第一篇:电影学院院长亲自教授的影片分析法
《电影学院院长亲自教授的影片分析法》
一 主题
正象其它艺术作品一样,影片的主题是电影作品中的灵魂和精华。
主题——是电影中内容的核心与内涵,是电影所要表现的主题思想。电影作品中的内容与主题,渗透和体现创作者的世界观,价值观,体现着创作者对生活的认识和情感。
电影的主题往往是多元化的` 多侧面的,多切入点的。
我们可以这样理解:电影的主题是电影的动作和人物的内涵,是电影的情节和事件的外延。主题是编剧`导演的生活经验和体会的暗示,艺术作品的主题转化为形象时,是导演思想欲望的情绪渲泄。
现代电影的故事和主题,往往是一句话可以讲清楚,一万句也讲不清楚。
电影的主题并不是我们在看完电影以后所总结,归纳出来的“心得体会”,“社会意义”,和“思想价值”。而是电影创作者的目标追求和灵魂净化。
电影艺术的主题往往不是简单的,不是表面的,而是深化的,多义的。需要我们整体的把握。
通常人们理解的影片主题应该包括俩个方面的层次:(1)影片的内容或者是影片的作者力图告诉我们什么。这一点我们从影片的叙事中
人物中可以清楚的看到和感悟到。它不是抽象的符号,也不是概念的堆砌,而是体现在充满视觉造型特点的银幕效果上。(2)通过对电影的主题`立意及影片的整体视听形象表达理解,我们感悟到了什么。
主题虽然是影片所表达的创作者对生活`对社会的认识,态度,情感和审美观念,带有明显的个人主观色彩和风格样式,但不会是纯主观化的东西,一定是一种个人生活的感悟。
对于电影作品所表现出的主题,我们要全面的理解,切记不能片面化和简单化。艺术作品的最大特点就是用一件最普通的故事,宣扬一种极有意义的思想,折射出丰富的思想内涵,照耀和抚慰人们的心灵,从而提高和净化人们的精神境界。
在我们分析、讨论影片主题的时候,往往为了更为深入的了解作品的主题,领会导演的创作意图,应该查阅影片相关的文字资料,做如下十个方面的准备工作: 1)这部影片是改编自哪一部文学作品(名著)?原著作品中作者表达的是一种什么样的主题思想,时代背景,人物形象?传达一种什么样的精神世界和情感效果?
2)这部影片的导演曾经导演过什么作品?他(她)一贯的创作风格是什么?在这一部作品中,采用什么样的手段、方法、风格、样式来完成影片叙事及主题表达? 3)这部影片属于哪一类型的风格样式?同一类的影片中外都有哪些?它们之间各有什么区别?
4)描述这部影片中哪一些情节、场景、细节对影片主题的表达有特别重要的作用?你能否做到准确、生动、完整的表达出这种感觉?影片中哪一些东西令你激动和回味? 5)关于这部影片的事件、背景、人物及大众传媒的相关报道你知道多少?
6)从你个人的专业、性别、年龄、文化、修养、价值观、道德观出发,你是怎样认识这部电影的?或者你认为这部影片处在一个什么样的水平上?
7)在一个什么样的层面上,我们认为可以充分的理解影片所要表达的东西,理解导演所要表达的思想,我们基于一种什么样的出发点?
8)我们在视觉生理上和审美心理上多大程度上对影片产生认同和共鸣?
9)影片中你认为最优秀的,最值得你学习的是什么?影片中的风格样式、叙事结构、造型风格、手段方法、影象效果、人物塑造,哪一些让你最感兴趣?
10}对于这部影片除了大多数公众的意见以外,你有什么不同的意见和看法?你认为最大的不足是什么?
这十个问题,基本上可以帮助我们加深对影片的理解。
重要的是,我们观看了一部影片,就要思考我们所感受、感悟到的东西。要反复地、深入地、分析这种理解和感受,解释出对主题的认识,感受,理解的原因。主题不搞清楚,分析就无法透彻。关于影片主题的分析就形式而言,文章阅读、段落拉片、同学间讨论和分析写作都是一种非常好的学习方法。
二 结构
影片分析中的结构分析是一个非常重要的工作。在我们的影片分析中,大部分同学经常会忽略这一点,甚至,根本不被关注。其实,电影的结构是电影的最重要的艺术形式之一。
结构----------是影片的组织排列的方式和叙事组合的构造。
影片的结构,框架,就是电影的风格。
导演根据影片的主题` 内容` 人物塑造的需要,运用各种手段` 方法,将各诸要素合理` 有机` 完整地组成一个视听整体,达到艺术上的统一。
影片的结构分析是影片分析中的系统工程,我们认定的电影的结构分析应该包括:
1)剧作结构-------剧作的分析主要是对电影的情节设置,情节的组织进行系统的分析。从电影的创作规律研究表明:戏剧性结构的电影无非是无数件有因果关系,有内在联系的事件,有机地,有目的安排在一起,最终构成一种结局。这种戏剧性结构的电影的结局可能大体有四种:A情理之中,预料之中;B情理之外,预料之中;C情理之中,预料之外;D情理之外,预料之外。但无论那样的一种结局,都会充满了“戏剧”的味道,都会有一种人为主观的因素。非戏剧性结构的电影,在表面构成上,会更为随意,更为自然和偶然的,许许多多的事件被十分有机地,有意地排列在一起,往往在影片的最后形成上,是局部的无意识构成整体上的有意识。现代电影的剧作结构往往有很大的随意性和变异性,重点的表现在剧作的合情与合理的处理上,有的合情不合理;有的合理不合情;但是,从大多数的影片的构成上分析,合情比合理更为重要。
2)情节结构--------情节的分析主要是对电影的情节安排在排列方式上的整体分析。传统的电影情节,往往是顺序型的,线型的排列关系,现代电影的情节则更为复杂,更为混淆。但电影的情节和细节是影片结构的重要组成部分。电影的叙事情节,在总体上构成影片的框架;电影的细节与元素构成影片的内容;电影情节的推动,一般不依靠外部的力量,而着重依赖于人物的动作和细节的设置。电影情节的编排,往往是依据于人物的心理线索和发展。以往的“戏剧式”电影叙事,对于精巧的外部情节的设计和设置是十分依赖的。现代电影中对于细节越来越重视,用细节的动作和细节的场面积累来推动情节。这种电影的特点是:重视细节的强调,重视细节的重复,形成影片内在的结构,注重细节的日常化和形象化对人物的塑造和对情节的帮助。
影片的结构是导演风格和主题思想表达的最重要的手段。经分析发现,电影的叙事结构、剧作结构、可以是多种多样的。但是,影片最终结构的选择与确定,一定是有利于影片的主题,有利于人物的塑造,有利于风格的体现,有利于叙事的多样化。
三 人物
电影中的人物,是电影创作中的核心。
反过来讲,人物的塑造,是电影的重中之重。
我们对文学的理解是“文学是人学”“风格即人”。同其它的艺术形式相比较,电影的创作也是紧紧地围绕塑造人物展开的。
可以这样认为:电影中的人物是叙事的核心,是矛盾冲突的核心,是影片造型的基础。
对于电影的基本要求,我们希望是在一系列的场景中,事件中,动作中,对话中看到的不是人(具体的演员),而是鲜活的`有性格的人物。
世界电影中的常规情况是,观众对于电影中的人物(其实是对演员)感兴趣,对于电影中的故事感兴趣,对于电影的主题感兴趣,才会全方位的对电影给予关注。我们所理解的“人”,是自然的人,社会的人。
电影中的“人物”,是电影叙事中`戏剧结构中的“符号”和“虚构”的人,是由演员(职业的`非职业的)扮演的银幕形象。在我们的潜意识中,人物----演员,演员----角色,这两者交替的认同。
我们在分析电影中,对人物的分析应该把握住如下问题: :分析人物在影片中担当的角色:
我们理解的电影中的人物,往往是电影中演员扮演的“人物”+演员自身形象的综合感觉。
有的时候,电影中的人物是叙事的主体;是电影情节中的主要情节的发动者和承担者;有的时候,电影中的一些人物对情节并没有特别大的帮助,仅仅是一种“象征”,是一种“符号”。
我们的心理意识和思想意识无法超越的是,我们很难将某一个“演员”的形象,从影片中的“人物”形象中分离出来,往往是三种思维定式,认为:A:影片中的人物就是------演员;B:影片中的人物就是--------演员+人物;C:影片中的人物就是-------人物。2 :分析人物的表现方式:
电影中的人物表现,不仅仅是影片的整体叙事及情节,也不在于其出现场景的多少,对白台词的多少,镜头数量的多少,而在于具体表演` 表现的方式。大体有如下四种方式
1)人物外形表现:
影片中的人物的外形,是影片人物的重要视觉信息。制作的过程中,更为重视其服装,发型,化妆的处理。例如:美国早期默片时代的经典人物卓别林,其外表很有特点,在电影中的视觉外形形象极为鲜明。影片中的人物外形不但要符合影片的叙事,还要有鲜明的特征。
2)人物景别表现:
某一个人物在电影的表现中,有时更多地是用某一种特定的镜头景别处理。其目的是想充分地利用镜头的景别,着重对人物进行心理,情绪,表情进行描写,即便是某一个人物用多种景别处理画面,或者是众多的人物分别用不同的景别加以表现,也是要对人物进行性格和心理地刻画。例如:《我的父亲母亲》中,“母亲”年轻时的叙事和人物形象,更多的是采用近景` 特写和全景` 远景的交替应用,“母亲”年老时的叙事和人物形象,更多的是采用全景的镜头来完成,总体风格基本是这样一种规律的处理。3)人物形体表现:
电影叙事和场景中人物的形体方式处理,大多数是经过导演和演员精心设计的。因为,人物的形体处理的这种状态,不光是为了叙事,为了场景,更多的是为了人物形象的塑造,甚至是为推动影片的情节。影片《我的父亲母亲》中,彩色回忆时空段落中,年轻的“母亲”,人物的形体永远是处在运动之中,处在站立和跑动之中;而黑白现实时空段落中,年老的“母亲”,则恰恰是相反的处理,大部分形体表现处理成为静止的形态和坐姿状态。
4)人物位置表现:
影片摄影画面构图中的人物位置,无论是在影片风格,画面效果,人物塑造上都有其特殊的意义。在处理的方式上,有的人物在画面上是居中处理;有的人物在画面上是居边处理;有的人物位置干脆是不规则的卡头卡脚处理。例如:影片《黄土地》的人物位置的整体风格是居中处理,影片《一个和八个》的人物位置的整体风格是居边处理。使得影片画面人物的位置有一种鲜明的造型效果,其实,这都是一种影片叙事` 手段` 风格的外延。
从影片的宏观上分析,人物的表现方式,在影片的创作过程中,一定是导演十分
重视的技巧与元素。通过这种细致和量化的分析,我们可以进一步了解影片的风格` 画面` 效果` 技巧` 结构和导演方法。:分析人物动作的表现技巧:
影片中决定人物动作的重要因素是环境,事件和规定要求。
作为导演,对于人物动作的简单表现和复杂表现,在影片的叙事风格上会产生不同结果,那么,核心的问题就是导演采用什么样的镜头技巧来反映和表现这些人物的动 作。
这时叙事中的人物动作成为了内容,镜头处理表现技巧成为了形式。我们在分析影片的人物动作时,讨论人物动作本身的存在形式和动作方式,仅仅是我们分析人物的一个方面。更重要的是,同时我们要分析影片的镜头中和段落中采用什么样的具体镜头技巧(方法),来表现此时此地的人物动作。
导演在实际创作和拍摄处理上,可以是用不同的镜头技巧(方法),拍摄和表达不同的人物动作,也可以是用相对固定(一样)的镜头技巧(方法),表达同一的动作和不同的动作。如果是采用后者的处理方式,就会产生影片人物动作镜头技巧(方法)处理上的特殊风格。
例如:导演陈凯歌拍摄的影片《黄土地》,大量地采用静止(静态)的镜头完成画面的表达,采用极为有限的摇镜头表现部分的人物动作和运动,表现场景的空间;导演徐克拍摄的影片《新龙门客栈》大多数是采用夸张` 变形的镜头画面形式表现各种的人物的近景和动作;导演吴宇森拍摄的大部分影片,大量地在叙事镜头和动作镜头中采用高速摄影(慢动作)的镜头技巧,来表达影片中人物的动作的异化,具有一种人物形象塑造的浪漫` 飘逸与超然感觉,有一种影片“暴力”美学的特征。:分析场景中,镜头中人物的光线形式:
按电影的常规分析,场景中,镜头中人物的光线的形式应该有其相对的设计性、独立性、形象性、鲜明性。人物光线的形式,除了受到场景、空间、环境、光源的位置、方向、性质的影响外,还要受到影片的主题` 内容` 风格` 样式` 叙事` 情节和导演处理的制约。有的时候,为了达到人物形象的塑造,赋予影片中某一个人物以一种特定的光线 形式,只要这个人物一出现,这种光线的效果就存在。例如:导演张艺谋的影片《大红灯笼高高挂》中,陈老爷这个人物的光线形式,就是具有相当程度的规定性,完全是逆光` 剪影` 半剪影的处理,增加了人物的刻画,增加了人物的神秘感,在影片的叙事当中起到了非常重要的作用。
有的时候,为了达到影片叙事情节的表达,赋予某一个人物以一种特定的光线效果,这个人物走到哪里,这种光线效果就带到哪里。美国影片《现代启示录》中,威拉上尉历尽艰难,深入到丛林中去寻找库茨上校,丛林中库茨上校的居住地的光线效果,则完全是主观化的处理,人物只有逆光的处理,很神秘,很形式。
有的时候,完全是为了影片全片的风格,使某个或者某几个人物,完全采用一种特定的光线效果。例如:导演关锦鹏的影片《阮玲玉》中,现代时空(演员扮演的段落)的人物处理,假定性的人物逆光` 轮廓光十分鲜明,很有现代感和唯美性,超越了早期资料影片的审美氛围,在光线的形式上,形成了俩个不同时空的交替。
四 场景
场景--------是影片叙事的基本载体和影片特定的空间环境。
现代电影的场景,可以是现实空间环境,也可以是非现实空间环境,但是,这两者都要求要体现和反映剧本中的假定情境。
通常的,影片中场景的种类大体上可以划分成如下六种: 1)内景-------在摄影棚内搭制的场景。2)外景-------大自然中天然景观的场景。
3)实景-------人类居住和活动的自然建筑的场景。4)场地外景--------为了影片的拍摄,按一定的比例,专门人工搭制的场景。
5)特技合成景---------人工搭制用于配合拍摄的小比例的场景。
6)计算机模拟景------利用计算机(数字)创造的虚拟现实的场景。
现代电影中,电影场景的构成有如下的几种特点: 1)影片的银幕空间是由多种类型的场景组成。2)同一场景可以开展一场戏,也可以开展多场戏。3)一场戏可以在一组场景或多组场景中展开。4)影片中的场景更加参与影片的叙事和造型,5)场景的变化越来越趋向于多元化。
6)影片的构成上,场景交替变化、交替运用越来越频繁。
7)特技合成,虚拟现实的场景的出现和使用越来越广泛。
8)影片中的场景在视觉造型和视觉风格上越来越影响和决定影片的风格。
电影场景,首先是一个空间的关系,它规定和制约影片某一个段落的人物` 叙事` 动作对话的构成与处理。场景是一个宏观的概念,也可以是一个具体的概念,例如:操场` 街道` 河边、厨房、卫生间、车内。可以有地域的限制,也可以没有地域的限制。一幢郊区的别墅,严格地意义应该是一个场景,但是,在具体的拍摄中,室内的戏和室外的戏,我们在拍摄和表述上往往又分为俩个不同的场景。
电影场景其次有一个时间的关系,它规定和制约这个场景所表达的叙事` 动作的时间关系,正如我们经常讲的:换镜头就是隔时间;换场景就换时间;换镜头如隔山;换场景就是换空间。
通过拉片和影片的分析我们发现,电影中场景的选择、利用、排列、构成,会影响到以下几个问题:
1)场景决定影片的风格:场景的选择和具体地运用,在宏观上就决定了影片的叙事风
格和造型风格。我们常常讲:外景利于影片的气氛。内景利于影片的光线运用;实景利于影片的空间表达。外景出意境,内景出戏,实景出调度。
2)场景影响影片的空间感觉:电影中外景的出现,无论场次的长短、多少,都会在影
片中形成一种整体的空间规模、感觉和效果。而在内景的拍摄中,我们会有一种与之相反的感觉,显得影片空间变化较多,但不完整。
3)场景制约人物形象的塑造:电影中外景的应用,使得人物的表达更为有环境依据,使人物在叙事上更有可信程度,更有利于人物形象的塑造。内景的应用,优化了摄影的造型元素,在视觉上更有利于人物的
4)场景关系影片的影调构成:由于影片中场景的有意识、无意识的变化,影片中的影调关系会有很大的变化,可以构成影片的不同场景的不同的影调效果。5)场景决定一段叙事情节的完整:电影中的一个场景中可以清晰、明确地完成一个相对独立和完整的叙事情节,也可以仅仅是表达叙事情节的一个小小的部分。在电影的制作过程中,我们经常讲的“一场戏”,是一个表述性的语言,是一个实际情节的称呼,更是一个相对独立的事件的表达方式。实际情况往往是,一场戏有可能在一个场景中完成,也有可能在几个场景中完成。电影中场景的作用十分重要,要求我们在选择场景的时候要特别地谨慎和准确。分析时,我们也要关注场景在影片中所起的作用。
五 景别
电影的景别,是一个电影镜头和画面的视觉形式的表述语言。表面上是一个造型元素,实际上是一个叙事的手段。
景别最最根本的含义,是表达画面所包括的范围。电影景别的划分大体上有如下的几种形式:大远景,远景,大全景,全景,中景,中近景,近景,特写,大特写。电影中的景别,是影片视觉效果、导演语言风格的外在形式之一。决定影片风格,决定叙事风格,决定视觉风格,决定导演风格,我们在分析影片的过程中,对于影片的景别的把握重点是在于全片,而不在于具体的某一个镜头。分析的重点在如下几个方面:
1:影片全片的叙事过程中,什么样的镜头画面景别为主?在影片中是一种什么样的主导趋势?
