音乐基础教学中的听写训练

第一篇：音乐基础教学中的听写训练

音乐基础教学中的听写训练

视唱练耳是每一位音乐专业学生的必修课，是每一位有志于音乐的学生走进音乐王国的必由之路。视唱练耳包括“视唱”与“练耳”两项内容。视唱就是“视谱即唱”，即拿到乐谱不做准备就能准确、流畅的演唱出来，练耳就是“训练听觉”，也就是通过听辨、听唱、听写等训练，全面提高对音乐的感知力、记忆力、表现力和鉴赏力。

在听唱练耳的教学中，视唱训练与听觉训练有着密切的关系，而这就像是水和船，“水涨船高”。作为视唱练耳教学中的重点和难点，听写无论在教学还是考试中，都起着举足轻重的作用，应予以足够的重视。近年来，全国大多数音乐艺术院校的视唱练耳考试都加入了听写的内容，下面就来谈谈听写训练。听写就是将听到或记忆到的音乐用乐谱记录下来。听写能力形成的基础是听辨、模唱、及构唱等，因此，在教学中应不间断的加强听辨、模唱及构唱的训练。此外，还应该加强听写训练与乐理知识之间的联系，调动理性思维，进行逻辑分析。有了这些良好的基础后，再进行听写练习就不会感到特别困难了。

一、单音听写训练

通常，教师要在钢琴上弹一个标准A1然后开始听写。为了加深对A音的记忆，可以弹奏记忆不同音区内的A音。每次听写训练开始前唱标准音，逐渐建立绝对音高感。另外，换可以通过背唱一些以A音为主音的旋律来加强对标准音的音高感。单音训练是音高训练的基础，是基础中的基础，一定要做大量的强化训练。只有这样，才为以后的音程训练、和弦训练及旋律训练等提供依据、条件。

在训练中，要注意贯彻由浅入深、循序渐进的原则。首先在键盘中音区不带升降号的白键上听写，逐渐向两端音区扩展。当能够较熟练地听写出白键上的音之后，就可以按调的五度循环顺序逐渐加进#F、#C、#G、#D及bB、bE、bA、bD等音反复练习。

二、音程听写训练

音程包括旋律音程与和声音程，实际上，单音听写从莫种意义上就是一种旋律音程的听记。音程听写训练可以从旋律音程入手，逐步过渡成和声音程，为和弦听写训练打下坚实的基础。由于这一部分是非常重要但较难掌握的内容，往往很多初学者再此项听写中失误较多，因此掌握此项内容成为听写训练中的关键。只有对不同音程的性质和音响效果非常熟悉，才能听好和声音程。在平时训练中，要切实加强实际训练与听觉分析相结合。在听写和声音程时，可以要求学生在写出音程音位的同时，还要写出音程的性质，以加强感性和理性的认识。

音程听写训练要点：

（一）熟悉音程的音调与音响特点

1、大小二度音程。旋律大小二度是常用的音程，是调式自然音之间的级进连接，是平滑，自然而松弛的，是构成旋律的基础，它们给人一种优美流畅的感觉，其中大二度更优美，小二度的下方音具有导音性质，倾向性强。和声大小二度音响效果均不协和，其中大二度稍平和，小二度更为尖锐刺耳。

2、大小三度音程。旋律大小三度既不同于二度的级进，又不同于四五度以上的大跳进，它们富有动力，形成独特的小跳进效果。和声大小三度音响协和、饱满、大三度色彩明亮刚毅，决定了小调式的特性，是多声部音乐中最常用的音程之一。

3、纯四，纯五度音程。旋律纯四度上行形成坚定有力的音调感，使人感受到调的属音到主音，常见于和声终止式低声部的进行；旋律纯五度上行时，使人感受到调的主音到属音，给人一种柔和感。和声纯四五度，音响效果协和，两者相比，纯四度要严峻、生硬、呆板一些，如果位于和弦最下方，具有不稳定感。而纯五度较为开朗一些，色彩较柔和、鲜明。

