摄影教案九[摄影构成]

第一篇：摄影教案九[摄影构成]

第三章

摄影构成

教学目的与要求：

要求学生了解构图的概念，掌握构图的基本要求和各种结构构图形式。

重点：构图的基本要求

难点：各种结构构图形式。教学程序：

一、引人课题

展示两幅不同类别的摄影作品，请同学们欣赏。

提问：两幅作品它们在构图形式美方面有什么相同或不相同，画面这样处理对作品意图的表达有什么用处？进入新课。

二、讲授新课

摄影艺术的创作，在对着丰富多彩的现实生活，谁都想拍摄出生动感人的艺术作品。当你很熟悉了解自己的照相机和各种感光材料的性能并掌握了一定的用光，布光知识和技法；当你把镜头对着人物和具有典型意义的事件，对着雄伟的建设场景和壮丽的山河风光，你考虑的一定是如何构成一个理想的画面，创作出完美的艺术形象来。也许就在这个决定作品命运的一瞬间，你深深地感到构图是那么重要，那么关键。在很大的程度上，构图决定着构思的实现，决定着作品的成败。因此，研究摄影构图的实质，就在于帮助我们从周围丰富多彩的事实中选择出典型的生活素材，并赋予它以鲜明的造型形式，创作出具有深刻思想内容与完美形式的摄影艺术作品。

（一）构图的概念

1、什么叫“构图”

构图一词是英语COMPOSITION的译音，为造型艺术的术语。它的含义是：把各部分组成、结合、配置并加以整理出一个艺术性较高的画面。在《辞海》中，谈到“构图”为艺术家为了表现作品的主题思想和美感效果，在一定的空间，安排和处理人、物的关系和位置，把个别或局部的形象组成艺术的整体。在中国传统绘画中称为“章法”或“布局”。这个术语中包含着一个基本而概括的意义，那就是把构成整体的那些部分统一起来，在有限的空间或平面上对作者所表现的形象进行组织，形成画面的特定结构，借以实现摄影者的表现意图。总之，构图就是指如何把人、景、物安排在画面当中以获得最佳布局的方法，是把形象结合起来的方法，是揭示形象的全部手段的总和。

构图还需讲究艺术技巧和表现手段，在我国传统艺术里叫“意匠”。意匠的精拙，直接关系到一幅作品意境的高低。构图属于立形的重要一环，但必须建立在立意的基础上。一幅作品的构图，凝聚着作者的匠心与安排的技巧，体现着作者表现主题的意图与具体方法，因此，它是作者艺术水平的具体反映。概括地说，所谓构图，也就是艺术家利用视觉要素在画面上按着空间把它们组织起来的构成，是在形式美方面诉诸于视觉的点、线、形态、用光、明暗、色彩的配合。

构图是表现作品内容的重要因素，则作品中全部摄影视觉艺术语言的组织方式，它使内容所构成的一定内部结构得到恰当的表现，只有内部结构和外部结构得到和谐统一，才能产生完美的构图。

2、构图的目的

每一个题材，不论它平淡还是宏伟，重大还是普通，都包含着视觉美点。当我们观察生活中的具体物象-人、树、房或花的时候，应该撇开它们的一般特征，而把它们看作是形态、线条、质地、明暗、颜色、用光和立体物的结合体。通过摄影者运用各种造型手段，在画面上生动、鲜明地表现出被摄物的形状、色彩、质感、立体感、动感和空间关系，使之符合人们的视觉规律，为观赏者所真切感受时，才能取得满意的视觉效果-视觉美点。也就是说，构图要具有审美性。正象罗丹所说的“美到处都有的，对于我们的眼睛，不是缺少美，而是缺少发现美。”；作为摄影者，不过是善于用眼睛渤视大自然并把这种视觉感受移于是画面上而已。

但构图不能成为目的本身，因为构图的基本任务，是最大的可能阐明艺术家的构思。

构图的目的是：把构思中典型化了的人或景物加以强调、突出，从而舍弃那些一般的、表面的、繁琐的、次要的东西，并恰当地安排陪体，选择环境，使作品比现实生活更高、更强烈、更完善、更集中、更典型、更理想，以增强艺术效果。总的来说，就是把一个人的思想情感传递给别人的艺术，这话可真切地表达了构图的目的。

3、构图的性质

构图和设计可以通用，因为它们的含义是一样的。设计的精确概念和它的原始含义是构思，即艺术家为了明确而动人地表达自己的思想而适当安排各种视觉要素的那种构思。

构图不仅指具体操作，而且还意味着把整个形态作为与复杂的摄影规则相联系而描绘的对象，把自然物象引入到一个现实的境界，成为不同于自然的一个独立存在的世界。任何一幅优秀的摄影作品都是一个复杂的思想艺术的统一体。作品的复杂性是由生活的复杂性决定的。然而在画面处理上贴切自然，五彩缤纷，浑然天成，绝少斧凿痕迹，这是什么缘故呢？原在就在于摄影者在创作时，就象“工师之建宅”，经过一番选择提炼，筹划安排，组织结构上下了功夫，在“经营位置、置阵布势”中体现了摄影者对生活的理解和匠心独运。因此，我们在创作中一定要进行一系列的组织安排，巧思结构，精心布局，突出主要的方面，强调出本质的东西，并把作品的主题思想体现到鲜明的形象组织中去。

构图学就是要研究一切构图的结构形式和规律，研究构图结构的原理和原则，研究构图和各种思维形式的对应关系。构图学必须建筑在全部思维科学的基础上。但构图是否也反映了客观事物的规律，至今人们仍有各种不同的看法。有人认为“画无定法”，因为客观事物千变万化，情感思想内容更是纷纭复杂，所以谁也讲不出构图结构的规律。恩格斯说“自然界中的普遍性的形式就是规律”，因此可见，规律就是普遍性的形式。实践证明，构图结构是有一定的规律的，在中国画论时的“经营位置、布置、布局、结构、光色”等都是有关构图规律精辟论述。

在中国传统绘画中把构图结构称为“章法”或“布局”，“展纸作画章法第一”。位置经营如同围棋，下子格格皆可落，切勿乱迷。素纸也可处下落墨，切记不可胡乱抒笔。棋有棋路，画有画理，一笔走失如棋败局。古人将章法（构图）比作下棋，摄影变如此，也要有一定的章法与布局，置阵布势。

因此构图称为画面总要，所谓总要就是纲要、概要的意思，画面构图象写文章一样，做到有章有法，有次有主，相互呼应，虚实对比，藏露隐现，简繁适中，疏密无间等的构图规律，服从于主题表现的要求，同时又要取得整体形式感的完美和谐的统一，这就是构图最终的目的。

（二）构图的基本要求

构图的基本要求是丰富、简练、有表现力。应该力求使整个画面干净，避免多余的物体出现在画面上影响主体。而且应以不同的表现方法，强调和突出想要表现的内容。

1、丰富——就是整个画面不拘一格，不呆板，无论是画面的形式还是画面的效果都是多样而不是单一的，被摄体无论是外观还是形状都应该多元化，这样整个的画面效果才会比较自然美观。

2、简练——整个画面的效果应该为主体服务，画面中那些可有可无的景物应该删去。因为整个画面的范围是有限的，不能因为一些多余的景物和个体影响整个画面和主体的效果。

3、有表现力——在安排景物的时候，一定要本着尽可能地让被摄体突出的原则，同时也兼顾与周围环境的和谐。这样拍摄出来的效果才会更有吸引力。

（三）构图的各种形式

1、线条——摄影要在画面中表现万物的形象美，就离不开线条这个基本因素。线条不仅具有形式美，而且还富有情感色彩，如果在画面中选用得当，可增强画面的表现力。

（1）线条的造型美

画面是用点、线、面结构而成的。线条在画面中的艺术职能，是连接各个物体或块面，使支离破碎的被摄体富有整体感，形成连贯的结构；线条又可使画面的块面分切明显，经纬清晰，主次分明，呈现出骨架脉络。线条的种种结构形式都有利于形象的塑造。如何在实景中提炼线条的美感？首先通过拍摄角度来强化线型的表现力。拍照时，我们围绕主体，通过相机的取景框仔细观察，选取最佳的拍摄点，使线条富有美的形态；其次，注意景物早晚的光影变化，即物体上明与暗的交界线，以及物体被照射而形成的投影线条，这类线条结构是根据光源方位变化而变化，形式简洁优美，清新悦目。

画面是两度空间的平面。为使它具有立体感，就要运用线条的透视规律，给人以三度空间的印象。因此，线条透视是画面空间造型的一个主要因素，它研究的是三个坐标向的点、线、角、面、体,伴随着视距的变化而变化的规律；画面线形的远近、大小、粗细，以及线条的发散与聚集，都随着视距变化而变化。因此。在画平面上能通过线条体现出物体的空间位置和深度，表现出物体的立体形态。

我们欣赏一幅线条比较突出的摄影画面时，视线往往会不自觉地随着画面的线条进行视点位移，最终被引向画面的主体或中心。画面中的线条对读者具有指向的引导作用，它用自身的走向来约束人的视线外流。我们在处理画面的线条造型时，要掌握这个特性，用线条抓住读者的视线，使其一步一步地了解画面的中心含意。

（2）线型的系列

线条指被摄体具有明显的线性结构，使得在画面中可以形成的一些线条，如轮廓线、地平线等。线条构成的作品是摄影中必不可少的一部分。线条的形式有很多，线型可分为两大系列，直线和曲线。硬线条的折线是直线向曲线的过渡，是两者的组合。

直线——可分为垂直的竖线和水平的横线以及有斜度的倾斜线。

竖线：给人有力、坚实、庄严、高耸的感觉。由于垂直竖线的透视汇聚，会使被摄体显得高大宏伟。若是单调、平行的垂直线则给人以沉闷、呆板之感。

横线；像画面富有静态美，它平稳而变化小，行进徐缓。横线条构图其画面视野开阔，场面壮观，宜表现宽广深远的场景。如拍摄清清的河水，静静的湖泊等景物。画面中的水平线能使构图均衡，但是又有单调之感。可用小的物体加以点缀，改变平静的线条，使之有变化。此外，横线结构也适于拍摄海洋、高山，农村一望无际的大地等。画面的横线构图，一定要注意水平线的位置，否则有等分画面之弊。

斜线：一般指上升或下降的，有变化的坡形线条，它具有运动的趋势，适于表现运动的物体。它有较强的视线引向作用，引导观众的视线到达主体，最能突出主体。它还有较强的透视感，可增强画面的纵深度。

曲线——曲线是富有自然美的、情感浓郁的、造型能力强的线条，在选择景物的曲线时，只能因势利导，使曲线的自然美上升到艺术美，曲线才有艺术的价值。曲线在画平面中或上下弯曲行进，或向左右两侧弯曲，或向画面的纵深远行，使画平面增强三度空间性。而波浪式行进，螺旋式旋转，蛇形蠕动的曲线，不但能加强画面的纵深感，而且线形弯转，流畅活泼，富有动态。

使用线条结构画面，不仅整个画面效果鲜明突出，而且画面具有一种和谐的美。但是在使用的时候切忌贪多，过多的线条会让整个画面显得凌乱不堪、没有章法。

2、和谐

和谐就是按照烘托主体和保证画面完整的原则，把画面的各个部分协调地安排在一起，组合成一个整体。和谐分为均衡和对称两种。

均衡与对称是构图的基础，主要作用是使画面具有稳定性。均衡与对称本不是一个概念，但两者具有内在的同一性——稳定。稳定感是人类在长期观察自然中形成的一种视觉习惯和审美观念。因此，凡符合这种审美观念的造型艺术才能产生美感，违背这个原则的，看起来就不舒服。均衡与对称都不是平均，它是一种合乎逻辑的比例关系。平均虽是稳定的，但缺少变化，没有变化就没有美感，所以构图最忌讳的就是平均分配画面。对称的稳定感特别强，对称能使画面有庄严，肃穆，和谐的感觉。比如，我国古代的建筑就是对称的典范，但对称与均衡比较而言，均衡的变化比对称要大得多。因此，对称虽是构图的重要原则，但在实际运用中机会比较少，运用多了就有千篇一律的感觉。

（1）均衡和谐

均衡是为了打破较呆板的局面，它既有“均”的一面，又有灵活的一面。均衡的范围包括构图中形象的对比，人与人，人与物，大与小，动与静明与暗，高与低，虚与实等的对比。结构的均衡是指画面中各部分的景物要有呼应，有对照，达到平衡和稳定。画面结构的均衡，除了大小、轻重以外，还包括明暗、线条、空间、影调……等均衡的作用。如图所示。

