第一篇:浅谈戏曲表演中的
浅谈戏曲表演中的“形”与“神”
龙海市歌仔戏(芗剧)传承保护中心――林秋凉
我国当代著名艺术家张更先生曾经在画论里说过:“神似者为上品,形似者为下品”。张老对画的优劣能有如此正确的评价,我认为戏曲表演也应该如此评价。因为国画与戏曲同样生长在“中华民族文化”这片沃土之上,它都有相通之处,最大通点是两种艺术都具有写意的特点,求形似而更重于神似,以神似通神为上。那么戏曲人物的塑造,表演也要“神似”才算是高层次的境界,只有神似才能称为商品。因此,我就此问题谈谈我在这方面的雏见。
一、“神”与“形”的关系和区别
所谓“神”、“形”。“形”是表象,“神”是表象中所含的意味。“形”可以耳闻目睹,而“神”只可心领神会。“神”与“形”的关系是“神”靠“形”传,“形”不开,则“神”不现。“形”不“活现”,则“神”不“真传”。作为表演艺术来说,一切的“神似”都要依靠“形似”来体现,也就是说一切“神传”,就体现在形的“活现”之上,没有这一点,神则为空,无从谈起。而形的活现,除了形体的基本功外,又不能离开神的真传。“神”不“真”,则“形”不“活”。“形由神生,神赖形立”。十八世纪末期俄国著名艺术家斯坦尼斯拉夫斯基曾指出:“没有,没有神的形,也没有,没有形的神。每一个形体动作都有心里的成分,而每一个心理动作都有形体的成分”。由此可见,“形”、“神”是相互作用相互体现的。
戏曲表演水平的高低之别原因繁多,有表演基本功不同,也有生活环境不同,还有演员自身文化素质的高低直接影响理解人物的不同等。塑造人物是一个戏曲艺术表演的主要环节,人物塑造水平的高低,从根本上说就是“神似”与“形似”的区别。“神似”就是把握了人物基调、性格特点,以及人物内 心世界的情感和微妙的心理。而“形似”却只是衣着、冠履、脸谱、言谈举止相仿,唯独缺少人物的灵魂。“形似”只能取悦于观众的耳目,“神似”才能燃烧观众的心灵。“形似”给观众的印象或许是美丽的,但是短暂的,只有“神似”才能给观众留下难以泯灭的美感。说到“神似”,我以著名京剧表演艺术家叶少兰先生塑造的人物形象为例。其特点:文小生则风流儒雅、气宇不凡,武小生则刚健英武、俊爽豪迈;无小生无脂粉气,武小生更富于阳刚之美。他刻画的东吴主帅周瑜,性格鲜明:水军都督、三军统帅、智勇双全、精通战策、谋略过人、琴棋书画、文采风采、心胸狭窄、嫉贤妒能,因此突出一个“满”字。他刻画的吕布则突出一个“蛮”字,他有层次有分寸地吕布一介武夫、贪财好色、有勇无谋、性格多变、狂妄自大、喜好杀人等性格体现的淋漓尽致。他的唱念字字有力、句句有神、功力深厚、有宗有法,素为人们所称道。叶少兰的表演已不单单是唱、做、念、打等表演技巧的简单相加,而是用其内在的“神”去活化了这一系列的外在表演艺术,使他能够传“神”并打动观众。这也是“神真则形活”的一个很好例子,可谓“神似”之上品。由此可见,“神似”高于“形似”。
二、“神似”在戏曲表演当中的重要性
戏曲中的“神”主要靠演唱者的面部表情的微妙变化所表现,更为主要的是眼睛里所传达的各种情感信息。所以传统戏曲中演员是很讲究眼神的运用,眼睛是心灵的窗户,眼神在表演过程中非常的重要。不同的眼神表现不同的情感。“一身之戏在于脸,一脸之戏在于眼”。随着内容和心理的改变,眼睛也要时虚、时实、时远、时近,这样才能将自己的身心完全融入戏曲的意境,最后将观众带入戏中。
通常在演出过程中,经常听到观众对某个好的演员的表 演说“神了”的字眼,“神了 ”就是戏曲人物形象的心理活动及思想感情的代名词。如果强调“神似”,这是因为戏曲表演多用程式。程式动作的特点从外形来说不象话剧那么更接近于生活,而是特别规范夸张,舞蹈性特别强,离生活动作的形式较远。但戏曲并不因此而忽略人物形象的典型性,而是运用这些按生活来说是属于夸张或变形的程式动作来刻画人物的性格特征。这样,戏曲其神似而更重形似的表演理论也就相应而生。前辈艺人给我们留下了丰富的戏曲传统剧目,也给我们留下很多成功的艺术形象。后人都在接受这些艺术形象,但由于学戏多是从外形学起,不少演员又未能求深解,只想形似老师,就千方百计地模仿老师,到头来只停留在“形似”的基础上而不求“神似”。一些有见解有远见的前辈艺术家,就告诫下代不要只求形似,而要更重“神似”。“形似”无疑是最容易、最轻便的方法。但这样的形似只是一种简单的表象,而不是意象,从人物角度上讲是一种呆板与僵化的扮象,塑造人物也就没有生气可言。模仿是戏剧的低级阶段,刻意的模仿只能说明表演技巧简单与不成熟。满足“形似”再追求“神似”这才是更高的艺术境界,表演才能尽善尽美。