4、纯

一、纯八度音程。旋律纯一度是同度重复，不太“旋律化”；纯八度在旋律进行中具有广阔、大跳的特点，富有动力感。和声纯一度是合为一个音的音程，纯八度音响效果也是融合为一的特点。它们是和声音程中音响最协和的两个音程。

5、大小六度音程。旋律大小六度是宽音程，旋律六度的进行是大跳富有动力感，是形成高峰的音程之一，实际应用较多。和声大小六度音响协和，声音饱满。大六度色彩明亮，小六度较柔和、暗淡。有些类似与和声大小三度音程。

6、大小七度音程。旋律大小七度是一个八度内（除开八度）最富有动力性的音程，也时形成高峰的音程之一，小七度下行倾向解决，大七度上性倾向解决。和声大小七度音响不协和，其中大七度倾向性更为强烈，小七度稍平和一些。

7、三全音（增四减五度）。旋律增四减五度音程是最不稳定的音程之一，在旋律进行中，常出现不稳定音级到稳定音级的解决。如IV—III、VII—I。和声增似箭无毒音响不协和，倾向性强。在大小调内增四度向外扩张解决到大六度或小六度，减五度向内缩减解决到大三度或小三度。在不同的解决中，可以听出增四度较减五度明亮些，紧张度更激烈。不带解决的三全音难以听辨出是增四度或减五度，因为是同音异名，具有相同的音响效果。

（二）注意听写和声音程的方法和步骤

1、辨别音程的音箱类型。首先训练正确区分协和与不协和音程的音响，如极完全协和包括纯

一、纯八度；完全协和包括纯

四、纯五度；不完全协和包括大小三度、六度；不谐和包括大二度、小七度、增

四、减五度；极不协和包括小二度、大七度。然后训练正确区分窄音程与宽音程，如大小二度、大小七度、大小六度等。

2、辨别音程的具体度数与音名。在辨别出音程的音箱类型即音程的“色感度”帮助下，准确感觉出音程的两个音的唱名，也就是“音高感”，无论是相对音高还是绝对音高都可以，迅速将两种感觉归纳整理，最终得出正确结论。

3、写出正确答案。一般来说先写根音，后写冠音，最后写音程性质。

三、和弦听写训练

和弦包括三和弦与七和弦等，还有原位与转位之分。有了音程训练的基础后，进行和弦训练应该说不至于太难。

（一）熟悉和弦结构与音响特点

1、三和弦。包括大

3、小

3、减

3、增3.大3和弦的基础是下方大三度，色彩明亮、协和、稳定。小3和弦的基础是下方小三度，色彩暗淡、柔和、有不稳定感。减3和弦的下方音到上方音是减五度，具有紧张度是不谐和的，有向内收缩度。增3和弦的下方音到上方音是增五度，紧张度更强烈是最不协和的，有向外扩张感。

2、七和弦。包括大小

7、大

7、小

7、减

7、减小7（半减7）等，都具有尖锐紧张的特点。因为七和弦的下方音到上方音是不协和的七度音程。怎么来区分这些七和弦呢？例如，在常用的五种七和弦中，大小7和弦的音响是最为熟悉的，听辨时要注意它的基础是大三和弦，色彩明亮，同时又因含有三全音而带有较强的进行倾向。小7和弦给人一种温和、清纯的感觉。减7和弦因为含有两个三全音而带有较强的进行倾向，具有极强的不稳定感与紧张感。大7和弦与众不同的音响色彩在于它含有大七度 — 小二度，听上去既明亮又尖锐。减小7和弦（半减7和弦）听上去略干悲怆，似乎有些飘逸。当然，由于个人对音响色彩的感觉互有差异，因而借用一些名词来形容音响只能是一种借鉴，而不是一成不变的，最终不能代替自己的感受和体会。

