《大提琴》教学反思范文

第一篇：《大提琴》教学反思范文

教学反思

本课教学以大提琴的音色、造型特点入手，进而把对乐器造型之美的分析作为学习侧重点，为进一步学习做好铺垫。教学从多角度，有层次地引导学生感受新奇的视觉效果，尝试不同的方法，逐步引入到抽象绘画的创作，体会抽象绘画的特点与魅力。通过欣赏毕加索、康定斯基的艺术作品，引导学生在绘画中找寻音乐的旋律，在音乐中用画笔表达自己的感受，即“聆听绘画，描绘音乐”，使学生真正理解抽象绘画，并初步参与抽象绘画的创作，学生在这一教学目标上达成情况较好。由于在备课过程中，备教多于备学，使得很多教学环节的实施出现问题，如错误的估计了学生的动手能力，活动时间太短，学生不能充分表现；又如教学环节设置过多，学生不易适应等等。在今后类似活动和常规教学中，应吸取以上经验教训，做到勤准备、精分析、加强师生的交流与合作，让学生在美术课堂里学有所获，学而多获。

第二篇：大提琴教学

（一）大提琴演奏介绍

2010-8-12 10:12:35 www.xiexiebang.com 点击：1108次

大提琴演奏介绍：大提琴主要用低音谱号记谱，在演奏高音区时，亦可用中音谱号或高音谱号记谱。

大提琴演奏音域(独奏音域)

大提琴演奏常用音域（合奏音域）

大提琴演奏空弦与把位

大提琴演奏空弦排列同中提琴一样，但记谱与发音比中提琴低八度。例：

大提琴每一根弦，均可采用不同的把位而奏出完整的音列。

由于大提琴的琴弦较长，在演奏低音区，时，指距较宽，一个把位只包括三度音程(大三度或小三度)内的三个音。在演奏再高的音区时，演奏者可加用大拇指按弦。

4．大提琴演奏各种改变音色方法同小提琴(请参照小提琴)。

5．大提琴拨弦速度不宜超过一=104的连续十六分音符。拨弦的有效音域为： 演奏技巧

1、大提琴演奏可自如演奏音阶，在的音域内，可自如地演奏半音阶，并能自如地演奏各种音程的跳动和装饰音，在一根弦上，可拉奏滑音。

2．在速度不太快时，大提琴可演奏双音。较容易演奏的双音有：八度、纯四度、增四度、纯五度。可以演奏的双音有：大、小六度。在速度较慢时可以奏出的双音有：大、小三度，但较困难。

其它音程的双音很少使用(或无法奏出)。

3．在速度不快(并尽量运用空弦)的情况下，大提琴可演奏三音和四音组成的和弦。下列为可演奏的和弦：

4、大提琴演奏各种改变音色方法同小提琴（请参照小提琴）。

5、大提琴拨弦速度不宜超过d=104的连续十六音符。拨弦的有效音域为：

6．大提琴演奏可运用大指按弦，四指触弦的方法，自如地奏出人工泛音。其记谱方法同小提琴。7．大提琴演奏可单独使用某一根弦演奏。一般地讲，两根外弦(第一、四弦)的发音更响亮，演奏也更方便些。

其它请参照小提琴。

大提琴演奏音响富有人声美，表现力很丰富。作为独奏、重奏或齐奏乐器，大提琴可演奏各种宽广、抒情的旋律，亦可以演奏各种技巧性较高的华彩乐段，作为合奏乐器，大提琴可演奏和声的内声部或低音声部。经常与低音提琴作八度或同度重复，有很好的效果。大提琴的音响能很好地与其它乐器相融合。

（二）掌握大提琴右手演奏技巧应注意的问题

2010-7-31 11:37:58 www.xiexiebang.com 点击：3367次

本文论述了掌握大提琴右手演奏技巧应注意的八个问题：

一、正确处理持弓中的动、静关系；

二、重视接触点问题；

三、弓压、弓速、发音三者之间的关系；

四、预备阶段之重要性；

五、发音的关键在于音头；

六、音身要靠依赖动作完成；

七、手臂的高度问题；

八、运弓压力的变化与掌握

练大提琴要注意的五个方面的问题

2010-6-5 15:49:57 www.xiexiebang.com 点击：3168次

练大提琴要注意的五个方面的问题：

练大提琴要注意的五个方面的问题

2010-6-5 15:49:57 www.xiexiebang.com 点击：3170次

练大提琴要注意的五个方面的问题：

(1)时间上,每天都要有最低限度时间时间量的保证,许多技术,没有磨练过程是掌握不了的,磨练,就要时间,幼小孩子,耐力较小,每次练习可稍短些,但两三次合起来,每天总要在一个小时以上.（2)练习动作时,务必同时练习耳朵和头脑,耳朵时刻要注意听,检验对弹出的声音是否满意,脑子要时刻指挥,调整参与行动的身体部位,这就是精神集中.(3)练习的目的要明确,练习,是把自己不会的东西练会,把老师指出的的和自己感觉的缺点改正过来,究竟要练会什么?缺点,错误是什么?都要非常清楚,明确,具体.(4)弄清目的之后,每次练习都要至少解决一个问题,退一步,也要至少在一个问题上有进展,这就是有效的练习.有的问题,一次难以解决,那也要尽可能进展得多谢,深些.(5)要讲究质量,不求数量,宁可内容少些,但要质量高些,弹不了整首,先弹半首,或一小段,或一句,或一个音型片断.弹不了两只手就弹一只手.但每练一点就要高质量,积少成多,终究会练好全曲.总之,切忌练一天,停两天;耳朵不听,脑子不想;没有目的,为弹而弹;不计效果,只凑时间;在即将成功之即,却退下阵来,已经要做熟的饭,却提前闭了火,只好下次重新点火;不讲质量,泛泛地一遍一遍从头到尾地过.(5)要讲究质量,不求数量,宁可内容少些,但要质量高些,弹不了整首,先弹半首,或一小段,或一句,或一个音型片断.弹不了两只手就弹一只手.但每练一点就要高质量,积少成多,终究会练好全曲.总之,切忌练一天,停两天;耳朵不听,脑子不想;没有目的,为弹而弹;不计效果,只凑时间;在即将成功之即,却退下阵来,已经要做熟的饭,却提前闭了火,只好下次重新点火;不讲质量,泛泛地一遍一遍从头到尾地过.学习大提琴需要什么条件

2010-5-29 14:02:04 www.xiexiebang.com 点击：856次

按照日本著名小提琴教育家铃木先生的说法：“所有的人都应该学一样乐器，也可以学好它。”

这种观点是对的，但是落实到某一个孩子，要让他学习大提琴，我想还是要看他是否具备以下一些条件：

首先是对音准、节奏的感觉怎样，有的人天生五音不全，找不到音准的准确概念，还有人对节奏记忆很差，不会模仿最简单的符点和切分，这样的孩子就不要勉为其难了。

其次如果要学大提琴，相对来说手应该大一些，个子要高一点，自然条件好，将来学习也会顺利些。

在确定了这两点后，最后也是最重要的是要找一位好的教师。启蒙老师，第一位教你学琴的师长，对你未来学琴一生，如何走好这一漫长的路程，是十分关键的，现在社会上鱼目混珠，请你慎重选择。

