固体水彩的不完全报告[五篇范文]

第一篇：固体水彩的不完全报告

固体水彩的不完全报告

顺便说，很推荐大家参看一下温泽的水彩颜料测评（学院级）日志：

其中对于不同的颜料的混色，还有管状的一些的研究超级棒。（我因为高中时代，十年前吧，被她提到的国产歌文管状恶心到了，那些粉末脏兮兮的群青色，那些干巴巴的颜料沉淀，从此在重回水彩时坚决不喜欢用管状……结果她说有好些很不错的--）。

我不是专门画画的，画画是学业之余的闲暇。也许，说的评论什么的，有不对的，也欢迎大家指正交流哦。还有，对初学的建议，是在财力有限的情况下，先选择一两种比较实惠的学生级，最好是超过18色的吧（一上手，不太会调色的，12色很不方便的，练调色是最关键的呢！）。我个人的感觉是，学生级和大师级的差别并没有想象的那么大，而一盒颜料，又可以用很久很久的（喜新厌旧是另一回事）(￣▽￣)/。

还有，入手的地方，有的是在店里买，有的是在淘宝偶遇，有的是在团购。我没有固定的推荐，也不愿固定地推荐什么。去美术商店里买，当然是会贵点，毕竟，有时候有现货，就会冲动购买的，估计也不止我一个人吧。ok。

嗯，首先要说，这些水彩盒子是为了干什么的，也就是我选择固体水彩的原因——钟情于小幅的插画，喜欢哪些便于携带的盒子，加上好看的套装盒子像糖果啦o(*￣︶￣*)o。记得当初，入水彩坑，是因为喜欢画手绘明信片嘛，之前也零碎地画过丙烯的卡片，可是无意中买了盒樱花之后，就喜欢上混色和水彩啦。在不超过5x7英寸的尺幅上，我大概用不着管状水彩的。而且，犯懒的虫子，看着干巴巴的调色盘，会没有兴致的，就一发不可收拾地攒起了各种水彩盒子了。

嗯，我主要试过的都是些12色-18色-24色-45色的套装set，而不是单块的，套装的便携（主要是12色）和十八色以上，是各有各地优缺点的。12色呢，携带比较方便，而18色以上，调色则更为方便，容易调出需要的颜色，因此各有适合的。我攒了不少12色的便携装，主要都是出门时用的。也正是由于其可提供的颜色极其有限，在小小的十二色色盘上，我会格外关注到颜色配置。少一块颜色，多一块颜色，容易不容易调出颜色都会成问题。有些颜色的有无，有时候影响还蛮大的嘛。而至于18色以上的颜料，颜色丰富，调色足够。除了偶而有几个特例外，基本上是满足需求啦o(*￣︶￣*)o。要知道，理论上，三原色能调出所有的颜色，但18色以上，纯粹是为了调色的方便而已。尤其是平涂的时候，颜色调少了，这种囧事真让人拙计呢。o(*￣▽￣*)o

也有画画的朋友提起过，（主要是艺术家级），同一个set里，由于原料的便宜与否，会有不同的单块的价格。而厂商为了省钱，套装里的单块，不可能都是最贵的那些，因此买套装，比起自己凑一套，会有点亏的。不过，我倒不是吝啬钱包，不注意单块的价格，而是更看重套装色彩配置啦。毕竟，颜色贵不贵是一回事，套装里有没有必要的颜色，是另一回事啦。即使有一些单块很贵的颜料，却未必是常用的，大概也很坑爹的吧。Σ(っ °Д °;)っ

还有，我对固体水彩颜料的感觉，难免会有我的用色习惯，也许有些地方难免谈的肤浅了——大概说来，我比较考虑的是混色、调色时颜料的透明度，颜料的质感，比如蘸水后的厚薄，颗粒的粗细，胶的感觉，还有干后是否变淡，等等，以及一个套装set的色块配置是否合理，等等。（当然，颜料的很多东西，有时候都可能和纸有关系，我用过的纸有很多，组合起来跟个随机数似的）。也许，感受是很个人的，只能这么慢慢拉拉杂杂说。

【专家级】

先说专家级。专家级和学生级是不同的档次的。一般说来专家级都没有白色。而且研磨的颗粒比较细，混色什么的更自然。

◆lukas 1862单块

lukas 1862 单块

套装代购什么的，实在太麻烦，考完试之后，我就忽然下定决心，去试一下温泽同学推荐的单块了。这大概是我第一个散装的单块系列了:)正好荷尔拜因的盒子有空，所以它们就全都到那个盒子里安身了XD。

我预先参考了官网提供的色卡去配的，惊讶地发现24色套装里竟然有白色。下单的时候，又问到店家没有佩恩灰、原色蓝和几个蓝色之后，补了些其它的色块，配合成了lukas的单块装。色号标在图上，大概是入了19个单块。秉持着一直以来18色是足够的心思，心满意足地回来试了颜色。

lukas的学生级已经让我很满意了（是学生级里我最喜欢的XD），大师级的水色也让人欢喜。蘸色很容易，颜色的调色则等着下次多画几张。粗粗的印象是混色也不容易出渣，我混棕黑色，混灰色什么的没问题。唯独是绿色有一块比较厚浊，印象里忘了和哪个调色盒里的一个学生级的绿色差不多，颜色下笔有种不透明的感觉——难道是原料的问题？相对的，五月绿（也是苹果绿）和青绿色就超级透明，而紫色也绚烂得让人欢喜。从色卡上还看不出扩散性，但实际上，在大面积上色的时候，自然而然的混色还是很让我满意的——尤其是在fabriano studio这个干得很快的木纹纸上也能表现这么出众，还是很好。

不过颜色确实是和rembrant差不多，干了会淡一点：）不像白夜和施米尼克那么浓哈~

◆荷尔拜因 holbein 18色 palm box

holbein 18色

跟着海叔入了这个团之后，很多人来问我这个颜料。我实在是准备考试太忙，随手涂了张，等有机会详细说吧。

荷尔拜因入之前，我就想的很清楚：这是个日系的颜料。拿到之后，果然觉得就是和樱花18色的颜色配置，甚至盒子大小都很像。说到底，我也在问自己，日系和欧系有没有大差别？英国、荷兰和德国、俄国的颜料，有什么大差别？有时候觉得，这大概是个伪命题，但有时候又觉得，这也是个问题——每个颜料都有独特的感觉-0-如果说这是日系，我最大的理由是，荷尔拜因的色彩，仿佛更鲜明一点。鲜亮鲜亮，闪亮闪亮的成色，红色，透紫。这些都是这个小盒子带给我的感觉！青绿色也很美丽。总之，色彩很舒服。我一直觉得18色是足够的，除了个无用的白色之外，三块绿，三块蓝，四块棕，一块佩恩灰，色彩超级明快~ 混色的话，一开始没注意，第二天，和梵高正好对比了下，才发觉天蓝色那块真的是透明得让我赞叹啊！没有沉淀，画出水蓝水蓝的颜色，一直是我的梦想啊！以前画梵高，别的颜色都还好，就是天空的颜色，总能在水彩纸的坑坑洼洼上留下痕迹。那天，在棉纸上给咕咚画卡片，被荷尔拜因的水蓝色的透明，感动得时候开心死了：）和一般的学生级相比，专家级确实不容易发生颗粒的沉淀，这才是色料上的精致啊~。

盒子的整个设计也很精妙。正如日文介绍所说的，palm box的盖子，正好放得下一张postcard大小。而我偏生是个明信片控。把明信片放在那里头收纳也觉得很适合。调色盘，包括色块都是可以动的。每个小格子下，有一个吸铁石。这样就不会像梵高那样一斜放就散架了。

不过，套装送的那只纤维笔，笔头比较粗，比起同样设计的华虹的4号笔头还要大，相当于一般的8号左右（而我常用的是4号和6号），笔头长，只是笔毛偏软，就不好控制了。海叔说成本上越软越贵。只是我觉得太软了不好控制笔嘛--。不过因为我有别的便携笔，倒也不太在意了

◆伦勃朗Rembrant 24色

Rembrant 24色

在泰伦斯Talents公司里，伦勃朗是艺术家级的颜料，也是国内最容易买到的艺术家级之一。（还有一个是温莎牛顿，不过我始终没有买过--）。

这是我的第一盒艺术家级的颜料。伦勃朗给人的第一印象，就是颜料颗粒的细，以及颜色的透明。水彩颜料是靠阿拉伯树胶来粘合色粉的，也许是含胶多一点，加上研磨的颗粒细的缘故，伦勃朗的色块的透明度，和自然的感觉非常让我惊讶。第一次从凡高换到伦勃朗，我被这个透明度吓到了。当然，暗沉的色系的颜色，也相对来说比较淡。这是相对于施米尼克来说的。大概是我偏爱清新和鲜亮的淡色。我对伦勃朗的颜色非常喜欢。算是我的最爱之一。（当然，不考虑价格的话。我这盒是敲诈朋友，在美术馆买的……加上几十元，都够在淘宝上买48色了。<(￣^￣)>）

24色的艺术家级颜色，是没有白色的。色彩上，绿色从苹果绿到青绿，蓝色也都很齐全，我对24色已经觉得够用了，不过有时候看看48色也好想要--orz。

不过说起来，透明的另一面，是干了之后会略微变淡。有些喜欢深沉的颜色的人，会偏爱施米尼克的。我还是喜欢这个的棕色。鲜亮鲜亮的。

此外，不得不说一句，伦勃朗送的一支貂毛笔也是很好用的。尤其是相比别的套装艺术家级送的笔之后，我不得不说，在我的达芬奇便携笔到来之前，这盒送的貂毛笔，一直是我最常用的画笔，没有之一哦。以前还被一个朋友鄙视过。结果后来发现，有这个想法的不止我一个人，咳咳：）