（二）注意听写和弦的方法和步骤

1、辨别和弦的性质。注意要从整体音响色彩上去分辨和弦，逐步掌握常见的四种三和弦和五种七和弦的结构与音响效果。

2、辨别和弦的位置。从和弦的音响特点辨别和弦性质后，注意转位于原位和弦色彩基本相同，但原位有力稳定，第一转位不如原位有力，第二转位更不稳定，第三转位最不稳定，最不协和；然后找到和弦的低音，判断它是和弦的根音、三音、五音或七音，确定和弦的位置。

3、辨别和弦的音高。注意要熟悉和弦结构，正确判断出和弦的名称。

4、从下往上依次写出各音，并写出和弦标记。谱例1：一个主音在调内构成的全部三和弦（以C音为例），其转位音响也在这十个和弦中。

谱例2：常见的五种原味七和弦（以C音为例）

节奏听写训练要点：

（一）熟悉常用节奏类型及名称、形状、音响。

谱例3：常用节奏型及名称

1、以四分音符为一拍

2、以八分音符为一拍

（二）注意听写节奏的方法与步骤

运用节奏型简写速记法。可以适当运用一些简化节奏型的方法记录听到的节奏，以提高节奏记谱的快速和准确。如可以先记符号在写符干符头，或者先记符头用间隔大致记出时值（….…

...），还可以用“V”型节奏图标速记法等。无论采用哪一种记录符号，都应该易认、易写、易记、易掌握。下面以节奏念三遍为例。

1、在听第一遍时，尽量记出所感受到的节奏主要的特征、拍号、主要节奏型，大致划出小节数。

2、在听第二遍时，准确划出小节数，写出其余部分。

3、在听第三遍时，修改完善所记录的节奏，默念核对。

五、旋律所写训练

旋律是各种音乐要素的综合。听写时要求学生有较强的音乐记忆力和记谱方面的能力，被称作“练耳的综合”。听写旋律之前可以有一个准备的练习阶段，第一部是抄谱，第二步是默写，第三步逐步过渡到听记。在训练中，与前面一样，要坚持由浅入深、循序渐进的原则，有简单到复杂逐步提高。简单旋律弹奏一至二遍，复杂旋律弹奏三至六遍。以旋律弹奏三遍为例。

（一）在听写第一遍时，尽量记出所感受到的旋律的主要特征、调性、调式、节拍节奏、分句、主要音符等，大致划出小节数。

（二）在听第二遍时，准确划出小节数，根据所记出的旋律音符写出其余部分。

（三）在听第三遍时，修改完善所记录的旋律，默唱核对。

六、听写训练中需要注意的几个问题

（一）在整个听写过程中，要全神贯注，耳听、脑记、心唱、手写，准确记录每个符号。

（二）听写时心唱口不唱，加强内心听觉能力的发展。

（三）注意听写细节，记谱时要求谱面整洁清楚，正确规范，美观大方。

第二篇：音乐教学中的节奏训练

音乐教学中的节奏训练

——评龚玉梅老师《动物说话》一课

小学音乐教学节奏训练是小学音乐教学音乐素质培养的重要环节。节奏是音乐的脉搏，是组成音乐的基本要素之一，任何音乐都离不开鲜明的节奏。在课堂上如果学生只是单纯地学习歌曲，不懂得识谱，那么就无法提高学生自主学习的能力。但是对于上乐理课对于小学生而言较为枯燥、乏味，单靠死记硬背，只是在被动地学习。

如何让学生能够快乐地参与节奏的训练中，而且对节奏训练逐渐产生兴趣呢？龚玉梅老师的这节《小学音乐课堂中节奏教学的研究》课题汇报课——二年级音乐课《动物说话》，在化解这一难点上作出了有益的尝试。

《动物说话》是一首歌谣风格的创作歌曲，2/4拍。歌曲的节奏简单，以四分音符、八分音符为主。旋律较为平和，紧密结合了动物语言的特点，表现了小动物稚嫩的拙态和叫声。乐句间加有节谱，使歌曲风趣、富于变化，又仿佛是小动物机警的神态。这首歌曲歌词简单，都是小动物的叫声。应该说龚老师选择这节课进行课题研究的展示课是花了心思去挑选的，她通过这节课的教学，较好地展示了课题研究的阶段性成果。

