第一篇:中外音乐简史与名作赏析-期末复习
第一单元 中国古代音乐与名作欣赏
● 远古时期的音乐文化具有歌、舞、乐相互结合的特点。比较大型的乐舞有黄帝的《云门》、尧的《咸池》、舜的《韶》等。其中以《韶》的艺术水平最高。● 夏商时期的《大夏》歌颂了原始社会氏族部落首领夏禹治水的事迹,而《大濩[hù]》则歌颂了商汤伐桀[jié]的功绩。这些音乐已变成为帝王歌功颂德、“以昭其功”的工具。
● 商朝巫风盛行,出现了专司祭祀的巫(女巫)和觋[xí](男巫),他们不仅参与神权统治,还充当职业音乐舞蹈家。
● 西周建立了我国历史上第一个庞大的王家音乐机构——大司乐,负责全国的音乐行政、音乐教育、音乐表演三方面的工作。周代的宫廷音乐大体可分为“六代之乐”、“颂乐”、“雅乐”、“房中乐”、“四夷之乐”。
● 春秋战国时期,从奴隶制到封建制转变,在思想、学术上出现百家争鸣的局面。在新思潮的影响下,雅乐逐渐退居到仪式乐的地位,俗乐在音乐生活中渐渐地占据重要地位。民间的歌唱艺术盛行起来,形成了我国第一部诗歌总集——《诗经》,还出现了独特的说唱形式“成相篇”。
● 从西周到春秋战国,在乐律和音乐理论方面,出现了音阶、调式、和转调的理论。十二个半音的音律结构已经形成,管仲的“三分损益法”是世界上最早制定的十二平均律的理论。
● “乐府”是秦汉时期建立的音乐机构,在汉武帝时期最为兴盛。由音乐家李延年担任协律都尉,司马相如等十八位文学家担任歌词编写工作,乐府促进了汉代民间音乐的繁荣。
● “相和歌”是乐府中最主要的音乐形式,始于汉初,是我国北方各地普遍流行的一种民间音乐。相和歌的最高形式是相和大曲。● 以相和歌为代表的汉族音乐与南方民歌“吴声”、“西曲”相结合,形成了“清商乐”。
● 隋唐时期的宫廷音乐,一般称为“燕乐”。● 宫廷乐队的演奏分为“坐部伎”“立部伎”。坐部伎的演奏员水平高于立部伎。● 曹柔创立了减字谱的古琴曲记谱法。
● 曲子(词)是宋代比较流行的一种艺术歌曲,它是在民歌的基础上发展起来的。曲调被称为“曲子”。歌词被称为“曲子词”,简称“词”。● 鼓子词是宋代比较流行的说唱形式。
● 鼓词是明清时期流行于我国北方的一种说唱形式。● 弹词是明清时期流行于我国南方的一种说唱形式。
● 说唱音乐,又叫曲艺音乐,是我国民族民间音乐体裁的一种,具有以叙述性为主,兼有抒情性,并有语言密切结合的有说有唱的音乐特征。说唱音乐包括唱腔和器乐两部分。唱腔的结构基本上分为曲牌体和板腔体两种。
● 我国民族民间音乐在长期发展过程中形成了五大类:民歌、曲艺、戏曲、民间乐器、民族歌舞。
● 明末清初,北方以陕西秦腔为代表的“梆子腔”得到很快发展。● 中国戏曲经历了:元杂剧——昆曲——京剧 三大高峰。元杂剧是第一个戏曲高峰,昆曲是第二个戏曲高峰,京剧是第三个戏曲高峰。
● 晚清,由西皮和二黄两种基本曲调构成的皮黄腔,在北京开始形成,尔后产生了影响遍及全国的京剧。(京剧的音乐体式属板腔体,声调以西皮和二黄为主。其中,称为“三鼎甲”的三位杰出艺术家程长庚、余三胜、张二奎。誉为“四大名旦”的有梅兰芳、程砚秋、尚小云、荀慧生)● 《阳关三叠》是唐代一首著名的艺术歌曲,又称《阳关曲》、《渭城曲》。歌词原是唐代著名诗人王维的七言绝句《送元二之安西》。
● 《流水》是我国流传最为久远的一首古琴曲,约产生于春秋时期。(俞伯牙和钟子期)● 《广陵散》,又名《广陵止息》,东汉末年流行于广陵地区(今江苏扬州一带),是一首以叙事见长的大型琴曲。
● 《花木兰》取材于南北朝时五言体长诗《木兰辞》。
第二单元 中国近现代音乐文化与名作欣赏
● 鸦片战争以后,中国进入了半殖民地半封建社会,以学堂乐歌为中心的启蒙阶段可上溯到1898年以康有为、梁启超为代表的维新派主张开办新式学堂开始,至1919年“五四”运动爆发之前。学堂里开设了“乐歌课”,教唱新的歌曲,称为“乐歌”。随着学堂乐歌的流行发展,出现了西洋乐器组成的军乐队,风琴、钢琴也开始流行,五线谱、简谱也传入我国。学堂乐歌的流行与西洋音乐的传入,是我国近代音乐文化的重要开端。
● 1919年(五四运动)开始,相继在北京、上海等城市建立起各种新型的音乐社团。创建了一批我国最早的专业音乐教育机构。1927年,在蔡元培先生的积极倡导下,由我国著名的音乐教育家萧友梅带头,在上海创建了我国第一所专业音乐学院“国立音乐学院”。(1927年创立第一所专业音乐学院)● 1931年“九.一八”事变“一二.九”运动后,全国抗日救国,群众性的救亡歌咏运动蓬勃发展,出现了以上海为中心的救亡音乐团体。● 聂耳《义勇军进行曲》、《毕业歌》。
● 麦新《大刀进行曲》是第一首向日本喊出抗战的歌曲。● 贺禄订的《游击队之歌》、《嘉陵江上》、《秋水伊人》、《四季歌》。● 洗星海的《在太行山上》、《到敌人后方去》和象征中华民族不屈精神的《黄河大合唱》。
● 中国秧歌剧是歌剧的基础。● 萧友梅代表作:歌曲《问》、《五四纪念爱国歌》、《从军歌》。● 黄自代表作:《思乡》、《玫瑰三愿》、《花非花》、《西风的话》、清唱剧《长恨歌》。
★《黄河大合唱》的主题思想是什么?作品在当时起了什么作用? 答:《黄河大合唱》创作于1939年。作品以我们伟大民族的发源地黄河为背景,以雄伟的气魄,热情奔放的旋律,真实地反映了在抗日战争年代里中国人民的苦难与斗争,表现了中华民族威武不屈的精神和坚不可摧的力量,塑造了伟大的中华民族的英雄形象。
《黄河大合唱》的音乐,具有非常严谨的内在联系,感情的发展也一浪高过一浪。八个乐章的音乐都各有一定的独立性,但通过朗诵和乐队又把它们全部串联起来,形成了一个完整的统一体。整部作品以《黄河船夫曲》、《黄水谣》《怒吼吧,黄河》为基本主题。
这部气势磅礴、感人至深、具有民族特色的交响性大合唱,强烈地反映了时代精神,鼓舞了亿万人民的斗志,是我国音乐创作中的一座光辉的里程碑,是中华民族音乐宝库中的瑰宝。
《黄河大合唱》八个乐章的名称:第一乐章:《黄河船夫曲》(混声合唱)、第二乐章:《黄河颂》(男高音或男中音独唱)、第三乐章:《黄河之水天上来》(配乐诗朗诵,三弦伴奏)、第四乐章:《黄水谣》(女声二部合唱,原稿为齐唱)、第五乐章:《河边对口曲》(男声二重唱及混声合唱,原稿是男声对唱)、第六乐章:《黄河怨》(女高音独唱,音乐会上常按修订稿加入女声三部伴唱)、第七乐章:《保卫黄河》(轮唱)、第八乐章:《怒吼吧,黄河》(混声合唱)● 《百鸟朝凤》(唢呐曲)原是流行与山东、安徽、河南、河北等地的民间乐曲。● 《喜相逢》原是一首流行于内蒙的民间小曲,后被吸收入山西梆子及二人台中作过场的音乐,经冯子存改编为笛子独奏曲。
第三单元 中国当代音乐文化与名作赏析
● 1949年10月1日,中华人民共和国成立。(中国当代音乐开始)
● 20世纪50、60年代,社会主义音乐事业取得了巨大成就,这一时期的歌曲同建设社会主义新生活的事业紧密联系在一起,具有很强的思想性、群众性。进行曲风格的群众歌曲占据了相当的数量。● 合唱音乐:《祖国颂》、《辛福河大合唱》、《长征组歌》 ● 突出的民族器乐作品:黄海怀的二胡曲《赛马》、王惠然的琵琶曲《黎族舞曲》 ● 比较突出的钢琴作品:汪立三《蓝花花》 ● 小提琴作品:秦咏诚《海滨音诗》、陈钢《苗岭的早晨》 ● 交响乐:辛沪光《嘎达梅林》
● 此时期被奉为艺术上最高典范的是“革命样板戏”,比较著名的作品有:京剧《红灯记》、《智取威虎山》、《沙家浜》、舞剧《红色娘子军》、《白毛女》等。● 刘炽代表作品:歌剧《阿诗玛》、大合唱《祖国颂》、歌曲《我的祖国》、《让我们荡起双桨》。
● 《长征组歌》作于1965年。歌词是参加过长征的肖华将军为纪念长征胜利30周年而作的一部长诗。
● 《祝酒歌》词:韩伟 曲:施光南 ● 施光南代表作:《祝酒歌》、《打起手鼓唱起歌》、《洁白羽毛寄深情》、《吐鲁番的葡萄熟了》、《在希望的田野上》。
● 《我爱你,中国》词:瞿琮 cóng、曲:郑秋枫 ● 《年轻的朋友来相会》词:张枚同 曲:谷建芬 ● 谷建芬主要作品:《年轻的朋友来相会》、《兰花与蝴蝶》、《采蘑菇的小姑娘》、《思念》、《那就是我》、《绿叶对根的情意》、《烛光里的妈妈》、《今天是你的生日,中国》。
● 辛沪光主要作品:交响诗《嘎达梅林》、管弦乐《草原组曲》、马头琴协奏曲《草原音诗》、清唱剧《草原英雄小姐妹》、电影音乐《祖国啊,母亲》 ● 《梁山伯与祝英台》是何占豪、陈钢于1959年创作的小提琴协奏曲。
● “风、雅、颂”是我国最早的一部诗歌——《诗经》总集中的三个部分总称。作品选取了《梅花三弄》、《幽兰》等著名古琴曲和古老民歌的音调素材,并吸收近现代作曲手法,乐曲由风、雅、颂三个乐章组成,谭盾曲。● 张千一主要作品:交响音画《北方森林》、《A大调弦乐四重奏》、歌曲《青藏高原》
● 歌剧是综合音乐、戏剧、诗歌、舞蹈、舞台美术等艺术要素,以歌唱为主的一种戏剧形式,通常以咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、序曲、间奏曲、舞蹈场面等组成。● 咏叹调是一种旋律性强、优美动听、突出声乐演唱技巧、抒发人物内心思想感情的抒情歌曲,常出现在歌剧剧情发展的关键时刻。(伴奏丰富,音域比较宽广,篇幅较大)
● 宣叙调,亦称朗诵调,是一种速度自由、伴奏简单、建立在语言音调基础上的吟诵性独唱曲,在歌剧中用以代替对白。(音乐性不如咏叹调,具有语言特点)
第五单元 欧洲早期音乐文化与名作赏析 ● 格里高利圣歌是“单音音乐”,专用拉丁文,只用人声演唱,不要乐器伴奏,不用任何变化音与装饰音。《格里高利圣歌(lntroit)》是在圣母玛利亚升天节时演唱的一首优美曲调。● 什么是格里高利圣歌?
答:格里高利圣歌是用拉丁语演唱、不带乐器伴奏、旋律为单声部的宗教歌曲。其旋律吸取了古代东方及古希腊的音调和当时民间音乐的特点而形成,其歌词内容大多从《圣经》的诗篇中选取。
● 文艺复兴——意为再生、复活。文艺复兴的思想基础是“人文主义”。提倡的是人类的智慧,人的力量,人对生活的追求和热爱,以人为核心。● 法国和意大利的“新艺术”派。“新艺术”派是采用新式作曲法的作曲家们,他们以法国音乐家菲.德.维特里音乐理论著作《新艺术》的题目命名自己。新作曲法实质是复调音乐艺术。
● 尼德兰乐派——史称勃艮第-佛兰德斯乐派。勃艮第指现在的法国北部和比利时、荷兰一带;佛兰德斯指现在的比利时一带。尼德兰乐派的音乐家们大多居住、活跃在欧洲各地,他们发展了复调技巧,形成具有高度艺术性的声乐复调。创作了大量的弥撒曲、经文歌、歌曲。文艺复兴时期人文精神在音乐中突出体现者是拉索。
第六单元 欧洲古典主义时期音乐文化与名作赏析
● 1600-1750年巴洛克时期,1750年巴赫去世,巴洛克时期结束。巴洛克意为形状不规则的珍珠。
● 巴洛克时期真正含义的歌剧诞生,歌剧产生于16世纪末17世纪初意大利的佛罗伦萨,最早完成的第一部歌剧作品是意大利诗人里努契尼和作曲家佩里与1594年写的《达芙妮》,由于原稿遗失,现在公认他们1600年创作的《尤丽狄茜》为最早。● 意大利有威尼斯乐派,拿波里乐派等。意大利歌剧成就的代表是17世纪威尼斯歌剧乐派领袖是蒙泰威尔第的创作,其代表作是1607年创作的《奥菲欧》。● 合奏曲的体裁分为三类:组曲、奏鸣曲、变奏曲。
● 17世纪末期(80至90年代)产生了巴洛克时期最重要的合奏形式——协奏曲。托莱里是最早写协奏曲的作曲家。协奏曲分为:大协奏曲、乐队协奏曲、独奏协奏曲。(大协奏曲是三人一组和小乐队组合完成的,听起来像个乐队,没有哪个乐器特别突出,如《第四勃兰登堡协奏曲》就是两个竖笛加小提琴完成的)
● 巴洛克时期音乐的特点:
巴洛克时期的音乐文化,在与之相关的人文学科的影响下,形成其独特的结构宏大、精美华丽、夸张任意、端庄稳定的风格。首先是体裁的多样化:有反映宗教内容的受难曲、清唱剧、康塔塔;有世俗特征的歌剧;还有从声乐与舞蹈音乐伴奏地位中挣脱而出的独立完整的器乐奏鸣曲体裁形式。第二,创作技巧得以丰富和发展。主调音乐发展迅速,大小调体系得到巩固,和声理论开始建立。复调音乐在保持其原有魅力的基础上地位开始弱化,数字低音(或称通奏低音)的写法成为多声部旋律和声思维的必经道路,其技巧极为时尚流行(巴洛克也被称为数字低音或通奏低音时期)。第三,各种速度、力度、表情记号被人们充分认识并广泛使用,加强了音乐的表情功能。
巴洛克时期出现的优秀音乐家有:蒙泰威尔第、拉莫、吕利、斯卡拉蒂、维瓦尔第、塔蒂尼、库普兰、巴赫、亨德尔。● 古典主义时期音乐的主要特征:
古典主义时期一般指1750-1820年,新兴资产阶级开始壮大,掀起了主张民主、自由,反封建主义,争取个性解放的法国“启蒙运动”、德国“狂飙运动”。启蒙主义思想在观念上直接影响和极大程度上支配着当时的音乐行为、音乐创作、审美标准。音乐在题材、内容、形式、技巧、风格上经历了深刻的发展变化。其人文内涵丰富与资产阶级革命、启蒙运动精神相关联的英雄性题材也不断出现。在体裁上,交响乐与奏鸣曲的确立和定型是古典主义时期极重要的艺术成就。