如何让孩子提起学琴的兴趣

2010-5-29 13:58:04 www.xiexiebang.com 点击：1103次

我的孩子刚刚学小提琴，目前老师评价进步很快。

我有一些体会，与大家分享。

首先，让孩子学琴不要硬逼。其实让孩子学一种乐器是我很早以前就有的想法，可是因为孩子不愿意，尽管看着孩子一天天大了，心里有点急，用了各种方法，效果都不太好。

也是巧，孩子班里搞联欢，有的孩子表演乐器，让他很羡慕，我就借机说，你也可以的。结果，他忽然说，我也想学了。于是我就带他到少年宫里去看，让他自己去选。结果，他自己选了小提琴。现在他一直以为学小提琴是自己决定的，练琴表现得非常主动。

其次，父母还是得帮些忙。我也不太懂音乐，孩子开始学了，不跟着听，学是不行的。我见过很多孩子，学了几年，姿势还是不对的。什么原因，老师说平时在家里练，父母帮点小忙是必要。父母可以不会拉，但应该知道什么是正确，只要稍稍提醒一下，孩子可以少走许多弯路，他自己在小组里也会很有成就感。

最后，非常重要一点，不要太过指责孩子。孩子毕竟是孩子，玩皮是必然的，这时候作父母的一定要控制好自己的脾气，不要随意发作。我知道要做到这一点，对于中国的父母来说是有点困难，但是想想发火容易，不发火难这一点。我想，对很多父母亲会有一定帮助。

现在孩子学琴进入较难的阶段了，我仍在想办法让孩子保持兴趣。以上心得与大家共享，也希望有更多的朋友加入进来，共同交流感受。

谈大提琴演奏中的“呼吸”

2010-3-9 11:02:02 www.xiexiebang.com 点击：379次

我们知道呼吸是生命的基础，没有呼吸人类将无法生存。在音乐作品中，会有或长或短的乐句，在乐句中间会有停顿与相连的问题。这里的停顿与相连的问题就是我们所说的呼吸。音乐是人类语言的高级状态，它同语言一样有着句子的长短之分，有着抑扬顿挫的语气变化，有表达一个中心思想的结构性和完整性。它跟人类的呼吸一样，没有呼吸就没有乐句，也就没有了语调和结构，没有了生命。有些学生在大提琴演奏中出现不顾音乐的分句，演奏中缺少音乐的呼吸的问题。一些教师在教学过程中也常常忽略这一非常重要的问题，致使学生对乐句的认识模糊，处理作品缺乏音乐的律动性和歌唱性，从而给人一种上气不接下气的感觉，缺乏层次感，也缺少了作品应该表达的思想感情。

一、正确划分乐句是音乐呼吸的基础

划分乐句是为了理解乐句，理解乐句是为了理解乐曲。一篇文章，只有懂得了每句话的意思，才能理解全篇的意思。同样，一首乐曲，演奏者只有懂得了每个乐句的含义，才能领悟全曲的含义，分清了乐句，就能体会到各句之间的关系。下面我们就简单地分析一下怎样划分乐句。

第一，也是最重要的，就是对作品要反复认真地体味、感受，从心理上接纳每一个音和每一个句子，了解每一个音和每一个句子所要表达的意思。培养这种良好的音乐感受力是正确划分乐句最可靠的途径。这一点在歌曲中是比较容易理解的。特别是那种结构方整性的歌曲，比如四句歌词对应着的四个乐句，句与句之间都有明显的呼吸。而器乐曲中乐句也有的类似歌曲，分句比较清楚，容易理解，但有的就不那么一目了然了，这就是“器乐化”的乐句。但无论如何，所有旋律实际存在着乐句的构成。我们若细心研究分析，从作品创作的时代背景到作品创作的风格特征，从作曲家的创作特征到作者的创作原因，再加上反复的聆听感悟，做到了这些再去理解乐曲便不再是难事了，这是正确划分乐句的第一步。

第二，与文章的句子不同，一个乐句有多种的划分方案是完全可能的，而且这几种方案都有其道理，可以说是成立的。但客观地说，它们之中只会有一种是最能令听众满意的方案。这个时候就要演奏者细心比较这几种划分法，用心体会它们的细微差异，才能选择出在听觉和感觉上最满意的一种。

第三，要特别注意远距离的音以及顿音、跳音、被休止符隔开的音的划分。这些音都不相连，但不见得不是一个乐句，对此的感受要注意它们之间的运动趋势及在表情达意上的连贯性。而有些乐句的划分方法却不总是在明显的停顿处，有时也会划分在连续的八分音符和十六分音符中间。所以说，重视作品中的每个音对于处理好作品是非常重要的，必须细心体会。

二、理解音乐作品，合理运用乐句之间的呼吸

要理解乐句，首先要理解它们的气质、性格、风格，以及乐音运动的趋势、逻辑关系，把理解到的内容与音色的选择、连弓与分弓的奏法、力度及其对比变化指法等各种演奏记号与表情术语结合起来。理解乐曲上的所有标记——这是最基本的一点。我们知道任何一位作曲家对于其作品所做的处理都有其内在的道理，绝不允许演奏者轻视马虎。只有尊重作曲家的创作意图，尊重各种演奏记号，才能对作品进行较好的演绎。例如法国作曲家圣-桑创作的《天鹅》，作者基于对天鹅的艺术审美感受，将许多高贵的品性赋予它，使它拟人化地成为淳朴、优雅、高洁的象征。旋律流畅如歌，柔美舒展，加上力度的变化，听起来扣人心弦。但是希望发出什么样的音色？是深吸一口气从容的开头，还是急吸一口气灵巧的开始？这些都要根据演奏者对曲子的理解而定。只有演奏者有了准确地理解，才能恰当表达乐曲所描绘的意境。

其次，应注意的是呼吸的时间问题。我们知道，音乐本来就是一门时间的艺术，在时间中展开又在时间中结束。笔者认为，演奏者对于呼吸时间的把握，应该考虑到音乐本身的节奏特征和律动特点。演奏者要善于体会这种感觉，只有这样才能掌握好呼吸的时间。在演奏一句长达几十个小节的大起大落的旋律时就必须以舒缓而绵长的气息为根本。同样，在需演奏情绪高涨激昂，或者速度较快的一段乐句时，演奏者本人的呼吸也应该相应加快，到高潮音之前的呼吸可以较深一些。但不管怎样，演奏者本人的呼吸与乐句的呼吸在根本上应该是一致的，而且与乐段乃至整首乐曲的呼吸也应该是和谐统一的。此外，对于学生演奏中呼吸的掌握，应采用先让学生把乐曲演奏熟练完整的情况下，通过反复哼唱乐曲的旋律来深入体会乐曲的断句，然后将它运用到实际演奏中去，即将自身的呼吸与音乐的呼吸融为一体，进而才能做到“人琴合一”。只有这样，才能达到表现音乐内涵的目的，才能将音乐作品演绎得淋漓尽致。

