法国音乐剧及百老汇音乐剧的特点及分别

第一篇：法国音乐剧及百老汇音乐剧的特点及分别

音乐剧欣赏

姓名 尹剑锋

学号 2010010306007

系别 地理信息系统

法国音乐剧和百老汇音乐剧的区别

音乐剧有五大特征：

一是综合性，指音乐、舞蹈、话剧表演等各种艺术形式的有机结合。

二是现代性，用最符合当代观众需求的唱法，并采用多种现代舞蹈语汇以及先进的舞台技术。

三是多元性，演唱有古典唱法和各类通俗唱法，题材从古代到现代，从科幻到神话，无所不有，音乐不拘一格。

四是灵活性，不存在教条主义的东西，比较大胆。五是高度的商业操作性。法国音乐剧特点

威尔第——浪漫主义意大利歌剧作曲家，一生的创作代表了意大利19世纪下半叶歌剧发展的历史。26部歌剧中，两部喜歌剧，其余为正歌剧。他不进行改革，而是通过创造来发展意大利歌剧。早期创作代表作有《伦巴第人》、《欧那尼》、《麦克白》。威尔第所采用的歌剧素材，寄寓了人民要求拜托奥地利统治的愿望。他的歌剧包涵4幕，采用分曲歌剧的形式。中期代表作有《弄臣》、《游吟诗人》、《茶花女》，题材转向现实生活，对於人物性格内心描绘更加细致，大歌剧《阿伊达》是他顶峰之作，华丽壮观，气势宏伟，创作以”场“为主，插进”分曲“结构。晚期代表作有《奥塞罗》、《法尔斯塔夫》，前者每幕音乐连续发展，剧中人声与管弦乐达到前所未有的融合，后者是意大利喜歌剧的顶峰，也为这一体裁划上了句号。

法语音乐剧的特点 舞台方面：

先从舞台整体风格来说吧，法国音乐剧很现代了，融合多种现代风格，比如钟楼怪人中提取巴黎圣母院部分元素就开始舞台设计的创作是很大的创新，相比百老汇闪烁的霓虹灯舞台来说，法国音乐剧的舞台更让现代人所接受。服装而言更加现代。音乐：

法国音乐剧的音乐很现代，也有融合摇滚风格的音乐剧产生。而百老汇音乐剧爵士乐占多，还有康康舞XD 百老汇音乐剧特点

以前初中時候看過《貓》，高中時候看過《悲慘世界》。到了大三選修課上我選了“走進音樂劇”，開學幾次課上老師給我們看的是《奧克拉荷馬》，我覺得也很不錯，就向大家簡單推薦一下音樂劇好了

音乐剧是一种结合了音乐、舞蹈、戏剧元素的独特艺术形式，简言之，即以音乐唱腔和形体表演来演绎故事，推动情节。音乐剧产生于17世纪-18世纪的欧洲，当时被称作“小歌剧”或“民间歌剧”，直到19世纪后期人们才开始引用“音乐剧”这一名称；到了20世纪中期，它已成为一种独具魅力的戏剧演出形式。概括地说，音乐剧是以具有吸引力的情节为支撑，以演员的戏剧性表演为根基，使音乐、舞蹈得以充分发挥其潜能，并把这些因素融合为有机的统一体的艺术。如果说，戏剧本身是一种综合艺术，那么与话剧相比，音乐剧则是充分发挥“综合性”艺术手段的戏剧形式。英国和美国是音乐剧的全盛国度，从音乐剧发展史的角度来看，伦敦西区和纽约百老汇可称作为音乐剧的发源地。但音乐剧在英、美两国也有着不同的历史背景：在美国，它较多地受爵士乐、踢跳舞、喜剧