2:场景中重要的人物对话镜头是以什么样的镜头景别为主?镜头景别变化之间有什么样的规律和特点?对于影片中的人物刻画和叙事的推动有什么样的帮助? 3:电影场景中的内景的景别特点是什么?外景的景别特点是什么?这两种景别交织在一起是一种什么样的效果?特别是要分析景别分别在外景和内景当中对于人物、叙事、对话、动作的表现和表达都起到了什么样的作用?
4:每一个场景的开始的镜头和结束的镜头的景别的应用有什么样的特点?镜头剪接中景别的变化有什么样的规律?
5:全片中,镜头画面的景别的变化幅度是什么?对影片的节奏有什么样的影响?
6:分析在动作的场景中,景别的应用有什么样的特点和形式?
7:景别的运用对于影片的风格有什么样的作用? 8:不同的景别运用,对于画面的构图有什么样的影响和帮助?
9:分析景别的应用对于环境的气氛,空间的表达有什么样的作用?
六 空间
电影空间是一个整体的概念,它不能离开影片的叙事和影片的主题。
往往在我们认识电影的过程中,电影的空间对于我们来讲,是一个比较广泛,不太具体的概念。这种感觉也一般来自于我们的生存观念。
那么,电影的空间具有什么样的特征呢?
1:电影的载体空间的明确性。也是我们说的银幕的二维空间。电影的银幕空间是有限的,平面的,具体的。2:电影的表现空间的假定性。我们所看到的银幕的三维空间是一种假定性的三维空间。电影是利用光学的、色彩的、影调的给我们创造一个生理((眼睛)感受是具体的,心理(大脑)感受是假定的空间关系和空间效果。
3:电影的感觉空间的综合性。我们对电影空间的感觉是一个生理和心理的综合感觉懂得过程。即使银幕的,又是想象的;既是具体的,又是幻觉的;既是平面的,又是三维的;既是表现的,又是再现的。
4:画内空间的现实性与画外空间的想象性。电影是用画内有限的空间布局,表达画外的无限空间关系。我们常常是用局部的、不完整的画内空间去表达画外整体的空间关系,缝合观众心理的想象。
我们在分析电影的过程中,就要分析如下的一些问题: 1:影片中主要的空间构成是否参与影片的叙事与造型?电影中的空间存在,一般的情况是作为事件发生的环境来帮助影片完成叙事,例如:影片《红高粱》中,高粱地成为了影片中“我爷爷”和“我奶奶”情感宣泄的重要环境依据。但是,有的情况是,影片的空间直接作为一种叙事元素和造型元素,成为影片的视觉主体和审美主体。例如:影片《大红灯笼高高挂》陈老爷的宅院,作为一种环境,作为一种象征,作为一种风格,作为一种影片的故事和造型元素,独立的在影片中发挥作用。2:影片主要空间的跳跃是否构成巨大的对比关系?美国影片《勇敢的心》中,英国苏格兰的地域风光和古代封闭式的城堡,这两个场景的交替,形成了巨大的空间对比,也形成了巨大的气氛对比,对影片的叙事和风格起到了极大的作用。3:影片的空间是否具有象征意义?电影中的空间既是主题的载体,又是叙事的环境;既是影片的视觉风格,又是影片的造型风格;所以,电影中的空间有很大的表现性和象征意义。
4:现代电影当中,电影的空间象征与表现形式大多是两种存在形式:
1)一个是影片的整体的空间象征; 2)一个是影片的局部的空间象征;
影片的创作者大多用这两种方法帮助深化影片的立意。影片《黄土地》中运用大量的外景中土地、黄河、窑洞、整体的空间关系象征,来达到影片中对中华民族上下五千年传统文化、传统风格的反思。影片《菊豆》中,运用封闭的染坊内景局部的空间关系象征,来表现染坊的兴旺与发达,来表现一个家族生命的衰败和伦理、道德的衰败。影片《全金属外壳》中海军陆战队士兵的卫生间,是一个典型的封闭、局部空间关系象征,不但很好的表现了几个士兵在人性压抑下和军队压抑下的精神扭曲,也表现了士兵不满军队体系中军官的作风而枪杀军曹的震惊事件。
5:影片空间的表达与表现是否有个性特征?《大红灯笼高高》《》《》
七 机位
电影中的机位就是摄影机的位置。
实际上,机位是影片导演风格中最为重要的语言形式,镜头形式,叙事形式,视觉形式。
我们知道,戏剧场面调度的核心是人物在舞台中的位置。在电影的场面调度中,则包含了两个方面的因素。1)人物在场景空间中的调度与处理。2)摄影机机位在场景空间中的调度和处理。摄影机机位的设计、运用、具体方式、变化的规律,都反映了导演的镜头意识
八 运动 九 色彩
电影中的色彩是影片中重要的视觉元素
十 光线
光线是摄影创作中的灵魂。
十一 角度 十二 暴光
暴光是一个电影摄影中的技术问题。
有人会在影片分析的时候提出这样的问题,暴光的问题对于我们的常规电影分析有什么样的作用?是否有艺术上的意义?
而我们在艺术的创作中有这样一种体会,摄影技术问题在局部上是一个技术问题,在影片创作整体上就是一个艺术问题。
暴光问题最终反映出来的是影片的视觉形象效果的整体感觉和影调关系。
暴光在摄影创作上是个比较复杂的系统工程,有胶片感光度的应用;有摄影对洗印技术的控制;有量光的方式、方法;有对于摄影暴光点的有目的选择;有胶片高亮度部分和低密度部分的有效控制;有镜头画面效果控制的设计与风格等等。
十三 对话 影片中人物的对话,仍然是常规电影中的主要的表现方式和叙事形式。
在我们的影片分析中,分析
14动作 15透视 16景深 17主体 18影调 19视线 20调度
21位置 22数量 23长度 24叙事 25写意 26风格
第二篇:影片分析及电影史
影片分析部分
诗——听、意象、内心情感 画——视、表现手段、技巧
一、影片分析考察分析重点:
形成一套与自己专业相适合的分析电影的方法。
1、认识与运用分析视听技巧,分析具体影片创作的问题。
2、结合电影化的呈现,把握具体的电影的诗情品格或美学定位的能力。(给影片档次打个分,但要电影化)
3、具体运用所学视听和文学叙事知识的能力。(电影具有文学性,诗是文学的最高形态)
二、考卷以往出现的问题:
1、仅仅对影片进行文学评价。(主题好不好不是首要,关键是怎样体现出来的?看到、听到的来反映主题,反映什么样的主题?即要说出主题如何被看得见、听得到的)
2、仅仅对影片进行泛泛的视听评价。(为什么这样用视听语言?要上升到艺术本质、诗的层面,不能单说视听语言,视听语言是手段)
3、把电影当作一种媒体文化来评析。(符号、后现代都不是首要需要的,视听特点、诗情的转化及两者关系,对影片基本创作形态——视听形态的认识)
片例:《活着》医院生产一段
侧重的几个方面:结构特色(电影化)、主要指叙事特色(戏剧体和非戏剧体的);分析蒙太奇表现特色——核心、目的、线索;整体视听创作的风格;针对自己专业的特点,选择一个层面(诗与画,时空的结合的范畴)
影片分析的高度:时间艺术与空间艺术的结合。时间:文学、音乐(是意会的)空间:绘画、舞蹈、建筑、雕塑
戏剧的时空统一表现在人物行动上,单视角、场面性; 电影的时空统一也表现在人物的行动上。
《活着》医院一段即是可能够完美结合。时间上,叙事有行动,结合特定历史环境中;空间上,生命在空间上的来回奔跑,并通过音响,段落展开。
主干的行动合成时空,脱离开狭长的走廊,就是文学的,而非电影的。
切到外景,有目的,买馒头不是害人,请大夫的确是押过来的,倒水的特写,缸子的大小; 不能用纪实的眼光来看电影。
行动——指电影的行动,与戏剧行动有交叉,传统戏剧是动作,电影更多的是心理的动作或是作者的主观行动。所有方面都是为了呈现行动。
片例:《幸福时光》开场一段
常规影片戏剧体,情节在里面,通过人物行动推动情节,行动明确则思想明确。情节、冲突、事件的概念;如何将场面、空间和视听元素的结合。片例:《小城之春》开场一段
不同人的不同镜头、音乐、不同的场面
妹妹房间的特点;用一个废墟来电影化,发生了三组谈话,两次扔药,一次跳切;
单一个废墟又加一个话外音,不是文学的介绍,而是电影视听化的体现,不讲故事,但有内容,只讲事实。
片例:《花样年华》开场一段
视听事实非常重要,避免情节性来达到一种诗的境界。
同意空间的两次重复,通过确定的东西引发想象,同一空间,只是时间上的变化。音乐片断,为什么让人记得住?表现人物关系、命运
编辑部,多用人物头像前一点的顶光;时间的转换——电饭锅; 几对人物关系,周太太的发型和背影来确定人物。美工的设计,狭长的走道,搬家。主题:隐、忍
电影化:楼梯走道,电影的组接方式,过程不重要,重要的诗主人公对过程的反应。门框,只能看到一半,手扶门框,信息上升到了诗。结尾一段
视听的动机,艺术创作具有时间性
应先讲事实(看到的、听到的)再说如何组接、换化事实,结尾吴哥窟的交替不简单是时间的流逝,而更多是与音乐结合产生的诗情。字幕和文字的诗,很像《小城之春》《悲情城市》,但有不同。
叙事、非叙事、情节——时间方面的;
音乐、音响同样围绕行动展开,是为深化视听事实服务的。
片例:《本命年》开场一段
音响的作用,既抒情又叙事,脚步夸大的声音的意味、摄影的运用、地下通道(从地狱归来),是心理现实主义,跟拍与心理实际相符合的。评剧声和新闻播出车祸声(首尾相呼应)
可怕性:视觉、听觉上与心理的动机符合,深化行动的视听元素。
片例:《最后的贵族》片尾段
谢晋89年的“音乐诗”重点在忍的沉沦的心情上。文字、对话、音乐音响性的——时间上的。
片例:《黑骏马》片尾一段
前几年考过片目: 《红色沙漠》《香魂女》《我的父亲母亲》《甜蜜蜜》《香港制造》《秋菊打官司》
复习参考片目: 《霸王别姬》、《榴莲飘飘》、《小城之春》、《罗生门》、《雁南飞》、《林家铺子》(注意美工); 《红色娘子军》(剧作)、《烈火中永生》(摄、美)、《毕业生》、《克莱默夫妇》(剧作); 《美国往事》、《铁面无私》、《秋瑾》(音乐,谢晋93)、《黑炮事件》(导); 《芙蓉镇》(场面调度)、《鸟人》(镜头结构)、《迷墙》(纯诗)、《最后的贵族》、《本命年》; 《悲情城市》(文学性)、《心香》(孙周91)、《过年》(平民诗,黄建中92); 《雾中风景》(场面)、《蓝风筝》、《周恩来》、《活着》(92.06《收获》)、《重庆森林》; 《暴雨将至》(视听讲故事)、《阳光灿烂的日子》、《杀手里昂》(美学)、《饮食男女》; 《卧虎藏龙》、《烈日灼人》、《黑骏马》、《背靠背、脸对脸》、《有话好好说》、《鳗鱼》(导); 《小鞋子》、《樱桃的滋味》、《花火》、《幸福时光》、《罗拉快跑》; 《美国美人》(使美国电影转型,中产空虚,现代文明从家庭解剖社会、经济、文明的现状); 《花样年华》、《黑暗中的舞者》、《关于我母亲的一切》 夏钢——《无人喝采》《与往事干杯》《谁来倾听》(物质的丰裕、感情的贬值、人性的失落)。
画的元素:
光、色、人、景、物、镜头、剪辑、场面调度(构图、运动、角度、景别)
片例:《烈火中永生》书店脱险一段
64年
时空处理,灯、楼梯、电话、构图、光影来电影化——传统方式; 雨后街道的渲染与人物心情紧密结合,中国古典传统美。半阴阳脸的造型和打破茶杯表现人物心理; 电影美术空间是人物行动的空间——周登富
对楼梯的表现,传统视点的表现,英雄的拔高、仰拍。此事为什么发生在这个空间?这个人物为什么在这个空间? 即“人”的空间。古典美学的欲擒故纵的创作方法。
片例:《暴雨将至》开场一段
人与空间、写实的
环境声、脱衣服镜头分解、屋内灯的表现、场面调度表现人物心理关系(发现有人)平行蒙太奇表现主题(乌龟和教堂),音乐表现生活(敲门的犹豫),剪辑表现人物关系(吃柿子),含蓄的叙事功能,传统古典的纪实手法
片例:《鳗鱼》开场一段
仍旧钓鱼,灯光变红,音乐旋律改变;既拿钓鱼当回事,也拿老婆当回事; 拿刀时景深的灯光的表现,(杀人后)声音的处理,动静的结合;
本体象征:人类生活语言概括手段。象征:事物与其含义之间明确关系的建立;本体象征:不脱离实际,无明确的喻体,展示形象,从被喻体——具像,产生此在非此在的效应。爱情太深,被异化、物化成钓鱼了。
片例;《有话好好说》开场一段
漫画和间离;非写实的,观众进不去;对于人物行动的描写顺序非逻辑;剪辑紧扣主题——不可能好好说。
片例:《卧虎藏龙》开场一段
环境端庄、优雅、肃穆,和要表现的真正的残杀的主题相矛盾,但是又高度的统一,唯心主义的现实主义;场面调度的生活化;可看性的依据时人物性格。
片断:《刺秦》连续杀一段(嫪毐、母亲、父亲)
画面的视觉感受;人物作者思想的统一体;镜头的内部构成;美术师的造景,有种瓮中之鳖的感觉;表现人物关系——上下级关系;表现运动,剪辑方式——跳切,不表现被摄物体,非常电影化。
摔孩子段落,缺镜头;
杀父,用光不同,音乐叙事性,戏剧舞台化,场面调度。如何实现电影画面的风格化?
