第一篇:五上美术教案第五课
第五课
绘画中的透视现象
教学内容:《绘画中的透视现象》,教材第10-12页。教学目标:
1.了解什么是透视,以及视平线和消失点在透视现象中的作用。掌握透视规律,能运用透视知识表现近大远小的透视现象。
2.通过对比、观察和分析等方法,帮助学生了解生活中的透视现象,引导学生构建绘画中的透视规律,运用透视知识,表现近大远小的透视现象。
3.提高学生的观察能力和分析能力,感受透视现象给画面带来的美感。教学重点:初步了解视平线和消失点在透视现象中的作用,掌握透视规律,感受透视现象给画面带来的美感。
教学难点:如何运用透视知识表现近大远小的透视现象。教学过程:
一、导入新课,分析透视
出示两张风景图片,一张平面的,一张有透视现象的。问:哪张图片给你的空间感个强烈?
为什么呢?板书:透视现象。
二、联系生活、了解概念
1.消失点:随着视线的延伸,景物会逐渐聚于一点,这个点叫消失点。2.消失点的位置可以变动吗?
小结:想突出左边的景物,消失点就往右移;右边的景物美,消失点就往左移。
3.视平线:通过消失点的这条水平线。视平线就是与眼睛平行的水平线,平视时,视平线与地平线重合。
4.消失线:视平线以上的景物越远越向下,视平线以下的景物越远越向上,景物的轮廓与消失点的连线叫消失线。
三、观察发现规律
观察消失线夹角处天空和道路近宽远窄的透视现象,从而总结出树的透视规律是一样的。
四、新型媒材,创新表现
教师演示表现透视现象。
1.确定视平线。
2.定消失点。
3.消失线。
4.画树。第一棵离我们最近、看得最清楚,所以要把它画得生动、具体。画第二棵树时,离第一棵树远一点儿,体现近疏远密。
5.画栏杆。
6.画环境。
把栏杆的这一侧想象成湖泊,运用透视原理画上几条小船,把后面想象成连绵起伏的群山,再加上太阳和云,一幅运用透视现象表现的风景画就完成了。
五、艺术实践、感受透视
学生创作。
第二课时
一、学生创作实践。
运用透视知识继续创作一幅有透视现象的风景画,并上色。
教师巡视指导。
二、欣赏评价,课后拓展 评价要点:
1.能够有目的地安排视平线和消失点的位置。
2.能够运用透视现象在平面上表现立体空间。
三、小结:今天,我们认识了视平线和消失点,并运用透视现象成功地表现了一幅风景画,你们真棒!
第二篇:美术第五课教案
第5课 美术作品可以什么都不像吗——走进抽象艺术
一、教材分析
(一)教学目标
本课是具体了解和认识三大美术类型中的第三种类型——抽象艺术。作为人类三种主要艺术类型之一,抽象艺术也是人类认识和把握世界的一种重要方式,只不过它使用的是纯粹的艺术语言,这是它与具象艺术和意象艺术的区别所在。因此,本课的教学目标主要是让学生对抽象艺术的两种基本形态(冷抽象和热抽象)、美术走向抽象的简单过程以及抽象艺术的语言和艺术上的美有一个大致的了解,不必求全。
(二)内容结构
本课主要包括四个部分。
第一部分讲述的是现代抽象艺术的奠基人、俄国艺术家康定斯基“发现”抽象艺术的故事。本课旨在通过这个故事说明,抽象艺术作为一种独立的艺术形式是通过人们的“发现”产生的。这里有两点需要注意:1.抽象艺术和具象艺术、意象艺术不同的是,它不直接表现任何现实中的可视物,但不能因此说它与现实就没有任何关系,可以说,任何艺术的终极对象都是现实。2.抽象艺术所使用的语言是非现实的,是艺术本体语言的纯粹表达,其中包括点、线、面和色彩。这些需要教师在讲课中加以说明。
第二部分“两位抽象艺术家,两种抽象艺术”。
第三部分“艺术为什么会走向抽象?其艺术美有哪些表现?”简单介绍了美术的基本分类方法,学生对此有一个大致了解就可以了。
第四部分“谁都能创作抽象艺术吗?”以美术的三大功能为基础,说明美术鉴赏不仅是对知识的学习,更重要的是对培养学生认识世界的能力、审美的眼睛和健康的审美情趣以及未来的人生发展,都具有十分重要的意义。
(三)教学的重点与难点
本课教学的重点在于“培养审美的眼睛”,掌握美术鉴赏的一般方法,认识美术鉴赏对于个人未来人生发展的重要价值和意义。
本课教学难点,主要是如何结合实例讲清美术的主要分类方法、美术鉴赏的概念和美术鉴赏的一般过程或方法。
二、教学内容资料
(一)作品分析
即兴之31(油画,1931年)康定斯基(俄国)
康定斯基出生于莫斯科,父亲是茶商,幼年时期与父母居住在罗马和佛罗伦萨,后来回敖德萨。少年时起就画画,写诗,弹钢琴,拉大提琴。曾在莫斯科大学获得社会科学和法律学的学位。1896年,即康定斯基30岁时,决意学习绘画。在慕尼黑美术学院学画直到1900年,此后即开始了活跃的艺术实践活动。
康定斯基倡导即兴作画,以表现艺术家的需要。他认为精神因素是艺术中最重要的东西,艺术不是对自然的模仿或精心制作,而是内心的需要。“艺术就像自然、科学、政治一样是一个自足的领域,它受到适合自己需要的自身规律的支配”。寻找这个规律正是画家终身奋斗的目标。他特别强调绘画同音乐的结合,音乐在所有的艺术种类中是最抽象的。康定斯基在《论艺术的精神》一书中详尽论述了音乐与绘画存在着的深刻联系。在康定斯基看来,绘画必须创造出一个与自然对象相和谐的新的现实。绘画中的色彩犹如音乐里的音符,它本身就能够打动观众。画家以这种抽象艺术来表达自己的内心世界,在观众中唤起音乐所产生的那种难以用语言表达的艺术情感。康定斯基追求绘画的音乐感,最后发展出情绪性的抽象绘画。
康定斯基的抽象作品带有很强的个人情感,因此有人称他的艺术为“热抽象”艺术。他的抽象作品大都完全脱离了客观对象,为避免标题给观众的引导性联想,他常常像音乐作品的标题那样给自己的画取上“即兴”、“作品X号”等名称。
百老汇的爵士乐(油画,127厘米×127厘米,1942—1943年,纽约现代艺术博物馆藏)蒙德里安(荷兰)
荷兰的蒙得里安始终想象着用最简单的美术语言要素——直线和纯色组成他的画。他想让他的艺术去揭示在主观性的外形不断变化的背后隐藏着的永恒不变的实在。他自己说:“我一步一步地排除着曲线,直到作品最后只由直线和横线构成,形成十字形,„„直线和横线是两相对立的力量的表现;这类对立物的平衡到处存在着,控制着一切。”他从大大小小的原色块和矩形直角形状的组合中寻求所谓“表里平衡,个性和集体平衡,自然与精神、物质与意识的平衡”等。他认为这才是反映了宇宙最本质的客观法则。人们称他的这种抽象画为“冷抽象”,也称几何风格派。
《百老汇的爵士乐》是蒙德里安最著名的作品之一,也是他极少直接来自现实感受的作品之一。在这幅作品中,蒙得里安把他对纽约百老汇音乐的感受和认识用他自己的语言方式表现出来,创作出了一种视觉音乐。像铜管乐器一样明亮的黄色线,在霓虹灯光般的红色、蓝色、灰色小点的闪烁下,呈现出一种爵士乐的节奏感。我们还能感受到纽约最繁华的百老汇夜晚的嘈杂。密如蜘蛛网的垂直和水平的线条,很容易使人联想到百老汇街都是直角相交的道路。
《红树》(油画,1908年)蒙德里安(荷兰)《灰树》(油画,1912年)蒙德里安(荷兰)《开花的苹果树》(油画,1912年)蒙德里安(荷兰)蒙德里安(1872—1944)荷兰画家,生于荷兰阿姆尔弗特,卒于美国纽约。父亲是一位喜爱绘画的小学校长,他从小受父亲的影响而喜欢绘画,并向父亲和画家叔父学习绘画。17岁时取得了小学绘画教师资格证书,三年后又拿到中学绘画教师资格证书。1892年他来到阿姆斯特丹,进入国立美术学院开始正式严格的写实绘画训练,成为颇受教师赏识的基本功扎实的好学生。1908年前,他画了大量的写实风景画,其笔法肯定、形象概括,具有很高的艺术水准。1908年后,他开始探索新的表现手法,1911年底他来到巴黎,马上受到立体主义影响,并开始以“树”为题不断探索抽象化的表现。
1914年后又放弃立体主义,转向几何形符号式的绘画,终于20世纪初形成独特的纯几何形的抽象风格。最后他以绘画的基本元素的直线直角相交构成富有节奏感的大小不等的几何图形,再用最单纯原色的不见笔触的色块与其匹配,成为独树一帜的“新造型主义”艺术,而名扬世界。人们一见到粗黑的横竖直线构成大小不等的红、黄、蓝、灰的方形、矩形的画面,便知那就是蒙德里安的作品。他认为惟有这种抽象的几形图形形式,才是绘画最本质的。他将以往的所有传统技巧统统抛弃,在他的画中不见其他任何画派的影子,他以其新形式的作品开拓了人类的艺术眼界,引领人类追求最单纯的和谐。
课本中刊载的三幅“树”,正是从蒙德里安在立体主义影响下,以树为题材探索不同表现形式的多幅作品中选出的。他其后又作了多幅带着该树“影子”的更加抽象的几何图形的画作,以至1913年的《线与色的构成》、1914年的《构成6号》等作品已是纯抽象的几何图形的作品了。如果将这些作品排列起来,可以明显地感受到由具象到抽象的探索过程。
《红树》创作于1908年,是蒙德里安脱离传统写实画法、开始探索表现性新艺术形式的初始作品,从其笔法和用色来看,显然受到凡高的影响。
《灰树》创作于1912年,是蒙德里安来到巴黎后受到立体主义影响,按照立体主义的分析方法,舍弃三维空间、追求平面性构成、注重构图的平衡、探索更加抽象化的表现。他将树的枝干形态概括为抽象化了的各种弧线交叉的构成,但仍保留树的形象及树形的完美。画面呈冷灰色调,由于其有力的线条和坚实的笔触,画面给人以张力强烈的艺术感受。
《开花的苹果树》创作于1912年,是画家继《灰树》之后探索将树更加简化和抽象化处理,从形式上寻求最本质的构成之作。画面上的树则变成了是一些已经失去树枝形态的弧线,成为几近纯抽象的绘画。这只是画家在步入纯抽象绘画创作前的脑中仍存有树的影子的抽象表现的作品。可以说这件作品是蒙德里安创作转入直线直角构成的抽象作品的引线,此后便步入了纯抽象的直线构成的创作了,他找到了自己风格,开创了一片新的艺术天地。
尼金斯基(油画,116.9厘米×89.5厘米,1950年,美国私人收藏)克兰(美国)
弗朗兹·克兰(1910—1962),原是专画人物和带有社会现实主义味道的城市风景画家,直至1950年之前,他仍在埋头研究伦勃朗和哥雅等人的传统绘画。1949年他开始将黑白素描运用于大型抽象构图中,创造了一种具有很强个性特色的抽象画,后来,很快又趋向极端。画法基本上与波洛克同出一辙,即下意识地进行作画,但画上出现类似我国书法样子的汉字偏旁或局部笔法,然后加以放大,将这些笔道粗实的书法式图形以黑白分明的对比强烈地表现出来。
作这种书写式抽象画时,克兰用的是印度墨汁,后改用广告色或油漆,用大刷子作画。1949年克兰画了一幅速写人像《尼金斯基》,翌年他按照这幅《尼金斯基》又画了一幅用黑色迅速构成的抽象画,黑色被“舞文弄墨”地创造出一个似是而非的形象,效果极佳,使他大为欣慰。此后,他尽量加大画面,让抽象的黑色笔道飞舞得极其磅礴。
白上白(油画,1918年)马列维奇(俄国)
俄国画家卡齐米尔·马列维奇(1878—1935)是“十月革命”前夕俄国“至上主义”运动的创始人之一。大约在1913年,他用铅笔在白色底上画一黑方块,排除了他早年掀起的俄国立体—未来主义风格。照他自己的话说,“要把艺术从物体的重压下解放出来”。在他写的《非客观的世界》一书里,他说道:“客观世界的视觉现象本身是无意义的,有意义的东西是感觉,因而是与环境完全隔绝的,要使之唤起感觉。”马列维奇称这种观点为“至上主义”。
作品36号(油画,1953年)波洛克(美国)
杰克逊·波洛克(1912—1956)是美国抽象表象主义的代表人物,也是二战以后第一位有国际影响的美国艺术家。他彻底打破了传统架上绘画的观念,在材料、技法和思想上都有新的突破,为现代绘画开创了一个崭新的局面。
波洛克出生于怀俄明州,是家里五个孩子中最小的一个,在南加利福尼亚长大。他最初对雕塑有兴趣,但不久就把注意力转向绘画。17岁开始在艺术学生联盟跟随托马斯·本顿学习。20世纪40年代中期他开始创作一些抽象的作品,仍采用传统的画笔作画。他这时的作品有力度,色彩浓重,形象带有一种暗示性。接着他首创了著名的滴洒绘画。波洛克先将大画布直接铺在地上或钉在墙上,将油漆和颜料以各种工具滴洒在画布上,滴洒的过程主要依靠艺术家的手势,颜料随手的动作或身体的动作而自由滴洒在画布上。最后,根据画面的需要再添加沙子、颜料或其他材料。