（2）对称和谐

对称，象征一种高度整齐的程度。比如蝴蝶，它的形体和翅翼花纹的对称美，一直为人们所欣赏。在摄影作品中对称的画面也常可见到，特别在舞台摄影中用的较多。在摄影的构图中，绝对的对称会给人一种静止的，拘谨的和单调的感觉，生活中人们的审美要求仍然以追求均衡为多。

每一个画面都有一个中心，以中心为界限，界限两边的物体的数量、形状、大小等基本一致。对称和谐的画面显得稳重和庄严，一般可用于拍摄建筑、风景等。但是过多的运用对称会使画面有些死板，缺乏生气。如上图所示。

3、对比

对比就是把两种差异很大的物体放置在同一幅画面中，利用它们之间的不同产生对比，以达到增强表现力的效果。对比的类型和作用如下：

影调对比——借助景物明暗反差不同来进行对比，一般以明暗的和暗淡的进行对比

动静对比——利用比较慢的快门，拍摄运动着的物体，利用运动物体的模糊和清晰背景形成鲜明对比，以突出动体的动感效果

虚实对比——利用大光圈镜头适当提高快门速度的拍摄，把背景虚化处理，与清晰的主体做对比，以达到突出主体的作用

形状对比——用小衬大，以低衬高，以短衬长等等，用不同的物体外形来进行对比，使其效果更加突出

4、结构图形

结构图形是运用一些平时熟悉的形状来安排画面，使各种景物都能很好地融合在一起，使得到的效果更加和谐、统一。

（1）平衡式构图——平衡式构图给人以满足的感觉，画面结构完整，安排巧妙，对应而平衡。常用于月夜、水面、夜景、新闻等题材。

（2）对称式构图——对称式构图具有平衡、稳定、相呼应的特点。缺点：呆板、缺少变化。常用于表现对称的物体、建筑、特殊风格的物体。

（3）变化式构图——变化式构图故意将主体安排在某一角落或某一边，能给人一思考和遐想的空间，留下进一步判断的余地。这种构图富于韵味和情趣，常用于山水小景、体育运动、艺术摄影、幽默照片等。

（4）对角线构图——对角线形构图是最基本的经典构图方式之一，把主题安排在对角线上，能有效利用画面对角线的长度，同时也能使衬体与主体发生直接关系，富于动感，画面活泼，容易产生线条的汇聚趋势，吸引人的视线，达到突出主体的效果。这是一个非常著名的构图表现方法，利用了斜线作为主要的构图形式，因为斜线具有动感。在对角线构图在画面中，线所形成的对角关系，使画面产生了极强的动式，表现出纵深的效果。其透视也会使拍摄对象变成了斜线，引导人们的视线到画面深处。在摄影画面构图中，除明显的斜线外，还有人视觉感应的斜线，表现在形态的形状、影调、光线等产生视觉抽象线。因此对线性的把握是摄影构图运用线的关键。

（5）交叉线构图——景物呈交叉线结构，景物的交叉点可以在画面以内，也可以在画面以外。前者有类似十字形构图的特点，后者有类似斜线构图的特点，能充分利用画面空间，并把视线引向交叉中心，也可引向画面以外，具有活泼、轻松、舒展、含蓄的特点。

（6）椭圆形构图——椭圆形构图容易形成强烈的整体感，并能产生旋转、运动、收缩等视觉效果。常用于表现不需要特别强调主体，而着重表现场面或者渲染气氛的画面内容。

（7）X形构图——线条、影调按X形布局，透视感强烈，有利于把视线由四周引向中心，或者景物具有从中心向四周逐渐放大的特点，常用于建筑、大桥、公路、田野等题材。

（8）十字形构图——画面上的景物、影调或色彩的变化呈正交十字形，能剩余较多的空间，因而能容纳较多的背景和衬体，使视线自然向十字交叉的部位集中。多用于有稳定排列组合的物体，或者拍摄有规律的运动物体等。

（9）水平线构图——水平线式构图具有平静、安宁、舒适、稳定等特点。常用于表现平静如镜的湖面、微波荡漾的水面、一望无际的平川、广阔平坦的原野、辽阔无垠的草原等。

（10）斜线式构图——斜线式构图分立式斜线和平式斜线两种，常表现运动、流动、倾斜、动荡、失衡、紧张、危险、一泻千里等场面。也有的画面利用斜线指出特定的物体，起到一个固定导向的作用。

（11）三角形构图——以三个视觉中心为景物的主要位置，有时是以三点成面几何构成来安排景物，形成一个稳定的三角形。这种三角形可以是正三角也可以是斜三角或倒三角，其中斜三角较为常用，也较为灵活。三角形构图具有安定、均衡但不失灵活的特点。三角形构图，在画面中所表达的主体放在三角形中或影像本身形成三角形的态势，此构图是视觉感应方式，如有形态形成的也有阴影形成的三角形态，如果是自然形成的线形结构，这时可以把主体安排在三角形斜边中心位置上，以图有所突破。但只有在全景时使用，效果最好。三角形构图，产生稳定感，倒置则不稳定。可用于不同景别如近景人物、特写等摄影。

（12）S形构图——这又是一种基本的经典构图方式。画面上的景物成S形曲线的方式分布，具有延长、变化的特点，使画面看上去有韵律感，产生优美、雅致、协调的感觉。当需要采用曲线形式表现被摄物体时，首先应该想到运用S形构图。常用于表现河流、小溪、曲径等。S形构图具有曲线美的特点又能产生变异的视觉焦点，画面简捷明了。然而在安排主体对象时，必须安排在C形的缺口处，使人的视觉随着弧线推移到主体对象。C形构图可在方向上任意调整，一般的情况下，多在工业题材、建筑题材上使。此外，半圆式的C字形构图，留有缺口，其缺口不论向上、向下、向左、向右，都能给人活泼欢快的感觉，并有收敛视线的作用。S形构图是比较美的，也是常用的，它是双弯曲的正反两个方向的曲线组合，有对比又有变化，其双弯曲又相似而又相反，有统一的形，又有反向的对比，这种线条能充分利用画面空间。我们拍摄盘山公路，弯曲的河流，曲折的小巷，产品的自然序列，生活中的瓶瓶罐罐，以及人体的舞蹈姿态，都可采取单弯曲或双弯曲及S形的各种曲线结构。由于心理因素，曲线能引起人们感情上的共鸣，如凸形曲线使人有活泼激越之感，凹形曲线则使人感到低沉郁闷。只要曲线和画面内容配合起来，就能形成不同的思想情调。

（13）向心式构图——主体处于画面中心位置，四周景物呈现朝中心集中的构图形式，能将视线强烈引向主体，并起到聚焦的作用。具有突出主体的鲜明特点，但有时也产生压迫中心，局促沉重的感觉。

（14）放射式构图——以主体为核心，景物向四周扩散放射。这种构图方式可使人的注意力集中到被摄主体，尔后又有开阔、舒展、扩散的作用。常用于需要突出主体而现场又比较复杂的场合，也用于使人物或景物在较复杂的情况下产生特殊效果。

（15）垂直式构图——垂直式构图能充分显示景物的高大和纵深。常用于表现万木争荣的森林、参天大树、险峻的山石、飞泻的瀑布、摩天大楼等。

（16）九宫格构图——这是最为基本的构图方式之一，将主体安排在“九宫格”交叉点的位置上，一般认为右上方的交点最为理想，其次为右下方。这种构图方式较为符合人们的视觉习惯，使主体自然成为视觉中心，具有突出主体并使画面趋向均衡的特点。

（17）L形构图——用类似于 L 形的线条或色块将需要强调的主体围绕、框架起来，起到突出主题的作用。L 形如同半个围框，可以是正 L 形也可以是倒 L 形，均能把人的注意力集中到围框以内，使主体突出，主题鲜明。常用于有一定规律线条的画面。

（18）黄金分割式构图—— 所谓“黄金分割”，也就是“黄金比例 ”A:B=B:A+B，将之运用于美术和摄影的构图中往往提5:8的比率来表示，对于实用，尤其是摄影的构图来说，已经是足够准确了。在具体的摄影构图中，可将其应用于情节对比、虚实对比、动静对比、大小对比等。“黄金分割”是一种由古希腊人发明的几何学公式，遵循这一规则的构图形式被认为是“和谐”的，在欣赏一件形象作品时这一规则的意义在于提供了一条被合理分割的几何线段，对许多画家/艺术家来说“黄金分割”是他们在现时的创作中必须深入领会的一种指导方针，摄影师也不例外。黄金分割式构图又称三分式构图法（井字构图法）。将照片的横与竖各分成三等份。形成井字格。这种分割是符合黄金分割律的。井字格的四个交叉点是视觉重点，而右侧的两个交叉点又是视觉趣味中心。这是人的视觉心理的规律。它们往往是景物主体的理想位置。这种构图适宜多形态平行焦点的主体。也可表现大空间，小对象，也可反相选择。这种画面构图，表现鲜明，构图简练。可用于近景等不同景别。黄金分割的作用

●处理好画面的稳定感：稳定在摄影作品中一般指景物的水平线、垂直线是否正确。

●处理好画面的空白：空白指画面上的空间，一般在拍摄动体照片时，必须注意运动方向的前方要留有一定的空白，这样有助于加强运动的空间感。在人物拍摄时，人物视线的前方要留有一定的空间，这样就不会留下阻碍的感觉。

●调整视觉重点的位置：照片上最能吸引人的那一部分，就是视觉中心。若要突出主体形象，就要安排在视觉中心的位置上。

黄金分割—荷花

（四）摄影构图需要注意的地方

出色的构图，能使画面主次分明，详略得当，给人以美感。一幅照片，若不具备良好的构图形式，往往无法引人入胜，更不能尽兴地表达内容。在迈入摄影艺术的自由王国之前，只有掌握其基本规律和标准方法，才能避免出现画虎不成反类犬之现象。初学摄影者常犯的错误有：

1、画面撑得太足：有些初学摄影者拍照时喜欢让被摄主体顶天立地充满画面，这很不利于照片后期制作过程中进行裁剪。同时也会令到作品显得拘谨、死板。

2、地平线倾斜：有的人为了将一些高大的景物拍全，便在取景时采取了让画面倾斜的方法。这实在是个得不偿失的做法。如此，势必造成地平线倾斜，画面失衡，视觉感受不舒服。

3、头撞南墙——拍摄侧面的人像或带有向前冲势的物体时，没有在画面主体的前方留一定的空间，给人一种头撞南墙的感觉，画面显得沉闷、压抑

4、附加物缠身——背景选择不当，产生了烟囱长在肩膀上、脑袋上冒出大树杈等现象，破坏了人物原来的形象

5、落格——当被摄者与高大的衬景在一起时，顾景不顾人，一味将镜头抬高，结果是拍全了，可人物在画面上常常只剩下个脑袋，落在画面的下端，非常难看。

6、画面分裂——取景时没有处理好地平线的位置，将其置于画面正中，于是画面被一分为二，呈分裂状，缺乏和谐、统一之感。

7、喧宾夺主——在画面中过多地表现了陪衬体，使主体物处于次要的地位，反而不引人注目。

8、缺乏趣味中心——取景时缺乏忍痛割爱的精神，“鱼”取、“熊掌”亦取，意欲兼收并蓄，反而造成了画面无主次、小头绪、结构松散、杂乱无章的现象。

9、各顾东西，神情不一致——在拍摄众人合影照时，人物的位置没安排好，不能形成一个向核心靠拢的趋势，画面形势呈分裂状，与作品所欲表现的主题不相符。

10、画面失衡——在构图时没有顾及画面的影调结构、色彩结构的协调，造成画面色彩，影调失衡，影像照片效果。小结：

构图的基本形式分为：线条、和谐、对称、结构图形等几种。思考题：

远景、全景、中景、近景和特写各有哪些特点？

第二篇：广告摄影教案(九)

第三节：光源的方向分析

（重点）

光源的位置及照射角度即为光线的方向，光线的方向决定受光面与阴影的范围及位置，会影响摄影的空间控制、立体感、质感与画面气氛，为摄影之重要技巧。

一、正面光

1．定义

又称“顺光”。光线向被摄物体正面照射，故能全面受光，但极少阴影的衬托，较无立体感。

2．正面光的特性

（1）立体全面受光，影像清晰。

（2）色彩均匀亮丽。

（3）缺少阴影衬托，较无立体感，可使用大光圈拍摄，使前后景模糊，增加深度感。

（4）强光直摄刺眼，使被摄人像表情僵硬，只需稍微改变脸部方向就能改善。

（5）极易产生暴光过度，需注意暴光值的掌握。

3．适用时机

a.顺光具有清晰描写之优点，但因缺少光影衬托，较无立体感，尤其当拍摄明亮的雪景或婚纱时，更易因曝光过度而损失影象层次。

b．但对于不会产生强烈反光的被摄体。例如衣服、布鞋等，顺光则可以清晰地表现层次细节。

二、斜侧光

1．定义

光线的分布，随着投射角度的移动，产生多样的变化，由侧面斜照过来的光源较富立体感，为商品摄影所常用。随着灯光与立体感位置关系之改变，可分为前侧光、正侧光、后侧光三种。