一、结合律动进行节奏练习

小学低年级学生爱动、喜欢参与和表现自己。从低段要求掌握的节奏来看，结构也比较简单，且富有律动感。龚老师尝试把节奏与动作相结合，使理性的东西变成感性的东西。

龚老师先让学生充分而完整地熟悉歌曲的旋律，比较和以前听过的歌有什么不同，让学生发现这首歌曲中有节奏谱。老师在学唱歌曲之前先让学生熟悉 × 和 ×× 的节奏特点，比较两个节奏有什么不同，再进行歌曲的学唱。

心理学研究表明，在学习过程中，参与学习的效果是最佳的。龚老师用简单的律动让学生学会× 和 ××这两个节奏。× 用“走”表示，×× 用“跑”表示。尔后由易到难，再练习两组2/4拍节奏练习：

① × ×│×× ×│×× ××│ × －│ ② ×× ××│×× ×│×× ××│ × －│

在掌握节奏后在速度上加以变化。这种方法能令学生在轻松愉快地牢固掌握知识，教学效果显而易见。

二、利用学生熟知的词句进行节奏练习音乐与语言有密切的关系，语言的本身就含有生动、丰富而又美妙的节奏。儿歌不仅有优美的词句、真挚的情感和丰富的想象力，而且有和谐的韵律和鲜明的节奏，使人读起来朗朗上口。

龚老师在学生掌握了黑板上的这两组节奏练习后，问学生：“你们知道这是哪首儿歌的节奏吗？”引导学生发现熟悉的儿歌《数鸭子》正是这个节奏。学生对《数鸭子》这首儿歌耳熟能详，兴致更高了。加上儿歌的语言一读，学生对这两组节奏练习掌握得更准确了，有些学生边读还拍起了掌。

让学生从自己熟悉的儿歌、诗歌中进行节奏训练，既增强了学生的学习兴趣，又减少了学习节奏的困难，有利于达到预期的学习目标。

三、通过简单的节奏创作，发展学生的创造能力

托尔斯泰说：“如果学生在学校里学习的结果是自己什么也不会创造，那他的一生永远是摹仿和抄袭。”启发学生进行节奏创作是手段，而最终目的是通过音乐培养学生的创造力。

龚老师很注意培养学生的音乐创造力。龚老师先拍出一组节奏，要求学生听后拍手摹仿出来。再由个别节奏感较好的学生即兴拍出一组节奏，其它学生摹仿出来。

四、课堂教学的其他亮点

1.龚老师特别鼓励学生进行探究学习，激发他们的创新求异思维。她充分发挥孩子们的想象力和创造力，让孩子们自己编创小动物的叫声来编创歌词，把“小鸡说话”改编成“小X说话”，充分发挥了孩子们的想象力和创造力。另外，鼓励学生自己为歌曲编创歌词和动作，打破了以前“照葫芦画瓢”的方法，给孩子们营造了乐学、想学的教学氛围。

2.体现了低年级 “唱游”教学的特点。在教学中，龚老师与学生一起给歌曲中的小动物们即兴创造了一些动作。学生边唱边做动作全身心地融入到音乐情绪中。这不仅激发了学生的学习兴趣，还使他们有如身临其境。

五、几点商榷之处：

1.《音乐课程标准》指出“音乐课应该发挥音乐艺术特有的魅力，在不同的教学阶段，根据学生的身心发展规律和审美的心理特征，以丰富多彩的教学内容和生动活泼的教学形式，激发和培养学生的学习兴趣”。龚老师在导入时如能创设情境，注意激发学生的学习兴趣就更好。比如在课的一开始，教师可投影出示大森林的背景图片，播放大森林早晨宁静的音乐，出示各种动物，玩游戏猜一猜。请学生模仿动物动作和声音，其他同学猜一猜动物名称。这样的导入更能激发学生的学习兴趣，为整堂课的愉快教学打下了良好的基础。