◆施米尼克Schminicke大师级12色

Schmincke 12色大师级全块

施米尼克（也叫做史明克，或者猫头鹰），是德国的水彩品牌。

有段时间大家都在讨论，疯狂长草之后，我从淘宝代购，入了全块装的12色。但和施米尼克大师级磨合的过程，真是一言难尽啊。<(￣^￣)> 具体说，首先是颜色配置的问题。施米尼克的12色的颜色，拿到手就觉得，好一个“暗沉”啊！和很多12色的配色不一样，颜色基调明显暗沉很多。绿色两块，一个是青绿，一个是很浓的棕榈绿色，后者我几乎用不太着，如果需要调出草绿的话，也许是颜色比较浓，感觉相当有难度。蓝色是一块群青，一块普兰，普兰的深色，也比一般的要暗一点。而赭色系，一块红赭，像是英国红的颜色，另一块是熟褐。加上黑色是煤黑，也不是我大爱的佩恩灰。对于用惯了其它颜料的人来说，掌握起这个颜色配色暗沉，色彩有点不透的水彩颜料，说实在的，绝对需要一定的时间来适应。

加上施米尼克的颜色非常深，色块很实，要画出清淡的，透明的感觉很难。——温泽说，像水粉，我的感觉也是这样，色料很多很足，确实一点不像透明的水彩。

话说回来，尽管我一直对这个12色的配色有点腹诽（谁让我买不起24色啊--），我还是补订了单块的苹果绿，紫色，赭石；而且，这里说的暗沉，也决不是说这个颜料是脏兮兮的。其实，大师级的混色，是一流的棒。曾经拿群青和红色，调出了漂亮的紫色，画天空的夜色，自然的过渡，也让我欢喜不已。也许，需要不同的人来适应吧。

此外，大的铁盒是不送笔的。便携装12色半块装的，送一支便于携带的达芬奇的笔。不过我用下来，那支笔并不是貂毛的，也是纤维的，有点笔头硬，不怎么好用，就放一边了。

◆白夜white night 24色全块

White Nights 24色全块

白夜是源自俄罗斯的艺术家级的颜料。也是一个在水彩颜料品牌里最为神奇的家伙之一——24色，全块，塑料盒。各种诡异的对比，能出乎你的想象：低劣的包装，出彩的颜色。各种填料的随机，和神奇的颜色的扩散。24色的配置没什么好说的，紫色也很棒，棕色也很足料。

只是，我实在很佩服俄罗斯人的工业包装——说实在的，这实在是和艺术家级的身份不相称，有木有！纸张很粗糙，锡纸像是废纸出来的，问到每个朋友，都是边拆包装边掉渣的(⊙ o ⊙)！此外，不同的色块，填装的量也是随机数。确实是，有的很空，有的很满，只能说，俄国人也太随机了吧--不过不要误会，掉渣只是发生在拆包装的那一刻。而且很有可能和包装的锡纸有关系。当我没有信心整理颜色的时候，我又一次被它的出众的表现震惊了。从整体的颜色上看，这一款的颗粒很细腻，就是艺术家级的颜料。还有一点点闻上去独特的味道。不记得是谁的小道消息说，有蜂蜜的味道，嘿嘿，待考。

总之，色彩的混色，还有上色时的浓郁，都算是表现可圈可点的。当然啦，最重要的是，用白夜的时候，总觉得不心疼。哈哈哈。嗯。

【学生级】

◆樱花Sakura 18色

樱花其实是泰伦斯旗下的入门级。还有24色的。但我买的时候只买到了18色。这张是很早以前画的图，我好像没有拍过盒子的照片。右下角的是照着颜色涂的，但色块有点小，配置看不太出来。

我最早买的固体水彩就是这个，是不能补色块的。但是有日系的颜色感。特有的肉色、紫色，在18色来说对我来说特别好用。只是它的缺点是，颗粒比较粗。有些人说樱花很渣，但我觉得也未必啊。在开始画手绘片的时候，我拿它慢慢调色，而且觉得非常好用，才让我开始喜欢了水彩。而且在我仅有樱花和梵高这两盒的时候，我对这盒的紫色也赞不绝口。另外，我觉得18色，够用就是樱花告诉我的——白色除外。这里有白色。

◆凡高 Van Gogh24色

梵高 24色

我第二个颜料就是这个。凡高属于泰伦斯旗下的中端的产品。

从配色上来说，暖色很温暖。24色的颜色有很多其实不太用的颜色，黄色有三块，红色我忘了有几块，但很奇怪的是，凡高没有紫色！是的，不管是16色还是24色，凡高没有单块的紫色。（我和豆子的都是梵高啊！她的是16色没有紫色。。無月酱的15色竟然有--orz）虽然说，用品红和群青也能调出紫色，但有时候调少了，确实画到一半没有颜料了，会不方便的。而且，梵高的混色上会有一点点沉淀。总之有一点点不满足的--还有，这盒有个坑爹的。我记得好多中端都有白色--根本用不着的颜色嘛……

从颗粒上，凡高比起樱花要细腻，但是比起伦勃朗来说，稍微有点儿粗糙。比歌文的感觉要浓一点，我稍微觉得歌文淡呢。

凡高别的地方都好，只是凡高的塑料盒子，在携带性上最大的问题在于做工——这个盒子没有改造之前，完全不耐携带啊。刚买回来的时候，瞧瞧那些糖盒子般的固体水彩块，拆了糖纸后松动地躺在盒子里，每次出门之后，轻微的震动就能翻出来，真是无语了。稍微的一折腾，颜料就会散了，排布也乱了。后来，上有政策，下有对策，我在盒子里放一个厚的泡沫塑料，便防止它松动，也就一直用到现在。

◆温莎歌文Gotman 45色

歌文这个的颜色也很多，只是我也没有拍照片。歌文也是温莎的中端，和梵高差不多，要有可比性的话，其实主要和梵高对比。可惜我没有用过歌文的24色。不能对24色的配置有太多发言权了。

只是对这个45色的配色，由于颜色太多，我实在无从置喙了。该有的颜色也应该都有了。因此，这盒颜料的问题，绝不是说歌文的质量不好，而是45色实在太多，我买的时候，没顾及到这个问题，用了后才发现，这个颜色太多颜色是累赘啦。（现在，我把很多单块都拿出来，转放到别的12色的颜料盒子里了--）不过，歌文一如既往地特点是，冷色，特别是蓝紫色相当惊艳呢。

比起梵高来说，歌文的颗粒好像更细，但是颜色有时候会觉得偏淡。也就是说，同样的水分，在歌文上颜色淡，梵高的颜色更浓一点。很多人给我推荐过了歌文24色全块装，会很耐用的：）我觉得比45色会实用点，至少鸡肋不多吧：）

◆卢卡斯Lukas studio 12 色学生装：

Lukas studio 12色 travel box

lukas下也分大师级和学生级。所谓的studio，就是学生级的便携装。

说起来，也许是因为是个德国的品牌的缘故，我觉得和施米尼克的感觉特别一致。很纯很浓郁。比起清淡的英国颜色来说，非常让我喜欢。颗粒很细，胶多，沉淀很少。

从颜色的配置上来说，我很喜欢里面非常纯的颜色，比如黄色，群青的蓝色。绿色两块有一块是青色的，也很棒。和其他的土黄相比，卢卡斯的土黄很亮。唯独原配的两块棕色，有一块是Cadimium Red，比较偏红，我相对喜欢偏黄的赭石，于是就用歌文45色的生赭石换掉了。蓝色是湖蓝和群青，米有普兰。

说起来，这个小盒子，带出去很方便，消耗量也很快，颜色已经被我弄脏了，塑料盒子不容易洗。但实话说，lukas算是让我喜欢上了旅行装的方便。

◆美利威尼斯 Venezia 12色 蓝盒

Venizia 12色 travel box

美利公司旗下有学生级的美利威尼斯，和大师级的美利蓝（也叫蜂鸟）。为了凑单，也为了好看，我入手了这个很萌的小盒子——和它美丽的外型相比，威尼斯是略微坑爹的家伙。

从颜色配置上，12色里有三个棕色，赭石，生赭，熟赫，比起别的要多一点，非常适合我画灰色调的时候用。但是，在绿色和蓝色上，配置着实不太好。绿色的颜色，感觉有点偏灰，不纯。蓝色说是群青和普兰，但是普兰也很蓝，一点都不是别的深沉浓郁的普兰，要是画暗沉的青绿色，宝石绿，用这个12色，还挺难调出来的。还有红色，牺牲了一块赭石之后，只有品红和橙红。品红偏紫，橙红偏黄，我们常用的大红色，需要调，而且悲剧的是，我每次都会调少--。

忍不住吐槽一句，威尼斯颜色偏浅，感觉不如凡高浓，总有点不沾笔的感觉。一开始我画的威尼斯的颜料，是一套书的系列，是我难得的比较清淡的，那时候还没觉得威尼斯有多淡。结果寒假回家，我只带了这一盒，立刻把缺点暴露无遗啊--最后制衡说，总体上性价比不算很高吧：）

◆施米尼克Schminicke学生级24色

Schmincke 24色学生级

在惨败给施米尼克的大师级之后，我决定入一盒学生级24色的施米尼克。

拿到手，就发现学生级有肉色这种很萌的颜色！以至于我的画面一下子变粉了--总体来说，整个配色很可爱，嘻嘻。温泽说了，整体的颜色跨度要比梵高大。这点确实是。

其实，就算是学生级，似乎也比别的学生级的颗粒要细，比如说歌文和梵高。不过，由于涨价后，觉得没那么便宜了，学生级也比伦勃朗的艺术家级贵，性价比不高，只是为了满足一下好奇心吧：）

◆Daler Rowney Aquafine 12色旅行装

Daler Rowney 12色 travel box

Daler Rowney的东西都是在实体店买到的。第一次买的是水彩明信片，那时候并不认识这个牌子。买了几本之后，才知道这也是一个英国牌子。后来才发现，阿拽的日志里也介绍过^^ Daler Rowney分艺术家级和学生级。Aquafine是学生级。买的时候，看到有铁盒12色，旅行装12色，铁盒24色。比了一下色卡，旅行装12色和铁盒是一样的，而盒子算净价要100多，于是买了旅行装。透明的硫酸纸的色卡挺萌的。