练大提琴时坐的位置正确是指什么？

2010-4-15 10:26:40 www.xiexiebang.com 点击：776次

练大提琴时坐的位置正确是指什么？.坐的位置正确是指坐位与钢琴距离离远近合适，面对键盘正好居中，不偏左不偏右，坐位本身的高低适度。简单地说，前后、左右、高低都要正确。

坐位正确，将使弹奏者便于对88个琴键的全面控制和驾驶，也是为身体——特别是双手、双臂在键盘上的活动，提供最大限度的方便。这是发展、发挥正确技术的前提之一。不正确的坐的位置（无论前后、左右、高低哪方面不合适）必然造成某种不方便。在不方便的情况下必然影响到对技术的正确把握。严重时，还会造成弹奏中的毛病。在正确的坐位上练琴的意义，还在于形成眼睛、手臂与每个琴键稳定的距离感。有了这距离感，当我们想弹某一个音时，只要“扫上一眼”，就会找到那个音。高度准确的距离感，可以一眼不看地弹出想弹的音来。如果是盲人弹琴，这种距离就更为重要了。一般正常的人也会因此提高识谱能力。

所以，不要小看坐的位置的重要性。我们在音乐会上看到钢琴家坐下后，往往都调整一下坐位。在他确认了坐的位置适合对键盘全局的控制、活动方便、建立了稳定的距离感后，才开始考虑弹奏。这也告诉我们，动手弹奏前的第一件事，是先要调整好坐位。

怎样拉好大提琴

2009-9-9 10:59:02 www.xiexiebang.com 点击：1371次

在我40余年的教学过程中深感到要拉好琴，首先是演奏方法要好，也就是说要放松自如地拉琴，要做到这一点很不容易，但是却必须做到。

你可以注意观察和倾听，凡是琴拉得好的人，不论他是大师还是学生，他的演奏方法必须是放松自如，掌握了好的方法之后，高超的技术就是接着来的课题。

大提琴的技术包括左、右手两个方面，我喜欢问学生左手难还是右手难。不能回答说两只手都难，要强调的是右手比左手更难。

右手指的是握弓和运弓，弓子触弦才能发出声音，想发出一种什么样的声音，这是凭自己的感觉，可以说每个人的发音都是不一样的。

老师只能告诉你应该怎样握弓，每个手指的作用，放在什么位置，弓子，靠近琴马，手臂和手腕要怎样协调配合，拉长弓时要发出宽广、歌唱、自如的感觉，拉短分弓时，要控制手腕，是一种连绵不断、似断非断的感觉。

你若再进一步追问是一种什么感觉，这就不好回答了，因为它不是酸、甜、苦、辣是能形容的，所以我一直认为右手是比较难教的，而右手是拉好琴的关键。

谈到左手,它包括音准、揉弦、双音、换把和大跳的音程，也是很难的技术，但只要刻苦，勤奋，是可以练出来的。

在掌握了正确的方法和高超的技术后，最后就是音乐表现和风格的问题。

演奏巴赫组曲和贝多芬的奏鸣曲，表现手法是不同的；柴可夫斯基的罗可可变奏曲和德彪西奏鸣曲又是两种不同的风格。

当然，这些问题会通过年龄的增长，接触面越来越广，理解力的增加而逐步提高的。

中国大提琴教学前沿发展动态

2009-8-4 10:47:19 www.xiexiebang.com 点击：630次

大提琴的诞生距今已有三百多年历史。大提琴是以其最热烈而丰富的音色著称。它的音域宽广，其音色与人声最为贴近，因而人性化的大提琴特别给人以温暖真诚之感。历史上伟大的作曲家、演奏家、教育家凭着他们对大提琴的热爱，毕生都在使之从理论上，演奏技巧上，更科学化、系统化、规范化，形成了现在一种较为科学的教学模式，有力地推动了大提琴教学的发展。

一、大提琴中国作品的发展状况

二十世纪五、六十年代，中国弦乐器民族文化出现了一个高潮。一些老教育家为发展提高中国大提琴的演奏水平，为探索建立具有中国特色的大提琴教学体系，多方寻觅资料，编写教材。在这一时期，出现了一批优秀的中国作品，如桑桐的《幻想曲》、王连三的《采茶谣》、刘庄的《浪漫曲》、丁孚祥的《西北民风舞曲》、刘荣发的《牧歌》、陈铭志的《板车》等，到了七、八十年代又出现了像《萨丽哈》、《节日的天山》和由二胡曲改编的《江河水》、《二泉映月》等一些优秀作品，中国的大提琴乐曲打向了国际舞台，为世界文化艺术宝库增添了光彩。

为了更有效的提高演奏水平，大提琴教育家在借鉴西方音乐教学经验的同时，坚持走自己的路。根据技术特点各异，音乐风格的不同，编写了《大提琴曲集》、《大提琴换把练习》、《大提琴固定把位练习》、《大提琴教程》等教材。特点鲜明，技术丰富，即有很高的练习价值，又在大提琴音乐民族化风格上做出了可喜的探索。

二、大提琴教育在逐步发展和普及

改革开放以来，随着科学的发展，科技的进步，大提琴教学也在不断地规范化、科学化，使我国的大提琴教育获得重大发展和普及。当今已形成了从幼儿到小学、初中、高中、职高、大学再到研究生 “一条龙”的教育体系和空前规模的音乐艺术教育网络。

随着大提琴教育的普及和发展，我国出现了一批爱岗敬业的大提琴师资队伍和为大提琴教育事业奋斗一生的教育家。为了发展我国的大提琴事业，他们把毕生的精力都贡献在大提琴教学第一线，他们为发展提高普及中国大提琴艺术，敢于探索，使大提琴演奏水平逐年提高，在各种国内、国际比赛中，取得了可喜的成绩。由此可见，教育工作者为我国大提琴事业的普及和提高做出了不懈的努力。为了使这一学科更加系统、规范，我国还成立了中国音乐家协会大提琴学会。近年来，学会为了提高大提琴演奏水平，在国内举办了四届大提琴比赛，参加人数越来越多，形式也越来越丰富，不仅有独奏，而且有重奏等。学会的成立，使立足于研究大提琴教学和改革的人，有计划、有组织地去进行专业课题的研究和教学研讨。

三、艺术的交流，是不断促进大提琴教学发展的途径

随着中外音乐交流活动的增多，一些世界级的大师相继来到中国进行演出和教学活动，大大促进了中国大提琴教学和演奏水平的提高与发展。中国的大提琴演奏家走出国门介入外国乐团，把中国的音乐作品介绍到国外，一些国外的演奏家在音乐会中也选用我国的乐曲，这样的相互交流使中国的大提琴优秀作品逐渐打入了国际舞台。如世界顶级的旅美华裔大提琴演奏家马友友，他将音乐化为一种相互沟通的语言，在吸取国外音乐精华的同时，投身研究国乐和中国的系统音乐，多次在国内举行现场演出和讲学。还有许多我国培养出来的大提琴演奏家活跃在国内、国际舞台上，这说明我国的大提琴的教育事业正在蓬勃向前发展。

现代化、科技化的发展，各种CD、VCD教学带和各国演奏家录制的音像比比皆是。音乐会的现场介入和直观教学，使教师和学生掌握了第一手材料，方便了教学，在选材上，多样化、系统化，因材施教，针对性强。各种高水平的研讨会、学术交流，使之能掌握最前沿的学术动态和教学方法。

