画艺网：盛世天空美术馆将举办画展

第一篇：画艺网：盛世天空美术馆将举办画展

盛世天空美术馆将举办画展

2014年5月10日下午4点在北京798盛世天空美术馆将举办法国艺术家弗朗西斯·德·朗洛先生《红与蓝|艺术中法1964-2014》现代派画展，展览将持续至5月19日。弗朗西斯·德·朗洛是欧美著名的艺术家、画家，他于1964年开创了独具一格的新抽象派画风，并于1971年本人命名为【大宇宙建构主义】。弗朗西斯·德·朗洛被法国官方指定为2014年中国法国建交50周年的法国现代艺术代表。

2013年弗朗西斯·德·朗洛在北京法国大使馆遇见了法国总统弗朗索瓦·奥朗德先生，总统先生当时对他说：“您的艺术就是在传承中法友谊”，这就是为什么弗朗西斯·德·朗洛先生在法国政府和很多中国朋友的帮助下决定主办2014年的这个画展。法国外交部和法国驻华大使馆给予弗朗西斯·德·朗洛先生在北京798的个人画展官方全程支持和协助。弗朗西斯·德·朗洛的画展将于2014年5月1日到20日在北京798艺术区[盛世天空美术馆]展出。弗朗西斯·德·朗洛独特的画展将解释什么是1964年至2014年的现代法国艺术。

弗朗西斯·德·朗洛的画展将展示其于1964年以来在油画上无穷的想象力，他是一位激情的、非常富有表现力的艺术家，一位过渡具象到抽象的画家。弗朗西斯·德·朗洛很容易在任何地方与周围环境和谐相处，他认为他的灵感来自于任何他当时所处的外部世界。弗朗西斯·德·朗洛的画有力地、激烈地表达爱和情感，他的画是行动与韵律的和谐碰撞，纯粹并富有想像力。弗朗西斯·德·朗洛所创作的画，不仅是放进博物馆展览与收藏，也可以置身于大小公寓收藏与装饰，其原创和独特无法复制，画将与爱画之人和谐共处，互映人生。

第二篇：画艺网：油画展《旅途》在今日美术馆开幕

油画展《旅途》在今日美术馆开幕

2014年5月25日下午，由今日美术馆主办，博雅文化传媒公司协办的“旅途--吴雷油画展”在今日美术馆开幕。“旅途--吴雷油画展”展出了吴雷多次进入西藏的绘画作品和近期的写生作品40余幅，他把对雪域高原的情感融于画笔之中，将那片神秘而凝重的土地、人情，实实在在的呈现在了我们的眼前。

有多少段旅行就有多少段故事，他人生中的十年，与西藏这块土地、与一次次的旅行和其中的故事编织在了一起。吴雷的作品画面用色大胆艳而不俗，浪漫与豪情并重，艺术风格独具魅力，作品情感自然真挚，每一张画，不仅仅是画，更是他旅程中的世界。展览将持续到6月4日结束。

吴雷，1974年生于北京，1997年毕业于中国戏曲学院舞台美术系风景绘画专业。从小酷爱艺术，专业绘画近十年。大学毕业后在舞台美术领域大施拳脚，多次担任大型活动的视觉设计并执导舞台制作，屡树业内口碑展露专业才华。后怀揣梦想个人创业，从自己作图设计一直到当老板搞管理，累积跨界经验。他深知真正的画家并不只是埋头苦画，更重要的是体验生活，经历磨难，才不至于肤浅的表达，才能真正脚踏实地的作画。他没有轻易动笔，但思考从没有停止，对绘画的热情，对绘画的向往，每一天，都在升温。

吴雷不像很多画家那样过着苦行僧的生活，他认为画画让他无比喜悦，他会一生与画幸福地相恋相爱。他不喜欢空谈，是行动派，凭他的专注和勤奋，加上多年积累的综合实力，他的画的性格会有独树一帜的超然魅力。在他看来，自由自在的旅行，自由自在的画画，同样重要，同样美好。守望纯净的心灵，无所畏惧的去表达，什么也阻挡不了他对自由和绘画的向往。