音乐剧插曲

也许不少人没听说过音乐剧这个名称，但提起“别为我哭泣，阿根廷”、“Memory”等音乐剧著名插曲，相信很多人都是耳熟能详的。60年代，甲壳虫和摇滚乐由英国冲向世界，各国音乐剧作曲家对这股不可抗拒的力量由抵制逐渐转向吸收，英国音乐剧先锋大师韦伯率先在《耶稣基督巨星》这部以古老的圣经故事改编的内容沉痛、主题严肃的音乐剧中采用了轻音乐及摇滚乐，使之具有了现代感，歌曲变得活泼，通俗、易于演唱；在配器上也打破了管弦乐的严格限制，将电声乐器引入音乐剧，从而加强了它的时代感和表现力。加之由于现代音响广播设备的更新和普及，许多音乐剧中胜炙人口的歌曲，通过现代传播媒介手段，很快就风靡世界，成为全球流行歌曲，如《艾薇塔》中的《阿根廷，别为我哭泣！》及《猫》中的《回忆》在音乐会及平时街头广播中都常可听见，致使许多没有看过此剧的人也产生了一睹为快的期待。

旁白演唱

旁白演唱是音乐剧的一个特色，可以是与故事完全无关的人的旁白，也可以是略有关系但仍以讲故事为主的旁白。当音乐剧故事情节复杂时，音乐、舞蹈和舞台表述复杂故事的能力是有限的，需要有别的什么形式来帮助，于是便有了旁白演唱这一艺术手段。旁白往往是剧中的主角或次主角，通过旁白贯穿故事的情节和错综复杂的人物关系。旁白演唱是一种手法，可以安排为主打歌，比如著名音乐剧《艾薇塔》的旁白演唱在音乐上无疑是打动人心的。

话剧和含有歌唱的喜剧的影响；在英国，音乐剧更多地与轻歌剧、话剧，特别是莎士比亚、莫里艾、伊普生的戏剧背景相关，舞蹈方面则更贴近芭蕾舞。

音乐剧与歌剧的区别主要表现在：

与歌剧重音乐、轻剧本不同，音乐剧首先要求剧本的高质量；音乐剧不象歌剧那样追求高难度的歌唱技巧和戏剧性的表现力，往往更注重旋律的如歌性，更讲究自然平易的发声，亲切随和的歌唱以及表达词义曲情的诚挚动人；在歌剧中，舞蹈经常作为一种穿插性、色彩性的因素使用，但在音乐剧中，舞蹈是一种极为重要的表现手段，可以说是歌、舞、剧“鼎足三分”；与歌剧的跳跃式舞台叙事法不同，音乐剧属于传统型，讲究情节的连贯性，追求故事的有头有尾；在叙事节奏上却属于现代跳跃型，讲究快节奏，善于营造紧张度，舞台气氛追求热烈火爆。

音乐剧作为一个西方剧种在欧美已有百年历史，在中国被引进的时间不过短短20多年，目前仍处于起步和启蒙阶段。

百老汇音乐剧(Broadway Musicals)，其前身是黑脸人游艺表演、滑稽剧、歌舞杂剧等，后来在这些传统基础上创作出美国自己的轻歌剧(Operetta)，从二十世纪三十年代开始，结合戏剧、音乐、舞蹈的音乐舞台剧逐渐发展成了极富魅力的音乐形式，逐渐征服了世界各地许多音乐爱好者的心，可以毫不夸张的说，音乐剧是我们过去的二十世纪最璀璨的艺术瑰宝。大家耳熟能详的《音乐之声》、《贝隆夫人》、《猫》等就是其中的佼佼者。也许不少人没听说过音乐剧这个名称，但提起“别为我哭泣，阿根廷”、“memory",等音乐剧著名插曲，相信很多人都是耳熟能详的。

百老汇音乐剧可以说是美国文化历史的缩影，它的音乐较多的受到爵士乐、摇摆乐的影响，它的舞蹈也受到摇摆舞、踢踏舞的影响，也和美国芭蕾有密切关系，它的成型标志是1927年的《演出船》（剧中名曲 “老人河”），第二个进展是1943年成功融合舞蹈的《俄克拉荷马》，而1957年的《西区故事》又是一个新的里程碑。到1975年《平步青云》到达音乐剧的光辉顶点。

而稍后，英国也成为是大量优秀音乐剧的摇篮，尤其是70年代著名英国音乐剧大师韦伯和莱斯的天才创作，极大的推动了音乐剧的发展，开创了音乐剧的新纪元。音乐剧四大名剧《猫》《歌剧院的幽灵》、《悲惨世界》、《西贡小姐》全是在伦敦首演，其他作品，诸如《象棋》、《奥立佛》也是十分优秀的音乐剧经典。

