“音乐教育与音乐心理课程建设研讨会暨第二届中美音乐教育高峰论坛”综述

第一篇：“音乐教育与音乐心理课程建设研讨会暨第二届中美音乐教育高峰论坛”综述

“音乐教育与音乐心理课程建设研讨会暨第二届中美音乐教育高峰论坛”综述

2014年10月9至10日，“音乐教育与音乐心理课程建设研讨会暨第二届中美音乐教育高峰论坛”在北京京民大厦举行，美国北卡罗来纳大学音乐学院音乐教育系教授、音乐研究所主任霍杰斯博士和德克萨斯大学音乐系声乐与音乐科学研究教授阿兰博士，全国三十多所音乐院校相关领域的专家、学者、艺术教育管理者及硕、博研究生参与了此次盛会。其中霍杰斯博士、阿兰博士以及数十所学校的专家发表了专题演讲。此次会议为期两天，包括开幕式、主题发言和闭幕式三个部分。

开 幕 式

高峰论坛的开幕式由中国音乐学院音乐教育系音乐教育基础理论教研室副主任任恺博士主持，中国音乐学院院长赵塔里木教授，中国教育学会音乐教育分会顾问、教育部体卫艺司原副司长杨瑞敏等为会议开幕式致辞。赵塔里木院长在致辞中说道：“音乐心理学要与教育联系起来，多关注一些跨文化的音乐心理的研究。在音乐教育学、音乐心理学方面，美国已发展形成了独特的体系，在发展趋势和前沿研究方面具有较高的借鉴价值。因此，通过此次的对话会对我国音乐教育学和音乐心理学的研究水平、教学质量、开阔研究视野、扩大国际影响等方面带来重要的意义。”

中国教育学会音乐教育分会顾问杨瑞敏女士在致辞中回忆了1986年第一届中山音乐会议和1990年4月国民音乐教育改革研讨会等两届音乐教育大会，赞扬其对于中国音乐教育发展的重要意义。同时她还对现代的音乐教育研究者提出希望：“高师音乐教育在接地气方面要加强，培养能快速适应教学能力的合格教师，努力提高教学质量。”

会议主题发言

在会议主题发言当中，有三十多位该领域的专家、教师做了主题演讲，涉及四个主要主题：音乐教育哲学、中小学音乐课程建设、高师音乐人才培养和脑成像研究对音乐教育的影响。

1.音乐教育哲学

美国北卡罗来纳大学音乐学院音乐教育教授、音乐研究所主任霍杰斯博士以《西方音乐教育哲学的历史、现状与未来》为题做了主题发言。他表示，在音乐教育哲学方面要提出一种新的哲学理念，这种理念并不是要抛弃雷默和艾略特两位音乐教育哲学家的有关看法，而是要在其基础上，为人们提供一种多元化的哲学视角，形成一种统一的思想―音乐是帮助人类回归并实现人性的媒介。在这一思想指导下进行的音乐教学和学习，对帮助人们运用多种方式表达情感具有重要的意义。

南京艺术学院管建华教授在《音乐教育实践哲学的文明归复》中对中国当今音乐教育的评价标准提出了质疑。他认为：当今中国对音乐的评价方式更多的是受到来自西方实验哲学思想的指导，忽视了中国传统的心性哲学思想对其产生的影响。他引用布迪厄的一句话说：“用西方的研究方法来研究东方的音乐，再把研究结果强加给东方。”他认为这样是行不通的，他呼吁音乐教育哲学回归到中国文化中来，对当今的音乐教育进行指导，使中国的音乐得以更好地发展。

浙江音乐学院（筹）田耀农教授在做《两个美国学者对中国音乐教育影响之后的思考》的演讲时，指出了雷默音乐教育哲学中有目的无方法的影响和艾略特的有方法无目的的影响。他认为现今中国音乐教育出现的问题就在于研究者对音乐教育本质和音乐教育目的认识不清，而这就根源于音乐教育哲学的贫困化和音乐教育目的论研究的缺失。因此，他倡导构建中国音乐教育哲学体系及教学法体系。

华中师范大学林能杰教授以《基于道法自然的音乐教育哲学理念》为题给在座所有的专家、教师和学生做了一场生动的演讲。他认为，音乐是生命的律动，是人类最自然的情感表达方式，而人类身体更是表达个人情感的第一媒介。因此，在音乐教育中要重视人最本能的东西和最自然的学习方式，当能达到天人合一、心意相通的时候，音乐本身及其内涵就会内化在学生的学习之中。

首都师范大学学前教育学院的孟繁佳老师以《雷默音乐教育思想与实践研究》为题做了演讲。国内目前对于雷默音乐教育思想的研究大多数集中在雷默音乐教育哲学思想上，而孟老师对雷默进行了全面且细致的研究，其中不仅包括雷默的哲学思想，还涉及?他的课程理论、教材建设、对加德纳多元智能理论的发展、应用以及音乐教师教育的论述等研究。其中有关雷默提倡的音乐体验、审美能力的发展等内容能够帮助我们进一步理解什么是“以审美为核心”的教学理念等重要内容。

2.中小学音乐课程建设

与会专家中有多位音乐教育学方面的专家学者都对中小学音乐课程建设提出了自己的观点。中国音乐学院的谢嘉幸教授在《中国优秀传统文化教育与当代中国学校音乐教育》的发言中阐述了民族音乐传承的重要意义以及优秀传统文化教育对人格养成的作用，提出将中国优秀传统文化教育与当代中国学校音乐教育相融合，会对学生的身心产生极大的影响和重要意义。

东北师范大学尹爱青教授在做《中国学校课堂教育思考及对策》演讲时对“学生喜欢音乐却不喜欢音乐课”这一长久以来的问题进行了探讨。她认为现在学校音乐教育存在几个误区：以课堂为中心，教材唯一；以传授为中心，教师为主；以制度化教育为中心，学校课程为本；只关注主流文化，却忽略多元共生。为此她提出了两个对策：（1）开放音乐教学―形式开放多样、走出教室、走向生活；（2）在文化沉浸中学习―注重文化语境、习惯渗透、非正规学习以及音乐的多样性。