“活画其形,真传其神”。“神”是抽象的,它只能寓于“形”中。观众只有通过“形”,才能感受其“神”。“形”作为传“神”的工具,首先指的是眼睛。如果说“神”有十分,眼睛要占六分。“心者神之舍,心之神法于目”。即指“神”之重点所在。戏曲界有一句谚语:眼大无神,庙中泥人。可见眼神对于戏曲演员的表演可以说是相当重要的。眼无神则戏之神大半全无,形也难似。通详苓老师扮演现代京剧样板《智取威虎山》中的杨子荣,就“百鸡宴”那场戏,在众敌匪面前,杨子荣临危不惧,他炯炯有“神”的那双眼,光芒四射,吓得匪寇胆战心惊,就 那么一双“神”的眼睛,却可给人们留下了不可磨灭的印象,那么可把杨子荣这个人物的形象塑造到了最高境界。
常言道:“神贯于顶”,“背后见戏”。可以说形体每一部位都无不散发着神。如:我们广东粤剧著名文武生黄伟坤在《双枪陆文龙》中饰陆文龙一角,手握双枪,全神贯注,英俊洒脱。看过这个戏的人无不为其神韵而赞叹。他用戏曲化的造型,刻画了陆文龙巧用双枪善战骁勇的战斗风韵。并将人物的大将气质表现得淋漓尽致又耐人寻味。这些“风韵、气质”不是只靠外形的“形似”就能表现出来,而主要是借助人物内在的“神”来表现的。又如在泥塑“收租院”中一个双眼被蒙双臂倒绑的人物塑像,虽然它是塑像,并且双眼被蒙。它眼虽不能传“神”,但“活画其形”能“真传其神”。人们可是通过塑像的“神”情,身体的造型、面部肌肉、额头肌肉、口型等看到旧社会农民在皮鞭下受尽欺凌,也可看到皮鞭下强烈的反抗情绪及其从心底迸发出来的深仇大恨。总之,在我们中华民族的戏曲表演中,“神似”最为重要,而那“神”却又体现于形体的每一部位,我们对形体的每一部位若失去掌握或不能运用自如,都将破坏“神”的表达。
三、“神”的含义
“神”在概念上常常变成了思想感情的另一说法。即“神”就是指认为的思想感情。这种说法似乎不是很确切的。实际上,“神”的含义包括了人物的思想感情、气色、情态,但戏曲中常讲的“神”,又多指认为的气质风貌。武打戏的开打,传统戏的程式动作起霸、走边等过程中,邀请演员做什么心理活动,思想感情呢?在那框框的程式化动作中,要求演员内心如何如何只是一句空话、如传统剧目《六国大封相》众将起霸,如果我们硬要要求扮演六国将那几个演员,此时此刻内 心应该是如何如何一系列的内心活动,这对演员来讲毫无实际作用。只有向演员提出要在神韵气质上把握住六国将勇猛、彪悍而又富有大将气质的特点即可了。勇猛、彪悍这些抽象的词再结合对人物的分析认识,就可以指导演员表现出那些大将的外在风貌和气度。对于某一个具体人物的具体气度风貌的要求,演员往往是用“神气”这样的术语来概括。这时,“神”字已化为具体人物的精神、气质、风貌的代名词,所以前面说“神”在戏曲表演中,有时是指人物的外在气质。
人物的外在气质和人物的心理、感情变化并不是对立的。当人物在进行着激烈的心理、感情变化时,也表现着人物的气质。人物的气质风貌不是演员形体或某一意念的某一部分的产物,而是演员内在的“心、神、意、气、力”和外在的“唱、做、念、打”两方面结合的结果。气质要贯穿于表演的始终,但是根据戏曲表演的特点,气质有时又与人物的感情、尤其是心理思想脱节。话剧是在着着实实,既目的性很明显的表演中流露人物的气质。而戏曲则是在虚虚实实,即真假相间中去表现流露人物的气质。在“虚”中表现的人物气质,在戏曲中就常以“神”字取而代之了。这个道理,如果用跑龙套的表演就更难说明。跑龙套在戏中充当千军万马的代表,或充侍卫。他们在戏中该怎样表演呢?
一、他们不能随着主要角色一起做戏,无论是从他们十足身份的角度,还是从戏曲写意的表现方法的角度,都不允许他们过多的表现。
二、他们又不能站在一旁看戏,不能完全置于度外。他们还有表现角色的任务。这种“即在戏中又在戏外,说在戏外还在戏中”的表演,只能用“气色、情态”即气质风貌来表现。业就是只要求他们在精神气度上保持着严肃的军威即可。
“神”在戏曲的术语中,有时又重点指其眼睛的神采和神 韵。“神采”侧重指眼睛向外放射光彩,“真精神”就是说人们振作之感。简言之:目光烁然谓之“神采”。“神韵”侧重指跟眼睛向内储蓄的神色。这种神色并不使你为之振奋,而多使你为之品味。简言之,目光蕴藉谓之“神韵”。自然,“神采”“神韵”都须建立在人物气质的基础上。
总之,“神无影则不显,形无神则僵死”。在戏曲表演艺术中,“神”与“形”是相辅相成的,离开“形”,则“神”就无从谈起;而没有“神”,则再好的“形”充其量也只能算是美丽的空壳,无法真正打动、激发观众的情感。一个成功的戏曲演员,就要学会做到“神”与“形”的完美结合,做到思想与情感、韵味与神态的完美配合。利用一个个形体动作,把美的“形”展现给观众,再利用这美丽的“形”,把所塑造人物的内心世界的情感和微妙的心理传递给观众。
第二篇:浅析戏曲表演与程式
浅析戏曲表演与程式