创作依据:人物心理活动;导演自己创作倾向;作品题材实际要求;
片例:《霸王别姬》开场一段、决裂一段
用观众的视点,引起观众的间离——写意(出场前掀帘)。
中国电影史部分
中国电影史部分分为:大陆、台湾、香港
大陆:
1、三四十年代黄金时期、左翼电影、战后电影;
2、十七年电影; 3、78年以后至今,新时期电影。
香港:
1、五十年代邵氏电影的崛起;六十年代香港类型电影的发展; 2、78年~80年新浪潮以后,徐克、许鞍华等人的崛起;吴宇森的发展; 台湾:
1、六十年代健康、写实电影,琼瑶、武侠电影;
2、八十年代初,侯孝贤、杨德昌新电影运动;
3、蔡明亮的新新电影。
大陆部分
1905年,丰泰照相馆第一次尝试拍片《定军山》的历史意义
1、把电影这一舶来品与中国传统艺术相结合,使电影(影戏)在中国生根并发展开来;
2、影片已戏曲为内容,为影戏的传统的发展奠定了开端,并且为使电影的语言本土化开了先河。
※ 商务印书馆1920年拍摄影片《天女散花》和《春香闹学》(梅兰芳)※ 郑正秋和张石川作为中国电影拓荒者对电影艺术的追求的异同
钟书P12
1、郑正秋:认为戏剧改良社会,教化民众,以艺术形式进行社会教育,“文以载道”;
2、张石川:更重视商业性。
※ 郑正秋对中国电影的贡献 钟书P13
1、把原本隶属西方语言的电影引进中国,并力求本土化,做出贡献;
2、开创电影现实生活从戏剧艺术吸取营养,补充电影的发展;
3、把自己的戏剧经验和叙事传奇手段艺术结合,创造出适合中国观众观看的家庭伦理剧叙事模式,善于虚构故事情节,引人入胜。※《孤儿救祖记》作为开放性影片对中国史的意义 钟书P12
1、本片中形成了自己的叙事语言体系,不像以前单出模仿外国;影片从传统文化中吸取创作方法,加以运用;
2、吸取传奇、文明戏等形成自己的叙事方式,形成自己的语言方式;
3、形成中国家庭伦理剧的规范;
4、具有影戏风格;
5、本片商业上的成功,刺激了电影商业性的发展。※ 影戏特点 钟书P14
1、注重社会教化,郑正秋开创“文以载道”,以褒善贬恶为主题;
2、依照戏剧原则、冲突叙事;
3、舞台空间、平面展开人物调度;(多横向)
4、镜头语言方面多以中近景为主,焦点载第三像部的中间,所谓“中近景语言体系”。※ 明星公司的创作模式、特点 陆书P15
1、通俗社会片模式上,取材家庭伦理故事为主;
2、价值判断上,富于社会责任感的改良思想和同情弱者的人道主义取向;
3、在技术运用上,是以传统文艺的传奇手法和平俗流畅的叙事结构,峰回路转、有头有尾的创作方法为特点,争取了多数市民和观众的支持。三、二十年代中国电影的不同风格、流派 陆书P16
1、长城派
创办于1921年,华侨李泽源承办;主要特点是拍摄问题剧,提出中心问题,直接面对当时社会现实,达到针砭时事的目的;重要的创作人员是侯曜,他坚信为人生而艺术;侯曜作品中提出一个社会问题和几个各式各样的人生问题,如妇女问题、战争和平问题等尖锐社会焦点。影片:《弃夫》《春归梦里人》
长城派受到社会舆论好评,认为他曲艺高尚,不失艺术趣味。
2、神州派
1924.10 汪煦昌创办,认为电影应该陶冶性情,给人潜移默化影响;反对粗制滥造、以牟利为单一目的,他希望能通过潜移默化的方式改造社会。
代表作品注重艺术形式,多位家庭、婚姻、手足情为题材,宣扬人情和人性,希望通过情绪莱感染观众,最终起到潜移默化的作用。影片:《难为了妹妹》《可怜天下父母心》《好儿子》 神州派主要收到了知识分子的欢迎,认为他是当时出类拔萃的影片,但不为一般平民所接受,所以导致了他商业上的失败,于1927年结束。
3、上海影戏公司
即上海派、上海群体,但杜宇极其家人为发起人,但杜宇画家出身,所以他认为“影戏是动的美术”,他把绘画经验带到创作中,作品具有追求形式感的唯美倾向。影片:《海誓》
4、欧化派
以王元龙、史东山为代表的大中华百合影业公司,在内容上,欧化派表现对西方生活方式和价值观的认同;在造型上,中西风格相糅杂。影片:《美人计》《王氏四侠》
5、民粹派/稗史派
天一影片公司为代表,以宣传传统(旧文化)为偏好,从历史传统中找题材,鼓吹传统道德、旧伦理;多拍摄民间故事片,以忠信和平、人类互助为伦理范畴。6明星公司四、二十年代片种 陆书P25 三个概念:古装片、武侠片、神怪片,1926年下半年开始
1、古装片
又称“稗史片”,多根据旧文学素材改编为题材,采用人物和故事原型主要来源于评弹数目和演义小说,多直接扮演“才子佳人”或“英雄美人”等传统叙事母题。影片:《美人计》《西厢记》 由于过于切近商业功利意图,并未得到当时舆论肯定;但个别杰出之作在技术创作上还是值得肯定的。
2、武侠片
是继古装片后,商业电影竞争中的第二个浪潮,兴起原因主要直接来自市场的诱惑。影片大多取材传统侠义小说和武侠小说,更有类型化特征:多种明确的冲突主题,如除霸型、复仇型等;角色设置吻合观众的想象;注重明星效应; 影片:《大侠甘凤池》《儿女英雄传》
某种程度影片也带有曲折隐晦的方式评价生活的意味,但由于质量不能得到保证,佳作很少。
3、神怪片
是武侠片在二十年代的一个变种,用武侠片有一定渊源关系,但又有自己不同的创作特征:不注重武术较量,而热衷于武林门派间的法术争斗; 在视觉形象上,依靠特技制造的视觉奇观;
更注重连集片,往往一集成功后连续拍摄,直到观众看烦为止; 影片:《火烧红莲寺》
总结:当时起到很坏的社会作用,青少年走入山林不在少数,国民政府下令禁止,但他对特技的探求应予以肯定,他集中探讨了摄影机的无限可能性。
五、联华影业公司的早起创作风格 陆书P25部分
1931年商人罗明佑创办,提出复兴国片的主张。制片口号:提倡艺术、宣扬文化、启发民智、拯救影业。早期创作力量是孙瑜、朱石麟、黎民伟等人。早期创作面貌较杂,编导创作人员大多是受资产阶级教育的知识分子,而不同于过去的优秀的鸳鸯蝴蝶派的文人和文明戏出身的电影工作者。联华的创作未卷入武侠、神怪、古装影片的制作中,也摆脱了文明戏的影响。
联华创作突破了中国电影长期以来流水帐交代故事的陈规旧套,比较讲究导演技巧,注重电影艺术的特性,在当时给人新进的感觉。
其趣味受当时青年知识分子、学生的欢迎,成为明星、天一之外风格独特的一面大旗。
六、田汉早期的电影主张 钟书P17 1926创办了“南国电影社”,摄制《到民间去》《短笛余音》。
具有强烈的民粹主义倾向,号召到民间去寻找力量。影片《到民间去》是代表作。霸电影看作造梦的机器,强调电影是一个宣泄苦闷的工具,佑强烈的个人主义倾向。
七、左翼电影
※ 左翼电影运动兴起的原因 钟书P22
1、一二、八事变”对中国社会产生重要影响,大敌当前,观众厌恶脱离生活、逃避现实的蝴蝶派和武侠神怪电影,并相电影界发出猛醒救国的劝告。按以往创作方式制作的影片,无人问津,影业老板纷纷遭到失败,经济遇到严重危机。
2、作人员表达了题材创新的愿望。
3、中共地下组织加强了对电影工作的关注,着手参与和影响电影工作。瞿秋白组织了“五人领导小组”——沈端先(夏衍)、阿英(钱杏邨)、王尘无、石凌鹤鹤司徒慧敏五人。
4、社会时代要求,创作界本身呼吁和主动改变现状的愿望,以及中共的重视,最终形成了左翼电影的创作高潮。
※ 左翼电影的创作方法 钟书P29 现实主义真实性和革命主义文艺倾向性的结合。表现为两种道路:
1、现实主义基础下的写实原则,能不能真实具体的反应三十年代现实是区别新旧现实主义的基本原则。三十年代民族矛盾、阶级矛盾尖锐,优秀作品成功之处是通过电影这一艺术手段,生动的把真实显现在银幕上。夏衍是现实主义道路下走写实风格的典型代表。《狂流》以写实的笔触,写长江大水给人民生活带来的灾难。《春蚕》以近生活流方式记录三十年代农民丰收下反得丰灾得残酷现实。
2、现实主义基础下与浪漫主义结合。田汉、孙瑜为代表,他们得作品也反映了三十年代社会现实,但是充分利用浪漫主义诗情、激情。影片:《大路》《风云儿女》等。※ 夏衍剧作特点
1、题材多样,反映现实。反帝反封主题下,描写农村、城市各类人物,暴露不合理现象,给人真实亲切感受。
2、人物刻画生动鲜明。夏衍塑造各式人物,工人、农民、资本家、地主、市民各个表现得真实可信,具典型性。
3、剧作形式多样,借鉴郑正秋得编剧方法,学习外国编剧手段,创造多种结构形式。《自由神》——纵向式诗史结构;《压岁钱》——横断面得社会风貌展示。
4、善于运用对比手法。
5、剧作富有电影感,善于运用特写手法,达到对比强化效果,注重剧作的语言功力,人物的对话具有生活化和个性化的特征。※ 田汉剧作的特点 ※ 阳翰声剧作的特点
※ 为什么说三十年代摄制的《姊妹花》是郑正秋的一大进步和影戏电影的一个创作高峰?
1、通过《姊妹花》,扩大了创作者的创作视野,由婚姻、家庭伦理到更为广阔的社会生活。
2、不再是抽象的善恶说教,由善恶观到阶级观的转变,以生动对比的画面展示阶级悬殊、贫富对比的生活现实。
3、艺术上保持了一贯的艺术特长,情节曲折、动人,雅俗共赏。
4、电影蒙太奇手法灵活顺畅,结构打破时空顺序,并运用闪回联想和技巧,推动剧情。所以说《姊妹花》既体现了郑正秋的进步,也体现了二十年代影戏但应美学的特征,是影戏电影的高峰作品。
5、由善恶走向阶级观。※ 孙瑜创作风格
1、以劳动人民生活为题材,以青年男女为主角。
2、具有浪漫主义倾向、向上的精神。
3、用小的细节和动作来刻画人物,渲染情节。
4、注意作品的娱乐性、趣味性。
5、善于运用歌曲营造情绪,叙事流畅、注重造型语言。(《小玩意儿》《大路》)※ 吴永刚的创作风格
1、吴永刚把中国绘画艺术特点运用到电影创作,形成自己淡雅含蓄的风格。
2、导演手法简洁明快,叙述、叙事简明流畅,善于运用镜头画面来揭示人物心理矛盾。(《神女》《壮志凌云》)
※ 为什么说《神女》是中国无声电影的一个创作高峰? 钟书P41
1、本片不仅具有社会意义,还有文化意义,反映了空洞人道主义在畸形的社会现实钱的软弱无力,悲剧意义不仅是母女悲剧,也是时代悲剧。
2、《神女》比较重视视觉因素,并通过造型推进叙事,具有强烈的电影美感。
3、体现了一种民族情绪,形成一种委婉含蓄的艺术风格。影片创造除一个不同于当时一般影片的民族审美艺境。
※ 蔡楚生的创作风格(左翼时期)
1、坚持现实主义创作原则,作品取材于现实,主题是反帝国主义、抗日、反封建主义。
2、善于利用家庭悲欢离合的人物和命运来概括历史。
3、尊重电影观众,具有大众意识,雅俗共赏。
4、电影表现手法善于运用对比和细节。(《迷途的羔羊》《新女性》《渔光曲》)※ 沈西苓的创作风格
1、关注现实。《十字街头》就是代表
2、强烈的对比手法。
3、悲喜剧的艺术风格。
4、具有诗情画意,造型感强。
5、对电影蒙太奇运用做了大量的探索,注重短镜头的组接。※ 为什么说:“《马路天使》是意大利新现实主义的先驱(萨杜尔语)”?
1、题材来自现实生活,并运用严格的现实主义手法真实再现三十年代中国现实生活,这与意大利新现实主义追求真实美学的战后状况相一致的。
2、《马》描写一些小人物的不幸命运,正符合了意大利新现实主义非英雄化的主张;结尾无概念化说教和光明结尾,这与意大利新现实主义提出问题、不解决问题是一致的。
3、《马》运用了运动长镜头、实景拍摄,表演质朴自然、生活化,都达到了意大利新现实主义纪实性的艺术效果。
※ 整体上如何看待左翼电影? ※ 左翼电影继承民族传统两种倾向
1、影戏传统:蔡楚生继承了郑正秋,又发展了三点。
钟书P39
2、吴永刚 民族文化,意境派。
钟书P40 ※ 软性电影和国防电影
1、软性电影:
1933.08 左翼电影创作高潮时期,国民党文人刘呐鸥等人倡导主张“电影是给眼睛吃的冰激凌,是给心灵坐的沙发椅”,他反对左翼电影在银幕上闹意识、充满说教和左倾色彩,他认为电影应该是软性的,提倡艺术快感论。电影:《化身姑娘》
希望人们脱离现实,但不合时宜,是反动的思想,受到左翼的批判。
2、国防电影:
1936.01 上海“电影界救国会”呼吁电影界拍摄民族解放电影。
1936.05 讨论后,电影界提出“国防电影”口号,一致认为在民族存亡关键时刻,以电影为武器,更好为抗日斗争服务。
八、抗战时期
※ 概况 陆书 P64~66 ※ 抗战时期第一部电影《保卫我们的土地》史东山;孤岛电影(填空)※ 大后方抗战电影特点 见陆书P73 通俗化和进步性
九、抗战后
※ 为什么电影《八千里路云和月》《一江春水向东流》是史诗电影?陆书P94~98 ※ 抗战胜利后,国党区喜剧的发展趋势 钟书P74~76
1、社会讽刺戏剧 《乌鸦与麻雀》等;
2、市民轻喜剧 《假凤虚凰》《太太万岁》等。※ 费穆电影特点
见钟书P.80
1、是为表达自己思想感情,在创作上得到满足,关心的不是政治上的变动,而是人生哲理,他的影片探讨的都是从不同侧面的人生价值和意义,探索中心是情与理的关系。
2、艺术情趣是中国式的,属亚文化的范畴。与影戏平民化思维不同,追求知识分子的意境美的创造。
3、情节上基本上抛弃了外在戏剧冲突,把情节和冲突的进展建立在人物内心活动上,内心推动情节。
4、在叙事层面之外,注重利用造型美因素参与影片创造,达到情景交融境界。※ 为什么说《小城之春》的特征,为什么说它是一个优秀的心理剧?