12色里，有三块红色。比一般的红色要多一块light red。是一种比较不透明，偏砖红的颜色。相应的，少了一块熟褐。棕色系只有这个砖红和很纯澈的一块赭石。蓝色系没有群青，是稍微有点偏浅的一块蓝色。需要说的是，普兰的颗粒有点粗，总是在纸上留沉淀。绿色两块倒是很喜欢，一块草绿一块青绿。很合适：）

嗯，这个也是学生级，应该和歌文和梵高比。价格也差不多的情况下，我只能说一般般呢。而且入手的渠道不多，只能看运气的。实话说，我就是为了试颜料。

好了，差不多整理完了。其实不同的色感会有不同的颜色。我的色块里，绿色消耗得很慢，所以我对绿色的评价，往往是很晚才用到，用到了才发觉不够--蓝色和红黄色都算我很常用的，所以红色缺一块，蓝色少一块什么的，立刻很敏感啦^-^

试了那么多，我绝对不认为，最贵的就是最好的。我只想说，慢慢熟悉手中的每一盒颜料，慢慢地锻炼自己的水彩吧：）

第二篇：承德水彩实习报告

实习地点：承德避暑山庄

实习目的：以色彩写生为主,加强自己的表现能力,形成良好的色彩感觉,培养对自然风景和环境的观察力及感受力。

2012年5月21日，我们建筑学的所有学生开始了我们的水彩实习，这次的目的地是美丽的承德避暑山庄。

实习过程：

实习前一天，我们便把实习所用的东西都收拾好了，因为这次时间比较长，所以尽管我们简之又减，还是大包小包一大堆。实习第一天，似乎所有人都很早的起床了，收拾好便浩浩荡荡的出发了。

到了一个新的城市，心里便满满的全是好奇，第一天是有导游领着的简单的介绍了承德的历史与文化背景，当然避暑山庄是重中之重。避暑山庄始建于康熙四十二年(1703年)，建成于乾隆五十五年，历时87年，是清代皇帝夏日避暑和处理政务的场所，为我国著名的古代帝王宫苑，这座规模宏大的园林拥有殿、堂、楼、馆、亭、榭、阁、轩、斋、寺、等建筑100余处。它的最大特色是山中有园，园中有山，山区占了整个园林面积的4/5。从西北部高峰到东南部湖沼、平原地带，相对等差180米，形成了群峰环绕、色壑纵横的景，山谷中清泉涌流，密林幽深。当年利用山峰、山崖、山麓、山涧等地形，修建了多处园林、寺庙，其中最引人注目的是遥相对立的两个山峰上的亭子，一个叫“南山积雪”，一个叫“四面云山”。在亭子上远眺，山庄的各风景点，山庄外的几座大庙，以及承德市区，周围山上的奇峰怪石，都可以一览无余。在另一座山峰上还有一座亭子叫“锤峰落照”，在这里磬锤峰首先映入眼帘，每当夕阳西照，磬锤峰被红霞照得金碧生辉，故名“锤峰落照”。

我们之后被安置在一个农家的院中，简单的收拾之后便又随着大部队前往避暑山庄。当这个历史久远的皇家园林展现在我们面前时，我才发现，它比想象中的更加震撼。避暑山庄分宫殿区、湖泊区、平原区、山峦区四大部分。山庄整体布局巧用地形，因山就势，分区明确，景色丰富，与其它园林相比，有其独特的风格。山庄宫殿区布局严谨，建筑朴素，苑景区自然野趣，宫殿与天然景观和谐地融为一体，达到了回归自然的境界。它继承和发展了中国古典园林“以人为之美入自然，符合自然而又超越自然”的传统造园思想，按照地形地貌特征进行选址和总体设计，完全借助于自然地势，因山就水，顺其自然，同时融南北造园艺术的精华于一身。它是中国园林史上一个辉煌的里程碑，是中国古典园林艺术的杰作，享有“中国地理形貌之缩影”和“中国古典园林之最高范例”的盛誉。一天的时间，我们在导游的带领下走完了几个宫殿，古建筑的魅力不止只在于它的外表，更加蕴含了中国古代劳动人民的智慧。平原区的建筑主要有两种，一方面是依湖而建的仿江南建筑，通显浓郁的江南水乡情调；另一方面是体现茫茫草原风光，展现了草原游牧

民

族的风

俗

习

惯。

第二天，我们便开始了正式的水彩实习，第一天画图总有些茫然，不知道该选哪个区域。最后我们几个到了冷香亭便是月色江声，据说这里是皇帝，炎炎夏日这里真的很凉爽，没有一点闷热。

窄窄的小长廊便随着古香古韵，着实让人着迷。从冷香亭看去是一片绿水，隔水相望的便是水心榭，风声便随着鸟儿鸣叫的声音，心似乎也静了下来。放下画板袋，铺开工具我们便开始了承德的第一次写生。山庄的游客来来往往，免不了会有很多的游人会看一下我们写生，被围观有时候很无奈，有的时候还会有人来告诉你哪的比例或是部位不对，应该怎么去画，还有很多小孩会说自己也想学画画······写生其实也是一件考验心理承

受

压

力

能

力的事。

之后我们去了狮子园，假山与水流相结合，精巧的小木屋安静的躺着水边，一架曲线优美的虹桥连着假山与对岸的平地，别有一番滋味。影响最深刻的应该是沧浪屿了，据说这里是整个避暑山庄中唯一一个为何的院子，因当年阶侧有一株双干古松，故室名“双松书屋”。双松书屋北毗连敞厅一座，北檐悬“沧浪屿”匾一面，槛联为“松生青石上，泉落白云间”。敞厅北临一泓池水，池周怪石横空，或则峭壁直下，势如千仞。清泉自石隙汩汩而入，满池绿云浮空，有

“天水涵溶万象收”的咫尺天涯之感。位于沧浪屿北部的就是烟雨楼，旧版电视剧《还珠格格》第一、二、三部，均在承德避暑山庄取景拍摄，山庄里的烟雨楼就是“漱芳斋”。最后的行程我们从山庄北门开始的，第一眼看见的便是蒙古包，右手边是庄严古朴的永佑寺。往左走一段，鲜艳的牡丹花盛开的正欢，也正是这鲜艳的牡丹给

整个古朴的山庄带来了一抹五彩的颜色。避暑山庄还有一处比较著名的地方，那就是文津阁，走过流杯亭便是文津阁。从外观上看，文津阁是一个二层楼阁，实际上是三层楼阁，中间有一暗层。暗层全用楠木造壁，能防虫蛀，是藏书之处。文津阁有围墙环绕，坐北朝南，三面临水，从南往北为门殿、假山、水池、文津阁、碑亭。阁的东北部有水门与山庄水系相通，阁前池水清澈，人在阁前特定位置向池中望去，只见池中有一弯新月，随波晃动，而天空却是艳阳高照。原来这是造园家在池南的假山上，开出一个半圆形如上弦月的缝隙，利用光线，在水中形成下弦月的倒影，构成“日月同辉”的奇特景观。

在承德实习的闲暇之余，我们还去了磬棰峰森林公园。磬棰峰俗名棒槌山，古称石挺，位于市区东北部武烈河东岸的山巅之上，棒槌半腰有棵桑树，名蒙桑(也称崖桑)，高3米，直径约30厘米，大约有300年轮，结白桑葚，又肥又大。300年来，石峰、蒙桑相依为伴，蒙桑赖石峰生存，石峰因蒙桑生趣。为了观赏磬锤峰，康熙帝在避暑山庄西山上建造了一座“锤峰落照亭”，与磬锤峰遥遥相对，每当夕阳欲隐时，擎天之柱在晚霞映照之下，雄奇峻秀，矗然倚天，蔚为壮观。

在整个实习过程中，不只是观赏到了美丽迷人的景色，也让我们学习到了我们祖先所留下的一些创造精神。中国自古艺术需要我们共同传承下去。

水彩技巧： 水彩画的基本技法：干画法与湿画法。干画法是指第一遍色干透后，再上第二遍、第三遍。使用干画法，由于层层重叠，会产生丰富的层次效果，使表现对象明确、真实、深入。这种方法善于表现光影效果。但画时仍要求笔毫水分饱满、滋润，防止色彩干枯、僵死。干画法一般又分为“干接法”和“叠色法”。用干画法作画，第一遍颜色放上之后，这遍颜色干了，在这上边重置(第一遍颜色和第二遍颜色的交叉点叫重置。与之相对的是并置，即水粉、油画等两块颜色，一块颜色上去，另一块颜色摆在旁边，两块颜色形成强烈对比)，我们最需要明确的就是当这两块颜色重叠的时候，第一遍颜色和第二遍颜色交叉的地方，一定是一块透明的颜色，不可以叫这块颜色不透明。咱们平时画画往往有一个概念上的混淆，就是调一块颜色，画上这一笔，第二遍颜色调的时候往往就不太考虑第一遍颜色它的色彩的性质是怎么回事。调第二块颜色的时候怕它太纯了，怕它过于跳跃，往往调的过灰，这样第二块颜色上去与第一块颜色相加，往往效果就不如单纯的涂在空白上，可能变得很浑浊。画水粉、油画肯定要考虑前后两块颜色不能太跳，要让它很沉稳，但是在水彩里就不能这样了，一定要考虑第一遍与第二遍的重叠效果。我们接触水彩的初期都知道并且关注这个问题，但是随着绘画时间的积累慢慢的把这一点淡忘了，往往在这些基础的东西上容易出问题。

随着时间慢慢流走，我们的承德之行很快便结束了。在整个实习之中，我们不仅仅在锻炼着水彩能力，而且也增加了更多的友情。照相机里全部是大家的笑脸。承德很美，这里的文化底蕴更是深厚值得体味的。中国历史悠久，中国的艺术又要我们通过各种方式完美的表现出来，这样才能让世界了解中国的历史于文化艺术。我们更要努力学好知识，保护并发展自己的艺术文化。