波洛克的这一创造为艺术打开了一个新的局面。他突破了传统画笔、画布的观念,不用笔而采用其他任何工具,画面没有传统绘画的布局和构成,颜料布满了整个画面,给观众造成视觉的冲击力,开创了一种新的视觉语言。其次他选用了新的材料,用油漆、沙子或其他任何材料来进行创作,其作品的表面出现新的肌理,产生了独特效果。画架、画框、画笔、油画颜料等传统工具材料均被他放弃,艺术创作有了更多的自由。因此,在波洛克之后,美国现代艺术获得了突飞猛进的发展。
隐现3X(综合材料,1986年)斯特拉(美国)
弗兰克·斯特拉(Frank Stella,1936—)出生于马萨诸塞州的迈尔登市,曾在马萨诸塞州安多富的菲里普斯学院和普林斯顿大学学习,1958年移居纽约,20世纪60年代成为反对抽象表现主义的后绘画抽象派的重要人物之一,并在欧美各地四处举办展览。起初,斯特拉放弃了三维空间形象,用各种方法来强调绘画的平面性,后来他开始用各种形状的画布来作画,其中的形象变成了色条与色条的交叉和相汇,目的是创造一种“无关系”的绘画,这与当时的“初级结构”和“极少主义”艺术家十分接近。以后他又在这个基础上把材料扩展到金属和工业漆、金属漆等方面。其作品一般非常巨大。这里的《隐现3X》就是其中的代表之一。
26—4—94(油画,1994年)赵无极
赵无极(1920—)江苏南通人,1935年考入杭州国立艺术专科学校,师从林风眠和著名油画家吴大羽。毕业后留校任教。1948年赵无极赴法留学,一直在巴黎从事美术研究和创作。赵无极艺术视野开阔,善于从各方面吸取营养,且不断超越自我。
20世纪50年代正是西方抽象艺术方兴未艾的时期,也是赵无极在艺术上的转折期。面对当时西方抽象艺术的滚滚洪流,赵无极也开始考虑自己的艺术发展道路。他最终在西方抽象艺术和中国的水墨画之间找到了一个合理的结合点,形成他抒情、诗化和充满神秘感的抽象艺术,这在当时的西方艺术界独树一帜,并很快就为西方主流艺术所接受,赵无极因而成为第一位进入西方主流艺术界的华裔艺术家。赵无极艺术成就的取得无疑与他的老师林风眠和吴大羽的教导密切相关,但赵无极能自出机杼、随机应变、独辟蹊径、自成一家,这与他开阔的眼界是分不开的。赵无极的作品气势开张、意蕴深远,其形色舒卷腾挪、变化自如,极尽抑扬顿挫之韵律感。但这幅作品是他晚年所作,已从他以往的激动、变化、冲突转向了平静、和缓、沉思,真实地反映了他目前的心境。赵无极曾多次回国讲学、考察,1985年还应邀专程回到母校——当时的浙江美术学院举办了绘画讲习班,为中国当代艺术培养了许多优秀人才。
红窗(油画,1964年)瓦萨雷利(匈牙利)
瓦萨雷利(Victor Vasarely,1908—?)早年毕业于匈牙利布达佩斯穆希利艺术学院,20世纪30年代移居巴黎,参加“抽象—创造画会”,40年代开始从事视觉理论研究和创作。他创作的“光效应艺术”或“欧普艺术”吸引了许多艺术家,至60年代造成较大的影响。他通常在平面上配置各种规则的几何图形,经过精心的色彩处理和巧妙的安排,造成一种经过电子仪器或机械作用后的画面效果,显示出技巧的精致和技术美感,具有现代工业文明特点。
(二)名词解释 构成
简单地说,构成就是把事物组合到一起,形成一种有组织、有结构的关系,但它常常与“构成主义”联系在一起。构成主义(Constructivism)是20世纪重要的美术流派之一,有广义和狭义两个方面。广义而言,它是由英国美学家里德提出的一个雕塑美学概念。法国雕塑家罗丹(Francois A.R.Rodin,1840—1917)曾经认为,世界可以分为“可知世界”和“不可知世界”两部分,每一件艺术作品都应该包含有后一种成分。里德继承了罗丹的这一艺术理论,把现代雕塑分为两种基本类型,一种是“构成主义”的,另一种是“有机的”。“构成主义”主要凭借工业上使用的原材料如金属、塑料、玻璃等,构成各种几何形式,以表现雕塑艺术的形式美。然而,里德又认为,实际上,在艺术欣赏中我们又分不清一件艺术品究竟是属于“构成的”还是“有机的”,因此,只能求助于精神分析学的“集体无意识”理论来加以分析。这种以“构成主义”的概念来描述某种艺术类型的作法后来被广泛应用于对其他艺术的表述。而狭义的则专指发生于20世纪初的俄国,以塔特林
(Vladimir Tatlin,1885—1953)和嘉博(Naum Gabo,1890—1977)、佩夫斯纳(Antoine Pevsner,1884—1962)兄弟等人为代表的一个流派。
但是到20世纪之后,“雕”与“塑”或“加”与“减”的观念已不能适应艺术的要求,或者说,人们开始从新的角度去看待这些概念,这就是“构成”观念的形成。在这种观念下,雕塑已变成各种木头、金属、玻璃或塑料构件等材料的组合或“构成”关系,这为当代雕塑以至当代艺术开拓了无限的空间。从对材料的利用的角度看,立体主义在绘画中的实验预示了这样的必然结果。在1912年毕加索就设计了一个用纸和绳子制成的三度立体主义构成,同一年他又为另一个构成绘制了素描。1912年他的《吉他》和1914年的《乐器》,就是用金属片或木头制作的构成,形象是立体主义的,但结构却是构成主义的。尽管处理得很粗糙,但艺术家却以此申明了构成主义雕塑的一个基本问题——认定雕塑是空间的而不是体量的。
构成主义作为一个流派是在塔特林的领导下进行的实验。塔特林最早与马列维奇一起展出了他的所谓“绘画浮雕”,但塔特林却嘲笑马列维奇的作品不专业,尽管他们在许多方向上是一致的,因为塔特林提出的是一种更具刺激性的信念,这种信念就是艺术家应该直接与机器产品、建筑工程和印刷及摄影的交流方式相一致,以致于强调整个社会在实用上和思想上的需要。为此,塔特林把他的艺术追求命名为“生产主义”(Productionism),这表明了他将艺术与社会需要相结合的愿望。这种愿望与当时人们力图创造一种区别于腐朽的资本主义的古典主义、代表先进的无产阶级的艺术的抱负是一致的,但是他们追求的不是政治性的艺术,而是艺术的社会化。在这种明确的观念下,一些像嘉博、佩夫斯纳、波波娃(Lyuboc Popova,1889—1924)、利西茨基(El Lissizky,1890—1941)这样的艺术家都站到了塔特林的一边,从事构成主义的实验。直到大约1922年,他们才在苏联艺术转向社会主义现实主义之后,纷纷移居欧洲,对欧洲的现代艺术,尤其是通过“包豪斯”,产生了决定性的影响
构成主义艺术家嘉博坚持认为,“构成主义观念”不是为了把艺术和科学统一起来,不是要探索物质世界的奥秘,而是要去感觉其真理。这使构成主义既没有想成为一种艺术的抽象风格,甚至也没有想成为一种艺术之类的东西。构成主义运动的理论家之一阿列克赛·甘曾经写道:构成主义“不欲作出抽象的计划,而是以具体的问题为出发点。”也就是说,他们试图从社会便利和实用意义出发,以科学和技术为基础,取代以前艺术家的静态活动,创造新的动态的艺术,这成为构成主义的第一原则。因为构成主义者相信,机械的基本条件和人的意识,自然会创造出反映他们时代的美学。这使他们喜欢用两个颇有说服力的词汇来说明创造的辨证过程:构造的和既存的,二者综合的结果就是构成主义的真实性。对他们而言,“构造的”,即整个观念乃基于社会应用和方便的物质上的基础概念——内容和形式的结合;“既存的”,即物质本身的自然倾向,在其构成和变化过程中的特殊条件的实现。这种观念在此后的“风格派”(de Stijl)或“新造型主义”(Neoplasticism)、包豪斯、“国际风格”(International Style),以及所有追求“抽象”的艺术中,都多少有所反映。
抽象艺术
“抽象艺术”(Abstract Art)同样具有广义与狭义之分。从概念上说,“抽象”本身就是一个很难确定的用词。人们在使用“抽象”一词时也是模糊不清的,它往往在两种含义上被使用,一方面是指非自然主义的表现,如采用夸张、变形或减少等手法来描绘一事物;另一方面则是指那种完全抛弃了任何可视自然形象的表现的艺术形式。实际上,严格的“抽象艺术”应是指后者,但人们在使用此词时并非那么严格,如有时立体主义和野兽主义也被不恰当地称为“抽象的”,准确说来它们至多只能是“半抽象的”。“抽象艺术”一词由于它的含混性而并不适用于精确地描绘那种不表现具体现实可视形象的艺术形式,所以,20世纪许多艺术家都根据自己的理解为之命名,杜斯堡称之为“具体艺术”,蒙德里安则用“新造型主义”和“非客观的”来描绘它,另外还有“非再现的”、“非具象的”和“非传统的”等,但“抽象艺术”一词却流传最广,尽管可能它最不恰当。
一般认为,真正的“抽象艺术”是从康定斯基1910年创作的一幅水彩画开始的,但到底谁是第一位抽象画家目前还难确定(或者说根本无法确定)。美国的达夫(Arthor G.Dove,1880—1946)、捷克的弗兰克·库普卡(Frantisek Kupka,1871—1957)、立陶宛的米科拉斯·齐马利昂尼斯等人都是合适的人选。但不管是谁,“抽象艺术”都可以说是20世纪艺术发展的必然。“抽象艺术” 具有两个方面的发展,这两个方面都直接来自“后印象主义”。一方面是“色彩的抽象”,它从凡高、高更经过野兽主义、表现主义到康定斯基的最后解放,以后影响到奥尔甫斯主义、同步主义、塔希主义、非正式艺术或其他艺术、抒情抽象、行动绘画或抽象表现主义等;另一方面是“形式和结构的抽象”,它从古典主义开始,经过新古典主义、库尔贝、塞尚、修拉到立体主义,以后影响到未来主义、构成主义、辐射主义、至上主义、风格主义或新造型主义、具体艺术、圆与方、抽象创造社、硬边绘画、极少主义等。前者由于强调感情的直接宣泄、有机的形态和表现方法上的绘画性而俗称“热抽象”,后者因着重于理智的结构分析硬边、几何化的造型和平涂的塑造方法而俗称“冷抽象”。在推动“抽象艺术”的发展中,德国艺术理论家和哲学家沃林格于1908年出版的《抽象与移情》一书起了关键的作用;1912年康定斯基出版的《论艺术中的精神》一书则第一次全面系统地阐述了“抽象艺术”的原理和原则,给“抽象艺术”的发展以重大影响。
抽象艺术的产生被理论家解释为是人类在一种与生俱来的“抽象冲动”的支配下创造的,即它是艺术家通过艺术冲动去创造具有永恒价值的艺术形式的强烈的内在要求,这种冲动可以是来自外部的刺激,也可以直接由艺术家的内心需要产生。这一术语是本世纪初德国艺术理论家沃林格(Wilhelm Worringer,1881—1965)最早提出的。他认为,现实世界变幻不定,五光十色的景象引起了人类心灵强烈的骚动不安,如果人不能认识和把握这个世界中的规律秩序,就会产生对世界的精神恐惧,因此,人有一种整理纷乱的现实、从中找到超越个别事物偶然性存在方式的内在要求,这就是强烈的抽象冲动。所以抽象冲动是人由外在世界引起的巨大内心不安的产物。但是这种抽象冲动也可以理解为文化积淀所形成的先验心理结构内在地作用于人的情感活动,支配人类从事精神生产的结果。
至上主义
1913年马列维奇也在著名的“靶子”展览中展出了一批典型的“立体未来主义”的绘画。在这些作品中,绘画对象被以圆筒形式表现出来,形成交错的、近乎机械的节奏,这使人们想到了莱热那些表现工业场景和工业题材的作品。但是马列维奇对自己作品里还残留着主题这一不正常现象耿耿于怀,于是,他又在展览会上展出了一幅白底上有一个黑方块的作品,以表明他对纯粹艺术的追求。照他本人的话说:“我竭尽全力要从物体的重担下把艺术解放出来。”这是一幅铅笔素描,是这种风格的第一个实例,也使他成为最早把绘画作为一个绝对纯几何抽象体系的画家,马列维奇把这种画称之为“至上主义”(Suprematism)。在他写的一本名为《至上主义:非客观的世界》的书里,这样解释了他的艺术:“所谓至上主义,我指的是绘画艺术中纯感觉的至上。”他写道:“从至上主义的观点看,客观世界的视觉现象本身是无意义的,有意义的是感觉——在本身中和在已被唤起的完全独立的上下关系中。”从此出发,马列维奇就把学院派印象主义,甚至塞尚和立体主义等都视为“自然主义”,是与“艺术”无关的,因为“客体”对世界的本质而言只是“谎言”,真正的艺术应该是与自然无关的“非客观”的存在,而“至上主义”就是“对在时间过程中由于‘客体’的增长而早已逝去的纯艺术的再发现”。