（1）前侧光：灯光在立体左前或右前方。强调被摄物体形态与立体效果时，较常使用。

（2）正侧光：灯光在立体左方或前方，着重侧面轮廓及被摄物体的立体表现。

（3）后侧光：灯光在立体左方或右方，以强调侧面轮廓线为主。

2．斜侧光的特性

（1）能制造阴影，产生立体感。

（2）反差适度，层次丰富，对质感的表现效果佳。

（3）色温调分明，便于营造气氛。

（4）不似顺光刺眼，人物表情较自然。

（5）若以硬光照明，明暗反差悬殊时，曝光难以控制，色彩表现不宜。

（6）容易出现生硬不雅的阴影，可用补助光降低反差来改善。

3．使用技巧

a．运用补助光时，多使用光量稍弱之冷光灯或反光板，并可使硬光柔化。

b．前侧光对质感的表现极佳，后侧光可勾勒轮廓，此种光影的变化对于立体的描写及气氛营造有极佳的表现，可多加利用。

三、逆光

1．定义

光线由立体背后投射，立体处于暗位，表现形态美感。

2．逆光的特性

（1）能强调立体轮廓线条，表现形态美感。

（2）立体正面位于暗部，得不到适度光亮会拍成“剪影”效果，具神秘美感。

（3）画面明暗反差大，测光不宜。（4）被摄立体易成剪影，如无适当的前景或背景衬托，画面易流于平板。

（5）光源容易直摄入镜头，造成光晕或迷蒙现象。

3．适用时机

a．背景深暗时，采用逆光技巧拍摄，会产生明亮的边光效果。

b．若正面以冷光灯或反光板补光，则主体与背景皆呈像清晰。

c．拍摄透明体时，使用逆光束光法，可得极佳的透明感表现。

4．逆光拍摄的表现方式

（1）剪影法：以背景亮度为曝光标准主体形成黑暗的剪影效果，适合主体轮廓优美的表现。

（2）明晰法：以处于暗位的主体为曝光标准，让背景曝光过度。

（3）补光法：以背景亮度为曝光标准，处于明暗处的主体利用反光板或闪光灯补光，主体及背景都得到正确的色彩。是逆光下能同时兼顾主体和背景的束光法。但若补光过强，则会有不自然的表现。

四、顶光

1．定义：

光源位于主体上方，是一种特殊的束光方式。

2．顶光的特性

（1）恰似于正午阳光的照射方向，主体顶部受光，具有爽朗、光明、热烈之趣味。

（2）易使正面黑暗，宜补光改善之。

3．使用时机

a．主体顶部有特色，或主体上窄下宽，造型优美者。

b．适合拍摄透明物体，如香水、玻璃等，能表现其晶莹剔透之色泽。

c．顶光因与太阳光的方向相同，可获得极自然的气氛。

五、底光

1．定义

光源位于主体下方，也是一种特殊的采光方式。

2．底光的特性

（1）自然界中罕见此采光方向，光影效果异常，故具神秘诡异之感。

（2）影像下亮上暗，有减轻物体量感之效果。

3．使用时机

a．硬底光使用于透明体，例如香水、玻璃等，能表现主体晶莹剔透之色泽。

b．以柔底光拍摄人像，则产生透明亮丽之肤色效果。

c．但若以底光拍摄人像，则会因异常的光影效果，造成恐怖诡异的气氛。

第三篇：摄影教案

第一周 摄影艺术简史

一、视觉的延伸

世界上第一张照片，是尼埃普斯1826年经过8小时曝光，在自家阁楼后窗拍摄的《鸽子棚》。1839年8月19日，法国科学院和美术院举行联席会议，天文学家、物理学家阿拉戈（D.F.J.Arago）向

二、时代的见证

《汉堡大火遗迹》——1842年5月,摄影师比欧乌、画家史特尔兹纳合作用银版摄影术拍摄了大火后的汉堡遗迹,记录下这一震惊世界的新闻事件。从此，新闻纪实摄影由此产生。1855年，英国人芬顿受官方委派，拍摄克里米亚战争，开战地纪实摄影先河。1855年，英国人芬顿受官方委派，拍摄克里米亚战争，开战地纪实摄影先河。

“决定性瞬间”大师布列松

伟大的战地摄影师罗伯特•卡帕:如果你的照片拍得不够好,那是因为你离炮火不够近。

三、审美的艺术

1857年，英国画家、摄影家雷兰德（Oscar Reilander 1813—1875）用30张底片叠放出一幅31×16英寸的照片《人生的两条道路》，在曼彻斯特艺术作品展览会上展出，成为最早的摄影艺术作品，并被英女王维多利亚重金收购，立即引起轰动。

从此，摄影彻底摆脱“绘画的仆人和侍女”的地位，成为独立于绘画、雕塑、音乐之外的一门艺术。

第二周 相机构造 通常照相机是由机身和镜头两大部分组成。

机身部分又包括快门、取景、输片、倒片等装置；镜头部分包括光圈、聚焦和变焦装置。1．快门

快门是用来控制曝光时间长短的装置。

通常用快门系数来表示：1、2、4、8、15、30、60、125、250、500、1000等，它们分别代表1秒、1/2秒、1/4秒、1/8秒„„。

快门的作用：一是控制进光时间，与光圈配合获得正确曝光。

二是影响成像清晰度。当被摄物体运动速度高于快门速度时，将影响物体成像清晰度。另外，当快门速度过低时，因为手持的稳定性，也会影响成像清晰。

2．光圈

光圈大小用光圈系数“f”表示：

1、1.4、2、2.8、4、5.6、8、11、16、22、32、45、64(图32)。f系数=镜头焦距÷光孔直径。因此，f系数越小，表示光孔越大，进光量越多；f系数越大，表示光孔越小，进光量越少。相邻两数字之间，曝光量相差一档。

光圈的作用：一是调节进光孔大小，与快门配合获得正确曝光。

二是控制景深效果。光圈大，景深小，重点突出；光圈小，景深大，画面整体清晰。例如：拍摄风光、建筑照片往往采用小光圈，以获得最大景深，保证画面清晰范围；而在人像拍摄时则多采用大光圈，以虚化背景，突出人物主体。

三是影响成像清晰度。由于镜头存在像差问题，当使用最大和最小光圈时，像差最严重，影响成像清晰，所以在日常拍摄时，尽可能采用中等光圈，一般为f8、f11、f16，俗称“最佳光圈”。全世界公布了“达盖尔银版摄影术”，并预言：“摄影对艺术与科学的进步将会作出伟大的贡献”。

3、聚焦装置

聚焦装置又称对焦装置，其作用通过调节使景物在胶片上清晰结像。现代相机的聚焦方式有两类：手动聚焦和自动聚焦。

（三）镜 头

镜头是相机的眼睛，是相机的最重要的组成部分。

相机的性能与质量很大程度上决定于镜头性能与质量的高低。解像力、色彩还原、反差、锐度和像差是评价一只镜头素质高低的几个主要标准。镜头是由透镜组和调节装置构成。1．镜头的特性

①．焦距

焦距从实用角度可以简单理解为“镜头光学中心至胶片平面的距离”，用毫米表示。②．口径

镜头口径又称有效口径，是镜头的最大进光孔，即镜头最大光圈。

“口径”通常采用最大光孔直径与焦距的比值表示。显而易见，这种比值越小，代表口径越大，通光量越多。反之亦然。

③．视场与视角

景物透过镜头在底片（焦平面）上结成清晰影像的范围叫视场。视场与镜头光学中心所形成的夹角称为视角。

④．焦距与视角、视场关系

焦距短，视角大，视场广阔，拍摄范围大，但成像比例小。焦距长，视角小，视场狭窄，拍摄范围小，但成像比例大。

第三周． 镜头种类、特点及适用范围

镜头的种类很多，根据它的特点和适用范围，我们通常分为标准镜头、广角镜头、长焦镜头（远摄镜头）、变焦距镜头和微焦距镜头几类。

①．标准镜头

标准镜头指焦距长度与底片对角线基本相等的镜头。画幅不同的相机，其标准镜头的焦距也就不同。如135相机标准镜头焦距为50mm，120相机为80mm 尽管画幅不同标准镜头焦距不同，但它们的视角却是相同的，都与人眼视角接近，为45゜左右。因此，标准镜头的成像效果，诸如拍摄范围、透视比例，都接近人们的视觉效果，显得亲切、自然。

（三）镜 头

镜头是相机的眼睛，是相机的最重要的组成部分。

相机的性能与质量很大程度上决定于镜头性能与质量的高低。解像力、色彩还原、反差、锐度和像差是评价一只镜头素质高低的几个主要标准。镜头是由透镜组和调节装置构成。1．镜头的特性

①．焦距

焦距从实用角度可以简单理解为“镜头光学中心至胶片平面的距离”，用毫米表示。②．口径

镜头口径又称有效口径，是镜头的最大进光孔，即镜头最大光圈。

“口径”通常采用最大光孔直径与焦距的比值表示。显而易见，这种比值越小，代表口径越大，通光量越多。反之亦然。

③．视场与视角

景物透过镜头在底片（焦平面）上结成清晰影像的范围叫视场。视场与镜头光学中心所形成的夹角称为视角。

④．焦距与视角、视场关系

焦距短，视角大，视场广阔，拍摄范围大，但成像比例小。焦距长，视角小，视场狭窄，拍摄范围小，但成像比例大。2．镜头种类、特点及适用范围

镜头的种类很多，根据它的特点和适用范围，我们通常分为标准镜头、广角镜头、长焦镜头（远摄镜头）、变焦距镜头和微焦距镜头几类。

①．标准镜头

标准镜头指焦距长度与底片对角线基本相等的镜头。画幅不同的相机，其标准镜头的焦距也就不同。如135相机标准镜头焦距为50mm，120相机为80mm 尽管画幅不同标准镜头焦距不同，但它们的视角却是相同的，都与人眼视角接近，为45゜左右。因此，标准镜头的成像效果，诸如拍摄范围、透视比例，都接近人们的视觉效果，显得亲切、自然。

②．广角镜头

广角镜头焦距长度短于底片对角线长度，视角大于60゜以上。广角镜头的主要特点及用途主要表现在以下四方面：

一是视角大，有利于在狭窄空间里拍摄较广阔的范围和拍摄全景图片。

二是景深大，有利于同时再现景物近景和远景清晰度，特别适用于风光和建筑摄影。三是画面透视感强，夸大近大远小的比例关系，带来强烈的视觉冲击力。

四是畸变像差强，在近距离拍摄时失真较大，边缘尤甚。在拍摄时要注意角度，尽量减小变形失真(图38)。

③．长焦距镜头

长焦距镜头又称摄远镜头，其焦距大于底片对角线，视角小于60゜。长焦镜头的主要特点及适用范围有以下四方面: 一是视角小，成像大，能远距离摄取无法靠近和易被干扰的物体。广泛使用于体育摄影和野生动物摄影。

二是景深小，有利于虚化背景，突出主体。

三是压缩画面纵深透视感，削弱远近物体的大小比例。

四是畸变像差小，在人像摄影中尤其见长。因而在肖像摄影、婚纱摄影、时装摄影领域广泛使用。

第四周 照明工具

1、电子闪光灯基本特性

电子闪光灯有四大基本特性：这就是发光强度特大，发光持续时间极短，色温与日光相同，发光性质为冷光。

①． 发光强度特大 ②． 发光持续时间极短 ③． 发光色温与日光相同 ④． 发光性质为冷光

2、电子闪光灯类型 ① 小型便携式闪光灯

这类灯体积小巧，操作简便，使用灵活，常用于日常的拍摄工作，如新闻摄影、家庭摄 影等。②．大型电子闪光灯

这类灯体积较大，操作复杂，发光功率大，不便于携带，故常用于广告摄影、婚纱摄影等大型室内摄影棚内。

3、闪光灯曝光控制 ①.闪光指数

指闪光灯的最大输出功率。闪光灯上都标示有闪光功率和指数以便于使用。②．闪光同步速度

指闪光灯在相机快门完全开启后的瞬间闪光，使整幅画面感光。

③．光圈与闪光指数关系

光圈F=闪光指数/闪光灯至被摄体距离(摄距)。

第五周

滤色镜

一、教学目标：

1、知识与技能：

通过本课教学，使学生对滤色镜的种类有所了解，有所认识。并认识其作用与功能。

2、过程与方法：

教师在课堂演示使用不同滤色镜拍摄的照片效果，以提问的方式使学生着重认识通用滤色镜的极大品种与作用。

3、情感态度与价值观：通过本课程的教学，使学生了解滤色镜的种类。同时明白在拍摄时运用不同的滤色镜能够表达不同的情感，从而激发学生的创作灵感，使其明白摄影不单只是对事情或景物的一个纪录。