第三篇：水彩教案

水彩画教案

第一章 水彩画概述

一、授课名称： 水彩画概述

二、教学目的： 了解水彩画的形成与发展历史以及现代水彩画的现状和流派。

三、教学要求： 掌握水彩画的发展规律。

四、教学重点和难点：

五、1、水彩画的特点；

2、水彩画的演变以及代表画家。

六、教学方法： 讲授法

七、教学手段： 以理论讲述为主，并辅于图片和多媒体教学。

八、教学内容：

一 水彩画的概念 什么叫水彩画？ 它的概念的内含和外延是什么？

水彩画用水调彩作画，可分广意和狭意两种。广意的水彩画是指用水调彩进行描绘的一种绘画形式。如果以此为定义，那么水彩画会由于自身外的广泛性而把多种不同手段画成的作品都包括进来，如中国古代的壁画和以后的彩墨画、水粉画，西方的某些湿壁画、蛋彩画作品，甚至史前文化中的岩洞画等。西方将我们所说的水粉画称作不透明水彩画，而我们所说的水彩画则被称作透明水彩画。狭意的水彩画是用水调特制的颜料。（大多为透明和半透明的），在特制的纸上进行描绘的一个画种。这种意义上的水彩画，是近代从欧洲发展起来，其历史不过三、四百年左右，传入中国只有百余年之久。经过几百年的发展，水彩画已形成一整套完整而又独特的技法，它以其轻快、透明的色彩效果，淋漓酣畅的技法特点而有别于与它同时发展起来的油画及其它画种，并以其特有的审美价值而独立存在，从而受到人们的青睐。本章我们所学的正是这种意义上的水彩画。

二 水彩画的特点

水彩画的特点，即其与水粉画、油画等其它色彩画相比较，其特殊的、突出的不同之处。水彩画用水作为调色的媒介，通过“水” 和“色” 的相互作用，使画面具有清淡、透明、轻快、流畅和润泽等特点，能获得特殊韵味的效果。关于水彩画的特点，曾有不同的描述（1）“清淡、透明、清新、明快” ；（2）“空灵、明净、流畅、洒脱” ；（3）“善于表现朦胧美” ；（4）“水和色交融的谐趣”。这些都从不同方面阐述了水彩画的特点，且都有一定的道理。如果将油画艺术比作交响乐，那么水彩艺术则好比是轻音乐； 将油画艺术比作文学作品中的大本小说，那么水彩艺术则好比抒情诗歌。19 世纪美国著名水彩画家和理论家拉斯金曾对水彩画做过这样的描述： “水彩在画家的处理下，水滴和它明快性质所形成的幻想与造化，溅泼的痕迹，凝结的色块，以及斑斑的粒状虽然对于画面的表现没有什么意义，但由它偶然产生的梦境似的造化，清新的趣味，明丽的色调与松柔的感觉，是其它材料所没有的”。这完全阐明了水彩画的特点。实践证明不少成功的水彩之作，都是有着随意性，并且产生了偶然的效果，所以水彩画的过程即“寓画于乐”。另外，水彩画与油画和水粉画等相比，其工具轻便，携带方便。中外有不少画家外出写生或搜集创作素材，喜欢用水彩画这种形式去表现。加上水彩画材料价廉，所以世界上不少国家和我们国家的中、小学、中等师范学校及高等师范院校的美术学专业、高等美术院校的美术教育专业和国画专业等，都把它既作为色彩基础课，同时又作为专业课。当然，由于工具、材料等因素，水彩画与油画等其它色彩画相比较，也有其局限性，如画幅不宜很大，颜色衔接困难，不宜多遍修改，要求下笔前做到胸有成竹，这些也是水彩画的难度之所在。

三 水彩画的起源与发展

（一）水彩画的起源 水彩艺术起源于欧洲，这个观点已被美术史学家们所公认。古埃及时代就有人以水为媒介剂调合颜料在草纸上作画，中世纪的欧洲人也曾使用类似的方法，绘制祭祀的手抄经本里的插图。14 世纪欧洲已开始用水墨单彩的形式来起壁画稿，佛罗伦萨教堂里的壁画就是见证。美术史学家们认为这是水彩画的初级阶段，还不能算是完全的水彩画，因为它不能完全体现水彩画中“水” 和“彩”的特点。15 世纪之前，欧洲的画家们已经使用水和胶调合透明、半透明的颜料在羊皮纸上作画。那时的色彩颜料种类不多，画家们用水彩颜料也多以单色为主，当时的水彩和素描是不分家的。文艺复兴时代，有些画家开始尝试用多种水彩颜色作画。由于当时的画家正热衷于油彩绘制架上油画及宏大人物场景的壁画，只是在素描或画稿中才偶而使用水彩，颜色也很单调，主要是为素描画稿涂一点明暗调子，作为一种素描技法的补充。这是因为 16 世纪的欧洲，虽说商业资产阶级已经崭露头角，但整个社会的经济还处于较低的水平，世俗的需要决定艺术商品市场的繁荣，这样，水彩画的发展就缺少了有力的支柱。另外，水彩画又受技法所限制，无法适应当时巨幅画作的特定要求，所以，到了 17 世纪甚至 18 世纪初，水彩画在欧洲的发展还是相当受限的。尽管如此，在 15 世纪未至 16 世纪初，水彩画已经脱颖而出，并逐步走上独立发展的道路这一史实，是应当肯定并给以一定评价的。德国美术大师丢勒（1471—1528）利用水墨技巧发展为比较完整的水彩画，被公认为欧洲第一个作水彩画的画家。作品有《大草坪》、《阿尔卑斯山》、《一簇樱草》 等。其水彩画精细、工整，并略施以粉质。虽然他的作品在技法与色彩的运用上还比较简单，但作为独立的水彩画作品与世人见面，无疑是开日后水彩画之先河。在德国画家中，霍尔拜因（1497—1543）和克拉那赫，以及意大利的彼罗西奥都曾作过水彩肖像和其他题材的水彩画。

（二）尼德兰诸画家的水彩画 十七世纪是欧洲油画发展的繁荣时代，这一时期的著名画家鲁本斯及其门生凡· 代克也常常喜欢用水彩画一些习作。在十七世纪中叶脱离西班牙统治下的尼德兰而独立后的荷兰，因为航海业发达，人们眼界大开，教育普及，思想自由，科学迅速发展，商埠的开拓使社会经济大大繁荣起来，人们的物质生活水平也得到了很大的提高，追求生活幸福美满，及时行乐成了新兴资产阶级的生活风尚，这也就促进了艺术的兴盛，并使艺术摆脱教会和贵族的束缚，朝着商品化的方向发展。当时中产阶级平民百姓的一般家庭，都有购买绘画作品的能力，挂藏艺术品成了一种风气，在油画方面，荷兰小画派就是在此时应运而生的。在这种情况下，同样是反映世俗生活情趣或典雅的自然景色，而材料、工 具乃至作品售价都并不昂贵的水彩画，经由画家刻意制作并在艺术市场上出售，自然会同小油画一样为顾主所采购了。这些水彩画家，包括著名的沙维利（1576—1639），亚维 甘 蒲（1585—1634），奥斯达特（1610—1685），埃沃汀根（1621—1675）等，他们现存的作品有《冰上高尔夫》、《在室内玩棋的农民》、《山路》 等。荷兰这一时期的水彩画，继承前人之开端，向独立发展的方向迈进了一大步，在运用色彩方面也有所突破，但从水彩技法的角度看，还未臻完善，也由于以伦勃朗为代表的众多油画巨匠的作品的夺目光辉，它们几乎完全为历史所湮没，以至后人对荷兰这一时期的水彩画作几乎一无所知。十七世界的荷兰绘画，在世界艺术史上可谓奇峰突起，对后来的欧洲绘画产生了极其深远的影响。而就水彩画的发展来说，他们的水彩画对继之而来的英国水彩画的兴起，其意义是应予肯定的。

（三）英国水彩画的兴起 水彩画取得长足发展，始于十八世纪的英国。英国资产阶级革命的成功，使它在以后的两个世纪里逐步上升，为欧洲主要的资本主义强国。工业革命、军事及科学技术的进步，是促进英国民族文化艺术形成和发展的根基。英国较早的水彩画，主要是在地形景物测绘方面的实际应用，以适应科学研究、航海、军事需要为目的而逐步发展。有关机构都雇用了专职画工从事地形图的绘制工作。这种地形图是以素描加水彩的形式，将某地的环境、地貌精确地描绘下来。最初的地形图毫无艺术性可言，但随着画工们不断改进、完善他们的地形图，多种多样的水彩形式也随之带进了画面。这种地形图也因为在绘制过程中，渐渐地被注入了画家的感情而各具特色，因而，除了作为工具而应用外，这些图画也同时兼备了具有相当欣赏价值的美丽风景画了。保罗· 桑德比（1725—1809）就是这样一位出身绘图职业画师的水彩画家。他曾受聘于军事当局从事地形图的绘制工作。从青年时代起，他就借工作之机，对英国的优美自然景色作仔细的观察体验，并不断提高自己的写生能力。后来定居伦敦，以绘画及教学为生。桑德比毕生从事水彩画的研究，并集前人之大成，创造了用多种色彩点染描绘的形式，使水彩画技法取得 了重大突破。他的 水彩画多取材于乡村人物和风景，形式朴素简洁，感情真挚，充满牧歌式的情调。桑德比在水彩画方面的贡献，使他成为英国水彩画之奠基人。十八世纪英国的水彩画坛，其始可分为写实与浪漫两大派。写实派的代表当推桑德比，而浪漫派则以柯岑斯（1752—1797）开其端倪。前者对景物以如实描写为本，且着重英国本土的风光。而后者则以想像力纳入他们理想的构图中。而他们的作品，亦多仿照十七世纪的理想画面。柯岑斯始受其父老柯岑斯的画风影响，后在旅游欧洲大陆时眼界开大，与瑞士的水彩画家接触并受到阿尔卑斯山的雄伟风景和意大利风光的熏陶，使其具有独特诗意的创作风格得到了发展。在他的作品中，阳光和天空的描绘极富浪漫的戏剧性效果，他的阿尔卑斯山的风景画充满动人的神秘气氛，他善于在小小的画幅里，表现出崇山峻岭的万千气概。他喜欢用蓝绿、蓝灰的沉着色调，在迷离的山川水色中自然地流露出一种莫名的伤感。小柯岑斯名噪一时，其后的泰纳和格尔丁均深受其技巧之感染。