首都师范大学周世斌教授在做以《从音乐心理学角度审视 〈义务教育音乐课程标准〉 中的有关问题》为主题的演讲时，对两版《义务教育音乐课程标准》进行了对比，指出了课堂中音乐实践长期无法落实的问题。他提出了基础音乐教育改革的理念创新，即在操作中学习，在表现中体验，在实践中审美。同时他呼吁高师音乐人才培养要面向基础音乐教育，以能力培养为核心，艺术实践能力与教学实践能力并重，实现艺术实践能力向教学实践能力的转化。

北京师范大学的杨立梅教授以《学校音乐教育中加强音乐分析，提高学生的认知和创造性能力》为题做了演讲，她提出，在中小学音乐教学中，感觉、感受固然是重要的，但不能仅仅停留于此，只有深入的分析、理解才能提高对音乐和作品的欣赏水平。因此要懂得音乐内容、结构，探索音乐作品的构思。同时她还倡导一种“综合性的课程”，即将音乐与文化中的方方面面结合起来。如将十二生肖、书法、篆刻、古诗词等引入到音乐歌曲的教学中，使学生在音乐学习中获得全方位的文化感受。

中国音乐学院刘沛教授在《美国国家核心艺术标准（2014）及学校艺术课程改革简介》中介绍了最新的美国国家核心艺术标准。他关注到了一个全世界所有学生都存在的问题―对知识持久理解（Enduring Understanding）的问题。而最新的美国国家标准就从一中心问题出发，提出了以“大概念”（Big Idea）、“核心问题”（Essential Question）作为设计理念，形成“理解为先的教学设计模式”（Understanding by Design，UbD），来解决困扰所有教师和学生长久以来的问题。他提出引用这种全新的课程设计理念，对我国的音乐教育课程进行改革。

3.高师音乐人才培养

在会议主题演讲中各位专家学者均对高师人才培养、高校音乐课程建设等问题提出了很多建议。其中中国艺术研究院薛艺兵教授以《中国音乐学院民族音乐教育目的反思》作为题目进行演讲。他认为长期以来人们对“民族音乐”这一概念的认识都比较模糊，只有明确这一概念才能确定教学内容、清晰人才培养目标。因此他提出应该用“中国音乐”取代“民族音乐”，即 “中国各民族传统音乐+民族新音乐体系”来作为中国音乐学院教学内容体系。他强调，承认已经有着百年发展历史的中西结合的“民族新音乐”才是中国人应该传承的音乐新传统。

上海音乐学院余丹红教授以《心理学科建设对于音乐教育专业的意义》为主题进行了演讲。她提出了在音乐教育专业中设置心理学课程的重要性和所面对的困难，呼吁对心理学在音乐及音乐教育上的价值进行评估，对未来音乐教育研究发展方向进行判断，同时强调未来音乐教育的走向应该更具有科学化。

华东师范大学郑艳博士在《美国哈佛大学音乐系课程设置与教学模式的启示》的演讲中向我们介绍了哈佛大学音乐系的情况：在课程设置方面，不同学科联袂建设课程、基础理论课程与多元化专题课程相互补充；在教学模式上，教授主讲、助教协助，注重理论与实践的互动等，给在座的专家和教师提供了新的信息，对我国高校音乐教育课程建设具有很大的借鉴性意义。

西北师范大学朱东升教授在《西北音乐教育回顾与发展―以西北师范大学音乐教育学科发展为例》的演讲中提出，西北地区教育环境相对落后，师资力量薄弱。因此在西北师范类院校的音乐教育专业中，最紧迫的是要培养学生综合性的实践能力和音乐表演专业学生的表演能力。

4.脑成像研究对音乐教育的影响

本次会议的另一个重要议题关注的是脑成像研究对音乐教育的影响。霍杰斯博士在《音乐与大脑》的主题演讲中讲道：在过去的二十多年中，他一直与同事合作实施了一系列探索音乐大脑的脑成像研究，其目标就是研究音乐行为中不同要素的神经机制。为了实现这一目标，我们研究了演奏巴赫作品的钢琴家、即兴演唱的歌唱家，以及在演出中发现错误和处理多重感官信息的指挥家。在最近的一项研究中，我们观察了音乐专业和非音乐专业两组被试听到喜欢和不喜欢两种音乐时大脑的不同反应。尽管未来仍有许多未知亟待探究，但就目前的研究成果而言，一幅音乐大脑的图景已初具雏形，这将帮助我们理解音乐为何以及如何具有触动人心的力量。

中国音乐学院任恺博士以《音乐短时记忆的组块研究》为题做了演讲。他认为音乐短时记忆，一方面受到主观因素的影响，如认知背景、认知策略等；另一方面还受到客观因素，是否容易被认知和在认知的基础上是否会产生更多的音乐偏好的影响。由此他认为短时记忆效果的好坏是音乐偏好产生的前提，或者说，越容易被捕获的音乐，越容易产生偏好。这一结论对我国中小学音乐课中被普遍讨论的“学生喜欢音乐，不喜欢音乐课”这一长久以来的问题具有一定的借鉴作用。如选择一些容易被学生认知的音乐，他们对音乐的偏好程度就会增加，对音乐课的喜好程度也会随之增加等问题。

中国音乐学院吴珍博士在《音乐意义形成的脑机制》演讲中，通过认知神经科学理论的研究方法去尝试探索一个经典的音乐问题―音乐的意义。她通过对大脑的研究：证实了音乐可以激活语义概念并且能够产生对音乐意义的阐释，认为以往所说的音乐是非语义性的观点过于绝对，同时证实了后天的音乐学习对于音乐感知能力是有巨大帮助的。通过这样的研究对于音乐教育也有很多启示，如音乐教育者如何为学生营造一个良好的社会音乐文化环境；怎样通过有组织化的音乐学习，让人们系统化地理解音乐；在音乐欣赏与学习之中要尊重对音乐感受的个体差异；呼吁现代音乐教育者要关注用心去体会和聆听音乐。