第二篇：法国音乐剧罗密欧与朱丽叶赏析

法国音乐剧《罗密欧与朱丽叶》赏析

第一次看法国音乐剧《罗密欧与朱丽叶》是在高中的音乐选修课上，老师断断续续为我们播放了其中的经典段落。那还是没有字幕的片段，但绚丽的场景，咏叹调似的唱腔却深深震撼了我，当那个已非常熟悉的故事在小小的舞台上用音乐剧演绎时，还是会不禁被它所吸引。

罗密欧与朱丽叶是一个古老而沉闷的主题。但是没有想到在一个小小的舞台上面，法国人可以把这个古老沉闷而又美丽的主题表现得如此淋漓尽致，如此完美。法国人在尊重原著的基础上，加上了更多的情感和唯美元素，虽然服装设计上面更趋于现代的，但是却表现得很自然，使人没有丝毫抵触之情。而且整部剧的服装设计非常精美，加上灯光效果整部剧可以说是一场视觉盛宴。

音乐剧的主角是两位新人而非名角，他们的年龄也更接近人物本身，所以在演绎的时候更加有贴切感。女主角所表现出来的朱丽叶那种甜美、纯洁和对真爱的渴望并不完全是天生的，而男主角所有的那种柔情也是经过锤炼才达到炉火纯青的。剧中两人的默契和看对方时眼中流露的温情都会让我怀疑他们是不是现实生活中也是情侣。虽然年龄小，但两位主角的音域都十分广，看过有评论说有大海的感觉，但我每次听到都有一种在草原上的感觉，天很高，地很远，让人非常舒服。

剧中的人物除了两位主角外，还有很多出彩的角色，比如BENVOLIO，他作为故事的讲述者贯穿全剧，就像巴黎圣母院中的流浪诗人一般；还有蒙太古、卡布莱特夫人，以及朱丽叶的奶妈等我都非常喜欢。他们都各有自己经典的唱段。

剧中有一个非常特别的角色：死神，她不同与我们想象中的死神，是一位年轻美艳的女子，身着白纱，漆黑的发髻，漆黑的眼线，冷峻而狡猾的神情，赤足而行，虽然她未曾开口演唱，却是全剧一个非常重要的角色，她游走于各位主人公之间，被她“青睐”的人也往往逃不开死亡的命运。这是一个没有任何台词，没有任何歌曲的角色，有的只是舞蹈，但她却贯穿于全剧，成为一种宿命的象征。一开场第一个出现的就是她，当凯普莱特和蒙太古冲突的时候，当墨古修被提伯尔特刺死，提伯尔特被罗密欧刺死的时候她便在其跟前不停地跳着死亡之舞。当朱丽叶喝毒药自杀死后，罗密欧也自杀死去后，又是她撕毁了死亡契约让朱丽叶又复活过来，让朱丽叶看到罗密欧死在她身边，让朱丽叶饱受这种折磨，最后也是她递刀子给朱丽叶让朱丽叶自杀了的。

在开场之初，两位家族的夫人站在高高的平台上合唱《仇恨》，诠释了对两个家族相互仇视、厮杀的无可奈何和内心的焦虑，她们一红，一蓝，加上充满磁性的嗓音，即使不懂法语，也能受到她们情感的感染。还有罗密欧、朱丽叶、神父三人对唱《因爱之名》，是罗密欧与朱丽叶的爱情宣言，合唱表现了他们对彼此的重视与肯定。

除了音乐，本剧的舞蹈也是一大特色，基本上每个演员都有一定的芭蕾舞基础，舞蹈与音乐的搭配十分贴切，演员们随着音乐翩翩起舞，在舞伴的帮助下或缓慢，或激烈的表达内心的感情。比较记忆深刻的是朱丽叶母亲和奶妈劝说朱丽叶结婚时，是热情洋溢的ROCK风格，比较诙谐，给全剧增添了一抹亮色。《世上的国王》（LES ROIS DU MONDE）是罗密欧与他的两位朋友一起表演的，是剧中的经典歌曲，但是前奏的配器就足以震撼听者，工业舞曲的风格令王者风范尽显其中。使人热血沸腾，展现了罗密欧等主角心中满怀的强烈感情。