第三篇：画艺网：绘画的品格油画展在大都美术馆开幕

绘画的品格油画展在大都美术馆开幕

2013年12月29日，由中国油画学会和大都美术馆共同主办的“绘画的品格·2013中国油画展”在大都美术馆开幕，展览将展至2014年1月15日，持续展出15天。本次展览共展出了170幅优秀油画作品，这些作品是经过照片初选、复选和原作评选，从全国送选的5000余幅作品中严格评选出来的。

从参展作者可以看出中国油画界薪火相传，人才辈出。其中不仅有许多优秀的青年画家崭露头角，也有许多老画家老当益壮，积极参与。从展览作品中，我们可以感受到中国油画家对祖国和大地的热爱，对美好人性的追求，对油画语言的精益求精。

展现了在迅速现代化和经济化的时代，艺术家对于人类精神家园的守望。中国油画学会成立十八年来，先后举办了一系列高水准、有影响的油画展览，每一次展览都提出一个特定的学术主题，以适应时代的需要。

以“绘画的品格”为题来举办全国性的油画展，在中国油画学会已是第二回了。2006年的“精神与品格——中国当代写实油画研究展”，曾得到积极的反响。这次重提“绘画的品格”，就是全面考虑了中国现时期油画面临的发展方向。中国油画学会主席，中国美术学院院长许江先生，在展览前言中讲到：今天，数字媒体发展迅疾，日常图像的获取只在指尖点击，如此的轻巧带来诸多表象，世界图像化的弊端正在其中。绘画的指掌犹强调手与心应、心手合一。

那指掌触到的虽也是笔彩媒介，但其同在共存的、直观渐进的、亲尝亲历的、可触可摸的过程却是数字媒介所不具有的。因此，绘画在今天通过人类的指掌维系的不仅是一种技艺，更是一种“天地与我并生，而万物与我为一”的渐进可触的感受力，更是上述的品格叙述得以落脚的真实而富有批判力的精神载体。所以，绘画的品格坚守在今天犹为重要。它既是面对无所不能的数字图像得以自守的关键，也是绘画自身与时俱进、得以批判地进行和开拓着的要义。

绘画注重品第格调，进而论及画者的品性味况、胸壑襟抱，是中国文化的重要传统。绘画由于它所承载的丰厚的中国文化内涵而得以发展和延续，它将因其丰富而高雅的品格成为我们生活中重要的精神家园，成为我们持久的观看对象与心灵的寄托。在油画艺术持续发展的今天，坚守绘画的品格，不仅是老一代油画家们的谆谆嘱望，也是广大青年油画家们的殷殷追求。

第四篇：画艺网：艺术留给时间来证明

艺术留给时间来证明

翻开法国美术史，我们可以看到写实肖像画家让·克鲁埃(Jean Clouet)，卡拉瓦乔主义艺术的代表乔治·德·拉·图尔(Georges de la Tour)，洛可可风格的代表人物让·奥诺雷·弗拉戈纳尔(Jean Honore Fragonard)，印象派领导人物之一的皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿(Pierre-Auguste Renoir)„„但是，他们的代表作被收藏在法国的各个博物馆内。要想在一天内观看到他们的代表作，就得在法国各家博物馆来回奔跑。

庆幸的是，5座知名法国博物馆首次联袂呈现“名馆·名家·名作——纪念中法建交五十周年特展”于4月11日开始在中国国家博物馆亮相。在这次展览中，上述名家的代表作来到了展览现场，让艺术爱好者可以通过这些名作，看到法国从16至19世纪的重要艺术成就。欧洲各国君主从15世纪开始，就习惯借用文艺复兴时期流行的写实肖像画让自己流芳百世。但由于内外诸多原因，法国的文艺复兴要比其他国家晚将近一个世纪。在16世纪，枫丹白露画派的形成标志着法国文艺复兴绘画的诞生。这时期最富盛名的就是以肖像画著称的法国画坛三父子，即让·克鲁埃、他的父亲让·富盖(Jean Fouquet)和他的儿子弗朗梭瓦·克鲁埃(François Clouet)。其中以让·克鲁埃的成就最为举世瞩目，《法兰西斯一世肖像》就是他的代表作。