乐山师范学院的王昕博士在《音乐诱发情绪的神经机制探索》的研究中发现，人们在聆听音乐时是能够明显地感受到音乐当中所表达的情绪和情感的，音乐对于情感的教育是音乐教育的核心价值之一。她的研究对于教授情感体验时的方式、方法以及音乐治疗上都具有借鉴意义。

北京矿业学院附属中学谢倩倩老师在《语言与民歌音乐风格感知的比较研究》中，通过对语言与民歌音乐风格进行了跨学科的研究，得出语言对民歌风格的感知具有导向作用。她认为，这一结论对于当今的音乐教育和教学的改进有一定启示作用。在民歌的教学实践中，音乐教师可以尝试运用认知科学的理论去逐渐强化学生学习民歌的意愿，去引导和培养学生对民歌音乐风格的感知能力。

美国得克萨斯大学阿兰博士在《最佳表演状态的心智技能：课堂教学与舞台实践》的演讲当中，为我们展示了一系列控制表演的心智技能的方法，在这些方法的帮助之下，能够使学生更好地享受音乐和创造音乐的过程，帮助他们在教学环节和舞台实践中达到上佳的表演状态。她将这种控制分为六层―第一层：基因（DNA）；第二层：健康（HEALTH）；第三层：学习（LEARING）；第四层：具体的技能（SPECIFIC SKILS）；第五层：经验（EXPERIENCE）；第六层：心理技能（MENTAL SKILLS）。阿兰博士讲到第一层和第二层是天生的，最难以控制，而最后一层心理技能则需要通过训练达到控制的目的，学生通过训练，很好地掌握了这些技巧以后，才会真正对各种条件下的表演都起到帮助作用。

在大会中，与会专家纷纷就主题发言中的内容展开了热烈讨论。李妲娜教授提出，雷默的核心思想中到底有没有“以审美为核心”这个提法，究竟是“审美”还是“美育”的问题。管建华教授认为，美学进展是一种跨文化的对话，是翻译的问题。美学脱离不了哲学，所以叫音乐哲学。审美哲学是主观对客观的判断，审美有它的价值，但也有其局限性，这是价值的问题、合理性的问题，总之他认为“美”最终是要培养人的。刘沛教授认为用字的时候有很多含义，此美非彼美，音乐教育即美育，具有实用的意义。周世斌教授认为需要对中国音乐教育采取一种旁观的视角，将学术观点与教学实践紧密结合，如何有具体的操作性，用宽容的眼光看待各种文化，理解真正的多元；避免科学代替哲学，哲学代替科学。李妲娜教授认为中国需要真正的多元，需要有把西方的东西介绍给中国的学者，高师教育应注重应用和操作，需要将理论进行实践，并且有很好的操作训练，中国的音乐教育才有希望。杨瑞敏女士认为关于审美的问题尽可以作进一步深入的研究，但不主张讨论美育的问题。

闭 幕 式

2014年10月10日下午，“音乐教育与音乐心理课程建设研讨会暨第二届中美音乐教育高峰论坛”在和谐良好的学术氛围中落下帷幕。大会最后由刘沛教授致闭幕词，他说：“我们此次的会议体现了两个‘回到’：其一，我们仿佛回到了先秦时代，看到了诸子百家争鸣的繁荣景象；其二，仿佛回到了文艺复兴时期，感受到了人性和意识的解放。”同时刘沛教授认为中西文化是和谐、共生的一体，国际不同文化的交流具有十分重要的意义。

本次会议的召开为音乐教育学和音乐心理学领域的同人搭建了学习交流与探讨的良好平台，带来了大量最前沿的国内外学术信息，为音乐教育与音乐心理学的进一步深入研究提供了丰富的资料与全新的视角，为进一步加强和深化我国音乐教育、音乐心理学的学科建设和课程改革，推动中国多元文化音乐教育理论建设和中华民族音乐教育的发展，提高国内音乐教育和音乐心理学的研究水平和教学质量，具有重要的意义。

徐 婷 中国音乐学院音乐教育系硕士研究生

第二篇：第二届全国高校音乐教育专业钢琴教学研讨会

第二届全国高校音乐教育专业钢琴教学研讨会

第二届全国高校音乐教育专业钢琴教学研讨会暨钢琴学术委员会第二届年会于2006年9月19日在东北师范大学音乐学院(净月校区音乐厅)拉开帷幕。本届年会由中国教育学会音乐教育专业委员会主办(CSME)主办，由钢琴学术委员会、东北师范大学音乐学院和人民音乐出版社《钢琴艺术》杂志承办。并得到了协办单位激声博韵(上海)乐器贸易有限公司和长春新威琴行有限公司的鼎力协助。

18日，来自北京师范大学、上海音乐学院、首都师范大学、华东师范大学等全国52所高校近百位代表陆续来到了清爽宜人的吉林省省会――长春，他们的到来受到了东北师范大学音乐学院领导和老师的热烈欢迎。作为钢琴教育委员会的副主任和承办方主要负责人的张慧教授，更是以极高的热情带领其学生迎接各位代表的到来。