中国的戏曲表演,和其它戏剧表演不一样,有它自己的独特性。传统的说法,把戏曲表演归结为“唱、念、做、打”四个字。这是一种比较贴切的概括,把戏曲表演各种艺术手段的形态和性质都包括在内了。唱是歌唱,是戏曲表演中最鲜明、最直接的音乐因素。念即念白。戏曲念白不同于生活语言,而是富于音乐性和节奏感的舞台语言。做指做功,泛指各种节奏化、舞蹈化了的表演动作。打,是武艺、竞技和战斗场面的艺术表现,是武术和杂技的舞蹈化。
在戏曲表演中,念白有调,动作有式,锣鼓有经,歌唱有曲牌和各种板式,武打有套数和档子,音乐板奏也有一定的格式。这些套路和格式,就是人们常说的所谓程式。它是构成戏曲表演有机体中的细胞,也是戏曲演员创造角色的艺术语汇。
其实,凡艺术皆有程式,话剧结构中的“三一律”,演出方法中的“四堵墙”,国画中的各种笔、描法也都是程式。只是它们或隐或显,不像戏曲那样,程式在其表演中占有如此重要的位置。
一、程式与生活的关系
生活是一切文学艺术的源泉,戏曲表演程式也不例外。说到底,所有的戏曲表演程式都来源于生活。但戏曲表演程式的构成,是戏曲表演主体,即演员在塑造舞台形象、创造表演程式的时候,不仅仅是对直接生活的简单摹仿,而是放眼于广泛的间接生活和各种艺术、技术领域,从中汲取创造的灵感,或 1
是摹取其形,或是摄取其神,然后融入自己的形象构思,才得以形成的。
戏曲表演程式提炼的过程中,一般说来,有三种情况:(1)直接来自生活的程式。有的是对真实生活的直接摹拟,富有生活的实感,如开门关门,上楼下楼,穿针引线等。但是这些程式动作,和生活原型相比还是有很大的不同。这时,那些琐碎的日常动作被精减掉了,某些可能出现的偶然因素也被排除了,只留下几个最有代表性、最富形象特征的动作,并赋以优美的线条、鲜明的节奏和严密的结构。这类程式,与生活的关系最紧密,可以说它直接来自生活,只不过,它被节奏化和舞蹈化了。
(2)来自技术性的程式。除了直接来自生活中的程式外,有的程式很难说它与真实的生活有什么直接的关系。如很多剧种都有的“朝天蹬”、“月亮门”、“铁门槛”、“卧鱼”、筋斗,旋子等。这些程式动作大都来自如:舞蹈、杂技、武术等更为广泛的间接生活。
(3)来自自然美或艺术美的程式。这些来自自然美或艺术美的程式,其中有些是自然美或艺术美的转化,有些是生活折光的映射,有些则是心理情绪的外化,其表现形态是多种多样,多彩多姿的。如:为表现英雄人物英姿勃发的形象而使用的“鹰展翅”,就是摄取苍鹰展翅的动作而形成的。再比如“兰化指”“菊花手”等手型指型,就是摹拟自然界花朵的形状。还有如戏曲常用的“翎子功”,它可以表现喜悦、得意、惊恐、愤怒等各种不同的感情。这类程式虽与生活还有某些联系,实
际上却已是生活折光的映射,它们所概括的生活信息量,远非真实的生活原型可比。
二、程式具有的特性
既然程式在戏曲表演中占有十分重要的位置,那我们不得不了解一下它所具有的特性。那么戏曲程式有那些特性呢?
(1)格律性。格律性是诗、歌、舞的共同特性,戏曲表演从本质上讲,也是歌舞表演,那它必然也具有这一特性。一切生活的自然形态,和任何一种表演因素参与到戏曲表演中来,都要其规律予以提练概括,使之成为节奏鲜明、格律规整的技术格式。
(2)规范性。规范性有两指:一是格律本身就是对生活的规范。戏曲表演是一个含有多种艺术手段动态的程式系统,各种艺术手段有其各自的属性,如果不将其规范,就会各唱各的调,各吹各的号,艺术表现上就杂乱无章。二是指表演程式可以作为类似人物或类似情境的通用格式。当戏曲演员创造了某个技术格式,旁人对其仿效或参照,在他们再创造的过程中,必然发生新的变化和发展。这时,由于不断创造,不断磨练,很多技术格式就在这个过程中得到提高。久而久之,就产生了相对的稳定性。成为可以泛用于同类人物或同类戏剧情境的规范。
(3)可塑性。各种程式虽然都有一定的格式和规范,可以泛用于同类人物或同类戏剧情境。但生活不是一成不变的,戏曲程式在其发展过程中,也同样不可能是一成不变的,尽管它具有一定的规范性和稳定性,可是同样的戏曲程式,还是可
以用来表现不同的生活内容。这样一来,就产生了它另一个特性——可塑性。例如“起霸”这套程式,据说起初是为表现楚霸王出征时的英雄气概,后来经过历代艺人的创造和发展,就渐渐成为能表现所有武将整装待发前的通用格式。
在规范中求变化,将变化加以规范。戏曲表演程式,就是在这个过程中不断发展提高到最后的稳定。
三、程式的功能作用
戏曲表演程式是戏曲表演技术组织中的基本单位。它是戏曲演员塑造舞台形象的艺术语汇,也是戏曲演员的基本功。
戏曲表演程式大体可分为两大类,即单项程式和成套组合。单项程式如果不同具体的戏剧内容结合,那它只是一种单纯的表演技术单位。如旦行的下腰和“卧鱼”,作为单项程式存在时,只是单纯的技术单位。如果把它融入一段独舞或群舞中,就可以成为加强舞蹈情绪表现力的手段。