影片借助一个普通的三角爱情框架,刻画人物内心冲突,揭示情与理的的矛盾,体现导演表达哲理的思想。与同类影片相比,影片显出新意,导演将三个主人公放在感情交叉点多层次的内心剖析。尤其对女主人公内心刻画更胜一筹。为表达女主人公内心世界,在丈夫、情人之间的复杂情感,导演调动多种手段:
1、影片运用内心独白刻画心理活动;
2、动作细节表达心理;
3、特写镜头;
4、同一空间运用人物视线传达情感,达到以动作写心理,以心理推动情节叙事模式。十、十七年电影
※ 各个时期艺术特点 钟书P99~113 ※ 新中国第一部电影《桥》
※ 十七年电影总结
钟书P118~126 十七年电影产生的经典(填空、判断);
各个时期的特点及重要历史事件(对《武训传》的批判)。
十一、文革
※ 文革电影三突出创作原则及样板戏拍摄经验 钟书P130 正面——英雄——主要英雄
十二、新时期
※ 宏观看改革后中国新时期电影的成就 1998.12.25 《文化周刊》
1、找回现实主义传统,文革时期三突出原则模式、高大全的形象开始突破,还原关注中国的现实,出现一大批像《生活的颤音》《邻居》《沙鸥》等反映当代中国人生存现实状况。纪实美学成为时尚。
2、影像美学开始崛起。第五代代表《一个和八个》《黄土地》《猎场扎撒》等以创新的明确的形式感对中国历史、文化进行了思考,电影本体的影像功能得到充分重视。
3、娱乐影片成为市场热点。中国从电影要“文以载道”,到文革时期电影又成为政权的传声筒,但电影的娱乐功能二十年来受到重视。88年前后出现娱乐片的生产高潮。九十年代初同港台的合作钟,大陆类型片生长得到了增强。通过娱乐类型片来贴近观众,并以此来发展电影工业成为当前明确的选择。
4、主旋律影片的大量涌现,一些创作规律得以总结;重大革命历史题材得到突破,中共和领导者重上银幕,成为整合当前意识形态的有效手段。※ 应如何看待第四代电影? 《苦恼人的笑》《生活的颤音》《小花》标志着第四代导演成为中国电影重要的创作力量,在八十年代初,逐渐走向成熟,表现了一些突出的特点。
1、电影创作的主题意识得到强化,创作自由得到较大发挥,风格呈现多样化倾向,他们依托着即使美学,努力改变当时电影的陈旧状况,提倡一种新的尊重现实和人的生命的创作价值取向。
2、真正把人作为艺术创作主体进行表现,成功的电影都格外重视坚持以写人为重心,还历史和人物本来面目。口号是,真实表现时代中人的精神面貌,镜头对准人的优美和善良。
3、在叙事美学中融入新的电影观念,游艺室运用电影手段创造自然朴素的纪实风格,接近生活本来面目的样子。在表现生活,尤其重视长镜头的拍摄和实景拍摄,他们是纪实美学的倡导者和实践者。
※ 第五代电影特点
钟书P208
1、现代意识和冷峻眼光。具有社会阅历和学院的哲学、文学、电影训练,所以能以现代的、宏观的眼光来看待中国历史和现实,在此基础上形成了自己电影作品主题。
2、影像意识,发挥造型形象。
3、主体意识,个人风格得到超前发挥,注重个性。
4、注重中国文艺传统,吸取营养又思辨传统。他们是新一代大学生,又开放的眼光,对中国教育方式提出质疑。
不足:观赏性和叙事技巧的加强。(钟书P210)※ 如何看待新生代?
管虎、王小帅、何建军、张源、李虹等 特点:
1、远离政治,远离历史,有一种再现现实生活的冲动,大多是对当代城市生活的描述。
2、日常性取代了戏剧性,生活流式的记录生活,在日常状态下,写人性的光明何阴暗。
3、注重个人体验,写都市的浮华感。缺陷:
1、过分迷恋自己对电影的理解,往往放弃了常规电影的叙事方式,使他们的影片在造型、叙事上充满陌生感。
2、过分执着表达自己的生命体验,因而影片视野狭窄,自说自话色彩浓厚,难于与大众沟通。
※ 谢晋模式 钟书P169~170 郑——蔡——谢 家庭伦理剧发展特点; ※ 入世后,对中国电影状况、出路的看法 现状:全球化;文化的全球化即美国化,现在美国的视听产品出口在96年是60亿美元,到2000年已达到720亿美元,在外贸出口方面占第一位。
面对双重侵略,中国要避免出现类似欧洲的困境,不能回避问题。要形成文化的开放性和自主性。全球化和自我本真的双重坚持。应对策略:
1、调整发行、放映体制,依靠国际先进方法,激活电影市场。
2、调整中国电影文化战略,关注当前的日常生活,讲述老百姓的生活,依靠文化风貌的亲切性争取本土观众。
3、实施人才战略,形成电影人才充分展示人才才华的良性机制。※ 先进文化与中国电影
文化产品具有意识形态和商品属性的二重性,文化产品在我国要宣扬集体主义、社会主义、爱国主义,要“以科学的理论武装人,正确的舆论引导人、高尚的精神塑造人、优秀的作品鼓舞人”,先进文化在我国是主流。
中国电影主流是要体现先进文化的,体现上面三个主义的重大
外国电影理论部分
一、电影理论发展概况
80年代总结观点:经典和现代理论(20年代~75年左右);
经典:传统美学来表述电影,作品与社会背景分离。研究的主题都是——电影是艺术?电影与其它艺术的关系;
现代:符号学、精神分析学、马克思主义等的混合;研究的主题都是——电影是不是语言?观众和影像的关系是什么; ※ 邵牧君的概括: 1、30年代以前称为早期电影理论; 2、30年代~二战前;
3、二战后~60年代前; 4、60年以后;
(其实就是60年以前是经典,60年以后是现代)
※ 96年 鲍德威尔和卡罗尔提出把现代理论分为两种:(见《后理论——重建电影研究》)1、60年~70年 主体位置理论;主要内容是结构主义、精神分析、符号学、女性主义、意识形态批评; 2、80年~至今 文化主义理论;主要内容是法兰克福文化主义、后现代主义、文化研究等;
以上两种理论共称为宏大理论(Grand Theory)。他们认为真正的电影理论研究只开始了30年,即从60年到90年。
80年以后,他们又开始了一种“中间层面的研究”(middle level),反对宏大理论。即在主体位置理论和文化主义理论崛起时,另一种中间层面理论出现,坚持既要对理论从经验出发的研究,又不排除理论性。※ 结论: 1、60年前,是小(低)理论,经验性强; 2、60年~70年,宏大理论; 3、80年~至今 中理论;
形成多姿多彩的别具一格的电影研究,如叙事电影研究、文体电影研究、文类电影研究、民族电影研究、后殖民电影等研究等。
二、经典电影理论
在一战前后,对电影的艺术地位、特征、规律的研究; 著作: 1、1911年,卡努杜《第七艺术宣言》 第一次论证了电影作为艺术,是在时空之间填补鸿沟的艺术;《第七艺术美学》“光与影的交响乐”。2、1915年,美国的林赛《活动画面的艺术》,他把“活动画面”看作电影的根本特征。3、1916年,美国的雨果·明斯特贝格《电影:一次心理学研究》探讨了电影手段的心理根源、艺术特征、美学特征。概念:
1、“上镜头性”——
是20年代法国流行的时髦词眼儿,卡努杜创造,先锋派重要用语。1920年,路易·德吕克在《上镜头性》一文中探讨电影的艺术特征,阐述其涵义:指适宜于用电影这一新表现手段所独有的方法来表现人或物的诗意状态;
视觉表现:布景、照明、节奏、化妆;通过照相来表现神采——上镜头性,通过上面四个手段。是早期电影特征概念。
2、早期蒙太奇——
爱森斯坦指出:电影与舞台不同,电影导演更主观,能选择不同时空的重点现实片段。电影选择和组合这些片段,集中表现剧情。
把现实压缩具有特征的东西,展现经过压缩、重整、剪裁的电影的时空。
3、爱森斯坦(1898~1948)和普多夫金在早期的不同——
爱森斯坦讲究冲突,如“杂耍”、“理性蒙太奇”等手法;普多夫金强调连接作用。
爱森斯坦认为冲突是蒙太奇的特性,冲突后产生新的表象和概念。普多夫金强调连贯性,他认为蒙太奇意味着多个镜头组成一个场面,多个场面组成一个段落,多个段落组成一个部分,一个个片段间具有显而易见的联系。人们不觉得中断和跳跃,得到一种无意的刺激。爱森斯坦在晚期对蒙太奇有新的理解:
他认为蒙太奇应该表达一种连贯的、有条理的主题、情节、动作、行为,以及一种最大限度赋予感情的叙述。研究涉及到了声画蒙太奇和色彩的问题。
4、库里肖夫效应——
为控制蒙太奇表现力所做的试验。
5、杂耍蒙太奇——
爱森斯坦在1923年,从戏剧创作中总结的一个原则,“杂耍”构成一场演出独立的原始因素,是戏剧效果和任何戏剧的分子单位。杂耍和噱头没有任何共同之处,杂耍更注重表现主题和思想。
~ 是把一切因素汇到一起传达和表现思想的一种感染手段。不合乎剧情发展,甚至脱离剧情发展,实际是有内在联系的。
自由剪辑一起造成有目的的主题效果。产生奇迹性、超越叙事,展现真正要表达的主题。
6、理性电影——
爱森斯坦在20年代后期提出的概念。他认为电影的艺术目的不仅在于形象表现之实,还要能表现概念,增加电影手段表现力,增加认识现实手段可能性。但在具体的创作中,这种想法与创作过于超前,结果不能成功,受到理论家的否定。如匈牙利批评家巴拉兹指出这种“电影艺术征服纯观念”的想法是行不通的。
爱森斯坦在这种思想指导下的代表作是1927年的《十月》和1929年的《总路线》(《新与旧》)。
爱森斯坦试图用蒙太奇表达从视觉形象达到理性认识的过程,他曾在30年在一所大学讲课时提出要把《资本论》拍成电影的想法,来实现他想象的又一步骤。他认为理性电影是克服逻辑语言与形象活动不协调的唯一手段。在电影辨证法基础上,理性电影不是故事的、轶闻的电影,而是概念的电影,是思想体系、概念体系的直觉体现。
7、电影眼睛派——
由苏联记录片导演维尔托夫提出。
在1922年,列宁发表了《所有艺术中,电影对我们最重要》《反映苏联现实,必须从新闻电影开始》的文章,维尔托夫响应创办了《电影真理报》杂志片。
他的主要观点:要出其不意的抓取生活,不让被拍者知道,运用蒙太奇技巧,将这些抓取的素材在意识形态上从新组接。
他于1924年的《电影——眼睛》中应用这一理论。
他认为摄影机是比人眼更完美、可靠的电影眼睛,反对剧本、演员、照明、布景、化妆等一切手段。
“电影眼睛”是电影中一种运动,画下来而不用演技,直面生活和真实,用偷拍记录各个生活事件,在现实中发掘戏剧性。
维尔托夫注重剪辑,他认为电影是解释客观世界的工具。
8、《电影作为艺术》爱因汉姆——
此书分别在1932、1957年分两部分完成。书中观点是技术主义倾向,或画面至上主义。爱因汉姆认为电影在技术上的局限性是电影作为艺术的根源,这与他研究的格式塔心理学背景有关。(《艺术与视知觉》)
格式塔:视觉过程不是机械的摄录外在世界,而是用简单、规则、平衡等原则创造的组织感官材料。
电影不能完美再现现实的特性,成为它作为艺术的必要手段。爱因汉姆认为电影的局限性包括: ⑴ 立体在平面上的投影; ⑵ 深度感减弱; ⑶ 照明与无色;
⑷ 画面界限与物体的距离; ⑸ 时空连续性不存在;
⑹ 没有声音,视觉以外其它感觉失去作用。
9、《电影美学》巴拉兹——
1945年出德语版,也称《电影理论:新艺术特性与成长》,是《可见的人:电影文化》(24年出版)和《电影精神》(30年出版)两本书的合集。1952年出英文版。
书中分析电影和戏剧在形式表现原则上的差别,分析电影艺术特征。他认为戏剧表现原则: ⑴ 看到整个演出剧场; ⑵ 观众视距不发生变化; ⑶ 观众的视角不发生变化; 电影表现原则:
⑴ 被拍场景可被分割; ⑵ 被记录场景视距可变;
⑶ 观众视角纵深可变,观众与银幕的想象距离是可改变的。他认为上面电影的表现原则是电影艺术的革命性创新。
10、摄影机自来水笔——
由法国的阿斯特里克在1948年文章《新先锋派的诞生——摄影笔》中提出。
他认为电影迅速成为一种思想表达工具,保存时代形象的好方法,电影渐渐成为一种语言。艺术家掌握了这种语言后,表达自己的思想、抽象的概念就像写随笔、小说一样流畅自然。让摄影机像笔一样自由可以表达自己个人思想,现代电影已成为一种同书面语言一样精细的思想表达方法。为50年代法国《电影手册》电影作者论提供了理论基础。
11、电影作者论——
特吕弗等人提出,认为不是所有导演都能称为“作者”。具备电影作者论资格所拍的电影才是“作者电影”。
法国新浪潮主要人物:特吕弗、戈达尔、夏布洛尔。
作者政策要求电影像小说、音乐、绘画一样是一个人的作品,电影作家的作品——即导演个人的作品。
此理论产生广泛的影响。其作者资格条件如下:
⑴ 在一批影片中体现出导演个性和个人风格特征,把个人的东西带入题材,导演不是一个执行者。
⑵ 影片应具有某种内在涵义,是后天形成而非先前存在的。⑶ 电影作者是对电影制作全面控制的人,无导演、编剧的区分。
戈达尔、特吕弗、安东尼奥尼、费里尼、希区柯克等人是电影作者代表人物。此理论确定美国一批导演的作者地位,其电影为作者电影。
作者论的实质:强调电影导演是主要创作人和最终定稿人。判定依据是导演对作品的控制。作者电影与类型电影相对,也称艺术片。
12、巴赞、克拉考尔的写实主义和物象至上主义——(与爱因汉姆的技术主义、画面至上相反)※ 巴赞理论:
巴赞的长镜头理论,是美国理论界对巴赞观点的非严格的概括(主要指巴赞对景深镜头的赞赏)。
# 长镜头:
单个镜头达到一定长度,也叫单长镜头。包括变焦、景深长镜头。长镜头理论与蒙太奇理论是相对的理论。长镜头理论强调单个镜头内部的表现力(连接表现力),运动、景深、变焦。
# 蒙太奇禁用原则(属巴赞的影像本体论):
若一个事件主要内容要求两个和多个动作元素同时存在,蒙太奇被禁用。否则,蒙太奇远非电影的本性,而是对其的否定。# 长镜头的本体论立场(客观的)、美学立场(倾向性)提出此理论的社会背景是因为: ⑴ 电影在技术上的一系列发展,胶片、镜头的改变,提高了单个镜头的内容质量和容量; ⑵ 移动摄影更加灵巧多变,大大丰富了单个镜头的镜头内变化。长镜头理论贡献:开掘了一种新的审美表现手段,提高了人们对电影镜头内部空间的复杂构成的自觉性。# 影像本体论:
由巴赞在1945年《摄影影像本体论》中提出。他提出影像基本特征: 由机械作用产生的摄影影像与客观中的被摄物等同。摄影影像独特性在于其本质上的客观性,它产生了被摄物体的本体,它就是被摄物的原形。理论根据:
⑴ 摄影有不让人介入的特权;
⑵ 人具有用逼真模拟物代替外部世界的愿望,即排除人在外,单靠机械再现原物的需要。影像具有令人信服的力量。# 木乃伊情节:
巴赞提出,借助精神分析,分析电影起源的尝试,雕刻、绘画艺术的起源,人具有永久保存自己躯体的冲动。最早的雕像是木乃伊,雕刻、绘画成了后来的替代品。同样起源于上面的冲动和愿望。用形式的永恒克服岁月的流逝的原始需求,但雕刻、绘画不能满足人的愿望。摄影真正满足人们再现原物的需要。“摄影是对事件涂上香料,是自然造物的补充,而不是替代”。
影像的产生第一次映现了事物时间的延续——可变的木乃伊。# 完整电影:
巴赞表达电影起源用语。
根本原因是心理的需要,称为“完整电影的神话”。再现一个声音色彩立体感等外部世界的幻景。
※ 克拉考尔理论:
# 《电影的本性——物质现实的复原》 1960年出版
美学是一种实体的美,不是形式的美。克拉考尔阐述了“电影化的”这一概念。
电影,就其本性来说是照相的一次外延,它跟周围的世界有明显的近亲性。影片记录和揭示物质现实的时候,才是名副其实的影片。近亲性:
⑴ 电影对于未经扮演的事物有一种近亲性。扮演能引起现实幻觉就是合理的。如果违反电影特性,任何扮演都是非电影化的。
⑵ 喜欢偶然的事物(意外:相对于必然)。美国无声戏剧中,意外的事件代替了命运,强大的决定性的力量出现。一切不是注定而是恰好碰上。
⑶ 喜欢再现外部世界的连续性(与巴赞相似)进入摄影机视野内一切都拍下来,无穷尽程度。要求我们承认这是我们生活的世界的一部分。
⑷ 偏爱含义模糊的事物。自然界现象多含义,这与无限心理和精神上的无限性相对应。银幕倾向反映这些含义模糊的东西,含义不能太确定。
⑸ 生活流。指具体情境和世界,是指物质现象而非精神现象。经常提到街道,因为在街道上生活的原生形态经常出现、不是扮演,是偶然事件荟萃之所,任何断面都是不完整的。# 电影不适合表现悲剧
这是克拉考尔对电影艺术特性的理解,是他基本观点的引申,指出悲剧是“非电影化的”。他认为悲剧主题与舞台故事具有天然的近亲性:
⑴ 悲剧主题必然要求一个有目的的、整体的故事形式来展现,与电影特性相违背。
⑵ 悲剧只关心人物之间的相互影响,无生命物体只能是道具,对发展戏剧起支撑、调节作用。
⑶ 悲剧要求对外部的东西进行安排,舞台剧的环境反映心境,舞台剧一定要有暴风雨。⑷ 悲剧要求有限、次序井然的世界。电影是以广阔世界为中心的艺术,电影中没有宇宙,只有一片土地、天空、街道。总之是广袤的物质,死亡的结局与这物质现实的广袤无相同点。在悲剧世界中,命运排斥意外、偶然。⑸ 悲剧性内容在物质世界总无所表现。因为悲剧内容是纯精神世界。悲剧可以出现在电影中,但电影的悲剧就不完全是电影化的了。※ 克拉考尔与巴赞理论观点异同
相同点:都强调电影对现实的记录功能; 不同点:
⑴ 身份不同。克拉考尔是理论家身份,巴赞是批评家身份。⑵ 体系不同。克拉考尔是演绎体系(理论化的),巴赞是批评体系、史学体系。
⑶ 影响不同。克拉考尔对电影实践无多大影响,巴赞对电影实践产生重大世界性影响。⑷ 出发点不同。克拉考尔出发点单一(理论),巴赞出发点较复杂(精神分析、木乃伊等)。⑸ 克拉考尔缺乏历史意识,巴赞有强烈的历史意识。
13、《电影美学和心理学》米特里——
分两卷,分别在53年和65年出版,是经典电影理论的总结和集大成之作。米特里在经典理论的两大流派——蒙太奇学派和长镜头学派——中取中间立场。关于对电影的表述、立场表现在三种模式:电影是画框(爱因汉姆)、窗户(巴赞)、镜子(克拉考尔)。米特里被称作电影中的黑格尔,他的理论被称为经典电影理论的终结。克拉考尔、巴赞对电影表现现实手段的肯定,但忽略了虚构。
麦茨在《想象的能指》中,不排斥复制现实,构造复制现实假象的能力。
14、《电影理论的两种类型》【美】汉德逊——
经典理论研究材料丰富、系统完整,但电影材料缺乏、不充分、不完整。主要电影理论有两大类:
爱森斯坦和爱因汉姆一类,研究电影局部和整体的关系的理论;代表是爱森斯坦和普多夫金。克拉考尔和巴赞一类:研究电影与真实的关系的理论。代表是巴赞和克拉考尔。代表人物四人中最有影响的是爱森斯坦和巴赞。
书中评价这两种理论共同的局限:只是对电影形式的研究,极限是段落,缺乏整体,整部影片是不存在的。
只有麦茨是以电影整体为研究对象,从句法到话语的进步。
三、现代电影理论:
1、电影符号学——
把电影作为一个符号系统和表意现象来研究。把一般符号学扩展到但应理论研究的结果。尼克·布朗说电影符号学始于三篇文章:都发表在60年代中期 帕索里尼《诗的电影》、麦茨《电影:语言系统还是语言》、艾柯《电影符码的分节》 电影符号学诞生于20世纪60年代,经历两大发展阶段: ⑴ 第一符号学:采用结构主义语言学模式; ⑵ 第二符号学:采用精神分析研究模式。
麦茨是电影符号学的创始人和最重要理论代表。他认为语言学和精神分析学是符号学最主要的根源。这两门学科本就是彻底的符号学,联合后形成电影符号学。
1964年《电影:语言系统还是语言》是电影符号学诞生标志。后来才有1967年艾柯的《电影符码的分节》、英彼得·沃仑的《电影中的符号与意义》(1969)。第一符号学应用于电影的英文著作。
【法】麦茨《想象的能指》1975
2、电影语言——
用此术语把电影当作自然语言一样对待。50年代末前后,“电影语言”一词的使用是在一种比喻意义上使用的。主要含义是指电影的各种表现手段,如摄影、照明、化妆等,当从结构主义语言学看来,电影语言是对电影这一表现手段在什么方式上具备语言资格进行检查。索绪尔在《普通语言学》中的观点认为:语言=语言系统+言语 米特里认为“电影不等于语言”(结构主义要慎重)麦茨的观点是电影是没有语言系统的言语。
1、第一符号学和第二符号学关系—— 第二符号学不是取代语言学,而是把精神分析研究结合进去,而且不意味着第一符号学的完成,只是第二符号学是新的研究方向,扩展深层观众心理学方面。尼克·布朗认为第二符号学系统是根据观众和影像的心理关系而建立起来的。
4、“想象的能指”(imaginary signifier)—— 麦茨提出的术语。
“想象的”来源于拉康,“能指”来源于索绪尔,能指,即表现手段。麦茨用精神分析和语言学方法结合来研究电影,研究意图是把电影当成梦和语言的结合体来研究。
“想象的能指”,即电影的能指是视听手段,通过视听手段表现一个想象的世界,而能指本身就是想象的,即视听手段即是想象的。
5、镜像阶段——
拉康的精神分析用语。人们把电影理解为镜子,一个人个体心理具有类似的镜子功能,在人格形成早期阶段起到决定性作用。在于自我形成,发生在婴儿期6~18个月,婴儿不会说话,动作无能,对成年具有依赖型,具备了视觉早熟性,逐渐把自己和母亲的身体分开。
这一过程因为人类个体有一个镜子功能。自我不能与个体,自我是对个体的反应: ⑴ 对自己、大人不能区分;
⑵ 能区分镜像是自己的,高兴这一发现。电影是观众的一面镜子。
6、二次认同—— 拉康理论用语。
镜像阶段,婴儿认出自己,肢体是整体,初次认同,包括对其母亲的认同。母子关系期到父亲的介入,分离婴儿和母亲,二次认同即对父亲的认同。银幕是镜子的隐喻。
【法】博德里 《基本电影机器的意识形态效果》
对二次认同的理解,他认为观众对电影影像的认同是一次认同,观众承认银幕的可信性、真实性。
二次认同是观众对摄影机的认同,摄影机规定银幕客体,又规定观众的视点、位置。
7、女性主义电影批评电影理论——
~ 是一种社会思潮,目的是要改变以男性为中心的社会体制,达到改变社会性别关系,使男女都得到全面发展。
传统观念认为男性是第一性,女性是第二性。~ 与妇女解放运动密切相关。
以往的妇女解放运动多要求女性在政治、经济、职业方面获得平等,但在 ~ 中还提出性别平等,性别平等是 ~ 的核心要求。在电影研究方面的表现:
美国好莱坞女性形象研究两大类:妖女型和天使型,都是不真实的女性形象。好莱坞讨厌真实的女性形象。
对好莱坞故事中性别歧视的现象,劳拉·穆尔维《视觉快感与叙事电影》(1973)中做了分类分析: ⑴ 恋物癖式:展示美女,多特写;
⑵ 窥淫癖式:男性偷窥,侦察女性有罪; ⑶ 自居式:有能力男人得到女人。
8、电影意识形态批评—— 当代西方电影批评流派之一。【法】阿尔杜塞对马克思主义意识形态研究影响对电影的认识。经典理论(巴赞、克拉考尔)认为摄影机是正工具,通过具体现实捕捉世界意识形态。而意识形态批评的目的就是揭穿摄影机这一正工具不偏不倚的对现实的描述的真相,认为摄影机摄入世界式主导意识形态的反应,不是纯粹客观现实。
9、电影时空的特殊性—— 在于电影时空的特殊综合性。
电影既是一种时间艺术,又是一种空间艺术。时空结合包括戏剧、舞蹈,电影式一种一维时间、二维空间的特殊的三维时空艺术。
而戏剧、舞蹈式一维时间、三维空间的艺术,正是电影在空间少了一维,使电影具有巨大的表现力和想象空间。
10、新好莱坞电影——
经典好莱坞发展新阶段。与经典好莱坞有以下不同:运作机制、主创人员、作品形态不同。好莱坞在70年代发生转向,新好莱坞电影界出现了商业、艺术上都很成功的影片,这些影片的创作者主要使高等电影院校的毕业生。这些人在大学两方面知识(生产知识、批评知识)平衡完备。但毕业后,与原先高度专业化人才相比,有一定的局限性。新好莱坞特点:经典好莱坞神话功能,现代主义有一种反传统功能。科波拉《现代启示录》阿瑟·佩恩《邦尼和克莱德》
11、意识流电影——
意识流:美国实用主义学家詹姆斯提出,认为思想不是链条、环节,以碎片形式出现,而是像河流一样以水的形式存在。
思想流、生活流,对心理活动的认识先形成小说流派。如《尤利西斯》《追忆似水年华》 在电影中体现在20年代开始的先锋派、法国印象主义、超现实主义,如《一条安达鲁狗》 意识流形成电影、小说共有的人物意识、思想状态的活动技巧,主要似用来表现人的幻觉、幻想、自由联想、情绪波动等潜意识心理。
电影手段表现力扩大,内容也扩大。同时意味着反映意识同反映现实同等重要。意识流手法受【法】博格森直觉主义、弗洛伊德的精神分析影响大。
50年代后出现了一系列意识流手法表现意识流内容的经典作品: 57年《野草莓》;59年《广岛之恋》;61年《去年在阿里昂巴德》;63年《8 1/2》 意识流大量使用,使情节变得不重要,成为只是连接内容的简单线索。
四、相关术语:
1、细节——
叙事作品中具有表现人物、故事、背景的最小单位。一个完整的叙事描写是由大量叙事描写完成的。
细节描写原则:服从艺术形象的塑造、故事情节的展开、创作立意的表达。细节描写的作用:具体生动反映事物的特征,增强艺术感染力,注意繁琐无意义细节应去掉。
2、切—— 又称切换。不用划、淡出、淡入等光学技巧实现剪辑,是用基本的镜头转换方式和剪辑手段。重要的是准确把握剪辑点,保证镜头流畅和全片的节奏感。
3、跳切—— 切的一种。
从一个镜头到另一镜头,一场到另一场,必须遵循的必要时空逻辑。确保情节动作的连续性。跳切是一种打破常规的表现形式,省略时空过程,将动作进行跳跃式、非逻辑的组接来突出相关内容。
4、悬念——
叙事作品中安排情节手法和技巧之一。
主要利用观众关心故事发展和人物命运心理,在剧作中设置悬而未决的矛盾。在不同作品中,对悬念运用也有很大不同。
悬念能集中观众注意力,引导观众进入剧情,增加情节活力主要来源。
5、色调——
一部影片色彩倾向,决定色调因素: ⑴ 被摄物颜色特征; ⑵ 光线条件;
⑶ 摄影镜头光学附件; ⑷ 感光材料的感光性能; ⑸ 洗印过程技术控制。
6、类型电影——
主要指安一定规范要求制作的影片。30~40年代好莱坞商业电影普遍采用。
影片题材、技巧具有特定类型特点,情节公式化、人物定型化、视觉形象图解式。
7、强盗片——
见《电影艺术辞典》
8、独立制片——
~ 是在社会上主要的大规模和长期固定的电影制片专业单位以外进行的电影制片活动。(资金、规模、风险、制片公司、承担风险、维持运转、保持稳定利润——基本模式)自筹资金、自组班子、力图打入商业、赢利,成为大制片公司补充和竞争力量。
20世纪20年代,电影工业初步形成,独立制片出现,电影业内部调整、变化、竞争,独立制片内容未定。
结合我国,我国对于电影是统一领导、大制片厂才允许拍摄电影,而且统一发行。直到90年代出现少量独立制片,但发行渠道单一,目前的民间出资、制片厂出品,属于准独立制片。
第三篇:2019影片《攀登者》观后感_电影《攀登者》观后感
9月23日,电影《攀登者》发布了一款国际版预告,宣布电影在9月30日于中国、美国和英国同时上映。以下是小编整理了关于2019影片《攀登者》观后感_电影《攀登者》观后感5篇,希望你喜欢。
2019影片《攀登者》观后感
国庆70周年,电影市场迎来了一个史上旗帜最为鲜明、大片题材最为统一的国庆档。《我和我的祖国》《攀登者》《中国机长》三部主旋律献礼大片同期开画,大战未到,烽火已燃,所有的热度与造势都转化成了一个现实问题:2019年国庆档票房将有多少亿?
面对这个问题早有人迫不及待给出了预选答案,坊间票房预测从50亿到70亿不等。数字未必有实际参考作用,但是无疑透露出公众对今年国庆档的票房期待,这种期待里几乎带着一种渴求。
截止昨日(9月22日)9月累计票房达到20.94亿,而去年9月累计票房为31.02亿,换句话说,今年9月想要与去年同期持平,那么一直到国庆档正式开始前,每日票房平均票房至少需要超过1亿,而今日大盘截至写稿时间(20时24分许),票房仅3389.1万。
每个月票房的相较倒退,逐步累积则让票房缺口增大。截止9月22日,2019年全年票房467.53亿,而2018年同期全年票房超过480亿,票房缺口超过13亿,这些缺口都需要大档期进行弥补。
去年国庆档遇冷,平台票补消失,档期内10部电影上映,港片《无双》成了黑马,但是开心麻花喜剧《李茶的姑妈》、张艺谋古装艺术片《影》等纷纷滑铁卢,档期总票房与观影人次双双下滑,彼时一路节节高喊的票房目标被行业凛冬的寒风吹得透心凉。
今年国庆档,目前档期内确定电影12部,但是出现了明显的分界,三部大体量献礼片占据市场头部,《雪人奇缘》《丑娃娃》两部动画电影和其他带有划水性质的小体量电影基本被归纳到“炮灰”的范围。
而从今天到国庆长假的一个星期里,电影市场再无大片上映,《吹哨人》《催眠·裁决》等电影离开了中秋档,也没有选择在国庆档安家。显然,行业乃至票房市场的火力都相当集中:三部献礼片,一鼓作气,最好能多出现几个救市的N亿+。
影视巨头扎堆出品,献礼片“集行业之大成”?