二、重点难点：

重点： 1掌握滤色镜从实用的角度可分为三个大类；

2、体会通用滤色镜中的不同品种与作用； 难点：

1、体会不同滤色镜的使用；

2、研究拍摄时运用不同的滤色镜能够表达不同的情感；

三、教学过程：

1．滤色镜从实用的角度，可分为三大类： 黑白摄影滤色镜、彩色摄影滤色镜、通用滤色镜。⑴．通用滤色镜 通用滤色镜是一个非常大的门类，拥有众多的品种，常见的有UV镜、偏振镜、柔焦镜、中灰镜、多影镜、近摄镜、速度镜等等。

①．UV镜

又称“紫外线滤镜”、“去雾镜”，为无色透明光学玻璃，能有效阻挡紫外线，提高远景清晰度。由于其无色透明，大部分人用它作为镜头保护镜。

②．偏振镜

又称“偏光镜”，是最常用的滤镜，为深灰色双环镜片。主要用途：

一可消除非金属（如玻璃、水面、瓷器、上光木器等）表面的反光，增强表面质感表现； 二是在彩色摄影中可压暗蓝天色调，增加景物色彩饱和度； 三可透过雾气，提高远景清晰度。

③．柔焦镜

又称“柔光镜”，是一种能获得柔化画面效果的滤镜。常用于人像、婚纱摄影，起到柔和脸部的美化作用。当使用广角镜头和小光圈时，效果不明显。

④．中灰镜

又称“灰度镜”，是一种能阻挡部分光线、减弱光照强度的灰色镜片。主要用于强光下慢速摄影，以获得动感效果。

这类滤镜有星光镜、彩虹镜、渐变镜、红外镜等等。2．使用不同滤色镜拍摄的照片效果。

3．这些照片在使用滤镜以后，在表达情感上产生了不同的效果。我们怎么巧妙合理地去使用这些滤色镜。

第六周

摄影基本技术 ——曝光

一、教学目标：

1、知识与技能：

通过本课教学，使学生对摄影基本技术中的曝光这一环节有所了解，有所认识。并能够掌握怎样正确曝光。

2、过程与方法：

教师在课堂介绍如何正确曝光与影响曝光的主要因素，使学生了解在摄影中正确曝光。

3、情感态度与价值观：通过本课程的教学，使学生了解怎样正确曝光。同时明白在拍摄时影响曝光的几大因素，从而使学生在拍摄的时候能够掌握正确的曝光方法并通过这些方法表达创作情感。

二、重点难点：

重点： 1曝光的含义；

2、影响曝光的因素； 3.影响照片清晰度的因素有哪些 4．测光表的正确使用

难点：

1、体会曝光的含义与揣摩不同光圈与快门产生的不同曝光效果；

2、研究曝光过度，曝光不够，正确曝光；

三、教学过程： 1．正确曝光 ⑴．曝光的含义

①．正确认识曝光

通过测光调节好光圈和快门速度，按下快门，光线通过光孔使胶片感光，并且获得一张密度正常、影像清晰、色彩准确的照片，这就是正确曝光的含义。

②．曝光对影像质量的影响

当胶片曝光过度时，密度就大，底片发暗,俗称“厚底片”，亮部细节损失； 而曝光不足时，密度小，底片透明，俗称“薄底片”，暗部层次丧失。(2)．影响曝光的因素

①．光线强弱----光线强时，减少曝光量；光线弱时，增加曝光量。因为胶片对曝光量的要求是恒定的。

②．胶片感光度----胶片感光度不同，对曝光量的要求不同。在同样光线条件下，感光度高的胶片，曝光量少；感光度低的胶片，曝光量多。

③．显影条件----显影液配方改变、显影时间的增减、显影温度的高低，都将改变胶片的正常密度，从而影响曝光量。

④．互易律失效—--互易律就是指光照度和曝光时间可以按正比互易而曝光保持不变的规律。然而，这一规律在曝光时间太长（如长于1秒）或太短（如短于1/1000秒）时，此互易律失效。要用增加曝光量来补偿。

①．相机准确性----器材性能，如光圈、快门速度及测光系统准确与否，是直接影响曝光准确的潜在因素。因此，经常性地检查相机上这三者的性能是正确曝光的必要保证。

(3).影响照片清晰度的因素有哪些？

答题要点: ①镜头是否清洁;②拍摄时减少弦光;③拍摄时仔细焦;④使用中等光圈;⑤防止振动;⑥曝光正确.⑦ 冲扩质量的好坏等。(4)．测光表的正确使用

①．反射式测光表工作原理

反射式测光表就是测量被摄景物的反射光亮度。相机内装的都属此类测光表。工作原理就是“以18%的中灰色调为测光依据，从而再现景物亮度（色调）”。

②．反射式测光表使用技巧

为保证获得正确的曝光，下面我们介绍几种常用的反射式测光表的使用技巧。

A．机位法：即在相机位置朝被摄体测光。在拍摄景物整体平均亮度接近18%的灰色调时，此方式将能获得理想的曝光效果。如拍摄开阔的草原风景。

B．近测法：就是靠近被摄体测量局部亮度。此方式常用于测量复杂环境下的人物面部亮度或中灰调部分。

C．代测法：就是测量与被摄物体同等光线情况下的代测体亮度，以获得被摄物体的正确曝光。最常用的代测体是摄影者自己的手背，因为我们黄种人的手背肤色接近18%灰色调。当测准手背的光线后,再对同等光线下的景物对焦拍摄,即可得到正确曝光。

D．灰卡法：是以标准反射率为18%的灰色卡纸作为测光对象。这是一种最准确、简便的测光方法，但要注意灰卡必须与被摄体处于同样的受光条件下。灰卡可购买或自己制作。2．教师示范图片演示不同光圈与快门产生的照片效果

第七周

景深

一、教学目标：

1、知识与技能：

使学生知道景深对摄影的作用，明白景深即成像的清晰范围对于摄影的影响。学生通过此课掌握如何把握拍摄时运用景深来表现拍摄的主题与情感。

2、过程与方法：

教师在课堂介绍景深的含义景深的含义和影响景深的因素及规律。

3、情感态度与价值观：通过本课程的教学，使学生了解影响景深的因素及规律。并且明白在摄影中能够通过这些规律创作出不同效果与情感的摄影作品。

二、重点难点：

重点： 1景深的含义；

2、影响景深的因素及规律；

难点： 体会不同的景深能够令同一个空间或者物品产生不同的视觉效果；

三、教学过程： 1．景深的含义

景深是指被摄景物在底片上结成清晰影像的最近点至最远点的距离，即成像清晰范围。2．影响景深的因素及规律

景深清晰范围受光圈的大小、镜头焦距长短及拍摄距离（摄距）远近的制约。

①．光圈与景深成反比关系：当镜头焦距和摄距一定时，光圈大，景深小；光圈小，景深大。②．焦距与景深成反比关系：光圈、摄距一定时，焦距越长，景深越短；焦距越短，则景深越长。③．摄距与景深成正比关系：在光圈和焦距不变的情况下，摄距愈远，景深愈大；摄距愈近，景深愈小 3.教师示范对于同一景物与物体的不同景深的表现效果。

第八周、第九周、第十周

摄影艺术

一、教学目标：

1、知识与技能：

⑴.使学生简单了解摄影技术的发明和发展； ⑵.使学生初步了解摄影的特征和造型手段。

2、过程与方法：

本课主要是“欣赏与学习”和“实践与讲评”两部分，“欣赏与学习”是使学生通过对一些摄影作品的分析讨论，从中总结出一些摄影的基本知识和技巧，而“实践与讲评”是使学生把学到的摄影知识和技巧运用到摄影实践活动当中，并能对自己的作品进行讲述与评价。

3、情感态度与价值观：

⑴.引导学生通过镜头注意观察自然、感受生活，捕捉触动人心的一瞬。⑵.了解摄影作品背后的故事，体会作品深层的思想与情感内涵。

二、教学难点

引导学生通过镜头注意观察自然、感受生活，捕捉触动人心的一瞬。

三、教学重点

使学生初步了解摄影的特征和造型手段。

四、教学过程

一、导入

1、出示课件中第一张幻灯片，提问：幻灯片中的这些摄影作品，哪一幅最吸引你？为什么？简单评述一下这个作品。

2、小结学生的发言，引出课题：瞬间与永恒——摄影艺术。

二、展开

1、简介摄影的发明与发展。

2、由课题“瞬间与永恒”，进而介绍摄影的特性。

3、归纳总结学生的发言并提出自己的认识供学生参考。

三、深入 教师：

1、引导学生思考了解摄影的造型手段，并出示相应的幻灯片进行深入说明。摄影的造型手段：（1）构图与视角（2）黑白与色彩（3）光影与调子

2、引导学生从拍摄对象和摄影风格两方面了解摄影的分类，出示幻灯片：类型与风格。

3、通过一些获奖摄影作品的赏析，使学生体会摄影创作中形式与内涵的关系，出示幻灯片：形式与内涵。

4、出示经典摄影作品《饥饿的苏丹》，介绍作品背景，组织学生讨论。学生：

1、根据观察和讨论分析，总结出一些摄影造型的手段，如注意构图、色彩的运用，注意光线等。

2、可以大胆的发表自己的看法，说出大概的分类。

3、进行欣赏并评述其中的某些作品。

4、聆听老师的讲述，进行讨论与思考，发表自己对这幅作品和这件事的看法。

四、总结

小结以上所学，出示一些大学生摄影作品进行讲评，以启发学生的创作积极性。

第十一周、第十二周

取景和角度

一、教学目标：

1、知识与技能：

使学生简单了解摄影的取景和角度。

2、过程与方法：

通过对一些摄影作品的分析讨论，从中总结出一些摄影的取景和角度技巧，3、情感态度与价值观：

引导学生通过镜头注意观察自然、感受生活，捕捉触动人心的一瞬。

二、教学难点

引导学生通过镜头注意观察自然、感受生活，捕捉触动人心的一瞬。

三、教学重点

使学生初步了解摄影的主体和陪体的组合

四、教学过程：

一幅完美的风光照片，除了要有表现主题的主要景物以外，还应该有其他的物体作为衬托。这主要景物和衬托的物体在摄影术语中就叫做主体和陪体，物体是有主次之分，在画面上就应有适当的安排，一般是把主体安排在画面上重要而明显的地位，陪体只位于画上或上或下，或左右的一部分地方。绝不能把陪体彼此要互相联系互相呼应，不然就会形成一个主、次分散的画面了。有显著建筑物作为景物目标的风光，应当以建筑物作为主体，有些景物的主体物不只是一个而是很多个，甚至可以占满整个画面。我们拍摄这类景物时，首先要决定它在画面上应该占有的位置，然后决定采取的数量，再选择拍摄的镜头角度。

没有建筑物作景物目标的自然风光的景物是比较多的，正因为它没有固定的景物目标，所以自然风光的景物范围就比较广，可取的拍摄位置也比较灵活，在没有固定主体目标的自然风光里，应根据景物的自然条件并结合理想的太阳光线来决定景物范围和拍摄角度。例如桂林山水风光，山川必然有山有水，究竟应以山作主体，还是以水作为主体呢？这就要根据所拍摄的景物情况来决定了。如果河流近而山层远的山川风景，就应以河流作主体，反之，则应以山作为主体。拍摄以河流为主体的照片时，必须把河流安排在画面上最明显的地位，把远山安排在河流的远处或两旁，作为陪衬河流的陪体。河流景物的水平线一般都是很明显的，最容易把画面划分为二，影响宾主物体的联系。因此，如果采取的河流是横过画的，它的水平线必须很明显，我们就要选择有明显直线条的物体（如木船、桅杆和可作近景物的树木枝干等）冲破横的水平线，或以较远距离的船艇作为近景。如果采取的河流是弯曲的，它的水平线就不会很明显地划分画面。但为了显示出河流的深远，就应站在较高的位置以俯视角度拍摄。这样不但能显示景物的深远，使弯曲的水平线在画上形成弧线而增加了线条的美感。

山川风景也有不少山近而河远的，这就必须以山为主，以河为辅。山必然高于河，在山近河远的情况下，站在山下不但不能看见河流，也不会完全看见山层的面貌。因此，拍摄山近河远的景物，就必须站在高山上，采取山层作为主体，用俯视角度拍摄，使白色的远河在山层间呈现。

拍摄没有河流可见的山层景色，可站在高山上摄取山层为远景，也可站在山下拍摄山形。应采取一些适当的景物作山景的陪衬，才会在画面上形成孤山的感觉。表现出高耸雄伟或山峦峻秀的气势，也要寻取适合衬托高山的物体，使山景在画面上显现得更美而不至于枯燥无味。