当今世界大提琴学科在技术和演奏方法上，各种学派之间差别逐渐缩小。所以从技术方面讲，全世界也基本相同，所不同的只是艺术的风格。世界著名的大提琴演奏家都以演奏本民族的作品为荣，以向世界介绍本民族的音乐为荣，他们都以其独具特色的演奏，把他们本民族的音乐推向世界。面对这种情况，我们决不能固步自封，虽然，在民族化的问题上我们做了一些探索，但是还不够，我们要解放思想，解放自己，建立适合我们自己的科学的教学体系，因为只有民族的才是世界的，更好的发展我国大提琴教育事业，使之立足于世界之林！

科学练习大提琴事半功倍

2009-7-16 10:50:17 www.xiexiebang.com 点击：759次

科学练习大提琴事半功倍.要使自已成为一个高水平的优秀乐手，在学习拉琴的同时也要学会如何去练琴，做到事半功倍。

因为每个星期老师给你上课只一、二次甚至还有二周一、二次和一月一次的，而练琴则是每天一、二次，所以如果练琴的方法、习惯好，能掌握住要领，效率就高，进步就快。让我们先来看看前辈们的千古名言：谁能像我一样勤奋，也就会有我一样的成就。（巴赫）浮生有限，艺海无涯，学习也无涯。（刘海粟）天才就是勤奋。（托斯卡尼尼）中国古人云：宝剑锋自磨砺出，梅花香自苦寒来。熟能生巧，巧能生华，能行云流水，出神入化。要立志！志不强者智不达，言不信者行不果。要追求！学而不厌，诲人不倦，学而后知不足。要勤俭！勤能实拙，俭以养廉。

以上都是侧重于学习精神方面的警句。学习大提琴这一门乐器的道路是漫长的，它不只是有鲜花掌声，还有攀不尽的一个又一个高峰，流不尽的汗水，有时甚至是泪水。

学习如逆水行舟，不能苛求什么好条件。越是艰苦越能鼓人心志。那么在具体的练琴方法有些什么需要介绍的，我们在各种演奏家的传记中读到。

一天不能少于八个小时，缺一分钟都是不能成才的。

我想每天练两小时就足矣。

要不断地练音阶，由慢到快，每天从一弓一音开始，从不懈怠。

我只是拉一些困难片断，活动一下双手就上台了。

以上种种都是出自演奏家之口，每人都强调了自己的一个侧面，都有道理，都可借鉴。下面我想推出近几年来我亲自见到听到的一些演奏家对如何练琴的精辟见解。

1966年第三届柴科夫斯基比赛金牌得主，前苏联的女大提琴家格罗吉拍·戈齐昂1999年9月22日来中央音乐学院授课时强调:练琴时视觉、听觉要先有要求,在想象中眼前出现的是一幅怎样的画面,什么色彩,耳朵想听到一种什么声音,怎样的音响,你做到了吗?

练音阶应该揉弦,这样在练音阶的同时也练了揉弦,要非常连贯。在低音时手摇摆的动作幅度大些，高音时手动作的频率快些。

1998年第十一届柴科夫斯基比赛银牌得主，我国青年大提琴家秦立巍于1999年9月2日来我院进行学术交流时谈：练琴不在于时间的多少，时间少同样也可以练好琴，关键是目的性要明确，练什么怎么练。

我喜欢练习音阶、琶音，这是基本功。我也喜欢拉练习曲，Piatti Popper等，这是技术功底。中学生阶段，自已还幼稚，主要是把基础打好，对音乐理解不多、不深，在同我母亲合伴奏时，她经常要求我要这样那样去表现。现在不同了，经常是我要求妈妈的伴奏这里或那里多给我一点支撑。

我国青年演奏家王健。是DG唱片公司一百年来签约的第一位中国演奏家，被小泽征尔称为世界级的演奏家，在1999年10月来京演出的一次交谈中说：音乐是线条，特别搞弦乐的人要对此很敏感，一串音下来总是有线条在里面，有起有伏，你首先要具备被打动的能力，才能够去打动别人。衡量演奏的唯一标准，就是能不能先打动自己，慢慢找到最佳的感觉。

德国罗斯托克音乐院著名教授彪罗1999年5月10日——22日来我院讲学期间，反复强调了演奏巴赫第五组曲时的要点：巴赫的音乐对音色的要求是非常讲究和十分重要的，弓子要放在指板和码子中间的哪 个部位，弓子本身是放平还是用某一个侧面来拉，使之发出不同的音色和音量，这是需要严格区别和仔细琢磨的。演奏巴赫音乐不许有滑音，不可用跳弓，每一句每一段都要认真思考，耳朵里要先有音乐，再用双手表现出来。

世界著名大提琴家麦斯基1999年11月1日在我院的大师课上反复强调了在练琴中，一些极为重要的、宏观上的，也可以说是他集40多年来演奏经验的精华：一定要自读乐谱，仔细再仔细，这是最好的学习，这也是练琴，要在字里行间去寻找音乐的真谛。

贝多芬的乐谱标有的记号和术语最多，一个也不要遗漏：巴赫在谱面上什么也不写，但音乐却都在他的乐谱中：奏鸣曲应该看谱演奏，这样可以做得更好。

反复不等于重复，因为每一次演奏的感觉都是不一样的。他自己经常幻想音乐，用心去体会音乐。想一想，再往深层次去想：要想得宽一点、远一点，要通过自己的演奏去打开人们的想象力，让听众喜欢，向他们传达最新的信息。

笔者认为：到底应该怎样练琴才是效率最高的，这是每个人自己会从每天的练习实践中不难悟出的，例如练习音阶时可以揉弦和绝对不能揉弦，不然会影响练音准，我想是因人而宜，百花齐放。不然众说纷纭，无所适从，拿不定主意，这也是要防止的。

关键是要从实践中去不断改进，探索出新的方法、新的思路，我把练音阶比喻为摸一根线，一根光滑和没有一点小结的线，从上到下，从下到上手指在指板上触弦是滑溜和十分通顺的：练琶音我则比作为画圆圈，一个没有棱角的非常圆的圆圈，这不是画三角，也不是八角，要圆圆满满，从里画到外，从外画到里。

有一次在上课结束前，一位家长对我说：“老师，你多给孩子布置一点作业，上次留的功课他只用十五钟就练完了“。我立即意识到这是对练琴的误解，我说：“练琴不是做数学作业，十道题做完了就是完成了作业，练琴是个无限循环，反复磨炼，循序渐进，不断推敲的漫长过程！”

