学习美术史感想

第一篇：学习美术史感想

學習美術史感想

沉思往事立殘陽

——從學習中國美術史說開去

誰念西風獨自涼，蕭蕭黃葉閉疏窗，沉思往事立殘陽。被酒莫驚春睡重，賭書消得潑茶香，當時只道是尋常。

——《納蘭詞·浣溪沙》

第一次接觸美術史課程是在高中的時候，那時的老師，講的課，即使是現在回想覺得十分好，我腦海里對美術對年代對事蹟的認知都來自于她。這個學期有再次接觸到這門課程，讓我的回憶連連，一種茶香縷縷的感覺，是我從她身上見到“美術史”三個字最真切的感受。

中國美術史是開篇之課。

中國美術史相對外國美術史來說，仿佛現在的藝術生對外國的更為瞭解，可以說這是一種悲哀。有些人認為：藝術史是以前的事情，都已經過去了，我們現在要的是開拓創新，特別是中國藝術，古老的東西都已經失去光彩，我們更應該注重當下；有些人則認為老是借鑒古時候的文化是一種可恥的事情，都這麼多年了，還在靠著老祖宗吃飯，很丟臉；在我看來這些都是幼稚的看法。學習中國美術史，美術史都是如此，並不是爲了僅僅知道美術作品圖像風格演變的發展；漢代的雕塑什麽樣？唐代的壁畫有事什麽樣？宋元的水墨什麼樣？是爲了瞭解歷史，瞭解成長過程。就好像瞭解一位成功人士的成長過程，通過瞭解他的成長環境，周圍的老師朋友對他的影響，從而研究他的成功，學習他的優勢并借鑒他的曲折之路。

中國美術史與其他各國的美術史有着明顯的不同，中國是四大文明古國之一，並且是唯一一個歷史不曾間斷的文明古國。《中國美術史》的學習讓我的眼界更加開闊，受益匪淺。

月圓月缺，潮起潮落，滄海桑田，白駒過隙，逝者如斯，中華五千年悠悠歷史，悠悠文化，留下了許許多多的令人為之傾倒的神秘故事和傳奇歷史。這是我們的驕傲，我們為此自豪，更應該有更繼往開來的氣魄，去感悟傳統，去繼承文明，去推陳出新。有如此好基礎的我們卻在現今經歷着一次文化風暴。“小悅悅”事件，“扶不扶老婆婆”的問題，故宮失竊事件……這一系列事件正如警鐘一般在中國的上空響起。這種最簡單的道德問題卻是現在擁有如此深厚文化的中國的最大難題。中國的經濟史發展了，可人的素質可以說是華夏五年前年最低點，而這個也不是一朝一夕可以改變的，這真的是個道德淪喪的社會嗎？我們都相信不是如此的。

中國的文化需要繼承者。每一件在歷史上看似小小的事情，其實都是中國文化的博大精深。作為中國人是件很幸運的事情，文字上的連貫性使我們有機會讀懂古人的文字從而瞭解他們的思想，在我們學校西方技術文化的時候可以相互結合。現在中國人的文化大多是快餐式的文化，那些所謂的大師也是臉譜式的。我們拆除了北京的城牆，拆除了明清建築，我們砸碎了精美的文物，用轟轟作響的機器碾過幾千年的文明，代替的是全國大同小異的建築，稱之為現代城市，臉上的表情卻是麻木的，是什麽在侵蝕我們的靈魂？

我們是中國文化的繼承者也是中華文化的批判者。以前首先是繼承者，其次才是批判者，現在先是批判者才是繼承者。西方的歷史是一部改惡從善的歷史，中國歷史這是一部改善從惡的歷史。古代西方什麽都禁，就是不禁人的本能。如今，中國什麽都不禁，獨獨禁本能。西方人敢於展示自己，既敢於展示思想有敢於展示裸體，中國就知道穿衣，給思想穿衣服。西方鞭笞自己的黑暗所以得到了光明，思想一直在馳騁，我們歌頌自己的光明，結果帶來的是黑暗，彷徨，懵懂，無知和冷漠。

今紅燈擱淺，昨食髓知味，看紅樓夢醒，寫盡人笑癡

亂哄哄他人唱罷我登場，秋盡東去天又春

到今生，卻是今生，可奈今生？

第二篇：学习外国美术史的感想

学习外国美术史的感想

人的一生很短暂，没有足够的时间去学习与品读所有的书籍，但是，人生的成功有需要足够的知识为积淀，无数的成功人士的经验告诉我们，不管你是从事什么职业的，想要收获更多的果实，就必须有所付出。