森林与原野同是属于自然风光的景物，也是没有个别固定景物目标的风光。森林的景象是随着不同的季节而变化的，原野也会因不同的生产情况有不同的场面。例如森林里的树木在四季中有它不同的色调和疏密程序，原野上有数不尽的牛、马、羊群或各种丰茂的庄稼（植物园、龙胜季节），森林与原野虽同是适宜用大场面表现景物，但森林与原野的取景方法就应有所不同。拍摄森林需要身处林中，选取有远有近，有高有低，有疏有密的树木场面，以平视的镜头角度拍摄，才能在画面上显示出广阔、深远的森林面貌。如果站在林外拍摄，在画面上就只能见于是一片密密的颜色沉重的树林，不仅与天空的色调极不调和，而且没有景物的深度感。原野是一片平地，如果不站立在适当的高位以俯拍摄，也同样不能把原野上的生活现象全面表现出来。

十五周 摄影实践

一、教学目标：

1、知识与技能：

对摄影的实践活动，学生通过实践研究与掌握摄影的方法。

2、过程与方法：

通过教师的活动与安排，捕捉校园与生活的画面。教师指导与帮助学生，最后对其作品进行点评与认识。

3、情感态度与价值观：

引导学生通过对生活的观察，捕捉美好的一瞬间。

二、教学难点

引导学生通过镜头，使用合理的摄影方法，捕捉生活的瞬间。

三、教学重点

使学生了解摄影是美术的一种表达方式，我们应该多去观察与体会生活的美好，用镜头去把这些美与自然的东西捕捉下来。

四、教学过程：

一、（1）在摄影实践课上，捕捉校园内的风景风情，完成一幅以“我的学校”为主题的摄影作品。（2）在生活中捕捉动人的一瞬王成一幅“我的生活”为主题的摄影作品。

二、安排学生分组并明确组员分工。

三、活动实践：

1、清晰地提出活动要求，再次强调本次活动的主题，指定出学生校内活动的活动范围，提醒注意安全。

2、在学生分散活动时，密切关注各组学生的动态，及时地进行指导和帮助。

3、及时召集学生回班，对本次活动进行点评，安排下一节课学生自己评述作品的顺序和方式。

4、根据学生的作品，进行适当的提问。

四、学习效果评价设计

学生展示自己的摄影作品并进行简单的讲解后，给各组发放学生摄影作品评价表，为本组以外的其他同学填写评价意见。选出本班佳作，参加学校摄影展。

第四篇：摄影教案

课

题：寻找心中的安其拉---人像摄影

教学目标：掌握各种人像摄影的知识和如何拍好它的巧妙手段，培养学生感受美的心与表达美的能力

教学重点：了解具体知识与技巧

教学难点：主题的把握，技巧的灵活运用 教学过程：

导入：

谈到人像摄影，很多人都会觉得自己在日常生活中也经常拍，可是，好象到了最后看自己的PP,总是觉得是缺了点什么……有哪里“不对大头”（呵呵不大对头）呢。其实人像摄影说难不难，说简单却并非简单，如何拍的好，如何拍的美，是需要学习和勤加练习的，里边还是有些直接经验的小窍门的，但是我们短时间做到貌似专业还是有可能滴~~~，来吧，开始~~~

“人物（像）摄影”是以静态或动态人物为被摄对象，着重描绘其外貌和精神面貌，从而直接表现人物的一种摄影。凡是内容涉及人物和以人物为主体的各种题材，都属于人物摄影的范畴。与其他种类的被摄体相比，人物照片往往引起观众更为强烈的共鸣。人像佳作不仅仅只是向人们展现被摄人物的外貌，它还应该是一部视觉传记，通过捕捉人物的特征，揭示人物独特的个性和摄影者想表达的主题。

因此，人物摄影不能限于拍像还应当有主题。并对人物的外貌扬长避短，突出美感，更好地传达和刻划人物的精神面貌，从而使照片中的人物看起来比真实的被摄对象更美、更生动、更有精神。摄影者除正确掌握照相机使用技术和技巧外，还要在观摩优秀摄影作品和学习有关摄影知识的基础上，经常对生活中的各种人物细致观察，认真思考，养成敏捷的思维和判断能力，以便在人物摄影实践中，能别具慧眼，刻意求新，不失时机地选取题材，并抓住被摄对象典型而生动的瞬间，拍出一幅幅栩栩如生的人物照片来。

讲授新课：

我们先来看一下基础小知识：

一、摄影基础----基础术语

1、焦距：

相机的镜头是一组透镜，当平行光线穿过透镜时，会聚到一点上，这个点叫做焦点，焦点到透镜中心的距离，就称为焦距。

2、光圈：

是一个用来控制光线透过镜头，进入机身内感光面的光量装置，光圈可以调节大小以适应不同的场景和拍摄环境。光圈f值=镜头的焦距/镜头口径的直径，完整的光圈值系列如下:

f1，f1.4，f2，f2.8，f4，f5.6，f8，f11，f16，f22，f32，f44，f64 光圈f值愈小，在同一单位时间内的进光量便愈多，而且上一级的进光量刚好是下一级的一倍，我们也说光圈开大了一级。

3、快门: 快门是相机上控制感光胶片或感光元件有效曝光时间的一种装置。快门可以调节开启的时间，假设你把快门设在1/800（800分之一秒）按下快门拍照，那么快门打开直到关闭的时间就是你设定的时间1/800.（800分之一秒）。快门速度是数码相机快门的重要考察参数，不同型号的数码相机的快门速度是不一样的，使用时一定要先了解其快门的速度，掌握好快门的释放时机，才能捕捉到生动的画面。

4、景深:

在进行拍摄时，调节相机镜头，使与相机有一定距离的景物清晰成像。那个景物所在的点，称为对焦点，对焦点前（靠近相机）、对焦点后（一定距离内）的景物的成像都可以是清晰的，这个前后范围的总和，就叫做景深（前景深和后景深），意思是只要在这个范围之内的景物，都能清楚地拍摄到。

了解这些基本术语和他们的作用之后，我们就可以利用它们大展拳脚啦。

二、需注意的技巧

1、从任何角度拍摄任何姿势的人像其基本都是针对眼部合焦。

合焦就是指拍摄的时候焦点的位置。简单的说就是相机的焦点要落在人的眼睛上。在拍摄人像时如果眼部没有合焦，那么整张照片就会软绵绵的，失去关键点。特别是开大光圈拍摄时，景深变小，合焦位置稍稍偏移就会造成眼部失焦，拍摄者应该加以注意。使用小型数码相机拍摄时，一般只要能够针对脸部的某一个位置合焦，就不用太在乎合焦点位置。但是使用高像素数码单反相机时，因为画面的分辨力很高，所以在放大的时候失焦现象就会特别明显。另外，因为数码单反相机的图像感应器很大，所以容易产生虚化。使用35mm全画幅相机拍摄时虚化更大，所以对合焦要求更加严格，甚至要注意到应该对眼睛的哪一个部分合焦。

2、选择尽量大光圈的镜头是拍摄“背景虚化人像”照片最简单的方法。还有，焦距越长，虚化效果就越强。

3、使用广角镜头进行人像摄影的关键是，考虑被拍摄者和背景的对比，让照片具有主题性。

4、在体育摄影中，对焦是一门很难掌握的技巧，这是因为体育摄影的被摄对象都具有很强的动感，速度很快，比较容易的方法就是借助于相机上的自动对焦系统。虽然自动对焦系统可以迅速地对好焦点，但如果使用方法有误，就不能发挥它应有的效用。也就是说，只有把被摄体恰到好处地留在取景窗中的对焦点上，才能达到准确对焦的目的。

三、实战演练

1、使背景美丽虚化的人像摄影常用手段

选择尽量大光圈的镜头是拍摄背景虚化照片最简单的方法。还有，焦距越长，虚化效果就越强（上边强调过）。能够自由决定光圈值的“光圈优先自动曝光”模式最适合拍摄人像。光圈值和背景虚化有着直接联系，所以应当使用光圈值不会自动变化的拍摄模式。

下面的图片就是一只镜头在70MM焦距拍同样的场景。但是选择光圈不同，所以景深也不同，可以清楚的看到光圈开得越大背景虚化也就越明显（光圈值是用F来表示的光圈f值愈小，在同一单位时间内的进光量便愈多。而且上一级的进光量刚是下一级的2倍，例如光圈从f8调整到f5.6，进光量便多一倍，我们也说光圈开大了一级。上边也讲过。）

（这就是光圈的大小和景深的关系，光圈开的小景深就大，光圈开的大景深就浅景深越浅背景虚化也就越明显。）下面几张就是实际生活当中的照片。照片下面有拍摄数据大家看看焦距和光圈的关系。

（快门:1/125 光圈:F/2.8 焦距:70毫米 感光度:100）

（光圈:2.8 快门:1/500 感光度ISO:200 焦距:110）

灵活运用明亮的远摄镜头,虚化背景强调被拍摄者.谁都想尝试拍摄出有着美丽背景虚化的人像照片。在这里首先介绍一下背景虚化产生的原因。制造虚化的镜头要素在于光圈的大小和焦距的长短。这两个要素相互影响产生虚化效果。“镜头焦距一定，则光圈越大，背景虚化效果越明显。光圈值固定时，焦距越长，背景虚化越明显。从结论上来说，最大光圈明亮而且焦距较长的远摄镜头能带来最明显的虚化。”这是一种可以强调主要被拍摄者，并让画面简洁明了的摄影方法，既可以被全面用于人像摄影，也可以运用于其他场景的拍摄。

2、将背景和被拍摄者巧妙融合的广角人像

如何将被拍摄者合理地配置在空间中，背景是广角人像摄影的成功关键。

使用广角镜头进行人像摄影的关键是：考虑被拍摄者和背景的对比，让照片具有主题性。比如新颖的和古老的，鲜艳的和朴素的等等看起来矛盾的要素被收进一张照片时，这张照片就有了新的意义，其完善度就更高。“广角镜头还能带来有很大视觉冲击的透视感和变形效果，这些独具魅力的效果是远摄镜头和标准镜头所不具备的。”如果能够将这样的视觉效果和上述的对比叠加使用，就能让照片更加的完美。3：、体育摄影

方法1：利用高速快门(1/500秒以上)+高感光度(ISO400或以上)+较大的光圈(F6~F9)拍摄，这种方法容易掌握，但是拍摄得到的背景和运动员都是清晰的，也就是说运动员动作凝固，不能表现出动感。

方法2：追镜拍摄，也叫追随拍摄。是使用慢速快门（1/30秒左右），追随运动员拍摄，这种方法拍摄的背景在水平方向是动感模糊的，不过运动物体清不清晰就要看拿相机人的技术了。

追随拍摄是拍摄运动物体尤其是水平直线运动常用的特技。由于在曝光瞬间(约1/30秒)，运动员和相机之间保持相对静止，而静止的背景相对于相机却是移动的，这样就使得画面上的运动物体比较清晰而背景则是强烈的线状模糊，因而画面的冲击力和动感也格外强烈。小结：说一千道一万，技巧要注意但最终要秉承一个原则才能照好人像，那就是

1、构图适当，主体突出。

2、要有远近、虚实变化。

3、要有对比、强弱的变化、动静等的变化。

第五篇：摄影教案

摄影教案专题摄影—人像摄影

教学目的与要求：

要求学生了解人像摄影用的器材，分析人像摄影的特点；熟悉和掌握人像摄影技巧。重点：人像摄影技巧

难点：人像摄影器材的选择

教学程序：

人像摄影就是以人为被摄对象，并以拍摄人的相貌和神态以及形态为主的一种摄影门类。

所谓人像摄影，是指通过摄影的形式，在照片上用鲜明突出的形象描绘和表现被摄者相貌和神态的作品，它是被摄者自己的影像写真。很早以前，人们就以各种需要、各种方法描绘自己的形象。最早，人像画面出现在绘画中，尤其到19世纪早期，当时的油画肖像已经非常时髦，创作上也日臻成熟，产生了不少优秀的肖像绘画作品。不久，当摄影术发明之后，人像开始进入摄影领域。当然，由于受到当时技术条件的局限，人像的拍摄还仅仅处在初始阶段。随着摄影科技的不断进步和人们艺术观念的发展，人像摄影在今天已经有了很大的变化。如今，电子闪光装置、高速自动聚焦镜头、新型感光材料的诞生，使一个摄影师在一天内就能为许多被摄者完成一些逼真而自然的人像杰作，大大丰富了摄影师的创作可能性。