一、在交流中学习进取

9月19日上午会议正式开始，由高校音乐教育专业委员会钢琴学术委员会主任唐重庆教授主持。首先由中国音乐教育专业委员会理事长杨瑞敏同志向大会致词，杨瑞敏理事长高度赞扬了成立于2004年9月的高校音乐教育专业钢琴专业委员会是一个求真、务实、高效的工作团队，并明确了学会的中心任务就是为基础教育机构培养合格的师资人材；然后钢琴学术委员会副主任、华东师范大学李和平教授宣布第一届全国优秀钢琴教学论文评比结果，并进行了颁奖：最后由唐重庆教授做钢琴学术委员会工作报告。在报告中，唐教授总结了近两年来学术委员会工作完成的情况内容有：1．根据各地广大老师的建议，按照教育部“全国普通高等学校音乐学(教师教育)专业主干课程指导纲要”的精神，由唐重庆、张慧、李和平三位教授于2005年初讨论提纲并执笔编写，并由人民音乐出版社于2006年7月正式出版了《全国高等师范院校钢琴教材》：2．为了促进全国范围内的钢琴理论学术水平的提高，学会于2006年1月举办了“首届优秀钢琴教学论文评选活动”，并于9月圆满结束。同时，进一步强调今后钢琴学术委员会的工作重点是提高全国高校音乐教育专业钢琴教师的教学水平和能力，提倡教师要搞科研、搞演奏，计划于2007年组织全国范围内的钢琴教师音乐节等系列活动，为全国教师提供一个展示和交流的平台。当日下午，会议分成两个小组进行了钢琴教学的学术研讨活动，先是由在本次论文评比中获奖的教师对自己的论文进行宣读，然后是大家畅所欲言，就各自工作单位的教学情况、在教工作中遇到的问题、心得体验、困惑等等进行了发言和交流。研讨会上大家就感兴趣的钢琴集体课教学、钢琴教案的写作、学生实践能力的培养、教师自身修养的提高等问题进行了气氛融洽而热烈的研讨，教师之间互通有无，把自己的教学科研成果毫无保留的传授给同行们。研讨会后许多老师意犹未尽，相互留下联系方法，相约在以后的工作中继续交流、学习，共同进步。

当晚与会代表欣赏了东北师范大学音乐学院的专场演出。整个音乐会可以说是东北师范大学音乐学院现有钢琴师资力量的一次集体展示，这是一支年轻的、充满生命力的队伍，全部老师都是硕士研究生毕业或者在读，其中还有正在攻读博士学位的教师，他们先后演奏了《热情的快板》、《弄臣》、《变奏曲》、《钟》等世界钢琴名曲，获得了代表们的好评。虽然在演奏上还说不上是尽善尽美，有的演奏还有些遗憾，但是对于工作在教学第一线的教师来说，能够在繁重的教学工作之余坚持练琴，并且有勇气在全国钢琴老师面前进行演奏就很了不起了，值得我们其他院校的老师们学习。

二、在学习中开阔眼界

此次会议特邀了俄罗斯专家和中央音乐学院盛原老师做了精彩的学术报告。俄罗斯专家阿拉?格丽戈里叶娜?卡乌佐娃女士做了卡巴列夫斯基、肖斯塔科维奇、斯克里亚宾的专场报告，现年70高龄的阿拉?格丽戈里叶娜?卡乌佐娃女士毕业于莫斯科国立柴科夫斯基音乐学院，师从于俄罗斯著名钢琴家和教育家米里斯坦和伊贡诺夫教授，现任莫斯科国立师范大学教授、博士导师。

卡乌佐娃教授首先介绍的是卡巴列夫斯基(Dmitrv B．Kabalevsky,1904-1987)，他是苏联的作曲家、教育家、音乐社会活动家。他的钢琴作品具有丰富的旋律。将理性与浪漫主义风格完美结合，作曲手段看似简单，却能用简洁的手法融合高深的音乐理念，特别是他的《青少年钢琴作品》13册，共计一百五十多首，在俄罗斯被认为是可以和舒曼、巴托克、柴科夫斯基的儿童题材作品相提并论。卡乌佐娃教授为大家示范演奏了《第三钢琴协奏曲》(Op．50)的第一乐章，在欢快简洁的旋律中似乎看到了苏联少先队员活泼可爱、积极向上的精神面貌。在音乐教育专业钢琴教学研讨会上介绍这样的音乐家也是有一定现实意义的，它引起了我们对中国音乐界“卡巴列夫斯基”的呼唤。要使中国音乐教育能够健康、迅速的发展，除了优良的师资培养外，时代更需要这样有坚实理论、高超作曲技巧并愿献身于普通音乐教育的音乐家参与。

其次，介绍的是肖斯塔科维奇(DmitriShostakovich，1906-1975)，他是苏联最杰出的作曲家之一。肖斯塔科维奇生于彼得堡，从斯坦贝格学习作曲，从尼古拉耶夫学习钢琴。13岁时创作出管弦乐《谐谑曲》，1926年第一部交响曲首演于列宁格勒。其后的生涯中，他留下了编号共147首作品，他的笔触几乎遍及了音乐创作的各种体裁，其中的15首交响曲更是为他带来了不朽的荣誉。不寻常的经历，使他的音乐形成了鲜明的风格和人性。在以艺术家的道义和良知去面对个人的荣辱和社会风云的变幻时，肖斯塔科维奇的音乐达到了感人至深的程度。卡乌佐娃教授主要介绍了他的《序曲》(0p．34)，这套作品写于1933年，虽然离战争还有十年，但从中也体现了一个普通人对前途的彷徨与忧虑以及命运对个人幸福残酷的掠夺。特别引起与会者兴趣的是，很多小调的作品，俄罗斯专家却总是以“明朗”、“高兴”等来形容，和我们所认识的小调应该充满着忧郁、哀伤。在演绎上有较大的不同。