马列维奇是一位虔诚的基督教神秘主义者,他认为,可以证明一幅绘画是完全能够脱离任何影像,或者脱离对于外部世界的模仿而独立存在的,这使他的艺术具有了某种神秘主义色彩。在1915年和1923年之间,他继续实验了三度的素描和模型,其中研究了在三度之中的形式问题。这些抽象的三度模型所提出的问题,使“立体未来主义”成为一种过渡的风格,它不仅对以后俄国构成主义以及以构成主义为基础的抽象艺术的成长有重要的意义,而且通过马列维奇的弟子,特别是李西茨基,传播到德国和西欧,影响了包豪斯的设计教学,以及现代建筑的国际风格的进程。
几何抽象 又被称为“硬边绘画”,即它是用边缘清晰的几何形来构成其形象的。这一概念是由美国评论家朱利斯·郎斯纳于1959年提出,用以描述那些使用大面积的、平涂的、未加调和的色块,再由精确勾勒出的边缘加以限定的绘画形式,这种绘画类型从1960年以后才开始流行。评论家艾洛维给这个概念下了一个定义,他认为,硬边的定义与几何艺术正好是相反的,“塞尚以之成名的‘锥形、圆柱形和球形’,继续出现在20世纪的大部分绘画作品中。然而,即使如此,这些形式也表现得不纯正,抽象艺术家们已经倾向于编排独立的要素。形式曾一直被当作分离体来看待”,而“在硬边绘画中形式不多,画面洁净无瑕,整幅绘画成为一个整体单元,形式展现于整幅绘画,色调限于两到三种,这种稀疏空旷回避了背景图形的立体效果”。“硬边绘画”与更早时候的几何传统之间的重要区别,正是这里所引述的探寻一种完整的统一体,没有前景或背景,也没有“背景图形”。这种绘画的主要人物是凯利(Ellsworth Kelly,1923—?)、莱茵哈特、亚历山大·利伯曼(Alexander Liberman,1912—?)等。
造型画布
是流行于20世纪60年代美国的一种艺术表现形式,即将画布绷在隐藏的支架上作有形的或三维形状的表现,以使画面产生新的张力。尽管这一形式在中世纪、文艺复兴直到19世纪一直都有表现,但20世纪这种新的形式有自己的特点:(1)采用各种形状的画布造型;(2)画面主题为各种几何形的抽象组合;(3)画面常采用各种材料向三维空间发展;(4)边线交界明确。
抽象表现主义 “抽象表现主义”(Abstract-expressionism)一词最初是在1919年人们用于描述康定斯基的某些抽象作品。约于1946年,美国艺术评论家柯蒂斯开始把它用于某些美国年轻画家身上,但现在一般特指20世纪40年代末至50年代的一批具有强烈独创性和影响力的美国表现主义艺术家的绘画风格。由于它的主要特征是画家在作画过程中有意识或无意识地引入了动作,评论家卢森堡又把它称为“行动绘画”(Action Painting)。它还有“滴画”(Drip Painting)和“整体绘画”(Over-all Painting)等名称,都是对“抽象表现主义”的不同侧面和特征的表述。
“抽象表现主义”的主要特征就是主张彻底摆脱传统美学观和艺术观,追求自发的、任意的个人表现,认为艺术家应当服从于自然而然的内心冲动,追求自我表现,强调艺术是作画的行为或过程而非结果,并把这种过程看成是自我完善的手段。但是从另一个方面来说,抽象表现主义与其说是一种风格,不如说是一种思想,因为抽象表现主义者是各不相同的一些个人,除了他们所反对的和追求的总的目标比较一致外,他们的表现方法和手段却很少有相同之处。高尔基(Arshile Gorky,1904—1948)从超现实主义中获取灵感,创造了一种有机的抽象艺术;德·库宁(Willem de Kooning,1904—)追求一种大写意的抽象笔法;克兰(Franz Kline,1910—1962)和托比(Mark Tobey,1890—1976)、汤姆林(Bradley Walker Tomlin,1899—1953)等人则崇尚东方式的书法意味。此外还有巴乔蒂斯(William Baziotes,1912—1963)、特沃柯夫(Jack Tworkov,1900—?)、马卡雷里(Conrad Marca-Relli,1913—?)、布鲁克斯(James Brooks,1906—?)等。
需要说明的是,“抽象表现主义”的出现不是偶然的,它既是美国艺术家20世纪以来不断努力的结果,又反映了美国人一直以来的一种强烈的民族意识和竞争意识。从“军械库展览”之后,美国人就激发起势与巴黎争雄的决心。因为从西方美术史上看,从17世纪起,巴黎就已经取代了罗马而成为西方艺术的中心,而“抽象表现主义”的出现,则表明了西方的艺术中心又转向了纽约。但是,这一结果却是伴随着强烈的政治意识而来的,在抽象表现主义的成长过程中,美国中央情报局给予了极大的支持,不仅出钱出人,而且为其大作宣传,使之成为冷战中美国宣传其价值观的工具。视幻艺术
又称“光效应艺术”(Op Art),或直译为“欧普艺术”,这个词准确而形象地描述了这种艺术的特性,即它不存在任何思想上或观念上的意图,它的意图只有一个,就是以各种图形和手段在观众与图像之间造成视觉上的幻觉,即一种在作品和观众之间造成纯粹视觉反应的艺术形式。它与后来西班牙的“五十七小组”(Equipo 57)、意大利米兰的“T小组”(Group T)、帕多瓦的“N小组”(Group N)、德国杜塞尔多夫的“O小组”(Group O)和法国的“视觉艺术探索小组”(Group de Recherche d’Art Visuel)、“艺术与技术实验”(Expeeeeriments in Art and Technology)等都有关系。但是“光效应艺术”却主要集中在对光的运用上,即利用人们对光的反应创作艺术品。
造型艺术与光的关系,艺术家很早就给予了关注,文艺复兴时期威尼斯画派的作品就是一个例子。后来伦勃朗的强光、维米尔柔和的自然光更是产生了迷人的魅力;印象派画家深入探索了光与运动的关系(如莫奈在有55幅作品的《草垛》系列中,描绘了光在草垛上每隔20分钟的变化情况)等,这使艺术家不再关心光与物体之间的关系,而是倾注于光与运动本身上。这一倾向在20世纪60年代被确定下来之后,向着两个方向发展,一是在二维平面上利用光幻效果在作品和观众之间造成纯粹视觉关系的艺术品,即“光效应艺术”,另一个就是对光的雕塑性使用即在三维空间中光与实际运动相结合,而对观众造成“虚”空间延伸的活动艺术。
这时的“光效应艺术”在像阿尔伯斯和瓦萨雷利这样的艺术家那里达到了新的综合。对他们来说,绘画不再是艺术家自我表现的手段,而是艺术家用来探索一种艺术形式或视觉作用的过程。他们以色彩、结构形式上的对比、重叠、错位、透视等手法,给观众的视觉以迷幻,进而造成心理上的变化。可以说,现代知觉心理学为“光效应艺术”的发展创造了无限的可能性,这种艺术就是要以不同形式要素的不同的组织方式,通过观众眼睛的作用所产生的视觉幻象形成心理反映。对于这一过程法国评论家费舍尔是这样描述的:“由于组合成分之间是均等的(即保持完全的和谐),所以单色形象在结构上就具有了重要的意义。重要的是一幅画就构成了一种蜂窝状的结构,并且其整体也是以分格式的秩序组成的,这就有可能通过单个部分有规律的变动,加进分裂的成分或造成分割而打破这一结构的规律性。比如,造成不会影响大局的变动,而不至于使观众因而分散了对整体的注意,通过使用曲线、凸线、网状线和类似曲线的手法,艺术家就可以把这种有前有后的底面变成一个紧密的整体。由于线条繁复,所以在很多情况下,要么形成一个单一的平面,要么形成两个相同但却无法相互分开的平面,其中一个是正面,一个是负面。在整个结构中,这些组合成分轻微分裂,导致了一种光效畸变,藉此,作品产生波动、闪烁、振动等。”
此后,各方面的努力使这一艺术形式于1964年秋发展成一个广泛的艺术运动,其作品首次刊登于《时代》杂志。1965年2月,塞茨在纽约现代艺术博物馆举办了题为“敏感的眼睛”的展览,使这一艺术形式产生了国际影响,并开始应用于设计和橱窗陈列等实用美术领域。因此,幻觉光效绘画意义上的“光效应艺术”,到了70年代就衰落了,虽然与它有关的某些艺术家还在继续坚持这一脉络,或许他们当中的一些人身价已逐步提高,如瓦萨雷利继续保持老一辈光效艺术大师的地位,虽然这时的作品与其说是构成与知觉幻觉的关系,倒不如说与印象派的几何图案的关系更为密切。而英国画家赖利(Bridget Riley,1931—?),实际上也是如此,她逐步放弃了波浪形的线性幻觉,代之以组合平行线条的彩色图案,有时可与诺兰60年代和70年代初的绘画相比拟。这样,这时的“光效应艺术”已逐步退出了艺术领域,开始作为一种艺术手段进入商业领域,例如采用霓虹灯技术而发展起来的霓虹艺术,而且更重要的是,许多艺术家对这种视觉游戏已不再发生兴趣,而是将他们的兴趣转向了其他与之相关的“环境艺术”和“大地艺术”去了。
三、教学建议
(一)抽象艺术一般较难理解,可以结合音乐等姊妹艺术一起来加强对抽象艺术的认识和理解。
(二)可让学生通过具体操作,来具体体会“冷抽象”和“热抽象”到底是怎么回事。
(三)通过不同类型的抽象艺术作品来讲解抽象艺术的艺术美特征。
第三篇:五上美术教案
第1课肖像艺术
课时:2课时
教材分析:
一、教学内容与目标
1、初步了解人物肖像画“以形写神”的重要特征,认识不同的艺术形式,了解课本中涉及的中外著名的艺术家。
2、能准确地描述和评价作品,会区分不同的艺术表现方法。
3、认识艺术的多样化,培养欣赏多无文化的能力。
4、通过欣赏艺术作品中的人物,学习人物精神,适时渗透国际主义教育。
二、教学重点与难点
重点:学习欣赏肖像艺术作品的方法,在教师的传授、引导下,对不同的艺术表现形式能够从不同的病态观察角度去欣赏评述。
难点:对作品内涵(即传神)的认识和理解。教师可用对比的方法引导学生学习。
教学过程
一、猜谜导入,初步感知肖像艺术的表现力。
1、游戏出示人物速写,猜猜他们是谁?
2、学生用简短的话表达对肖像作品的感受。
3、引出课题,归纳学生的感知,肖像艺术的重要特点——以形写神。
二、体验、探究式学习,解决教学难点,进一步加深对肖像艺术重要特征的认识与理解。
1、印证肖像艺术的传神。
2、讲授中国画的特点及在此画中所发挥出的极致。(欣赏教材中曾鲸的作品)
三、通过对比欣赏,了解不同艺术表现形式的特点,感受艺术表现形式与作品内容的和谐统一。
1、欣赏、感受由版画、雕塑等不同技法所表现的艺术作品。(欣赏《白求恩》、《藏族女孩》)
2、渗透国际主义教育:了解的、白求恩的事迹。
3、延伸思考:作者用雕塑形式来表现白求恩的神态,与你评价的白求恩在外形、神态方面有哪些吻合?
4、对比版画肖像艺术
四、赏析教材中的其他肖像作品,对不同艺术表现形式,从不同角度去观赏、评述。
1、赏析其他艺术作品。
2、发挥自由想象空间,创作肖像背景。
欣赏作品《作曲家斯特拉文斯基》。
五、拓展知识总结升华。
1、展示有人物肖像的装饰品及日常用品。
2、鼓励学生善于观察生活,从中发现美、创造美和表现美。
第2课
画人像
课时:1课时
教材分析:
一、教学内容与目标
1、通过学习了解如何用线表现正面人物的发型、脸型、五官、表情和服装的不同特点,能用线表现一位自己的同学。
2、引导学生在小组学习探究中相互交流,培养他们的合作、探究意识。通过学习活动,在观察、表现人物的过程中,培养学生的观察和表现能力。
二、教学重点与难点
重点:认识四季的色彩,能正确表达自己对艺术作品的感受。
难点:用写短文的方法,表达个人对艺术作品的感受。
三、学习材料
图画纸、彩笔等。
教学过程
一、复习旧知识
四年级学习了背面人物写生,回忆在画背面人物写生时,如何抓住人物的特征。
发型、头型、服装等特点。
二、导入新课
板书课题
提问:表现正面人物与背面人物在哪些相同与不同?