总之，我认为这部音乐剧是非常成功的一部作品，它融合了现代与古典的精华，创造了华丽的场景，塑造了不一样的罗密欧和朱丽叶。歌曲和舞蹈有时更能表达人物心中的感情。

第三篇：百老汇音乐剧的盈利模式和版权比例

百老汇音乐剧的盈利模式和版权比例

通常，一部大制作的音乐剧的投入与收益，通常由三方承担：制作人、投资人、版权控制方。

制作人是首先产生制作音乐剧想法的个人，在看了剧本和了解多方情况之后，制作人会决定是否去制作剧目。在制作人下定决心制作之后，就要开始安排如下各类事项了。

•核算制作成本，为剧目寻找投资人

•决定主创人员的团队（导演、作曲、作词、编舞、舞美设计、灯光设计、音响设计、编曲等等）

•确定财务预算；一方面是剧目创作预算，此费用一直要计算到剧目首演之日（比如剧本与音乐创作、舞台布景道具与服装，寻找演员与排练等）。另一方面是每周运营费用（包括演员薪水、剧场租赁、预测票房将达到怎样的销售情况才能够保本等）

•预定剧院来演出该剧

•与创作团队商议收益协议（包括劳务费用和版税协议）•整理制作财务记录

制作人可以自己投资，但一般不会这样做。制作人的风险在于还不知道是否能有回报的情况下，便需要投入自己及其他人的大量时间和精力（别人投入的时间需要由他来支付费用）。如果剧目不成功或不盈利，那么制作人将拿不到一分回报。

投资人是上演一部剧目，为剧目制作提供所需资金的人。他们的投资数额往往较大，制作剧目的花费都要由他们来承担。投资人数量往往不受限制，有些剧目的投资人甚至可以多达上百人。投资人与制作人在工作上一般相互独立。

版权控制方指将创作的想法变成现实的创作人员。这些人员通常为剧目的主创人员（如导演、作曲、作词、剧本创作等），由制作人来确定主创人员的数量与版税的分配比例。相比较他们的投入时间而言，这些主创人员通常在制作前期拿很少的钱，到了演出运营后再分享版税。每个人版税的多少取决于剧目的成功程度以及事先谈好的分配方式。如果剧目成功，版权控制方可获得很大的回报，反之如果失败，他们就获取很少。

关于投入与盈利的分水岭

在商业戏剧的制作和运营中，有两个鲜明的财务阶段：

1． 制作前期——这个阶段事实上是剧目的创作阶段，结束于首演之日。投资人的钱都用在这一时期。这一时期中，一般没有任何收入，只有投入。2． 运作阶段——这一阶段从首演之日开始。运作阶段的花费由净票房收入来支持，票房收入中的一部分将弥补每天剧目运营的费用（演员薪水、剧场租金、其他与剧目相关的支出，等等）。每周的净票房收入减去每周的运营成本，将是剧目的利润。

关于剧目利润的分配

在英美如今以制作人体系为中心的模式中，利润将首先分配给投资人，直到投资人的投资完全收回。如果投资人的投资全部收回了，那么接下来的利润将根据预先定下的方式进行分配。

以音乐剧《悲惨世界》的制作为例，预计投资收回后，那么接下来盈利的20％将首先属于制作人，之后的利润将是投资方与（制作方连同版权控制方）五五分成，即各得利润的40％。这只是其中的一种分配比例。一般而言，当戏剧环境越差，相对于投资方的分成比例就越高，以便让投资方感到更有吸引力，敢于冒险投资。

各方利益见下图：

三方利益关系图

此图可看出，所有人的盈利都将取决于剧目的成败，而投资人作为最大出资方，也有权最早享受利润的分配，当然，如果剧目失败，草草收场，投资人的资金损失也最大。

另外也可看出，制作人所冒的风险也极大，因为剧目在收回制作成本之前，他或她将得不到任何收入。当然，反过来说，如果制作成功，回报也会非常丰厚，因为他不仅获得利润中20％的回报，还将参与分配属于制作方的40％的回报（以《悲惨世界》为例）。