● 奏鸣曲式:不同于奏鸣曲,分三个部分组成:显示部、展开部、再现部(尾声)。一般奏鸣曲3乐章,交响曲4乐章,大型套曲必须有一个乐章以上,由奏鸣曲式写成。
● 典范的4个乐章的交响曲形式,到18世纪古典主义中期,在奥地利作曲家海顿、莫扎特的作品中确立。德国作曲家贝多芬在之后将古典主义交响音乐创作推向顶峰。他扩大了奏鸣曲式结构中的展开部和尾声,扩大了乐队编制,确立了现代管弦乐队的编制,极大地丰富和发展了交响曲体裁的表现力,为奏鸣交响套曲的发展、创新作出极重要的贡献。
● 协奏曲、弦乐四重奏均定型,主调音乐占了统治地位,主调和声风格达到完全成熟的地步,并产生意大利与法国喜歌剧体裁。● 维也纳古典乐派:海顿(交响乐之父)、莫扎特、贝多芬。
● 清唱剧:是一种包括独唱、重唱与合唱,用管弦乐队伴奏的大型声乐套曲。与康塔塔、歌剧等几乎同时起源于16~17世纪之交。最初以《圣经》故事为题材,由演员化装演出。之后,其题材大多脱离宗教范围。17世纪三四十年代,成为音乐会中演出的大型声乐作品,其中合唱居于重要地位。举世公认的杰作是亨德尔的《弥赛亚》。(独唱一般用咏叹调,宣叙调写)
● 巴赫:1685~1750年,巴洛克音乐时期著名代表人物,德国伟大的古典作曲家之一。代表作:《平均律钢琴集》、《创意曲》、《法国组曲》、《英国组曲》 ● 交响曲:是一种由管弦乐队演奏的大型套曲作品。音乐结构庞大、复杂、完整,用奏鸣曲套曲形式写成,它具有深刻的哲理性和高度的艺术概括力。交响曲通常包括四个乐章,每个乐章各自独立,相互之间又有内在联系。(一定要有一个乐章以上用奏鸣曲式)
● 海顿:交响乐之父,维也纳古典乐派大师。代表作有交响曲104首,钢琴奏鸣曲52首,弦乐四重奏83首,神剧、歌剧24部,还有弥撒曲、清唱剧、康塔塔等多种作品,其中以清唱剧《创世纪》,交响曲《惊愕》、《告别》等最为著名。
● 《费加罗的婚礼》剧本是根据法国作家博马舍的同名喜剧撰写,莫扎特1786年创作歌剧并首演于维也纳。莫扎特:被誉为天才,历史上第一个独立音乐家,是维也纳古典乐派大师,奥地利作曲家。
● 歌剧是一种综合性的戏剧形式,包括戏剧、诗歌、音乐、舞蹈、美术等艺术要素,是以歌唱为主的舞台艺术。★贝多芬《第五交响曲》:
这部交响曲又被称作“命运交响曲”,这部作品博大精深,通过两个对立的音乐形象(命运的挑战、人对命运的抗争)之间矛盾的戏剧性冲突,刻画出光明与黑暗的斗争并取得胜利,体现出作者“通过斗争,取得胜利”的坚定信念。作品深刻的哲理性,极高的思想性和艺术性,二百多年来一直鼓舞人民不懈地坚定信念,坚定理想,去战胜黑暗势力,取得胜利,迎接光明!★ 贝多芬:德国作曲家,古典乐派大师,被后世尊称为“乐圣”。在艺术上勇于创造革新,确立了奏鸣曲形式结构的新原则,扩展了交响乐队的规模与表现力。代表作9部交响曲:第三(英雄)、第五(命运)、第六(田园)、第九(合唱)。
第七单元 欧洲浪漫主义时期音乐文化与名作赏析
● 浪漫主义时期音乐的主要特征:表现在内容风格、艺术技法、民族性等方面。在内容风格上,作品淡漠社会性重大题材及启蒙运动时代崇高的“理性”,强调个人的情感和幻想。
● 舒伯特:艺术歌曲之王,奥地利著名作曲家,浪漫乐派代表人物,作品:《未完成交响曲》、《“鳟鱼”五重奏》、歌曲《魔王》、《野玫瑰》及声乐套曲《美丽的磨坊女》。
● 强力集团:穆索尔斯基、里姆斯基-科萨科夫、巴拉基列夫、居伊、鲍罗丁。★管弦乐队:又称交响乐队,一般是指大型的器乐演奏团体,由木管乐器组、铜管乐器组、打击乐器组、弦乐器组四个部分组成。木管乐器组:长笛、短笛、双簧管、单簧管、英国管、大管。铜管乐器组:圆号、小号、大号、长号。打击乐器组:可分为有固定的打击乐器(用五线谱记谱)和无固定音高的打击乐器(用一线记谱)。(有固定音高的打击乐器:定音鼓、钟琴、木琴、排钟、钢片琴。无固定音高的打击乐器:大鼓、小军鼓、鈸、铃鼓、三角铁、响板。)
● 《自由射手》韦伯作于1820年,是德国第一部浪漫主义歌剧,表现善良与爱情战胜邪恶与黑暗。(韦伯—德国作曲家,早期浪漫主义乐派代表人物,德国民族歌剧创始人,其作品《邀舞》最著名)
● 门德尔松:德国浪漫乐派作曲家,生于银行家之家。主要贡献:①重新认识巴赫。1829年以独有的胆识和目光,倡导、组织、演出巴赫作品,让世人重新认识其艺术价值。②1843年于莱比锡创办德国第一所音乐学院。③以交响曲标题性序曲成就最高。如:浪漫主义特性的钢琴曲《无词歌》,代表作《苏格兰交响曲》、《意大利交响曲》、《仲夏夜之梦序曲》、《芬格尔山洞》。● 三B:巴赫(音乐之父、出生于有50多位音乐家的音乐世家)、贝多芬(乐圣)、勃拉姆斯(德国作曲家,其创作发扬古典主义音乐传统又具有浪漫主义的热情,极重视民间音乐素材。)。
● 肖邦:音乐诗人。波兰著名钢琴家,作曲家。有强烈的民族情结和爱国热忱,作品有深刻的民族性和思想性。有马祖卡舞曲52首,对推动钢琴艺术的发展起着巨大作用。
● 马祖卡:18世纪波兰舞曲之一,节奏明显,三拍子。● 狂想曲:起源于19世纪初,带有幻想性质的器乐曲。多为钢琴独奏曲,技术复杂艰深。以民间叙事诗等为题材,以民歌和民间曲调为创作素材,形式不拒。狂想曲大多由慢速的歌曲和快速的民间舞曲相结合,通过主题发展和变奏手法达到高潮。
● 李斯特:匈牙利著名作曲家、钢琴家。首创交响诗体裁(交响诗-单乐章的带标题的管弦乐体裁,又称“音画”、“交响音画”、“交响素描”,李斯特1850年首创,并写有《玛捷帊》等13部交响诗,具有叙事性、抒情性、戏剧性、描写性。交响诗常用奏鸣曲式、变奏曲式、回旋曲式、三部曲式等。),代表作《匈牙利狂想曲》(第一部分“拉索”主题,情绪伤感。第二部分“费里斯”主题,速度急迫,展现活泼性格。)● 瓦格纳:《婚礼进行曲》 ● 勃拉姆斯:《匈牙利舞曲》第五号。一生写了21首匈牙利舞曲。● 比才:《卡门》
● 施特劳斯:圆舞曲之父,奥地利著名轻音乐家。498首圆舞曲,以《维也纳森林的故事圆舞曲》、《蓝色多瑙河圆舞曲》、《艺术家的生涯圆舞曲》为著名。歌剧17部,以《蝙蝠》、《吉卜赛男爵》著称。(圆舞曲又称华尔兹,起源于奥地利的民间舞曲,三拍子。)● 柴可夫斯基:俄国作曲家,主要作品:歌剧《叶甫根尼.奥涅金》、《黑桃皇后》;芭蕾舞《天鹅湖》、《睡美人》 ● 《塞维利亚理发师》:罗西尼曲。法国剧作家博马舍的戏剧巨著《费加罗三部曲》曾被两位伟大作曲家谱为歌剧。1786年莫扎特先用《费加罗三部曲》中的第二部,写成歌剧《费加罗的婚礼》。事隔三十年后的1815年,意大利作曲家罗西尼又用《费加罗三部曲》第一部中的故事,创作出《塞维利亚理发师》
● 罗西尼:意大利著名歌剧作曲家。《塞维利亚理发师》、《威廉.退尔》最为著名。
● 威尔第:意大利作曲家,歌剧大师,被誉为“意大利革命的音乐大师”。《弄臣》、《游吟诗人》、《茶花女》、《假面舞会》、《奥赛罗》 ● 格林卡:俄罗斯乐派奠基人。《卡马林斯卡亚幻想曲》俄罗斯第一部民族交响乐作品。
● 组曲:是器乐套曲体裁之一,由各具相对独立性的若干乐曲或乐章组成,可分为古典组曲与现代组曲。古典组曲(17、18世纪)由四首乐曲组成,其速度、节拍相互形成对比。即:阿勒曼德(德国)-三拍子;库朗(16世纪意大利、法国)-三拍子、稍快;塞拉班德(西班牙、南美)-三拍子、慢速;基格(英国)-快速。
● 斯美塔那:捷克民族乐派的奠基人,创办捷克第一所音乐学校,交响诗《我的祖国》(6首交响诗组合成,最著名的是第二首《伏尔塔瓦河》)● 格里格:挪威民族乐派创立者,《挪威舞曲》、《培尔.金特》第一、二组曲。● 西贝柳斯:交响诗《芬兰颂》
第二篇:中外音乐简史与名作赏析-期末复习精简版汇总
第一单元 中国古代音乐与名作欣赏
● 远古时期的音乐文化具有歌、舞、乐相互结合的特点。比较大型的乐舞有黄帝的《云门》、尧的《咸池》、舜的《韶》等。其中以《韶》的艺术水平最高。● 夏商时期的《大夏》歌颂了原始社会氏族部落首领夏禹治水的事迹,而《大濩[hù]》则歌颂了商汤伐桀[jié]的功绩。这些音乐已变成为帝王歌功颂德、“以昭其功”的工具。
● 商朝巫风盛行,出现了专司祭祀的巫(女巫)和觋[xí](男巫),他们不仅参与神权统治,还充当职业音乐舞蹈家。
● 西周建立了我国历史上第一个庞大的王家音乐机构——大司乐,负责全国的音乐行政、音乐教育、音乐表演三方面的工作。周代的宫廷音乐大体可分为“六代之乐”、“颂乐”、“雅乐”、“房中乐”、“四夷之乐”。
● 春秋战国时期,从奴隶制到封建制转变,在思想、学术上出现百家争鸣的局面。在新思潮的影响下,雅乐逐渐退居到仪式乐的地位,俗乐在音乐生活中渐渐地占据重要地位。民间的歌唱艺术盛行起来,形成了我国第一部诗歌总集——《诗经》,还出现了独特的说唱形式“成相篇”。
● 从西周到春秋战国,在乐律和音乐理论方面,出现了音阶、调式、和转调的理论。十二个半音的音律结构已经形成,管仲的“三分损益法”是世界上最早制定的十二平均律的理论。
● “乐府”是秦汉时期建立的音乐机构,在汉武帝时期最为兴盛。由音乐家李延年担任协律都尉,司马相如等十八位文学家担任歌词编写工作,乐府促进了汉代民间音乐的繁荣。
● “相和歌”是乐府中最主要的音乐形式,始于汉初,是我国北方各地普遍流行的一种民间音乐。相和歌的最高形式是相和大曲。● 以相和歌为代表的汉族音乐与南方民歌“吴声”、“西曲”相结合,形成了“清商乐”。
● 隋唐时期的宫廷音乐,一般称为“燕乐”。● 宫廷乐队的演奏分为“坐部伎”“立部伎”。坐部伎的演奏员水平高于立部伎。● 曹柔创立了减字谱的古琴曲记谱法。
● 曲子(词)是宋代比较流行的一种艺术歌曲,它是在民歌的基础上发展起来的。曲调被称为“曲子”。歌词被称为“曲子词”,简称“词”。● 鼓子词是宋代比较流行的说唱形式。
● 鼓词是明清时期流行于我国北方的一种说唱形式。● 弹词是明清时期流行于我国南方的一种说唱形式。
● 《阳关三叠》是唐代一首著名的艺术歌曲,又称《阳关曲》、《渭城曲》。歌词原是唐代著名诗人王维的七言绝句《送元二之安西》。
● 《流水》是我国流传最为久远的一首古琴曲,约产生于春秋时期。(俞伯牙和钟子期)● 《广陵散》,又名《广陵止息》,东汉末年流行于广陵地区(今江苏扬州一带),是一首以叙事见长的大型琴曲。
● 《花木兰》取材于南北朝时五言体长诗《木兰辞》。
第二单元 中国近现代音乐文化与名作欣赏 ● 1927年,在蔡元培先生的积极倡导下,由我国著名的音乐教育家萧友梅带头,在上海创建了我国第一所专业音乐学院“国立音乐学院”。(1927年创立第一所专业音乐学院)
★《黄河大合唱》的主题思想是什么?作品在当时起了什么作用? 答:《黄河大合唱》创作于1939年。作品以我们伟大民族的发源地黄河为背景,以雄伟的气魄,热情奔放的旋律,真实地反映了在抗日战争年代里中国人民的苦难与斗争,表现了中华民族威武不屈的精神和坚不可摧的力量,塑造了伟大的中华民族的英雄形象。
《黄河大合唱》的音乐,具有非常严谨的内在联系,感情的发展也一浪高过一浪。八个乐章的音乐都各有一定的独立性,但通过朗诵和乐队又把它们全部串联起来,形成了一个完整的统一体。整部作品以《黄河船夫曲》、《黄水谣》《怒吼吧,黄河》为基本主题。
这部气势磅礴、感人至深、具有民族特色的交响性大合唱,强烈地反映了时代精神,鼓舞了亿万人民的斗志,是我国音乐创作中的一座光辉的里程碑,是中华民族音乐宝库中的瑰宝。
《黄河大合唱》八个乐章的名称:第一乐章:《黄河船夫曲》(混声合唱)、第二乐章:《黄河颂》(男高音或男中音独唱)、第三乐章:《黄河之水天上来》(配乐诗朗诵,三弦伴奏)、第四乐章:《黄水谣》(女声二部合唱,原稿为齐唱)、第五乐章:《河边对口曲》(男声二重唱及混声合唱,原稿是男声对唱)、第六乐章:《黄河怨》(女高音独唱,音乐会上常按修订稿加入女声三部伴唱)、第七乐章:《保卫黄河》(轮唱)、第八乐章:《怒吼吧,黄河》(混声合唱)● 《百鸟朝凤》(唢呐曲)原是流行与山东、安徽、河南、河北等地的民间乐曲。● 《喜相逢》原是一首流行于内蒙的民间小曲,后被吸收入山西梆子及二人台中作过场的音乐,经冯子存改编为笛子独奏曲。
第三单元 中国当代音乐文化与名作赏析
● 歌剧是综合音乐、戏剧、诗歌、舞蹈、舞台美术等艺术要素,以歌唱为主的一种戏剧形式,通常以咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、序曲、间奏曲、舞蹈场面等组成。
● 咏叹调是一种旋律性强、优美动听、突出声乐演唱技巧、抒发人物内心思想感情的抒情歌曲,常出现在歌剧剧情发展的关键时刻。(伴奏丰富,音域比较宽广,篇幅较大)
● 宣叙调,亦称朗诵调,是一种速度自由、伴奏简单、建立在语言音调基础上的吟诵性独唱曲,在歌剧中用以代替对白。(音乐性不如咏叹调,具有语言特点)
第五单元 欧洲早期音乐文化与名作赏析 ● 格里高利圣歌是“单音音乐”,专用拉丁文,只用人声演唱,不要乐器伴奏,不用任何变化音与装饰音。《格里高利圣歌(lntroit)》是在圣母玛利亚升天节时演唱的一首优美曲调。● 什么是格里高利圣歌?