最后介绍的是斯克里亚宾。斯克里亚宾的创作可以分为三个时期。第一时期的作品细腻而富有诗意，这使他博得“20世纪的肖邦”的雅号。这是模仿时期，在这些作品里，可以看到他个性的萌芽。其中最重要的有《小奏鸣曲》四首、第一及第二号《交响曲》、《升f小调钢琴协奏曲》等。第二时期他开始和印象乐派接触，对新式和声的组合极感兴趣。在探索中产生许多新颖的成果，从而引起世界乐坛的注意，认为他是一个革命的、前进的作曲家。这使他成为新音乐的标准作家之一。他自称所创造的最奇异的和声组合为“神秘的和弦”，这是继德彪西全音阶后的又一进步。他所用的和弦不是根据大小音阶构成，他独创的音阶及和弦，使得近代调性观念发生变化。第三时期所写的“神秘剧”的习作和草稿，显然有属于恶魔和天使两种不同的心情，神秘的心情支配着他，他想用寻常音乐的言语来表现他的喜悦。他的《第七奏鸣曲》充满了神秘的幻想。这一时期的作品除了奏鸣曲以外，还有管弦乐《喜悦的诗》、《普罗米修斯》以及一些钢琴曲。他的早期作品均为钢琴曲，包括一部钢琴协奏曲、10首《玛祖卡》、12首《练习曲》、24首《前奏曲》、2首《即兴曲》等。创作深受肖邦影响，音乐富于浪漫色彩和幻想性，也不乏戏剧性的激情。1900年起主要创作交响音乐，包括第一和第二交响曲、第三交响曲《神圣之诗》、管弦乐《狂喜之诗》和交响诗《普罗米修斯》(又名《火之诗》)。后期潜心探讨唯心主义哲学，音乐创作运用多调性和无调性手法，并自创神秘和弦(即四度和弦)。在《普罗米修斯》中使用“色彩风琴”，以求得音乐与光和色的协调通感作用。他的10首钢琴奏鸣曲中自第6首起放弃任何调号，调性模糊。10首中较有名的有第二《奏鸣幻想曲》、第三《精神状态》、第五《狂喜之诗》、第七《吉利弥撒曲》等。他在近代俄罗斯音乐的发展上有一定影响。斯克里亚宾在音乐史中一直是位有争议的人物，近年来对他的研究又开始升温。他的哲学思想、神秘主义观念、综合艺术理念和非传统的创作技法给后人留下了许多不解之谜，并对现代主义音乐影响极大。他对传统和声功能的瓦解和在现代和声上的探索，成为在19世纪与20世纪音乐的转型中搭起的一座桥梁。斯克里亚宾对生活有三种信念：相信人的伟大、美丽的心灵、艺术能够对世界具有改造力，所以在他的作品中有积极的浪漫主义思想和对生活的特殊渴望：积极的思考生活，渴望理解、反映生活：贯穿其一生的创作中，集合了两种极端，即很自由、飞翔的抒情性和受折磨、痛苦。越来越紧张的悲剧性史诗，所以他运用的音乐手段有：1．利用感情的迅速变化与传统的平稳和思想性相结合：2．与音乐语言的变化相联系，多用离调和十二音列；3．旋律线条结合不仅有平行和垂直，而是用非常复杂的类似于人的神经结合的排列，较多用重音或具有神经质的节奏，序曲在他一生的钢琴音乐创作中占有较大比例，有如他的生活日记。作品16号的五首曲子可以独奏，但是每一首的结尾和后一首的开头是浑然一体的，第一序曲，旋律平稳，用一个三音列表述一直向上飞翔的渴望，开始时的旋律是从矛盾的环境中开始，直到结束时才下降，在思考中进入第二序曲，第二序曲在开始时带有一点紧张的神经质的节奏。

17、18小节越来越紧张，直到结束时用较长较响的和弦使紧张的情绪达到了极点。第三序曲是类似颤音的练习，整个音乐的空间在不停的颤动。第四序曲不仅是技术上的难点，音乐还逐渐走向阴暗，在钢琴上产生了很多不同的层次。第五序曲是悲剧性的史诗，紧张与不安有如“钟”的声音，类似警钟或地震，拉赫玛尼诺夫在纪念斯克里亚宾的音乐会上每次都以演奏此首曲目为结束。

卡乌佐娃在讲每位作曲家的作品时都背谱范奏。她的演奏气息宽广，音色丰富，博得了与会代表的阵阵热烈掌声。据主办方介绍，为了这场讲座，卡乌佐娃教授精心准备了两个月的时间，她的艺德深深感染了每一位与会代表。卡乌佐娃教授所选定的曲目并不像我们目前在教学中所追求“大”、“深”、“难”趋势的那种类型，但是无论从艺术价值、演奏价值都有较为深刻的现实意义。

20日晚上。欣赏了俄罗斯双钢琴演奏音乐会，俄罗斯钢琴家巴隆斯基?安那托里与巴隆斯基?艾里维拉是夫妇二人，是当今俄罗斯著名的钢琴教育家、钢琴演奏家，特别是在远东新西伯利亚地区，更是钢琴乐坛的风云人物，闻名遐迩。他们二人都是以优异的成绩毕业于新西伯利亚“格林卡”国立音乐学院钢琴系，他们的独奏曲目非常广泛，涉及到整个的古典派、浪漫派和近现代派作品，尤其是演奏俄罗斯近现代的作品，如演奏拉赫玛尼诺夫的第二、第三钢琴协奏曲和“第一、第二组曲”、《音画练习曲》及柴科夫斯基、肖斯塔科维奇、普罗科菲耶夫、斯克里亚宾等人的作品，可以说是正宗诠释，独领风骚，使我们能聆听到俄罗斯钢琴音乐的真谛。

最后一天上午，中央音乐学院的盛原老师作了巴赫专题的讲座。主要讲解了巴赫作品的记谱和声音的要求；使用踏板的必要性及其运用；乐句的划分及音乐的设计；装饰音的弹法；附点的几种弹法；声部安排等。作为世界钢琴大师、研究巴赫的权威专家图雷克的学生，盛原对巴赫有着很全面深入的了解，他的讲解和示范都极为到位，让巴赫的作品鲜活了起来，对我们理解和演奏巴赫起到了很好的引导作用，对我们以后的教学工作有实际的指导意义。

短短几天的会议结束了，但是它所起到的作用是无法估量的，它将全国许多热爱钢琴教育事业的老师们凝聚在了一起，为了共同的事业发展献计献策，把自己宝贵的教学经验和科研成果奉献出来。相信不久的将来一定会有更多的钢琴教师加入到这个充满生命力的行列中来，为了推动中国的钢琴教育事业而共同努力。

(宗励、蔡韧、刘娅报道)

第三篇：幼儿音乐游戏与幼儿园音乐教育

论幼儿音乐游戏与幼儿园音乐教育的整合

美国音乐教育学家雷默曾指出:“音乐教育的核心,是通过音乐的形式及其情感原理的教育,促进幼儿发展音乐审美的感知与领悟”。幼儿音乐教育可通过丰富的形式和多彩的内容为幼儿提供非常独特的非文本学习的形态,让幼儿充分调动自己的感官、动作和头脑,通过在音响世界的徜徉和体验而丰富、发展自身的认知和社会情感。其中,幼儿的音乐游戏就是一种幼儿音乐教育的重要手段。