一幅优秀的人像摄影作品，是许多成功因素的总和：神情、姿态、构图、照明、曝光、制作均要达到较高的境界，它们是一个总体的各组成部分。

人像摄影与一般的人物摄影不同：人像摄影以刻画与表现被摄者的具体相貌和神态为自身的首要创作任务，虽然有些人像摄影作品也包含一定的情节，但它仍以表现被拍摄者的相貌为主，而且，相当一部分人像摄影作品只交待被摄者的形象，并没有具体的情节。而人物摄影是以表现有被摄者参与的事件与活动为主，它以表现具体的情节为主要任务，而不在于以鲜明的形象去表现被摄者的相貌和神态。这二者之间的重要区别，在于是否具体描绘人物的相貌。不管是单人的或是多人的，不管是在现场中抓拍的还是在照相室里摆拍的，不管是否带有情节，只要是以表现被摄者具体的外貌和精神状态为主的照片，都属于人像摄影的范畴。那些主要表现人物的活动与情节，反映的是一定的生活主题，被摄者的相貌并不很突出的摄影作品，不管它是近景也好，全身也好，只能属于人物摄影的范畴。当然，从广义上来说，人像摄影拍的是人，它也属于人物摄影。

人像摄影以刻画和描绘被摄者的外貌与神态为自己的表现任务，应人物相貌鲜明。它分作照相室人像、室内特定环境人像和户外人像三大类。人像摄影的要求是“形神兼备”。

上图是一幅在照相室内拍摄的人像，它只表现人物的相貌和神态，并没有更多的生活情节，自然是一幅人像摄影作品。下图则不然，被摄者的相貌在这幅画面中并不鲜明，它主要表现的是人物的活动，应该看作是一幅人物摄影作品。

一、人像摄影所适用的器材

1、照相机

“工欲善其事，必先利其器”，选择一款适合人像摄影的相机对于摄影者来说是非常重要的。基本上，所有的照相机，无论是旁侧取景的“傻瓜”照相机还是体积大而且笨重的散页相机，都可以用来进行人像摄影。但如果想取好的效果，最好选用可以更换镜头及配件的照相机。因为可选用的镜头与配件越多，在拍摄不同题材的时候可以调节和控制的余地就越大。而单从胶片的成像质量来说，底片越大，照片的影像质量也就越好。在实际拍摄中，底片比较大的照相机一般体积和重量都比较大，不宜携带且价格比较昂贵，所以大多数的人都会选择画面效果较好，而且同时可以更换不同镜头与配件，价格适中且携带方便的单镜头反光照相机。135单眼相机轻便、机动性大、镜头可用范围广。一般来说，我们业余拍摄很少需要放大相片，顶多5×7就够了，所以135相机是最好选择。若向往120的领域，倒是可以选择最近蛮热门的自动对焦645片幅相机，最近婚纱业者越来越多人改使用此类相机，不过它的价格高昂，冲洗照片费用也高于135底片。若是您是初学者，手上的入门相机就足以应付一般拍摄人像的所需了。所以，有钱没钱背起相机拍人像去吧!

2、镜头

照相机的各种镜头，虽都能用于人像摄影，但同样的景物使用焦距不同的镜头拍摄会产生不同的效果。严格说来，人像摄影的镜头应有以下一些选择性：

（1）成像：人像摄影的镜头成像质量既要成像清晰又要有一定的柔和效果。因为人像摄影一般以表现脸部为主，镜头成像质量就应能达到层次丰富、质感真实、细节毕露、肤质滋润的要求。有一些特殊的镜头在拍摄头像的时候也常常会用到。如柔焦镜头，这种镜头能刻意地提高像差，降低影像的部分清晰度，从而对影像有部分柔化作用。这样既可以掩盖一些人物面部的瑕疵和疤痕，又能使整个画面部分体现出一种柔美的感觉。柔焦镜头对影像的柔化程度可以进行调整，当调整到“0”时，镜头没有任何的柔化作用，而调整到“3”的时候，柔化的程度更明显，这对于在拍摄人像时对最终影像的效果的控制是很有帮助的。还有一种镜头是专门为拍摄人像而设计的，称为人像镜头。这种镜头的成像质量非常高，可以很好地表现出被摄者的细部层次和质感，而且所拍摄出画面效果非常明亮清晰。

（2）焦距：一般照相机上都装有标准镜头，这种镜头，只宜拍摄全身或大半身人物照片。若用于拍摄半身人物或头像特写由于距离太近，往往引起人物影像透视变形，而且有的镜头如果在近于规定的最近摄影距离拍摄，就不能聚成清晰的焦点。所以，拍摄头像或特写人物，就要使用中焦或长焦镜头，其焦距一般需要越过标准镜头1—2倍，以135照相机为例，镜头的焦距需在105豪米以上，这样，照相机与人物距离，可保持1.5米以上，既能使焦点清晰，又可避免产生鼻大耳小等变形现象，被摄体看上去比原景物要大，而且背景会大大地虚化。在室内拍摄小合影照片，如果遇到缺少退步的情况，就需要使用短焦距镜头（即广角镜头），但容易出现近大远小和两边人物稍有变形的缺陷。尤其在拍摄人的正面的时候，这种变形尤为明显，会严重影响画面质量。

（3）口径：拍摄半身人物和头像特写，镜头的有效口径以大为宜，以便使主体清晰，背景略呈模糊，增强远近空间透视感，从而突出主体。另外，镜头的有效口径大，在光线略暗而又没有闪光灯的情况下，拍摄动态人物，仍可使用较快的快门速度。

3、闪光灯

闪光灯可以在较暗的拍摄条件下提供明亮的光源，因其光源明亮，体积小携带方便且易于操作，现在已成为人像摄影中不可缺少的附件。户外晴朗的天气下闪光灯可以获取大面积的补光以及眼神光点，如此一来可以就可以不用麻烦使用反光板或投射灯，却只有脸部补得到光。所以建议拍摄人像时，不妨使用闪光灯，可加上柔光罩等小道具柔化光线，将光圈开大，速度定为1/125秒，若天气阴阴的可调至1/60秒。就会达到你想要的效果。

闪光灯如果使用不当会使人物出现红眼，如下图：

4、胶片

通常感光度越低的底片，粒子越细，色彩越饱和。反之感光度越高的底片，粒子越粗，色彩较平淡。拍摄人像时可以常使用100度的底片，表现肤色最自然，当然还有一原因是它便宜。黑白底片方便转换照片的颜色，高感度底片适用于增感、粗粒子等特效。若天气阴暗须拍摄且镜头光圈不够大，高感度底片也可以弥补光圈的不足。在摄影中有一些胶片是被专门用于拍摄人像摄影，主要因为其拍摄出来的人像反差适中，颗粒细腻而且人像细部层次的还原好。这种胶片被称为人像胶片，目前，很多厂商都开发出了这种适合拍摄人像的胶片。

5、三脚架

在人像摄影时我们有时还需要一稳固的三脚架，以防快门速度过慢时，因手晃动造成的画面模糊。名牌的三脚架，定价高达两至三万元，在此建议初学者选择一只轻量、稳固又便宜的三脚架使用。

6、其它配件

快门线、反光板、滤镜或其它的小物品。

二、人像摄影技巧

1、外形的塑造

（1）布光法

在摄影中，布光是一项创造性的工作，它不仅体现着摄影师的个性和风格，而且关系到一幅作品的成败。运用布光照明来修饰和塑造人物形象的基本做法是：利用有目的性的来突出被摄对象的外形和特征，同时利用阴影来遮盖脸部的某些缺陷。比如，在拍摄时用前侧光，会在被摄体的脸部的背光侧形成阴影，这时通过调节光源的照射角度，让阴影部分向亮处移动，使阴影的面积增大，而亮部缩小，一旦阴影的面积要大于亮部的时候，被摄对象看起来就会显得比较瘦。而反过来，让亮部向阴影部移动，当亮部的面积大于暗部的面积时，就会使被摄对象给人以比较胖的感觉。布光法不光只是用来遮盖缺陷，也常常可以作为修饰，比如在被摄对象的光线已经确定好以后，再适当地加上一盏逆光或者侧逆光灯来打亮被摄对象的轮廓或者直接用来增强头发的质感，也可以达到进一步美化被摄对象的效果。

a、光线特性：摄影上，光线特性的研究一般从光度、光质、光位、光型、光比和光色等六个方面着手。

●光度——光的最基本因素，它是光源发光强度和光线在物体表面所呈现亮度的总称。光度与曝光直接相关，光度大，所需的曝光量小；光度小，所需的曝光量大。此外，光度的大小也间接地影响景深的大小和运动物体的清晰或模糊。大光度容易产生大景深和清晰影像的效果；小光度则容易产生小景深和模糊的运动影像效果。

●光位——指光源的照射方向以及光源相对于被摄体的位置。摄影中，光位决定着被摄体明暗所处的位置，同时也影响着被摄体的质感和形态。光位可以千变万化，但在被摄体与照相机位置相对固定的情况下，光位可分为顺光、侧光、逆光、顶光、脚光和散射光等六种。

●光质——指光的硬、软特性。所谓硬，指光线产生的阴影明晰而浓重，轮廓鲜明、反差高；所谓软，指光线产生的阴影柔和不明快，轮廓渐变、反差低。硬光带有明显的方向性，它能使被摄物产生鲜明的明暗对比，有助于质感的表现。硬光往往给人刚毅、富有生气的感觉；软光则没有明显的方向性，它适于反映物体的形态和色彩，但不善于表现物体的质感，软光往往给人轻柔细腻之感。

●光型——对被摄体而言，拍摄时所受到的照射光线往往不止一种，各种光线有着不同的作用和效果。光型就是指各种光线在拍摄时对被摄体起的作用。光型通常分为主光、辅光、轮廓光、装饰光和背景光等五种。

○主光：是被摄体的主要照明光线，它对物体的形态、轮廓和质感的表现起主导作用。拍摄时，一旦确定了主光，则画面的基础照明及基调就得以确定。需要注意的是，对一个被摄体来说，主光只能有一个，若同时将几个光源作主光，被摄体要么受光均等，分不出什么是主光，画面显得平淡；要么几个主光同时在被摄体上产生阴影，画面显得杂乱无章。

○辅光：辅光的主要作用是提高主光所产生阴影部位的亮度，使阴暗部位也呈现出一定的质感和层次，同时减小影像反差。在辅光的运用上，有一点应明确，辅光的强度应小于主光的强度，否则，就会造成喧宾夺主的效果，并且容易在被摄体上出现明显的辅光投影，即“夹光”现象。

○○轮廓光：轮廓光是用来勾划被摄体轮廓的光线。轮廓光赋予被摄体立体感和空间感。逆光和侧逆光常用作轮廓光，轮廓光的强度往往高于主光的强度。深暗的背景有助于轮廓光的突出。

装饰光 装饰光主要用来对被摄体局部进行装饰或显示被摄体细部的层次。装饰光多为窄光，人像摄影中的眼神光、发光以及商品摄影中首饰品的耀斑等都是典型的装饰光。

○背景光：背景光是照射背景的光线，它的主要作用是衬托被摄体、渲染环境和气氛。自然光和人造光都可用作背景光，背景光的用光一般宽而软，并且均匀，在背景光的运用上，特别要注意不要破坏整个画面的影调协调和主体造型。

●光比——光比是指被摄体上亮部与暗部受光强弱的差别。光比大，被摄体上亮部与暗部之间的反差就大；反之，亮部与暗部之间的反差就小。通常，主光和辅光的强弱及与被摄体的距离决定了光比的大小。所以，拍摄时调节光比的方式有以下两种：调节主光与辅光的强度，加强主光强度或减弱辅光强度会使光比变大，反之光比变小；调节主灯、辅灯至被摄体的距离。缩小主灯与被摄体的距离或加大辅灯与被摄体的距离都会使光比变大，反之光比变小。

●光色——光色指光的“颜色”，通常也称为色温。对黑白摄影来说，光色并不十分重要。但在彩色摄影中，光色就显得非常重要了，拍摄时必须选择色温同胶片平衡色温相一致的照明光源，不然，拍摄出来的影像会出现偏色。

b、常用影室灯具

布光法比较适用于室内人像摄影，可以自由地增加或者变更灯光的光位和效果，在塑造人物上的造型上可以说是比较简便的。人像摄影对影像的再现效果有着极为严格的要求，因此，许多被摄对象都被置于影室内精雕细镂地进行布光和拍摄。用于影室内照明的光源有钨丝灯和电子闪光灯两种。由于电子闪光灯具有发光强度大，色温稳定，发热少和电耗小等优点，因此，目前人像摄影影室照明多采用电子闪光灯，其中，比较常用的有伞灯、柔光灯、雾灯、泛光灯和聚光灯等几种。