答:格里高利圣歌是用拉丁语演唱、不带乐器伴奏、旋律为单声部的宗教歌曲。其旋律吸取了古代东方及古希腊的音调和当时民间音乐的特点而形成,其歌词内容大多从《圣经》的诗篇中选取。● 法国和意大利的“新艺术”派。“新艺术”派是采用新式作曲法的作曲家们,他们以法国音乐家菲.德.维特里音乐理论著作《新艺术》的题目命名自己。新作曲法实质是复调音乐艺术。
● 尼德兰乐派——史称勃艮第-佛兰德斯乐派。勃艮第指现在的法国北部和比利时、荷兰一带;佛兰德斯指现在的比利时一带。尼德兰乐派的音乐家们大多居住、活跃在欧洲各地,他们发展了复调技巧,形成具有高度艺术性的声乐复调。创作了大量的弥撒曲、经文歌、歌曲。文艺复兴时期人文精神在音乐中突出体现者是拉索。
第六单元 欧洲古典主义时期音乐文化与名作赏析
● 1600-1750年巴洛克时期,1750年巴赫去世,巴洛克时期结束。巴洛克意为形状不规则的珍珠。
● 巴洛克时期真正含义的歌剧诞生,歌剧产生于16世纪末17世纪初意大利的佛罗伦萨,最早完成的第一部歌剧作品是意大利诗人里努契尼和作曲家佩里与1594年写的《达芙妮》,由于原稿遗失,现在公认他们1600年创作的《尤丽狄茜》为最早。● 意大利有威尼斯乐派,拿波里乐派等。意大利歌剧成就的代表是17世纪威尼斯歌剧乐派领袖是蒙泰威尔第的创作,其代表作是1607年创作的《奥菲欧》。● 合奏曲的体裁分为三类:组曲、奏鸣曲、变奏曲。
● 17世纪末期(80至90年代)产生了巴洛克时期最重要的合奏形式——协奏曲。托莱里是最早写协奏曲的作曲家。协奏曲分为:大协奏曲、乐队协奏曲、独奏协奏曲。(大协奏曲是三人一组和小乐队组合完成的,听起来像个乐队,没有哪个乐器特别突出,如《第四勃兰登堡协奏曲》就是两个竖笛加小提琴完成的)
● 巴洛克时期音乐的特点:
巴洛克时期的音乐文化,在与之相关的人文学科的影响下,形成其独特的结构宏大、精美华丽、夸张任意、端庄稳定的风格。首先是体裁的多样化:有反映宗教内容的受难曲、清唱剧、康塔塔;有世俗特征的歌剧;还有从声乐与舞蹈音乐伴奏地位中挣脱而出的独立完整的器乐奏鸣曲体裁形式。第二,创作技巧得以丰富和发展。主调音乐发展迅速,大小调体系得到巩固,和声理论开始建立。复调音乐在保持其原有魅力的基础上地位开始弱化,数字低音(或称通奏低音)的写法成为多声部旋律和声思维的必经道路,其技巧极为时尚流行(巴洛克也被称为数字低音或通奏低音时期)。第三,各种速度、力度、表情记号被人们充分认识并广泛使用,加强了音乐的表情功能。
巴洛克时期出现的优秀音乐家有:蒙泰威尔第、拉莫、吕利、斯卡拉蒂、维瓦尔第、塔蒂尼、库普兰、巴赫、亨德尔。● 古典主义时期音乐的主要特征:
古典主义时期一般指1750-1820年,新兴资产阶级开始壮大,掀起了主张民主、自由,反封建主义,争取个性解放的法国“启蒙运动”、德国“狂飙运动”。启蒙主义思想在观念上直接影响和极大程度上支配着当时的音乐行为、音乐创作、审美标准。音乐在题材、内容、形式、技巧、风格上经历了深刻的发展变化。其人文内涵丰富与资产阶级革命、启蒙运动精神相关联的英雄性题材也不断出现。在体裁上,交响乐与奏鸣曲的确立和定型是古典主义时期极重要的艺术成就。
● 奏鸣曲式:不同于奏鸣曲,分三个部分组成:显示部、展开部、再现部(尾声)。一般奏鸣曲3乐章,交响曲4乐章,大型套曲必须有一个乐章以上,由奏鸣曲式写成。
● 协奏曲、弦乐四重奏均定型,主调音乐占了统治地位,主调和声风格达到完全成熟的地步,并产生意大利与法国喜歌剧体裁。● 维也纳古典乐派:海顿(交响乐之父)、莫扎特、贝多芬。
● 清唱剧:是一种包括独唱、重唱与合唱,用管弦乐队伴奏的大型声乐套曲。与康塔塔、歌剧等几乎同时起源于16~17世纪之交。最初以《圣经》故事为题材,由演员化装演出。之后,其题材大多脱离宗教范围。17世纪三四十年代,成为音乐会中演出的大型声乐作品,其中合唱居于重要地位。举世公认的杰作是亨德尔的《弥赛亚》。(独唱一般用咏叹调,宣叙调写)
● 交响曲:是一种由管弦乐队演奏的大型套曲作品。音乐结构庞大、复杂、完整,用奏鸣曲套曲形式写成,它具有深刻的哲理性和高度的艺术概括力。交响曲通常包括四个乐章,每个乐章各自独立,相互之间又有内在联系。(一定要有一个乐章以上用奏鸣曲式)
● 海顿:交响乐之父,维也纳古典乐派大师。代表作有交响曲104首,钢琴奏鸣曲52首,弦乐四重奏83首,神剧、歌剧24部,还有弥撒曲、清唱剧、康塔塔等多种作品,其中以清唱剧《创世纪》,交响曲《惊愕》、《告别》等最为著名。
● 《费加罗的婚礼》剧本是根据法国作家博马舍的同名喜剧撰写,莫扎特1786年创作歌剧并首演于维也纳。莫扎特:被誉为天才,历史上第一个独立音乐家,是维也纳古典乐派大师,奥地利作曲家。★贝多芬《第五交响曲》:
这部交响曲又被称作“命运交响曲”,这部作品博大精深,通过两个对立的音乐形象(命运的挑战、人对命运的抗争)之间矛盾的戏剧性冲突,刻画出光明与黑暗的斗争并取得胜利,体现出作者“通过斗争,取得胜利”的坚定信念。作品深刻的哲理性,极高的思想性和艺术性,二百多年来一直鼓舞人民不懈地坚定信念,坚定理想,去战胜黑暗势力,取得胜利,迎接光明!★ 贝多芬:德国作曲家,古典乐派大师,被后世尊称为“乐圣”。在艺术上勇于创造革新,确立了奏鸣曲形式结构的新原则,扩展了交响乐队的规模与表现力。代表作9部交响曲:第三(英雄)、第五(命运)、第六(田园)、第九(合唱)。
第七单元 欧洲浪漫主义时期音乐文化与名作赏析
● 强力集团:穆索尔斯基、里姆斯基-科萨科夫、巴拉基列夫、居伊、鲍罗丁。★管弦乐队:又称交响乐队,一般是指大型的器乐演奏团体,由木管乐器组、铜管乐器组、打击乐器组、弦乐器组四个部分组成。木管乐器组:长笛、短笛、双簧管、单簧管、英国管、大管。铜管乐器组:圆号、小号、大号、长号。打击乐器组:可分为有固定的打击乐器(用五线谱记谱)和无固定音高的打击乐器(用一线记谱)。(有固定音高的打击乐器:定音鼓、钟琴、木琴、排钟、钢片琴。无固定音高的打击乐器:大鼓、小军鼓、鈸、铃鼓、三角铁、响板。)
● 《自由射手》韦伯作于1820年,是德国第一部浪漫主义歌剧,表现善良与爱情战胜邪恶与黑暗。(韦伯—德国作曲家,早期浪漫主义乐派代表人物,德国民族歌剧创始人,其作品《邀舞》最著名)
● 狂想曲:起源于19世纪初,带有幻想性质的器乐曲。多为钢琴独奏曲,技术复杂艰深。以民间叙事诗等为题材,以民歌和民间曲调为创作素材,形式不拒。狂想曲大多由慢速的歌曲和快速的民间舞曲相结合,通过主题发展和变奏手法达到高潮。● 《塞维利亚理发师》:罗西尼曲。法国剧作家博马舍的戏剧巨著《费加罗三部曲》曾被两位伟大作曲家谱为歌剧。1786年莫扎特先用《费加罗三部曲》中的第二部,写成歌剧《费加罗的婚礼》。事隔三十年后的1815年,意大利作曲家罗西尼又用《费加罗三部曲》第一部中的故事,创作出《塞维利亚理发师》
● 组曲:是器乐套曲体裁之一,由各具相对独立性的若干乐曲或乐章组成,可分为古典组曲与现代组曲。古典组曲(17、18世纪)由四首乐曲组成,其速度、节拍相互形成对比。即:阿勒曼德(德国)-三拍子;库朗(16世纪意大利、法国)-三拍子、稍快;塞拉班德(西班牙、南美)-三拍子、慢速;基格(英国)-快速。
第三篇:中外音乐简史与名作赏析课程教学综述
《中外经典名曲赏析》课程教学综述
《中外经典名曲赏析》是一门针对成人脱产本科学生的层次特点,进行新的课程整合之后的一门专业理论课程。由于该层次学生的特点是:一部分由本分院培养的音乐教育专科学生升本构成,一部分是来自全疆的需要再深造的音乐专科人才构成,因此,将《中国音乐史》与《西方音乐史》两门课程进行整合,教学中以中外经典音乐作品的赏析为主,相关时期的音乐文化知识讲授为辅。针对学生未来就业需要,通过该门课程的开设,教授学生如何在中小学音乐教学中开展音乐鉴赏课程的教学工作。注重方法掌握,结合学生实际需要。下面就对该门课程教学特点、内容及方法等方面的内容,做详细论述。
一、教材分析
该门课程开设学期是在第一学期,开课总学时为36课时,每周两课时,除去最后两周的复习及考试的4课时,中外音乐史理论知识与经典名曲的赏析内容要压缩在16周完成。针对有限的课时数,及庞杂的课程内容,在教材方面,选用上海音乐出版社出版的、田明俊主编的《中外音乐简史与名作赏析》,该本教材是适合于高等院校小学教育专业、学前教育专业选修音乐方向的学生、参加职后继续教育(音乐方向)的小学教育学前教育的工作者,以及高职、高专音乐专业的学生。因此,就教材的难度和广度方面适合目前培养的学生层次特点。该本教材内容包括中外音乐简史与名作赏析两大部分。贯穿以中外史学教授为主线,以中外经典作品赏析为主体,做到古今中外名曲兼容并包的特点。在编写体例上采用“欣赏导引”、“信息点击”、“拓展与探讨”三大板块
学科知识的传授与基础教育中教学方法的启迪相结合。在中外经典名曲赏析这门课程的实际教学中,既要关注音乐史学学科知识理论体系的教授,又要关注基础教育中的中外音乐文化的教学内容和学院对于分院音乐理论课程改革发展的实际。注意在教学内容和教学过程中贯穿渗透先进的教育思想和科学的教学方法,为学生积极投身于基础教育的音乐课程改革实践奠定基础。提高音乐审美能力与促进创造性思维发展相结合。在对中外各历史时期、各民族、各地域音乐的鉴赏、演奏、演唱和即兴创作等学习活动中,培养学生探究音乐艺术规律和文化内涵的兴趣,提高学生创造性思维能力。充分利用本地音乐资源,邀请当地音乐史学专家来校举办专题讲座,提高学生的学习兴趣,增强学生未来进行研究性学习的动力。
当代教育的理念是“以人为本”、“以学生为中心”,因此,教学宗旨应将学生作为教学的主体,教师起到主导作用,课堂教学过程中,应赋予学生较大的学习自由度,提高学生上课的积极性和主动性,采用符合现实需要的教学方法,为学生构建完整的学科知识体系。课堂中,根据不同程度学生的实际需要和特点,进行有针对性的内容教学。教师在教学过程中要注重将繁杂、艰深的音乐史学知识与轻松简单的音乐作品鉴赏灵活紧密地结合,用更加通俗易懂的语言结构,将各个历史时期的重要人物及事件,通过一个个小故事串联起来,激发学生获取知识的兴趣。理论知识讲授过程中,教师必须做到灵活掌握powerpoint制作技巧,利用鲜活的幻灯片制作技巧,将文字、动态图片及动画设计技巧巧妙结合,使理论知识讲授更加生动,之后选择播放一些较为经典的作品视频片段,边观看边分析,将鉴赏与理论知识讲授紧密结合,将课时时间安排紧凑,这样就能使学生留下深刻印象,提供的视听资料也可以作为学生未来的教学资料进行储备,进而更好地达到教学目的,真正解决学生知识结构中存在的问题。
学习过程与学习态度的考察,促进学习积极性的发挥。形成性评价的主要方式是课堂问答、讨论和课外视听感受,艺术实践;终结性评价的主要方式是阶段性考查、期终考试。最后,要将教师与学生的自评、互评、他评相结合。学生可以从学习过程、学生态度、学习方法、学习效果的纵向比较等方面进行评价。教师可以从教学态度、教学方法、教学效果等方面进行评价。师生之间可就以上各方面开展互评及他评。考试形式可采用以下几种方式。笔试、口试以及笔试和口试相结合;开卷、闭卷以及开卷与闭卷相结合。学生的课程成绩评定由平时成绩和期末成绩两个部分构成。其中,平时成绩应包含作业、提问、口头分析、写作小论文等;期末成绩含闭卷或开卷考试中的笔试、口试成绩等。平时(包括:考勤、上课提问、作业与期中考试等)30%;期末理论考试70%。
第四篇:西方音乐名作赏析
《音乐基础及鉴赏》知识点
音的 4 个基本属性
1、音的高低,简称音高。
2、音的长短,简称音值。
3、音的强弱,简称音量。
4、音的色彩,简称音色。
音乐的 12 个表现要素
音乐表现要素所涵盖的内容归纳起来大致包括四个方面: 1.对自然界和生活中的各种声音的感受与体验。2.对人声(童声、女声、男声等)和乐器声(常见民族乐器和西洋乐器等)的 感受与听辨。3.对力度、速度、音色、节奏、旋律、和声等音乐要素的聆听与体验。4.对音乐结构的感知。
节奏、曲调、和声、旋律、音色,以及力度、速度、调式、曲式、织体等。
交响乐队由哪些乐器组组成?列举每组的乐器。
交响乐队是一种大型的管弦乐队。交响乐队大约定型于 19 世纪 20 年代,并开始 在欧洲及全世界流行。交响乐队一般包括四组乐器,即弦乐组、木管组、铜管组 和打击乐组。弦乐组是一个提琴的家族,包括小提琴、中提琴、大提琴和低音提 琴;木管组包括短笛、长笛、双簧管、单簧管、英国管、大管等;铜管组包括圆 号、小号、长号、大号等;打击乐组则有定音鼓、小军鼓、大鼓、三角铁、钹、锣、排钟等。
列举、介绍几部歌剧、舞剧、音乐剧作品。
歌剧《卡门》是法国作曲家比才的最后一部歌剧,完成于 1874 年秋,也是当今 世界上上演率最高的一部歌剧。四幕歌剧 《卡门》主要塑造了一个相貌美丽而 性格倔强的吉卜赛姑娘——烟厂女工卡门。卡门使军人班长唐·豪塞堕入情网,并舍弃了他在农村时的情人——温柔而善良的米卡爱拉。后来唐·豪塞因为放走 了与女工们打架的卡门而被捕入狱,出狱后他又加入了卡门所在的走私贩的行 列。卡门后来又爱上了斗牛士埃斯卡米里奥,在卡门为埃斯卡米里奥斗牛胜利而 欢呼时,她却死在了唐·豪塞的剑下。本剧以女工、农民出身的士兵和群众为主人公,这一点,在那个时代的歌剧作 品中是罕见的、可贵的。也许正因为作者的刻意创新,本剧在初演时并不为观众 接受,但随着时间的推移,这部作品的艺术价值逐渐得到人们的认可,此后变得 长盛不衰。这部歌剧以合唱见长,剧中各种体裁和风格的合唱共有十多部。
歌剧的序曲为 A 大调,回旋曲式。整部序曲建立在具有尖锐对比的形象之上,以 华丽、紧凑、引人入胜的音乐来表现这部歌剧的主要内容。序曲中集中了歌剧内 最主要的一些旋律,而且使用明暗对比的效果将歌剧的内容充分地表现了出来,主题选自歌剧最后一幕中斗牛士上场时的音乐。本剧的序曲是音乐会上经常单 独演奏的曲目。四幕芭蕾舞剧,作品作于 1876 年。故事取材于俄罗斯古老的童话,由别吉切夫 和盖里采尔编剧,是柴科夫斯基最著名的代表作之一。由于原编导在创作上的平庸以及乐队指挥缺乏经验,致使 1877 年 2 月 20 日首演失败。直到 1895 年,在 彼得堡的演出,才获得了惊人的成功,从此成为世界芭蕾舞的经典名著。《天鹅湖》 至今仍是舞蹈家们所遵循的楷模,同时也是一部现实主义舞剧的 典范。剧情大致是: 被魔法师罗德伯特变成天鹅的奥杰塔公主,在湖边与王子 齐格弗里德相遇,倾诉自己的不幸,告诉他:
只有忠诚的爱情才能使她摆脱魔法 师的统治,王子发誓永远爱她。在为王子挑选新娘的舞会上,魔法师化成武士,以外貌与奥杰塔相似的女儿奥吉莉雅欺骗了王子。王子发觉受骗,激动地奔向湖 岸,在奥杰塔和群天鹅的帮助和鼓舞下,战胜了魔法师。天鹅们都恢复了人形,奥杰塔和王子终于结合在一起。《天鹅湖》的音乐象一首首具有浪漫色彩的抒情诗篇,每一场的音乐都极出色 地完成了对场景的抒写和对戏剧矛盾的推动以及对各个角色性格和内心的刻划,具有深刻的交响性。这些充满诗情画意和戏剧力量,并有高度交响性发展原则的 舞剧音乐,是作者对芭蕾音乐进行重大改革的结果,从而成为舞剧发展史上一部 划时代的作品。其中许多音乐都是流芳百世佳作,这里只能选择其中著名的几首 加以介绍。舞剧的序曲一开始,双簧管吹出了柔和的曲调引出故事的线索,这是天鹅主题 的变体,它概略地勾划了被邪术变为天鹅的姑娘那动人而凄惨的图景(片段 1)。全曲中最为人们所熟悉的是第一幕结束时的音乐。这一幕是庆祝王子成年礼的盛 大舞会,音乐主要由各种华丽明朗和热情奔放的舞曲组成。在第一幕结束时,夜 空出现一群天鹅,这是乐曲第一次出现天鹅的主题,它充满了温柔的美和伤感,在竖琴和提琴颤音的伴随下,由双簧管和弦乐先后奏出(片段 2)《匈牙利舞》。,即是匈牙利民间的《查尔达什舞》。音乐的前半段舒缓而伤感,如舞蹈前的准备(片段 3),音乐后半段节奏强烈,显示出舞蹈者的粗犷,是一首狂热的舞曲(片 段 4)《西班牙舞》。,音乐富有浓厚的西班牙民族风味,西班牙响板的伴奏色 彩明亮,更加重了音乐的民族特色。音乐前半部分热情奔放,气氛热烈(片段 5),后半部分则充满了歌唱性和旋律性(片段 6)《那波里舞曲》是一首十分著名的。意大利风格的舞曲,整个舞曲以小号为主奏,音乐活泼,前半段平稳,后半段 则节奏越来越快,气氛越来越热烈,是一首塔兰泰拉风俗舞曲(片段 7)《四。小天鹅舞》也是该舞剧中最受人们欢迎的舞曲之一,音乐轻松活泼,节奏干净利 落,描绘出了小天鹅在湖畔嬉游的情景,质朴动人而又富于田园般的诗意(片段 8)。
当鲍伯利和勋伯格以《悲惨世界》(Les Miserables)与《西贡小姐》(Miss Saigon)造成轰动,来自法国的作品逐渐获得世人的喜爱。近年一部来自法国的音乐剧新作品,改编自雨果名著 的《巴黎圣母院》,又在国际上引领瞩目的风潮。雨果这位被誉为 19 世纪法国浪漫主义大文豪,除了《悲惨世界》之外,还创作了《巴 黎圣母院》、《克伦威尔》等文坛名著,他的一生经历了漫长而动荡的历史时期,当时法国 文坛正处于古典及浪漫主义冲突之际,他力主浪漫风格,以磅礴的气魄、丰富的想象力、华 丽的词藻傲视文坛,更以曲折离奇的情节撼动读者心弦。《巴黎圣母院》讲述了这样的一个 故事:担任全剧“主述”的游唱诗人葛林果,是吉普赛女郎艾斯梅拉达(Esmeralda)有名无实 的丈夫,艾斯梅拉达出于同情心,为了让他免于被族人处死才允诺和他结婚。天生畸形、被 巴黎圣母院收容而担任敲钟人的加西莫多(Quasimodo),以及圣母院的副主教弗侯洛(Frollo)与侍卫队的队长腓比斯(Phoebus),都情不自禁地爱上了美丽的艾斯梅拉达。一生侍奉天主 的弗侯洛,明知男女之爱是神职人员的禁忌,仍然难以自拔。而腓比斯虽然已有娇美的未婚 妻百合(Fleur-de-Lys)为伴,却因为生性风流而意图染指艾斯梅拉达。他们三个人共同合唱 的“Belle”,在法国单曲市场创下了 300 万张的傲人成绩。加西莫多自惭形秽,只敢把爱意 深埋心中。艾斯梅拉达爱上了腓比斯,引起弗侯洛的妒恨,他趁着艾斯梅拉达与腓比斯幽会 时,刺伤了腓比斯,然后嫁祸给艾斯梅拉达,要胁她以身相许,否则就要将她处死。她拒绝 服从,被送上了绞刑台。加西莫多奋不顾身到法场劫人,把她藏在圣母院中。不久,吉普赛 人的领袖克娄潘率众攻打圣母院,意图解救艾斯梅拉达。腓比斯率领卫队击溃了吉普赛群众,克数潘被杀,葛林果取代了领导人的地位。自知无力对抗军队的加西莫多,让弗侯洛把艾斯 梅拉达交给腓比斯,因为他以为腓比斯是来解救她的。未料及腓比斯由于不敢再触怒未婚妻,而宣布将艾斯梅拉达处死。悲愤之中,加西莫多把弗侯洛从钟楼顶端推下,然后去解救艾斯 梅拉达,只可惜为为时已晚。他哀求刽子手的同意,抱走了艾斯梅拉达的遗体,躲藏在巴黎 公墓的地窖里,为艾斯梅拉达以死殉情。
常见音乐曲式:变奏曲 回旋曲
变奏曲是指主题及其一系列变化反复,并按照统一的艺术构思而组成的乐曲。“变奏”一词, 源出拉丁语 variatio,原义是变化,意即主题的演变。从古老的固定低音变奏曲到近代的装饰 变奏曲和自由变奏曲,所用的变奏手法各不相同。作曲家可新创主题,也可借用现成曲调。然后保持主题的基本骨架而加以自由发挥。手法有装饰变奏、对应变奏、曲调变奏、音型变奏、卡农变奏、和声变奏、特性变奏等。另外,还可以在拍子、速度、调性等方面加以变化 而成一段变奏。变奏少则数段。多则数十段。变奏曲可作为独立的作品,也可作为大型作品的一个乐章。
回旋曲,西洋音乐曲式结构之一。其基本原则是:主要主题周而复始地循环往复,在其重复之间,插以对比性格的‘插部’(副题),在回旋曲中,主要主题至少要呈现 3 次。奏鸣 曲、交响曲、四重奏等套曲结构中的末乐章常采用这一曲式。回旋曲式(rondo)属于“循环曲式”范畴,其原则是:在一首乐曲中,有一个主题至少 出现两次,在它的前后有与之形成对比的材料。前面介绍的带再现单二部、三部以及带再现 复二部、复三部曲式,都具有“循环”的特点,因为它们的第一主题都出现了不止一次,中间 也都插有不同的材料。但更加典型的循环结构是回旋曲式。回旋曲式: A+B+A+C+A+D+A+E+A„„
其中的 A 是多次出现的回旋曲主要主题,B、C、D、E 是新材料,专用名词是“插部”。一首回旋曲至少要有两个插部。上例共有四个插部,分别称作第一、第二、第三、第四插部。回旋曲可分为:单式回旋曲(各部分以乐段为单位)和复式回旋曲(各部分以乐部为单 位)。按时期可分为:古回旋曲(巴洛克时期),古典回旋曲(古典与浪漫中早期)和浪漫 回旋曲(浪漫派末期)再例如贝多芬的钢琴小曲《致爱丽丝》,它的曲式结构是 A+B+A+C+A。
爵士音乐的形成爵士乐成形时间是 19 世纪末、20 世纪初。公认的发祥地是美国南部路易斯安那 州的一个亚热带城市―新奥尔良。在众多流行音乐中,爵士乐是出现最早并且是在世界上影响较广的一个乐种,爵 士乐实际就是美国的民间音乐。欧洲教堂音乐、美国黑人小提琴和班卓传统音乐 融合非洲吟唱及美国黑人劳动号子形成了最初的“民间蓝调”,“拉格泰姆”和“民间 蓝调”构成了早期的爵士乐。从 17-18 世纪西方殖民主义者,将大批非洲黑人贩卖到美洲,成为那里白人的奴 隶之后,他们被强迫劳动、受尽折磨。在田间、在劳动之余,黑奴 们怀念故乡 和亲人,常常唱一种哀歌,以表达他们痛苦的心声。这种音乐也渗透在一些宗教 歌曲中。由于蓝色在美国人民中,被看作是忧郁的色彩,这种悲哀的歌曲,也就 统称之为 Blues(蓝色)。中国音译之为“布鲁斯”。我们常常从美国音乐作品中发 现带有 Blues 的曲名,如《蓝色狂想曲》、《蓝色的探戈》、《蓝色的爱情》等。
巴洛克音乐风格 巴赫的历史地位
巴洛克音乐 大致从 17 世纪初到 18 世纪中叶(约 1600—1750 年)‘巴洛克”一 词是葡萄牙语“Barroco”的译音,原意为“畸形的珍珠”,引申为不规范、不完美。通常所说的巴洛克时期是指欧洲文艺复兴后的一段历史时期,特征:这时的西方文化艺术风格较文艺复兴时期有了很大变化,文艺复兴时期 的庄严、明净、均衡、和谐已不再取悦于人,而崇尚富丽堂皇、精雕细琢,注重 精巧而华丽的装饰风格,即称“巴洛克风格”(因最初有人认为这是一种艺术的变 质现象,故贬称为“巴洛克”,后来德国史学家韦尔夫林研究了这种风格特点,认 为这是一种特定历史时期的艺术潮流,遂给予了肯定评价。现称“巴洛克”仅是一 种名称而已,不再合贬义),它最早主要体现在建筑、绘画。雕刻等方面,后来 由美籍德国音乐学家萨克斯首次引用到音乐领域,我们就把它称为“巴洛克音 乐”。代表人物:这一时期的代表人物有我们熟悉的巴赫和亨德尔。
巴赫是一位复调音乐大师,正是在他的不懈努力下,巴洛克的复调音乐才发展到 了前所未有的高度。如他所著的两卷(平均律钢琴曲集)其中的四十八首前奏曲 和赋格由,就是最杰出的代表作品,其各声部的对位法达到了出神入化的境地,被称为钢琴音乐的“旧约全)”。
巴赫被后世尊称为“西方音乐之父”。
维也纳古典乐派 贝多芬的历史地位世纪下半叶“交响乐之父”海顿、“音乐天才”莫扎特和“乐圣”贝多芬三位音乐 大师,先后以维也纳为生活、创作的中心而形成了一个群体,这个群体就是人们常说的“维 也纳古典乐派”。这一乐派的主要特征是反映人类普遍的思想要求,他们追求美的观念、强 调风格的高雅,给予人们乐观向上的进取精神。这三位作曲家既存在共同的艺术理想和艺术 风格,同时又保持着传承关系。
贝多芬是世界艺术史上的伟大作曲家之一,他的创作集中体现了他那巨人般的性 格,反映了那个时代的进步思想,它的革命英雄主义形象可以用“通过苦难--走向 欢乐;通过斗争--获得胜利”加以概括。他的作品了既壮丽宏伟又极朴实鲜明,它 的音乐内容丰富,同时又易于为听众所理解和接受。贝多芬的音乐集中体现了他 那个时代人民的痛苦和欢乐,斗争和胜利,因此它过去总是那样激励着人们,鼓 舞着人们的斗志,即使在现在也使人们感到亲切和鼓舞。他集古典乐派之大成, 同时开创浪漫主义之先河!
浪漫乐派 民族乐派 电子音乐
浪漫主义音乐(Romantical Music)音乐派系之一,亦称“浪漫乐派”或“浪漫派音乐”。一般指 十八世纪末到十九世纪初发始于德奥,后又波及整个欧洲各国的一种音乐新风格.这种新风 格同时在其他文艺领域也有所反映,其内容大多表现了理想与现实之间的深刻矛盾。并通过 生与死、孤独与爱情、热爱大自然等抒情题材,表达出知识分子阶层对现实生活的不满,对 自由、幸福的向往和渴求。浪漫派的音乐家一般偏重于幻想的题材与着重抒发主观的内心感 受,因而抒发古典乐派某些形式的限制,使音乐创作得到了新的进展。
代表人物:舒伯特、舒曼、肖邦、门德尔松、李斯特、约翰施特劳斯、柴可夫斯基。
民族乐派是指十九世纪中叶以后活跃于欧洲乐坛,与资产阶级民族主义文化运动密切联系的 一批音乐家。他们中的大多数人,政治上是激进的,同情或参加本国的资产阶级革命,具有 强烈的民族意识。在艺术上他们主张创造出具有鲜明民族特性的新音乐。民族乐派的音乐家 经常采用本国优秀的民间音乐素材去表现具有爱国主义的英雄主题,借以激发本国人民反抗 封建和外族统治。民主性、人民性、民族性,始终是他们艺术活动的鲜明标志。代表作,如: 斯美塔那的《我的祖国》、西贝柳斯的《芬兰颂交响诗》等。代表人物:斯美塔那(Bedrich Smetana,1824—1884)是捷克民族艺术音乐的奠基人。著名 的代表作交响诗套曲《我的祖国》。
代表人物:挪威——·格里格(Edward Grieg,1843—1907)是北欧民族乐派中最有影响的 作曲家之一。著名代表作幻想诗剧《培尔.金特》。
从广义 广义上来说,电子乐这个词可以指很多的音乐类型,因为电子乐器的使用变得越来越普遍 广义 电子乐 了,而且很多 80 年代后期的跳舞音乐 跳舞音乐都是电子乐。广义而言,只要是使用电子设备所创造 跳舞音乐 的音乐,都可称为电子乐。任何以电子合成器、效果器、电脑音乐软件、(drummachine)鼓机 效果器 电脑音乐 等乐器所产生 产生的电子声响,都可合理地称为电子音乐。广义电音的范围相当广泛,电影配乐、产生 广告配乐,甚至某些流行歌、摇滚乐中都会出现,只是常人不易发觉。以狭义而言,电子音乐指涉科技(Techno)、出神(Trance)等种类的乐曲。然而事实上,狭 只要是使用电子设备所创造的音乐,包括浩室 浩室(House)、鼓打贝斯 鼓打贝斯(DrumandBass)等音乐类 浩室 鼓打贝斯 型,甚至是只是使用电子放大器(amplifier)的爵士乐与民歌,也可以是电音。其实电子乐 这个词可以指很多的音乐类型,因为电子乐器的使用变的越来越普遍了,而且很多 80 年代 后期的跳舞音乐都是电子的。电子音乐,其范围相当广泛 广泛,电影配乐、广告配乐,甚至某些 广泛 流行歌、摇滚乐中都会出现,只是常人不易发觉。
介绍西方浪漫乐派中著名的一位音乐家及其代表作
弗里德里克·弗朗索瓦·肖邦(F.F.Chopin 1810─1849)波兰作曲家、钢琴家,肖邦 1810 年 3 月 1 日生于华沙近郊,父亲是法国人,侨居华沙任中学法文教员,母亲是波兰人。肖邦从 小就表现出非凡的艺术天赋,六岁开始学习音乐,7 岁时就创作了波兰舞曲,8 岁登台演出,不足 20 岁已出名。他是历史上最具影响力和最受欢迎的钢琴作曲家之一,是波兰音乐史 上最重要的人物之一,是欧洲 19 世纪浪漫主义音乐的代表人物。肖邦一生的创作大多是钢 琴曲,被誉为“钢琴诗人”。《夜曲》 《夜曲》为英国作曲家费尔德(1782—1837)所首创。他采用平静的和弦伴奏下的优美 旋律这种形式,表现夜的幽静和梦幻的情调。肖邦继承了这种形式,又极大地发展、创新了 这种形式。肖邦的《夜曲》,包含了相当多样的意境,甚至是热情的戏剧性形象。令人惊疑 的是,无论音乐多么复杂、激动,却仍不失“夜”的总的感觉。由于肖邦赋予了《夜曲》 以新面貌,后人都将《夜曲》看作是肖邦创作特有的标志之一。肖邦的 《夜曲》 几乎每一首都是那么迷人。其中最为广大听众熟悉的可能是第二号 bE 大 《 调夜曲》,它的主旋律早已深入人心:中段开始是圣咏般的和弦进行,从容而又威严,蕴涵 着内在的力量。这力量开始是片断的显露,逐渐积累,显露的片断在增大,终于,酿成双手 八度齐奏从上往下排山倒海式的暴发,此时,真是身在 “黑夜”心在 “白昼”了。经过 中段的暴发,“夜”再也无法平静,当第一
段再现时,同样的曲调用了织体完全不同的伴 奏,原来严整的节奏现在变成了惶惶不安的三连音,音乐变得哀怨、悲痛,久久不能平息。在增加了一段扩充的终止后,才勉强安静下来,最后消失在延长音里,可留下的沉重心绪始 终没有消失。
介绍 20 世纪一位音乐家及其代表作
阿希尔·克劳德·德彪西,Achille-Claude Debussy,1862~1918 法国作曲家,音乐评论家,在三十余年的创作生涯里,形成了一种被称为“印象主义”的音乐风格,对欧美各国的音乐产 生了深远的影响。第一次世界大战期间,他写过一些对遭受苦难的人民寄予同情的作品,创 作风格也有所改变。此时他已患癌症,于 1918 年德国进攻巴黎时去世。