三、探究式学习
引导学生观察周围的同学,看一看人的五官有哪些不同。
分别请同学在黑板上画出不同的脸型,根据脸型找一找有相同特点的同学。
小组讨论:观察课本上画家及学生的作品,看看他们表现的人物五官有什么不同?线条有什么特点?
线条流畅、简洁、有美感„„
四、教师示范
用线演示人物写生的方法步骤,引导学生观察如何大胆表现人物的特点及线的运用等。
五、实践活动
布置作业
六、小结
第3课
绘画中的透视现象
课时:2课时
教材分析:
一、教学内容与目标
1、通过实地观察和分析,学生认识到近大远小的透视现象,理解视平线、消失点在透视现象中的作用。
2、通过学习,学生能初步了解透视现象及基本规律,并能运用这些规律表现身边的景物。
3、通过教学活动,提高学生的观察能力和分析能力,感受透视效果给画面带来的美感。
二、教学重点与难点
重点:通过观察、分析和讲解,学生能初步了解景物近大远小的透视现象及相关知识。
难点:如何运用所学的透视知识表现身边的景物。
三、学习材料
搜集的图片资料、尺子、铅笔、签字笔或水彩笔。
教学过程
一、组织教学
组织学生来到操场
二、引入课题
如何把自己对校园的感受以绘画的形式表现出来,站在什么位置、选择哪些场景?
怎样才能在一张平面的纸上画出有层次、立体的景物?
三、新授课
1、观察思考:观察校园里路两旁的树远近有什么不同?路近宽远窄。两边的树近高远矮。
2、总结:同样的物体处在不同位置时,在观者眼里会出现近在远小,而且越远截止小的变化,这种变化用绘画上的法则解释就叫透视。
3、出示课题
4、打开书,欣赏图片完成图片旁边的问题。
5、讲解视平线和消失点。
6、分析作品:展出几幅学生作业,请学生分析是否符合透视规律。
四、学生作业
作业要求:带领学生选择适合的角度,将这些理论知识运用到实际绘画中,表现我们美丽的校园。
五、小结
交流作业:其他学生的作品哪些值得你学习和借鉴?
第4课
美术中的比例知识
课时:2课时
教材分析:
一、教学内容与目标
1、通过本课学习,学生能够初步认识、了解比例知识,知道黄金比例,难免有意识地发现生活中的比例。
2、通过学习,学生会测量出黄金分割点,并运用比例知识对简单的物品进行分析,从而学习运用比例美化生活的方法。
3、通过学习,学生认识以美术与科学的联系。培养学生严谨的学习态度。
二、教学重点与难点
重点:认识黄金比例,能在生活中发现比例的美,会用比例知识分析、欣赏物品。
难点:运用比例知识分析作品,创作具有比例美感的花瓶。
三、学习材料
彩色纸、剪刀、胶水、画笔。
教学过程
一、导入
欣赏《溪山行旅图》,谈谈你的感受。(有山、有树、有瀑布)
细致寻找,仔细观察后发现感觉不一样,觉得山更高、更加雄伟壮观。作品壮美、气势磅礴、雄伟壮丽。
小结:这都源于人们意念中的比例关系。
二、解决教学重点
1、看书第8页,通过文字介绍了解人的比例关系。
2、认识黄金分割点。
3、学生测量,寻找周围的黄金比。
三、解决教学难点
1、欣赏国内外的古瓶
选择自己最喜欢的一件作品,利用所学的知识找出精美的比例。
提示几条线:瓶身的高度、瓶颈的高度、瓶口的宽度、瓶颈的宽度、瓶身的宽度、瓶底的宽度等。
2、小结:在生活中运用的黄金比不是一个精确值,我们找到的这些黄金比的左右。
这些精美的艺术品都有黄金比蕴含其中,再加上瓶体上精致花纹的设计,给人美的享受。
3、提问:装饰纹样都安排在化瓶的什么位置?
四、学生作业
利用知识设计一个好看的花瓶
五、课堂评价
外形美
装饰美
创意新
第5课
偶戏
课时:2课时
教材分析:
一、教学内容与目标
1、欣赏不同表演形态的偶戏,了解有关偶戏的文化以及发展,了解偶人的造型特点及表演特色。
2、能根据自己喜欢的故事,选择不同材料制作布袋偶,并全作表演。
3、通过相互交流学习资料和对传统偶戏的欣赏,学生能够初步了解偶戏的发展历史和表演特点,以及偶人的设计特点和造型方法,从而体验民族传统艺术的魅力。通过生动有趣的教学活动,培养学生的组织能力和团结协作精神,以及动手能力和创造力。
二、教学重点与难点
重点:通过了解有关偶戏的文化,加深对民族传统艺术的了解。尝试用不同材料制作偶人。
难点:材料的巧用,让制作的偶人动起来。
三、学习材料
有关偶戏的录像、图片和各种制作资料。
教学过程
课前学生搜集各种偶人和偶戏的图片
一、导入新课
教师利用自制木偶表演,引起学生兴趣。
出示课题:偶戏
二、新授课
1、偶戏的分类
根据制作材料分:布袋偶、提线木偶、木头偶等
根据表演方式分:木偶戏、皮影戏等
2、偶戏的历史
欣赏书上作品《木偶戏演出图》。
3、学习偶人的制作
欣赏偶人,玩一玩、想一想:它是用什么材料制作的、你认为还有哪些材料可以利用,它是怎么动起来的、你还哪些方法可以使它动起来?
三、学生作业
要求:利用现有的材料,设计制作一个偶人。
四、偶戏表演]
组织表演
提出问题:其他同学的作品哪些地方值得你学习的借鉴?
第6课
提线纸偶
课时:2课时
教材分析:
一、教学内容与目标
1、了解提线纸偶的形式美感,学习制作提线纸偶。
2、掌握制作提线纸偶的基本方法,学习策划简单的活动。
3、训练学生设计意识和动手操作能力,培养学生合作能力。
二、教学重点与难点
重点:了解提线纸偶的形式美感,掌握制作提线纸偶的基本方法,学习策划简单的活动。
难点:形象设计和提线的连接、调节方法。
三、学习材料
彩色纸或废旧包装纸,彩色笔、剪子、胶水或又面胶、一次性筷子。
教学过程
课前作业:准备一个自己喜欢的寓言故事、童话故事或课文片断。(有情节、有对话)
一、组织教学
二、导和新课
欣赏电影《音乐之声》中的片断,表演木偶戏。激发学生兴趣,学习利用彩纸制作提线纸偶
出示课题
三、讲授新课
1、组织学生看书观察提线纸偶是由哪几个部分组成的。
2、研究讨论:提线纸偶的连接方法以及为什么在这些地方进行连接。
3、看书自学书中介绍的两面三刀种让纸偶动起来的制作方法。
4、小组讨论商量:根据课前准备的故事进行制作和表演,以及如何分工。
四、完成作业
学生实践,合作制作提线纸偶。
教师给予适当的指导、发现优秀作业随时进行展示和鼓励。
五、课堂评价
1、请第组同学根据故事情节进行表演。
2、请同学们选出提线纸偶做得最精致的小组和故事表演最出色的小组。
第7课
动物的脸
课时:1课时
教材分析:
一、教学内容与目标
1、了解艺术品的作品怎样来源于生活又高于生活,认识中国画表现的特殊效果。
2、能用国画的表现方法,大胆地对动物的脸部特征进行创作能较熟练地掌握用笔方法、控制墨色;能将动物园的脸进行夸张、再现;能够自主探索绘画新方法。
3、通过自主学习,培养学生自主探究的精神,加深学生对中国传统绘画的热爱之情。培养学生形成人与动物、人与自然和谐、平等发展的意识。
二、教学重点与难点
重点:通过欣赏画家的作品,了解国画艺术表现的方法有魅力。学习用国画形式大胆地对动物的脸部进行表现。
难点:在创作中如何抓住动物特征以及对水墨的控制。
三、学习材料
中国画颜料、墨汁、毛笔、宣纸、调色盘、小水桶、动物图片。
教学过程
课前准备:猫头头鹰图片。
一、组织教学
二、分析图片,导入新课
1、出示图片,思考:最先引起你注意的是哪部分?(眼睛)猫头鹰的外形还有什么特点?(椭圆形的身体、圆眼、尖嘴、利爪。)
三、名作欣赏
欣赏课本中黄永玉先生画的猫头鹰。
1、用什么绘画形式表现猫头鹰的?
2、小组讨论:
作品中的猫头鹰和图片中的有什么不同?
突出表现了猫头鹰的哪部分?对创作有什么好处?
画家主要运用了什么笔墨技法来表现猫头?
这样一幅作品给你什么感受?
3、学生汇报讨论结果,教师补充。
四、练习基本技法,分析表现步骤。
五、学生创作
选择自己喜欢的动物,用国画的形式大胆表现动物的脸。
注意:运用墨的浓淡干湿变化。
教师巡视辅导。
六、展示交流
第8课
有趣的汉字
课时:1课时
教材分析:
一、教学内容与目标
1、通过收集资料、欣赏评述、讨论交流,初步了解汉字的起源、演变过程及特点,它是我们祖先留给我们的宝贵财富。
2、能大胆地运用中国画的作画工具和方法,表现生动、有趣的汉字形象。
3、通过对中国汉字文化的学习,了解汉字是我们祖先的伟大创造。在感受汉字音、形、义美的同时,激发对祖国文字的热爱之情,感受中华文化的博大精深。培养学生关注生活、热爱生活的好习惯,引导他们在情感体验中提高观察力、想像力和创造力。
二、教学重点与难点
重点:通过交流、欣赏,以及教师的演示和师生互动,调动学生学习的主动性,了解汉字的演化过程,感受中华文化的博大精深。体验用水墨画的形式表现汉字的特点。
难点:如何根据汉字的形体特点,展开联想,大胆一进行创作画出新颖、有趣的作品来。
三、学习材料
中国画颜料、墨汁、毛笔、宣纸、调色盘、小水桶、动物图片。
教学过程
一、引入新课
1、猜字谜
“座中无人”打一字。猜字谜你感受到了什么?
小结:汉字有形,形中有象。
2、猜成语
肩靠肩,脚跟接脚跟,形容人多。说一成语。
小结:精练,能用很少的字概括很深的意思。
3、吟诗
汉字不但形美、义美,音也美。
小结:古诗是讲究押韵的,古人用汉字为我们留下了许多音韵优美的诗歌。
4、出示课题
二、新授课
1、小组讨论
汉字是怎么起源的?
汉字是怎样发展起来的?请你把它们介绍给大家。
汉字的艺术价值?
2、教师展示以汉字为表现窗帘的国画作品
提问:作品给你什么感受?猜猜这幅画里运用了哪些汉字?是用什么绘画工具绘制的?
3、分析画面构图
提问:这几幅画在构图上有什么不同?你比较欣赏哪种风格的作品?你准备选择哪些汉字来进行创作?
4、打开书,从书中选出自己喜欢的作品,把它介绍给大家。
三、学生作业
要求:选择自己喜欢的汉字进行表现。
四、小结
相互交流、评价。
第9课
飞天
课时:2课时
教材分析:
一、教学内容与目标
1、通过本课学习,了解我国古代艺术作品中飞天的表现手法,感悟传统造型艺术的魅力。参考传统的飞天形象,创作一幅飞天作品。
2、感悟我国传统文化的博大精深和劳动人民的创造才能,增强学生热爱民族传统文化的情感及民族自豪感。
3、引导学生在小组合作中探究交流,培养他们的合作能力和探究意识。通过学习活动,培养学生学习美术的兴趣。
二、教学重点与难点
重点:了解我国古代艺术作品中飞天的表现手法,感悟传统造型艺术的魅力。
难点:如何运用线表现飞天的形象。
三、学习材料
中国画颜料、墨汗、毛笔、宣纸、调色盘、小水桶、动物图片。
教学过程
一、导入新课
1、请学生到黑板上画“飞人”。
展示画方绘画中的小天使,讲评学生画的飞人。
2、展示敦煌飞天作品,学生欣赏。
二、探究式学习活动
板书课题
1、学生介绍课前搜集有关的敦煌资料。
2、欣赏敦煌石窟壁画。
3、学生思考讨论:什么是石窟?其中有哪些艺术品?敦煌约有多少石窟中绘有飞天艺术品?
3、集体交流,讨论。
课本上的飞天有什么共同特点?飞天形象为什么有动感?