作为一个对美术有这独特情感的我来说，让我去了解、学习世界美术史发展的历程以及他给我们所带来的宝贵财富与启迪，是一种莫大的快乐与幸福。美术是世界艺术殿堂中影响广泛，备受人们青睐的一门艺术，它在人类历史发展的过程中，起着至关重要的作用。

在学习了外国美术史之后，使我对世界上其他国家的美术史的发展有了一个初步的了解，我不得不惊叹人类的文明真的太神奇了，太让我所震撼了。我觉得学习外国美术史的过程是一种看到美，得到美的享受的过程；并且也在不断的提高自己的知识面。

人们最早的绘画作品出现在法国和西班牙洞窟中勾勒 伟大的艺术品不仅仅是美学欣赏，也是人类技艺和聪明才智的结晶。它帮助我们开拓和理解我们人类自身的天性，美术术史是人类发展的最基本的一部分。

外国美术史包罗广泛，包括绘画、壁画、雕刻、装饰、建筑等。通过对外美史的学习，让我知道了它的发展过程，发展规律；不同流派的形成，历史变化和特色特点；各个历史时期西方美术的风格演变及深层的文化，历史，人文，美术产生根源。让我更加深刻的了解到了外国美术的宽广宏伟。我不仅要了解每个不同时代的美术，同时也要注意每个时代的文学，了解这个时代的风土人情，历史政治，科学成就。因为美术的发展和历史的发展紧密联系着。这样的学习就使美术知识变的立体而丰满，从而更高视野和整体的把握了每个不同时代的美术。不仅提高了我对外美史的认识和理解，运用，还和其他专业科目融会贯通，增强了我的整体艺术素质。这也让我深刻的感受到了，真正好的艺术不一定是模仿得最像的，而是要有自己的个性、自己的思想、自己的理解。比如拉斐尔和米开朗绮罗，这也许可以称之为画面的主题吧。给我印象很深的就是米勒的《拾穗者》，他的画面很朴实，画面的内容也很普通，既不是达官贵人也不是风景名胜，这让我知道好的绘画不是靠多么显贵的内容提升自己的价值，那是什么让我喜欢上这幅画呢？是情感，真真切切的情感，打动了我的心灵，在某一刻，我和画家有了跨时代跨地域的心灵交流。所以我武断地认为艺术是真情实感。蒙克的画让人觉得很难受，他的《呐喊》还有他对他情人的爱都是那么得强烈，以至于他的情人承受不了而自杀。这一幅幅生动而又让人们难以琢磨透其寓意的画，让我越来越对其充满了无限的热爱与想象。这些只是我对画面中个别作者的情感的大概的描述，只是我举得一些例子而已。

通过对这门课的学习，让我深刻的感受到了艺术的伟大，我不知道是否每个行业都可以称为艺术，但我希望是这样。如果艺术源自需要，源自表达，如果艺术就是一种美，那么我希望这个美的定义可以更广一点，再广一点。除了比例形式色彩之外，还有智慧金钱效率。。当你去追求他们时你会发现这里面有着和绘画一样的艺术性。你同样需要从大自然和人类中学习，同样要真情实感，同样要学会换个角度想问题，同样需要找到你正在做的事的语言，创造性地将他们打散，然后组织成一个你认为有利于那件事的草图，最后将他们实施。在生活中即使每个人都知道这一点，但最终完成艺术的人还是少数。因为急于求成的人做不好艺术，焦躁不安的人做不好艺术，自卑自傲的人做不好艺术。在我看来，艺术史的某些方面也是可以与文学史相比拟的。两者都有延续性和变化，而发展却不同。在文学和艺术上不断出现杰作，这些杰作超越了各种限止，脱离了作者的创作意图，有时甚至与其目的是相矛盾的。不管怎样，艺术史完全依靠现存的物质对象，甚至依靠当代机械制作的作品。诚然，艺术史比文学史的时间长得多。很多年来，我们只有通过视觉艺术作品了解到人类的各种欲望和追求。

然而，在我感叹外国的美术发展所取得的伟大的成就时，并不代表我就对我们国家的美术史有所歧视。每个国家不管在哪个方面，都有其最辉煌的成就，我们国家也不例外外国美术史的研究无疑可以为我们学习绘画专业的学生做些有益的事情，让我们深入了解世界各国的精美艺术，陶冶情操，完善人格,从世界不同区域的美术风格形成和发展中得到启发。在研究学习过程中，我们也能感受到审美的乐趣，知识的充实。学习之后我们可以把中国美术史和外国美术史共同比较，二者互补，二者互利，相得益彰。使我在美术学习上有更大的知识量和创作空间。