这首梦幻一般的交响诗《牧神午后前奏曲》是德彪西的第一部具有代表性的印象主义作品,可以认为,德彪西通过这一音诗而开创了一个新的时代,因而此曲被后人誉为“德彪西的第 一颗管弦乐定时炸弹”。从这个标题可以知道,他的音乐是受他的朋友斯蒂芬·马拉美的著名 诗篇启发而写的《牧神午后》。虽然这首短小的音诗以其异国情调的旋律和难以捉摸的和声 使许多听众困惑不解,但是,另人感到惊奇的是,它获得了普遍的赞赏,始终是作者最脍炙 人口的管弦乐杰作之一。这首乐曲带有些神秘和虚幻的气氛,内容是: 烈日当空,半神半兽的牧神躺在树荫下休息。他似睡非睡,胡思乱想,感到自己模模糊 糊地进入了埃特纳山仙境。在那里,他见到仙女在舞蹈,并且和爱神维纳斯度过了魂消魄散 的时刻。正当他因为亵渎神明要受到惩罚的时候,他又昏昏沉沉睡着了。德彪西解释这个作 品时说:“我不是用音乐来作为马拉美这首诗的姊妹篇,它可能只是这首诗的背景,为了把 人们带到和诗相似的意境之中”。马拉美听到德彪西的这首音乐之后说:“德彪西的音乐,大 大地丰富了和超过了我的诗意”。
第五篇:《西方音乐史与名作赏析》教案
第三章 上帝至高无上——中世纪音乐文化
(一)教学目的:
1.了解格里高利圣咏及复调音乐的发展 2.理解中世纪的世俗音乐 3.掌握中世纪的音乐特点
(二)教学重、难点:
1.重点:历史文化背景及音乐特点概述 2.难点:复调音乐的兴起和早期发展
(三)教学方法、手段:教师讲授,多媒体教学,学生讲述。相关教学内容 【教师讲授部分】
一、历史文化背景
中世纪音乐(the Middle Ages)属于西方音乐断代史中的第二部分,它的时间划分大致是从公元5世纪西罗马灭亡(基督教兴起)到14世纪末、15世纪初(“新艺术”)。
近千年的中世纪时期,音乐是为了礼拜和举行宗教仪式服务。其目的虽然是功利性、目的性很强,但却以极其理性的方式在各个领域为未来的发展打下坚实的根基。随着罗马帝国的灭亡而流失,西方音乐史的发展在这里出现了断层,而之后能得以延续的就是以宗教精神为指引的基督教教会礼拜音乐,它成为了西方专业音乐发展的基石。
中世纪音乐的发展状况:
第一阶段,约5~10世纪,是中世纪音乐发展的早期阶段。政权割据后的社会各方面发展都较为缓慢,音乐上格里高利圣咏的确立及扩展使局面的统一成为了可能。
第二阶段,约11~13世纪,是中世纪音乐的盛期。社会各方面发展进入轨道,政治、经济和文化都有条不紊地走入繁荣,音乐上复调音乐的兴起,使以宗教音乐为核心的西方专业音乐的发展上了一个新的台阶,同时,民间世俗音乐逐渐活跃,新风格为人们的生活带来新的体验。
第三阶段,14~15世纪初,是“新艺术”时期,围绕法国和意大利的宗教音乐和世俗音乐,有的音乐史书将其划为文艺复兴早期,但我们思想上要明确,“新艺术”时期算是一个承前启后的过渡时期,因而它的发展中有冲突,有扬弃,尤其是世俗音乐成为了与宗教音乐并行发展的领域,世俗音乐的多样性和表现性逐渐与宗教音乐的技巧性相结合,从而为文艺复兴的发展开启了新的发展道路(雅俗共赏)。
二、单声部教会音乐的状况(格里高利圣咏)1.概念:
用一句简单的话描述格里高利圣咏的定义就是:以教皇格里高利一世命名的基督教礼拜仪式音乐,称为格里高利圣咏(gregorian chant),因其表情肃穆、风格朴素亦称为素歌(plainsong)。应该说它是西方专业音乐历史的源头,它不仅仅具有宗教文化的职能,而且孕育出专业音乐的萌芽。
2、发展历史:
基督教成为官方宗教后,很快在各地广泛传播,随之而来的礼拜仪式也逐渐形成规模和系统,但各地的礼拜形式及其音乐部分——圣咏各具地方色彩。为了让基督教的仪式音乐得到统一,教皇格里高利派人到各地搜集圣咏,在罗马仪式音乐的基础上综合了其他地区的圣咏,汇编成了了两本圣咏集,以供基督教会统一使用,因此产生了格里高利圣咏。
3.基本特征(见书本P20-21)
4.圣咏的扩展:继叙咏、附加段、宗教剧 [欣赏]《格里高利圣咏》
三、多声部教会音乐的形成和发展 1.奥尔加农(organum)
9世纪初,最早出现的复调音乐类型是奥尔加农(organum),它以格里高利圣咏为基础,在其旋律的上加入新的旋律(声部)的复调形式,也多半是即兴演唱。
(1)平行奥尔加农:在已有的圣咏旋律的下方加入相距四度或五度的平行声部,它还有复合的形式,就在两个声部各自叠置八度。德彪西擅用这种古音程,突出中空效果,作为一种和声上的色彩(中古调式)。平行奥尔加农的变化形式,看谱例15,同度到四度再到同度。
[欣赏]《平行奥尔加农》
(2)定旋律奥尔加农:12世纪初,奥尔加农产生新的变化,法国利摩日的玛夏尔修道院的一些手稿中有新风格的奥尔加农出现。原来是圣咏曲调作为低声部并已发生了变化,音变得长了,曲调已不十分明显,仅有支撑声部的作用。它作为低声部,是音乐的基础,称为“持续声部或定旋律”。高声部则是华丽、宽广、条约定旋律,一个音节对一连串音符。
2.圣母院乐派的复调 12、13世纪多声部音乐的发展,主要来自法国,尤其是以巴黎圣母院为中心,由修士和一些二流、三流的作曲者所领导,因而音乐史上将他们称为圣母院乐派,他们使中世纪音乐发展至顶峰。以作曲家莱奥南和佩罗坦为代表,他们俩是中世纪复调音乐中两位重要的人物。
(1)第斯康特(discant)
奥尔加农的花腔旋律从自由的节奏改为按照确定的节奏来演唱,就产生了新的复调形式(风格)——第斯康特。两个声部(圣咏定旋律和上方添加声部)都按照节奏模式来组织旋律,从而形成上下声部几乎同时进行的一音对一音的织体,而且上方声部的曲调更为灵活、更加突出。
(2)孔杜克图斯(conductus)它最早是单声部,后来逐渐发展成为多声部的孔杜克图斯。特点在于低声部不象奥尔加农、第斯康特使用圣咏曲调,而是由作曲者自己创作的,并且有灵活的节奏组织;织体有二到四个声部的类型,三声部较为常见,声部进行具有统一性,基本为音对音的第斯康特风格;歌词为拉丁文,但不象奥尔加农使用的散文体式的礼拜仪式用语,而是音节式有格律的诗体,一般为非礼仪性内容(宗教题材和世俗题材)。
[欣赏] 孔杜克图斯《赞美至贞的圣母》(3)回旋歌
(4)克劳苏拉(clausula)
二声部的宗教歌曲,低声部是圣咏固定歌词,歌词只有简短的几个词,高声部无歌词,旋律装饰性较强,节奏较活跃。
3.经文歌(motet)13世纪产生的上方声部(一个或两个)有独立歌词的复调声乐曲,是广为传唱的三声部的宗教歌曲,在克拉苏拉的基础上进行创作。低声部为拉丁文演唱的、节奏话的圣咏固定歌词,上方两个声部添加宗教或者世俗的不同歌词,用本国语的世俗内容,这样就形成了旋律较活跃,歌词超出宗教范围的体裁类型。它是宗教音乐受世俗音乐影响的典型。
13世纪后期,上方两声部为不同歌词的三声部经文歌较为常见,于是在此基础上产生了更多的变化形式。一条定旋律可以配以不同的上方声部,从而会创作出多种多样新的二声部、三声部和四声部的经文歌。经文歌中仅存的一些宗教成分,被越来越丰富多变的世俗因素所同化,在很多情况下,经文歌成为了世俗环境中的流行音乐体裁,而没有更重要意义的定旋律常常变成乐器演奏声部(法文经文歌常用这样的形式),它可以说是器乐正式介入声乐的开端。
经文歌在节奏上的迅速发展直接导致了“新艺术”时期等节奏经文歌的繁荣,并且在复调创作的理念上开始有更多的创新。
[欣赏] 三声部经文歌《有些人嫉妒-爱情伤害人心-慈悲经》
4.弥撒曲
弥撒是基督教礼仪中最为重要的仪式,它在西方音乐史早期发展中占有相当重要的地位,尤其在文艺复兴时期更成为了宗教音乐中重要的体裁。
(1)分类:
A、常规弥撒曲(ordinary):是固定的,内容和顺序在每次进行时都不变。B、专用弥撒曲(proper):是可变的,不是每次都使用所有的部分,而是根据不同节日有选择的使用,歌词可变
四、教会音乐的理论
音乐理论仍包含两个方面:美学理论和技术理论 1.音乐美学
中世纪非常有影响是罗马的波埃修斯,他的音乐思想在很大部分来自于古希腊(柏拉图),他的著作《音乐的体制》就以古希腊一些思想家的音乐理论编著而成,强调音乐的道德力量和教育作用,强调音乐对人的性格影响。把音乐分为三种类型:一是宇宙音乐(“天乐”),即行星运动、四季变化中体现出的宏观的和谐,这被认为是最高等的音乐;二是人的音乐(“人乐”),来自灵魂深处,人的身体、灵魂及各部分的和谐;三是乐器音乐(“器乐”),被认为是低等的,乐器(包括人声)制造的可听音乐。
2.音乐实践理论:
最早提出字母记谱的是波埃修斯;
最早论述多声部音乐实践、线谱的是僧侣胡克巴尔德;
贡献最大的是意大利的规多,提出了四线谱,发明了“规多手”的记忆法,以左手的各关节代表各音。专著《音乐艺术法则浅论》
五、中世纪的记谱法与调式 1.记谱法
记谱法的发展在音乐史中的非常重要的。最早记录出现在瑞士。(1)纽姆记谱法: 抄写圣咏的教士们发明的,有了音乐的长短和旋律的大致走向,后来开始用彩色横线指明半音的位置。红色表示F音,之前标以F(演变为F谱号,就是低音谱号);黄线代表C音,之前标以C(演变为C谱号)。格里高利圣歌纽姆谱手稿,11世纪纽姆谱,原谱中C线为黄色,F线为红色
(2)四线谱:
后来规多又增加了两根黑线,成为<四线谱>,在线谱记谱法上的贡献极其重要。按三种谱号(F,G,C)基本确立,确定了音的唱名do到la,规多以此形成唱法体系。
(3)有量记谱法:
13世纪下半叶,它更为完善,由教士弗朗科提出的。它表明单个音符之间时值比例,有四种音符(都是黑色的):倍长、长、短、倍短,节拍并不是我们现在的二等分,而是三等分,他们认为二是不完美的,三才是最完美的,它代表至高无尚的三位一体(圣父、圣子和圣灵)。
到14、15世纪,音符的时值逐渐朝细分的方向发展。2.教会调式
中世纪教会调式的形成是以对格里高利圣咏整理、归类为标准的,主要依据是结束音、吟诵音和音域,因而形成八种调式:四个正调式和四个副调式,空符头带双杠的是结束音,不带双杠的是吟诵音。这里调式的名称沿用古希腊的调式名称,但内容完全不同,二者毫无关联,音阶排列是从下至上。(至16世纪,瑞士理论家格拉瑞安提出12种教会调式,在此基础上加上伊奥尼亚(现在的自然大调),副伊奥尼亚和爱奥尼亚(现在的自然小调),副爱奥尼亚。形成大小调的调性体系)
具体调式见书本P26-27
【学生讲授部分】
六、两类世俗音乐的状况 1.民间音乐 2.骑士音乐
七、“新艺术”时期的音乐 1.这一时期的音乐特点 2.作曲家:马肖
[欣赏] 马肖《圣母弥撒曲》
八、欧洲最早的作曲学派 1.尼德兰乐派的概述 2.作曲家:杜费、班舒瓦
[欣赏] 杜费《脸色苍白》
第四章 恢复人的尊严——文艺复兴时期音乐文化
(一)教学目的:
1.了解各乐派的代表人物和发展特点 2.理解世俗声乐体裁
3.掌握文艺复兴时期的音乐特点
(二)教学重、难点:
1.重点:历史文化背景及音乐特点概述
2.难点:宗教改革对文艺复兴时期音乐的影响
(三)教学方法、手段:教师讲授,多媒体教学,学生讲述。
相关教学内容: 【教师讲授部分】
一、历史文化背景:
从14世纪,中世纪末期,欧洲的社会开始了一些新的变化,封建主义制度开始衰退,十字军东征而带来的骑士阶层文化的繁荣逐渐变得落寞,神圣不可侵犯的罗马帝国和教皇的统治开始变得动摇,因为以城市为中心的中层阶级开始发展,从物质生活到精神生活,都有了很大的飞跃,尤其是在精神方面,经院哲学所宣扬的基督教神学遭到蔑视,人们的视线开始从神那里转到人自己的身上,开始发现自己,发现自己的价值,于是一种新的价值观和世界观给予了人类文明一段新的历史,就是文艺复兴时期,大致的历史时段是从1300-1650年。
文艺复兴(Renaissance)有双重含义:
1.狭义上讲是复兴古代文化,古希腊、古罗马的哲学和艺术价值。从古代文化那里找到了人作为自然的一部分的本来属性。
2.广义上讲是人的思想上的“复兴”。
人文主义成为了文艺复兴的核心。人文主义者主张人的主观创造力,人的价值和力量,人要逐渐从宗教中解放出来,要求个性解放,主张理性。抨击禁欲主义,肯定人可以追求世间的欢乐和幸福,荣誉和财富。这就标志着欧洲社会从专一的宗教倾向向世俗方面过渡,从一个绝对信仰和神秘主义的时代向理性信念和科学探索时代的过渡。带着这种渗透人性的思想,文艺复兴时期,绘画方面,出现了米开朗基罗、拉斐尔和达·芬奇三位杰出人物;科学方面,哥白尼(否定地心说,创立日心说,自然科学突破神学的进步)和伽利略(落体定律,推翻了亚里士多德的“物体落下的速度和重量成比例”的学说)成为近代科学的奠基人;文学方面,塞万提斯、乔叟和莎士比亚对世界文学产生了深远影响;而在音乐方面,出现了尼德兰乐派、罗马乐派、威尼斯乐派并鼎立于当时的乐坛。所有这些成就都远远超越了古希腊和古罗马时期,因此说文艺复兴的意义不仅是在于复古,更重要的是创造。
二、文艺复兴音乐概况
(一)世俗复调音乐体裁得到了很大的发展
(二)宗教复调音乐因受到社会人文主义思想和世俗生活与艺术的冲击,发生了许多变化。
1517年由马丁·路德提出宗教改革,一方面是对抗罗马教会,提出一些对政治和神学的异议;另一方面,其改革的性质却又并不是完全推翻前人成果,创建新的理想模式,而是在保留传统的某些因素基础上作进一步的革新。换言之,以路德为首的新教仍与罗马天主教保持一定的联系,从教义到宗教仪式都承袭了天主教的传统。音乐作为宗教改革中较为重要的一部分,当然也产生了不同于以往的面貌。为了使音乐成为被普遍理解和接受的形式,路德将原有的、被天主教会统一使用的格里高利圣咏体系作了相应于符合新教宗旨的改动。
1.新教音乐的核心体裁是众赞歌(chorale),不用拉丁语而译成德语来演唱。2.常选用流行的德国古老圣歌和民歌作为曲调,简单易唱。
3.吸取弗兰德乐派的复调艺术,使单声部的新教歌曲成为四部和声的圣咏合唱,旋律在高声部,接近后来的主调风格。
[欣赏]众赞歌《上帝是我们的坚固堡垒》 于此同时出现了宗教大型体裁——清唱剧。
(三)器乐逐渐摆脱对声乐的依赖和模仿而成为独立的音乐品种。
文艺复兴时期,是以宗教音乐为带领的声乐复调音乐发展的繁荣时期,乐器一直被认为是不能登大雅之堂的,而随着民间世俗音乐的兴起,一些乐器和器乐逐渐普及,从最初可以为人声伴奏到脱离声乐而独立发展,文艺复兴时期可以说是器乐音乐发展的起步,器乐表现力的宽泛、丰富及灵活等方面是声乐所不能比的。(同时,出现了许多描述乐器和指点如何演奏乐器的书籍)。之后,巴罗克时期音乐发展逐渐从以声乐为主过渡到以器乐为主,声乐和器乐成为两个并行发展的形式。
1.乐器
文艺复兴时期(1450—1600年),乐器的类别增多,延续中世纪以来的一些乐器,主要为管乐、弦乐和键盘乐器。
乐器类别的增多,作曲家开始创作一些器乐作品,努力挖掘各类乐器的表现力,专门为各种乐器而作的器乐曲开始逐渐增多。
2.器乐
器乐的来源主要有几个途径:
(1)由舞曲演变而来。帕凡舞曲、加亚尔德舞曲等;
(2)自由创作(即兴风格)的器乐。幻想曲、前奏曲,托卡塔等;