4、小结:飞天中线的变化所产生的动感。
提问并完成课本上的问题。
三、学生作业
选择以线为主的表现方式画一幅飞天。
教师巡视辅导。
四、小结评价
第10课
色彩的色相
课时:2课时
教材分析:
一、教学内容与目标
1、了解色彩中的色相知识,体会色彩的美。
2、利用色彩的色相知识进行绘画创作使画面变得更美观、漂亮。
3、在学习和探究过程中,感受色彩中不同色相的美感,培养对色彩知识的探究欲和热爱生活的情感。
二、教学重点与难点
重点:了解色彩的色相知识。
难点:如何更好地运用色相知识进行创作。
三、学习材料
色相环、图片、水粉水彩笔等。
教学过程
一、导入新课
游戏报名字:教师点同学名字,同学起立。
报色名:教师报颜色名称,同学迅速找出。
二、归纳点题
引导学生了解色相概念,出示课题。
三、感受
1、引导学生回忆:
自己平时绘画,最喜欢用哪些色相?
它们的搭配会给你什么样的感觉?
2、分析:
书中各类艺术作品都运用了哪些色相?
这样的色相搭配给你什么感觉?
如果可以改变,你希望运用哪些色相?在视觉上会发生哪些相应的改变?
四、实践
提出作业要求,巡视辅导。
五、交流
讲一讲:
你为什么要设计这样两种色调的作品?
这样的色相组合给人什么样的感觉?
给你的好朋友提一条建议。
谈谈自己的感想。
第11课
色彩的明度
课时:2课时
教材分析:
一、教学内容与目标
1、对“明度”一词有较准确的了解。
2、能够识别基本颜色的明度变化。能用水粉工具及明度变化表现一幅作品。
3、培养学生自主探究意识,进一步激发他们对色彩的兴趣,充分感受色彩的艺术魅力。
二、教学重点与难点
重点:感受色彩的明度变化,体验色彩的美感。
难点:有水粉或其他美术用具表现一张明度变化的美术作品。
三、学习材料
水粉颜料、彩色铅笔、油画棒、调色盘、小水桶、彩色纸等。
教学过程
一、游戏导入
教师在三个玻璃杯中放入深浅不同的蓝色液体。
让学生玩一个脑筋大风暴的游戏:看到这些液体想到了什么?
二、探究、理解知识点
提出问题,学生讨论:
1、在美术术语中有一个名词叫明度,谁能理解这个词?(色彩的明度就是指色彩的明暗深浅程度)
2、什么是明度高?什么是明度低?
(亮的明度高,暗的明度低)
3、学生讨论后,看看书中是怎样介绍的。
三、练习
选一颜色做一组明度练习。
四、教师小结,讲评
五、欣赏有明度变化的作品
六、学生作业
要求:学生画张有明度变化的作品。
七、作品展示
组织学生展示作品,经验,特别是在提高画面美感方面要着重分析。
第12课
人物与环境
课时:2课时
教材分析:
一、教学内容与目标
1、了解绘画伤口保人物与环境的关系,了解人物动态变化的特点。
2、根据人物动态变化想象活动内容,添加适当环境。
3、了解并掌握表现人物动态变化的基本特点,培养学生观察生活和表现生活的能力。
二、教学重点与难点
重点:了解并掌握表现人物动态变化的基本特点,通过给同样动态的人物添加环境,训练学生创新思维和丰富的想像力。
难点:根据特定的人物姿态,通过改变位置方向想象人物动态的变化,表现活动内容和情节,并添加适当的环境。
三、学习材料
人物动态图片、绘画用具等。
教学过程
一、引入新课
观看教学课件,引入新课。
二、讲授新课
1、组织学生看书。提问:观察书中人物动态有什么特点?人物与环境有什么关系?
(相同的人物形象被变换了角度、方向,改变了活动内容。突出了人物活动,环境衬托了人物活动。)
2、出示学生优秀作业,欣赏并分析他们是如何巧妙利用相同的人物动态,想象不同的人物活动并添另适当的环境的。
3、教师示范:
利用实物投影画一个人物动态,改变角度和方向,启发学生想象。
三、学生作业
要求:根据课本提供的人物造型,发挥想象,在上面添加适当的环境背景,让画面内容更丰富、更有新意。
教师巡视辅导。
四、评价
展示学生作业,组织学生互评,教师补充评价。
第13课
光盘架的设计
课时:2课时
教材分析:
一、教学内容与目标
1、利用可能寻找到的各种材料,根据材料的特性开启创造性思维,设计制作出一个具用性与创造性的光盘架。
2、了解设计的知识,学习设计的方法,培养善于发现的意识,提高手工制作的能力。
3、体会设计与生活的关系,培养良好的生活习惯,在设计制作中感受创造的乐趣。
二、教学重点与难点
重点:光盘架设计要点:实用性、要承受光盘的重量,并且要方便存取;艺术性,怎样才能设计出新颖的光盘架,可采取象形式与构成式等。
难点:掌握材料的特性,创造性地运用材料。有些材料易折、易弯、易剪,有些材料可以利用它的自然形状。
三、学习材料
收集各种制作材料和制作用具等。
教学过程
一、引入新课
播放CD音乐,出示课题
二、分析探究
1、展示各种类型的光盘架图片
2、提问:为什么要设计光盘架?作用:收集、整理、归类、便于查找,美化生活。
3、欣赏课本中各种光盘架的造型,说最喜欢哪一件作品?为什么?(重点在作品的美感与实用的地方)
4、欣赏多种插接形式和不同风格的光盘架作品。(光盘与插接设计巧妙的作品)
三、体验、实践、探究
1、提供各种材质的光盘架实物,问:光盘架的设计与什么有关系?
设计、选材、造型。
2、小组讲座做光盘架之前,应该做哪些准备?
光盘架的造型与合取光盘方便度的设计。
光盘架的制作材料。
与所存储的光盘造型有关系。
四、实践探究制作要点
请学生为自己带来的光盘设计光盘架做造型和制作准备。
五、艺术实践
学生选择材料、设计造型、测量光盘尺寸进行制作。
六、评价
请学生谈体会。
第14课
杯子的设计
课时:2课时
教材分析:
一、教学内容与目标
1、了解杯子各部分结构、材料、功能等方面的知识。
2、运用了解的知识,设计出有个性、功能性又美观的杯子。
3、让学生了解设计要素,渗透设计意识,培养创新精神。
二、教学重点与难点
重点:观察、分析杯子各部分的设计意图了解功能与形象之间的关系。
难点:运用设计意识,设计出既有实用性又有观赏性的杯子。
三、学习材料
纸、铅笔、脂肪笔、尺子。
教学过程
一、组织教学
二、导入新课
1、欣赏各种各样的杯子图片,问:这些图片中的物品是我们生活中常常用到的,它是什么?
2、简单介绍杯子的发展。
3、出示课题
三、讲授新课
1、看书,小组研究。(针对书上对杯子各部分所提出的问题进行讨论研究。)
2、说一说讨论的结果。
3、通过观察分析,发现了什么?(总结设计的要素:功能、外形、材质、尺寸等)
4、看书
书中同学们都设计了什么样的杯子?他们的设计图是怎么样画的?
5、你想设计一个什么样的杯子?它有什么功能、是什么样的?
四、学生进行设计,教师巡视辅导。
五、展示
小组内先评选设计新颖独特、有创意的杯子,请同学进行展示和介绍。
第15课
有人脸的器物
课时:1课时
教材分析:
一、教学内容与目标
1、通过本课学习,了解并掌握人物浮雕、盘条成型、泥板成型等陶艺技法。
2、利用盘条成型、泥板成型等陶艺技法制作一个有人脸的器物。
3、了解陶艺技法,并将其运用到美化生活的活动中,提高审美能力。
二、教学重点与难点
重点:用泥塑的方法表现有人脸的器物。了解泥塑这一独特的艺术,掌握盘条成型和泥板成型等泥塑的基本方法。
难点:表现的夸张与变化,徒刑的创意。
三、学习材料
图片资料、橡皮泥、五官图片等。
教学过程
一、温故知新
回忆:学过哪些陶艺技法?分别要注意什么?
捏成型法、盘条成型法。
注意:搓条时要粗细均匀,泥条两端可细些,便于衔接。
二、欣赏激趣
欣赏图片:有人面造型的古今中外的器皿。
思考:这些器皿是什么质地的?它的造型风格有什么特点:这件器物是用来做什么的?作者把人脸装饰在哪里了?如果放在别的位置会怎样?人脸的表情是怎样的?
三、启发构思
变魔术,引导学生构思。
一团泥在手里,边揉捏边思考:人脸在什么位置?人脸是简单的装饰还是主要器型?选择什么样的造型更夸张新颖?
四、技法展示
示范必要的泥板成型法和盘条成型法。
五、艺术实践
作业要求:发挥你的想像力,用今天学习的泥板成型技法或盘条成型法做一个有人脸的器物,可以是笔筒、花篮或其他器型。巡视辅导,及时给予点评,以点促面。
六、展示评价
引导学生进行评价,方式不限。
第16课
唱起来跳起来
课时:2课时
教材分析:
一、教学内容与目标
1、了解版画知识,体会喷雾画的美感。
2、通过作品欣赏,学生感受到喷雾画能使画面产生特别的艺术效果。
3、在学习和探究过程中,学生进一步感受版画的美感,从而培养他们观察和感受生活美的意识,提高他们对版画的兴趣,同时提高动手能力。
二、教学重点与难点
重点:了解纸版画艺术,掌握撕、剪等方法以及喷壶等工具的使用,并利用它们完成设计与创作。
难点:对歌舞人物动态的表现和画面的构图。
三、学习材料
图画纸、水粉、喷壶、牙刷、影像资料等。
教学过程
一、组织教学
二、讲授新课
1、展示各民族歌舞的图片
2、出示课题
3、小小魔术:教师演示如何撕出跳舞人形,边撕边强调该注意的地方,如动态的把握、大体比例等。
4、学生尝试从纸中变出一个会跳舞的小人。(可以撕、剪、刻)
5、演示喷雾画的喷制过程,边演示边强调注意的地方。
6、欣赏书中的学生作品,边思考:唱歌、跳舞时人的动态主要发生哪些变化?我们在进行艺术创造时哪些动作要更夸张?如果用撕纸的方法来表现,哪里需要概括?
三、提出作业要求,学生制作
用喷雾画的方法创作一幅表现歌舞的伤口可以几人合作也可独立完成,要求形象夸张、生动,构图完整。
四、展评
1、你最喜欢哪件作品?
2、它们采用了哪些制作方法?
3、你还发现了哪些更有趣的制作方法?
第17课
电脑美术——有趣的人像
课时:2课时
教材分析:
一、教学内容与目标
学习运用数码相机或扫描仪输入自己的的作品,或直接在电脑绘画软件中进行写生。学习运用电脑绘画软件或图像处理软件的多种图像变化功能进行再创作。学习利用电脑进行美术创作,特别是对单一内容进行多种变化,形成多幅独特有趣的画面效果。锻炼和培养学生丰富的想象能力和创造精神,加深多种绘画形式的认识和理解。
二、教学重点与难点
重点:让学生如何更好地运用电脑中多种图像变化的功能对自己已有的写生形象以趣味变化的形式进行再创作。
难点:在再创作过程中,对多种图像变化功能的处理程度与多种绘画表现风格的掌握程度。
三、学习材料
电脑室。
教学过程
一、组织教学
二、构思作品内容,考虑多种风格。
三、准备原创作品
四、相关技能、技巧学习
讲解并示范电脑图像处理软件的基本应用方法,重点讲解“滤镜”中相关的纹理、杂色功能。
五、相关美术知识学习
介绍以中世纪教学为代表的镶嵌画、玻璃画等美术创作形式的特点,启发学生丰富的想象。
六、创作作品
七、教学评价
第18课
献出你的爱心
课时:2课时
教材分析:
一、教学内容与目标
1、让学生通过搜集资料了解“希望工程”的产生经过、“希望工程对山区孩子的意义。通过小报的制作和给山区小朋友慰问品”礼品的设计制作,有目的地开展综合探索活动。
2、通过参与活动,激发学生的爱心;通过社会实践学会表达自己的真情实感,收获实践后的快乐。在小组活动过程中培养协作意识及探究精神。
二、教学重点与难点
重点:了解“希望工程”的社会意义及价值。让学生通过动手制作表达自己的爱心,用自己力所能及的力量表达情感。
难点:有目的地开展综合实践活动,利用已有的知识和能力开展献爱心活动。
三、学习材料
图画纸、水粉、喷壶、牙刷、影像资料等。
教学过程
一、故事性导入
为学生进述私企老板造福家乡、为贫困学生建立一流学校的故事。
二、讲授新课
1、讨论:山区人民为什么贫困?怎样才能帮助山区的孩子?怎样才能让他们过好日子?
2、要求学生通过自己的劳动为山区小朋友做点事。
三、探究式学习
1、看书分析书上是怎么做的:
设计宣传小报
制作爱心小礼品
2、具体分析
小报的设计制作要注意什么?小报上主要宣传什么内容?怎么样能设计制作得更精美?
小礼品的设计制作要有一个规划;想做成什么样的礼品?怎么做?怎样做会更好看、更实用?