所谓成套组合,是指按照特定的生活内容,将若干单项程式进行一定的组织,这就有了一定的指向性。例如“起霸”表现整顿盔甲,“趟马”表现策马奔驰,“走边”表现轻装潜行等。
无论是单项程式还是成套组合,在进入形象创造以前,它们和舞台形象并不存在必然地逻辑关系,这时它们还只是技术单位。只有当演员根据人物性格和规定情境的要求,把若干程式按照一定的生活逻辑和舞台逻辑组织起来,才能表达出某种具体的思想情感和独立的舞台形象。
但是,这些单纯的技术单位,可以单独抽离出来,作为演
员的基本功进行训练。
戏曲表演程式的另一个功能和作用,是有利于传统的延续。
表演艺术是空间和时间的艺术,随着时间的流逝,一场演出结束,舞台形象就消失了。从这个意义上来说,表演艺术是不可重复的。由于这个原因,很多富有光彩的舞台演出,在没有先进的音像技术之前,难以原样保留下来。但是,戏曲由于有程式的存在,却使戏曲演员的艺术创造从精神形态转化为了物质形态。有了这种物质的外壳,戏曲演员的艺术创造,就成了可以感知和把握的客观实体,有利于代代相传。
戏曲艺术长期生长在物质条件十分落后的时代,但能绵延不断,流传至今,可以说戏曲的表演程式功不可没。
结语
程式是戏曲表演的手段,戏曲表演离不开程式。但社会在前进,时代在发展,当今的社会生活丰富多彩,戏曲发展到今天也不是一成不变的,它也需要创新,需要发展。但这种创新和发展不可成为无本之木,无源之水,它必须在继承传统的基础上使之发扬光大。
第三篇:浅谈中国古代声乐论著中关于戏曲表演的声乐技巧
摘要:中国古代歌唱家的声乐实践包括表演和教学两大方面。不论是从表演或是教学来谈,中国古代歌唱家的声乐技巧都已经达到相当高的水平。而在中国古代大量的音乐论著中,记载和用文字描述着声乐技巧。中国古代的声乐技巧包涵着气、声、字、情四个技巧元素,并涉及到声音、语言、作品的情感表达、戏曲表演等多个方面。其中中国古代声乐技巧最完善的领域莫过于中国戏剧中的戏曲演唱。
关键词:声乐实践;音乐论著;声乐技巧;戏曲演唱
一、中国古代歌唱家的声乐实践
中国古代歌唱家一生对音乐有两大追求:一是演唱(表演),如何学会歌唱,并在演唱(表演)时通过声乐技巧来达到完美的效果,同时也提高自身的演唱水平;二是教学,如何将自己的演唱技巧通过何种教学方法传授给自己的学生。故中国古代歌唱家的声乐实践包括表演和教学两个方面。表演与教学是环环相连、丝丝相扣的两方面,并没有明确的先后之争。
1.声乐表演
声乐表演是中国古代歌唱家进行的一项重要的实践活动。从古代许多文献资料中,许多著名的歌唱家都参与过一系列的表演活动。这能够直接反映出他们的演唱水平和艺术修为。例:春秋战国时期的韩娥;秦汉时期的李延年;隋唐时期的许和子、李龟年;宋元时期的李芝仪、解语花;明清时期的蒋康之、刘宝全。宋代之后,因戏曲艺术的快速发展,戏剧声乐艺术家倍出。例:明。朱权《太和正音谱》中记载:“蒋康之,金陵人也。其音属宫,如玉磐之击明堂,温润可爱„„康之扣弦而歌„„少焉,满江如有长叹之声,自此声誉愈远矣。”这段文字中虽然没有直接描写歌唱家的声乐技巧,但从其产生的效果来看,如果没有高超的声乐技巧和良好的艺术修养,是不可能产生文字上所描述的强大的渲染力。而这些不同时期的歌唱家曾经都活跃在其所在年代的“音乐舞台”上,他们为中国古代声乐艺术的发展做出了重要的贡献。
2.声乐教学
众所周知,声乐教学是提高声乐水平的重要途径之一。在声乐教学中,教师首先需要给学生示范,其次,学生模仿并根据自身条件循序渐进的学习,不断调整自己的演唱方法。在一交一学的互动模式中,教师和学生的演唱水平会达到教学相长的目的。正如法家的韩非曾谈到战国时期声乐教师选择学生的一种方法:“使先呼而之,其声及清微者,乃教之。”在戏曲声乐的教学中,口授教学法是至古代教学方法沿用下来,其不但涉及到一般演唱技巧的问题,还涉及多剧目、多唱腔,甚至一字一句。正因为在这种口授式教学的过程中,声乐技巧才能不断的完善、不断的提高。
二、以《唱论》为例分析中国古代关于声乐技巧的论述
元代燕南芝庵的《唱论》一书,从歌唱者气息的控制、声音的风格、情感的表达、歌唱的吐字以表演时的姿势等几个技巧性因素进行了较为详细的阐述。
1.气息的控制
燕南芝庵认为有多种方法可以控制和调节歌唱时的气息,在《唱论》的记载中就有“偷气、取气、换气、歇气、就气”等多种方法,而且其技巧在于气要终止的深透,既要用着力的拖腔,更要学会用轻巧声音来演唱。
2.声音的风格
燕南芝庵认为“凡人声音不等,各有所长”,既有尖细的“川嗓”,也有宽阔的“堂声”,歌唱者应该根据自己声音的特点和风格来选择和演唱歌曲,但力求唱的精准;在这一条的基础上他根据男女声线和音色的不同提出了“男不唱艳词,女不唱雄曲”的观点。