（四）水彩画的繁荣时代 从十八世纪中叶起，英国水彩画日益趋于完美的境地;到了十九世纪上半期，英国的水彩画在世界画坛上放出了异彩。英国水彩画之兴盛，自有其内在因素。一是英伦三岛气候湿润，经常笼罩在雨雾弥蒙之中，大自然的光线及色调变化迅速而微妙丰富。水彩是表现这种自然景色最具长处的恰当而轻便的工具。尤其是十八世纪末叶，英国有了专门制造水彩画纸及颜料的工厂，工具材料的改造使画家们如虎添翼； 再者，工业革命以来英国的社会及自然环境的崭新面貌，激发了画家们的爱国热情，他们试图以水彩画创造出一种表现英国风景的艺术形式以抒发自己对时代的感受，画家们以当时英国的铁路、火车、工厂和桥梁工业化的产物作为主题。他们勇于突破前人因袭古典主义构图、优美典雅的背景、古典神话的主题三者合一的虚假的成规及矫饰的画风，从而直接走上研究和表现自然之路。他们历尽艰辛，契而不舍地探索，使英国的水彩画从形式到内容都开创了新的面目。这一时期的英国水彩画坛名家辈出，他们在前辈水彩画家的成果的基础上，创造了多样的新的水彩技法，大大地丰富了水彩画的表现力，并使之日臻完善和成熟。因为不满于皇家画院对水彩画的歧视，水彩画家们于 1804 年成立了水彩画会。华里（1778—1842）是创始者之一，他是一位敏捷的画家，根据一定的形式作画，清新趋时，以应市场需求，但其作品缺乏一定的深度。其后，觉斯（1783—1859）和荣特（1784—1849）等人的加入，使水彩画会逐渐成为一个有实力的艺术群体。觉斯擅长以水彩画法捕捉自然界倏忽间的变幻，笔法强劲，色彩丰富透明。荣特则善以朴素平凡的乡野景色表现宁静的诗意的美。他的画被认为是能充分显示英国水彩多次重叠画法的特色的作品。科特曼（1782—1842）生时并无盛名，死后则被认为是天才。他的画有独创性，把对象简化成图案式，以抽象观念观察事物的趋势，当时被认为违犯常规，但无可否认他有杰出的艺术技巧和灵感，简明概括，富有表现力，如其作品《玛尔坑》 等。尽管水彩画在那时已经很受公众欢迎，但对于保守的皇家画院来说，水彩画只是不登大雅之堂的小品而已； 官方的皇家画院从没有为水彩画举办过任何专门的公开展览，而在综合的展览会大厅中，水彩画在夺目的巨幅油画的映衬下，显得如此的微不足道，以至往往被看惯了大油画的观赏者所忽略。因此，为了争得自己应有地位的水彩画家们，除了组织水彩画会与之对抗之外，一些有志的水彩画家在受到排斥和压抑的逆境中，举起了要使水彩画在展览会中与油画分庭抗礼的大旗。格尔丁和泰纳等人，向油画展开了挑战。他们在画面效果上向油画看齐，力求水彩画画得像油画一样厚重、丰富而有深度。因此，在一段时间内，巨幅而低调的水彩画大量涌现。在技法上，他们主要是采用反复层层叠加的办法，对景物进行细致深入的描绘，用这样的办法画出来的水彩画，色彩和谐而丰富，并且呈现出一种浑厚、深沉的画面效果； 但与此同时，却使水彩画出现灰暗污浊的弊病，失去了颜色透明，运笔酣畅的特点，而这点正是水彩画较之油画的最大优点。水彩画家们很快醒悟到自己走了弯路，于是不断探求和改进，使水彩画达到既能发挥轻盈明快之所长，又兼得浑厚而丰富的生动效果。经过画家群体的共同努力，他们终于在英国画坛上，将水彩画推向能与油画相抗衡的殿堂，成为当时世界艺坛上一枝独放异彩之花。与此同时，英国也就产生了一批才华洋溢，声名昭著的水彩画家。主要有： 格尔丁（1775—1802）其水彩画多描写古代建筑和广阔的原野，起伏的田畴以展示无限的空间。他与泰纳等画家共同开创英国水彩画的新路，可惜未能尽展才华而年青早殁，只活了 27 岁。他的水彩画直接影响着同辈画家如泰纳以及后来者。在这个意义上，他是十八世纪的素描染色水彩和十九世纪以色彩为主表现对象的水彩画之间的桥梁。泰纳（1775—1851），自幼喜爱绘画，1789 年进入皇家美术学院学习，翌年，以他的第一幅水彩画在皇家美术学院展出，1802 年，年仅 27 岁的泰纳，被选为皇家美术学院正式院士。泰纳是一个勤勉而多产的画家，一生中作过许多水彩、素描、油画。年轻时起，便蜚声世界画坛。他与同时代的另一位画家康斯太勃，对英国美术的发展，特别是对英国风景画独立风格的形成做出了巨大贡献，对后来法国的印象派绘画也产生了很大影响，他们被认为是英国最伟大的画家。泰纳一生创作了数以万计的水彩画作品，最初以传统的地形景物画法画风景，后受十七世纪荷兰风景画和古典派风景画的影响。尔后，游历欧洲，并且画风渐变，一反意大利风景画的矫饰之风，面对大自然，画出质朴的作品来，并逐渐形成了自己的风格。他的作品，摆脱了过去色彩受素描限制的束缚，致力于用色彩表达光的效果。康斯太勃说他是以“有色的光流” 作画。他中期以后的作品，抛弃了前期作品中那种四平八稳，记录详尽的画法，到了晚期则更强调绘画性和写意。从《着火的房子》、《日出》 两幅水彩中，可以看出他以极其洗练的笔法进行写意的高超技巧。他画水彩，非常注意恰到好处地利用在绘制过程中画面上出现的美妙的偶然性效果。另外他的水彩写生方法亦很值一提，他到户外写生，常常只打铅笔稿，然后回到工作室，依自己的视觉记忆进行着色加工，并且往往是多幅画同时并时。据说他乘船游弋威尼斯大运河时，曾于一天画出八十幅画稿，并且把色彩记在心里，回国后再把画稿完成的。《战舰》、《达德利堡与河上的船》 和《廷尼湖风景》 等都是他的杰作。康斯太勃（1776—1837）英国著名的风景画家。他的成就主要在油画方面，亦擅水彩。其水彩画多是速写，以大胆轻快的笔触纵横挥洒，把郊外获得的新鲜印象迅速记录下来。康斯太勃的影响甚至超出了风景画的领域。意大利现代著名美术史论家文杜里（1885—1961）对他给以很高评价，把他与哥雅相提并论，认为十九世纪绘画的艺术趣味，是从他们开始的。他崇尚自然，是一个朴素的、积极的现实主义风景画家，认为要在自己的画里表达的“就是光线、露 水、微风、花开、清新的空气”。他对法国浪漫主义画家，如德拉克洛瓦等都有很大影响。一些美术史论家甚至认为，欧洲印象派绘画的兴起，应溯源于他和泰纳。博宁顿（1802—1828）很有才华的水彩画家，可惜仅活 26 岁。他练就一手熟练的水彩技巧，特别擅长表现建筑物。他的水彩画色彩明亮，笔法流畅，画法趋时。他大部分时间居住在法国，据说英、法的追随者都甚多，后人认为他是沟通英法绘画的少数英国画家之一。其代表作有《崖下》 和《威尼斯风景》等。在十九世纪以前，英国水彩画的主流是风景画，十九世纪中叶开始，在当时英国画坛的现实主义运动及拉斐尔前派的推动下，水彩画题材开拓到人物画、风俗画和历史画。新的题材促使画家们摆脱了水彩画的流行画法和观念。技法高超，形象逼真的肖像画及表现众多人物及浩繁场面的风俗画、历史画大量涌现。但在拉斐尔前派画法的影响下，一些水彩画家又把绘画带回到中世纪的描写方法，精雕细琢，以惊人的耐力，把水彩画像精嵌细工般填写，其代表人物有罗蒂（1828—1882）和琼斯（1833—1898）等人。十九世纪的下半叶，英国的水彩画已不如前半叶那样多姿多彩，不过，也仍然有像威斯勒（1834—1903）那样出色的抒情画家。十九世纪欧洲各国的油画家，也涉猎水彩画。英国画家邦宁顿在法国旅居时，由于他的水彩画的高超技巧，极富吸引力，使很多法国画家跃跃欲试。他的好友德拉克洛瓦在中东和北非诸地旅行时，作过许多水彩速写。据说柯罗也因为有一天偶尔看到邦宁顿的水彩画，才立志要做一个画家的，可见其吸引力之大。法国画家杜米埃也作过大量的水彩画，他运用大块的明暗、奔放粗狂的线条，强有力地刻画出巴黎下层人民生活的欢愉和痛苦。十九世纪后期，法国印象派的画家也画一些水彩画。其中点彩派的发扬者忒纳（1863—1935），他的水彩画以点点斑驳的色彩来表现，光彩夺目，可视作水彩画的一种新技巧。梵高也有很出色的水彩画。塞尚则是印象派诸家中，认真地以水彩作为他绘画的主要工具之一的画家，他的艺术生涯中，曾有一部分时间沉迷于水彩画的研究，他认为水彩是一种简洁而有力的表现方法，其效果足与油画相抗衡，十九世纪俄罗斯的很多油画大师，也喜欢画水彩画。布留诺夫、列宾、苏里柯夫、赛罗夫、弗鲁贝尔等人，都画过很多极其出色的水彩画作品。十九世纪未，在俄国就成立了俄罗斯水彩画协会，举办过几次有意义的水彩画展览。