●伞灯——将不同质地、规格的反光伞装在泛光灯上就成为伞灯。伞灯的特点是发光面积大，光性柔和，反差弱。

●柔光灯——在各种闪光灯灯头上加上柔光罩，就成为柔光灯。柔光灯所发出的光是由闪光灯发出的直射光与反光罩的反射光混合后，再经柔光罩透射扩散而成的。柔光灯的特点是能提供平均而充足的照明，发出的光光性柔和，但方向一般强于伞灯，反差清晰，投影浓于伞灯，富有良好的层次表现。

●雾灯——雾灯是一种特殊的灯具。雾灯的灯头由特殊的闪光灯头做成，闪光管前有反射玻璃，其输出的光全部为由反光罩反射后的透射扩散光。雾灯特别适合商品（尤其是高光洁度物体）的拍摄。雾灯的特点是可提供非常平均而大面积的照明，光性柔和，对细部层次、色饱和度表现俱佳。

●泛光灯——泛光灯是最常用的灯具，它由电子闪光灯装上反光罩构成。泛光灯所发的光为直射硬光，光的亮度高，方向性强，反差大，产生的投影浓重。此外，光域的中心部位光值高，边缘部分显著衰减。

●聚光灯——聚光灯通常在光源后面装有镜面球形反光器，光源投射的光被反光器反射后经前部的聚光镜聚焦而发射出平行的光束。聚光灯的特点是发射平行或接近平行的光束，光衰很小，亮度高，方向性很强，光性特硬，反差甚高。

c、影室布光的一般步骤与规律

影室灯光不像自然光，摄影师完全可以根据主观构思和表现需要，运用娴熟的布光技巧，去营造出奇妙的光影效果。但由于影室布光具有较大的主观随意性，它从一方面来说，可使摄影师将布光的效果发挥到极至，而从另一方面来说，却增加了布光的难度。为了提高布光的效果和速度，布光时一般要遵循以下步骤与规律。

●确定主光——主光是主导光源，它决定着画面的主调。在布光中，只有确定了主光，才有意义去添加辅助光、背景光和轮廓光等。在确定主光的过程中，要根据被摄体的造型特征、质感表现、明暗分配和主体与背景的分离等情况来系统考虑主光光源的光性、强度、涵盖面以及到被摄体的距离。对于大多数的拍摄题材，一般都选择光性较柔的灯，像反光伞、柔光灯和雾灯等作为主光。直射的泛光灯和聚光灯较少作为主光，除非画面需要由它们带来强烈反差的效果。主光通常要高于被摄体，因为，使人感到最舒适自然的照明通常是模拟自然光的光效。主光过低，会使被摄体形成反常态的底光照明，而主光过高又会形成顶光，使被摄体的侧面与顶面反差偏大。

●加置辅助光——主光的照射会使被摄体产生阴影，除非摄影画面需要强烈的反差，一般地，为了改善阴影面的层次与影调，在布光时均要加置辅光。辅光一般多用柔光，它的光位通常在主光的相反一侧。加置辅光时要注意控制好光比，恰当的光比通常在1:3-1:6之间，对浅淡的被摄体光比应小些，而对深重的物体光比则要大些。在加置辅光时还应注意避免辅光过于强烈，辅光过强容易造成夹光，并产生多余而别扭的阴影。为了控制多余的阴影，布光时除了使辅助光强度弱于主光外，有时还经常采取适当降低光位或将辅助光尽量靠近机位的方法使投影投向被摄体后方。根据画面效果的需要，辅助光可以一个，也可以多个。在使用各种灯具作辅助光的同时，别忘了尽量多使用反光板，它往往能产生出乎意料的好效果。

●设置背景光——背景的主要作用是烘托主体或渲染气氛，因此，在对背景光的处理时，既要讲究对比，又要注意和谐。拍摄细小物体时，往往因主体与背景距离很近，一般难以对背景单独布光，此时主光兼作背景光。在主体与背景光比的具体控制中，可通过选择合适的灯距、方位和照明范围来控制，或用各种半透明的漫射体或不透明的遮光物在主光与背景轴线上适当部位进行遮挡，以得到适当的亮度。当被摄体较大，且被摄体与背景有足够的距离时，可对背景单独布光。背景光一般不会干扰主体的布光，并且容易控制背景光的覆盖面、亮度和匀度。在具体的布光过程中，特别要注意主体与背景明度相近的局部是否会出现“并”的现象，或者要求亮度均匀的大面积背景是否其中央与四周的照度确实均匀一致，对这两种情况，千万不要过于相信自己的目测，最好能用测光表作认真的检测，因为人眼对亮度的微小变化往往不敏感，而胶片却会忠实地给予记录。另外，对经常拍摄的高调或低调照片的背景光布光时应明白，它们的背景光并不像我们想象的越亮越好或越暗越好。背景亮度过强，所产生的的漫射光不仅很容易使镜头产生眩光，而且会影响被摄体的光效。拍摄低调照片时将背景控制得过黑也没有必要。一般地，拍摄高调照片时将背景亮度控制在比被摄体最亮处高一个EV值较适宜，而拍摄低调照片时将背景亮度控制在比被摄体最暗处低一个EV值即可。

●加置轮廓光——轮廓光的主要作用是给被摄体产生鲜明光亮的轮廓，从而使被摄体从背景分离出来。轮廓光通常从背景后上方或侧上方逆光投射，光位一般为一个，但有时根据需要可用二个或多个。轮廓光通常采用聚光灯，它的光性强而硬，常会在画面上产生浓重的投影。因此，在轮廓光布光时一定要减弱或消除这些杂乱的投影。对这些投影的消除或减弱，除了调节灯位外，有时巧妙地借助反光器作轮廓光投射会起到意想不到的效果。在轮廓光布光时还应注意轮廓光与主光的光比，通常轮廓光是亮于主光的。此外，布光时，应根据拍摄主体的需要选择硬光还是柔光作轮廓光。柔光的获得通常有二种方法，一种是将伞灯、柔光灯等尽量靠近被摄体，这样才能使轮廓光的亮度高于主光，但这样做往往较费劲；另一种方法较简便，只用将扩散片用于聚光灯便可使光柔化。有一点应当明确，轮廓光并不是每幅画面必需的光线，只有当画面需要时才添加，不然，就会有画蛇添足之感。

●加置装饰光——装饰光主要是对被摄体的某些局部或细节进行装饰，它是局部、小范围的用光。装饰光与辅助光的不同之处是它不以提高暗部亮度为目的，而是弥补主光、辅助光、背景光和轮廓光等在塑造形象上的不足。眼神光、发光以及被摄体明部的重点投射光、边缘的局部加光等都是典型的装饰光。装饰光的布光一般不宜过强过硬，过强过硬容易产生光斑而破坏布光的整体完美性。

●审视——在以上布光过程中，由于光是一种种添加的，后一种光很可能会对以前的光效产生影响，因此，在布光完毕后，还需仔细审视整体光效，如布光有无明显欠缺或不合理的地方，投影的浓淡是否合乎要求，投影的位置是否合适，各光源的照明是否出现干扰，各光源有否进入取景画面而造成光晕等，对这些细节的审视，可以避免因一时疏忽而造成前功尽弃。

d、影室布光技巧

为了取得理想的光影效果，影室布光时除了要遵循上面所提的布光步骤和规律外，还要特别注意掌握以下这些技巧和要领。

●控制好光源面积和扩散程度——光源面积的大小直接关系到光源的发光性质，而光源的发光性质又影响到被摄体的明暗反差。因此，控制好光源面积和光源的扩散程度就可较好地控制被摄体的明暗反差效果。需要低反差时，光源面积大，并且扩散程度也大，使光的覆盖面超过被摄体；需要高反差时，光源面积要小，并且扩散程度也小，光具有方向性。

●保证足够的照明亮度——足够的照明亮度可使我们自如地通过光圈来控制所需的景深。虽然在照明亮度不够时可采用延长曝光时间或进行多次曝光的方法来解决，但这两种方法都会给拍摄带来不方便。延长曝光时间容易引起曝光互易律失效，从而导致胶片的颗粒变粗，反差降低，色彩出现偏差；而采用多次曝光则要求被摄体和照相机的位置在曝光期间纹丝不动，并且曝光量的计算也较为复杂，拍摄的难度大为增大。

●选择合适的灯距——首先，灯距的大小直接影响到被摄体的受光强度，被摄体的受光强度是按灯距的平方倒数变化的，光强随灯距的变化非常大。此外，灯距的大小还会影响被摄体的明暗反差效果。当灯距很小，并且光源面积小于被摄体时，光源可看作点光源，被摄体的反差较大；反之，当灯距很大时，光源可看作面光源，被摄体的反差较小。

●尽量少用灯具——布光中，并不是灯具用得越多越好，使用灯具数量过多，不仅使布光显得复杂，而且会带来杂乱无章的投影，而这些投影的消除往往又比较困难，因此，在布光中，要尽量少用灯具，必要时，可选用反光器进行补光。

●多用反光器——在布光中提倡多使用反光器，除了它不大会产生令人厌恶的投影外，还在于各式各样的反光器能提供不同光性的反射光，易于控制效果。反光器不仅可作主光照明，也可对被摄体的暗部作辅光照明，甚至可根据布光的需要和被摄体的形状进行切割，对被摄体的某些局部进行补光，极好地控制着光域。在广告摄影中，经常会出现使用反光器的数量多于使用灯具数量的现象，而对一个广告摄影师来说，能否灵活而有效地使用反光器则是其布光是否成熟的标志。

●恰当的光比控制——布光中的光比控制牵涉到被摄体自身的反差以及画面中主体、陪体和背景三者之间的明暗对比，同时也决定着整个画面的影调和被摄体的质感及细节表现。布光中的光比控制一般以真实表现被摄体本身固有的表面亮度、质感和色彩为原则，如对白色的主体要表现出它的素雅和洁净，主体宜处理成高调；对黑色的主体要表现出它的深沉和凝重，主体宜处理成低调。当然，在不违背广告创意的前提下，摄影师也可根据自己的个性和习惯，创造性地控制光比，以求得布光上的新意。

（2）选择拍摄角度

选择拍摄角度来修饰被摄对象的基本做法是：充分利用透视现象，一般都是利用眼睛的盲区和透视习惯，把想要美化的部分突出出来，而把想掩盖的缺陷转移到视线看不到的地方。比如，使用焦距较长的镜头来拍摄3/4侧面的被摄对象，既可以把较宽的脸部塑造得消瘦些，同时还可以将不足的一部分放置在视线无法看到的那1/4侧面上。不仅如此，选择不同的拍摄角度也可以将被摄对象的优点塑造的更明显，比如在拍摄女性的时候，选择前侧面或者侧面可以很好地突出女性优美的身体曲线，效果要比正面拍摄好许多。

相对布光法，选择拍摄角度的应用范围更广。当然，它应用的灵活性大，掌握起来就更难。所以，对于拍摄角度的选择和确定，应该下一番工夫去学习。

拍摄角度的选择包括拍摄方向和拍摄高度的选择。拍摄角度的选择在人物摄影中十分重要。拍摄角度的稍微变化就会对被摄者的形象和姿态产生明显的影响。

拍摄方向的选择是指以被摄者为中心，照相机在水平位置上的前、后、左、右位置的变化。有时候也可以请被摄者改变方向，以获得不同方向的拍摄效果。在人像摄影中对拍摄方向的选择主要有以下几种：

●正面照——采用正面的方向拍摄人物，能很好地表现被摄者正面特征，人物面部的各部分都处在相等的对称位置，给人以安静、庄严、肃穆之感。

●前侧面照——这个拍摄方向是人物摄影中最常采用的，因为这个拍摄方向不仅能表现出被摄者的正面结构和侧面结构，还能很好地表现出这两个面相结合的棱线，使被摄者的形象、轮廓和立体效果得到充分的表现。这种方向拍摄的人物在画面中的各部分不是处在同等地位，所以，画面中的影相显得活泼，富有变化，整个画面具有动势和较明显的方向性。

●侧面照——拍摄时照相机正对着被摄者的侧面进行拍摄，以表现出被摄者的侧面形象，线条结构。由于这个方向拍摄对被摄者的侧面轮廓能得到充分的表现，所以在拍摄剪影人物照片时，也多采用这个拍摄方向。同时侧面拍摄具有强烈的动势和方向性，所以，在拍摄高速向前运动的人物时，也多采用侧面方向拍摄。

●背面照——在人物摄影中，从被摄者的背后方向拍摄是很少的，只在一些特殊的情况下才采用。背面拍摄能显示出被摄者的背面特征和引导观众的视线向纵深发展的作用。在选择背面方向拍摄人物时，一定要注意被摄者的背面要有特点。