一、音乐教育与音乐游戏的概述

音乐教育是幼儿园教学中一项主要的教育课程,对幼儿进行音乐教育,不仅能够陶冶幼儿情操,增强幼儿对美的意识和理解,还能够激发和培养幼儿发现美、创造美的能力。在幼儿的音乐教学中,认真的分析教材,充分利用教材中的教育因素,引导幼儿理解、感受音乐的内容和情感,并获得音乐能力的发展,是使音乐教育活动达到教育目标的重要条件。

音乐游戏是在歌曲或乐曲伴奏下进行的游戏,游戏中的动作要符合音乐的内容、性质、节拍、曲调,并有一定的规则。音乐游戏具有音乐和动作相结合的特点,对幼儿动作的发展、音乐的感受力以及活泼乐观情绪的培养,都具有积极的作用。

二、当前幼儿园音乐教学存在的问题

1.教师无法保证孩子在音乐课中自由、自主地创作发挥。尽管国家教育部门在教材教法上做了一系列改革,但音乐教育仍然跳不出“孩子围着老师转”的模式。有的老师总是觉的孩子不了解音乐欣赏课中代替孩子去体验、去判断。有的老师要求孩子按照成人的思维方式去想象去感受,使孩子没有机会去亲自感受、体会,自由的想象。孩子在学唱歌曲时,逐句模仿跟唱也是不可取的,我们应该在孩子充分欣赏音乐后,根据自己的理解和感受去大胆学唱。

2.幼儿园音乐教材内容比较单一。

歌曲是主要的学习内容,像音乐游戏、唱唱画画、节奏乐这些孩子感兴趣的、便于动手操作的题材较少。音乐游戏这种题材能使孩子在优美欢快的氛围中,尽情的玩耍,激发孩子们的想象力、创造力,让他们充分的与音乐进行交流。唱唱画画能使孩子在充分理解歌词的基础上,插上想象的翅膀,挥舞手中的画笔,去想象、去创造,这种形式孩子歌词学的快,记的牢。节奏乐能锻炼孩子的节奏,提高孩子手脚及身体的协调能力,促进孩子健康发展。各种不同的音乐题材,可以让孩子充分的感受音乐,体验音乐带来的快乐。

3.教师为了完成教学计划而牺牲孩子们享受音乐的机会。

每学期开始,教师都要制定一学期的教学计划。两节课学一首歌,一周学一个舞蹈,教师有时候为了赶进度,往往一首歌还没有完全掌握, 又要学习新的内容。这样一来,孩子们还没有充分享受音乐,理解音乐,还没有真正走进音乐的世界,所以体会不到音乐的魅力,对音乐就不可能有太大的兴趣,影响了以后孩子在音乐方面的发展。

4.教师往往过于注重幼儿对教学材料的掌握。

由于传统观念的影响,教师往往把活动的重点放在让幼儿在很短时间内掌握预设的教学材料上,而忽视对幼儿音乐能力的培养。实际上幼儿音乐教育的重点不在于给孩子多少音乐知识,而在于学习过程中孩子获得了多少的音乐感受,音乐教学的目的是使幼儿能够倾听、理解、表演和创造。

三、音乐游戏与音乐教育的整合所谓“教学游戏化”,就是要求在教学的实施过程中,尽可能淡化教育目的,强化游戏的手段,轻结果重过程。音乐游戏与音乐教育的整合可以通过以下途径:

1.创设音乐游戏情景,让幼儿感受音乐。

每一种音乐、每一首歌曲都描绘了一种情绪、情景。当幼儿进入游戏,进入游戏中的情节时,他们也就进入了音乐之中。我们可以根据教材设置不同的情景,让幼儿在我们营造的氛围中感受、体验音乐。在教学中,通过进行对音乐情景的模拟,引导幼儿在设置的情绪及情景背景下,做相应的音乐游戏,让幼儿学会在音乐伴奏的形式下做游戏来表达自己的情感和体验。

2.设计音乐游戏,让幼儿扮演角色学习音乐

（1）角色游戏。

在幼儿园音乐教材之中,很多歌曲都是以动物、小朋友等角色为主题的,为了让幼儿更好地理解音乐,感受音乐当中描绘的角色,我们可以设计一些角色的音乐游戏,让幼儿体会每个角色的形象、情绪,这样幼儿就会产生新鲜感,学习歌曲的兴趣高涨。

（2）听觉游戏。

我们在解释音的高低、音的强弱、节奏的快慢等一些知识时,单纯的理论解释,幼儿觉得枯燥乏味,对这些知识的理解也只是被动的,如果我们通过听觉游戏,幼儿在玩的过程中,自己去感受、理解,就会引起幼儿的兴趣。如《声音的强弱》活动时,让幼儿接触、感受自然界、生活中的声音的强弱,搜集不同形状、不同大小、不同质地、不同音色的各种材料所发出的强弱不同的声音,我们可以设计音乐游戏《一个雨天》,让幼儿去表现。通过不同音响引发幼儿不同版本的“雨天”,让幼儿在静中有动,动中有乐的听听、想想、打打、敲敲、玩玩、创创中进行音乐实践活动,幼儿的兴趣浓厚,在他们玩的过程中知道了音的强弱。

（3）利用音乐游戏,让幼儿发展音乐。

在新的教育理念指导下,我们要在教学过程之中培养幼儿的创新意识。而音乐游戏能很好地启发幼儿创编音乐,发展音乐。如在《牧童》这首歌曲,幼儿在情景中,扮演角色之后,提出了置疑,“为什么牧童放羊时,牧童哼着快乐的歌,小羊怎么都不叫呢?”幼儿产生了疑问,可以让幼儿想想自己刚刚表演过的情景。于是幼儿就自己编创出了新的歌词,分组来唱,一组是小羊的叫声,一组是牧童放牧的吆喝声。于是当歌曲唱到第三段时,幼儿自觉分成两组表演,当幼儿唱着自己编的歌曲时很是得意。