(3)由声乐曲改编或根据声乐体裁原则创作的器乐曲。利切卡尔、坎佐纳等。
(四)音乐表演和音乐创作实践在这个时期的发展也很显著。这时期产生了主调和声风格
(五)音乐理论的研究在音乐表演和音乐创作的推动下也迅速发展。
总之:这时期的音乐具有过渡性质,由复调对位风格向主调和声风格过渡。
【学生讲授部分】
三、著名乐派和作曲家
(一)尼德兰乐派
早期作曲家——杜费、班舒瓦(前一章已经讲过了)第二代作曲家——奥克冈、奥尔布雷赫特
奥克冈的主要成就在弥撒曲方面。他大约写了13首弥撒曲,其中有一半采用了定旋律弥撒曲的创作方法,选用的定旋律有宗教的也有世俗的。与迪费不同的是,奥克冈有时把定旋律放在最低音部,并把定旋律当作乐曲的主要结构因素,每个乐章都要至少完整地呈示一次。奥克冈也有些弥撒曲没有引用定旋律,较自由地进行创作,常常使用“卡农”手法,包括复杂的有量卡农。
[欣赏] 奥克冈《用Mi-Mi音的弥撒曲》 第三代作曲家——若斯堪 若斯堪创作了20首弥撒曲、27部世俗作品和百余首经文歌,其中经文歌最为突出。他的经文歌中复调的各个声部地位平等,大多采用一种连续模仿对位的形式。在当时意大利人文主义精神的影响下,若斯堪在创作经文歌时很注意如何通过音乐来表现歌词的内容和意义,无论是宗教的拉丁文歌词还是世俗的方言歌词。若斯堪的弥撒曲大多继承前人的传统技法,但也体现出他技术上的独创性。他在弥撒曲《不幸向我袭来》中创造了一种“模拟弥撒曲”手法。
[欣赏] 若斯坎 经文歌《唯你独自创造奇迹》 最后一位代表人物——拉索 [欣赏]拉索《回声》
(二)威尼斯乐派:加布里埃叔侄
叔侄二人先后担任圣马可大教堂的管风琴师,同时他们又是杰出的作曲家。他们创作的复合唱经文歌,使原有的复合唱风格得到了充分的发展。
A.加布里埃利按音区把合唱队分成两组,使高声部和低声部有时对唱、有时混唱,来取得音色的变化。
在G.加布里埃利的复合唱作品中,采用两个、三个、四个甚至五个合唱队,每个合唱队都有不同声部的组合,大量使用各种乐器,除管风琴外,还有小提琴、短号等;合唱队之间相互问答,或与独唱声部交替演唱,或全体加入共同形成无比宏大的音响高潮,将教堂音乐的音响扩展到前所未有的宏伟程度。
[欣赏] G.加布里埃利《圣乐交响曲——为多声部而作》
(三)罗马乐派: 1.特兰托会议:
迫于德国宗教改革的威胁,罗马教会1545年在意大利北部的特兰托召开宗教会议,商讨应变措施来反对宗教改革,遏制新教的发展。对于出席会议的主教们来说,失去的已经失去了,关键是如何保住现有的一切。
2.帕勒斯特里那的创作风格:
帕勒斯特里那的创作主要集中于宗教音乐,以弥撒曲最为突出。他的风格是一种平静匀称、清晰协调的复调无伴奏合唱风格。音乐里有喜有悲,但是感情节制、安详,避免了大起大落的戏剧性感情冲动,而是表现一种崇高、诗意的感情。作品织体以四声部居多,歌词不再为复杂的声部所遮掩,可以听得清楚;各声部旋律平静、流畅,以级进为主,三度以上跳进后必反行,具有高潮的对位技术而主旋律突出;不用半音语汇,坚持采用自然音的调式音阶;总是给不协和音以充分准备和规则的解决,或是作为经过音安排在弱拍。这种谨慎的处理使他的音乐具有别人音乐所没有的纯净和透明度。
[欣赏] 帕勒斯特里那《马尔切里教皇弥撒曲》
四、其他几位著名的作曲家 雅内坎[法] 托马斯.塔利斯[英] 马伦齐奥[意] 杰苏阿尔多[意] [欣赏] 雅内坎 尚松《百鸟之歌》
第五章 豪华与秀丽——巴洛克与洛可可音乐文化
(一)教学目标:
1.了解巴洛克时期歌剧的发展 2.理解世俗声乐体裁
3.掌握巴洛克时期的代表人物及创作特点
(二)教学重难点:
1.历史文化背景及音乐特点 2.歌剧的诞生与发展 3.巴洛克时期的代表人物
(三)教学方法、手段:教师讲授,多媒体教学,学生讲述。
相关教学内容:
【教师讲授部分】
一、历史文化背景:
大约1600年到1750年这一个半世纪,西方音乐史上称之为巴罗克时期。“巴罗克”(baroque)这个词是从建筑学、绘画史上借用来的专用术语,来源于葡萄牙语baroco,原意是指形状不规则的珍珠。
这是欧洲从封建主义向资本主义过渡的时期,两种体制处在不断的斗争之中;基督教教会虽屡受冲击,总的来说地位仍居高不下,具有强大的势力;人文主义精神在继续发展,莎士比亚、高乃依、拉辛、弥尔顿等人的作品表现出深刻的思索和批判精神;伽利略、哥白尼、笛卡尔、牛顿等人的探索发现都是这个时期的伟大成果。巴罗克时期的各种艺术形式都在寻找自己的出路,绘画、建筑、雕塑、音乐等都充满了蓬勃的生机,显示出新兴资产阶级的旺盛生命力。
巴罗克时期的音乐也同样具有与当时的造型艺术很相似的特征,是一种宏伟、壮观、充满活力的艺术,崇尚富丽堂皇,强调情感的表现,在细节上又注重装饰性,精雕细凿,作曲家和演奏家都更注重发挥即兴演奏技巧,力求旋律的装饰和变化。
这一时期的音乐开始采用完整的大小调功能和声体系;主调音乐风格在歌剧和器乐中得到巩固,复调音乐在与主调音乐的相互渗透中并没消失,在巴赫的创作中达到了高峰;数字低音沿用整个巴罗克时期,是巴罗克音乐的重要标志,所以巴罗克时期也通常被认为是数字低音的时代。
二、意大利音乐发展状况
(一)歌剧的诞生——佛罗伦萨歌剧
16世纪末17世纪初,意大利佛罗伦萨的“卡梅拉塔”(意大利语camerata)小组以巴尔迪公爵为首,包括作家、画家、音乐家等,经常在巴尔迪伯爵家里讨论人文主义和音乐方面的问题。
他们研究了古希腊罗马的音乐思想,对古代单声部音乐的简朴风格很是认可,认为自己身边的复调音乐容易把声乐中的歌词搅得混淆不清,因此他们主张向复调的声乐作品进行斗争。16世纪末有不少的作曲家为此作过试验,产生一种被称为“单声音乐”的新风格:歌唱的旋律近似于说和唱之间,伴奏被减缩到最低限度,只用键盘乐器和低音弦乐器来支持上方的旋律。他们继而发现这种在和声伴奏下自由吟唱的音调,不但可以用在一首诗歌中,而且还可以用来表现一出戏剧,这样便产生了最早的一批歌剧。
欧洲历史上的第一部歌剧是由诗人里努契尼写剧本、佩里作曲的歌剧《达夫尼》(Dafne),可惜乐谱已经失传。现存的第一部歌剧是《优丽迪茜》,由里努契尼写脚本,佩里和卡契尼作曲。
(二)威尼斯歌剧——蒙特威尔第
蒙特维尔第(Montverdi,1567-1643)是早期意大利歌剧最突出的作曲家。他出生在意大利的一个医生家庭,从小在当地的大教堂里接受音乐训练,后来成为重要的宫廷音乐家。
蒙特维尔第创作的第一部歌剧《奥菲欧》,是早期歌剧中艺术成就最高的一部。歌剧题材与佩里的歌剧《优丽迪茜》相同,只是采用了原神话的悲剧结局,即冥王再次夺取了优丽迪茜的生命,最后,阿波罗神把奥菲欧变成一个星座,使他发出永恒的光芒,与优丽迪茜同在。
蒙特维尔第是第一个使歌剧戏剧化的作曲家,在他的创作中,一切音乐手法都服从于戏剧的需要。他主张音乐要有强烈的感情色彩,要去挖掘人的内心世界。他把音乐作为表现人的最有力的手段,这个人是指整个的人,包括他的一切欲望、幸福、失望、愤怒、痛苦等等。他的歌剧中的人物都是有真实情感的人物,用歌声来表达喜怒哀乐。
在《奥菲欧》这部歌剧中,蒙特维尔第为了力求准确地表达歌词中的情感,首次在作品中使用了弦乐震音和拨弦奏法。他从情节的戏剧性出发,在这部歌剧中自由地运用了独唱、重唱、合唱,并大胆运用不协和和弦(当时被视为“尖锐”的二度、七和弦等和声手法)来增强情绪表现。蒙特维尔第的这种音乐风格被称为“激情风格”(stile concitato)。
同时蒙特维尔第是第一个用管弦乐队来为歌剧伴奏的作曲家,并基本确立了早期乐队的编制。佩里的《优丽迪茜》只用了几个硫特琴和羽管键琴,而蒙特维尔第在《奥菲欧》中运用了40多件乐器,这在当时是个创举。
歌剧的结构在蒙特维尔第的作品中初步定型:独唱(宣叙调、咏叹调)、重唱(二重、三重)、合唱、管弦乐队以及舞蹈综合在一起。蒙特维尔第的创作贡献对歌剧后来的发展有着极其深远的影响。
[欣赏] 歌剧《奥菲欧》的咏叹调片段
(三)那不勒斯歌剧
到了18世纪,意大利歌剧的重心转移到那不勒斯这座城市,那不勒斯歌剧不但称雄意大利,而且统治整个欧洲歌剧舞台长达一个世纪。
在那不勒斯歌剧中,音乐与戏剧的关系已高度地程式化,用宣叙调来展开和叙述剧情,咏叹调则集中进行音乐表现;和戏剧相比,那不勒斯歌剧中的音乐被提到了第一位,注重旋律的华美和外在的效果,尤其是歌唱者声音的美感,声乐独唱技巧达到了高峰。
歌剧中普遍使用“返始咏叹调”(Da Capo Aria),即ABA的三段体,第一段提示主要主题,抒发基本情绪;第二段发展第一段的主题或是出现对比性的材料;第三段重复第一段,歌唱者可以即兴变化,随意添加装饰音和花腔来炫耀美妙的歌喉,乱用难度较高的装饰音和经过句哗众取宠。
这种单纯地追求“美声”以至于后来发展为只重形式而忽略戏剧内容的不良倾向,演员和观众都只注重歌唱的技巧,歌剧成为由一系列彼此孤立的咏叹调组成的“化妆音乐会”。正因为如此,那不勒斯歌剧作曲家极度多产,却又很少有优秀的作品流传下来。
那不勒斯歌剧学派的创始人和代表——A.斯卡拉蒂
(四)协奏曲 协奏曲是巴罗克时期产生的大型合奏的新体裁,也是18世纪最重要的体裁,它的意义在于可以用音乐来体现对比和竞争的原则。当时的协奏曲分大协奏曲和独奏协奏曲两类。
1.大协奏曲是器乐协奏曲中的一种最早的形式:是以一组独奏乐器(常由两把小提琴和通奏低音组成)与整个乐队相竞奏。是一种多乐章的乐队曲。
2.独奏协奏曲是以一件独奏乐器与乐队相竞奏,突出独奏乐器与乐队之间的对比。
对巴罗克时期协奏曲的发展作出最重要贡献的是意大利作曲家安东尼奥•维瓦尔第(Antonio Vivaldi,1678-1741)。
【学生讲授部分】 维瓦尔第 维瓦尔第出生于威尼斯,父亲是圣马可大教堂的小提琴手,他从小随父亲学习小提琴。22岁时成为神父。一家人都长着红头发,他被称为“红发神父”。维瓦尔第的协奏曲有500多首,其中独奏协奏曲350首。
他完善了独奏协奏曲的形式,一般为三个乐章,速度是快、慢、快,三个乐章基本上同等重要。他摒弃复调手法,偶尔用对位,因此在风格上更接近主调音乐。他的音乐具有威尼斯人的热情和平民的开朗,音色华丽、节奏活跃,旋律性和色彩性都很强。
维瓦尔第著名的大协奏曲《四季》,四首分别标记为春、夏、秋、冬,描写春的到来、夏日的雷雨、秋日的狩猎和收获、冬日的冰上游戏等情景,每一首都是快-慢-快的速度,每一首的前面都冠有一首维瓦尔第写的诗句,洋溢着诗情画意。
[欣赏] 维瓦尔第 小提琴协奏曲——《春》第一乐章,分析曲式结构和音乐所表达的意境
【教师讲授部分】
三、法国音乐发展状况
(一)歌剧
法国有着深厚的戏剧传统,15世纪时就有了专业的戏剧社团,17世纪出现了三位杰出的戏剧家:高乃伊、拉辛、莫里哀。
此外,法国的芭蕾舞传统由来已久,16世纪末在宫廷里就已流行豪华的芭蕾舞艺术,凡尔赛宫里每逢节日宴会就有盛大、装饰豪华的芭蕾舞表演,富丽堂皇、赏心悦目。这些条件对法国歌剧的形成都有重要的影响。
不过,诞生于意大利的歌剧仍是法国歌剧的主要样板。当时一些意大利的歌剧团来法国演出时,豪华的机关布景、美妙动听的音乐深深地吸引住了法国人。法国人利用意大利歌剧的经验,创作出了具有本国特点的歌剧艺术。
法国早期歌剧的主要代表是吕利(Lully,1632-1687)。
吕利创作出一种他自己称之为“抒情悲剧”的法国歌剧形式。歌剧大多取自历史和神话题材,包括一个序幕和五幕戏,剧中穿插着有宫廷时尚的爱情情节、高雅的骑士风度,并大量使用华丽的芭蕾舞和舞台装饰,很适合宫廷欣赏趣味。
在音乐上,吕利不注重咏叹调的炫技,他却非常重视宣叙调,创作出能突出法语诗文的宣叙调,极力发挥法语的音色变化和抑扬顿挫的特点。
吕利的歌剧中感情的表达往往十分薄弱,甚至是在很动人的时刻,他写的旋律也常常仅仅是优雅、对称、高贵。
吕利的歌剧序曲被称为“法国序曲”,法国序曲包括一个庄严缓慢的慢板段落和一个模仿复调织体的快速段落,以开头慢板部分的简短再现结束,形成慢——快——慢的结构。序曲充满了庄严、尊贵的气氛,很能体现法国宫廷的风格。
[欣赏] 吕利 歌剧《阿尔米德》序曲
(二)古钢琴曲 巴罗克时期的古钢琴包括两种类型,拨弦古钢琴(harpsicord)和击弦古钢琴(clavicord)。
古钢琴音乐的体裁主要有主题与变奏、组曲两种。
(1)主题加变奏是巴罗克时期器乐创作的最普遍的手法,与之相关的还有恰空(chaconne)和帕萨卡利亚(passacaglia),它们也都是变奏曲,一般采用通奏低音,三拍子,慢速。
(2)组曲这种体裁是由不同国家的四种不同风格的舞曲组成的。阿雷曼德(德国,中速,二拍子)库朗特(法国,三拍子,快速)萨拉班德(西班牙,三拍子,慢速)
吉格(英国,三拍子,极快)
【学生讲授部分】
弗.库普兰
法国键盘音乐的代表人物是库普兰(F.Couperin le grand,1668-1733)
库普兰的家族和巴赫家族一样也是一个多达数代人的音乐家族,其中有很多人是优秀的管风琴师,由于弗朗索瓦•库普兰最优秀,他也常被称为“大库普兰”,任教堂管风琴师和宫廷的羽管键琴师。
大库普兰创作了200多首古钢琴曲,分成四卷,每卷包括若干首组曲,每一首小曲都有标题,多以田园风光、景物、肖像为体裁,如《小飞虫》、《蝴蝶》、《神秘的夫人》、《打铁者》等等,纤美秀丽,每一首曲子都表现一定的情绪,没有强烈的感情、没有深刻的思想,显然受到当时宫廷艺术中洛可可风格的影响。
这些作品旋律明快、流畅,很少有音程大跳,有丰富而考究的装饰音,是一种简洁明晰、典雅优美、轻松明快的艺术风格,富于精美的装饰和雕琢,代表了法国宫廷的艺术趣味。
[欣赏] 库普兰古钢琴曲《莫妮卡小姐》
四、英国音乐发展状况
(一)歌剧
在英国,歌剧受到意大利和法国的双重影响。英国歌剧最重要的作曲家是普塞尔(Purcell,1659-1695)。他的歌剧代表作是《迪多和埃涅阿斯》,这部歌剧体现出普赛尔的歌剧创作才能。
这部歌剧明显受到法国歌剧和意大利歌剧的影响,如一开始使用了法国序曲,迪多的两首咏叹调都按照意大利歌剧咏叹调的方式写成。尽管如此,这部歌剧仍具有英国的民间音乐风格,音乐的旋律性和抒情性都基于本国的民歌基础上发展而来,并显露出作曲家的个人风格,如一些歌舞中使用了英国人熟悉的音乐语汇,旋律、节奏依照语言的音调韵律,注重表达人物的感情和心理,把人物刻画的栩栩如生等。[欣赏]
(二)亨德尔
1、生平
【教师讲授部分】
2、作品
亨德尔的创作数量浩瀚,包括40多部歌剧、26部清唱剧、以及大量的康塔塔、协奏曲、奏鸣曲、古钢琴曲、管弦乐曲等。
(1)歌剧
亨德尔是巴罗克后期最伟大的意大利歌剧作曲家。歌剧和舞台音乐是亨德尔最喜欢的体裁,他一生都在追求创作歌剧的理想,用了35年的时间致力于歌剧的指挥和创作。