3.情感的表达
在情感表达方面,燕南芝庵认为有的歌曲需要演绎的雄壮、粗放,有的歌曲则要演绎的缠绵、含蓄,要根据歌曲自身的要求,抑扬顿挫,通过情感的表达更好地诠释乐曲想要表达的内容。
4.歌唱的吐字
在咬字吐字方面,燕南芝庵认为在歌曲的唱词方面,有不同的搭配法,有一字一音、一字多音、一音多字等几种不同的方法,歌者都要唱的精确,做到“声要圆熟,腔要彻满”的要求。
5.表演姿势
在唱歌姿态方面,燕南芝庵提出许多应该避免的不利于歌唱的坏毛病,如松嗓、摇头、歪口、合眼、张口、撮唇、昂头、咳嗽等等。这些论述中对戏曲表演和演唱都是有实用价值的,在当时直至今日的声乐教学和声乐表演的实践中,都是极为重要的声乐技巧和注意事项。
三、古代戏曲表演中的声乐技巧
宋元以后,戏曲艺术在音乐文化的演变中得到了飞速的发展。在戏曲表演中,声乐是戏曲表演的重要组成部分。因此,许多表演艺术家和理论家都立志于研究和改进戏曲的歌唱技巧,以适应日益完善和发展的戏曲艺术。然而,对戏曲艺术而言,有了理论和实践上的指导,戏曲中的声乐技巧也相应的得到提高。
中国古代戏曲的种类繁多,有宋元时期的杂剧、南戏;明清时期的“四大声腔”,在二者的基础上,又不断地衍生出民间各种地方戏种,而每个剧种都有自己的行当,每个行当还有更细致的划分;每个戏种对每个行当的声音条件和发声技巧的要求都不一样,有的要求声音宏亮、刚劲有力,如京剧中老生的唱腔;有的要求声音纤细、缠绵,如越剧中的花旦或青衣的唱腔。在中国古代,许多戏剧中的女主角都由男人扮演,所以有的戏剧中要求男生用假声来演唱。随着时间的推移,戏曲的演唱都已经形成了独门独派的演唱风格和艺术特征,尽管派别不同,演唱方法上也有所不同,但是在“字清、腔纯、板正”三个歌唱技巧点却是相同、相通的。
1.字清
顾名思义,就是咬字清晰。这和古代的歌曲的演唱有相同之处,不同之处在于古代的戏曲演唱比古代歌曲的演唱更注重咬字吐字,这并非空泛而谈,而是由戏曲音乐的特点所决定的。古人在学唱戏之前(古代歌曲演唱相同),必须弄清楚汉字的字音和音韵,共三大结构:字头、字腹、字尾,四大声调:平调、上调、去调、入声,十九个韵部:东钟、江阳、支思、齐微、鱼摸„„监咸、纤廉,五音:唇、齿、喉、舌、鼻。在演唱中要熟记并掌握上述的发音及规则,在演唱中务必端正、准确,同时要注意剧种所包含的地方性因素,如南曲不夹杂北腔,北曲不夹杂南字,有时必须去掉某些地方的方言。
2.腔纯
即运腔纯正,体现在中国古典戏曲的“声韵音乐”特点中,即把音乐建立在唱词的声韵之上。“腔纯”是建立在“字清”的基础上——在声韵变化的基础上运腔。演唱者在演唱是,不仅仅要做到吐字清晰,又要做到字字声圆,是字音融入到声中,达到“声中无字”的效果。这也就是明代戏曲家魏良辅在对昆山腔改成“字正腔圆”的“水磨腔”中提出许多经典、有价值的运腔技巧的观点,如:“五音以四声为主,但四声不得其宜,五音废矣„„”“平上去入,俱要着字,不可泛然”,“过腔接字,乃关锁之地,最要得体”等等。
3.板正
所谓板正,就是节拍、板式控制其变化要得体。古代戏曲中每一种板式都对应着基本唱法。在歌唱时应该遵照,不可过于随意。如唱底板时,必须“音节悠长,声调宏放,气缓词舒”并要
做到“无节之中,处处皆节,无板之处,胜于有板”的声乐演唱技巧。当然,在古代戏曲的演唱中,节拍毋庸置疑是重要的,即古人云:“有板有眼”。为了使戏曲演员具有良好的节拍感,古人曾有“传腔递板”的方法,很像我们今人所玩的一门游戏“击鼓传花”——多人暗中围坐在一起,让围坐的人按照唱过的曲调的节奏每人轮流唱一字或一句,有人唱错节拍,则给予处罚。
在古代戏曲的演唱中,对发声的气息控制也是有讲究的,除了与古代歌曲演唱技巧相同的一部分外,还有它自己特有的演唱技巧。而这部分演唱技巧与戏曲唱腔本身的发展是紧密相连的。上文中论述到每一种板式都有相应的唱法,其中气息的控制就是最重要的演唱技巧。古代戏曲演员演戏声音的最主要的方法就是“吊嗓”,在清晨,用某些元音或带有元音的汉字做长音的发声练习,然后再练习戏曲中的唱段或念白。而“吊嗓”的好处除了熟悉唱腔、唱词,与伴奏者的配合更加默契外,最重要的一点就是练习气息的运控能力及其它有助于戏曲演唱的发声技巧,使自己的声音更加具有表演性,更加适应于舞台表演的美的要求。