四、创作实践活动
教师巡回辅导,给予学生适当的帮助。
五、课后展示
教师总结
学生相互评价,简谈收获。
展示学生的作品。
第19课
小花铲
课时:2课时
教材分析:
一、教学内容与目标
1、废旧物的巧利用。根据塑料瓶的开头七妙地制作成有趣味的、能用的小花铲。培养学生的创造意识与制作能力。
2、培养学生善于发现、勇于创造的精神,增强环保意识。
二、教学重点与难点
重点:材料的发现与利用,变腐朽为神奇。引导学生利用材料的形状、质地、色彩进行设计与制作。
难点:制作过程中的困难;塑料瓶较硬又呈圆形,易伤手。
教学过程
一、组织教学
二、引导阶段
展示一把用塑料瓶制作的小花铲,并提出问题:说说这把小花铲是用什么材料制作的?它在生活中有什么用途?
三、出示课题,进入探究阶段
板书课题;小花铲,布置学生分析小花铲的构造。
四、研究教材
教材中的小花铲作品,在斗与把手设计上有什么变化?是如何充分利用原有材料的?
五、教师与学生共同操作
取一个烹瓶,请一位同学用彩笔在瓶子上画出剪切线。
六、安全教育,教师示范剪切小花铲
用剪子在划线去掉部分上钻一孔洞,注意防止打滑、伤手。在距离划线1厘米左右处将多余部分剪下。
接下来,做进一步调整,直到满意为止。
七、布置作业,创作实践
设计要求:
造型简练,充分利用瓶子的形状。
第四篇:五上美术教案
第2课:自画漫画像、问题提出
漫画肖像和我们平时画的人像有什么区别?
教学目的
1、运用夸张、变形的手法为自己创作一幅有趣的漫画像,学习夸张变形的艺术表现手法,提高想象了和创造力。
2、学生经历观察、比较、讨论、创作等过程,学习漫画夸张、变形的艺术表现手法,增强了对漫画艺术的了解。
3、增进对漫画艺术的了解与热爱。
过程设计
一、激趣导入:
教师请学生欣赏一些不同风格的漫画肖像作品,建立初步感知,激发兴趣。
二、探究体验:
分析漫画的表现手法:
教师请学生带着问题欣赏分析图片:
1、漫画肖像和我们平时画的人像有什么区别?
2、漫画肖像有那些艺术表现手法?
3、漫画肖像主要是抓住了人物的哪些特征进行夸张变形的?
教师小结:漫画肖像具有幽默、诙谐的特点;是运用夸张变形的艺术表现手法;突出了人物的形象和神态特征。
4、抓自己的突出特征。
5、结合欣赏教材爱因斯坦漫画像“漫画”过程图示,引导学生了解既要夸张人物外形特征,又要对人物的神态进行夸张。
6、教师自画漫画像,解决夸张变形问题。教师便讲解边在黑板上进行夸张变现,使学生创作时有一个感性的认识。
三、学生实践:
教师指导,引导帮助学生抓自己最主要的特征。
四、成果展示:
对于优秀作品及时展示。重点与难点 教学重点:运用夸张、变形的手法为自己创作一幅有趣的漫画像。教学难点:学习夸张变形的艺术表现手法,提高想象力和创造力。总结反思
学生经历了观察、比较、讨论、创作等过程,学习了漫画夸张、变形的艺术表现手法,增强了对漫画艺术的了解与热爱。学习效果不错。
第3课:漫画与生活
问题提出
漫画的功能有哪些?
教学目的
1、了解漫画的不同特点、功能和种类,学习如何选材立意以及漫画表现手法等。
2、通过漫画创作,提高想象力和创造力。
3、学生经历自主学习、小组合作学习,欣赏、讨论等学习过程,了解漫画的基本知识和表现方法。
4、增加审美情趣,提高审美情趣,提高审美素质;能体会艺术来源于生活的道理。
过程设计
一、激趣导入: 欣赏图片
二、探究体验:
1、结合漫画作品与课本解释漫画:漫画是一种来自于生活的艺术,漫画家在生活中观察体味,寻找要表现的内容,并以幽默夸张、寓意、讽刺等手法进行表现。
2、漫画的功能有哪些?课本的图片都运用了哪些表现方法,你还知道哪些表现方法?
教师根据学生的回答,结合课本图片,向学生做系统的介绍漫画知识。(1)、立意:
结合课本图片边举例边分析,漫画来源于生活。如何立意:正确、明确、深刻。
(2)、漫画的功能有讽刺、歌颂、传播、娱乐等功能。表现手法: 教师提示学生一幅画往往是由几种表现手法构成。(3)、文字作用:使画面主题更明确、深刻。教师小结:
对于“无题”漫画进行分析:换面一斤把意思表达清楚了,不设题目反而含蓄幽默。
三、学生创作:
教师辅导注意学生的差异性,表现形式多样。
四、成果展示:
采取班级画展形式展示,评价重点落在构思和表现手法上。板书设计:
3、漫画与生活
表现形式:单幅
表现手法:讽刺、歌颂、娱乐、组成部分:漫画
多幅
宣传、夸张、巧合文字
重点与难点
教学重点:了解漫画的不同特点、功能和种类,以及漫画的基本知识和表现方法。
教学难点:学习如何选材立意以及漫画表现手法等。总结反思
在本节课中,学生经历了自主学习、小组合作学习,欣赏、讨论等学习过程,了解了漫画的不同特点、功能和种类,以及漫画的基本知识和表现方法。通过漫画创作,提高了学生的想象力和创造力。从而增加了学生的审美情趣,提高了审美素质。
10、木版年画
问题提出
以前学过哪几种绘画表现手法? 教学目的 1.欣赏我国不同地区的民间木版年画,了解民间版画的制作工艺和艺术特色。
2.学会民间漏版印制的方法,能独立创作一幅版画。
3.通过版画的欣赏和制作实践,建立对中国传统文化价值的认同感和热爱之情。
过程设计
1、导入课题:
(1)、教师提问:以前学过哪几种绘画表现手法?
(2)、玩游戏:把一张薄一点的白纸盖在一枚硬币上,用铅笔在上面涂抹,就可以印出硬币上的文字和图案。为什么会这样呢?请学生回答。
(3)、教师小结:年画,古称“门神画”。早在明朝的时候,中国民间就开始使用木版印刷技术来印刷年画。木版画即凹版制作的版画。(4)、揭示课题:《木版年画》。
2、欣赏木版年画:
(1)、教师提问:民间木版年画给你们什么感受?学生答:色彩鲜艳、造型复杂、内容喜庆、栩栩如生。(2)、教师介绍木版年画的发展史:年画在200多年前的清朝康熙、乾隆年间十分流行。全国出现了天津杨柳青、河北武强、山东潍坊和高密、苏州桃花坞、河南开封朱仙镇、陕西凤翔和汉中等十几个大大小小的年画产地。其中四川绵竹年画、江苏桃花坞年画、天津杨柳青年画、山东潍坊杨家埠年画在历史上久负盛名,被誉为中国“年画四大家”。
①、教师提问:年画一般表现什么题材? ②、教师小结:年画的表现内容包含戏剧故事、民间传说、历史小说、世俗生活、时事趣闻、名胜风物、门灶诸神、仕女娃娃等,几乎涵盖了中国百姓生活题材的全部。它植根于民间,集中了劳动人民的艺术才能、淳朴的思想感情和对美好生活的强烈向往。(3)、课件展示:年画的制作过程。
教师小结:古代的年画都是先由画工设计画稿,再由雕工雕刻制版,最后才由印刷工上色印刷成画。画、刻、印是各自分开的。
3、重点研究两幅年画。①、分析它们的用色特点。教师小结:木版年画的色彩鲜艳,对比强烈。提取自然形象的色彩并进行夸张和随心所欲的搭配,常采用互补色的对比关系,如:红加绿的搭配。
②、分析它们的造型特征。
教师小结:民间木版年画中的人物、动物的造型,都源自于生活中的自然形象,由民间艺人提取夸张。
4、学习漏版技术。
①、教师出示已经刻好的漏版。提问:我们如何利用漏版来制作年画呢?学生根据教材上的图解回答。②、教师边示范边讲解制作要点:漏版又叫孔版,在刻制漏版的时候,图案要负形相连。
5、作业要求:使用漏版技术印制一幅年画。
6、展示作业,评析奖励:评选最佳年画作品,并在教室内或校园内展出。
7、课外延伸:课件展示年画的其他制作形式。重点与难点
教学重点:掌握制版技术。教学难点:学会拓印方法。
总结反思
本课的前半部分是民间木版年画赏析,介绍民间版画的色彩搭配原理,后半部分则是介绍木版年画的制作方法和步骤。由于版画的操作形式符合小学生游戏心理的需要,故学生比较喜欢。教学中,我注重引导学生观察木版年画的形式特征、色彩搭配的特点,以提问式教学手法引导学生进行探究性学习,落实了教学重点和难点。在木版年画的制作实践中,让学生由浅入深地掌握了漏版制作法和纸版制作法,学生独立创作一幅版画。
第五篇:五上美术教案
第1课色彩的对比
领域:造型•表现 课时:2课时 教学目标:
1、认识色彩的对比,使学生能利用对比色来装点自己的生活。
2、进行对比色的涂色练习。教学重点: 认识色彩的对比。教学难点: 如何运用对比色。课前准备:
学生:你认为什么是对比色,在生活中哪里能见到对比色? 教师、学生:水粉颜料,毛笔,调色盘,笔洗,报纸,抹布。教学思路:
本课首先通过欣赏,使学生感受到对比色的强烈,在观察色轮表发现哪些颜色是对比色,它们有什么共同的特征,明白补色的关系,最后通过实践巩固所学知识。教学过程:
1、欣赏:
(1)出示课题——“万绿丛中一点红”。
(2)比较: 相同的主体,不一样的背景,两幅图有什么不同.2、发现:
(1)当一种颜色出现在另一种颜色上,人们在视觉上便会比较两种颜色.当两种颜色相差得远时,就会特显出另一种颜色.这就是对比了.(2)观察色轮,发现三原色中任何两色相混所得的间色与另一原色互为对比色,即互为补色关系。
(3)在色相环上,直线相对的两种颜色配合,会产生强烈的对比。如红与绿、橙与蓝、黄与紫都称为对比色。
(4)引导学生欣赏课例,通过欣赏使学生认识到强烈对比使画面响亮,生气勃勃,可以更形象更生动地衬托出主体。
3、实践:
(1)用对比色组织一幅画面。(2)学生作业,教师巡回指导。
4、学生的作品展评:根据本节课的要点开展点评。
第2课 色彩的和谐
领域:造型•表现 课时:1课时
教学目标:
1、认识邻近色,掌握邻近色的调配规律。
2、用邻近色进行涂色练习。
3、感受色彩的魅力。
教学重点: 认识邻近色并掌握其调色方法。
教学难点: 如何运用邻近色表现出和谐的色彩搭配和完整的画面效果。
教学准备: 教师:课件、水粉颜料和绘画工具。
学生:水粉颜料,毛笔,调色盘,笔洗,报纸,抹布。
教学思路: 本课首先通过让学生欣赏生活中的邻近色,使他们感受到邻近色的和谐美;接着通过观察色轮表,明白邻近色之间的色彩关系和变化规律,并在多媒体的演示下理解邻近色的调配方法;最后最后通过动手实践达到本课的学习目的。教学过程:
1、引导欣赏:
(1)
播放录象,欣赏生活中的邻近色画面(2)
出示课题——“色彩的和谐”。
(3)
复习对比色,比较邻近色与对比色的区别。
2、目标发展:
(1)什么是邻近色?(出示色轮)在色环上,相邻近的色彩,称为邻近色。如: 黄——黄绿——绿 红紫——紫——蓝紫 黄橙——橙——红橙
(2)寻找邻近色(师生互动)A、家居图片 B、生活图片 C、建筑图片(3)欣赏画家作品,找出邻近色,并说说邻近色在画面中产生的效果:和谐(4)师示范邻近色的调配方法
3、实践活动:
(1)作业:用邻近色组织一幅画面。(2)学生动手操作,教师巡视指导。
4、作业展评。
第3课:美丽的纹样
教学目标:
1、了解适合纹样的基本知识,掌握其图案装饰的一般规律,知道适合纹样在日常生活中的广泛运用。
2、应会运用以前学过的点、线、面等装饰方法和夸张、变形、省略等变化方法来对适合纹样进行装饰。
3、培养学生的审美能力和动手能力。
教学重点:学会用几何形、自然形等要素点、线、面来装饰适合图形的纹样。
教学难点:运用点、线、面三要素及夸张、变形等变化方法来设计制作适合纹样。
教学具准备:适合纹样图片资料、作画工具等。
教学内容:
1、组织教学 导入新课
欣赏图案将学生带入美丽的图案中
(图案本身的魅力吸引学生的注意力,将学生带入美的情景中,激发学生的兴趣。)
生欣赏图案
提出问题:刚刚欣赏的图案中,你们有没有发现什么规律?