。西方艺术有其典雅高贵之处，我们国家也有我们使之在艺术方面所独有自豪的成就。在学习了外国美术史之后，使我更能发现许多中西美术史之间的异同。

总之，对外国美术史的学习使我的知识面更加开阔，对整个世界的美术史的发展有了一个全面系统的了解，然而，仅凭我对外国美术史的这点了解是远远不够的，对于我来说，这只是个开始，想要了解更多的，更全面的关于西方艺术方面的知识，了解世界美术史方面的更多的知识，就必须更加努力的学习好关于专业方面的知识，这是最基础的，也是最重要的。对于我来说，我的生活和我的学习无不和艺术有关这也需要我用一辈子的时间你去体会，去探索其中的奥秘。与此同时，我不得不惊叹，人类的文明真的太神气了。

它帮助我们开拓和理解我们人类自身的天性，艺术史是人类发展的最基本的一部分。

外国美术史

姓名：王娅静

班级：

学号： 时间：

级美教国画2班年6月20

2010 201053020128 2012

第三篇：学习家具史感想

学习家具史感想

在这个学期，我们学习了家具史这门课程，了解到家具的由古代至今所走的道路。认识到家具的分类，风格等等。让我们了解到家具更深的层次。家具既是物质产品，又是艺术创作，这便是人们常说的家具二重特点。家具的类型、数量、功能、形式、风格和制作水平以及当时的占有情况，还反映了一个国家与地区在某一历史时期的社会生活方式，社会物质文明的水平以及历史文化特征。家具是某一国家或地域在某一历史时期社会生产力发展水平的标志，是某种生活方式的缩影，是某种文化形态的显现，因而家具凝聚了丰富而深刻的社会性。

这是上了家具史这门课加上平时的了解所认识到的。家具是由材料、结构、外观形式和功能四种因素组成，其中功能是先导，是推动家具发展的动力；结构是主干，是实现功能的基础。这四种因素互相联系，又互相制约。家具首先作为一种物质产品，首先具有的一个特点体现在功能性上。这是它作为家具发展的动力的原因。我们所修的是材料方向，所以平时关注的更多是家具材料方向上的信息。

材料是构成家具的物质基础，在家具的发展史上，从用于家具的材料上可以反映出当时的生产力发展水平。除了常用的木材、金属、塑料外，还有藤、竹、玻璃、橡胶、织物、装饰板、皮革、海绵等。然而，并非任何材料都可以应用于家具生产中，家具材料的应用也有一定的选择性，其中主要应考虑到下列因素。（1）加工工艺性。材料的加工工艺性直接影响到家具的生产。对于木质材料，在加工过程中，要考虑到其受水分的影响而产生的缩胀、各向异裂变性及多孔性等。塑料材料要考虑到其延展性、热塑变形等。玻璃材料要考虑到其热脆性、硬度等。

（2）质地和外观质量。材料的质地和肌理决定了产品的外观质量的特殊感受。木材属于天然材料，纹理自然、美观，形象逼真，手感好，且易于加工、着色，是生产家具的上等材料。塑料及其合成材料具有模拟各种天然材料质地的特点，并且具有良好的着色性能，但其易于老化，易受热变形，用此生产家具，其使用寿命和使用范围受到限制。（3）经济性。家具材料的经济性包括材料的价格、材料的加工劳动消耗、材料的利用率及材料来源的丰富性。木材虽具有天然的纹理等优点，但随着需求量的增加，木材蓄积量不断减少，资源日趋匮乏，与木材材质相近的、经济美观的材料将广泛地用于家具的生产中。（4）强度。强度方面要考虑其握着力和抗劈性能及弹性模量。（5）表面装饰性能。一般情况下，表面装饰性能是指对其进行涂饰、胶贴、雕刻、着色、烫、烙等装饰的可行性。

材料，不仅是家具制造的物质基础，也是家具分类的一大依据。根据材料对家具做分类，有实木家具、板式家具、软体家具、藤编家具、竹编家具、钢木家具和其他人造材材料制成的家具等等。我喜爱实木家具，更喜爱红木家具。红木家具十分名贵，因为本身家具的材料－红木，就极具价值。在学习了家具史后我认识到，如果判断一件家具的价值，只停留在材料方面，那根本就是不懂家具。最后，引用研究中国传统家具的前辈田家青先生的一段话。田先生认为：家具是否有价值，有5个评判标准：