亨德尔创作的40多部意大利歌剧中,绝大多数是正歌剧,延续了意大利正歌剧的体例,题材大多取材于历史和神话,既有英雄事迹,又贯穿着爱情情节;在音乐上也遵循了意大利原有的范例,剧情的发展靠宣叙调来叙述,角色的性格及内心的刻画由咏叹调来表现。
亨德尔最优秀的歌剧作品有英雄故事《凯撒》、《罗德林达》;奇幻故事《阿尔西那》、《吕纳尔多》。
[欣赏]歌剧《赛尔斯》选段“绿叶青葱”(2)清 唱 剧
清唱剧是为亨德尔带来持久声誉的音乐体裁,他创作了23 部,采用英国群众熟悉的圣经作为清唱剧的题材,直接引用其中的段落、词句,并配上气势雄伟的合唱、领唱,赋于清唱剧一种宏伟壮丽的风格,使其具有前所未有的英雄性和史诗性。亨德尔清唱剧由宣叙调、咏叹调、独唱、合唱组成,但歌词全用英文,用英语演唱的清唱剧是他首创的。在亨德尔清唱剧中,戏剧的中心是合唱,他最有创造性的特点是对合唱的运用,合唱在清唱剧中往往处于中心地位,用合唱表现人民群众,表现强大的集体感情,作为整体结构的支柱,来参与、评论、叙述故事的发展。
亨德尔最著名的清唱剧是《弥赛亚》,“弥赛亚”是希伯来语,愿意是“被浇圣油者”,也是“救世主”的意思。它的内容是哲理性的,中心思想是摆脱苦难、追求永恒的幸福。作品以圣经和英国国教祈祷书的诗篇为基础,由三大部分组成,分别叙述耶稣的诞生、受难和复活。
另有清唱剧《以色列人在埃及》、《扫罗》、《参孙》也是传世杰作。[欣赏]清唱剧《弥赛亚》选段“哈利路亚”,讲解创作背景和历史渊源(3)器乐音乐
器乐音乐不是亨德尔的主要创作领域,但他也写了许多器乐作品。一些键盘音乐包括羽管键琴组曲、独奏奏鸣曲、三重奏鸣曲、前奏曲、赋格等。作品主题鲜明,音乐形象具体,显然是面向广大听众的。
管弦乐方面比较突出的是他的歌剧及清唱剧的序曲、管弦乐组曲《水上音乐》、《焰火音乐》,其中管弦乐组曲《水上音乐》、《焰火音乐》都是为露天演奏而写的,以活泼欢快的舞曲为主,很富有生活气息,是雅俗共赏之作。
[欣赏]管弦乐《水上音乐》选段,讲授创作背景
五、德国音乐发展状况
(一)歌剧
巴罗克时期的德奥歌剧一直受到意大利歌剧的强烈影响,意大利歌剧主宰了整个德国舞台。特别是在德国南部,大批的意大利作曲家活跃于德国的各大城市和宫廷。这些宫廷几乎只上演意大利歌剧,人们习惯于把意大利文和译成德文的唱词都印在节目单上。
到18世纪上半叶,德国歌剧的题材范围扩大了,包括神话故事、历史传说、喜剧性内容等等。德国作曲家在创作本国歌剧时有一个共同特点,那就是使宣叙调适应德语的语调,保留意大利式的咏叹调。
德国第一部歌剧《达夫尼》(1627年),由许茨创作。
(二)巴赫
【学生讲授部分】 1.生平
【教师讲授部分】 2.创作特点
巴赫的环境和他的社会地位及经历,使他在音乐创作中既表现了强烈的宗教感情,如对上帝、天国及美好理想的歌颂追求,同时也写进去了他对现实生活的真切感受、体验和思考,如对时代的沉重感、民族的苦难、教友之间的情谊、市民生活的消遣娱乐等,都融汇于他丰富的音乐之中。
巴赫的创作博大精深、浩如烟海,除了歌剧以外,各种声乐和器乐作品无不涉猎。在音乐风格方面,巴赫的贡献并不在于创新,而在于他融会贯通了几个世纪以来欧洲音乐和他同时代人的音乐创作的丰富经验,特别是对法国、意大利等不同民族的音乐传统兼收并蓄、博采众长,与德国的音乐传统相结合。尽管他不出国门,他的创作却并没有受到地方性的限制。
巴赫娴熟地驾驭各种复调手法,使发展了几个世纪的复调音乐在他的手中达到了最后的高峰,同时他又表现出创作主题旋律的才能,旋律个性鲜明而精炼,高度的复调思维和新颖生动的主调手法并用的成就,使巴赫在音乐历史上成为一个继往开来的人物,后人在他的作品中所得到的启迪是无法估量的。
3、重要器乐作品:(1)管风琴音乐
作为一位优秀的管风琴师,巴赫创作起管风琴作品来尤为得心应手。他在这方面的一些代表作如《d小调托卡塔与赋格》、《a小调前奏曲与赋格》、《g小调幻想曲与赋格》、一些众赞歌前奏曲等,乐曲中严谨的对位逻辑、所表现的宏伟悲壮的感情以及乐观明快的抒情性,充分体现出巴赫发挥管风琴这件乐器的表现力的才能和技巧。
[欣赏] 巴赫复调作品 《d小调托卡塔与赋格 》(2)古钢琴音乐
巴赫的《创意曲》包括二部和三部创意曲各15首。其创作意图是“为了让学生学习歌唱性的演奏风格”。每一首都是以一个乐思为基础,用各种复调手法来加以发展。
巴赫的两册《平均率钢琴曲集》也是很重要的器乐作品。两册共48首,各包括24首前奏曲与赋格,分别置于各个大调和小调,每一首均由在同一个调性上的前奏曲与赋格组合成一套,用24个大小调证明了平均率在键盘乐上的可行性和艺术性。
这套乐曲是惊人的艺术宝库,是键盘艺术的经典,不仅在技巧上是无与伦比的,而且具有丰富而深刻的精神内涵,堪称是钢琴家的“《旧约全书》”,与后来贝多芬的32首奏鸣曲(“《新约全书》”)交相辉映。
[欣赏] 巴赫钢琴作品 《二部创意曲 》BWV 779(3)器乐合奏曲
在小型合奏中,巴赫的主要作品包括:小提琴和羽管键琴的奏鸣曲、长笛和羽管键琴的奏鸣曲等,多数是三重奏鸣曲。全曲象一首组曲,很有宫廷气派,对演奏技巧的要求很高。
在大型合奏曲中,巴赫著名的创作是协奏曲,他的6首《勃兰登堡协奏曲》是他的管弦乐曲中的典范之作。这套乐曲是巴赫在1721年应勃兰登堡的一位侯爵的要求而创作的。许多人认为《勃兰登堡协奏曲》是大协奏曲的最高典范!
《勃兰登堡协奏曲》是按照大协奏曲的体裁进行创作的,通常由快、慢、快三个乐章组成,规模较大,使用了多种多样的乐器组合。它作为巴赫最早的一部大型器乐作品,展现了华丽而高超的复调技法、活跃而宏伟的旋律、绚丽多彩而有富于独创性的对比。
[欣赏]巴赫 《F大调第一勃兰登堡协奏曲》 第一乐章(4)复调艺术
两部复调的伟大精品:《音乐的奉献》和《赋格的艺术》。
《音乐的奉献》是巴赫在1747年应邀访问普鲁士腓特列大帝的宫廷时,根据腓特烈大帝当场给的主题即兴创作完成的。
这部作品包括两首利切卡尔;一首四个乐章的长笛、小提琴与通奏低音的三重奏鸣曲;10首卡农;显示出巴赫炉火纯青的复调写作技巧。
(5)组曲
巴赫把组曲这个流行已久的体裁也推向了顶峰。他共创作有3集组曲,分别是《法国组曲》、《英国组曲》和《帕蒂塔》,每一集均包括6首组曲,每一首组曲都以巴罗克组曲中的4首舞曲为主并在萨拉班德和吉格之间附加一些其它的乐章。
“法国”和“英国”并不是巴赫本人起的名称,而是反映了巴赫在创作中吸取了其它民族风格的影响,《法国组曲》是因为按照法国的风格写成,而《英国组曲》是为英国的贵族而创作。
(6)变奏曲
巴赫的《戈德堡变奏曲》,巴赫称这部作品是“为音乐爱好者消遣用的咏叹调及各种变奏”。据说作品是巴赫应俄国驻德累斯顿大使的要求而创作的,这位大使晚上总是失眠,巴赫便为他创作了这套变奏曲,由巴赫的学生戈德堡每天晚上为大使演奏。
在这一套变奏曲中巴赫使“主题加变奏”这种形式达到了一个高度发展的水平。主题是一首优美的萨拉班德舞曲风格的曲调,随后是30个变奏,以3个变奏为一组,每组的最后一曲都是卡农。最后一首变奏是集腋曲(quodlibet,指即兴串联起来的若干熟悉的乐曲或歌曲。),把两个流行曲调“我离开你已经很久”、“青菜萝卜”的曲调巧妙地结合在一起。
4、重要的声乐作品
巴赫的声乐作品大多是宗教内容的,另一小部分是世俗性的,创作的声乐体裁主要有康塔塔、经文歌、受难曲和弥撒曲。
(1)康塔塔
巴赫现存的康塔塔有200多首,占他全部作品的一半。
宗教康塔塔的特点:格式基本相同,以一首复调性的合唱曲开始,中间是一系列的宣叙调和咏叹调,最后以四声部的众赞歌合唱结束。内容丰富,表现手法多样,有的重抒情,表现内心情感;有的具有史诗性,表现宏伟壮丽的气势。
世俗康塔塔多是为贵族而创作,是巴赫的音乐中最生动活泼、轻松有趣的一部分。世俗康塔塔不用众赞歌,而是象歌剧一样,由独唱或重唱的宣叙调、咏叹调、合唱以及管弦乐队组成。有些作品直接采用民歌小曲做素材,带有农村生活的情趣和城市生活的风情。
[欣赏]巴赫 《咖啡康塔塔》片段(2)经文歌
经文歌发展到巴赫的时代,以采用圣经或众赞歌歌词的合唱曲为主。巴赫的6首经文歌都很长,多数采用了众赞歌的曲调。
(3)弥撒曲
《b小调弥撒》是巴赫弥撒曲的力作。包括15首合唱、6首咏叹调、3首二重唱,不仅有庄严的重唱和合唱,还有充满人情味的独唱咏叹调。
[欣赏] 《b小调弥撒》片段(4)受难乐
巴赫一生中并没有写过歌剧,但是歌剧的形式、戏剧性、音乐语汇都在他的受难乐中体现出来。
在巴赫的受难乐中,只有《马太受难乐》和《约翰受难乐》完整地保存下来,同时也是这两部受难乐,使德国的受难乐体裁达到了一个辉煌的顶点。
[欣赏]巴赫 《马太受难乐》片段,并讲解作品重现天日的故事
[讨论归纳]巴洛克时期音乐的总体特征:
旋律:乐句长度不一,气息较长,无论是声乐还是器乐,旋律都空前地华丽复杂,有相当多的装饰音和模进音型。
节奏:一种是自由、松散的节奏,带有频繁的急缓变化,常用于托卡塔、前奏曲等体裁中;另一种是以有规律重复出现的重音为基础,持续律动的节奏,多用于赋格曲、舞曲中。两种节奏常常前后结合。
情绪:音乐的情绪在一个相对独立的范围内不会有繁复、细腻的变化,如一个乐章或一首咏叹调之内基本保持一种情绪,在乐章与乐章之间才形成情绪对比。
力度:巴罗克音乐在进行时采用一个相当稳定的音量,一段始终响亮的乐段后面跟上一段始终低柔的乐段,前后两段形成明暗对比的效果。这种从一个响度到另一个响度的转换叫做“阶梯式力度”(terraced dynamics)。
主要音乐体裁:(声乐)弥撒、经文歌、众赞歌、歌剧、清唱剧、康塔塔、受难乐以及各种独唱、合唱曲;(器乐)托卡塔、前奏曲、幻想曲、赋格曲、变奏曲、组曲、奏鸣曲(以独奏奏鸣曲与三重奏鸣曲为主)、协奏曲(乐队协奏曲、大协奏曲、独奏协奏曲)。
第六章 理性的主宰——古典主义音乐文化
(一)教学目的:
1.了解古典主义时期的器乐体裁
2.理解喜歌剧的兴起和格鲁克歌剧改革 3.掌握古典时期的代表人物及创作特点
(二)教学重、难点:
1.重点:历史文化背景及音乐特点概述 2.难点:古典主义时期代表人物
(三)教学方法、手段:教师讲授,多媒体教学,学生讲述、讨论。
相关教学内容: 【教师讲授部分】
一、历史文化背景:
(一)启蒙运动的影响:
18世纪欧洲最重要的思潮是产生于法国并迅速波及欧洲的“启蒙运动”(The Enlightenment)。启蒙运动继承了文艺复兴时期的人文主义但又发展了它,是以先进的思想教育民众,启迪民众。法国的伏尔泰、卢梭、狄德罗等人是当时的代表人物,他们提出了“自由、平等、博爱”的口号,反对封建君主专制及贵族特权,提倡个人平等、自由;主张发展科学和知识,揭露和批判宗教迷信。启蒙运动的影响遍及政治、经济、文化各个领域。
为了传播启蒙思想,这一时期的欧洲在文学、艺术等方面都出现了“大众化”的倾向。越来越多的小说、戏剧表现普通人的日常生活和思想感情。如,控诉和鞭挞封建专制的戏剧作品《塞维利亚理发师》、《费加罗的婚礼》(博马舍),《阴谋与爱情》(席勒);表现新兴资产阶级坚强不屈、崇尚科学精神的小说《鲁滨逊漂流记》(迪福)等等。
古典主义美术在形式上强调结构稳定、色彩单纯,以朴素自然代替华丽装饰,以理性取代夸张,以全人类的至高理想取代少数人的权势和享乐。
18世纪的音乐生活进一步走向了世俗化、民众化,一些专供普通市民欣赏的音乐会开始繁荣起来。当然,在18世纪中下叶政治情景的重重矛盾中,艺术生活也是多重并列发展的,音乐家的创作与演出必须符合各个阶层人的需要,因此服务于王宫贵族的娱乐性作品也大量存在。
(二)前古典主义时期
“古典主义时期”是西方音乐史发展到高峰的一个阶段,它包含了两大时段:“前古典时期”(Pre--Classical)和“维也纳古典时期”(Viennese Classical)。
音乐史上有一些专门的术语来形容“前古典时期”的音乐风格,如“洛克克风格”(Rococo)、”华丽风格”(Gallant Style)和“情感风格”(empfindsamkeit),它们与已处于尾声阶段的巴罗克风格同时并存,反映了18世纪音乐风格衍变的进程。
1、创作风格
对于18世纪新风格的构成要素,可归纳为以下几个方面:
(1)旋律追求优美动人的气质,倾向于方整性结构,与民间音调及舞蹈节奏的联系更为紧密。
(2)调性、和声的安排上升为结构作品的重要因素,段落或乐章有明显的终止式,强调更加简洁的和声风格。
(3)从短小动机孕育出丰富乐思的技巧得到蓬勃发展,乐章中主题的对比变化取代了巴罗克单一主题模进展开。
(4)通奏低音逐渐被明确的乐器记谱所取代。
(5)当时常用的体裁是奏鸣曲、协奏曲、交响曲和四重奏等,常用的曲式,除了二部曲式、三部曲式及变奏曲式外,奏鸣曲式的发展最为充分。
古典主义时期的音乐风格,可以概括为:理性主义。在古典乐派的作品中,注重形式的统一和结构的严整,笑不可以大笑,哭不可以大哭。在内容与形式的关系上追求二者平衡。
【学生讲授部分】
2、代表作曲家(1)曼海姆乐派:
18世纪中叶,在曼海姆地区(现属捷克)宫廷的公爵是一个艺术修养很高的业余音乐家,他在自己的宫廷里建立起当时全欧洲最完备的一支管弦乐队。生于捷克的约.斯塔米兹在这支乐队里担任首席小提琴手,同时他还是一个优秀的作曲家。他和来自欧洲各地的作曲家、演奏家云集这里,创作和演出十分活跃,被称为“曼海姆乐派”。
交响曲的直接来源是“意大利歌剧序曲”。由于意大利序曲与歌剧的关系不大,意大利作曲家萨马蒂尼就把意大利歌剧序曲从歌剧中独立出来,组成二或三个乐章的单独的管弦乐曲在宫廷、酒馆、咖啡馆等等各种音乐会舞台上演出。
(2)C.P.E巴赫
C.P.E巴赫是J.S巴赫的儿子,在普鲁士腓特列大帝的宫廷里任羽管键琴师,音乐史上称他叫“柏林巴赫”。
在以 C.P.E巴赫为代表的柏林作曲家的作品中,认为表达感情,引起听众的共鸣是演奏的目的,是一种反理性主义的“情感风格”。这种情感风格和德国文学中兴起的“狂飙运动”的精神一致,是浪漫主义的先声。
他的奏鸣曲通常是快-慢-快三个乐章的结构,增加了奏鸣曲这种体裁的戏剧性因素,奏鸣曲式主题之间的对比度加强,各乐章之间运用了远关系转调的并置手法。C.P.E巴赫开创了近代钢琴奏鸣曲的前河。
[欣赏] C.P.E.巴赫《a小调钢琴奏鸣曲》第三乐章(3)J.C巴赫
J.C巴赫1762年定居伦敦,因此常被称为“伦敦巴赫”。在协奏曲领域里,他创作了近40首独奏协奏曲和15首乐队协奏曲。
J.C巴赫的协奏曲显示出鲜明的新风格:明确确立为三个乐章,第一乐章已经预示了奏鸣曲式的主要原则,即主题在调性及材料之间的对比并置和变化统一;第二乐章常采用小步舞曲。