现实里,三角关系除了在数学领域代表着最稳定的结构,在其它领域或许都意味着竞争。电影市场上《我和我的祖国》《攀登者》《中国机长》三部电影,相似的主旋律献礼题材,旗鼓相当的内容体量,演员阵容都有部分重叠,那么电影的差异化之处才是决定谁能够成为金字塔的塔尖之关键。
从电影背后的公司来看,三部电影出品发行阵容都有影视巨头坐阵,巨头们不把鸡蛋放在同一个篮子里,不介意左右手互搏,只求雨露均沾。据不完全统计,除去部分重叠电影公司,三部献礼片背后涉及的出品、发行、营销公司等超过92家。
如阿里影业对三部献礼片均参与了出品,其中《中国机长》与《我和我的祖国》还是作为主要出品方。今年上影节阿里影业就对外宣布,将携手博纳影业一起推出“中国骄傲三部曲”(《烈火英雄》《决胜时刻》《中国机长》)。
三部曲中前两部已经上映,《烈火英雄》暑期档上映,票房16.87亿,是今年春节档之外少数票房10亿+的作品,但是该片一度被公众诟病过度煽情,比起此前博纳影业《红海行动》《湄公河行动》等口碑出众的主旋律电影,该片差强人意。《决胜时刻》上映四天,票房4448万,题材红专正,在大盘走低的态势下尚未出现爆发点。《中国机长》作为三部曲中的最后一部,也是最受期待的一部。
而这其中不难看出阿里影业作为互联网电影公司的思维模式,与传统电影巨头合作,将盘子拉大,远比做“孤胆英雄”的风险小。这个思维是贯彻始终的,2018年阿里影业的“锦橙合制计划”,决定以主投、主控、主宣发方的身份,与一流制作公司合制电影,“合制”是阿里影业的关键词,合作则是电影市场的关键词。
《我和我的祖国》就是行业内的“合作集大成者”,除了博纳影业与阿里影业,光线传媒、华谊兄弟、万达影视等传统巨头,互联网公司腾讯影业,宁浩的坏猴子、徐峥的真乐道等新规公司,均在联合出品行列。
这种行业大集结的情况,除了电影本身的体量,还因为《我和我的祖国》背后有7位导演,讲述七个不同故事,主演出镜演员达到55位,电影155分钟,几乎动员了大半个演艺圈,也不意外背后公司众多。
剩下的一部《攀登者》冲着吴京与登峰国际,就被票房市场寄希望是下一个“战狼”。联合出品方中华谊兄弟、万达影业、北京文化等电影公司惯性现身,巨头们已经认知到,电影市场唯爆款生存,能主控押中爆款固然是理想状态,但如若不能,首先要做的是多押几个准爆款。尤其华谊兄弟今年重头项目《八佰》撤档,出品的《小小的愿望》票房不及预计,万达影视重组之后背负着对赌压力,市场严峻,巨头们追求的是稳妥。
出品公司是一片混战,那么差异化就落在了故事内容与明星阵容上。
全明星阵容,献礼片差异化在哪里?
从已曝光的电影内容来看,三部献礼片虽然都是主旋律,但是故事内容上截然不同。
《我和我的祖国》是一典型的单元叙事,整部电影由七个故事构成,每个故事都代表着国家70年中的关键节点,如《回归》是香港回归,《白昼流星》是以中国神舟十一号飞船返回舱成功着陆为背景。整部电影以具体故事述说家国与时代。
7位导演则从最有资历的第五代导演陈凯歌到初露头角的青年导演文牧野,阵容豪华。而55位演员既有影帝/后级别的人物黄渤、葛优、惠英红等,也有实力派吴京、张译、王千源、任达华、胡军等,年轻演员周冬雨、朱一龙、刘昊然、欧豪等,覆盖范围十分之广。
《攀登者》则聚焦中国登山队成功从北坡登顶珠穆朗玛峰,完成人类首次北坡登顶珠峰的故事。国内罕见的以珠峰为背景,极限题材电影,主演包括吴京、章子怡、成龙、张译、井柏然、胡歌、王景春、何琳等。
《中国机长》根据2018年5月14日四川航空3U8633航班机组成功处置特情真实事件改编,讲述机组成员与119名乘客如何在危机下高空求生的故事。主演张涵予、欧豪、杜江、袁泉、张天爱、李沁、李现等。
排除导演技法上的不同,仅从现有故事梗概与明星阵容来讲,三部电影在内容上做到了差异化,明星阵容上则做到了献礼大片的极致,三部电影演员从实力演员到流量鲜肉,全权包揽。
三部献礼片目前已经出现了热度差异。猫眼与灯塔上,《攀登者》以46万/101万想看人数位居第一。而央视新闻官微发起的国庆档最想看的一部电影投票中,12.2万人参与投票,其中《我和我的祖国》占比达到49.1%,处在领先位置。
部分媒体也对三部电影进行票房预测,与想看指数投票的结果不同,媒体预测又给出了新的可能。灯塔数据显示,各类媒体对《攀登者》的总票房预测平均在17亿左右,《我和我的祖国》为15亿左右,《中国机长》则达到19亿,平均累积达到51亿。截至目前,9月30日预售票房达到1.24亿,三部献礼片总预售超过1.68亿。
值得注意的是,从这里能够一定程度上感觉到业界对国庆档的预估比想象中热烈。国庆档作为大档期之一,票房产出能力仅次于暑期档与春节档,近五年来国庆档出现了两次倒退,但是档期内的票房爆发效应依旧明显。
平均5年来看,档期票房天花板在25亿,头部电影至少能够获得50%左右的总体票房,剩下的50%左右依靠电影的长尾效应进行累积。按照这个逻辑,根据现有的预测票房,三部献礼片累积总预测票为51亿,反推自档期本身,意味着档期内三部献礼片累积票房理应在25.5亿票房左右,换句话说,今年国庆档总票房需要打破历年的天花板。
这个推测并不完全准确,但是给出了一个参考,已经有不少机构给出今年国庆档票房有望大涨的利好消息,三部献礼片作为国庆档主力,压力并不小。而国庆档的期待氛围似乎已经在股市有了相当好的反应,今日A股市场影视股拉升,截至收盘,幸福蓝海、文投控股涨停,上海电影涨逾5%,华谊兄弟、光线传媒、北京文化、华策影视等多股纷纷跟涨。从资本、行业到公众,所有人都翘首以盼,希望这个国庆档也能如期待一般,创造新高。
2019影片《攀登者》观后感
今年的国庆节即将到来,而在国庆档将有多部电影上映,也是竞争激烈。在这其中,有吴京出演的两部电影,一部是《我和我的祖国》,还有一部就是《攀登者》。相比之下,《攀登者》更为大家所关注。
电影《攀登者》由吴京、张译、胡歌和章子怡等主演,有了这些实力派演员加盟,这部戏自然是看点很多。不过,这部戏多少受到了题材的限制,使得一些人并不看好其票房。
对此,吴京在接受采访时称自己出演这部戏就像《流浪地球》那样,主要还是重在参与,其实只要参与了这个过程,自己也就值了。可见,对于这部电影的票房如何,吴京本人还是很有信心。
最近,这部戏的国际版预告曝光,据说将在北美和英国同步上映。吴京在转发时,还以“攀登,用实力说话”给自己打气鼓劲。
很多网友看了新的预告后,认为吴京的确是与众不同。此前的《流浪地球》一开始也不为大家所看好,但上映后受到了大家的欢迎,以至于跻身于票房前几名的行列,更被誉为开创了科幻题材的历史等等。
此次吴京主演电影《攀登者》,虽然主要将攀登者的事情,相信依然会让人看了热血沸腾,票房和口碑还是会有很好的保证,让我们拭目以待。
2019影片《攀登者》观后感
最近吴京又上了热搜,与其他的艺人不同,他这次上热搜跟结婚、走红毯之类的活动都没有关系,他是因为自己的拍戏过程上了热搜,为了拍好即将上映的这部片子,他戴上了夹板拍戏。吴老师算不上什么小鲜肉,但是却永远有一批自己的“死忠粉”,毕竟他的演艺实力让人不得不佩服。
最近他正在忙一部九月底就要上映的大片《攀登者》,这部片子讲述的是一个为国攀登珠峰的故事,为了可以还原出电影最真实的感觉,拍摄过程中他甚至戴夹板拍戏,这些小小的细节让更多人开始期待起了这部片子的上映。
不过这些年里,吴老师的作品一直都不算特别多,但是只要是他的片子,都是精品。曾经很多人以为他会像很多从影多年的老演员一样,慢慢的就转型了幕后,不再像以前一样在荧幕前那么拼,但是他却用自己的实力像大家证明,只要自己有能力,那么就可以得到认可。为了拍摄到自己想要的片子,他敢倾家荡产地投入,就凭这一点,他也比别人更配得上如今的这份荣誉。
很多观众都在吐槽,太多的流量型艺人在拍戏时候让人感觉看了十分麻木,根本没有代入感。而且很多片子的剧情也是越来越相似,让人感觉一点新意都没有。就是在这样一个大局势之下,吴老师抓住了观众的心。大家觉得没有新意,他就自己导演选择剧本;大家觉得演员不行,他就亲自上场自导自演。
正是因为可以把握住观众的需求,所以他的抗票房能力越来越强,只要演员表里有他,观众们都很愿意买单,因为大家都很信任他的实力。比起那些从一开始就泡在演艺圈大染缸的演员们不同,吴老师原来居然是武术班出身,他的家庭氛围也离不开武术的影响,所以他六岁的时候就已经开始学习武术了,后来还参加了很多与武术相关的活动,甚至还拿过不少在国际上都很有名气的大奖。
后来还进入了市区里的武术队。本以为他的人生应该是成为一个武术界的奇才,为国家的武术行业注入新血液,可是没想到最后兜兜转转他却意外进入了演艺圈。那个时候的他在师傅的推荐下,第一次参演了一部电影。正是这次神奇的体验让他开始重新审视自己的人生方向。其实武术和影视是可以很好地结合在一起的,特别是在当时很多武打类的片子,很多导演都一直在寻求合适的替身演员,毕竟演员们都是没有武打的功底的,所以只要跟武打有关的片子,一般都需要寻找合适的武打替身。
吴老师那个时候就是利用了这个市场需求,得到了很多的片子的参演机会,虽然别人觉得他那个时候很顺利,但是其实他背后的心酸却很少有人知道。那个时候的他作为替身,虽然说薪酬的确是不低,但是他每天都在受伤,为了拍出片子里最真实的搏斗的各种高难度场面,他都是一点不含糊亲自上阵,认真对待每一个镜头,甚至为了拍好一个镜头,他可以一直被别人用木板打,最后自己动都动不了。
很多人觉得他的成功似乎来得有些突然,可是一切鲜花掌声哪里会来得那么容易。那些年受过的伤,全身上下的医院证明,都是他一路走来不容易得最好的见证了。虽然说早期他的粉丝群体真的不够强大,数量也不够多,但是近几年按照他的热度来说,他可以说是已经拥有全民粉丝团了。作为一个男人,他拥有自己的妻子的支持,在家庭上,义无反顾的付出;在事业上,他从不屈服。这样的男艺人,才是真正值得我们去学习的人。比起那些利用自己的黑料以及各种花边炒作的艺人来说,他的确是不一样的,也的确是一个正能量的楷模。
希望吴老师可以一直坚持下去,一直用自己的正能量来影响更多后生演员,这样观众们才可以源源不断地看到更多优秀的国产好片子,才可以让国产的片子在国际舞台上收获更多的好评。不过这次的片子也是吴老师的大作,所以这个九月,相信吴老师一定不会让喜欢他的观众们失望。期待吴老师在这个九月让我们感受属于他的深厚爱国情怀以及独特的登珠峰经历的奇幻之处!让我们相约九月底,拭目以待!
2019影片《攀登者》观后感
这个国庆档,多部被人们所看好的电影将上映,其中尤为突出的是吴京电影《攀登者》,这部戏由吴京主演,当然还有其他几位实力派演员,如章子怡、胡歌、张译等,都是大家所熟悉的实力派演员。
除此之外,还有《中国机长》这部戏也很有看点。这部戏由张涵予、杜江等主演,同样让人热血沸腾。不过,要比起明星实力和阵容以及让人更加热血沸腾的电影,当属电影《我和我的祖国》了。
《我和我的祖国》由陈凯歌、徐峥等多位大牌导演一起联合导演,演员阵容更是强大到无敌。包括吴京、葛优、马伊琍、张嘉译、黄渤、佟丽娅等等,可以说大半个演艺圈的明星都到了。
正因为这强大的明星阵容,使得很多网友都认为这部戏要赶超电影《战狼2》,票房很可能会载入历史。毕竟,今年国庆是70周年大庆,值得大家纪念的日子。所以,这部戏上映后必然会激发大家的爱国热情。
在这种情况下,不少人认为《攀登者》和《中国机长》都要靠边站了。《我和我的祖国》会引发几代人的回忆,也会激发大家的爱国热情,自然会掀起一股观看的热潮。
不过,这部戏也引起了一些网友的吐槽,因为不少网友发现这部戏中有外国国籍的演员,比如陈飞宇就是美国国籍。还有陈凯歌在网络上也被传是美国国籍,当然陈凯歌本人并不一定是美国国籍。
并且,如果按照一些网友的理论,类似黄渤等孩子出生于美国的,也不太适合出演这部戏,因为黄渤就是美国孩子的爹了,怎么能适合演这部戏呢?对此,不知道您怎么看呢?
2019影片《攀登者》观后感
今年国庆档三部国产大片《攀登者》、《中国机长》、《我和我的祖国》,将在9月30同时上映。距离国庆节还有一个星期,喜欢看电影的朋友们早早就买好了预售票,因为9月30日首映当日票价通常只是国庆期间票价的一半。三部电影题材特色鲜明,主创团队均集结了中国当今影坛最优秀的一批导演和演员,有些演员还同时参与了两部电影的制作。
《攀登者》——为国登顶、寸土不让
根据大众点评网今日统计,《攀登者》有45万人“想看”,观众预期排名第一。
登山是一项勇敢者的游戏,每一个登山人都有一个遥不可及的梦想——世界屋脊珠穆拉玛峰。和普通的登山爱好者活动不同,攀登珠穆拉玛峰,不但是对登山者体质、耐力和意志的多重考验,还需要队员之间密切的团结合作,这项伟大的运动绝不可能一个人单打独斗。
在今年的《开学第一课》,1975年中国登山队亲历者之一、共和国的同龄人夏伯渝,给同学们讲述了当年“中国梯”的故事。北大7名学子也分享了他们成功登顶珠峰的好消息,成为从北坡登顶珠峰平均年龄最小的登山队。《攀登者》在西藏各地实地取景,真实记录和还原了中国登山队9位队员1975年第一次从北坡登顶世界之巅的历史创举。
《中国机长》——中国民航英雄机组见证奇迹
《中国机长》根据2018年5月14日四川航空3U8633航班机组成功处置特情真实事件改编,该事件被称为航空史上的奇迹。
2018年5月14日,川航3U8633航班,从重庆出发飞往拉萨,万米高空中驾驶舱右侧挡风玻璃突然脱落,瞬间副驾驶半个身体被吸出窗外。气温骤降为零下40度,驾驶舱失压,设备多处出现故障,巨大的噪音导致无法接听无线电,只能靠目视水平仪进行操作。在机长刘传健沉着冷静的指挥下,全体机组人员临危不乱,按照标准程序完成了应急处置,最后航班安全备降成都双流机场,确保了机上119名乘客的安全。
9月20日,《中国机长》剧组在北京飞往重庆的航班上举办了万米高空首映礼,导演刘伟强、机长的扮演者张涵予带领机组人员和乘客们亲切互动、合影。
《我和我的祖国》——新中国成立后的7个历史瞬间为国庆献礼
《我和我的祖国》讲述了新中国成立70年间,人民和祖国息息相关的7个历史大事件,牵起了全民的共同回忆,预告片非常燃。
7个历史大事件由7位导演分别执导完成,全片拥有55位演员的强大豪华阵容,全员零片酬出演。相信影迷们都希望能够在这部巨制中找到自己喜欢的演员。
第四篇:艺术学院院长和教授斗殴双双入院
艺术学院院长和教授斗殴双双入院
2013年05月15日22:59南海网
南海网海口5月15日消息(南海网记者刘嘉珮)海南大学艺术学院院长张某某和该院教授华某因为某些问题打架斗殴,双双入院。15日,南海网记者从某知情人士获得这则消息,随后,记者从海口美兰区人民路派出所得到证实,此案正在调查中。
据该知情人士爆料,海南大学艺术学院院长张某某新官上任,刚竞岗到任2个多月。5月10日下午全院教职工会议后,该院一名老教授华某到院长办公室找到张某某,随后发生了暴力事件。至于事件起因,该知情人士不愿详细透露,只说是因为一些意见分歧。
15日下午,南海网记者来到海南大学艺术学院,该院一名不愿透露姓名的教师告诉记者这几天都没有看见张院长和华教授,不过他也不清楚原因。对此,记者也从海大宣传部相关负责人了解到,学校目前并不清楚此事,纪检部门正在进行调查,如若确有不正当原因的争斗,将根据学校相关规定进行处罚。
随后,南海网记者从海口美兰区人民路派出所获悉,目前派出所正对此案进行调查,因为当事人双方皆因打架住院,案件仍在调查取证阶段,不便透露。
对此,南海网记者也将继续关注。
(原标题:海大艺术学院院长和教授斗殴?派出所:正在调查)
拿什么组织男教师的性侵?