四、结语

音乐没有固定的意义,体验音乐实际上也是一个个性化地创造音乐的过程。艺术作品其实就是艺术家在创作中做出的各种艺术决定。音乐教育本身就应当使幼儿尽可能地投入音乐创作,通过创作让幼儿来体验他们自己对感觉的探索和发现。“在音乐课上应当鼓励幼儿生动、活泼地动起来,尽情体验音乐的没和力量,尽情抒发自己的感受。哪怕眉飞色舞、手舞足蹈,只要出自于音乐本身的内涵和幼儿自己的内心,都是好事。

第四篇：谈音乐教育与音乐素养审美体验

谈音乐教育与音乐素养审美体验

李易洋

【摘要】所谓音乐素质包括音乐知识、音乐心理、音乐能力和音乐文化素质，对中小学生开展音乐素质教育要从培养兴趣开始，专业与素养相结合，通过科学的理解音乐创新教育，实现审美体验的价值功能。

【关键词】音乐教育 音乐素养审美体验

谈到中小学音乐教育，诸如音乐素质、专业音乐教育、普通音乐教育、音乐创新教育、音乐学习兴趣、音乐审美等都是高频词。然而，在中小学音乐教师队伍中，确有一部分教师对这些高频词及内涵熟视无睹、睹而不见、见而不思、思而无获，在工作中无的放矢、盲目施教也就不足为怪了。本文仅就音乐素质内涵等亟待明晰的几个热点问题，做如下的浅释粗议。

1.音乐素质的内涵，学生音乐素质的内涵可概括地分为以下四个方面：

（1）、音乐知识素质：即有关读谱及音乐表现要素(音高、音色、建度、力度、节奏、节拍、放律、调式、调性、曲式、和声、体截、题材等)，为保证学生参与音乐学习过程及音乐实践活动所必须掌握的简单的基础知识。

（2）、音乐心理素质：即以音乐感受能力为核心的音乐感知能力、音乐记忆能力、音乐运动觉能力、音乐联想能力、音乐想象能力。

（3）、音乐能力素质：即学生参与听、唱、视、记、奏、创、动等具体音乐实践活动的能力。

（4）、音乐文化素质：即音乐史、音乐常识、音乐作品的涉猎范围，音乐与其它艺术的关系，音乐与艺术以外其它学科的关系，音乐与生活、音乐与社会的认识等方面的综合音乐文化知识结构。音乐同其它基础课程一样，以其特有的知识和技能为基础，才成为一种需要传函、研究与发展的学科。音乐教育如不突出它自身的特有属性也就不是音乐教育本身了。音乐教育所有价值，都必须以学生音乐素质的培养、发展与提高为载体、为过程、为手段才能得以实现。因此，学生音乐素质的发展与提高，是音乐教育的本位价值。 2.“会”是兴趣的根本古人云：“乐其道，善其事”，其含义不讲自明。迁移到学生学习上来，那就是要先培养学生对所学学科及具体知识的兴趣，首先实现乐其道。这样，学生就会学得积极、主动，学得事半功倍，以便达到善其事。用辩证的思维方法再来思考这句古话，我认为反之亦然，即善其事，更能乐其道。在生活中，人们总是对自己善长的专业和事情产生浓厚的兴趣，学生也往往是对学得好的学科再投入的更多。一个不懂球规的人不会成为球迷，一个不懂象棋的人，不会在一盘残局前观棋不语两小时。学习的“知难而退”，不正是学不懂、学不会而使兴趣丧失，弃“事”而逃吗?通过调查得知，在 我们的音乐教学过程中，学生学不懂、学不会而没办法学，是学生学习音乐兴趣逐渐降低的一个最本质的原因。所以，学生就是在“乐其道，善其事，更乐其道”的隐性而多次的反复中，其好强、好胜、自尊等心理需求得到满足，并实现学习兴趣的激发、深化、巩固、升华。因此，“会”是学生学习兴趣的根本。这就要求我们不论是教材的编写，还是音乐教育教学的具体实施，都要始终注意并做到让学生有一个我想学，我会学，我能学会，我能行，我已经学会的良好的学习心理感受，优化学生学习的“心境”。

3.走出域属的误区音乐教育区分为两种基本类型，即国民音乐教育与专业音乐教育。中小学音乐教育域属于国民音乐教育。可在具体的教育教学实践中进行。这种隶属关系却偏偏走进误区，其表现就是忽左忽右，走向极端，要么是正规专业化，听“效果”谁高谁低；要么是谈虎色变，敬而远之避开“专业化”之嫌。凡此种种，都会使中小学音乐教育误入岐途，与真正的音乐素质教育背道而驰。究其原因，就是没能科学地理解中小学音乐教育与专业音乐教育的联系与区别。专业音乐教育也好，中小学音乐教育也罢，所教所学的知识与能力本来就同出一脉，又都属于教育的范畴。因此，虽然是两种不同性质的教育，但这种亲缘关系是客观的，这就是两者之间的本质联系。两者的区别首先在于培养的对象和目标上，专业音乐教育是面向挑选出来了少数人，培养音

乐专业人，中小音乐教育是面向所有学生，提高全体国民的音乐素质。其次是表现在具体的教育过程的诸多要素上，就教学内容而言，专业音乐教育追求全面系统、高难深刻、熟练清湛、身怀绝技等。而中小学音乐教育更注重的是全体教育对象的可接受性，人才全面发展的基础性，实现美育功能的艺术性，教育过程的愉悦性等等。相对专业音乐教育要浅显、容易、简单得多，但绝不是没有必须掌握的内容，体现在过程和方法上，中小学音乐教育与专业音乐教育相比，就不是那么机械、严格、枯燥、求精，而是激发兴趣，轻松愉快，自由解决，学乐交融。基于这种认识，将专业音乐教育与中小学音乐教育等同视之，或将两者泾渭分明地对立起来都是不科学的。 4.实现审美体验价值