在拍摄方向不变的前提下，改变拍摄的高度会使所摄的画面透视关系发生改变。在人物摄影中，由于高度的变化，常常会出现以下几种拍摄角度：

●仰摄——采用低角度仰摄人物，能表现出被摄者的高大形象，同时还具有净化背景的作用。仰摄人物全身照片，能表现出被摄者修长的腿，对于上小下大脸形的人不宜采用正面角度仰摄，以免过分地暴露其不足。

●平摄——是指以被摄者直立时眼镜平视的高度为准的。平视拍摄角度所拍摄的画面中各部分景物的透视关系，符合于正常人们视觉观看的心理，构图平稳，无特殊的变化。

●俯摄——在人物的近景拍摄时，如果采用高度俯摄容易形成上大下小的变形。在拍摄少女时，采用这种角度拍摄容易形成美丽的“瓜子脸”型效果。对于那些脸形较宽，较胖的女性，可以选择这个高度进行拍摄；但对于那些较瘦，脸形上大下小的秃顶的人，则不宜采用这个角度拍摄。在拍摄全身照时，一般也不要采用这种角度拍摄。

在这里还应该指出，在人像摄影中，选择不同的拍摄角度，会使所拍摄的人物照片产生不同的构图艺术效果。对于拍摄高度的选择应根据被摄者的具体情况和自己的创作艺术构思来确定。

（3）化妆法

运用化妆技巧来掩饰被摄对象的缺陷也是人像摄影中很常见的基本手法。比如消除手上及脸上的皱纹，改变脸部及颧骨的反光以帮助改变脸形等。但是在化妆的时候一定要记住要适可而止，否则化妆效果太重反而显得过于虚假。化妆法只是造型手法的一种，有两个忌讳：忌乱和忌多。而且化妆造型的最终目标应该是让观众在最后的照片中看不出来被摄对象是经过化妆造型塑造过的。

2、姿势的处理及表情的捕捉

（1）姿势的处理

在人像摄影中，常常会遇到被摄人物摆布姿势的问题。实际上，人物的姿态和手势本身就具有表情，有着丰富的表现力。因此，人物姿态和手、脚的处理是刻画人物性格和形成画面视觉美的重要组成部分。身姿的表情主要靠头部的姿势和身体的姿势来表达。脸的朝向，仰俯都情调各异。一般脸朝向右比较合乎人的视觉习惯，朝左能增加神秘色彩。身体的姿势一般不取正面直线，因为取正面直线会显得严肃呆板，以曲线表现形体，脸部半侧朝向镜头等较有表现力。面部和身体的朝向应有一定差异，这样会显得既自然而又富于变化。当然，作为世界上最富有表现力的人体是很难套用什么固定样式的。特别是现代人像摄影更注重朴实和自然。下面就简要介绍一下人像摄影中身姿和手势安排的一般原则。

a、模特要轻松，随意：

造物主给人类创造了最和谐、最完美的形体，所以我们往往看到很多身材匀称的姑娘，无论怎么动作都是很美的。因为人的关节和线条几乎就包涵了艺术的韵律。轻松、随意，就能使人体本身具有的美得以充分发挥。相反，故作姿态，手脚无所适从等反而会破坏人的这份先天的美。一般说来，无论何种姿势，只要被摄人物感到轻松、舒适，旁人看上去就比较自然，不太会觉得僵化和呆板。因此，人像摄影中身姿和手势的安排首先要使被摄者感到自然轻松。

b、模特身姿手势要和情感一致

人的手、脚和身姿与脸部、眼睛一样，是表达情感的重要组成部分，因此应该让手、脚和身姿为刻画人物性格服务。如果手、脚和身姿由于故作姿态或僵化呆板而与人物表情及性格不一致，则看上去就会不舒服。如果能将手、脚和身姿融入到人物整体的情感表达和性格刻画中，使它成为形象表现不可分割的一部分，那么，手、脚和身姿的处理就一定成功。

c、作者要经常研究和模仿成功的人像作品

国内外不乏经典和名家的人像摄影作品，这些作品中人物的身姿、手势可以说既变化万千，又自然和谐，值得我们模仿和借鉴。应该说，学习人像摄影的身姿和手势的安排，最初应从模仿名家经典入手，从中找出规律，长期实践，最后达到能独立设计和创造出具有个人风格的摄影人像的能力。

专业摄影师也为我们总结出了一些比较常用的姿势，可以看到包括趴，坐，卧，蹲，立等等多种身姿都被总结在内。其中，抱怀的姿势就给出了8种选择。当然，包括头疼、牙疼、腰疼等姿势，这里也都有概括。

在拍摄时，如果觉得被摄对象过于紧张，可以适当地借用场景或者道具是拍摄人像照片的一个妙招，很多摄影师都会借此发挥。我们常常见到的就有“靠墙”这个经典姿势。另外，抱一些东西，或者趴在一些东西上，也能是不错的选择。

（2）表情的捕捉

拍好人像照片既要掌握摄影技术，还要懂得被摄者的心理，通过捕捉人物姿态与表情充分表现他们的个性。我们镜头中的人物，大都不是专业演员，不少人一至镜头前，就会紧张得手足无措，如果不加以有效的引导，就可以有得到一张呆板造作或千人一面的人像照片。要使被摄者去掉拘谨的神色，关键是要分散他的注意力，使他忘记自己是在拍照，这样才有真情流露的可能。比如要消除人物不安的情绪，最好的方法就是多与其交流，慢慢使其放松，与其多加鼓励，增强他的自信心；如果他的姿态与表情不到位，也不要急于纠正，不断鼓励的过程中逐步加以引导，哪怕浪费几张胶卷也是值得的。在引导的过程中，有时还可以找一些共同的话题一起闲聊，当他精神放松、神情专注时，最佳的拍摄时机也就到了，因为专注的眼神是最真实的，没有虚伪和陌生。在捕捉人物的神情时，常常牵涉到嘴部的表现力，也就是笑与不笑的问题。如果在拍摄时一味地要求被摄者“笑一笑，再笑一笑”，其结果往往使人物失去了个性。我们不排斥所有的笑，但作为肖像，们应该追求的是常态的美，笑与不笑之间，对任何人来说都是奥妙的，只要放松自然，真情流露，笑与不笑就都是次要的了。身体的姿态造型也与神情表现密切相关，首先要求人体姿态尽可能放松，接着可以进一步引导。比如当人物坐着，身体微微前倾时，往往会给人亲切随和的感觉，这果可以诱导他露出轻松的微笑；反之，当人物微微后仰时，通常给人以高傲的印象，这时不妨让他明白自己所处的角以，增强他的自信心，高傲的表情就会自然流露。真情流露在于引导，而最后的居功在于捕捉。记住加拿大著名人像摄影家卡希的这段话：“人物内在的思想、精神和灵魂，有时会在一瞬间通过他的眼睛、双手和体态表现出来——这就是需要紧紧抓住的、稍纵即逝的最重要的瞬间。

三、人像摄影的注意事项

1、镜头

什么镜头拍人像最好？用中长焦距镜头来拍摄肖像效果比较好。如果使用35毫米胶片拍摄的话，这就意味着应使用85至135毫米焦距的镜头。因较短的焦距（50毫米以下）拍人像会产生比较严重的变形，常常会夸张人物面部的特征，有时会使鼻子显得比实际的大，对于表现被摄对象的外貌有副作用。

使用经常被称为人像镜头的85至135毫米的较长镜头时，透视则可以把空间压缩，这样被摄对象面部特征就会表现出正确的比例，会更加突出和醒目。而若要使用200毫米以上长焦距镜头的话，则会使面孔显得太平。

2、使用大光圈

拍摄人像的时候，注意要避免使用 f／11到f／22的小光圈。用小光圈对于在强光下拍风光是好的，但是对于拍摄人像则会出问题。小光圈能使背景显得相当清晰，会转移对被摄者的注意。f／1.8至f/4的大光圈能使背景虚化,使之处于焦点之外，而让被摄对象在照片中唯一让人关注的目标。不过，大光圈有可能使景深太浅，如果被摄者的一只眼睛比另一只离相机更远，那么距离较远的那只眼睛也许会处在焦点之外。补救的办法是在取景时舍弃背景，这样就可以使用较小一挡的光圈，或者是调整被拍摄者的头部位置，使其双眼与相机的距离相等。

你所要展示的是你的被摄者而非背景。在图1这幅用f／16拍摄的人像上背景相当清晰。人们就会试图分辨那是什么或那是哪里。而在图2这幅用f／2.8拍摄的更为有力的人像上就根本不存在背景会分散注意力的问题。人们的注意力会集中在摄影师所希望的地方：被摄者身上。然而虚化背景并不总是必须的。你不妨试拍一种环境人像,为此，你需要保持周围背景清晰,通过环境特点和细节来对被摄者加以介绍。

图1

图2

3、试用竖构图来拍摄

人像摄影新手常犯的错误之一是把人像拍成横画面。这种横画面的构图对于群像来说是好的、但当你拍摄单人时就要把相机转到竖画面的位置。坚画幅取景比较适合单人肖像，因为这种画幅与头部本身或头与上身的立式长方形造型相对应。采用横画幅时要注意一些问题。例如，左图的横幅人像虽然不错，但是请注意作者采取的从胸部剪裁的方式使画面显得生硬而不自然。对人物最自然的剪裁要选择在身上最窄的部位，如脖子和腰。右图对被摄者的竖画面取景采用了这样的部位剪裁，就取得相对平衡而令人满意的构图。

4、靠近点

没有经验的人像摄影师拍摄失败的另一个原因是他们在拍摄时没有尽可能地靠近。如果你拍摄的人物在画面上太小，以至于其面容和表情不能成为照片上一目了然的表现中心，那么效果就差了。解决的办法就是再靠近一些拍摄。你可以走上前去靠近被摄者，或者是使用较长焦距的镜头拍摄。近产生美。著名战地摄影师罗伯特 ·卡帕说，如果你的照片拍得不够好，那是因为你靠得不够近。对人像照片来说这当然是对的。

图A

上边的照片是在15英尺距离上拍摄的，既算不上肖像，也算不上是市容照片。在下图中，由于靠近了被摄者，其效果没人怀疑它是肖像，而且是一幅成功的肖像。顺便说一下，上图还存在另一个常见的问题，即人物的头部处在画面中央。在人像构图时，要尽量使关键部处在画面的上半部分。图B

5、避免刺目的光线

拍人像最忌讳的就是使用从头顶上直射下来的阳光。它将在眼窝、鼻子周围和下巴底下造成黑影。为了避免这种破坏性的光线效果，职业人像摄影师喜欢选用开阔的荫凉场地，如晴天时大树底下，四周有大量的反射光可以对局部阴影进行补光，在人物脸上形成流畅的没有阴影的照明。如果你不得不在正午时分抓拍人像，你可以很容易地自己创造一个开阔的背荫条件，即让被摄者把背对着太阳，从技术上说这叫逆光。这对于你的相机测光表会形成一种挑战，下面介绍的方法可以解决这个问题。为了改善图A用直射阳光拍摄的效果，可用一把半透明的白伞遮挡中午的阳光。另一种办法就是采用这光照明来解决问题，不过被摄者周围的强光会干扰你的测光表而造成人物曝光不足。为了避免这种情况，你应靠近被摄者直接从其面部测取曝光读数。或者如果你的相机带点测光劝能，那么就用它测取被摄者面部的反射光好了。

6、选择简单的衣着

令人目不暇接的彩色服装只会转移观众对被摄者的注意。要采用朴素的设计和沉静的色彩。如果你打算拍摄有些随意的肖像，手头上可以常备一件简单的汗衫。若为大土拍照，把一块红色或蓝色的绸缎料子围搭在她的上身用别外固定，能够代替露肩的或敞领夜礼服。如果你在拍摄时遇到被摄者身着不台时宜的服装，则要想方设法改变这一点。可以在构图上把画面处理得紧凑些，从而避开那件华而不实的衬衫，或在布光时把那件衬衫部位留在阴影里，并使面部相对更亮一些。人物的着装要保持简单。花哨的着装会使人们把对被摄者五官的注意力转移到人物身上（图A）。在色彩方面，保持简单的着装通常是行之有效的。鲜艳的原色能为人像增添生气（图B）。但要注意选择能与被摄者的本色般配的服装。如果可能的话，让被摄者自己选择衣服颜色，这效果会最理想。几乎所有的人都知道什么颜色会让他们最好看。如果他或她身着颜色匹配的服装的话，被摄者的天蓝或采色眼睛将会更加明显。（红、绿、蓝的补色是黄、品红、青）

小结：

人像摄影技巧可分为：外形的塑造、姿势的处理及表情捕捉。思考题：

1、布光对人像摄影有什么帮助？

2、在人像摄影时遇到被摄者面对镜头过于紧张时，摄影者该如何处理？

3、在拍摄人像的时候，使用大光圈和小光圈会产生什么的画面效果？对突出人像主体有什么帮助？