（五）现代水彩画 十九世纪是英国水彩画在世界艺坛上称雄独美的时代，到了二十世纪，水彩画已经流传甚广，除美国之外，在法国、德国和前苏联等国也出现了许多优秀的水彩画家，各树一帜，争妍斗艳。二十世纪是一个绘画观念及绘画技法都发生突变的时代，在艺坛上形形色色的“主义”、流派应运而生。在水彩画领域来说，也显然有新的面目。欧洲的新画派，如野兽派、立体派、抽象派等，他们的作品及理论被介绍到英国来，影响了英国的绘画界，英国的水彩画家，在技法上也就相应的起了变革。在这方面来说，保罗纳斯和约翰纳斯可说是接受变革的。他们以立体主义对于形体的分式方法作画，但就内容和题材来说，则与英国传统的水彩画步调一致。不过二十世纪的英国，大多数水彩画家仍然是较为保守的，他们从写实主义传统的技巧中加以发扬，精益求精，有独到之处，能自成一体。但就其整体而言，英国现代水彩画，不过是十九世纪他们先辈的水彩画鼎盛时代的回光反照而已。在德国，甚少专门的水彩画家，但水彩画的业余爱好者则不乏其人。如包豪斯学院的诸画家，表现主义画家可可殊加，努尔特等都喜欢画水彩画。在法国现代画家中，邦纳、毕加索、玛尔冀等都作过许多出色的水彩画，但只有杜斐才是以水彩画驰名于世的。他的画一挥而就，下笔不改，只求神似。他的妹妹约安也是水彩能手。英国的水彩画作品于十九世纪下半叶被介绍到美国以后，引起很大的兴题，一时爱好者甚多。贺墨、哈桑等能熟练地用水彩作画。肖像画家沙金的水彩画尤其老到，他在旅行时的写生画多是水彩，用笔自如，很有趣味。其代表作有《流浪者》 等。现代美国水彩画家贺培、斐尔等的水彩风景画都有新意。魏斯是我们较熟悉的画家，他用透明和不透明水彩，画出了大量美国乡土题材的风景和风俗画，色彩朴素而响高，刻画精细入微，而真情并注，看他的画犹如听美国民歌。美国还有一批为数不少的写实的水彩画家，他们致力于水彩技法方面的探讨，并特别注意在技术手段和工具材料方面的研究和出新，从食盐到松节油等等，几乎所有能使画面的肌理、色彩及水分等发生特殊效果的东西，他们都不择手段地在写实所允许的范围内加以尝试，而且取得相当大的成绩。他们的作品大多色彩鲜明，生动活泼，令人感到一种“美国式” 的华丽和畅快； 但也显得甜俗而且缺少深度。但就其在探索水彩画技术的经验和精神来说，仍然有许多值得借鉴之处。前苏联水彩画坛进入 20 世纪以来也甚为活跃。老一辈的前苏联画家中，A·格拉西莫夫、同祭洛夫斯基、德涅卡、萨里扬、C· 格拉西莫夫等画家，都创作有技巧高超的水彩画作品，但他们的水彩画往往是即兴之作。另外一些版画家，在为书籍作插图时，也很喜欢使用水彩。五十年代中，在莫斯科举行了首届全苏水彩画展，参加者甚多。在展期期间，筹建了全苏水彩画创作委同会。它是全苏美协理事会的直接机构。自此以后，水彩画在前苏联逐步风行，先后举办过 130 余次不同规模的水彩画展览。前苏联水彩画在数量及质量上都有很大发展，题材及技法方面也有很大的变化。前苏联水彩画作品的最大特点是题材广泛，生活气息浓厚。作者们多从现实生活中发掘题材，并通过作品中的艺术形象揭示自己对生活的感受和热爱，作品中洋溢着画家们的乐观和热情。当然，就前苏联水彩画作品的基调来说，还脱离不了前苏联当代油画的模式。但在形式感上，似乎较后者更活泼，更少受束缚。这与水彩画画幅较小，技法、工具和材料都较为轻灵不无关系。在艺术风格上，前苏联水彩画作品可分写实的和带装饰性的两大类，其中则因画家的个性及作品的不同而呈丰富多彩的面貌。

（六）中国现代的水彩画 中国水彩画的出现当在纸和毛笔发明之后，蔡伦造纸，蒙恬制笔，远比西欧早，水墨技巧到宋代已相当成熟了。宋沈括在《梦溪笔谈》 中说： “徐崇嗣乃效黄之路，更不用墨笔，直以彩色图之，谓之没骨图。” 实质上就是水彩画，但在表现方法上与西欧的水彩画不完全相同。西欧的水彩画传到中国大约有百余年之历史。由于水彩画使用的工具和用水、用笔等方面与中国的传统画有好多相似之外，其传达的情趣亦有不少相同之处，并和东方民族含蓄委婉、抒情达意的审美心理相吻合，所以，西方的水 彩画传到中国后便很快被人民大众所喜闻乐见。中国的水彩画家们走出国门，去西欧学习、取经，并结合中华民族绘画的经验，创作具有中华民族特色的现代水彩画。中国水彩艺术的起步和发展历经几代。19 世纪末 20 世纪初，李铁夫先生就曾追随欧美的萨金特与怀斯学习油画和水彩艺术，并画了大量流畅的、洒脱的水彩画作品； 20 世纪 30 年代，李剑晨和关广志等先生先后远渡重洋，去英国学习水彩艺术。回国后，他们对推动中国水彩艺术的发展起了不可估量的作用。40 年代，上海水彩画群体就已形成； 五六十年代，北京、上海、江苏、浙江等地的水彩艺术活动活跃，不论是作者队伍的规模，还是作品的质量，都走在全国前列，有力的带动着全国的水彩艺术向前发展。80 年代，广东省的水彩艺术以异军突起之势迅猛发展，特别是以王肇民教授为首的水彩艺术风靡南国，进而影响着长江以南不少省、区的水彩艺术的发展，并形成了一支庞大的水彩画作者群体和独特的艺术语言及鲜明的地域风格，大大促进着中国的水彩艺术。90 年代，山东和东北三省的水彩艺术发展迅速，形成了一定规模的群体队伍和强烈的地域风格。湖南、湖北的水彩艺术，多年来一直颇具实力，实力派作者层出不究，作品富有个性，引人注目。特别是近十几年来在中国美协和水彩艺委会的领导和策划下，曾先后举办了多次每两年一届的水彩画· 粉画展和“中国首届水彩艺术展”、“97· 中国青年水彩艺术展”、“首届中国水彩人物画展”、“全国首届小幅水彩画展” 等。每届展览都举行了学术研讨会和专题讲座。这段期间，中国水彩艺术展览活动之频繁，学术活动之活跃，在历史上前所未有，其发展的速度惊人，令世人刮目相看。水彩艺术之火可谓已燃遍大半个中国，大有燎原全中国之势。在中国现代水彩画家中，影响较大的不乏其人。主要画家及其水彩艺术特色有： 李铁夫是老一辈著名油画家，在水彩画方面也很有建树。他的作品往往是一气呵成，色彩动人，运笔雄健，水分酣畅，且兼得中西绘画之情趣。前辈画家张眉荪擅长叠层敷彩，是爱用干画法的画家，其作品概括而有变化。潘思同则以湿画法见长，在水分的运用方面有独到之处。梅雨天和冯国勋等也是水彩画的老手。李剑晨和张充仁是上海著名的水彩画家。前者汲取英国水彩技法之长，色彩的运用兼蓄轻快与浓重； 后者则独树水彩画的填缝技法，以静物写生为主，风格简洁而典雅。王肇民是中国当代著名的水彩画家，几十年默默的耕耘在水彩画及教学领域。他的画沉实而华丽，博大而精微，富有哲理意味，实属当代中国画界之大手笔。版画家古元，对水彩画也很有研究，其晚年所作的水彩风景画，色彩鲜明，落笔概括，极富韵味。油画家吴冠中也作了很多速写性的水彩风景写生，轻快流畅，充满生机。在水彩画的教学方面，经蔡元培，丰子恺等前辈的倡导，水彩画在 20 世纪50 年代初就已成为我国小学美术课的必修内容，今天又是我国普通中学和中等师范学校美术课的必修内容，并作为培养学生绘画色彩知识及技巧的重要课程。一些高等艺术院校的中国画系，也设立水彩画课，以借鉴和溶汇西方艺术之长。近年来，我国不少美术院校的教育系开办水彩专业，并招收水彩专业的硕士研究生，为水彩艺术教育培养师资，这对我国的水彩艺术专业的发展促进很大。

九、作业布置： 思考题： 1． 什么叫水彩画？ 它的概念的内含和外延都包括哪些内容？ 2． 水彩画起源于哪个国家的哪个画家？ 简述欧洲水彩画的起源和发展情况。3． 简述当代中国水彩画的发展情况，并说出几位具有代表性的画家及其代表作品。

十、参考书目： 1． 《英国水彩画简史》 刘汝醴、刘明毅编著，上海人民美术出版社 1991 年10 月 出版。2． 《中国水彩画史》 袁振藻编著，上海画报出版社 2000 年 9 月 出版。3.《色彩教程》 党天才 主编 西北大学出版社 2004 年 9 月 第一版

第二章 水彩画基本常识 第一节 初识色彩

二、教学目的： 研究色彩的基本要素和一般的变化规律，为色彩写生打下良好的基础。

三、教学要求： 掌握水彩画色彩的基本概念。

四、教学重点和难点：

1、色彩的要素和相互关系；

2、色彩的一般变化规律。

六、教学方法： 讲授法

七、教学手段： 以理论讲授为主，并联系实际，辅于范画、图片、录相带、多媒体教学。

八、教学内容： 色彩的三元素指的是色相，明度与纯度 一 色相 就是指色与色之间的区别，又称为色调，例如，黄色、红色与兰色，当一种色相与另一种色相混合，又会产生另一种色相，因此，世界上的色相是千变万化的。原色，指的是不能够以其它色相 调出的基本色，如： 红、蓝、黄等。间色，等量的两种原色混合而成的色相。如： 橙、绿、紫等。色环，将色彩以三原色做环状衍生形成色环，常见的有六、八、十、十二、十八、二十四色环等。充分利用色环的原则，可以使我们对色彩的掌握更得心应手。