第一，家具能否承载人的思想，能够自成一派，尤其是体现的创新思想，在历史上代表着一个风格，这是最重要的。

第二，家具是否能成为艺术品，家具可以是实用品、工艺品，如果要能做成艺术品、富有艺术价值，比例关系符合审美等等，就达到第二个要求（艺术品）。

第三，结构是否完美，是否科学，这个大家往往都不够重视，因为结构在里面，看不见。中国（传统）家具不靠胶不靠钉子，该点胶就点一点，靠的就是科学的榫卯。

第四，工艺是否精湛。

第五，木材。只有前面都做好了，木材珍贵与否才真正有意义，好的木材比次的木材可能价值好一点，（但）如果前头有一项没做好，后面用多好的木材只是浪费，而且一旦做坏了，因为家具有榫卯，再珍贵的木材拆下来，基本上都变成小料了，再也不能改回去了，所以一定要把这个概念弄清楚，木材的升值，并不决定做成家具的价值必然随之升值，它（家具）有很多前提的条件，你要想升值，干脆买木材，而不要做家具，但是你要能做成好的家具，它会价值连城，它会在历史上站得住的。

通过学习家具史，我学会了用更透彻的眼睛去看待家具！

０７木工一班

第四篇：学习美术史心得

学习中国美术史的心得

学习《中国美术史》之前，我会有疑问，例如学习中国美术史会不会很枯燥等等问题，但当我真正接触它之后发现, 美术史不枯燥.了解历史上不同时期不同地域美术, 各种文化的特点,文化背景，是很有乐趣的。学完中国美术史我们便会了解为什么某一艺术会出现在特定的时期,而且又有自己的独特风格.一切的发生都是有原因的。

美术包含着人类的智慧和创造，作为一名美术教师很有必要提高自己在这方面的修养。这不仅是个人素养的需要，也是从事其他科学研究的源泉。经过一个假期的学习，自己有所收获，在这里谈谈自己的体会。

学习美术史必然有一个主线，那就是按照历史的走向来学，中国美术史每个朝代的主要成就不同。我们所学习的教材上开端于史前美术及先秦美术，然后经过秦、汉美术，魏、晋、南北朝美术，隋、唐、五代美术，宋、元美术，最后到离我们最近的明、清美术。

首先是史前美术与先秦美术，这一时期的艺术成就包括原始陶器、原始雕塑、原始绘画、先秦书法等。幻灯片展示的美术品是从旧石器时代开始，原始人类留存下来的洞窟壁画、岩壁浮雕和各种小雕像，这些作品谱写了人类最早的美术篇章。虽然这些壁画和雕塑看起来简单朴素，但是生动的展现了当时人类的生活状态，对美的理念，给我很深的震撼。使我不得不被我们祖先的想想能力与创造能力所折服。先秦美术时期最有价值的应该是青铜器。青铜器的风格演变应分为四个阶段：育成期（公元前17－前14世纪商代前的时期）、兴盛期（商后期至西周前期，公元前14－前10世纪）、转变期（西周晚期至春秋时期，公元前10世纪－前476年）、更新期（春秋晚期至战国时期，公元前475－前221年）。

1、育成期：造型准确、器壁匀薄、纹样多为无底纹的单层花纹，以动物纹和几何纹为其特征，但还见其粗糙。

2、兴盛期：青铜器质地优良，形体厚重精致，种类繁多。青铜器的花纹多由底纹加凸起的纹饰图形两层组成，有的在凸起的纹饰上加饰细纹而成三层，花纹在此时表现繁多细密，往往遍布器物全身，构图节奏感很强，富于变化，其纹饰内容主要是动物和几何纹，动物有写实和抽象的。

3、转变期：纹饰失去往日威严雄奇的气势，兽面纹、夔龙纹、凤鸟纹降为次要地位，代之以窃曲纹、波浪纹、重环纹、鳞纹、回纹等新纹饰，宗教神秘气息减退，朴实舒畅的风格产生。青铜器由祭祀礼器向生活装饰器具转变。

4、更新期：青铜器精巧玲珑，标新立异，造型及纹饰趋于装饰性，风格生动活泼，与商周时的静穆、严峻风格形成鲜明对比。从春秋晚期开始，青铜纹饰由质朴简单又变为富丽繁密，花纹以蟠虺纹为主，器物铸造主要面向生活实用。