我拉琴整50年了，至今每天开始练琴时还是空弦长弓和我喜欢拉的音阶。

著名大提琴曲

2009-10-23 15:21:30 www.xiexiebang.com 点击：845次

1.大提琴的忧郁 Cello Blue 发行：Hearts Of Space 2.勃拉姆斯·2首大提琴奏鸣曲 发行：DG

3.巴赫·6首无伴奏大提琴组曲 发行：E.C（这就是我找了半天的那个）

4.德沃夏克；舒曼·大提琴协奏曲；拉赫玛尼诺夫·大提琴奏鸣曲；几首大提琴小品 发行：DG

5.埃尔加·大提琴协奏曲、声乐套曲“海景” 发行：EMI 6.舒曼；拉罗；圣桑·大提琴协奏曲 发行：Mercury

7.德沃夏克·大提琴协奏曲；柴可夫斯基·洛可可主题变奏曲 发行：DG

8.德沃夏克·大提琴协奏曲；布鲁赫·科尔尼德莱；柴可夫斯基·洛可可主题变奏曲 发行：Mercury

9.大提琴 Cello 发行：Uni/Ecm

10.舒伯特·吉他型大提琴奏鸣曲；舒曼·五首民歌风格小曲；德彪西·大提琴奏鸣曲 发行：Decca

11.柯达伊·无伴奏大提琴奏鸣曲、小提琴与大提琴二重奏；斯塔克改编的帕格尼尼主题变奏曲 发行：Delos

12.贝多芬·大提琴奏鸣曲全集与变奏曲 发行：Philips 13.意外的温柔-范宗沛大提琴专辑

14.德沃夏克大提琴协奏曲、柴科夫斯基洛可可主题变奏曲 发行：DG 15.贝多芬大提琴奏鸣曲CD2 发行：DG 16.贝多芬大提琴奏鸣曲CD1 发行：DG 17.醇香大提琴 发行：FIM

18.柏林爱乐12把大提琴--月光夜曲 发行：科艺百代这一套组曲，第一号，G大调，BWV1007，共6曲：1.前奏曲，中板，自由的即兴性。2.阿勒曼舞由，中板，二段体。3.库朗舞曲，庄严的快板，二段体，两段都反复。4.萨拉班德舞曲，极慢二段体。5.小步舞曲1和2，l是G大调．2是G小调。6.吉格舞曲，快板，二段体。这个吉格舞曲贝尔卡版的弓法有些问题，较正确的是卡萨尔斯版。第二号，D小调，BWV1008，共6曲：1.前奏曲，较慢的中板，音阶进行为主的主题，这个主题各种各样的转调、发展，最后是5个最强的和弦。2.阿勒曼舞曲，中板，二段体。3.库朗舞曲，有力的快板。4.萨拉班德舞曲，极慢板。5.小步舞曲1和2。6.吉格舞曲，二段体。第三号，C大调，BWV1009。这一首规模最大，其中第五曲布列舞曲最为著名，共6曲；1.前奏曲，庄严的快板。2.阿勒曼舞曲，快板，二段体。3。库朗舞曲，庄严的二段体。4.萨拉班德舞曲。5.布列舞曲1和2，1是适中的快板，C大调；2是C小调，二段体。6.吉格舞曲。第四号，降E大调，BWV1010，共6曲；1.前奏曲，中板。2.阿勒曼舞曲，较慢的快板，二段体。3.库朗舞曲，庄严的二段体。4.萨拉班德舞曲，极慢板。5.布列舞曲1和2，庄严的二段体。6.吉格舞曲，较快的快板。第五号，C小调，BWV1011，共6曲：1.前奏曲，序奏部为极慢板，然后转为较慢的快板。2.阿勒曼舞曲，庄严的二段体。3.库朗舞曲，二段体。4.萨拉班德舞曲，二段体。5.嘉禾舞曲1和2，第一节奏活泼，第二是平静的流动，彼此对比。6.吉格舞曲。第六号，D大调，BWV1012，当初古大提琴为六弦，这首第六号乃巴赫为自己发明的五弦古大提琴而作，此曲结构也比较宏大，共包括6曲：1.前奏曲，刚健有力。2.阿勒曼舞曲，慢板，具洛可可式装饰的优雅。3.库朗舞曲，有力的快板，二段体。4.萨拉班德舞曲，二段体，全部使用复音演奏。5.嘉禾舞曲1和2，二段体，这一首也较为著名。6.吉格舞曲，快板。

第三篇：大提琴教学设计

《大

提

琴

》

教学设计

教材分析

《大提琴》选自义务教育课程标准实验教科书《美术》（湖南美术出版社）八年级下册。

本课以造型表现为主，通过学习，让学生认识具象与抽象的不同，学习抽象绘画的造型语言，初步认识抽象绘画的表现形式，从而丰富学生的造型语言，提高个性的表现能力，通过抽象的形式来表达出自己的思想感情。

学生分析

对于八年级学生来说，要他们一下子从具象的思维方式转到抽象的思维方式相当困难。因此，在新课导入中，要尽量减轻学生的思想负担，让学生觉得抽象思维的简易性，并且通过教师的引导，使学生了解抒发内心情感的最有效方式就是抽象画的创作，真正感受到“以画笔写情”的快乐，同时使学生能够掌握“发泄”和“抒情”两种情感的正确控制，即发泄心中的不良情绪和抒发对美好境界的向往，使得艺术的教育功能充分发挥作用。

设计理念

这节课综合了美术与音乐两个不同的艺术门类。这两种艺术所使用的物质材料不同，表现形式也不一样，但两种艺术之间有着密切联系，相互作用，相互影响。

优秀的绘画作品就象一首动听的歌曲，能让人从画面的色彩、线条、构图中感受到美妙的韵律和节奏；优秀的音乐作品也象一幅美丽的画，它以音符为色彩、旋律作线条绘出的，只能用听觉、用心灵去感受。本节课的目的，就是通过教师的组织引导，使学生对绘画与音乐之间的关系产生好奇与探索的愿望，初步感受绘画与音乐的个性与共性，尝试用绘画来表现音乐，使学生在学习过程中达到情感认识和实践目标。

教学目标

（一）知识目标：认识具体造型与抽象造型的不同，对抽象绘画有初步的认识。

（二）情感目标：感受抽象绘画与音乐的联系，学会用抽象的绘画语言表达情感。

（三）能力目标：感受抽象绘画与音乐的联系，运用线的情感和抽象的造型语言来表达对音乐的理解。

教学重点

引导学生分析大提琴的造型特征，理解大提琴的造型元素，对抽象绘画有初步认识。

教学难点

让学生运用点、线、面概括重构大提琴，尝试用绘画来表现音乐。

教学准备

教师准备：教学课件、投影仪、彩卡纸、彩色笔、大提琴模具。

学生准备：纸、彩卡纸、彩色笔、剪刀、胶水等。

教学过程

一、激发审美兴趣，导入课题：

1、播放一首乐曲《天鹅》，感受认识大提琴。

请一位同学谈谈乐曲中的节奏、韵律和情绪，是用什么乐器演奏的？

教师归纳：音乐中除了有节奏、韵律外，我们美术作品里也有丰富的韵律、节奏和表情。

2、教师展示课题——《大提琴》。

教师分析两张作品的特点：

俄国画家康定斯基《伴奏的中心》是一幅充满音乐性的绘画。作品色调明朗、华美。画面主体图形与周围小图形在形状、大小、色彩、位置上的变化富有节奏感，宛如一首乐曲。

荷兰画家蒙德里安的《百老汇的爵士乐》，是一张现代抽象主义的代表作，蒙德里安喜爱并熟悉爵士乐，他通过水平和垂直线条以及用色彩精心组织画面，引起观众对百老汇街纵横交错的道路以及爵士乐特有的节奏感的联想。