二 明度 色彩的明暗度而言色彩越接近白色，明度越高； 越接近黑色，暗调越高。三 纯度 也称为彩度，指色彩本身的纯度或强弱程度。换言之，色彩含色素越高，即饱和度越高，彩度越高。

四 色彩的感觉

（一）冷与暖 暖色---红，黄，橙构成暖色调 冷色---蓝色系构成冷色调 介与于冷、暖之间的构成中间色调

（二）轻与重 高明度的色彩会产生轻巧感； 反之，低明度的色彩则产生稳重感

（三）前进、后退、膨胀、收缩 明亮艳丽的色彩（如橙，黄）有前进、膨胀感； 深暗平静的色彩（如深蓝、深紫）有后退、收缩的感觉。

九、作业布置： 熟悉并掌握色彩的性质及其变化规律。

十、参考书目： 《水彩画》 杨云龙 高等教育出版社 《色彩教程》 党天才 主编 西北大学出版社 2004 年 9 月 第一版

第二节 水彩画的基础知识

一、授课名称： 水彩画的基础知识

二、教学目的： 了解水彩画的一般性适合特征。

三、教学要求： 工具材料的性能及特点。

四、教学重点和难点：

1、水彩画的特点；

2、工具材料的性能和特点。

六、教学方法： 讲授法、演示法、参观法

七、教学手段： 以理论讲述为主，理论联系实际，适当进行技法演示。辅助范画、图片、录相带和多媒体教学。

八、教学内容： 水彩画是广为普及的一个画种，作为独立的绘画形式，其形成与发展经过了一定的历史过程，世界上第一幅水彩画是出自德国画家丢勒之手，但成为独立画种并兴盛、发展是在英国，至今已有三百年的历史了。水彩画同其他画种一样，因为使用的工具、材料的不同，有其特长，也有其局限，从而形成了能够独立存在的艺术特点。

一 工具性能 学习水彩画必须首先了解和熟悉水彩的工具性能，然后才能更好地掌握与运用它。

（一）水彩颜料水彩颜料色粒很细, 与水溶解可显示其晶莹透明;把它一层层涂在白纸上,犹如透明的玻璃纸叠加之效果。水彩浅色不能覆盖底色，不象油画、水粉画颜料有较强的覆盖力。水彩颜料的群青、赭石、土红等色属矿物性颜料，单独使用或与别的色相混都易出现沉淀现象，巧妙运用可产生新颖的效果。

（二）画纸 水彩画用纸比较讲究，它对一幅画的效果影响很大，同样的技巧在不同的画纸上的效果是不大一样的。理想的水彩画纸，纸面白净，质地坚实，吸水性适度，着公后纸面比较来整，纸纹的粗细根据表现的需要和个人习惯选择。不要以为初学不管什么纸都可以作水彩练习，太薄的纸着色后高低不平，水色淤积，影响运笔； 吸水太快的纸（如过滤纸），水色不易渗化，难以达到表现意图； 太光滑的纸水色不易附着纸面，都不适合画水彩之用。应熟悉自己使用的画纸性能物点，善于巧妙地掌握它。

（三）画笔 水彩画笔需有一定弹性和含水能力，油画笔太硬且含不住水分，不宜用来画水彩（但有时可以用来追求某种特殊的效果）。狼毫水彩笔、扁头水粉笔、国画白云笔、山水笔等都可用来画水彩。准备一支大号的涂大色块用，具体塑造与细节描绘有两三支中、小画笔即可。二 水彩画的特点 水彩画因工具材料的特性、技法与其他画种不同，形成自己的艺术特色，把水彩画比如轻音乐或抒情诗般的轻柔，是比较确切的。一幅好的水彩画除去内容与感受情的表达深刻之外，给人的感觉是湿润流畅、晶莹透明、轻松活泼，此种感觉就是水彩画的特点。水彩画之特点是与其他画种相比而言，油画的覆盖、厚涂形成厚重的特点，水彩颜料透明，又以薄涂保持其透明性，画面则有清沏透明之感受。用水调色，发挥水分的作用，灵活自然、滋润流畅、淋漓痛快、韵味无尽。

九、作业布置： 阅览有关参考书目，并简述水彩画的特点。

十、参考书目

： 《水彩画》 杨云龙 高等教育出版社 《色彩教程》 党天才 主编 西北大学出版社 2004 年 9 月 第一版

第三节 水彩画的基本技法

一、授课名称： 水彩画的基本技法 二、二、教学目的： 熟悉和掌握水彩画的一般表现技法。

三、三、教学要求： 注重内在情感的抒发，灵活运用，自然发挥。

四、教学重点和难点：

1、干画法和湿画法；

2、干湿结合灵活运用。

五、学时分配： 2 学时

六、教学方法： 讲授法、演示法

七、教学手段： 以技法理论讲述为主，理论联系实际，适当进行技法演示，并辅于范画、图片、录相带、多媒体教学。

八、教学内容： 一 干画法和湿画法

（一）干画法 干画法是一种多层画法。用多层叠加的方法在干的底色上着色，不求渗化效果，可以比较从容地一遍遍着色，较易掌握，适于初学者进行练习。表现肯定、明晣的形体结构和丰富的色彩层次，是干画法的特长。可分层涂、罩色、接色、枯笔等具体方法。层涂： 即干的重叠，在着色干后再涂色，一层层重叠颜色表现对象。在画面中涂色层数不一，有的地方一遍即可，有的地方需两遍三遍或更多一点，但不宜遍数过多，以免色彩灰脏失去透明感。层涂象有色下班重叠，事先预计透出底色的混合效果，这一点是不能忽略的。罩色 实际上也是一种干的重叠方法，罩色面积大一些，譬如画面中几块颜色不够统一，得用罩色的方法，蒙罩上一遍颜色使之统一。某一块色过暖，罩一层 冷色改变其冷暖性质。所罩之色应以较鲜明色薄涂，一遍铺过，一般不要回笔，否则带起底色会把色彩搞脏。在着色的过程中和最后调整画面时，经常采用此 法。接色： 干的接色是在邻接的颜色干后从其旁涂色，色块之间不渗化，每块颜色本身也可以湿画，增加变化。这种方法的特点是表现的物体轮廓清晰、色彩明快。枯笔： 笔头水少色多，运笔容易出现飞白； 用水比较饱满，在粗纹纸上快画，也产生飞白。表现闪光或柔中见刚等效果常常采用枯笔的方法。干画法不能只在“干” 字方面作文章，画面仍须让人感到水分饱满、水渍湿痕，避免干涩枯燥的毛病。

（二）湿画法： 是在湿底子上着色的方法。趁纸面水色未干进 行连续着色，故又名连续着色法。湿时连续，湿时重叠，湿时点彩，沉淀等法，均属于这一类画法。1 湿纸着色： 也叫浸纸着色，就是把纸浸湿或染湿后着色的方法。将纸面全部或局部染湿，甚至在已干的色层上染水，再次着色，是湿画法中经常使用的方法。利用水分的自然渗化，可使笔触强度减弱。色彩混合呈朦胧状态，给人若隐若现的感觉，有水色淋漓的特殊效果。另一种方法是将画纸背面用湿布平均染湿，裱贴在画布上，待全部干后，纸的正面再着上一层水。留心观察纸的表面已开始吸收的水分，趁未干时即下笔着色，形色容易掌握，仍能达到湿画的效果。2 湿时重叠： 是根据水彩画用水调色的特点，趁画面水、色未干时进行重叠着色，使色彩柔和润泽，笔触减弱，效果自然而圆润。表现雨雾气氛、湿润清雅的情趣是其特长，为某些画种所不及。湿时连接： 是趁湿时不断连接色块来表现对象的方法。邻近末干时接色，水色流渗，交界模糊，表现过渡柔和色彩的渐变多用此法。接色时水分便函用要均匀，否则，水多向少处冲流，易产生不必要的水渍。4 湿时点彩： 是趁水、色未干时用点作补充，利用水的流动，使它自然融合，求得色彩变化的效果。沉淀： 水彩颜色各色的质地有差异，经水浮动，有些色浮在上面，有些色沉淀到下层画纸的纸孔里面去，正好为水彩画创造了一种特有的沉淀效果。画水彩大都有干画、湿画结合进行，湿画为主的画面局部采用干画，干画为主的画面也有湿画的部分，干湿结合，表现充分，浓淡枯润，妙趣横生。

二 水分的掌握 水分的运用和掌握是水彩技法的要点之一。水分在画面上有渗化、流动、蒸发的特性，画水彩要熟悉“水性”。充分发挥水的作用，是画好水彩画的重要因素。掌握水分应注意时间、空气的干湿度和画纸的吸水程度。时间问题： 进行湿画时间要掌握得恰如其分，叠色太早太湿易失去应有的形体，太晚底色将干，水色不易渗化，衔接生硬。一般在重叠颜色时，笔头含水宜少，含色要多，便于把握形体，以可使之渗化。如果重叠之色较淡时，要等底色稍干再画。空气的干湿度： 画几张水彩就能体会到，在室内水分干得较慢，在室外潮湿的雨雾天气作画，水分蒸发更慢。在这种情况下，作画用水宜少； 在干燥的气候情况下水分蒸发快，必须多用水，同时加快调色的作画的速度。画纸的吸水程度： 要根据纸的吸水快慢相应掌握用水的多少，吸水慢时用水可少，纸质松软吸水较快，用水需增加。另外，大面积渲染晕色用水宜多，如色块较大的天空、地面和静物、人物的背景，用水饱满为宜； 描写局部和细节用水适当减少。