（1）、音乐的美是以音乐为载体的：音乐的美，就是音乐唱(奏)的形式的美，使音乐现实化的声乐的美，这些声乐所表述的音乐内容的美，这些内容所包含的情感的美。音乐的美是以音乐本身为载体的，离开了音乐，音乐的美就不存在了。因此，音乐教育必须强调音乐性，即在音乐中进行教育，音乐教学过程就是一个学生不断地感受、感知、理解、探索、表现及创造音乐的过程。而语文课式的大段讲解与诠释，美术课式的以“画”代“音”，剥夺学生接触音乐的机会和权力，就无从谈到音乐的美。

（2）、音乐素质是基础：再好的佳肴，对于一个正在严重伤风感冒的人来说，也难以吃出什么味道来，原因是味觉功能出了问题。音乐的审美也是如此，是以人们对音乐的旋律、音色、力度、速度等诸音乐要素等表现手段的感受为基础，再对这些感受到的音乐信息进行整合分析，进而品尝到音乐的美。而这种感受，必须凭借一定的音乐素质基础，只有赖以不断提高的音乐素质，学生才能真正地走进神秘音乐殿堂。有了这样的素质，音乐审美才有了通道，有了桥梁，有了可能。否则，就审美而空洞地谈审美，将永远是浅层次而外在的。4.3情感参与是关键：音乐是情感的艺术，中小学音乐教育中强调的审美体验，情感体验是主体。在感受、理解、表现、创造音乐的过程中，在美妙的音乐音响形式作用下，学生的情感与音乐旋律共起伏，与节奏同张弛，与音乐同悲、同喜、同欢、同乐。在这丰富而深刻的情感体验中，学生获得一个新的真善美的世界，感受理解了崇高与伟大，和谐与美好等多种情感，触及到了音乐创作者的美好心灵，为之吸引，为之陶醉，为之同化。在这样的过程中，音乐教育的审美体验价值才能得以实现。因此，在音乐的教学过程中，必须解放学生情感，并调动学生情感的积极参与。 5.科学理解音乐创新教育 就实现创新的条件而言，已有的知识信息和能力是基础，现实的问题启发是前提，创造性思维品质是保障，主动积极的研究探索是过程，首创的结果

是标志。创新教育是偏正词组，创新是偏，教育为正。因此，创新教育的首要任务，还应该是解决创新的第一个条件，即本学科的基础知识的掌握，基本能力的形成。然后才有可能谈到创新。否则，创新就会成为无源之水，无本之木。教学内容意义上的知识和能力，对教师来说是已知的，而对学生来说是未知的，实施创新教育，就是要把学生由未知到已知的过程，变为一个由学生自我研究、自我探索、自我发现的过程，在这个过程中，激发学生的创新动机，形成学生的创新意识，发展学生的创新思维，培养创新能力。音乐学科的创新教育也是如此。音乐自身内容的不确定性，理解空间的广延性，个体理解的差异性，都为音乐学科的创新教育提供了广泛的可能性。在实施音乐创新教育过程中，万万不可把创新狭隘地理解为创作一条节奏或一条旋律，认为只有这样才体现了音乐创新教育，才实现了音乐创新教育。如笔者曾见到一位教师上的一堂音乐课,开始便是一首七言古诗展示给学生，读讲几遍之后，便是一整堂课的让学生为之作曲，可见气势之“宏大”，创新体现之“充分”，且不说这些小学五年级学生，就是专业的大一学生又如何?可见对音乐创新教育理解之机械，操作之荒唐。-

第五篇：报考音乐教育与音乐表演有什么区别

报考音乐教育与音乐表演有什么区别

师范大学的音乐教育是强项，音乐表演相对弱些，对于音表还是专业性的音乐学院好些。音乐表演和音乐教育在培养方式上基本上一样的，只是你考试的时候专业和文化成绩的比例不一样。音表专业比例高点，身高有要求。音教文化比例高点。不过对于你将来想往那方面发展这还要你自己看。

音表注重主专业，在考大学时候大部分学校会把主专业的分数值占得比例大些，也会考乐理小三门之类的，但是音教就是还要在主专业的基础上看你的乐理小三门，而且有的学校还要求有第二专业就是在钢琴，声乐中选个进行考试加分。毕竟音教是要全面发展的所以考的东西多些，将来进了学校学的东西也比音表宽度广些。但是音表会学的专业性东西多，比如会学作曲指挥、音乐制作、音乐舞台剧编导之类的。

归结起来，两者的主要区别就是，音教是培养老师人才毕业后有个教师资格证，音表是陪样音乐人才的毕业后从事乐团，音乐制作等等。

音乐表演和音乐教育在培养方式上基本上一样的，只是你考试的时候专业和文化成绩的比例不一样。音表专业比例高点，身高有要求。音教文化比例高点。就业的话，其实音教的就业还好点，我们学校至少是这样，其实学音乐除了做老师，就是做表演，可能学MIDI的还可以去唱片公司吧。但是百分之九十九的音乐专业的学生没有从事表演，从事教育的反而比较多，而音教在考试方面又略胜一筹，因为文化能力强些，现在什么公立学校不要考试呢？笔试就是第一关了，没过笔试什么也别想。个子矮是不适合表演的，除非你优秀到像吴碧霞那样。音教出来也不一定只能当老师，但是大部分会选择当老师，那就取决于你自己的目标意向了。

音乐教育方向是中小学音乐教师，课程设置比较单一，只是就音乐方面开设相关课程，有的学校音乐教育是指专科，本科是音乐学，学制3年，由于专业学习比较系统，毕业后可从事和音乐相关的其他专业

音乐教育和音乐表演其实着根点是一样的，那就是对音乐的学习。只是发挥的平台不一样，一个是讲台，一个是舞台。至于哪个更有利于今后的发展，那就要看你的选择了。相较来说，音乐教育要更稳定一点，而且也要更理论一些，面对的群体也要更单纯一些。而表演则要更强调机会性，更强调修炼。因为现在学音乐表演的人太多太多，而这一行，只有出名才会有所收获。但两者，都要求不断地学习。