2.在创编活动中，除了让学生用其他小动物的叫声创编歌词外，还可以让学生模仿小动物们的走路声来创编歌词，如小马跑步 嗒嗒 嗒,大象走路嘭嘭 嘭,通过学生表演展示，让学生的想象插上高飞的翅膀，拓宽学生的思维。

3.节奏训练的方式还少了些。低段是对节奏的感知和认识阶段，根据学生的生理特点，把所要求掌握的节奏与生活相联系，会比较简单一些。比如× × |读作：咚 咚（模仿心跳声）⑵ ×× 读作：嘀嗒（模仿秒针走动的声音）⑶ ×× ×读作：咚咚 咚（模仿敲门声）等。

4.虽然二年级学生年龄较小，但教师是否能在课堂上引导学生用简单的乐器敲打歌曲中的节谱呢？可以让节奏感强一些的学生给大家敲打节奏伴奏，让音乐课既“动口”又“动手”。

5.现在虽然有了多媒体课件，有了现成的演唱示范与伴奏，一定意义上来说确实解放我们音乐老师的手脚，让我们可以更多地关注于学生的演唱与表现，无疑是一种改良，一种积极的进步。但音乐课仍然离不开琴声相伴，琴是音乐教师的第一教具。

总之，龚玉梅老师这堂课能利用各种方法对学生进行节奏练习，让学生始终在愉快的氛围中学习和掌握节奏，提高了学生对音乐的感知和创作能力。当然，在节奏教学这一方面还有许多值得注意和探讨的问题。例如有的学生对节奏练习得很熟练，但是加上旋律后节奏就乱了，还有如何在教学探索更多更好的节奏训练方法则是我们要深入研究的问题。

第三篇：音乐教学中的基本技能训练

音乐教学中的基本技能训练

6264学校 管玲丽

摘要 通过听觉、合唱这两种适应群体训练的音乐手段，培养学生对元素性音乐的敏锐感知，激发他们对 诸音乐元素不同结构的构成及运动变化产生浓厚兴趣。使他们了解这些运动变化对于表现人们的思想、抒发感情的独特功能作用；并使学生在音乐生活中能迅速 获得与音乐作品的情绪相一致的内心体验。这不同于传统单纯技术训练代替音乐教育的作法，是音乐教育观念 上的一个进步和突破。

关键词 听觉、合唱、音乐元素、掌握。

音乐元素，指构成音乐艺术的最基本的成分，分解为音高、音色、节奏、力度、和声等。掌握音乐元素，就是培养学生对音乐元素敏锐的感知，激发他们对诸音乐元素的不同结构的构成、运动变化产生浓厚的兴趣，帮助他们了解这些运动变化对于表现人们的思想，抒发感情的独特功能作用，从而使学生在日后的音乐生活中 能迅速获得与音乐作品的情绪相一致的内心体验。这不同于传统的用单纯技术训练代替音乐教育的作法，是音 乐教育观念的一个进步和突破。

学生掌握音乐元素，可从以下两个方面训练着手。

1、听觉训练

音乐靠听觉感知，是一门“听觉艺术”。后天的音乐教育决定音乐才能。这一才能是先天具备，还是后天 教育的结果，曾经是一个有争议的问题。我认为，人的才能主要是后天受教育形成的。人们很早就开始注意到 听觉训练是音乐教育的基础工程。《乐记》谈到了人的听觉感官与音乐的关系，指出：“审声以知音，审音以 知乐„„。”孟子则说：“至于声，天下期于师旷”。这两句话再好不过地道出了音乐之声的本质和本源。我们现在的音乐教学一切活动，都应围绕培养学生敏锐的音乐听觉来进行。有效的听觉训练，能使音高、音色、节奏、力度等音乐元素很快被学生熟悉理解。