华丽风格在J.C巴赫的协奏曲中也很明显,旋律流畅,显得优美从容、灵活敏捷,还融进了苏格兰民歌的流行曲调。
(三)格鲁克歌剧改革
1、改革的背景:
歌剧自诞生后经过了一百多年的发展,已形成了以意大利、法国为中心的两大派别。但歌剧,尤其是意大利正歌剧(opera seria)却逐渐成为贵族宫廷节庆社交的装饰品,内容逐渐变得贫乏、空洞,形式也日益僵化。对阉人歌手的崇尚趋之若鹜。华丽的服装、精美的舞台布景更是必不可少。到18 世纪初,意大利正歌剧由于这些明显的弊端而遭到人们普遍的反感。
2、改革的措施:
格鲁克改革的主旨是:“质朴和真实是一切艺术作品的美的伟大原则。” 他提出:音乐从属于诗歌与戏剧,要使音乐达到促使剧情发展的作用,追求真实地表达人物的情感,绝不应为了毫无意义的歌唱技巧的炫耀而妨碍剧情的发展,把那些打断情节的、多余的装饰统统去掉。
(1)他创作的《奥菲欧与优丽狄茜》和传统歌剧相比已大相径庭,原来由阉人歌手演唱的奥菲欧改由男高音担任,咏叹调优美简朴而符合剧情需要,不去迎合歌唱家的炫技兴趣。加强了宣叙调的旋律性,使其具有细致的情感表现力,占有重要地位。
(2)长期以来,合唱一直在意大利正歌剧中被忽视,格鲁克的歌剧恢复了歌剧中合唱的不可替代的作用。
(3)格鲁克认为舞蹈的表演必须要与剧情、人物和情感相符合一致,要与剧情发展有密切联系,不再为炫耀场景而随意添加。
(4)格鲁克把乐队的每个声部都记写得很清楚,代替了“数字低音”的写法。(5)意大利正歌剧的序曲往往与剧情没什么关系,是孤立的,脱离剧情的整体构思,格鲁克认为歌剧的序曲应该来暗示剧情,使听众预先知道在他们眼前即将要展现的剧情性质,在心理上有所准备。
[欣赏]格鲁克《奥菲欧与尤丽狄茜》咏叹调 “我失去了优丽狄茜怎么办”
3、喜歌剧(Opera buffa)
意大利喜歌剧是从“幕间剧”(intermezzo)发展而来的,“幕间剧”是在正歌剧的两幕之间演出的短小、诙谐的片断。早在17世纪意大利歌剧中就有一些喜剧性的幕间剧,幕间剧与正歌剧的情节毫无联系,常有一些恶作剧、诙谐的绕口令等。
18世纪初,这些不同正歌剧幕间演出的喜剧场面开始被抽出来独立演出,它们规模较小,音乐幽默,成为“意大利喜歌剧”的原形。
佩尔格莱西的喜歌剧《女仆作夫人》是第一部喜歌剧,剧情生动有趣。音乐包括一首意大利序曲、5首咏叹调、宣叙调、2首二重唱,宣叙调半说半唱,近似于说话一般,咏叹调和二重唱诙谐俏皮、轻松活泼
[欣赏] 喜歌剧《女仆作夫人》选段
二、约瑟夫.海顿 【学生讲授部分】
(一)生平
【教师讲授部分】
(二)作品介绍
海顿的作品无论是数量还是所涉及的领域,都是惊人的:108首的交响曲、为各种乐器写的协奏曲、不同类型的室内乐(奏鸣曲、二重奏、三重奏)、小型器乐曲(嬉游曲、小夜曲、小步舞曲)、30多部歌剧、大量的弥撒曲、康塔塔、清唱剧、独唱声乐曲。海顿最重要的贡献是108部交响曲和68首四重奏,在这两个领域里体现出他永不停息的探求精神。
1、交响曲
海顿被人尊称为“交响曲之父”,他的成就在于把这种原来较粗糙的音乐形式发展到更新、更完美的高度,通过自己的创作逐渐完善了交响曲的基本模式。海顿早期交响曲的乐章数目并不确定,直到60年代初期,他的三首交响曲“早晨”、“中午”、“晚上”,已明确采用四个乐章的结构。
[听赏]海顿《第94交响曲“惊愕” 》第二乐章,并介绍创作背景
2、弦乐四重奏
海顿被后人尊称为“弦乐四重奏之父”,他的68首弦乐四重奏和他的交响曲一样,逐步达到成熟完善,也是他艺术成就最高的领域。
优秀的弦乐四重奏的结构和技巧逐渐完善:结构确立为四个乐章;奏鸣曲式中音乐展开的手法更加突出,内涵的张力也有所增加;早期的协奏曲往往第一小提琴处于支配地位,成熟时期的协奏曲中四件乐器各有自己的个性,处于同等重要的地位,四个声部之间更为平等、协调、均衡,让四件乐器都能得到独立而充分的发展,各声部都十分独立。
[听赏]海顿《弦乐小夜曲》
3、宗教音乐
宗教作品在海顿的创作中也占据着不小的比重,包括大量的弥撒曲、康塔塔和清唱剧。在各类宗教体裁中,有两部伟大的杰作完全可以和海顿晚期的交响曲和四重奏相媲美,那就是清唱剧《创世纪》和《四季》。这两部作品都是海顿在伦敦听了亨德尔宏伟壮丽的清唱剧《弥赛亚》后,激发了他创作德语清唱剧的热情而创作的。作品的宗教感情已十分淡薄,更多的是对人世的热爱。
(1)清唱剧《创世纪》采用了英国诗人弥尔顿根据旧约圣经写的《失乐园》的词句,他请人译成了德语。作品由三个部分组成,第一部分叙述神创造世界的头四天;第二部分叙述神创造世界的第五天和第六天;第三部分写园中的亚当和夏娃。
(2)清唱剧《四季》根据英国作家汤姆森的同名长诗而创作,分四个部分,就象是歌剧的四幕,描绘了春夏秋冬、四季景象,描写农民一年四季的劳动和快乐,对大自然各种声音的描摹十分生动,并显示出一种纯朴的幽默感,真诚地赞美淳朴农民的日常劳动。
[听赏]海顿清唱剧《四季——秋》片段
三、莫扎特
【学生讲授部分】
(一)生平
【教师讲授部分】
(二)作品介绍
莫扎特创作了歌剧、交响曲、协奏曲、奏鸣曲、室内乐、器乐小品等等各类体裁,几乎包含了音乐的所有领域。他的音乐的特征与最突出的贡献,可以通过歌剧、协奏曲和交响曲来说明。
1、歌剧创作(1)作品:
优秀的歌剧作品有:意大利喜歌剧《费加罗的婚礼》、《唐璜》、《女人心》,意大利正歌剧《仁慈的狄多》、德奥歌唱剧《魔笛》、《后宫诱逃》等。
(2)创作特征:
A、歌剧是莫扎特音乐创作中最重要的体裁。与格鲁克恰恰相反,莫扎特强调诗歌要顺从音乐,音乐在歌剧中占据着支配地位。他的歌剧具有强烈的音乐感染力,旋律非常优美流畅,宣叙调也富有歌唱性。
B、莫扎特是个戏剧天才,他巧妙地把音乐的旋律和戏剧情节完美地结合起来,成为名副其实的歌唱戏剧艺术。
C、重唱在意大利正歌剧中一向不重要,在莫扎特的歌剧中却占有极其重要的地位,被莫扎特作为安排戏剧性冲突和高潮的重要手段。
在《费加罗的婚礼》中,他以重唱刻画了不同人物的性格,并通过重唱来表达戏剧矛盾冲突。如第二幕的终场,伯爵和伯爵夫人的矛盾通过二重唱表现出来。D、序曲简练、个性化,在性格上与全剧有了更多的联系。[听赏] 费加罗的咏叹调《不要再去做情郎》,并简单介绍歌剧的故事情节
凯鲁比诺的咏叹调《你们可知道》
唐璜的咏叹调《香槟之歌》
2、交响曲
(1)作品:莫扎特共创作了41部交响曲,其中以《第35交响曲“哈夫那”》、《第36交响曲“林茨”》、《第39交响曲“布拉格”》、《第40交响曲“维特”》、《第41交响曲“朱比特”》最有代表性,至今仍是音乐会上的重要曲目。
(2)创作特征:
他的写作技术是从海顿那儿直接继承过来的,但他去掉了以往海顿交响曲的引子,加强了奏鸣曲式中两个主题之间的对比,促进了戏剧性的发展。和声、调性大胆构思,展开部的不稳定幅度都已大大区别于海顿的交响曲,在一定程度上预示着后来贝多芬交响曲创作的新倾向。
[听赏]《第40交响曲“维特” 》第一乐章,结合流行歌曲《不想长大》一起欣赏
3、协奏曲(1)作品:
莫扎特一共创作了27首钢琴协奏曲、6首小提琴协奏曲,他在巴罗克协奏曲的基础上,确立了18世纪古典主义协奏曲的结构模式,,成为近代协奏曲形式的创始人。优秀作品:《d小调第20钢琴协奏曲》、《c小调第24钢琴协奏曲》、《A大调第23钢琴协奏曲》、《G大调第3小提琴协奏曲》、《D大调第4小提琴协奏曲》、《A大调第5小提琴协奏曲》、《A大调单簧管协奏曲》等。
(2)创作特征:
A、莫扎特仍按照巴罗克协奏曲快-慢-快三个乐章的结构来创作。所不同的是,第一乐章采用“双呈示部”的奏鸣曲式结构,即先由乐队演奏出第一呈示部,主部、副部两个主题均建立在主调上;之后由独奏乐器与乐队共同演奏第二呈示部,主部、副部两个主题分别在主调和属调上,有时出现新主题。
B、在莫扎特确立的古典协奏曲第一乐章的尾声前,乐队停留在主四六和弦的延长音上,这时开始独奏乐器的炫技段落,称为“华彩乐段”,华彩乐段具有相当强的即兴性质,以显示独奏者精湛、高超的演奏技巧为主要目的。
C、协奏曲的第二乐章是慢板,有着抒情而悠长的旋律;第三乐章多采用回旋曲式或奏鸣回旋曲式,速度比第一乐章要快,情绪也更为热烈,具有明朗乐观的生活气息。
[听赏]《G大调第3小提琴协奏曲》第一乐章
4、莫扎特的其他创作:(1)奏鸣曲
莫扎特创作了有17首钢琴奏鸣曲、6部小提琴奏鸣曲、35部钢琴小提琴奏鸣曲。早期风格受海顿影响,是短小的三个乐章形式,结构和内容都偏重第一乐章。70年代后期创作的几首奏鸣曲有着华丽而细腻的钢琴技巧和较强的戏剧性。
(2)室内乐
23首弦乐四重奏中,最优秀的是献给海顿的6首(K387、421、428、458、464、465,1782-1785年),从不同侧面反映了莫扎特诚挚、乐观的精神。
莫扎特在室内乐创作上的天才更多地表现在五重奏上,最为突出的是《g小调弦乐五重奏》、《C大调弦乐五重奏。此外,《A大调单簧管五重奏》(K581,单簧管加弦乐四重奏)也是室内乐中的杰作。(3)小型器乐合奏
主要体裁是嬉游曲和小夜曲,大多是受友人或贵族的委托而创作,用于节庆活动。嬉游曲的乐器以弦乐为主;而小夜曲的乐器以木管为主,具有轻松活泼的特点。
[听赏]《G大调弦乐小夜曲》第一乐章(4)宗教体裁作品
受到巴罗克时期庄严宏伟的风格,特别是巴赫和亨德尔音乐的影响。代表作品有《安魂弥撒》、《c小调弥撒》、《加冕弥撒》。
四、贝多芬
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(一)生平
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(二)作品介绍
贝多芬在器乐创作里取得了空前的成就,创作了9部交响曲、11首管弦乐序曲和戏剧配乐、5首钢琴协奏曲、1首小提琴协奏曲、16首弦乐四重奏及其它各种形式的重奏曲。奏鸣曲体裁是他重要的器乐领域,包括32首钢琴奏鸣曲、10首小提琴奏鸣曲等形式。贝多芬通过自己的创作把奏鸣交响套曲形式推进到最高峰,并对奏鸣曲式结构的成熟与发展起到决定性作用。
1、交响曲
贝多芬一生中共创作了9部交响曲。第一、第二交响曲属于维也纳的早期创作,继承了海顿交响曲的模式,都是以海顿式的缓慢引子为开端。也有创新之处,如《第二交响曲》的第三乐章首次以谐谑曲取代了小步舞曲,末乐章的主题及发展带有一种粗犷的性质。最具代表性的典范之作:
《第三交响曲 “英雄”》 《第五交响曲“命运” 》 《第六交响曲“田园” 》 《第九交响曲 “合唱” 》
[听赏]贝多芬《第三交响曲 “英雄” 》第一乐章
贝多芬《第九交响曲 “合唱” 》第四乐章,结合电影《贝多芬传》的电影片段
2、钢琴作品
(1)钢琴奏鸣曲(32首,被誉为“钢琴音乐的《新约全书》”)
一般认为,前10首更接近于古典主义早期作曲家的风格,事实上这几首也已显示出贝多芬的一些创作个性,如第二奏鸣曲中以谐谑曲取代了小步舞曲,第八首“悲怆”奏鸣曲其中主题间的对比力度,调性转换的大胆,戏剧性的冲突、大幅度的力度和音区对比,都是贝多芬所特有的。
第17首“暴风雨”、第21首“黎明”、第23首“热情”等钢琴奏鸣曲成为中期作品的代表作。第17首“暴风雨”,坚定果断的音型与柔弱音调之间反复运动前后形成了鲜明的对比,贝多芬本人曾暗示这部作品的内涵与莎士比亚的戏剧《暴风雨》有一定的联系;第21首奏鸣曲“黎明”充满了自然界蓬勃的生命力,清新质朴,展开部和尾声都大大扩展有着强烈的动力性和紧张度;第23首“热情” 极富有英雄气概和战斗气息,描写了无数次的战斗、冲击,已完全显示出贝多芬盛期的典型风格。
最后6首奏鸣曲集中体现了贝多芬晚期的创作特征,更注重用音乐表达最内在的自我,手法复杂、深奥,具有抽象性和复杂性,更多地使用复调手法。[听赏]贝多芬《第八“悲怆”奏鸣曲》第一乐章(2)钢琴协奏曲
贝多芬创作了5部钢琴协奏曲,其中后三部作品在精神内涵、风格、技法上都远远超过了海顿、莫扎特的同类体裁作品。
五部钢琴协奏曲中最富有贝多芬个性的是《bE大调第五钢琴协奏曲》“皇帝”,这部作品在气质、风格上很接近第三和第五交响曲,富丽堂皇、气势豪迈、庄严,富有英雄性格,后来常被称为“皇帝”协奏曲。
[听赏]《第五“皇帝”协奏曲》第一乐章(下方为“基本主题”)
3、重奏作品
贝多芬一生的几个时期都写有室内乐作品。早期重要的有钢琴三重奏(Op.1,1-3)、为钢琴和管乐的五重奏(Op.16)等。重要的四重奏体裁他一共写了16首,代表作有Op.59、Op.74(”竖琴四重奏”)、Op.95等。
作于1806年的3首弦乐四重奏体现出对古典传统风格的突破,这3首弦乐四重奏是献给俄国驻维也纳大使拉苏莫夫斯基的,也称《拉苏莫夫斯基弦乐四重奏》。
3、声乐作品(1)歌剧:
《费德里奥》是贝多芬创作的唯一一部歌剧。(2)宗教作品:
《D大调庄严弥撒》是一部大型声乐、管风琴与乐队的作品,贝多芬认为这是他最伟大的作品。尽管这部作品有宗教的外形框架,但由于虔诚而获得超脱平静与欢欣之中渗透着强烈的戏剧性。光辉灿烂是这部作品的特点。
《庄严弥撒》按照五段的传统常规格式,但它像一部包含5个乐章的声乐交响曲。其中有优美的独唱、重唱段落,也有雄伟壮丽的合唱;乐队配器和声乐一样精炼;每个段落的音乐结构以及段与段之间的关系被精心设计。第二段“荣耀经”的结束部分用了再现的手段。第三段“信经” 结尾段的歌词,“我们期待来世的生命”,是以几乎完全消失了的音响,又重新升起,逐渐积聚直至最后的高潮。
(3)歌曲:
贝多芬还写有大量的歌曲及一些带乐队的合唱曲,从早期的艺术歌曲《阿得拉伊德》到晚期由6首歌曲组成的声乐套曲《致远方的爱人》,采用了德国诗人阿罗伊斯•叶特罗斯的组诗。
这些歌曲作品多以爱情为主题,包含了温柔的幻想和冲动的热情,尤其是后期的细腻歌调与浪漫主义潮流息息相通,成为舒伯特声乐套曲的先行者。
[讨论归纳] 古典乐派的创作风格:
(1)旋律追求优美动人的气质,倾向于方整性结构,与民间音调及舞蹈节奏的联系更为紧密。
(2)调性、和声的安排上升为结构作品的重要因素,段落或乐章有明显的终止式,强调更加简洁的和声风格。
(3)从短小动机孕育出丰富乐思的技巧得到蓬勃发展,乐章中主题的对比变化取代了巴罗克单一主题模进展开。
(4)通奏低音逐渐被明确的乐器记谱所取代。
(5)当时常用的体裁是奏鸣曲、协奏曲、交响曲和四重奏等,常用的曲式,除了二部曲式、三部曲式及变奏曲式外,奏鸣曲式的发展最为充分。
古典主义时期的音乐风格,可以概括为:理性主义。在古典乐派的作品中,注重形式的统一和结构的严整,笑不可以大笑,哭不可以大哭。在内容与形式的关系上追求二者平衡。