随着历史的前进我们到达秦、汉美术时期。这一时期的美术，不论是雕塑、建筑，还是工艺、绘画，都有着一种大气磅礴的艺术魅力，而这种美感是只有在这样的封建社会统一初期的伟大时代下才会产生的。尤其是气势恢宏的秦始皇兵马俑，秦兵马俑和真人真马相仿，塑造生动写实，且富有变化。秦兵马俑阵容规模庞大，体现出强大的视觉冲击力。还有汉代霍去病墓石雕，墓前石刻群雕是浑厚质朴、深沉雄大的汉代艺术风格的典型代表。雕刻作品顺应材质的天然状态，循石造型，在保留巨石轮廓基础上稍加勾勒。运用中国独具的“大写意”雕塑方法，着力于“神似”。

接着是魏晋南北朝传承和发扬了汉代绘画艺术，呈现出丰富多彩的面貌。出现了专业画家，绘画创造呈现出繁荣的景象，一是人才辈出。这一时期的绘画以长卷为主，传世之作有《女史箴图》、《洛神赋图》等。在美术理论方面，流传至今的有顾恺之对于绘画的评论和谢赫的《古画品录》等。代表人物还有陆探微：谢赫在《画品》中将其评为第一品第一人。陆探微创造了“秀骨清像”的绘画形象，对六朝士人形象做了生动概括。张僧繇：是萧梁时期画家，是最受梁武帝器重的佛画家，其创造的形象，被称为“张家样”。

随后到达隋、唐、五代美术时期。隋唐时期统一的局面下，使南北朝时期各方面的文化积累得到进一步的融合，出现了中国古代文化发展的最灿烂的时期。唐朝是中国封建社会的鼎盛时期，长安就是当时世界著名的繁华大都市，在与东、西方各国的经济文化交流中显示出了海纳百川的气度景象。这也直接影响到了文学艺术的精神气象。文学艺术出现了前所未有的昌盛局面，诗歌、绘画、书法、雕塑、建筑、音乐、舞蹈……处处都体现出了盛世华彩的时代风貌。在思想领域，佛教的贡献最大，同时儒、道、佛进一步融合，出现了一些带有中国民间智慧的佛学流派，佛教艺术也因此带有世俗化倾向。总之，赞美现实生活是这个时代的艺术主流。绘画，在这一时期的美术中，占有主导地位。中国传统绘画中的各个门类，在这个时期都以独立的姿态屹立于画坛，表现技法也日趋成熟和完备。这是一个集前代之大成，开未来之风貌的时代。这一时期的代表人物有初唐的大画家阎立本，他的代表作有《步辇图》（北京故宫博物院藏）、《历代帝王图》（美国波士顿美术馆藏）等。还有“画圣”吴道子，他的代表作有《送子天王图》（日本大阪市立美术馆藏）等。

紧接着是宋、元美术。在五代两宋长达372年的历史中，绘画艺术呈现出新的气象和面貌，五代是转折过渡期，宋代则是中国绘画艺术的另一座高峰。这一时期由于继承了唐五代的风气，世俗的美术脱离了宗教的羁绊，而得到了独立的发展。绘画的卷轴形式在宋代大大的盛行起来。宋代花鸟画空前繁荣，首先是工笔花鸟由于皇室和贵族的提倡得到发展，许多画家专务此道，仅见于文献记载的花鸟画家就达100余人。北宋黄居寀、赵昌、易元吉、崔白、吴元瑜、马贲，南宋李安忠、林椿、李迪、毛松、毛益皆各有造诣。宋代的工艺美术，正如当时的各种手工业一样，在技术上和艺术上普遍有所提高。而特别有突出成就的是陶瓷艺术。宋元陶瓷的产地遍布各地，宋元陶瓷的优雅风格是世界工艺史上杰出的典型。

最后是明、清美术。明清时期是中国封建社会的转折点，具体体现在以下几个方面：国力由强大向衰弱转变；经济由发展向衰落转变；科学由先进向落后转变。在这种特殊的历史文化背景下，美术领域的状况也相当复杂，既有陈腐落后保守的一面，也有勃勃兴旺力求革新的一面，发展极不平衡。明清时期，美术的其它门类也有新的发展。明代工艺方面的突出成就，一是景德镇的瓷器，二是毛织工艺和“顾绣”，三是明式家具。清代工艺，一是陶瓷，二是纺织业，特别是南京的“云锦”，刺绣中的“四大名绣”（苏绣、广绣、蜀绣、湘绣），三是漆器，其它像珐琅制品、金银器、木雕、玉雕等工艺，都有一定成就。明清时期的建筑成就主要体现在都城建设、园林等建筑艺术中，在世界建筑史上具有重要的典范意义。