画中的主角法兰西斯一世将两只手做成骑士的姿势，显得极为庄重。艺术家借宽阔的肩膀、宝剑、圣米歇尔骑士团领袖勋衔项链以及金丝绣成的衣料的精细描绘，大大增加了国王的华贵。虽然画中国王仅带着一顶较为素雅的贝雷帽，但象征王权的皇冠图案在背景中依然明晰可见。但国王的眼睛显得长而细小，下巴颏呈尖状，表情冷淡而显呆板。衣着与容貌的表现形成了一种不协调的感觉：带着满脸胡须的消瘦面容与身上的宽袍不能给人带来审美上的统一。据传，此幅画像所记载的法兰西斯一世与历史真人极为符合。这位国王在位时，没有什么功绩，反倒因为其野心被百姓扣上“阴谋家”、“沽名钓誉之徒”等绰号。由此可见，画家不仅有高超的写实技术，而且还注重对人物内在性格的真实描绘。

到了17世纪，君主是法国的最高权威。因此不论文学还是绘画、雕刻不但要受到王权口味的局限，还不得不以歌颂君王、服务于宫廷作为创作的首要任务。而拉·图尔则是一位从不为君主歌功颂德，也不去迎合贵族口味的画家。

他的《木匠圣约瑟》描绘的是一位借着儿子手中的烛光在夜间做活的木匠。从画作的名称可知，这位木匠的身份为约瑟，即基督教中耶稣的养父。他弯着腰，大手紧握着工具，肌肉突起，汗珠在手臂和额头上闪着光，显示他正在努力地工作着。孩子脸上的光赋予了他超自然的光彩，就像一股从体内向外自然放射的光芒一样。手指上及指甲中的污垢则暗示他此时还只是一个凡人。

约瑟与幼年耶稣的眼神交流是整幅画作的核心。约瑟温柔的眼神，流露出对孩子的无限关爱。布满额头的皱纹传达出他为儿子的未来命运而担忧。正在加工的木头则是耶稣受难时十字架的暗喻。虽然这是一幅宗教作品，却没有同时代“古典”画家那种冷漠、理性而故弄

玄虚的“学究”气，也没有因表现宗教主题充斥着宗教气氛，远离现实生活。拉·图尔笔下的圣经人物像是当地的农民，形象质朴，有一种端庄自然的美。他还喜欢表现烛光，那种朴实无华、集中凝练、简洁概括的形式在与时人们概念中的“古典绘画”相去甚远。拉·图尔在世时名利双收，但死后却完全被人们遗忘。他的一些作品曾被人们误认为是勒南兄弟(The Brothers Renan)兄弟或蒂亚戈·罗德里格斯·德 ·席尔瓦·委拉斯贵兹(Diego Rodriguez de Silve Velazquez)、弗朗西斯科·德·苏尔瓦兰(Francisco de Zurbaran)等人的。直到20世纪30年代，在尼科尔(Nikl)和H。沃斯(H.Voss)的努力下才揭开了真相。18世纪前半期法国艺术由称为洛可可的艳情艺术主宰，它以上流社会男女的享乐生活为主要对象。它一方面不免浮华做作，另一方面却以法国式的轻快优雅使绘画完全摆脱了宗教题材。弗拉戈纳尔早期艺术生涯中，曾创作过一些符合当时官方欣赏品味的历史题材作品。随后，他转而专注于轻松的主题，比如爱情和情欲，成为了洛可可风格的主要代表人物之一。弗拉戈纳尔的《门闩》讲述了一个关于爱的征服和随之而来的欢愉的经典故事。一间卧室中，男人一只手插上门闩，另一只手揽着的女人徒劳地阻止他去锁门。女人将头别开，表现出半推半就的暧昧态度，好似在躲开男人的热吻。凌乱的床和身穿内衣的男人，无一不暗示着男女间已发生的事情。前景的地面上，一把躺倒的椅子和被丢弃的花束，让人联想到年轻女人曾徒劳地阻止男人过分的调情。油画的精妙之处在于其构图，画面被一条虚构的对角线贯穿，并将苹果与门闩联系在同一条线上。在西方世界中，苹果象征原罪，而门闩则扼杀一切逃出的可能。作品给人以时间暂时凝固的感觉，故事就这样在高潮处戛然而止。作品营构出对“爱”这个主题的独特思考：对神的爱以及男女之间的爱。