生:我发现它们的外形有的是我们数学中的三角形、圆形、正方形。
生:有的外形像桃子、有的像树叶。
生:里面的图案类型有的是一个形象,有的是几个形象组合在一起。
生:里面的图案跟外面的形状是一样的,也跟着是圆形、方形——
(同学们说的都不错,观察的很仔细,说出了这些图案的特点)
师总结学生的发言,揭示课题:适合纹样
2、了解知识 掌握方法
师:在我们生活中可以发现很多这样的图案。来说一说,你在哪些地方见过它们?
生讨论发言。
师:那我们同学想不想自己来做一做这样的图案呢?
我们在来仔细的观察欣赏一下,同时思考以下的问题:
1)什么是适合纹样?
2)基本形有哪些?
3)我们可以有哪些填充的图案
生欣赏、思考、讨论
师和生一起总结:
1)适合纹样指适合于一定的外轮廓形状中的装饰纹样。适合纹样的形态要与外廓相吻合,就是说,在除去边框时,仍旧具有清晰的边框外形特征。2)可以有正方形、圆形、三角形、自然形、人造形等
3)我们可以用点、线、面来装饰,也可以用一个形象或者几个形象来装饰。
(了解了适合纹样的一般知识,掌握了基本规律,有利于下一步的设计制作)
师:在以前我们学过了夸张、变形、省略等方法,这节课中我们可以用到它们。
3、构思、设计、制作精美的适合纹样
师:我们很多同学很想展示一下自己的身手了。今天呢,我们每位同学就来设计一些适合纹样,要求先选好某种外形,在根据外形设计选择填充图案,去掉外形后,图案仍能保持其形状。
生作业 师巡视辅导
4、评价作业(自评、互评)
第4课 趣味文字
一、教学目的
1、在了解美术字知识和汉字结构的基础上,了解笔画、笔顺与书写方法。
2、学习美术字的基本书写方法与美化方法。
3、培养学生丰富的想象力与表现力,提高学生学习美术字的兴趣。
二、教学重难点:
1、了解美术字基础知识,掌握变体美术字的书写方法与美化方法。
2、提高学生想象能力和表现能力,感受趣味美术字的乐趣。
三、教材分析:
通过欣赏美术字了解各种美术字体的特点,比较变体美术字并感受变体文字的趣味性。引导学生掌握变体美术字的基本书写方法,提高对美术字装饰和美化效果,了解美术字在生活中的广泛运用。
四、教学过程:
(一)课前准备
1、学具:记号笔、水彩笔、荧光笔
2、教具:各种美术字和变体美术字、记号笔
(二)课堂教学
1、引导阶段
①认识基本美术字体及其特点:
出示宋体、黑体等基本文字引导学生欣赏其特点。
宋体:端庄大方,笔画横细直粗,点上尖下圆,横画收笔有顿角,笔画转折时顿角明显。黑体:笔画横竖一样粗,方头方尾,醒目有力。
②欣赏基本美术字体和变体美术字的比较
出示范字“花”两种美术字引导学生观察那种更有趣味?为什么?生----
2、发展阶段
①认识趣味文字的特点:
趣味美术字是根据文字的内容和含义,运用丰富的想象力把文字的笔画进行变形、加工、装饰而成的,使之更加夸张、突出、醒目、美观。趣味美术字在艺术上有较大的自由变化,所以它的特点是:具形象、又简洁、美观、生动、有趣等。
②趣味文字的分类
a、笔画变化:改变笔画的形状或粗细,使之更有装饰性。
b、字形变化:改变字的外形,使之更有造型感。
c、结构变化:将某笔画进行夸大或缩小来求新颖的效果。
d、形象性:根据文字含义运用形象图案来装饰字体。
③欣赏优秀美术字
引导学生分析其特色和艺术感,感受它的趣味性。如:形象体:“心灵”运用爱心来表示点,提升了心灵的含义具形象又生动。字形变化:“流水年华”采用是一条不平静而具有运动感的线,具有节奏感使人联想到水的波浪。笔画变化:如:“天香”采用直线和曲线相结合,增添文字的趣味性,以花朵装饰更加美观。结构变化:运用半圆形的笔画具有活泼感,如“快乐”的书写方法联想到儿童的木马玩具可以摇动的,有快乐感。欣赏课本范字学生进行分析。
④、演示美术字书写的步骤和特点:
a、首先用尺子定文字的大小和形状。
b、再根据外形、结构、笔画的特点用单线写出字形。
c、然后根据文字的含义应用夸张、形象手法设计趣味美术字体。如:波浪的设计和书写,为突出浪花的形象采用曲线圆点来装饰浪花的效果,具形象又有趣。还有“时间”采用小闹钟来代替日字,很有说服力,具有特殊的意义。
d、最后运用色彩基础知识对比色和邻近色来强调趣味文字的美。
1、引导学生同桌讨论交流你所选的文字将应用什么形式来改变?
2、学生起稿设计文字,突出趣味性。
3、作业展示,学生进行评价。
5、画龙点睛
教学目标:
1、能力与技巧:了解纹样在包装上的作用,能综合运用纹样与趣味汉字创新装饰美化包装。
2、过程与方法:在自主探究、小组讨论、教师讲解的学习过程中,让学生掌握纹样、文字设计应用的基本知识与方法。
3、情感态度价值观:培养创新意识、自主探究学习能力,提高对生活环境的关注力,激发学生用所学美术知识与技能美化生活的能力与愿望。
教学重点:纹样文字的表现形式
教学难点:运用文字、纹样相结合的方法并以点状面状装饰包装。
教具准备:包装纸、纸盒、丝带、彩笔、剪刀、透明胶带、废旧材料、订书器 教学过程:
一、引趣导入:
今天老师带来了一样神秘的礼物,我想把它送给这节课表现最优秀的同学,为了让这名同学收到礼物时更加开心,我想把它进行一下简单的包装。
二、探究新知:
1、渗透礼品包装的相关知识 请同学们看大屏幕,老师这里有三张不同材质、不同颜色的包装纸,如果这件礼物送给你的话,你会选择哪一张呢?为什么?那么剩下的两张你认为适合包装什么礼物送给什么人呢?
2、演示包装方法 ? 教师利用实物投影演示包装方法。
3、欣赏礼品包装图片 礼品的包装和装饰方法很多,下面我们就欣赏一组各具特色的礼品包装图片。通过老师的示范和同学们的欣赏,相信同学们已经学会了包装的方法,那么包装什么礼物呢?母亲节就要到了,妈妈平时为我们付出了很多辛苦,请每位同学为自己的妈妈写几句祝福语,装进盒子里,作为礼物送给妈妈,同学们看大屏幕,展示教师制作的祝福语。
三、学生制作 温馨提示:
1、用包装纸给礼物镶边框。
2、用深色彩笔写祝福语
3、把祝福语放到盒子里进行包装
4、装饰
四、展示评价: 说一说制作感受,对自己设计的包装满意吗?为什么?其他同学对这件作品有什么想法?你喜欢哪个包装作品? 学生回答,教师小结。
五、送礼物
今天表现最优秀的同学是? ?,现在我就把礼物送给他,在送他礼物之前,我要告诉同学们,接送礼物也有一定的礼仪,教师演示双手送礼物,对方双手接礼物,并表示感谢,教师送礼物。
第6课快乐刮画
教学目标:
知识与技能——通过欣赏,认识刮画的特点,了解、掌握刮画工具的使用方法。
方法与过程——通过欣赏、讨论、自主探究和教师局部示范讲解,能够运用竹签等工具绘制刮画。情感态度价值观——通过欣赏、创新完成刮画,感受成就感与幸福感,提高美术学习兴趣和创新想象能力。教学重难点:
重点:认识刮画的特点,学会运用刮画工具。难点:运用点线面的知识刮画。课前准备:
学生:刮画纸、刮画工具(如牙签、废圆珠笔芯、三角板)教师:课件、范作、刮画工具(如牙签、废圆珠笔芯、三角板)
课时安排:一课时
教学设计:
一、激趣导入
引出课题出示一张刮画纸纸:
师:同学们好!看看老师给你们带来了什么?
生:一张黑色的纸块。
师:不,老师今天给大家带来的是一个小小的魔术。想不想看老师变魔术?
生:想。
师重复:这是一张黑色的纸,仔细看好了,看看我会把它变成什么„„ 一边说,一边在短时间内示范有彩底的的刮画。
师:(将刮出来的画贴在黑板上)漂亮吗?你以前见过这样的画吗?你知道它是怎么变出来的吗?
生:刮出来的。(假若学生不知道是怎么变出来的,老师就自然的引出:那老师来告诉大家,这画是刮出来的。)
师:你们真棒!的确是刮出来的。
板书:刮出来的,提示课题《快乐刮画》。
二、出示目标
认识刮画
1、刮画纸和普通纸有什么不同?
2、画刮画使用的工具和平时绘画使用的绘画工具有什么不同?
3、刮画和平时绘画作品画出来的有什么不同?
三、初步了解
制作方法
1、课件出示图片,请学生观察了解刮画制作的方法。竹笔刮出各种线条和明暗的形或面。
2、通过展示用竹签在刮画纸上随意勾画所带来的四种不同效果,告诉学生,刮画笔触随笔者或凝滞或流畅的运笔,会产生具有渐变的关系、表现性强的肌理效果。
3、屏幕上出现刮画作品,请学生说出喜欢的作品及理由。
(引导学生从画面内容及线条、感受画面的肌理效果、块面的处理、色彩的运用,刮面大小加以总结。如:刮画时,刮痕是否清晰,力度是否到位,创意是否独特等„„)
4、刮画步骤指导。
出示课件《在恐龙园里》同学们观察,在制作刮画时,应按照什么步骤。抽生回答,总结:先刮主要物体,再刮次要,周边的物体。
观察这两幅图片,说说在制作时先刮什么后刮什么。
四、尝试制作
布置作业
5、同学们一定很想动手试试吧?