在明清时期,徐大椿对戏曲音乐中的歌唱技巧有更完善、更独特的见解和研究,他的《乐府传声》一书是一部全面的古代戏曲声乐研究的总结性著作,对戏剧演唱中多方面的问题进行了详细的阐述。譬如:戏曲中如何起调、如何演绎高腔与低腔、如何咬字吐字、如何处理板式与唱腔、如何表达情感从而达到审美的效果等,这些观点对现代戏曲的表演与教学有很高的学术研究价值,也具有一定的实际指导意义。如“音之轻重”之说:“轻者,放松其喉,声在喉之上一面,吐字清圆,飘逸之谓。重者,按捺其喉。声在喉之下一面,吐字平实,沈著之谓。”此文字表明五声与吐字之间的关系,当然,从更深的角度来看声、气、字、情都是紧密相连的。关于高腔的唱法在古代声乐论著中还是首次提及,在书中,徐大椿把此唱法叫做“高音轻过”:“字要高唱,不必用力尽呼,惟将此字做狭、做细、做锐、做深,则音自高矣,凡欲高遏之法,照上法将气提起透出,吹着按谱顺从。则听着已清晰明亮,唱者又全不费力。”其认为演唱高音的时候,更重要的不在于声音的好坏,而在于气息控制是否得当。这与现代戏曲演唱的本质是一样。
从上述的分析可以看出,中国古代声乐演唱水平是很高的,不论是古代歌唱家的实际演唱(只能从文献上的文字记载得出结论),还是古代论著中关于歌唱技巧的论述都达到相当高的水平。在戏曲演唱和表演方面,古代论著中高超的声乐技巧也为今天的戏曲音乐在歌唱技巧方面的研究起着重大的推动作用。而对于我国整个声乐艺术来说,其对发展我国当代声乐艺术也是极为重要的。
第四篇:戏曲表演专业教研活动总结
戏曲专业教研活动总结
一学年来,戏曲专业全体教师团结、协作、开拓进取,始终把“保护、传承、弘扬晋剧这一国家级非物质文化遗产”作为每个人的工作指南和奋斗目标,积极探索新形势下适合自己角色的教师形象,认真全面地落实好学校各项工作。这一年中,我们戏曲专业部在教研室的统一安排和全体成员的齐心努力下,胜利完成了本学期的教学研究工作,并取得了一定的成绩。现总结如下:
一、积极落学校制定的教学工作计划
本学年,戏曲专业注意认真组织教师学习新课标有关精神,认真要求每位教师钻研教材,探讨教法,并积极地落实到自己的教学中,还积极开展同学科之间的备课研究,对教材、教法力求“挖深”、“吃透”。在先后多次的备课检查中发现,所有教师备课认真,教案编写详细实用,针对性强,教法设计新颖,合理科学,体现出教师对新的教育教学理念的学习和领会。
1、加强了教学常规管理。教学常规是教学工作中的一件大事,我们在学校教务科的直接领导下,以从严、从细的标准来要求全体教师的教学常规工作,保证教学质量。
2、主要抓了课堂教学技能的提高,戏曲专业课程设置较多、行当多,因此规范课堂管理尤为重要。
3、认真落实了教研活动。围绕专业建设、课程设置、教学内容改革等组织教研活动,每次教研活动有主题、有论点,大家人人发言,为教改充分发表自己的见解和看法。在熟悉教材的基础上,大胆探讨教学改革,对我们现在进行的课程改革,注重针对性、实用性,不断寻找改革措施,并且落实到实处,从抓常规教学入手,向课堂45分钟要质量。常规教学狠抓了教师的课前制定计划、备课、课前准备、组织教法、讲解示范等。
二、认真研究新的教学方法,积极发挥学科优势作用
在教学工作中,专业教师除完成好教学工作外,还积极配合学校中心工作,开展好各种活动,充分发挥了不同科目的优势作用。
特别是在“中国少儿戏曲小梅花荟萃活动”中,戏曲教师加班加点,积极备战,取得了优异的成绩。在传承、弘扬晋中地域文化特色方面,积极进行太谷秧歌的改革与创新研究,与其他专业一道共同出色完成了太谷秧歌优秀剧目展演活动。
三、取得的成绩
1、整体教学常规管理工作有很大起色,特别是我校“小梅花”教学有了很大的突破。
2、教研活动开展的有声有色,戏曲专业参与开展的纪念程玉英从艺80周年名家演唱会、太谷秧歌优秀剧目展演及研讨等几个大型活动都十分成功,且取得了一定的效果,为今后的教研工作带了一个好头,收到了良好效果。
3、注重了课堂教学的改革工作,采用示范课、说课等形式,利用多媒体教学等,收效很好。
4、抓好了学期结束时的教学质量考核工作,做到了有形式,有内容,有成绩,有分析。通过考核发现我校戏曲专业的各个学科教学工作扎实,效果都十分好。
四、基本经验
1、要以学校教务科为龙头认真抓好各项工作,要注意学校各教研组的横向联系工作。
2、要注重发挥所有教师的集体智慧,注重每一位教师的参与,才能把本专业的工作搞上去。
3、要注重形成一定的制度,使每一位教师对专业部教学教研的管理工作形成一定的共识。
4、要认真抓好每一次活动的开展,才能更大地调动全体成员的工作积极性。
五、存在的差距与今后的打算
尽管我们在工作中取得了一些成绩,但也还存在不少问题,突出的是科研气氛还不够浓厚。在课堂教学改革实践方面还不能做到坚持和深入、潜心的研究等。课题研究的力度还不够。
今后打算:
1、加大戏曲教学的改革力度,使我校戏曲教研工作再上一个新台阶。
2、加强戏曲专业各项制度建设,进一步规范教育教学行为。
3、进一步加强常规管理工作。