归纳：现在同学们欣赏到的这些作品，与平时的油画效果有所不同，但他们的创造工具相同，这些画也是艺术家内心情感的表达，是十分珍贵的艺术作品。

3、教师点题：今天，我们利用点、线、面创作一幅具有节奏和韵律的大提琴绘画作品。

二、重构与感知大提琴：

设问：大提琴的造型有什么特点？

通过教师提示，引导学生了解大提琴的对称、曲线和直线对比、外轮廓的粗犷和琴弦的细密。

剪贴重构大提琴新型，教师播放FLASH大提琴动画，引导学生分解、重构大提琴外形，以一种新奇的面貌出现。

1、用分割组合的方法重构大提琴外形。

展示拼贴画《吉他》。（教师指导学生活动。）

步骤说明：用色纸剪出大提琴的外形，再把剪下的形分割成两三块，经过取舍、拼贴，可以改变大小、方向，用翻转、重叠等手段组合成新的图形。

总结原来的大提琴与新图形的特征：

具象的——抽象的；

严谨的——随意的；

僵化的——个性的；

保守的——自由的。

2、用绘画的方式来组织。

通过简化、夸张的手法，概括出最能表现物体特征的线条来，灵活合理地组织成一幅完整的画。比如欣赏圆号的变体（学生欣赏）。

教师归纳：提示学生这是走向抽象绘画的一种思路，说明抽象绘画的精神内涵。让学生明白，欣赏抽象绘画先把握抽象绘画的造型语言：线。

三、绘画的形式美感——线、节奏和韵律：

1、尝试从乐器中提取出抽象的线条。

课件展示：大提琴、圆号、萨克斯等图片，观察乐器结构的外形。可以用简化、夸张的手法，概括出最能表现物体特征的线条来组织画面。

教师示范——在投影仪上用线画出圆号、萨克斯的结构外形……

学生实践：分别找两位同学——性格内向的同学和性格外向的同学上台各画一幅乐器外形的作品。

教师设问：同学们主要是用什么手法表现乐器外形的？

归纳：不同形态的线条给人不同表情性格的感觉，同样，不同性格的同学也会画出不同形态的线条。

2、不同线条在音乐中的含义。

仔细欣赏乐曲《圣母颂》，结合节奏和韵律的美感，把欣赏乐曲的情感用线条的方式画出来，教师演示。（如下图）

轻松

烦躁

自由

悲哀

紧张不安

舒缓的感觉

四、课堂练习：

让学生听几首不同的音乐，并用不同形式的线把自己的感受在作业纸上画出来，然后用语言或文字加以描述。

1、《保卫黄河》

2、《高山流水》

3、《十面埋伏》。

五、展示作品：

通过投影仪，让学生分小组进行作品交流，同时进行讲解与评价。

教师归纳：

通过我们这节课的学习，同学们掌握了用抽象的造型语言来表达自己对音乐的感受。那么，除绘画作品外，同学们还能在其他哪些美术领域找到与音乐相通的地方呢？请把它收集起来吧。

六、课外拓展

课后欣赏自己喜爱的音乐，掌握乐器的造型特征，用绘画的形式表现节奏和韵律。

教学反思：

在课前，我问学生：“对抽象画了解多少？喜欢抽象画吗？”学生不是摇头，就是干脆说不知道。有的说：“乱七八糟！”我当时的反映是：“抽象画离学生太遥远了。”毕竟，十几岁的孩子还是习惯具象思维，对抽象的东西了解太少。

针对学生心理和认知发展规律要求，在设计教学方案时，我认为，十几岁的孩子虽然习惯具象思维，但他们的认知比较感性，我从情感上寻找突破口。在教学中，我通过线条来激发学生的情感，启发学生的具象思维；通过对音乐的体验，加深学生对抽象画的认识；通过对自然生活的回忆，帮助学生理解抽象画，最终使学生能够用抽象形式来表现自己的想法。

这样的设计，使学生的情感得到尽情的流露，学生回答问题十分踊跃，出乎我的意料。例如：在体验用线条表达情感时，学生补充：向下弯曲的感觉，向上弯曲的线条有不愿放弃的感觉。学生的学习热情极高，学生的作业令人满意，部分学生在很短的时间内，就能按要求组织好一张完整的抽象画，从中能够感受到他们的个性和想法。

第四篇：感受大提琴

感受大提琴

一、定题原因

当下的年轻人在音乐方面的追求，大概多半是某个明星的演唱会，这也算是“较高”追求的生活品质了。但是我相信也有，也将有越来越多的人走进大剧院去欣赏某一个音乐会，一个交响乐带给人们的震撼。

上课的时候，陶老师对同学们做了一个调查：对讲过的某个乐器感兴趣的同学比例。其中感情和小提琴占的同学很多。（不是特别确切！）而在结束调查的时候，我记得老师说过一句话，就是一般女生比较喜欢大提琴，因为大提琴有种母性的感觉。这句话吸引了我极大的兴趣，或者说好奇！所以在结课论文上我打算写一些关于大提琴的内容。

二、大提琴基本概述

大提琴是管弦乐队中必不可少的次中音或低音弦乐器，属提琴族乐器里的下中音乐器，音色浑厚丰满，具有开朗的性格，擅长演奏抒情的旋律，表达深沉而复杂的感情，也与低音提琴共同担负和声的低音声部，有“音乐贵妇”之称。它也是非常为人们所喜爱的独奏乐器。

大提琴的发展历史：大提琴的历史可以追溯到16世纪末，是一种叫作“低音维奥尔琴”或“膝间维奥尔琴”（Viola degamba）的15世纪的乐器演变而来。同时也作为提琴家族中的一种，它是由古代的维奥拉的渐渐演变而形成。所谓的维奥拉其实是一种老式的六弦提琴，兴起于l5世纪，绝迹于18世纪。维奥尔琴的体积不像大提琴那么大，弧形也不那么明显，但演奏时可以夹在两膝之间，像大提琴那样用弓拉奏。腹部略显平一些；它的音量虽不大但也足以给人朴实甜美的感，它们从音质上相比，同样分为高、中、低、音和倍低音，由此可见，现代的大提琴就是从古代的维奥拉演变过来的。大提琴属于一件独奏乐器，并且具有优美的音乐与之丰富的表现力。而大提琴演奏又是脑力劳动与体力劳动相结合的一种复杂劳动，因此在我们演奏过程中，应注重在演奏技巧、音色以及艺术表现力等方面的研究。大提琴最初在意大利语中被拼作Violoncello，后来逐渐简写为Cello。大提琴以其热烈而丰富的音色著称，是交响乐队中最常见的乐器之一。适合扮演各种角色： 有时加入低音阵营，在低声部发出沉重的叹息；有时则以中间两根弦起到节奏中坚的作用。大提琴最为辉煌的时刻，要数作曲家赋予其表现如歌的旋律的使命。整个大提琴组奏出的美妙的旋律，足以令交响乐队中的任何其他乐器都相形见绌。