弗拉戈纳尔的画作是与贵族趣味是并存着的。不管是为显贵们订购而作的《门闩》还是其他的作品，都表现得非常露骨，轻佻的内容与高超的色彩技巧，是弗拉戈纳尔继承布歇“向妇女献殷勤”的一种绘画“传统”。当时的沙龙内就有人抨击这种绘画。但他的名声也从此沸扬。到了19世纪，欧洲经济发展迅猛，法国社会也发生了重大的变化。首都巴黎更是改头换面，商店、夜总会和咖啡厅成为新的娱乐场所。艺术家、工人、朋友和游人喜欢会聚在可以举行露天舞会的小咖啡馆。这时诞生的“印象派”，遭到学院派的攻击，并被评论家路易斯·勒罗伊(Louis Leroy)挖苦是“印象派”。印象派画家们抛弃了古典主义画家们偏爱历史、神话或宗教类的宏大主题，热衷于描绘室外的生活，将眼见的社会生活作为创作对象。作为印象派领导者之一的雷诺阿乐于描绘生活中的喜悦和欢愉，常常被舞会中富于青春活力的舞者激发无限的创作灵感，《煎饼磨坊的舞会》中所描绘的正是舞会的典型场景。光线透过树荫，照射在人体身上，呈现斑驳情况。描绘出色彩闪动在光点里，完全捕捉到光线落在景物上时，所创造出来的笼统瞬间印象。人物在树荫下，光线透过树荫照在他们的衣服、脸上，有印象派的轻快的构图。前景到后景变化很快，后景有往高处发展的呈现，表现出人形逐渐消融在阳光和空气中。

第五篇：画艺网：西方传统绘画的革命者

西方传统绘画的革命者

毕加索虽然是西班牙画家，但是，他却在巴黎完成了现代艺术史上的绘画革命。毕加索是西方艺术史上一位极其独特的艺术家，他的才能在年轻时就表现得非常卓越，他当年在西班牙所画的习作已经让同辈画家们叹服，到巴黎后受到印象派影响，尤其是受到塞尚绘画的启发，创立了立体主义绘画。

毕加索终结了自文艺复兴以来所形成的西方绘画传统，抛弃了三维空间与真实形体的描画，把固定视角的观察改变为多视角度空间的观察，并把不同角度的观察结果表现在画面上。毕加索开始考虑文艺复兴以来绘画所遵循原则的意义和价值：绘画是否一定要遵守透视法的规律来表现客观真实？他发现，除了西方以外的其他民族在绘画历史中，透视法并不重要，非洲艺术没有透视法，日本绘画和中国绘画也没有，但无论是非洲还是中国，绘画艺术都已有很长远的历史。文艺复兴所遵循的原则和阐述的方法，并不能概括所有民族绘画的原则与基础。

毕加索思索艺术中最为关键的核心是什么： 如果艺术的标准首先要满足客观真实的话，那么，艺术家就会因为学习真实而带上技术的枷锁，绘画中情感的自如表达也会受到技术的制约。因此毕加索从非洲的艺术和日本与中国的绘画中找到新的绘画表现形式——完全取决于自己内心的情感需求。

这就像我们看到的两部作品：《读信》和《斗牛士》。《读信》是毕加索用古典主义手法来处理的画面，《斗牛士》却是用立体主义的手法表现的画面，这两个风格迥异的画面却都是毕加索一个人的创作。对画面的解释并不一定能理解毕加索绘画的意义，每一个人站在毕加索的画面前都会有自己的理解和解析。