校长、教师成女生“噩梦”?
海南女生讲述与校长开房经历:整宿欲行不轨未成5月8日,海南省万宁市后郎小学6名就读6年级的小学女生集体失踪,引起老师和家长极度恐慌,今天记者获悉,原来该6名小学女生被万宁市第二小学校长陈某鹏及万宁市一政府单位职员小忠带走开房,目前校长陈某鹏二人已经被警方刑拘。[详细]
记者15日从安徽潜山官方获悉,潜山县某小学校长杨某,在长达12年的时间中先后对9名女童实施性侵。被性侵时,最小的受害者年仅6岁;而最大的受害者,今年已经20岁。日前,潜山检察院以涉嫌强奸猥亵儿童罪对杨启发提起公诉。[详细]
据《法律与生活》报道,贵州省威宁县新发乡在2005年到2006年6月间,发生了一起令人发指的事:新发乡两教师组织威胁学生到外地“卖处”,先后11次将新发乡中学和小学20余名女学生和当地1名不满 8岁的女孩骗到贵州省六盘水市、纳雍县等地,并强迫这些女孩与事先联系好的嫖客发生性关系。[详细]
教师职业何以成犯罪“优势”?
乡村教师强奸猥亵8名女生被捕(组图)
花季少女遭性侵犯,这些年来屡有发生。每次案发,都会引来人们对不法之徒的痛骂,也都会引来人们对教育的反思——性侵未成年人案,暴露的不仅是教师等成年人的道德滑坡,也揭示出目前教师和学校管理的种种缺陷。
教师属于性侵犯学生犯罪的“高危群体”。但师范教育对于法制这一块重视不够,导致一些农村教师的法制意识淡漠。对于教师这一特殊行业,在心理方面目前还缺少一种严格的要求和测评。
我们的教育要求学生对老师绝对服从,对老师行为不怀疑不反抗,教师这个职业被神圣化,许多学生盲信老师,根本不会想到老师中也可能有“坏人”,这种校园氛围里,很容易造就禽兽教师产生的土壤。
长期以来,中国学生对老师的认识都是“人类灵魂的工程师”、“辛勤的园丁”之类,也就是说,学生在面对老师的时候,完全感觉不到潜在的危险。或者说,由于长久以来对教师正面的宏大描述,导致学生根本没有任何防范意识。
2003年7月,教育部曾经联合公安部、司法部针对相继发生的一系列教师性侵犯学生事件,下达《关于辽宁等地相继发生教师强奸猥亵学生事件的情况通报》,要求各地学校严格管理,从严治校,并加强法制教育和师德教育。
2004年,“严禁利用师生从属关系在单独找异性学生辅导、谈话时,奸污猥亵女生”,赫然写在了湖南省益阳市资阳区治理教育“三乱”的规定中。当时媒体曾广泛质疑,认为此项规定荒谬绝伦,属于典型的黑色幽默。
2006年,江苏无锡教育局下发通知,规定“教职员工不得与异性学生单独相处”,也引发大了较大争论。
此后关于教师性侵犯学生的事件并没有减少。
“性侵小学生”背后的制度缺陷
教师涉嫌强奸多名小学女生被刑拘
事实上,“教师性侵学生”并非个案,以往也发生过多次。虽然每次案件的发生,都引起社会和舆论的广泛关注,但现在看来,有关部门并没有引起真正重视,并采取有力措施加以解决。“教师性侵学生案”的发生,一方面说明学校在教育管理上存在一些问题。比如,在教师队伍的把关上,能否把一些心理扭曲者拒之门外?再比如,教育部门能否出一个规定,禁止教师擅自带学生进入自己的宿舍呢?这些都值得思考。另一方面,说明我国在反儿童性侵害教育上存在缺陷。
这种教育缺失的后果无疑是严重。广东省发布女童性侵害报告显示,过去三年广东2506名女童被性侵害,其中近半在14岁以下。而且,性侵害女童者65.74%是熟人。侵害者包括邻里、朋友、同事、亲属、老师等。比如强奸案件,加害人与被害人存在主顾、客人和朋友关系的多;再如猥亵儿童案件,侵害者多是邻里、亲属、老师等。其中在不满14周岁的受害幼女中,又是在校学生居多。这份女童性侵害报告公布于众之后,无数人震惊、痛惜,甚至表示难以置信。
事实上,国外对于儿童性启蒙和性教育的认识要比我们早很多。在日本称之为“纯洁教育”,在瑞典叫做“爱的教育”,都是从幼儿园开始就向儿童渗透性别、性差异的常识。我们应当学习国外的做法,在进一步加强学校和教师队伍管理的同时,切实加强反儿童性侵害教育,维护未成年在校生的利益。
比如,在美国,没有独立的嫖宿幼女罪这一罪名,但和未满16岁的未成年人发生性关系,无论哪种情形都是重罪。尤其是,针对校园性侵案数量的增加,台湾于去年推出了一系列防范举措,包括各校必须设有1名专业辅导人力与1名专任辅导教师,增加校园性侵害与性骚扰相关防治经费;班级数多的学校,每10班增设1名专业辅导教师等。此外,增设教育人员通报性侵机制,伪造、变造、隐匿、湮灭性侵证据者,经有关机关查证属实后,校方予以解聘,且终身不得聘任为教师。这样的做法,对我们也不无可借鉴之处。[详细]
别让受害者成“沉默的羔羊”
一教师涉嫌猥亵19名小学生
此外,中小学防性侵教育的缺失,更让学生在性侵面前几乎处于不设防的状态。
由于学校教育观念的偏颇,导致小学生的性知识和自我保护意识严重匮乏,他们不知道也不懂得如何进行自我防范。在“禽兽教师”哄骗和恐吓之下,很多女生遭受了性侵害还不知道是怎么回事,也不敢告诉家长,就算告诉了家长,家长也会碍于脸面大都不会声张。2009年6月4日傍晚,河南南阳一教师强奸7岁学生,致其大出血三小时,而那个“禽兽教师”爽快后,竟然在受害学生家酒足饭饱才离开。今年5月4日,厦门某学校老师张某坤因犯猥亵儿童,被判处有期徒刑4年半。原来这是一起一人报案而“牵”出另外5名受害人的案件。在多次遭遇老师抚摸、捏弄乳房、胸部、阴部及臀部等处之后,那5名未满14岁的女生,都因为害怕而没有马上告知家人,这也使得张某坤得以逍遥法外。
当然,也有一些学校或教育行政部门出于自身利益和政绩的考量,在发生危害学生的性犯罪案件后,通常首选“内部处理”的方法,欺上瞒下,威逼利诱,隐瞒事实,压案不报,千方百计地大事化小,小事化了,甚至面对舆论监督仍然弄虚作假,封锁消息,而不是立即向上级和公安部门报告,积极协助公安、司法部门尽快侦破案件,惩办罪犯,这在客观上也助长了“禽兽教师”嚣张气焰。
许多学校和家长有一种偏见,认为防性侵教育很“危险”,担心教育会变成教唆,教育部门对此往往也毫不关心,所以这一教育始终难以普及。反观国外,学校防性侵教育早已实现了系统化,在美国,专门有学校性教育“性侵害、性攻击、性暴力和性骚扰”课程讲授大纲,分别对学前儿童、小学低年级、小学高年级、初中、高中,设置了不同的课程。[详细]
猥亵幼女,让他变“公公”
五旬教师多次猥亵小学女生被抓
在许多国家,强奸或猥亵未成年人都被视为泯灭人性的严重罪行,予以严惩。在元代,按《元史·刑法志》记载,强奸十岁以下的幼女,处以死刑,不能用赎金抵罪,即便幼女“自愿”,也以强奸幼女罪论处,杀头。现行的刑法,虽然奸淫幼女也是从重处罚,最高可判死刑,但同时又多了一条“嫖宿幼女罪”,这条罪最高可判15年有期徒刑,许多天良丧尽的“幼齿控”正是利用了这个法律漏洞遁逃罪责,获得轻判。
对于一些人来说,罚款与有期徒刑根本不足以让他们惧怕,即使坐牢,过一段时间弄个“保外就医”又晃晃悠悠的出来了。除了大刑伺候,对这些禽兽不如的东西,是否可以考虑“去势”,没收他们的“作案工具”,让他们与“李公公”为伍?可以相信,对于那些脑袋长在脐下三寸、大头听从小头指挥的男人来说,没有什么比这个惩罚更吓人。在韩国、德国,这类罪犯甚至会遭到化学阉割,以免日后再犯,我们也可以学学人家,强奸幼女的,“去势”!
除此之外,还有一些事后惩治办法可以借鉴。譬如美国,为避免有犯罪前科者出狱后继续危害社会,强奸犯出狱后,他所在社区的警方还会对外公布其照片、住址、外貌特征等个人信息,提醒公众留意防范。如果这个人想要搬家的话,每到一个地方都必须先到当地的警方备案。随着科技的发展,美国警方还尝试采用GPS手环或脚环来追踪出狱强奸犯的行踪。
结束语
校园性侵案不只触目惊心,简直人神共愤。如果连校园也不能成为一个保障孩子安全的所在,如果我们对此选择容忍,喧嚣过后便归于麻木乃至遗忘,我们就无法阻止类似悲剧的再度上演。
第五篇:浅析电影音乐对影片的重要性
毕 业 论 文
论文题目(浅析电影音乐对影片的重要性)作
者:
王培清 指导教师:
施娓 学科专业:
音乐 班
级:
10艺术 提交日期:
2015年4月
摘要
电影在问世的最初20年里,最遗憾的就是缺少音乐。音乐作为影片的构成要素,作用非常巨大,且日益显示出对电影的重要性。欣赏一部电影时,除了唯美的画面,精彩的故事情节会给我们留下深刻的印象外,就是音乐了。一部好的影片往往有一段或者多段优美的音乐。或许就是有了这些音乐,有些电影才被历史留住。若干年后,每当那熟悉的旋律响起,思绪就会把我们带回那段特定的画面中去。大概这就是电影中的音乐。
关键词:
电影 音乐 功能
电影,是一种连续的视频画面,是一门视觉和听觉的现代音画艺术。电影是一门可以容纳多种艺术的现代科技与艺术的综合体。随着现代社会的发展,电影已深入到人类社会生活的方方面面。
电影在问世的最初20年里,最遗憾的就是缺少音乐。音乐作为影片的构成要素,作用非常巨大,且日益显示出对电影的重要性。正如著名导演弗·科波拉所说:“音乐,是电影幻觉的生命。”法国著名导演帕·谢罗也说:“一部影片若无音乐,就如同一只脚走路。所以若要我回到没有音乐的年代,我宁肯不拍电影。”许多著名导演关于音乐对影片产生的影响都十分重视,并且在自己的影片中都将其拿捏得非常准确,表达得恰到好处。可见,电影音乐作为影片的构成要素,对电影产生了非常重要的影响。
早期电影是有影像而无对白和声效的电影。把电影影像与声音配合的想法,几乎是与电影本身俱生的;但由于技术上的困难,在1920年代末以前,大部份电影都是默片。默片年代,亦被称为“银幕年代”。为了解决这一局限,有些院线在电影放映时,会在现场由音乐家根据剧情发展进行即兴伴奏,很多小镇或住宅区的戏院都有琴师。在1910年代开始,很多大城市开始有管乐师,或整队管弦乐团。给默片的乐谱多是即兴创作的。1895年12月28日,在卢米埃尔电影于巴黎的首映中,有了第一位现场钢琴师。到了1920年代末,随着有声电影技术的发明,《唐磺》、《爵士歌王》等影片开始在部分地采用有声技术,使当时的观众非常震撼,无声影片注定要被有声电影淘汰。
电影音乐,是电影的重要组成部分。音乐是对电影的诠释纽带,好的音乐,对整个影片起着至关重要的作用。通常一部电影会由多首音乐相衬,以更好地衬托出电影需要表现的内容。为电影而创作的音乐,是电影综合艺术中的一个重要组成部分。通过录音技术与音响效果合成一条声带,随电影放映而被观众所感知。电影音乐是20世纪新出现的音乐体裁,有音乐的一般共性,又有自己的特性,在现代人的文化生活中占有重要地位。电影音乐的主要特征视听统一的综合性。电影音乐与对白、旁白、音响效果等其他声音因素结合后,如与画面配合得当,能使观众在接受视觉形象时,补充和深化对影片的艺术感受。电影音乐如脱离画面单独存在,则失去其视听统一的综合功能。但特别完整的片断,仍可作为独立的音乐作品予以演奏和欣赏。电影音乐在突出影片的抒情性、戏剧性和气氛方面起着特殊作用。电影音乐已经成为一种新的现代音乐体裁。
电影音乐的分类:
电影音乐,在电影中出现的方式,分为两大类:
一、现实性的音乐,也叫做客观的音乐,这类音乐在画面上有声音的来源;另一类是功能性的音乐,也叫做主观的音乐,这类音乐在画面上没有声音的来源。现实性音乐包括在电影生活场景中出现的各种音乐或歌曲。例如在音乐会上表演的音乐或歌曲、歌剧音乐、舞剧音乐、节日歌舞、街头小唱、街头音乐以及通过收音机或录音机播放的音乐。还包括引人注目的剧中主要人物的独唱与对唱、独奏与合奏等等。这类音乐或歌曲都是由剧作家、导演事先在文学剧本和分镜头剧本中安排的。
二、功能性音乐一般是由作曲家专为电影创作的,着重表现画面中所没有或不能表现的剧中主要人物的动作,特别是心理活动。在电影中,虽然从音乐出现的方式上分为两种类型,但在实际的运用上常常相互转化,有时从现实性的音乐转化为功能性的音乐,也有时从功能性的音乐转化。这两种音乐在具体影片中是相辅相成的,有时两者亦可融为一体,难以分辨。
电影音乐又分为了几个部分,分别是:主题音乐(多指片头曲,片尾曲),背景音乐,插曲。不同的音乐在在影视中所起的作用不一样
一、主题曲或主题歌是在电影、电视剧等作品中,用来代表作品的主要乐曲或歌曲。被认为对一影片具有代表性的电影插曲。如《银河》(MOON RIVER)则是《第凡内早餐》的主题曲。在不同国家上演、播放的作品,有时会由于不同的风俗民情等因素,会另请填词人以本土语言重新填写歌词,并会另请歌手、配音员或其他人士代唱。例如欧美地区,几乎都会把歌曲与歌词重新改写,影像则是会和原作品有部分差异。一般而言,主题曲是指片头曲;但有时主题曲是另外一首,而非片头曲;而且有时片尾曲或插曲也被视为主题曲。电影主题曲是指代表影片主题的歌曲,或因风行而被认为对一影片具有代表性的电影插曲。它是电影综合艺术的有机组成部分,在突出影片的抒情性、戏剧性和气氛方面起着特殊作用,已经成为一种新的现代音乐体裁,优秀的主题曲还能起到宣传电影的作用。主题音乐是一部片子的核心音乐,它紧紧围绕主题思想、主要内容和中心人物,形成一定的音乐形象,起深化主题的作用。主题音乐一般在片中主要段落、主要人物或体现主题思想的时候出现。通常主题音乐是以器乐曲形式出现,也有采用人声哼唱形式出现的乐曲。音乐在剧中的其他时候可能会以主题音乐的变奏形式出现,起辅助作用。确切地说,主题音乐最能反映剧作主题以及深化主题故事及人物,同时也能起到渲染烘托气氛的作用,可以说它是影视的灵魂和精华。影片《追捕》中,每当关键时刻或凸显杜丘的人物形象时,总会伴随着相对低沉而略带激情的主题曲,很好的渲染了当时的环境氛围同时也彰显了杜丘的人物形象,他总能在危机时刻化险为夷,深深地吸引观众们的注意力。