通过中国美术史的学习，在欣赏了许多优秀作品的同时提高了自身的鉴赏能力。虽然只有短短的学习时间，但是带我踏入了艺术鉴赏的大门，拓宽了我的视野，使我对于美有了更深的理解，不再是肤浅的人云亦云。学习中国美术史的时候能深刻的感受到中国文化的精深与宏伟。不论是被后人称道的汉唐鼎盛还是所谓萧条淫糜的两晋两宋，画坛的人才辈出，让我们意识到其实中华文明只是比较内敛含蓄，而他的伟大绝不亚于所谓的文艺复兴的璀璨光华，他的气魄绝对是全人类最宝贵的真典。

黑池镇中学

孙英利

第五篇：对外国美术史的感想

西北师范大学

（对外国美术史的感想）

姓名：文军

班级：10级美教油画（1）班

学号：201053020245

时间：2012/7/1

对外国美术史的感想

在我个人看来《外国美术史》这本书的内容还是很具有理论性的，它包含的内容也非常的广，既介绍到在各个不同时期的不同地方的一些具有代表性的艺术形态特征，又说到不同时期里的一些不同画派和具有代表性的画家。还有人类早期文明和各时期不同的建筑特点的介绍等等的具有价值性的内容，使我真的很受益匪浅。

而在这些内容中，让我最感兴趣的还是各个不同时期的一些建筑及不同时期的雕塑作品。

例如：课本中所讲到的埃及的金字塔，它是古王国法老的陵墓。金字塔具有庞大的体积和重量，给人以精神上的压力。金字塔外观匀称、稳定，呈角锥型。它象征了法老的威严和地位，说明了埃及人顽强的意志力，也是埃及人民智慧的结晶。

还有希腊的建筑主要是神庙。古风时期，希腊神庙建筑形成了它的典型形式——围柱式，即建筑周围用柱廊环绕。这时两种基本的建筑柱式已经形成：多利亚式和伊奥尼亚式。古典时期雅典卫城建筑群。其主要建筑是献给雅典娜女神的巴底农神庙。

拜占庭建筑的特点是屋顶造型，使用“穹窿顶”；个特征是整体造型中心突出；个特点是穹顶支承，集中式建筑形制；个特点是色彩的使用上，既注意变化，又注意统一。

罗马式建筑则以十字形为罗马式的主要代表形式；教堂墙壁加厚，窗户小，距地面较高；教堂纵横两厅交叉处配有碉堡式的塔楼；整个外形像城堡，坚固、沉重、显示当时封建宗教的权威。

哥特式建筑不是城堡式，尖角拱门、肋形拱顶和飞拱，所有的门窗券顶都设计成尖拱状；钟塔和教堂轻巧、垂直的形体一样，高耸云霄；以高、直、尖和具有强烈的向上动势为特征的造型风格，是教会独特的宗教思想的体现。

而在雕塑方面，课本里也讲到了许多。

例如：古埃及雕刻程式姿势必须保持直立，双臂紧靠躯体，正面直对观众；根据人物地位的尊卑军定比例的大小；人物这种刻画头部，其部位非常简略；面部轮廓写实，又有理想化修饰，表情庄严，感情表现很少；雕像着色，眼睛描黑，有的眼睛用水晶、石英等材料镶嵌，以达到逼真的效果。古埃及浮雕正面律，表现人物头部为正侧面，眼为正面，肩为正面，腰部以下为正侧面；横带状排列结构，用水平线划分画面；根据人物尊卑安排比例大小和构图位置。

埃及人借浮雕壁画宣扬法老的文治武功，苏美尔人靠浮雕艺术对国王歌功颂德，而亚述人则不同。亚述浮雕采用一系列详实的画面表现战事情境，融历史记录、歌功颂德和审美装饰为一体，达到了历史性、政治性和艺术性三者的高度统一。此外，为了显示统治者的地位与神权，亚述艺术家沿袭古美索不达米亚之法，发挥原始审美思维的象征性和意象性特征，大胆地以形象的“结构”组合来显示其创造精神。象征、比喻或用多种强大事物形象的重新组合直观再现了亚述艺术中的君王之尊。

还有就是亚述雕塑的艺术之源这一内容中提到的“亚述之于苏美尔如同罗马之于希腊”，亚述文明取自两河流域的南方成就，却又赋予个性诠释，自成一格。此外，随着北方阿卡德王国的崛起，两河流域的艺术风格从古拙质朴逐渐转向写实主义，这一转变对后来的亚述艺术包括雕塑艺术产生了深远的影响。而同样偏于写实的巴比伦艺术则更趋精准真实，写实与演绎的和谐交融成为巴比伦艺术的特色之一。亚述艺术在借鉴巴比伦艺术特色的基础上，淡化了粗犷简明的特质，强调细腻典雅之韵，有所突破。此外，古埃及艺术在造型语言与构成形式等方面为亚述雕塑艺术提供了诸多启示。