三 “留空” 的方法 与油画、水粉画的技法相比，水彩技法最突出的特点就是“留空” 的方法。一些浅亮色、白色部分，需在画深一些的色彩时“留空” 出来。水彩颜料的透明特性决定了这一作画技法，浅色不能覆盖深色，不象水粉和油画那样可以覆盖，依靠淡色和白粉提亮。在欣赏水彩作品时留意一下，会发现几乎每一幅都运用了“留空” 的技法。恰当而准确地空白或宛浅亮色，会加强画面的生动性与表现力； 相反，不适当地乱留空，易造成画面琐碎花乱现象。着色之前把要留空之处用铅笔轻 轻标出，关键的细节，即或是很小的点和面，都要在涂色时巧妙留出。另外，凡对比色邻接，要空出对方，分别着色，以保持各自的鲜明度。有的初学者把不必要的空的形状空了出来，然后顺沿轮廓涂描颜色，还有的把该空的地方顺沿轮廓空得很死、太刻板，失去生动感。空的既准确又生动，是技巧熟练的体现。在实践中反复练习，就会熟能生巧。

四 笔法 笔法即用笔的方法。用笔与用水、用色是紧密相关的，作画时每一笔均含水与色，或水多色少，或色多水少，或水色适中。笔在纸上运动会出现笔痕，就是我们通常所说的“笔触” 从笔触可以看出作画时的笔法。画纸的粗细，画笔的硬软，运笔的快慢，根据物体的结构，笔法变化多端，有点有线，刚柔渴润，从表现物象的形与色出发，恰当地用笔增强塑造性和画面生动性。水彩画面积较大的涂色，水分的渗化将笔触隐没，趁湿重置色彩笔触感觉含蓄，较干时作画，笔触清晰可见。着色过程中一刻也离不开用笔，越是接近完成用笔越重要，其笔触不再被覆盖，暴露无遗地展现给欣赏者。

九、作业布置： 临摹 2 幅水彩画作品

十、参考书目： 《水彩画》 杨云龙 高等教育出版社 《色彩教程》 党天才 主编 西北大学出版社 2004 年 9 月 第一版

第四节 水彩画的基本技法

二、教学目的： 了解水彩画的调色方法，学习并掌握水彩画的特殊表现形式。

三、教学要求： 初步掌握水彩画的工具材料的性能，研究水彩画的表现语言。

四、教学重点和难点：

1、水彩画的调色方法和基本技法。

2、各种特殊技法的试验；

3、特殊效果的把握和运用。

六、教学方法： 讲授法、演示法、练习法

七、教学手段： 以技法理论讲述为主，理论联系实际，适当进行技法演示，并辅于范画、图片、录相带、多媒体教学。

八、教学内容： 一 水彩画的调色方法： 水彩画颜色的调配，可以采取以下几种方法： 即混合法、溶合法、重置法以及并置法。应注意的是作画过程中，根据画面需要灵活运用。

（一）混合法： 把不同色相的颜料调水稍加拨动，不完全调匀，即画到画面上，使其趁湿混合，形成需要的色彩。必须注意的是： 1 调色的种类不宜太多； 2 色性冷暖不同的颜色调和时，不宜等量调和； 3 颜色不宜调得过浓，保持一定的透明度。

（二）融合法： 在画上面直接调配所需的颜色，使之相互渗透或溶合，这种调色较生动，色彩也比较鲜明，适用于画大面积的色块。

（三）重置法： 即在有底色的画面上，再加上别的颜色，有意识地将第一遍颜色画的暖一些，待全部干后，用较冷的颜色薄薄地罩上一层，使冷色中透出暖色，以丰富色彩，或先画冷色，再罩暖色，根据实际情况而定。

（四）并置法： 运用色点和小色块，将不同色相的颜色，经水调和直接并置在画面上，只要色彩关系正确，同样可以达到表现对象的目的，使画面色彩更为鲜明，产生一种闪烁跳动的感觉。

二 水彩画的特殊技法 水彩画的技法是多种多样的，画者可根据不同对象的需要，采用适当的技法来表现。水彩画的特殊技法即是用特殊的工具材料和手段，造成特殊的效果。

（一）刀刮法： 用一般削铅笔的小刀在着色的先后刮划，是破坏纸面而造成特殊效果的一种方法。着色之前先在画纸上用小刀或轻或重、或宽或窄地刮毛，以破坏部分纸面，着色之后出现较周围颜色重一点的形象。这是因刮毛之处吸色能力强，所以变重了些。它表现虚远的模糊形象或隐约可辨的细节效果较好。着色过程中进行刀刮，水多时会产生重的刀痕，水少时浮色被刮掉又会产生较亮的刀痕，处理有关细节可用此法。另外在颜色完全干透之后，用刀刮出白纸，或轻巧断续地刮，以表现逆光时的亮线、亮点或较小的亮面、闪动的光点和冬天飘落的雪花等，虚虚实实，自然有趣。

（二）蜡笔法： 用蜡笔或油画棒，着色前涂在有关部分。着色时尽可大胆运笔，涂蜡之处自然空出。用以描绘稀疏的树叶、夜晚的灯光、繁杂的人群等都比较得力，可以收到事半功倍的效果。

（三）吸洗法： 使用吸水纸（过滤纸或生宣纸）趁着色末干吸去颜色。根据效果需要，吸的轻重、大小可灵活掌握，也可吸去颜色之后再敷淡彩。用海绵或挤去水分的画笔吸洗画面某些部分，也别具味道，有异曲同工之妙。

（四）喷水法： 有时在毛毛细雨的天气下画风景写生，画面颜色被细雨淋湿，出现一种天趣，引人入胜。有时在着色前先喷水，有时在颜色未干时喷水。喷水壶要选用喷射雾状的才好，水点过大容易破坏画面效果。

（五）撒盐法： 颜色未干时撒上细盐粒，干后出现象雪花般的肌理趣味。撒盐时，应视画面的干湿程度，过晚会失去作用。盐粒在画面上要撒得疏密有致，随便乱撒，会前功尽弃。

（六）对印法： 在玻璃板或有塑料涂面的光滑纸上，先画出大体颜色，然后把画纸覆上，象印木刻一样，画面粘印出优美的纹理，颇得天趣。此种效果用细纹水彩纸容易见效，以对印为主，稍作加工即可成为一幅耐人寻味的水彩画。有的局部使用对印方法，大部分仍然靠画笔完全。

（七）油渍法： 水与油不易溶合，利用这一特性，着色时蘸一点松节油，会出现斑烂的油 渍效果，使平凡的色块增加变化，也是颇具天趣的。

（八）蛋清画——附着力强——精细；

（九）掺浆糊——增强笔触、利用形体塑造；

（十）、色纸画——调子易统一；

第四篇：水彩教学大纲

《水彩画》教学大纲

适用专业：三年制（专科）总学时：18 学分：1 编号：

一、课程性质与作用

水彩画的学习，使学生掌握一定的色彩理论知识和自然光色变化规律，熟悉水彩画及其工具材料的性能特点，使学生在绘画中将感性认识理论化、科学化，并运用正确的观察方法和表现技法，运用理论知识指导水彩表现技巧，提高学生水彩修养的创造性和水彩的思维能力。通过本课程的教学，解决造型艺术中诸多最为基本的问题，从而逐渐在技术和经验的获得中具备表现自然的能力，为独立地进行艺术创作做准备。通过静物写生或外出风景写生将色彩理论与水彩实践相结合。初步了解水彩艺术中“水”、“色”、“时间”三要素在作画过程中承担的重要作用；了解由水彩丰富的偶然因素所产生的水彩画独有的艺术魅力，并在此基础上学习优秀作品成熟的绘画理念，开拓眼界，提高个人艺术修养。

二、教学目标

水彩画教学的目的综合起来有以下几个方面：

1、了解色彩的艺术特点以及形象与色彩的相互关系。

2、掌握水彩画的特点和写生步骤与方法掌握工具及材料的应用。

3、正确地运用色彩观察方法，从整体出发，通过对比区别色彩倾向，表现出他们之间的色彩关系。在写生过程中逐步掌握色彩调配，色彩对比和谐调等规律。

4、掌握用色彩塑造形体，表现立体空间的方法。

5、通过写生了解水彩画的各种表现技法，掌握构图的基本原理，提高组织画面的能力。、6、认识画面整体关系的重要性，提高驾驭画面的能力。

7、具有对色彩的记忆、想象在创作中运用的能力。

（三）观察研究

摆在初学者面前头等重要的大事是培养正确的观察方法，在作画之前，先将静物之间的各种关系进行整体观察和分析，而整体观察应始终贯穿在整个作画过程之中，要从色彩诸因素的相互联系中观察色彩。从相互比较中找出色彩变化关系，在变化中找出主调色彩，要敏锐地捕捉色彩总的倾向，确定基调，然后再进一步分析研究局部的色彩关系。但又不能陷入局部孤立地观察色彩，还要回到整体以观察色彩。

（四）水彩画写生的方法和步骤

1、构图与画轮廓，构图应注意研究以下几个方面：

a、对对象的位置、结构、比例、形体特征要准确而肯定。b、物体、景物、人物的位置距离要有疏密、主次、远中近的变化。要注意视点的高低、角度与表现内容的情感联系。

2、铺大色调

3、大体塑造

4、深入刻画

5、整体调整

四、教学实施建议

（一）课时安排

《 水彩画 》课程于第三学期内开设。授课每周2学时，共9周，合计18学时。各章节教学内容的学时分配如下：

第一章 概述（2学时）

第一节 水彩画的概念及特征 第二节 水彩画的起源与发展

第二章 水彩画的工具和材料（1学时）

第一节 水彩画的工具 第二节 水彩画的材料及特性

第三章 水彩画技法（2学时）

第一节 基础技法 第二节 特殊技法

第四章 静物写生（13学时）

第一节 水彩写生的步骤与方法

人民美术出版社 中国建筑工业出版社

第五篇：水彩总结

水彩总结

在经过这几周的课程后，我更加深刻的感受到水彩的魅力，但同时也感觉到了自己有太多的不足，在造型上、色彩上、包括在构成上面的安排也是。老师在这几周的时间上也教会了我们很多，很尽心尽力的教我们，尽可能的让我们能学到更多。