这样的盈利模式是西方音乐剧发展百年后逐渐成型的，其合理性很大程度上来源于商业演艺行业的根本特征，也就是“高风险，高回报”。因为，没有人保证一定能创作出一部成功的剧目。

有大量制作人和投资人，因为投资戏剧亏了钱，甚至还血本无归。即便在美国百老汇这样的成熟市场，平均投资五部音乐剧也只有一部剧目能真正获利（在伦敦可能更高，十部戏，七部亏损，两部打平，一部盈利）。当然，也有一些制作和投资人因为投资成功，收回了比他的投资多出几百倍的回报。

在音乐剧行业，成功与不成功之间，往往会走两个极端，一种是演出没多久即发现不受欢迎，演得越多，亏得越多，只能舍本停演；另一种是演出获得成功，产生雪球效应，越演越火，以至于几年甚至几十年不衰，获得巨大成功。就像《悲惨世界》、《剧院魅影》、《狮子王》这一类音乐剧。在这样的行业特征之下，投资人必须最先得到回报，以减少投资失败的损失，因为他是真正拿出真金白银的人。而制作人虽然承担了剧目制作，投入了大量时间和精力，但某种程度上他也是拉投资人“下水”的人，因此他必须在投资人全部收回投资之后，方可获得收益，不然就有制作方粗制滥造，有意骗取投资方资金的嫌疑（如音乐剧《制作人》(Producer)中的故事一样）。

当然，这一模式必须建立在牢固的信托责任和相互监督的基础上，如果制作预算、票房收入、演出盈利等数字都不真实可靠，那么将不仅损失的是投资方的利益，整个音乐剧产业的规范也无从谈起。

文化艺术产品的投资与回报是一个复杂的问题，这与市场状况及其产品内在的艺术气质与品质相关。投资电影与电视不同，同样是舞台艺术，投资话剧与音乐剧也不尽相同。事实上，一个戏剧项目是否值得投资，那些看得见、算得清的部分，不会是核心。或许正如音乐剧《窈窕淑女》中唱的那句永恒经典的话，还得“a little bit of luck”（来点儿运气！）。

第四篇：法语音乐剧创作特点浅析

法语音乐剧创作特点浅析

作者：黄月

学号：20202038050308

院系：英语学院

摘要：

本文通过对以《巴黎圣母院》为代表的经典法语音乐剧，以及2016年出品的音乐剧《摇滚红与黑》进行分析，从剧本创作、舞台布景、音乐特点以及语言特色四个方面探究法语音乐剧的创作特点。

关键词：法语音乐剧

法式

写意

一、剧本创作

法语音乐剧剧本多改编自名著，提起长篇名著改编的音乐剧，首先出现在脑海里的便是《悲惨世界》和《巴黎圣母院》。其中发表于1982年的《巴黎圣母院》是雨果对19世纪法国的昏暗社会以及人们悲惨遭遇有感而发写出的著作，而霍伯的同名音乐剧《巴黎圣母院》以歌舞形式良好地承接了小说宏伟严肃的主题，吸收了文章想要表达的深刻内涵，将其以生动的方式呈现给观众。而2016年在巴黎问世的《摇滚红与黑》，改编自法国作家司汤达，是这部作品首度被改编成为音乐剧，该剧将摇滚音乐融入独特的法式风情，描绘了波旁王朝复辟时期木匠之子——于连的故事。

音乐剧剧本改编自名著让音乐剧本身更具文化色彩，同时也吸引了部分原著粉慕名而来。但对于部分观众来说，原著本身想要表达的内涵过于深刻而不能理解，而且法语音乐剧通常只演绎名著中的经典部分，所以大多法语音乐剧安排了演员演唱序曲，这首曲子通常会介绍该音乐剧的背景以及其主旨，在让观众更好理解剧情的同时，也使观众更快投入到欣赏演出中来。