亚述雕塑艺术是对苏美尔－阿卡德－巴比伦艺术的直接继承，依然留存着美索不达米亚原始时期萌生的质朴的艺术理念。其中，原始思维中的完整性特征在亚述雕塑艺术中尤为突出。萨尔贡二世宫的双翼守护神兽的五条腿足确保观者无论从何角度观察，都能够领略神兽真实完整的形体。此外，亚述浮雕刻画的人物造型完整，对双手、双腿的处理都是按照无遮挡原则进行。亚述雕塑艺术追求细微写实的风格特征正是与这种朴素的完整性审美思维一脉相承。亚述雕塑艺术因力求精准的刻画，纤微毕露的描摹，匀称合理的构图而使人物、景致和植物等刻画对象具有威严的仪态，达到一种堂皇伟丽的效果。

光阴似箭，岁月如梭。时间过得真快，转眼间，带着不安的心，和同学来到了学校，随着报名注册一系列的琐碎的事结束后，开始正式上课咯！

说实话，在没上《外国美术史》这门课前我对它真的是一点兴趣都没有但是不知怎么搞的，听了你上的第一堂课后，我鬼使神差的喜欢上了这门课程，确切的说是喜欢上了你上课的那种风趣幽默而不离主题的方式。上你的课一点压力或负担都没有，感觉很轻松愉快，一点都不拘束，我们学生的一样可以发表自己的言论，老师，我在我们学校上课时也是喜欢让学生自由发表自己的意见和看法，感觉这样的课堂才有师生互动气氛活跃的感觉。

今年开课我接触了一门新的课程——《外国美术史》，从开课起，老师就带我们走进了西方美术的世界。先是原始美术，从旧石器时代开始，原始人类留存下来的洞窟壁画、岩壁浮雕和各种小雕像，这些作品谱写了人类最早的美术篇章。虽然这些壁画和雕塑看起来简单朴素，但是生动的展现了当时人类的生活状态，对美的理念，给我很深的震撼。还有洞窟里的牛，马以及奇异的斑点，原来有那么复杂的意义。再比如那夸张至极的维纳斯远古石雕，远比现在当代的一些夸张艺术更震撼人心！随着历史的前进，我们学到了古埃及文明。

提起埃及，人们首先想起的是金字塔。金字塔是古埃及卓越的建筑艺术，它是法老王们的陵墓。对于金子塔的美丽和雄伟我不多说，在课上学到的最令我印象深刻的是埃及的雕刻、绘画艺术。从那些作品我们可以看到，埃及人的灿烂文化以及他们对“秩序”的狂热追求，绘画的比例，外形都奇异的保持一致，宏伟的雕像现在虽然有好多残缺，但仍能感受到那埃及的辉煌文明！超凡入圣的艺术，古希腊与古罗马。罗马人在相当长的时间里直接根据面具制作肖像雕塑。后来古罗马肖像雕塑的美学追求在于求真美，这同古希腊的宁静、理想化的完美迥然不同，这种特征趋向于个人意志的创造，表现出敢于参与世事争胜的气概。它是希腊文化的继承者和发扬者，伟大的罗马，璀璨的希腊！充满神话的希腊，雅典卫城，巴特农神庙，这些美丽的地方都给我们不一样的视觉享受。虽然没有在幻灯上看到十几米高的雅典娜塑像，但是可以想象那是怎样的宏伟美丽。充满了神圣，梦幻般的感觉！这些都给我从新认识了希腊的文化，对希腊的建筑也有了一些了解。

最后另我印象深刻的就是文艺复兴时期的两大天才——达芬奇与米开朗基罗，他们的生平种种，让我们了解了天才成功的不易与艰辛。时代造就了他们，他们也成就了时代！他们值得我们现在每一个学生去学习，为之理想而奋斗，因为他们告诉我们，艺术是门伟大的科学！终求一生，值得为之奉献，为之探索！通过外国美术的学习，在欣赏了许多优秀作品的同时提高了自身的鉴赏能力。原来对于名画，只知道人云亦云，现在看到一幅画，可以基本的分析它的布局，光线射入的方向，为了烘托出某种意境的表现手法等。虽然只有短短的学习时间，但是这次课带我踏入了艺术鉴赏的大门，拓宽了我的视野，使我对于美有了更深的理解。通过对西方美术史的学习，我明白了一些问题。首先是艺术究竟为了什么？ 艺术的性质，古来说者不一，亚理士多德说“艺术是模仿自然”，这话现在已不能完全成立。尽管艺术需用自然的材料借以表现，或者取自然的现象做象征，取自然的形体做描写的对象，但他决不是一味的模仿自然。有人说艺术就是“人类的一种创造技能，创造出一种具体的客观的感觉中的对象，这个对象能引起我们精神界的快乐，并且有悠久的价值”。这是就客观方面言。若就主观方面，艺术就是艺术家理想情感的具体化，客观化，即所谓自己表现。所以艺术的目的并不是在实用，乃是在纯洁的精神的快乐，艺术的起源并不是理性知识的构造，乃是一个民族精神或一个天才底自然冲动的创作。他处处表现民族性或个性。