请看学习要求:设计一个形象,(景物、人物、动物等都可以)确定点、线、面的处理方法,在刮蜡纸上进行表现。老师及时表扬构图完整,点、线、面处理比较好的作品。
五、作品展示,激励刮画
1、各组推选优秀作品,贴在黑板上的展示区内。
2、请小画家介绍、评价自己的作品。
六、课外延伸 热爱刮画
1、充分挖掘生活中可以用来刮画的工具和材料,如沙子,木头等,进行刮画。
2、尝试合作创作:和家人,同伴,老师一起完成大的刮画作品,如壁画等。
3、欣赏民间艺术石刻拓片《牛》,欣赏现代法国艺术家马蒂斯作品线描《人物》感受刮画艺术的魅力。
第7课
无笔画
教学目标
1.认识自然界中具有天然纹理的景物,欣赏这些纹理别具特色的美感。培养学生从生活 中认识美、发现美的能力。
2.学习对印的方法,利用水彩、水粉颜料加水后流动的特性,探索对印技巧,创作出色彩变幻、肌理美观的无笔画;培养学生探索实践能力和动手操作能力。
教学重点:学习对印的方法和步骤;创作出色彩变幻、肌理美观的无笔画。
教学难点:把握色彩加水后流动的特性,探索对印技巧。
教学准备:教师:课件、无笔画教学范画及作画工具材料等。
学生:纸张、水粉颜料、调色工具等。
教学过程
一、欣赏导入
1.欣赏冰纹、木纹、水纹、石纹图片,引导学生观察自然界中 物体的纹理。
2.欣赏作品:《青山绿水》《秋色浸染》。
3.冰花晶莹的天趣,水流迂回的流畅,木纹变化的浪漫„„这些自然天成的形态,像一首首朦胧诗,似一幅幅抽象画。这节课我们也要试着制作纹理。揭示课题“无笔画”。
二、观察分析,探究方法
1.自主学习,钻研教材
指导学生学习教材,了解对印的过程。
2.教师讲解作画步骤
①准备表面光洁的纸张对折。
②在其中一半用颜料随意涂画。(可以用点、线、面)③可以采用多种涂色方法。(涂色、刷色、洒色、滴色)④ 颜色未干时,把另一半纸紧贴在画面上轻轻压印。
⑤打开画纸。用不同的手法(如:揉搓、多次快速打开等)创造出丰富多彩的画面。
3.教师示范(现场示范)
①现场演示对印方法和步骤。
②讲述要点。A.纸张上着色要用到涂色、洒色、点色等多种手法,合理使用水分让色彩交融,以获得多变的肌理效果,达到生动与变化的效果。B.纸张上的色彩要有深浅(明暗)的对比,同时要注意色彩的调和。C.印制的时候,要随时观察效果,可以反复对印。
三、实践操作,体验乐趣 1.尝试用水粉颜料对印的方法制作一幅抽象画,根据画面效果取适合的题目。
2.作业要求:
①水分把握得当,颜料的干湿,流淌的变化。
②颜色搭配合理,能够取得需要的色彩效果。
③能掌握对印的方法与技巧,注意揭画时的速度和停顿。
四、作品展评
1.展示作品,说说自己喜欢的纹理效果。
2.我们以前还学了吹画、喷洒、拓印等方式,同学们在课后还可以尝试更多的方法来创作无笔画。
第8课 鸟语花香
教学内容 中国画“鸟语花香” 教学课时 2课时
教学目标
引导学生运用中国画的笔墨方法表现自然界中的花、鸟。指导学生用富有墨色变化和多样的线条表现有诗意的画面。教学重点
运用富有创意的应用中国画技法特点加上自己的想象表现画面。教学难点
掌握中国画水与色的运用及构图中的基本要求。
教具准备 师备表现自然界美好景色彩图片及国画大师的绘画作品 教学过程
1、引导阶段:
(1)课件演示:观看欣赏自然美景,师与学生一起凭自己对鸟语花香的理解,交流自己对画面的想象。
(2)引导学生解读和理解大师的写实与写意的表现手法。齐白石富有生活情趣的花卉鱼虫:要求简单描述画面的形象、线条、笔法。让学生说出从画面上看到的东西。吴冠中的泼墨写意画:荷塘、小鸟天堂----知道墨色有浓有淡。吴冠中的线条画----简洁、明快、用流动的线来表现流动的物体和凝固的形体。(3)运用中国画水墨的方法让学生进行尝试练习,然后相互欣赏、取长补短。
2、发展阶段:
(1)师生共同作画,探索水墨画的表现手法: 请一学生在板上的宣纸上随意点个点,师即兴添画成花或鸟。
(2)归纳表现手法:勾画添画方法、色彩写意法。
(3)指导学生运用色彩和墨色深浅变化和浓淡变化来塑造形象。充分体现国画的墨色韵味变化的特点。
3、展示交流 把学生作业进行展示,一方面让学生体验成功,同时发扬学生作业中的闪光点。增强学习信心。
4、课后拓展:鼓励学生运用中国画的表现方法,课后进一步根据自己喜欢的形象与内容尝试练习,使他们更好运用中国画的表现方法来描绘学生对生活中的感受和童心童趣。
第9课 诗情画意
一、课型 造型 表现
二、课时 2课时
三、教学目的
1、指导学生选择熟悉的古诗,运用已有的绘画的技巧来表现诗的意境。
2、培养学生的造型能力和想象能力。
3、培养学生对祖国历史悠久的传统文学艺术的热爱,陶冶审美情操。
四、教学重点与难点
重点:运用已有的绘画知识表现古诗的意境。难点:恰当地表现古诗的意境。
五、教学准备
教师:课件。
学生:准备古诗一首,并能解释诗意;绘画材料、工具。
六、教学思路
诗情画意是一种纯美的境界,作者运用高度浓缩及精湛的语言,栩栩如生地将眼睛所看、心理所想表现出来,形成了“诗中有画,画中有诗”的艺术境界,将学生带进诗情画意,感受传统文化瑰宝的魅力,提高孩子们对古诗的鉴赏能力,陶冶情操,美化心灵。通过小组交流,让学生互相探讨,互相学习,并以听一听,找一找,即激发学生的观察兴趣,也能让学生从不同的角度理解创作的方法,为学生的创造表现提供借鉴。教师注重个别指导,让后进生也能享受到成功的喜悦。
七、教学流程
(一)情景导入激趣。课件出现童声朗诵《咏鹅》,激发学生回忆一年级学过的古诗,并描绘诗的含义,出示图片,引导学生进一步理解诗中的情景。小结:我国传统艺术的常见表现手法“诗中有画,画中有诗”。揭题:诗情画意
(二)课件出现故事一首《静夜思》
1、师:每逢佳节倍思亲,我们就会常常用李白的《静夜思》来表达思乡的心情。1)师:读了这首诗能让你产生怎样的联想。(启发学生想象各种不同的情景。)2)教师出示几幅画作,引导学生观察比较。提出问题:哪幅作品最符合诗意?为什么?
2、欣赏课本中的图片,引导观察表现的特点及手法。
3、课件出示图片,以听一听,找一找,启发学生根据诗意找出相配对的图片,帮助学生进一步理解创作的特点。教师小结:要画出诗中的情景,除表现出诗中的主体,还要表现与它相适宜的景物„„
(三)发展阶段
1、组织学生交流:你最喜欢那一首古诗,你想怎样表现它?引导学生展示准备的资料,介绍解释诗意,提出自己的创作思想。
2、教师请个别学生说说自己的想法,表扬及进一步启发学生的想象。
3、提出作业要求: 给自己喜欢的古诗配上图画。
第10课 彩墨脸谱
教学目标:
1、通过对彩墨脸谱一课的学习,激发学生关心热爱中国脸谱艺术的情感,了解中国脸谱艺术富有的图案及其具有的鲜明的思想性和艺术性。
2、使学生初步了解中国京剧脸谱艺术的特点、谱式、色彩等方面的基础知识,并学习用彩墨绘画的方式进行创作。
3、通过学习用中国画的画法画脸谱,使学生进一步认识国画的形式美感,弘扬我国民族艺术,激发学生热爱中国画,关注自然、热爱生活的情感,引导学生在情感体验中提高观察能力和表现能力。
教学准备: 多媒体课件、脸谱、示范画材料、毛笔、宣纸、墨汁、中国画颜料等国画工具。重点难点:
重点:了解中国京剧脸谱艺术的特点、谱式、色彩等方面的基础知识。难点:用彩墨绘画的方式绘制脸谱。教学过程:
(一)谈话激趣,导入新课
通过与学生直接谈话,了解彩墨游戏和绘画材料导入新课。揭示课题“彩墨脸谱”。
(二)探究表现脸谱的方法
1、感受京剧的魅力。
2、分析京剧脸谱的特征。
3、京剧脸谱的色彩特点。
4、尝试用彩墨绘制京剧脸谱。
5、赏析绘制作品,拓宽学生创作视野。
(三)学生创作,教师辅导
(四)创作展示
请学生以小组为单位进行全面展示。让学生提出创作的优点和可改进之处。教师在少数的作品上可现场进行添画,以提高学生的兴趣。鼓励学生把自己的平面作品制作成立体脸谱„„
(五)艺术的现实运用
欣赏彩墨脸谱在现实生活中的运用,为我们的生活增添精彩
第18课 美术学习纪录袋
学习领域:综合 探索
教学目标:
1、指导学生学习档案资料的收集、整理和保存方法。
2、指导学生完成美术学习资料收集、标签制作、分类编号、展示作品等整个学习过程。
引导学生通过制作美术学习记录袋的活动,感受美术设计工作的乐趣和学习成功的喜悦。
教学重点:美术学习记录袋的制作过程。
教学难点:如何制作能突出个性的美术学习记录袋。
教具:美术学习记录本的示范作业,以及教学示范演示的工具材料。
学具:学生搜集自己优秀的美术作业、各种作业评价,准备制作美术学习记录袋的工具与材料。
教学过程:
1、引导阶段
教师展示一个原装记录袋,问有什么用途?(装文件等)。再展示一个已装饰好的美术记录袋,与原装记录袋进行比较,有什么不同?(专门装美术作品、特征鲜明)学生讨论美术学习记录袋的
2、发展阶段
提问学生如何设计制作一个美术学习记录袋,打开一个美术学习记录袋看看,学生展开讨论,后教师总结制作过程、具体要求和方法。
1)、选择自己满意的作业、或作业的照片。
2)、将作业按时间先后的顺序,进行编号或分类。
3)、选用透明的塑料文件袋,作为我们美术学习记录袋。
4)、制作标签,注明姓名、班级、学号、建档日期。
5)、收集自己的评语、同学的评语、老师的评语或者家长的评语。
6)、美术作业和各种评语按编号或分类,放进美术学习袋中。师又提出问题:如何设计制作一个具有“美术”学科特征或者体现你的个性化的特征的美术学习记录袋?欣赏一些具有个性化的特征的美术学习记录袋,生谈谈自己的看法。师:画面的设计形式?效果?表现方法?
3、布置作业:设计制作一个具有“美术”学科特征或者体现你的个性化的特征的美术学习记录袋。
4、学生作业,教师指导
教师组织学生分组,组员讨论,共同拟订和完善各自的美术学习记录袋设计方案,并补充一些学生互评工作。
学生分头按设计方案进行标签设计制作、选择作品、分类编号、汇总作业等工作。
5、作业讲评
作业完成后让学生进行作品展示,开展互相评价、欣赏活动。
6、课后拓展
鼓励学生积极设计制作其它学科的学习记录袋,不断提高美术的实际应用能力。20.珍爱国宝——古代的陶瓷艺术
教学目的:
通过学习,让学生了解中国的瓷器是传统艺术中的瑰宝,它代表了中国在世界制瓷领域中高超的工艺制造水平,是中国伟大的发明之一。
使学生了解我国不同历史时期的制瓷工艺、造型、装饰及不同窑场产品的艺术特征,学会运用正确的方法去观赏陶瓷艺术。培养学生热爱中华民族传统文化的情趣。
教学重点:
1. 中国瓷器的生产和发展,瓷器与陶器的区别。
2. 瓷器的造型、装饰、色彩及艺术特色。特点。
3. 主要名窑的产品特征。
教学难点:
主要是有关历史知识和历史背景,除了在教学内容资料作些简要介绍外一些专业名词和有关的历史文化知识。
教具准备:教材、多媒体课件、录象带
教学过程:
一.组织教学:(常规)
二、导入:
提问:
1.什么是陶器?什么是彩陶?
2.中国古代陶器的造型特征是什么?
放映幻灯(贯耳瓶)
提问:这是陶器吗?应是什么器物?
三.讲授新课:(出示课题)
我国是瓷器的故乡和原生地,瓷器是我国传统的工艺美术,其工艺水平在世界上享有盛誉。
1.瓷器与陶器的关系
陶瓷工艺是陶器工艺和瓷器工艺的总称。陶器和瓷器有下列区别。
(1)烧制的原材料不同;
(2)烧制的温度不同;
(3)陶器质地疏松有一定吸水性,瓷器质地密实不透水。
2.瓷器的发展
商代出现原始瓷,东汉至三国是我国瓷器发展史上极为重要的时期,三国以后到南北朝,瓷器进入了一个辉煌的发展时期,南方有青釉瓷,北方有青瓷。隋唐时期是我国瓷器的一个重要的成长时期,这时瓷器普遍用较高的火候烧成,胎质较硬。瓷器在社会生活中日渐受到重视。唐代开始有了“窑”的专称,它象征着瓷器产量的增长。宋代瓷器产量高且质量好,为明清瓷业的发展奠定了基础。元代,我国瓷器大批量行销海外。明清是我国制瓷业的鼎盛时期,造瓷技术有了很大的进步,胎釉细腻,色泽鲜明移植珐琅彩和创造粉彩是当时杰出的成就。
3. 我国瓷器在造型和装饰艺术上的特色
从东汉到南北朝,我国青瓷逐步成熟起来,但这一时期的瓷器无论是造型还是纹饰都与青铜器有联系,这时瓷器的造型特征是清秀挺拔,与当时人们的审美爱好相一致。
隋代瓷器造型有以下特征:
(1)胎体的可塑性和耐火性能加强,显得秀气。
(2)罐类器形一般为短颈、直口、圆腹。
(3)器物为小平底,底下有圆饼状实足。
隋代瓷器的纹饰常见的有几何纹、花卉纹、动物纹、人物纹,色彩也比较丰富。(重点介绍《白釉象首龙柄壶》)
唐代烧制瓷器的地域扩大,产品增多,青瓷、白瓷、三彩陶代表了唐代陶器工艺的最高水平。唐代瓷器作为商品广泛流传的海外,瓷器“自唐代始而有窑名”,这种传统习惯一直沿用的现代。唐代瓷器造型繁多,装饰更加丰富,采用手法有绘画、刻花、印花、捏塑等,内容包括日月、花草、树木、动物、人物、建筑等。五代时期继承了唐代的制瓷风格并有所发展,其中密色瓷为当时瓷器的最上品。五代时期一些重要的瓷窑体系基本形成,如定窑、耀州窑、磁州窑等。
宋代制瓷业比唐代规模更大,名窑众多,工艺水平超越前代,达到繁荣的新阶段。这是本课的重点内容。
它的主要标志是全国已形成了有代表性的瓷窑体系。影响最大的是被后世称为五大名窑的“汝窑”、“官 窑”、“哥窑”、“钧窑”和“定窑”。
“汝窑” 的窑址在今河南省临汝,宋代属汝州,故称汝窑。
“官窑”一般指官方办的窑厂。
“哥窑”是因相传南宋时有兄弟二人均在今浙江省龙泉烧制瓷器,各有特色,兄所烧制的瓷器称“哥窑”弟所烧制的瓷器则称“弟窑”。
“钧窑” 的窑址在今河南省禹县,古代属钧州,因而得名。
“定窑”的窑址在今河北省曲阳,古代属定州,故称“定窑”。
宋代的瓷器不仅创造了许多优美的造型,而且在釉色的运用上,为陶瓷美学开辟了一种新的境界。
元、明、清三代,中国的瓷器仍不断有所发展。白地蓝花的青花瓷器,始于元代,成熟于明代,并成为明、清两代瓷器生产的主流。
四.放映录象
五.本课小结。