大提琴的结构组成：大提琴琴长约为小提琴的两倍，全长约120公分，琴弓稍粗且短，定弦比中提琴低八度。使用材质：琴身：木制结构，以槭木和云杉为原材料配合制造的音色最佳；琴弦：金属丝；琴弓：马尾。

三、大提琴的名人演奏家——马友友

看完介绍马友友的相关文章，真的是感慨万千，他有一个自由的思想，他在很认真的做着他爱做的事情。所以他有很多人们可能不理解的选择。他有着相当高的热忱和情操。

1955年出生于法国巴黎的他，家境良好，承袭了音乐世家的天赋。他的父亲马孝骏是音乐学家，母亲也是著名的声乐家。马友友从四岁起学拉小提琴，大他四岁的姐姐学得也是小提琴和钢琴，而且练琴特别认真，所以马友友有种抵触情绪。还好他的父母的思想非常开化，不想给他设定将来的音乐之路，兴趣是最好的老师嘛！也就没有逼迫他非得学小提琴。马友友学习大提琴也是自己选择的，当时他爸爸还说体积太大不适合还小的马友友，但耐不过已经非常喜爱大提琴的马友友，自此，马友友就用它的热情开始了大提琴的学习。他四岁的时候就已经会拉三首巴赫组曲！当然除了音乐天赋，但如果马友友玩而厌学，学而不专，也很难成功。因此说，离开了勤奋，通往音乐殿堂的路即使再平坦，最终也会变得崎岖不平。

我觉得没有兴趣做一件事情的人，是绝对不会时刻想着这件事情，更加不会想着要如何去做好它！而马友友，就常常在练习的时候通过问自己问题，然后自己回答自己，如此的自我锻炼，使他积累了越来越多的心得。这真的是一个大学生该学习的东西，为什么我单独说大学生？因为现在很多大学生刚入学的时候对自己的专业是完全不了解的，而有部分没有兴趣去经营好学习的同学来说，就应该汲取马友友的精神，虽然他学得是音乐，但学习什么，对待学习的方式态度都是相通的！他从父亲规定的15分钟练习时间里，由被动练习，变成非常珍惜练习的时间，在那15分钟里可以说是全神贯注的！所以有兴趣只是开始一件事情的导线，而坚持下去，是需要方法的！不要因为自己不喜欢的专业而放弃学习和向上！

他从7 岁开始就进入白宫为总统演奏，他是奥巴马口中“我遇到过的最快乐的人”，也曾被美国《People》杂志评选为“最性感的古典音乐家”。被西方媒体评为“最性感的古典音乐家”的马友友,居然没有任何音乐学院的毕业文凭。在这里值得一提的是他拿着哈佛大学人类学学位。这是因为，他在音乐学院学习多年后，决定退学，因为他说：“技巧的演奏，对于学琴来说固然重要，但要真正的理解和表现音乐，总感觉还需要掌握些别的什么。”于是他开始在音乐之外寻找知识，这种不拘泥于单纯的音乐演奏的新奇路子，就是我说他有自由思想的原因！他知道寻找什么方法去演奏好的音乐！学完后他说：“音乐演奏不是为了证明，而是为了分享！”

马友友热爱音乐，但他从来不参加任何比赛。虽然他已获15个格莱美大奖,却一直拒绝登上领奖台。《时代》人物周刊的一篇文章认为：马友友是古典乐坛的宠儿，也是最受争议的叛逆者。几十年来，这位华裔音乐家走过了一条艰难的人生孤旅。

马友友的父亲马孝陵有一个理论，他认为要出一个艺术家，必须是几代人的结晶：爷爷辈有钱，父亲辈有文化，儿子才能有条件成为艺术家。马友友正好就是这样“钱和文化的结晶”，爷爷是地主，父亲是音乐教育学博士，母亲是声乐演员。而生在法国，长在美国，以及完全的中国家庭背景，这样多种文化的融合为马友友开阔的艺术生涯提供了得天独厚的养分。

马友友于1972年进哈佛大学就读时，“觉得自己的天职就是把音乐带给每一个人”。他们在自己的学院剧场演奏，“早在那个时候，只要消息一传开，座位总是不够的”。有一次，马友友不得不在剧场外演奏，“以安抚拿不到入场券的人”。

马的演奏表现出一种超凡的控制力，既精雕细琢又豪迈奔放。他甚至能在演奏德沃夏克协奏曲这样的大部头作品时从头至尾不失一节一拍。他与艾默缪尔·埃克斯联袂演出勃拉姆斯奏鸣曲时已经表现出炉火纯青的演技。他对巴赫一系列作品的诠释也堪称典范。在音乐上，马友友大胆地跨界，尝试大提琴和口琴的搭配，尝试和美国乡村摇滚巨星James Taylor合作录制专辑。他不仅有着敏感的文化触觉，而且敢于突破形式并持续尝试在不同文化中激荡出火花。马友友有一种独特的、发自内心的笑容。无论是在演奏音乐还是在拍摄专辑封面，或者接受电视采访，哪怕面对一屋子陌生记者，马友友的笑容始终真诚，也难怪有这么多人称赞他的好人缘了。

我们熟知的电影《卧虎藏龙》、《海上钢琴师》和《美国往事》都有他的音乐创作！

听过他演奏的曲子，不得不说，的确是很感人的。

四、大提琴的独特的音色

大提琴的音色具有着优美、沉重以及苍凉感，它从不像小提琴那样的张扬，而是那种只会偶尔放声歌唱，却又不失坚定稳重感的乐器。大提琴的音色非常接近于人的声音，曾一度被称为“人性化”乐器。而大提琴的音域相对较宽广，它其中的最高音起码高出女高音中的高音DO三个度，而最低音又低于男低音中的最低音Fa四个度，是最接近于“深沉男低音”的乐器，而它在弓弦乐器中又是唯一能包揽人声音域全部的乐器，它所演奏出来的声音会给人温暖、真挚、亲切感。它的旋律足以扣人心弦，使人如痴如醉。因此，它在世界乐坛器乐之林中占有了重要位置。

五、大提琴在戏曲音乐中的发展

追索我国戏曲发展的历史，西洋低音乐器的加入尚不满百年历史。新中困建立后，戏曲艺术得到了充分的繁荣，伴随戏曲艺术的革新和发展，戏曲乐队干相继增加了二胡、高胡、洋琴、琵琶等民族乐器。而大提琴是西洋乐器最早进入我国戏曲乐队并取代传统大低胡的乐器。六七十年代，在普及样板戏的过程中，各个剧种、各级剧团的乐队，得到了充分的加强和发展。不仅充实和增添了民族乐器，更增加了西洋管弦乐器。各个戏曲团体都组建了大小不同、形态不一的中西结合的乐队，并进行配器处理。这充分加强了戏曲乐队的活力，极大地丰富了表现力。进入了2O世纪七八十年代，重新整理、复排的优秀传统剧目层出不穷。与之相适应，戏曲乐队的建制趋向于民乐加木管乐，整体艺术风格更趋于民族化。乐队的改良和充实，使戏曲乐队的表现力更加丰富多彩，使戏曲音乐这一优秀民族文化形式在现代文明中，更加充满生机，充满魅力。