艺术创造的能力乃是根于天成，虽能受理性学识的指导与扩充，但不是专由学术所能造成或完满的。

艺术的源泉是一种极强烈深浓的，不可遏止的情绪，挟着超越寻常的想像能力。这种由人性最深处发生的情感，刺激着那想像能力到不思议的强度，引导着他直觉到普通理性所不能概括的境界，在这一刹那间产生的许多复杂的感想情绪底联络组织，便成了一个艺术创作的基础。再次是美学与艺术的关系 雨果说过：“没有艺术，人类生活便会黯然失色。”席勒动情地呼唤过：“啊！人类有你才有艺术。“人人都神往艺术，向往他那种艺术美的感受，正是如此，人们需要真正的艺术家来创造艺术美。而艺术需要现实生活，需要艺术家的创造，没有这些又何来艺术美呢？美术中的艺术美，离不开美术作品，艺术美指的就是美术作品中的美，是由创作主体的审美认识而产生的按照美的规律、并为着美的目的而创造的事物的美。因此，艺术作品的艺术美也是真、善、美的统一。“任何事物，凡是我们在那里面看得见依照我们的理解就当如此的生活，那就是美的；任何东西，凡是显示出生活或使我们想起生活的，那就是美的，”。如果说成“一件事物如果能够完全表现出该事物的观念来，它就是美的，”也就是说，“凡是出类拔革的东西，在同类中无与伦比的东西，就是美的。” 这种说法显然是不准确的。一件东西必须出类拔萃，方才称得上美，这是千真万确的。比方，一座森林可能是美的，但它必须是“好的”森林，树木高大，矗立而茂密，一句话，一座出色的森林，布满残枝断梗，树木枯萎、低矮而又疏落的森林是不能算美的。但并非所有出类拔草的东西都是美的，沼泽在它的同类中愈好，从美学方面来看就愈丑。尽管 “美”不完全等于艺术，但艺术必须是“美”，中外美学史和群众的审美实践表明，作为意识形态的艺术，虽不是美学的唯一对象，却是美学的重要的对象，艺术的门类众多。但就艺术与生活，创作动机与艺术效果、审美对象与审美主体的关系等方面来说它们之间具着互相一致的共同本质。还有艺术与科学的问题，艺术与科学的关系问题是一个古老而年轻的话题，在此,最具说服力的就是西方的文艺复兴了.无论是中国古代 “六艺” 之内涵，还是古希腊的“艺术”概念，都深刻体现出艺术与科学技术之间的密切关系。古希腊人把能够凭专门知识学会的技能都叫“艺术”，音乐、雕刻、绘画、诗歌是艺术，手工业、农业、医药、骑射、烹调之类也叫艺术。这种艺术与科学技术相统一的“艺术”观念到欧洲文艺复兴时期达到了顶峰，而文艺复兴科学、文化、艺术的发展也是人类文明史上最辉煌的时期。达·芬奇、米开朗基罗、丢勒等不但是艺术家，也是科学家、工程师，他们创造了卓越的艺术作品，同时在科学发展、技术发明上也取得了巨大成就。艺术与科学作为人类文化的两翼，人们一直在探讨它们之间的关系。爱因斯坦说：“真正的科学和真正的音乐需要同样的思维过程。”艺术与科学的关系曾经是非常密切的，它们的分离是工业革命前后的事情，这与科学技术的发展和深化，各种职业化行为的出现有着密切关系。但二者的有机结合对艺术和科学的发展是大有益处的，文艺复兴时期的科学文化成就，就是艺术与科学相互融合共同发展的最佳体现,可见艺术与科学是息息相通的, 以上的三点是我由这期课而产生的一点思考和收获,当然其实远不止这些,但重要的还是可以用理论知识回答和解决一些实际生活中的问题。