弦乐曲《春节序曲》，让学生听辨乐曲中演奏的乐器及音色。

二、导入新课

（激发兴趣）现在随着人们生活水平的提高，许多同学为了提高素质，学习掌握了一门乐器演奏技术，下面请同学上来为大家演奏。（直观性原则）A.小提琴B.小号C.萨克斯 师：你们认识这些乐器吗？ 生：

师：它们属于民族乐器，还是西洋乐器？ 生：

师：你还知道哪些乐器属于西洋乐器？ 生：

三、新课教学

1根据发音原理和制做材料不同，介绍西洋管弦乐队的分类（启发性原则）老师出示幻灯片（西洋管弦乐队的分类）

2、出示课件

（直观性原则）让学生了解乐器形状，同时主要了解主要乐器的音色。

师：下面请大家在乐曲中进一步了解乐器的音色特点及各种乐器擅长表现的情绪，抒发的感情。

四、欣赏《青少年管弦乐队指南》

（老师主导）师：下面请大家听赏一首由西洋管弦乐队演奏的乐曲《青少年管弦乐队指南》

（学生主体）作者：英国

本杰明.布里顿 乐曲为了使青少年了解西洋管弦乐曲作品，老师用多媒体播放乐曲《青少年管弦乐队指南》（片段）

1、学生回答：

(1)演奏中乐器的先后顺序

(2)学生谈谈在欣赏不同类乐器演奏的不同片段的感想

例：小提琴：优美、抒情。单簧管：圆润、流畅。大管：低沉、诙谐（注重学生感受，老师只作补充性引导）

2、放录音片段

（巩固性原则）师：听录音后请同学回答有哪些乐器演奏？ 生：

当堂训练

聆听几首音乐片段，写出演奏乐器名称：（1）新疆之春（）（2）G大调小步舞曲（课后反思：

(3)茉莉花（））

教学过程

（一）组织教学，上课礼仪(二)、导入新课：

1、激情导入：

（1）学生伴随音乐进入课堂，教师播放管弦乐曲《雷鸣电闪波尔卡》主题片段，营造课堂气氛。

（2）思考：刚才听到的乐曲熟悉吗？有谁能说出曲名，并且谈谈是由什么乐队演奏的？（3）学生谈论交流，教师适时引导，引出课题《西洋管弦乐器的分类》

2、了解管弦乐队的分类，认识各组乐器，感受其音色特点。（1）认识各组乐器，感受其音色特点

（按顺序播放各种音乐，学生聆听，并抢答音乐片段的演奏乐器名称）（2）欣赏各组乐器的图片，认识其形状、结构。（展示管弦乐器图片及其音响效果）

（3）管弦乐队分成四大类：弓弦乐器组、木管乐器组、铜管乐器组、打击乐器组。木管乐器组：（吹奏：连音吹奏、断音吹奏、单吐、双吐等）短笛——是长笛音域补充，在乐队中有“花腔女高音”之称。长笛——具有明亮、活泼的音色，适合表现流畅的旋律。单簧管——一般适合演奏活泼、流畅的旋律

双簧管——音色略带沙哑，多表现抒情的旋律，温柔的情绪 大管——音色低沉、诙谐、厚重，是木管乐器组里的低音乐器。弓弦乐器组：（运弓、揉弦、滑奏等）小提琴——音色优美抒情，富于歌唱性 大提琴——音色低沉、浑厚 中提琴——音色柔美醇厚 低音提琴——音色低沉、浑厚 铜管乐器组：（吹奏：通过控制嘴唇间的空隙、呼气量及震动的力度来改变其发出的音调、音量及音色

小号——音色嘹亮、辉煌，适合表现号召性的旋律

圆号——也叫法国号。音色圆润迷人，是木管乐器和铜管乐音色的连接 长号——也叫伸缩管、拉管，常演奏号角般的旋律 大号——音色低沉、宽广 打击乐器组：（敲击：一般用两根鼓槌交替击奏，或同时敲击两鼓来演奏，基本奏法有单奏和滚奏两种。铃鼓则采用敲击、捶、大拇指擦等方法演奏。

定音鼓——有固定音高的乐器，弱奏时具有神秘的效果，强奏时咆哮如雷 大鼓——重敲富有激情，轻敲具有阴郁、寂寞的色彩 钹——音色清越而明亮 锣——音色富有戏剧性

3、作品介绍：

欣赏1：小号独奏《野蜂飞舞》

（1）师：首先我们来欣赏一段音乐，老师先不说曲名，轻同学们展开自己的想象，看音乐带给了你们什么情绪，你联想到了哪些画面。（播放音乐）（2）学生聆听音乐，感受作品情绪，联想画面。（3）老师对学生的回答做出补充性引导，并说出乐曲名称（4）学生讨论，通过对乐器音色的听辨，《野蜂飞舞》的音乐中出现了哪些演奏乐器。（5）曲作家介绍：

里姆斯基-科萨科夫（1844-1908）俄国作曲家。主要作品有歌剧《雪娘》《金鸡》《萨特阔》，管弦乐曲《舍赫拉查德》《安塔尔》《西班牙随想曲》等（6）歌曲分析

节拍：2/4拍，乐曲为C大调

（7）复听乐曲，学生带着情绪联想情景

听赏2：小提琴独奏《幽默曲》

（1）老师对作品背景及其作者德沃夏克做简单介绍

（2）播放音乐，学生联想音乐描绘的场景。（3）学生分组，谈谈作品的音乐情绪。（4）复听乐曲，再次感受乐曲的音乐情感。

（三）探究课题

1、从音乐要素出发，对比管弦乐《野蜂飞舞》和《幽默曲》的音乐风格特点。

2、以小号独奏曲《野蜂飞舞》和小提琴独奏曲《幽默曲》为背景音乐，为其创编音乐情景剧并能感受到管弦乐器演奏带来的音乐表现力与感染力。

教学反思