（1）.建立准确的音阶感

音阶感是音准的基础，也是学生自我判断进而自学音准的重要依据之一。必须从学生日常生活引入，“自 然”地接触并熟悉音阶。

1）从do、mi、sol、入手小跳进式地开始音阶学习：传统的音阶教学顺序是：do、re、mi、开始，到fa、sol、la、si，级进展开。实践证明，这种按表面逻辑安排的教学顺序并不符合学生接受音阶的心理。学生初学 不易唱准fa、si和级进音阶。值得推荐和实验报告表明的方法是从学生生活中最常听到的do、mi、sol这三个 稳定音入手，三度跳进式地开始接触音阶，写出与之相应的曲调和音程进行练习，然后逐步加入la、re、fa、si音，并采用将音阶设计为“音阶山”，根据动物的特点，（兔子的蹦蹦跳跳，乌龟的级进）内心感知音高的 准确性，从而发挥学生在听觉中的想象力。实践证明，学生学习跳进音阶比级进音级容易得多，而通过小跳音 阶的学习得到巩固，级进音阶学习的困难也就迎刃而解了。

2）在游戏中反复练习、强化音阶概念：音阶音准的概念的建立，有赖于大量的练习得以强化。为此，需 根据学生不同年龄特点和兴趣爱好，设计一系列音乐游戏。如游戏“弹钢琴”：学生手持唱名卡片模拟琴键音 阶排列，弹琴者（师或生）击“琴键”，被击者迅速唱出相应音高并高举卡片。“琴键”音准确，则全体学生 跟唱一遍，反之则需“校音”（由弹琴者向“琴键悄悄提示或另请”琴师“校正）。若还唱不正确，则此”琴 键“需修理换新键（即换一学生）。在游戏结束时，应将换下的”琴键“再装入”琴“上试一试，如唱准了，则表示”琴键“已修好（以此鼓励学生）。

3）设计多样听唱训练，适应各种音程变化：在记牢和唱准音阶的基础上，可进一步发展听觉训练。例如 ：在钢琴上弹出标准音“A”，在此基础上变化弹出一组组旋律音程，如do、mi、re，mi、do、la、sol、la、do、sol、mi等，让学生模唱、分析、听记。通过这一系列训练，学生对音阶、音高及其变化的感知会逐渐敏锐 起来并逐步发展起乐音表象能力。实验证明，这类训练的积累能产生丰富的听觉意象。贝多芬就是在耳聋的情 况下，完成了他的巨作第九交响乐。

（2）、培养和形成良好的节奏感

节奏是组成音乐的核心元素之一，被称之为音乐的“骨架”。帮助学生形成了良好的节奏感，即交给了学 生把握音乐律动的钥匙。从指导学生熟悉基本节奏型入手，可采用以下方法练习。

1）采用划拍法使学生了解熟悉常见的基本节奏型。这是借鉴数学的一种理性训练方法，目的在于让学生 大体能按时值的组合较准确地击出各种节奏。用手划拍时，口中念与不同时值相应的节奏唱名。

2）身体动作与节奏结合，培养学生内心节奏感。一味按谱划拍易使活生生的音乐节奏学习陷入呆板。借 鉴瑞士达尔克罗兹的“体态律动”原理和节奏训练方法，引导学生使自身体动与音乐律动和谐吻合，有利于学 生用整个身心体验者音流动的“脉搏”。

3）引导学生利用生活中各种节奏原型，学习节奏的组合。生活中有丰富的节奏原型，学生往往未加注意.引导学生将生活中各种节奏与音乐节奏建立联系，用“活生生”的节奏唤起学生丰富的联想，学生对音乐元 素的体验和感受将深刻亲切得多。

4）按曲调的节奏朗读歌词。曲调节奏实质上就是生活节奏和语言节奏的浓缩提炼。按曲调节奏朗读歌词 往往带来一种韵律感，使歌词的学唱就得容易，学生也可以从中体会品味掌握音乐元素带来的乐趣。