二、舞台布景

法语音乐剧相较于百老汇音乐剧，其特点是浪漫大于写实，法语音乐剧的布景设计师也不拘泥于舞台的布置，更注重意的传达。1998年首演的法语版音乐剧《巴黎圣母院》以特有的法式激情、浪漫、抽象和表现主义情感，进行了舞台革新，将古典宏大题材现代化演，简洁写意的舞美设计不同于西区、百老汇音乐剧的写实性的华丽风格，延展了时空自由度，创造出一个后现代风格的视觉空间。

法国歌剧布景设计师克里斯蒂安·拉茨在《巴黎圣母院》的舞台美术设计中，舞台背景采用了隐喻丰富的“石墙”。随着剧情进展。石墙可以自由开合变换成剧情所需的空间。在游吟诗人唱着序曲走上舞台，蓝色的的灯光打在石墙上，显出一种幽暗深邃的感觉，让人莫名升起畏惧之心。威震四海的石像鬼是法国音乐剧最大的单体道具之一，不可拆解，设计师用这三块粗大的“石柱”代表了大教堂、上帝和主教心里另一个自己。而在《摇滚红与黑》中，其布景更为简洁，场景的变化直接用LED屏幕、移动舞台表现出来，这种创新型的舞台布景让观众大开眼界，虽然这种布景非常的现代化，但又不会让观众感到突兀，反而有种音乐剧还能这么“玩”的感觉。

三、音乐特点

法语音乐剧的音乐特点就像法国作曲家德彪西一样，不拘于古典音乐严谨的结构、深刻的思想性和逻辑性

金学洙《浅谈德彪西音乐的特点及风格》，《北方音乐》，2015，第19期，取而代之的是朦胧、引人遐想的神秘，音乐中的一切技术手段如和声、调性、织体等都成为了色彩的表现手段，这与法国艺术中特有的审美特质相契合竺期《法国音乐剧的艺术表现力》，《音乐爱好者》2016，第5期。

法语音乐剧中的音乐多采用古典音乐和现代音乐相融合的形式，如《巴黎圣母院》中出现的音乐主要为法国流行音乐——香颂、吉普赛音乐和教堂音乐，演员们基本都为流行唱法，这种含流行元素的歌传唱更为广泛。法语音乐剧中的歌曲曲调多抑扬顿挫，随着曲调逐渐攀升，观众逐渐沉浸在表演中，而这时又慢慢降调，调动观众情感的起伏。百老汇音乐剧爵士乐占多，而法语音乐剧摇滚乐占多，像《摇滚莫扎特》和《摇滚红与黑》两部音乐剧，将严肃的题材融入节奏感强烈的摇滚乐，带给观众新奇的体验。

四、语言特色

法语被誉为“世界上最美丽的语言”，它没有像英语中那样模糊的元音，法语中的元音发音及其响亮，辅音虽然与元音相似，但在发音时更注重区分清辅音和浊辅音，而且法语中还有小舌颤音使其听起来更加沉稳优雅，在这种发声特点的配合下，法语歌词与音乐旋律更加贴合，增添了法语音乐的魅力。

法语中有一种句式是“无人称句”，即由纯粹的无人称动词、相对的无人称动词以及有人称动词借用的无人称动词构成姚琳《从<巴黎圣母院>看法语音乐剧中的语言要素》，《文学界》（理论版），2011，第5期

。为了让观众感受到大教堂时代的庄严肃穆之感，《巴黎圣母院》中大量运用了这种句式，如序曲《Le

temps

des

Cathédrales》中的“Il

est

venu

le

temps

des

cathédrales.....”（译为大教堂时代来临了）

姚琳《从<巴黎圣母院>看法语音乐剧中的语言要素》，《文学界》（理论版），2011，第5期，在唱到这句时配合着升高的音调，整部音乐剧的恢宏大气在游吟诗人的演唱下逐渐铺开。

通过对法语音乐剧以上这四方面的分析，法语音乐剧的创作特点主要表现为写意大于写实，豪放又浪漫的法语音乐剧将一个个故事展现在观众面前，力求将其深刻内涵以更具吸引力的方式传达给观众。