2011年12月
第五篇:戏曲表演的艺术特征(资料)
中国的传统戏剧有一个独特的称谓:“戏曲”。历史上首先使用戏曲这个名词的是元代的陶宗仪,他在《南村辍耕录•院本名目》中写道:“唐有传奇。宋有戏曲、唱诨、词说。金有院本、杂剧、诸宫调。”但这里所说的戏曲是专指元杂剧产生以前的宋杂剧。从近代王国维开始,才把“戏曲”用来作为包括宋元南戏、元明杂剧、明清传奇以至近代的京剧和所有地方戏在内的中国传统戏曲文化的通称。
戏曲的艺术特征主要有:
1、综合性
戏曲作为表演艺术,是时间艺术与空间艺术的综合。
各种不同的艺术在戏曲中是与表演艺术紧密结合的。例如戏曲中的服装和化妆,除用以刻画人物外,还成了帮助和加强表演的有力手段。水袖、帽翅、翎子以及水发、髯口等,都不仅仅是人物的装饰,而且是戏曲演员美化动作、表现人物微妙心理活动、刻画人物性格的重要工具。戏曲的这种与表演艺术紧密结合的高度综合性的特点,是经过了漫长的历史发展过程逐渐形成的。
中国戏曲是以唱、念、做、打的综合表演为中心的戏剧形式。它拥有丰富的艺术表现手段。从艺术因素的构成看,戏曲的发展来源主要有 3个:歌舞、滑稽戏和说唱。由于中国历史上从来就有把各种不同的表演艺术集中在一个场所进行演出的传统习惯,这就促进了各种艺术的交流和结合。它的与表演艺术紧密结合的综合性,使中国戏曲富有特殊的魅力。它把曲词、音乐、美术、表演的美熔铸为一,用节奏统驭在一个戏里,达到和谐的统一。这样,就充分调动了各种艺术手段的感染力,形成中国独有的节奏鲜明的表演艺术。
唱:是戏曲演出中剧中人物进行内心情感抒发或叙事的主要方式,根据不同的剧种,采用不同的音乐形式。就唱词而言,一般可以分为两种类型,一为曲牌体,如昆曲、高腔等;一为板腔体,如京剧、评剧、各类梆子戏等。
念:是戏曲演出中对人物间的对白或独白的总称,是一种诗歌化、音乐化的戏剧语言。一般的剧种所用念白与剧种所在省份的地方音大致相同。京剧念白有京白、韵白之分,前者用湖广音、中州韵,后者用北京方音稍加变化。昆曲则用韵白或苏白。
做:是对戏曲演员的身段、表情、气派、风度等表演的总称。是戏曲表演的主要组成部分,也是舞台行动的主要组成部分。戏曲的做,多为程式性的动作,大都写意。
打:指戏曲中对点头场面的表现手段,也叫“开打”,有时表现两人的对打,有的则是集体的战争场面。戏曲的开打具有极强的舞蹈性、程式性和表现性,也多写意而非写实。
打:指戏曲中对点头场面的表现手段,也叫“开打”,有时表现两人的对打,有的则是集体的战争场面。戏曲的开打具有极强的舞蹈性、程式性和表现性,也多写意而非写实。
2、写意性
“写意”这个词在绘画中是与“工笔”相对的,用于戏曲则应与“写实”相对。据此,可以说中国戏曲是一种写意的舞台艺术,它不是写实的。戏曲把无限丰富的生活内容凝炼成为极其有限的舞台形象,把实境升华为意境,让观众见一叶而知秋,这是中国戏曲的内在美学规律。许多生活内容,戏曲并不赋与舞台形象,却在观众的想象中展露。“目见”极少,“想见”极多,而“想见”却来自“目见”,戏曲就是在这种虚与实的统一中显现出一幅幅的生活图画。戏曲的音乐、表演、舞美,无不具有写意性。仅从面部化妆看,花脸中的“碎脸”,像个花鸡蛋;马武的胡子是红的;窦尔墩的脸是蓝的;青面虎的脸是绿的。在实际生活中谁也没见过那幅面容,但它却能显现性格特征,这就是戏曲造型的“意象”,而非“实象”。观众决不会说“他不像人”因为“意象”是从“实象”来的,是“实象”的高度提炼与夸张。它比“实象”更为鲜
明、具体。可见,戏曲的真实和美感是在“实象”之外,“意象”之中的。
戏曲是综合艺术,它是通过演员的表演将各种艺术因素综合成为戏剧整体的,所以表演动作的写意性,决定戏曲的各个组成部分都必须在不同程度上具有相应的写意色彩,否则艺术上就不统一。
所谓写意之“意”,不是单指抽象的精神,它是一种高于生活的形神兼有的形象,它不是生活的原貌,而生活真实却寓意其中。戏曲的写意形象,距离生活实际甚远,但它凝炼着生活中丰富的抽象特征。想象比直观往往还要感到丰富真实。凡以鞭代马、上楼下楼、开门关门、出室入室等,皆属虚拟。这是戏曲写意的一种手法。
如果认为戏曲表演只限于虚拟动作才是写意,那是很大的误解,实际上戏曲的一切动作都带着不同程度的虚拟性,因此才构成戏曲整体的写意特征。《贵妃醉酒》中的“卧鱼”,是虚拟贵妃的愁情醉态的。这些形象都不是写实的,贵妃无论醉到何等程度,也醉不出个“卧鱼”来。但“卧鱼”之形,却最能传达愁情醉态之意。因之“卧鱼”就成为写意的形象。
戏曲表演的写意性,还不限于一招一式,它展现在形象塑造的整体,构成戏曲的写意性的形象。