广东地处较先开放的沿海地区，在20世纪二三十年代，粤剧就有西洋乐器的加入，如小提琴、昔士风、木琴、小号、电吉它等等。当年因粤剧演出的需要，这些乐器得以⋯展其所长，而大提琴的专业技巧性较高，演奏人员条件所限，故并没有大提琴的加入，乐队中的低音就只有大阮和革胡。自20世纪70年代，大提琴，作为一 件西洋乐器，随当年的“样板戏”进入了广东粤剧，与整个管弦乐队一起加入到传统的粤剧乐队中，发挥很大的作用。“样板戏”后期，因粤剧团的演出流动性很大，需要经常下乡或到各地演出，不可能每一 次都带着庞大的乐队，所以剧团把几十人的乐队减至十几人，组成中、小型乐队，继续保留了大提琴。改革开放以来，粤剧恢复了传统剧目的排演，大提琴更是成为各个粤剧演出团队中必定配备的乐器之一。

参考资料：

1.大提琴演奏家马友友系列故事 作者：大爱无痕

2.浅谈大提琴演奏艺术 作者：卢彦辰 杭州师范大学音乐学院

3.探索大提琴在戏曲音乐中的民族化之路 作者：李思茵 广东粤剧院 4.大提琴演奏家马友友

第五篇：大提琴_教案

湘教版八年级美术下册教案

第五课 大提琴

曲堤中学 李冬梅

教学目标：

1、认知目标：能够把握乐器造型的特点，领悟造型的独特魅力。通过乐器造型的分割重组学习，让学生了解绘画从具象到抽象的变化思路。

2、技能目标：能够运用一定的造型表现方法绘制新奇的视觉形象，对抽象绘画技巧产生初步的认识，培养其发散思维能力和个性表现能力。

3、情感目标：通过学习培养学生细心观察的习惯，充分认识“生活中处处存在美、关键要靠我们的眼睛去发现”。体会音乐与绘画的艺术共性与联系，体验求新求变的创作乐趣，形成抽象绘画的审美心理结构。教学重点：

学生通过欣赏乐器的美，从乐器的形状中找到美感，再用分解构成的手法创作出新的美术作品来，尝试用视觉形象的符号语言表达对音乐的理解。教学难点：

点线面创作要素的构成，抽象绘画的思维方式的培养，如何从乐器造型中发现美、概括取舍，以线为骨、以色为魂的方式组织表现抽象新奇的视觉形象。教学准备

教具：多媒体课件、各色卡纸、水性笔、乐器 学具：卡纸、剪刀、彩笔、胶水 教学过程：

一、创设情景，导入课题（倾听大提琴旋律之美）

播放且欣赏作品《天鹅》

师：同学们知道这是什么乐器演奏的吗？ 生：„„

师总结：“大提琴”，引出课题并且展示在大屏幕上。

二、制作抽象拼贴画

（一）讲述大提琴的结构特点：（展示欣赏大提琴和局部图片）

师：同学们，图片上是意大利著名的制琴师安东.史特拉底瓦里图在1737年制作的大提琴，几百年来，大提琴的造型未做任何修改，这足以证明大提琴的造型之美，接下来我们就一起看看它有一些什么特征？它的造型美在哪里？

生：小组讨论，然后回答问题.师出示大屏幕：

1.整体感受：外形：对称如葫芦，器乐中的“美男子”。

音色：浑厚丰满，演奏抒情的旋律，表达深沉而复杂的情感。

2.造型元素：直线与曲线结合，顶部是点线面的结合。3.色彩：赭红色——沉着、古朴、怀旧

黑色——稳重、深沉 师总结：点线面色的组合。

（二）活动一：“分割组合” 1.欣赏毕加索作品《吉他》

师：演奏家用琴弹奏出动人的旋律，而有些绘画大师也借用乐器的造型以独特的形式语言表达自己的感受。下面我们一起欣赏毕加索的作品《吉他》。

（学生分析，教师小结）

师：像毕加索的作品《吉他》，我们不但可以称它为拼贴画，还可以把这种没有描绘出具体的形象，不同的人有不同理解的画称之为“抽象画”。像这种以拼贴的方法制作的抽象画称之为“抽象拼贴画”。呢？

2.以大提琴为例，制作抽象拼贴画（大屏幕展示）3.大屏幕出示活动一

（学生动手制作，教师巡回指导）

师：制作过程中注意画面构图大小，完成的同学可以相互交流讨论。（学生展示自己的拼贴作品）

三、创作抽象画

1.展示两幅《大提琴》作品，比较不同。

引导学生观察分析，比较两幅作品在造型要素、方法上的不同？ 师生共同探讨: 1）、造型要素上看，抽象拼贴以面为主，另一幅以线造型为主。2）、表现方法上，一个是剪、拼、贴，另一个是描绘而成。2.谈谈圆号的造型特点，总结抽象画的创作方法。

生讨论，总结：一是把握乐器的基本特征；二是简化、夸张的手法描绘。3.教师示范（播放钢琴曲）

师：那么除了用线这种造型元素来创作抽象画外，可不可以再加入其他的造型元素？

4.欣赏作品（学生分析，教师小结）

那怎样制作抽象拼贴画

5.欣赏《伴奏的中心》，体会音乐与绘画的联系 小结：音乐中有高潮——绘画中有视觉中心

音乐中节奏、起伏——绘画中有疏密、大小、位置变化

音乐中喜、乐、哀、怨——绘画中线、色等的形式元素处理的情感对应体现

6.讲解线的情感意义 7，教师示范

8.完成活动二（学生创作抽象画、教师巡回指导）

四、展评作品

让学生自己讲述自己的作品，教师给学生鼓励，让学生感觉到抽象画并不是我们想像中的那么抽象。

五、拓展

六、总结

教师和学生共同回顾，一是学习了抽象画的两种表现形式，即分割“表现物体外形的面”以平移、旋转、重叠等方法重组抽象拼贴画，用表现物体特征的线以简化、夸张等手法进行创作的抽象画；二是学习了欣赏抽象画及对抽象画的理解和感悟。相信同学们在今后的生活中多看多想一定能描绘出更多美丽的作品来。

如何引导学生创作雕塑小品

在今天上午的视频学习中，我们学习了关于“造型 表现”的课程内容、教学策略与教学方法。“造型表现”学习领域是美术课程内容中涵盖面最广、分量最重要的部分。凡是运用描绘、雕塑、拓印、拼贴等手段和方法来创作作品，如各种的绘画种类、雕塑形式、传统的手工制作等等，都是属于“造型 表现”学习领域。湘教版八年级下册第四课《清晨》就是一节“造型 表现”课。

我在上这一课时，给学生布置的材料是橡皮泥（这种要比泥塑用的胶泥好准备一些），在引导学生创作雕塑小品时正如视频中贾老师所说的：首先要激起学生的兴趣，让学生表现他所喜欢的题材，并不拘泥于课本中的题材，也不要求浮雕还是圆雕，所以学生的积极性还是很高的，两人一组或者三人一组创作起来。其次，学生在创作过程中遇到困难要引导他们讨论怎样去克服，必要时老师加以指导。第三，学生完成作品时要给予正确的评价：先肯定成绩，再提出不足及改进方法。看到学生的作品时，我感到很欣慰。