参考文献：

中文期刊类：

金学洙《浅谈德彪西音乐的特点及风格》，《北方音乐》，2015，第19期

竺期《法国音乐剧的艺术表现力》，《音乐爱好者》2016，第5期

姚琳《从<巴黎圣母院>看法语音乐剧中的语言要素》，《文学界》（理论版），2011，第5期

第五篇：音乐剧

我所了解的音乐剧

摘要：本文介绍了音乐剧的基本知识，以及如何欣赏音乐剧。

关键字：音乐剧的定义和特征如何欣赏音乐剧

音乐剧的魅力

音乐剧是集音乐、戏剧、舞蹈于一身的现代舞台剧。

音乐剧的六大特征：①戏剧性②现代性③多元性④国际性⑤市场性⑥旁白演唱。戏剧是音乐剧的本体，音乐是音乐剧的灵魂，舞蹈是音乐剧的重要表现手段和形式。从现代性来看，它不再用传统的音乐舞蹈和简单的舞台技术。在音乐方面，不再美声唱法，而是用最符合当代观众需求的唱法。所以，早期爵士乐为主的音乐剧，后来有摇滚乐的音乐剧，有乡村音乐的音乐剧。舞台技术也很现代化。多元性指的不再坚持单一的艺术形式，音乐不拘一格，不受任何公式化模式的束缚，音乐传统有爵士、摇滚、乡村音乐、迪斯科、灵魂乐，也有大混合式的作曲；有偏向歌剧的，偏向轻歌剧的，还有轻歌舞剧。舞蹈也有多种流派。音乐剧不拘一格，不存在教条主义的东西，比较大胆。在音乐创作、乐器伴奏和语言选择上，都是创新的并以市场需求为根据，不受传统的约束。从总量上说，欢快的喜剧题材数量较大。当然，也有些重量级的悲剧作品，例如、《西贡小姐》和《悲惨世界》等。

音乐剧比歌剧有更多舞蹈的成份，早期的音乐剧甚至是没有剧本的歌舞表演。音乐剧擅于以音乐和舞蹈表达人物的情感、故事的发展和戏剧的冲突，有时语言无法表达的强烈情感，可以利用音乐和舞蹈表达。在戏剧表达的形式上，音乐剧是属于表现主义的。在一首曲之中，时空可以被压缩或放大，例如男女主角可以在一首歌曲的过程之中由相识变成堕入爱河，这是一般写实主义的戏剧中不容许的。

音乐剧经常运用一些不同类型的流行音乐以及流行音乐的乐器编制；在音乐剧里面可以容许出现没有音乐伴奏的对白；而音乐剧里面亦没有运用歌剧的一些传统，例如没有了宣叙调和咏叹调的区分，歌唱的方法也不一定是美声唱法。但音乐剧和歌剧的区分界线仍然有不少学者争议，例如格什温（Gershwin）作曲的波吉和贝丝（Porgy and Bess，”）就曾同时被人称作歌剧、民谣歌剧（Folk Opera）和音乐剧。一些音乐剧如悲惨世界是从头到尾都有音乐伴奏。

音乐剧欣赏

音乐剧欣赏就是以具体音乐作品为对象，通过聆听的方式及其他辅助手段，如阅读分析乐谱和介绍有关背景材料等来领悟音乐的真谛，从而得到精神愉悦的一种审美活动。

音乐剧欣赏与其他文艺欣赏基本上是相通的，但由于音乐艺术本身所具有的特殊性而带有自己的特点，通常可从两方面来探讨。①如何正确理解、认识作为欣赏的客观对象的音乐本体；②如何正确理解、认识作为欣赏主体的听众在欣赏活动中所产生的各种反应及其个性差异。