二、片头曲 在不同国家上演、播放的作品,有时会由于不同的风俗民情等因素,会另请填词人以本土语言重新填写歌词,并会另请歌手、配音演员或其他人士代唱。例如欧美地区,几乎都会把歌曲与歌词重新改写,电影则是会和原作品有部分差异。台湾、香港动画歌曲中,亦有部分歌曲有改唱一般而言,主题曲是指片头曲;但有时主题曲是另外一首,而非片头曲;而且有时片尾曲或插曲也被视为主题曲。
三、片尾曲(电影电视结束曲)简称ED,剧末出现有些时候是直接叠在本片最后一段后开始播放。片尾曲中常表示的讯息有演员或配音演员、编剧或脚本、电视剧幕后工作人员或动画原画及动画制作人员、相关公司成员、鸣谢机构或人士、片尾曲词曲歌手等。一首好的片尾曲能让观众的兴趣保持下去,甚至也会拉动作品的人气,可谓是点睛之笔。
四、背景音乐简称BGM,也称配乐,每当我们走进豪华的宾馆咖啡店等,音乐早已融入内部装潢体系,大堂、走廊、餐厅、卧室,背景音乐如看不见的潜流,无处不在,轻轻流淌,曲水流觞之间,给人们美妙享受。电影是背景乐常见载体,往往一部热播的作品总是伴随着优美感人的背景音乐,有的是专为其创作的,有的引用前人的名曲,背景音乐已成为一部成功电影的重要组成部分。背景音乐,也是一部电影是否优良的重要考评对象。音乐的风格、节奏、旋律都可能对影响很多人,很多电影是因为音乐而深入人心。背景音乐除了感动情绪,还能带动情绪,让电影剧情显得跌宕起伏。背景音乐在制作前,首先需要对音乐的整体风格进行设计。并且对于不同的风格需要采用不用的音乐配器。通常用于调节气氛,插入于对话之中,能够增强情感的表达,达到一种让观众身历其境的感受。在电影作品中,作为背景衬托的音乐,通常是无人声的。真正意义上的BGM起源于欧洲的戏曲,自电影有声化之后BGM得以迅速发展。它不仅需要配合画面的情节发展,还必须有着自己独特的风格,因其重要性,很多都会把BGM抽取出来,收录进相应的原声带OST里,作为副产品发售。背景音乐指在影视剧中,伴随或穿插在其中的音乐,一般多为器乐,也称作配乐。背景音乐可以是专门创作的,也可以是剧中主题歌或者主题音乐的变化发展。它们可以大段或零散的使用,在剧中可以出现一次或多次。其作用是为了渲染气氛,增强故事或者景物的表现力,起到和人们的心灵产生共鸣的作用。影片《燃情岁月》中,有一段非常悠扬的背景音乐,旋律优美而动听,给影片增色不少。本片的音乐由詹姆斯霍纳作曲,他用深沉、忧郁、悲壮、平静的蓝色基调勾勒出一个发生在美国西部草原的传奇故事。钢琴声慢慢响起,宁静中引出大气,继而转向以小提琴声为主的交响乐,犹如史诗般恢宏。在影片优美的弦乐声中可以感受到人世沧桑,世事变迁,老去的房屋,荒芜的土地„„在这本感人至深的影片当中,音乐的功劳是非常大的。
五、插曲配置在电影中,会点染影片的特定情绪。在电影中,通常有一种出现在一些重要的场景内,针对某一具体情节的内容而创作的,用以描述某种事物,抒发某种特定的感情和情绪,或表现人物的特定心理的歌曲,我们称之为插曲。它与剧情发展紧密联系,主要发挥着表达剧中人物的情感,烘托气氛,推动剧情戏剧性地发展,以及担任某种转场、闪回的作用。在影视剧中插曲同样具有主题歌曲的远期和轰动效应。我国经典的电视连续剧《红楼梦》,剧中人物众多且复杂。而插曲也是十分繁多,但是每段插曲都能很好的刻画出人物形象,符合故事情节发展。如《葬花吟》一曲,体现出林黛玉孤女无依、自己的情感世界也如败落的花朵一样无力,激起无数人的怜悯与感叹。又如《聪明累》一曲,用辛辣嘲讽的语气直接阐明了王熙凤的一生,从叱咤风云到草席裹尸,强烈的对比使观众容易体会到她的悲惨境地。
音乐与电影画面的关系分类:
按音乐与电影画面的关系,又可分为4种:
一、音画同步:音乐基本上与电影画面吻合,情绪、节奏一致,视听统一,观众在观看电影画面时,不知不觉地接受音乐。这是最常见的一种音画关系。
二、音画平行:音乐并不解释电影画面,而以自己的独特方式将画面贯串起来,造成一种完整的形象。例如电影画面是一组短镜头,描写时间过程、人物成长或脑海中回忆的各种片断时,音乐只写出一种情绪或着力刻画人物的内心世界,使电影画面的蒙太奇(电影剪辑)更为凝聚集中,以加深观众对影片的理解。
三、音画对位:音乐与电影画面形成类似音乐中两个声部的对位关系。时而同步,时而不同步,甚至与电影画面在情绪、气氛、格调、节奏、内容上造成对立、对比,从另一个侧面来丰富电影画面的涵义,产生一种潜台词,形成新的寓意,使观众得到更深的审美享受。
四、音画游离:这是60年代以后电影音乐的一种新趋向。电影音乐并不直接为剧情服务,而是起到扩大空间——延续时间的作用,它并不渲染影片的细节,而是用相当独立的姿态以自身的音乐力量来解释或发掘影片的内涵。观众可以在音乐与画面游离的情况下,自己领悟影片的真旨,得到丰富的联想与感受。如日法合拍影片《广岛之恋》就属这种情况。
电影音乐的美学功能
电影音乐艺术的处理手法丰富多样,变化无穷。其美学功能是:
一、通过音乐主题的贯串发展、矛盾冲突、高潮布局,达到对剧中主要人物的歌颂或批判,帮助明确电影的意义。
二、用音乐加强人物的动作性、心理活动,揭示人物的思想感情,表现人物的精神面貌,使人物的形像更加鲜明生动,可以为电影加不少的分数。
三、暗示剧情的进展或延伸。这样的音乐,有时先于画面的视觉形像出现,例如在困难的时刻预示胜利和希望,在顺利的时刻预示艰苦挫折;有时后于画面视觉形像出现,延展戏剧情绪。
四、引起一定时间(古代的或现代的)、空间(人类世界的或外空间)、环境(人间或仙境)的联想。
五、加强影片的总的艺术结构。电影音乐虽然是分段陈述的,但是通过分段陈述的结构,能反映出影片总的艺术结构。
六、增加立体感。人类习惯于从视觉和听觉两方面感受客观事物。结合音乐的听觉形像,音乐旋律的起伏,和声、对位的织体,色彩丰富的配器等等,能更有效地表现听觉形像的立体感。音画结合可形成“四维时空”的运动着的立体感。
音乐在电影中的作用
电影音乐的功能可分为三大类:
一、物理功能
1、地点设定
2、时间设定:如歌曲具有浓厚的时代特征 电影歌曲能够体现某一时代占主导地位的审美需要和审美理想。由于每一时代的社会经济形态不同,意识形态各异,作为上层建筑的音乐艺术也相应的具有该时代的特征。作曲者在电影音乐创作中,往往根据影片内容的需要,运用时代的代表性音调,常用的音乐语言以及表现手法等因素进行创作,赋予影片强烈的时代特征,借以增强影片的真实感和艺术魅力。如《林则徐》该影片以鸦片战争为背景,塑造了爱国将领林则徐在广大人民的支持下,救国救民,抵御外侮的英雄形象。电影音乐在艺术结构上与交响乐的布局相接近,音乐主题采用主导动机形式,吸取我国传统特色的调式,创作了中国人民的战斗主题和林则徐的主题。林则徐的音乐主题的核心音调,与他微服私访、体察民情时听到盲妹街头卖唱的凄婉音调相联系,并转化为坚贞不屈的性格。在曲式结构上,继承了传统音乐中的曲牌体和板腔体;也借鉴了西洋交响乐戏剧性的表现手法,两者结合,使音乐主题在矛盾冲突的过程中充分展开,表现了时代特征。
3、塑造人物形象,加强动作:表现英雄主义与民主主义的香港90年代影片《黄飞鸿》中的《男儿当自强》,节奏快、变奏快、乐器多样,那种傲气傲笑万重浪,热血热胜红日光,胆是铁打骨如金刚,胸襟百千丈眼光万里长,誓奋发自强做好汉的英雄主义精神被铿锵有力的歌唱张扬的淋漓尽致,也表现出主人公的武功动作疾速,强劲。
4、米老鼠化(音画结合的配乐手法)
二、心理功能
1、铺设氛围:吸引观众的注意力,激发观众的联想。悬疑片中经常用恐怖的音效来吸引观众的注意,激发他们的想象。它能为影片创造一种特定的背景气氛,用以深化视觉效果;在电影《禁闭岛》中,从电影的一开始,就配以低沉的管弦乐,使心中紧张和不安,随着主人公和搭档来到了禁闭岛上并且不断接近岛上的精神病院,管弦乐变得越发低沉、洪亮和紧凑,让人的心情更加紧张,同时也从开头就烘托出这部影片的悬疑气氛。
2、揭示人物情绪
在电影《泰坦尼克号》中,在泰坦尼克号遇难后,当男女主公在海上漂浮着时,此时几乎没有背景音乐,只有远处其他人的呼唤和叫喊声,正是背景音乐的空白,表现出男女主人公疲惫不堪,同时在大难之中,对于自己命运的未知和茫然。当女主人公发现救援船想要唤醒其实已经冻死的男主人公时,背景音乐响起了影片的主题曲,悠扬的旋律很有感染力,表现出女主人公内心的悲伤之情。内心不再矛盾,同时也表达了邪恶力量被打败,正义最终取得了胜利。
3、暗示线索
4、抒情功能、推动剧情发展:音乐的抒情是音乐最具感染力的功能。在看到影视作品中的亲人、恋人、朋友久别重逢时响起的一段段煽情音乐。这时的音乐不但展现了抒情功能还把故事情节推向高潮。
5、表达主观态度:它概括影片的主题思想、表达作者对影片内容、人物、事件的主观态度
6、揭示主题思想,奠定影片风格、创造意境:电影音乐所具有的揭示影片主题思想、奠定影片风格、创造意境的功能。欢乐、喜悦的画面,便伴以欢乐、喜悦的旋律;悲伤、忧郁的画面,便伴以悲伤、忧郁的乐曲。影片《辛得勒的名单》反复出现的忧伤的曲调揭示了当时社会的恐怖气氛,以及主人公竭尽自己所能去救助犹太人但却阻止不了每天都有犹太人被残忍的杀害的事实。
三、结构功能
1、组接场景
加强影片艺术结构的连贯性和完整性,用它衔接前后两场或更多场戏,组接同一时间不同事件的若干组画面的交替、同一事件的若干个不同侧面的各组镜头的交替,电影时间空间的跳跃、交错等。而电影音乐在情感的表达和推动剧情发展上又有着得天独厚的优势,当语言不能到达时,音乐就出现了
2、对影片主题的强调作用 电影歌曲是对电影作品的一种高度概括。歌曲用以表达影片主题思想,概括影片基本情绪或刻画主人公性格地道战!(故事片)傅庚辰曲。影片描写抗战时期八路军与游击队同心同德,在华北平原开展地道战,消灭入侵之敌的故事。围绕剧情,采用奏鸣曲形式,通过音乐表现影片的各个场面,使音画有机地结合。
3、主题贯串全片
当我们讨论场景与场景,事件与事件,镜头与镜头之间所产生的对比,对观众造成视觉上,情感上的震撼时,我们发现音乐在其中起到了相当大的推动作用。
4、推动发展:音乐是推动剧情发展的重要元素 在电影中,有的歌曲至今参与到影片的情节中去,成 为推动剧情发展的一个重要元素。如《冰山上的来客》插曲《花儿为什么这样红》
电影音乐的使用:
一、音乐构思须根据电影的题材内容、风格样式、人物性格及导演的艺术总体构思,使音乐的听觉形像与画面的视觉形像相融合,体现综合性的美学原则。除神话片、童话片科学幻想片以及现代的实验性的电影以外,电影中的人物造型、表情、动作、语言、环境气氛等,大都是接近现实生活的自然形态。因而,电影音乐也不象一般供音乐会上演出的纯器乐曲和舞台演出的歌剧音乐、舞剧音乐那么夸张和程式化。
二、音乐常常与对话、自然音响效果相结合。在无声电影时期,有时音乐是唯一的声音,从头至尾贯串全片。由于录音技术的进步,进入有声电影时期,除音乐之外,还可以录制语言和自然音响效果,解脱了在无声电影时期音乐超负荷的现象。导演和作曲家从电影的真正需要出发,只有在表现抒情性、戏剧性气氛的时候才恰当地、有效地使用音乐。这样,既符合音乐的艺术规律,又提高了电影综合艺术的美学功能。这使音乐真正地发展成为电影综合艺术的重要的有机组成部分,对电影音乐形成分段陈述的结构,也有促进作用。
电影是艺术,眼睛和耳朵两个器官是在第一时间接收信息的人们坐在电影院里看电影的一大原因,就是想听声音刺激。电影能从无声发展到有声,这也正是人们对动效和声音的需求,其次,电影具备多种节奏功能,比如主观节奏、客观节奏、导演心理节奏和观众心理节奏等等。只有音乐这种形式和电影在节奏上是非常统一的,其它艺术形式就略差一些。音乐可以通过不同的音乐节奏和音乐语言,来表达这些节奏,迎合故事不同的风格、不同的场景。从某种程度上说,音乐对电影的作用是任何形式都不能替代的。”王黎光曾对他的研究生们做过一个实验,为他们放映《加勒比海盗》的同时,将国际声道的声音频道全部关掉,结果不出20分钟,有人就看不下去了。欣赏一部电影时,除了唯美的画面,精彩的故事情节会给我们留下深刻的印象外,就是音乐了。一部好的影片往往有一段或者多段优美的音乐。或许就是有了这些音乐,有些电影才被历史留住。若干年后,每当那熟悉的旋律响起,思绪就会把我们带回那段特定的画面中去。大概这就是电影中的音乐。
参考文献
[1] 查德· 戴维斯著:《电影音乐创作完全指南》,人民邮电出版社出版社2014年版 [2] 熊九智《浅谈音乐对电影的作业》http://wenku.baidu.com/view/479e7398daef5ef7ba0d3c7d.html?re=view [3] 赵秀彦《谈电影音乐对影片产生的重要影响》2011年14期