戏曲并不绝对排斥写实,以桨代船的那个“桨”,就颇为写实,但这个实却是为了虚,让观众由写实的桨联想到虚拟中的那个船。是由实见虚,不是以实代虚。写实旨在写虚。我们还必须看到,戏曲的写意是植根于生活的,它必须遵循生活逻辑。奇特的花脸造型,总归是人物性格和身分的图案式的写照,决非鸦涂。所以写意和概念化、类型化有原则区别。戏曲演员塑造人物是十分重视内心刻画的。
归纳而言:写意是决定中国戏曲艺术性质的内在美学规律,若变写意为写实,戏曲就会顿然改貌。它是意中有实,实借意显。从本质来看,它是现实主义的,不是形式主义的。写意的外部特征在戏曲中表现为“程式”,戏曲以表演“程式”为核心,综合各种艺术“程式”构成自己的特殊样式。含蓄美、雕塑美、节奏美,则是戏曲的写意性通过“程式”表现出的美感特征。三者统一在戏曲的人物形象之中,形成戏曲特有的艺术魅力。
3、程式性
中国戏曲的表演程式是运用歌舞手段表现生活的一种表演技术格式,是戏曲反映生活的表现形式。程式都是直接或间接来源于生活的。表演程式,就是生活动作的规范化,是赋予表演固定的或基本固定的格式。
程式本来是特定的动作,后来才逐渐变成公用的带规范性的表现手段。许多程式,大都是个别演员为了塑造人物需要而模拟特定的生活动作并把它节奏化、舞蹈化所进行的创造。这套动作很美,很准确地刻画出人物的某种精神状态,大家看了觉得很好,把它用到其他戏中同类人物身上也很合适,于是这套动作就被普遍采用。
唱、念、做、打和音乐伴奏均有程式,是戏曲表演的主要特点。这一特点制约着戏曲形象塑造的一切方面,也贯串于舞台演出的结构体制。生活的自然形态和任何一种表演因素,如果不转化为程式,就不能统一于戏曲的舞台演出风格。许多程式动作各有一些特殊的名称,例如“卧鱼”、“吊毛”、“抢背”等。就这个意义而言,程式是戏曲创造舞台形象的特殊艺术语汇,没有程式,就没有戏曲的表演艺术。然而戏曲表演的程式,是从各种表现简单的故事情节到表现复杂的生活现象,并且加以规范化的结果,这个复杂的艺术加工过程,主要贯串于歌舞化、戏剧化、节奏化。
戏曲的程式不限于表演身段,大凡剧本形式、脚色行当、音乐唱腔、化妆服装等各个方面带有规范性的表现形式,都可以泛称之为程式。程式的普遍、广泛的运用,形成了戏曲既反映了生活,又同生活形态保持若干距离;既取材于生活,又比生活更夸张、更美的独特色 彩。离开了程式,戏曲的鲜明的节奏性和歌舞性就会减色,它的艺术个性就会模糊。
4、虚拟性
虚拟,是戏曲反映生活的基本手法。生活是无限的,任何艺术要表现生活都是有局限的。用有限的艺术手段去表现无限的生活,如果不在艺术中变换生活的原来形式,完全按照日常的样子去反映生活,是办不到的。戏曲通过变形来反映生活,这种变形手法之一就是虚拟。在处理艺术和生活的关系上,不是一味追求形似而是极力追求神似,这是中国传统艺术的根本特点之一,是从中国传统的美学观中产生出来的。如:中国画讲究神形兼备,而更重视神似。神似要求捕捉住描写对象的神韵和本质,而形似却是追求外形的肖似和逼真。戏曲就是在这样的传统美学思想的影响下形成的。它不是把舞台艺术单纯作为模仿生活的手段,它追求的是生活本质的真实,它对生活原形进行选择、提炼、夸张和美化。
戏曲的虚拟性首先表现为对舞台时间和空间处理的灵活性。戏剧是通过舞台表演的形式来反映生活的。舞台对于戏剧就是一种限制。因此,戏剧必须解决如何利用舞台的空间和时间的问题。中国戏曲的解决办法,就是把舞台有限的空间和时间,当作不固定的、自由的、流动的空间和时间。舞台是死的,但是在戏曲的演出中,说它是这里,它就是这里;说它是那里,它就是那里。一千里路虽然很长,说它走完了,它就走完了。从门口到屋里,虽说路程很短,说它没有走完就没有走完。一个圆场,十万八千里;几声更鼓,夜尽天明……时间和空间处理的灵活性使戏曲把舞台的局限性巧妙地转化为艺术的广阔性,这就是戏曲的虚拟手法的集中表现。
作为解决艺术与生活这对矛盾的基本方法,虚拟还体现在对现实生活各个领域、各个方面的具体的表现上。例如对山岳河流等地理环境的虚拟、刮风下雨等自然现象的虚拟,以及人物动作的虚拟,等等。虚拟的手法解放了戏曲的舞台,给戏曲作家和舞台艺术家带来了艺术表现的自由,大大地开拓了表现生活的领域
戏曲通过高度的艺术真实表现出生活真实的虚拟性特点,是千百年来,一代又一代表演艺术家运用他们的智慧积累而成的优秀的民族表现形式。它的形成过程,并非直线发展,而是中国人民祖祖辈辈的艺术家们经过了各种途径的探索。在历史上,并非没有人运用布景,把舞台装饰得华丽一些。明末张岱的《陶庵梦忆》,记载了一个班社演出《唐明皇游月宫》时,用了月宫的布景。清初的李渔在《蜃中楼》里,也布置过一座精巧的蜃楼。至于宫廷的演出更是花样繁多。但戏曲发展的主流,还是循着虚拟的法则前进,终于形成了自己的独特的美学体系。