对音乐本体的认识，实际上是通过熟悉、掌握音乐艺术的过程而取得。通常包括对音乐语言、音乐形式、音乐结构、音乐逻辑等，即音乐表现手段、手法的理解，再进而对音乐体裁、样式与风格的了解等。由于对音乐的理解不同，在西方，尤其是否认音乐有内容的一些音乐家们，对音乐的欣赏只限于研究形式以及技巧方面的问题，否认音乐的社会内容，甚至否认音乐能表现情感。马克思主义的艺术观认为：音乐的内容是作曲家对现实的具体反映，带有其主观的情感色彩及特定内涵，它通过形式表现出来，是可以理解并掌握的；只是由于音乐难以直接用具体形象来反映，因而带有一定程度的确定性与不确定性的辩证统一。为此，在欣赏音乐时，除欣赏其形式美以外，还有必要结合各种非音乐的因素来深入分析探讨其内容，以求正确掌握音乐的本质。

一、感知音响及音乐的具体外形。理解、体验音乐的情感内涵，即通过音乐的形式产生联想、想象等心理活动，根据自己的生活经历以及音乐经验等，使自己对作曲家所反映的现实及其情感态度等产生一定程度的理解和感情体验，并有所共鸣。通过对音乐的背景材料的了解，回溯到作曲家创作时的思想感情及其主观意图等。最初以直觉的方式形成认知时，就含有各种复杂的心理活动，它实际上表现为听众以往的知识和修养的总和在瞬间的复杂心理反应。如果通过反复聆听，就能逐步深化。

二、由于音乐的欣赏带有主观能动的特点，听众在聆听音乐时，必须结合自己的主观经验，通过回忆、想象及联想等加以丰富补充，因此，可以算是一种个人的再创作；它会因人而异，但又不会脱离音乐所表现及规定的大范围。这个再创作的特点是：只有听众本人才能体验，难以用语言或文字等具体概念来明确表达。即所谓“意在言外”或“弦外之音”。这个特点虽在欣赏其他文艺作品时也会产生，但对音乐来说，最具有特殊意义。

三、在欣赏音乐时，主要是对形式以及它所反映的内容是否合乎真、善、美的问题作出判断。在中国古代，道德判断列为审美判断的首要。形式美的审美判断，也是重要关键，这里包括对作曲家的艺术能力及其创作的形式美的高下，演奏家的再创作的评价等等。简言之，即对作品中所表现的审美趣味、审美要求及审美理想，以及表现的能力及成果进行评价。这种评价通常也是直觉而不够具体的，如果化为语言文字，则属于音乐评论的范畴。它们相互影响，彼此制约，形成1种主观能动的感知及认识活动。

在没上这课之前，总觉得只有具备广博知识才能深入理解音乐剧。因而只是听听简单的轻音乐。在课堂上欣赏了这些，后来为了写论文，又自己搜了些，发现慢慢能懂了那些说不清道不明的感觉。

很多人说，自由地倾听，充分地感受，我们才能领略音乐艺术的伟大。要培养音乐欣赏的能力，最关键的是要多听、多接触、多欣赏音乐。欣赏音乐也是这个道理，听得多了，自然慢慢地就会引发音乐鉴赏力。一般来说，音乐作品作为艺术，总是由音乐材料所构成的。其实，所谓听得懂音乐是一个相对的过程，是一个音乐作品与接受者之间信息网络传递的过程，最初可能只是一种比较蒙胧的感觉，如果再继续听下去，就能够逐渐感受到音乐的变化和特点，比如辨别节奏、节拍、乐律以及表达的感情。多听各种各样的音乐，不断扩大自己的欣赏面。趣味像灵敏度一样，在某种程度上是天生的，但也要通过后天的培养才能得到发展。对于各种没有欣赏过的音乐都要进行聆听，一方面可以提高自己对音乐的兴趣和受好，另一方面可能通过对不同时期不同作者的音乐作品的欣赏，来不断提高音乐欣赏水平。欣赏能力的提高需要文化艺术修养和丰富的生活体验，丰富的人生阅历和情感体验非常有助于欣赏者对音乐本质的体验和领会。走出音乐欣赏的误区，慢慢培养各方面的素养，具备音乐欣赏的能力，并在音乐视听实践中完善自己。没有任何艺术的生活，就如同荒野一样。愿每个人都能喜欢音乐。

参考文献：L.斯托科夫斯基的《我们大家的音乐》，D.D.博伊登的《音乐引言》

科普兰的《在音乐中听些什么》

W.S.纽曼的《理解音乐》