例：《粗心的小画家》丁丁说他是 小画家，彩色铅笔一大把，先让学生读节奏，然后用念快板的形式。

5）在掌握基本节奏的基础上加进音高。单纯的节奏组合毕竟不是音乐。一旦基本节奏被学生熟悉，必须 尽早引入音高。这是节奏教学的深化，又是感知音乐元素的相互结合，发展变化的起始。通过以上精心设计的多种练习，不仅可让学生迅速熟悉理解并掌握音乐元素，而且通过掌握音乐元素的过 程成为一种快乐，课堂气氛定会十分活跃。、合唱训练

合唱是掌握音乐元素的重要途径，它一直是少年儿童最喜爱的活动之一，在教学中最易普及、最经济，同 时也最美。在良好的合唱训练中，乐感这一高层次的音乐元素能够得以不断积淀形成。合唱又是一门知识性、艺术性和技巧性很强的学科，具有很高的审美价值。合唱训练则按其艺术表现的需要，根据不同年龄的心理、生理特征，采用有效的启发和科学的训练相结合的方法才能培养学生掌握合唱发声的诸多音乐元素。

（1）掌握合唱训练中的心理和生理特点

童声训练和成人的声乐训练有许多共同之处，而且从歌唱发声的原理上来说也是基本相同的。从生理结构 上讲，少年儿童的发声机能和器官并不比成人少或多，只存在着体积上的小与大之别，以及发出的声音在音质 上的不同。无论成人还是孩童的发声，其衡量标准也是基本相同的，即正确的歌唱呼吸，良好的基音状态，谐 和共鸣，清晰的语言等等。但如果分析二者的思维方式却不难看出，它们尚存在着差异。成人学习歌唱的思维 方式是以抽象逻辑思维为主，少年儿童抽象逻辑思维能力还不发达，只能以具体形象思维为主，逐步向抽象化 思维过渡发展。在他们抽象逻辑思维形成的初期阶段，在很大程度上仍然是以直接感性经验为主，因而具有很 大成份的具体形象性。根据少年儿童的这一特点，必须采取与成年人不同的启发方式，在启发学生歌唱发声的 内在感受和协调歌唱发声机能时采用感觉替代和意象转移的方法，启发学生逐步建立合唱发声的基本音乐元素，从而培养支配自己，调节自己发声机能和器官的能力。在这点上，教师的教学语言一定要简炼准确，不能太 抽象，不能超越学生的生活体验，不能急于求成。对于艺术与技术要客观、科学，对学生要民主，通过诸多的 音乐元素本身去感染学生，从而使他们在合唱中获得美的感受，具有美的鉴赏，并且产生浓厚的兴趣和坚定的 学习决心。以良好的声音状态相互感染，提供其感性认识的环境，从而避免对成人的效仿。

（2）进行必要的合唱技巧训练

歌声是运用嗓音表现人物情感体验的艺术，运用嗓音的优劣自然也会直接影响情感的表现。所以，对“如 何用嗓音”不能不加考究。因此，先解决音质问题，后解决音量问题，这是一条正确的途径。坚定、积极地用 轻声歌唱，就能使少年儿童自然地体会到发声器官在歌唱时是如何协调的，就能建立正确的声音概念。而且，这对保护少年儿童的噪音和获得轻松流畅的歌声极为重要。

1）什么是轻声歌唱？如何掌握和理解轻声歌唱的尺度？

应该说，并不存在一个固定和绝对的标准。但是，我们可以在现实生活中，找到轻声歌唱的实例。

例如：天真的幼童模仿妈妈抱着布娃娃哼唱催眠曲时的轻柔的歌声；又如当孩子一个人无意识地边走边歌 唱时，他的歌声总是轻松愉快的。如果将这样的声音用力度记号标明的话，应是mp或p，而不是mf，掌握 轻声歌唱应在mf以下的mp或p的声音力度上。

当少年儿童们学会了轻声流畅自如的头声歌唱方法后，往往同时也学会了有控制的歌唱技能。至此，孩子 们的合唱就能和谐和动听了。

2）没有正确的呼吸，不会有完美的歌唱。

脱离歌唱单独进行呼吸训练，有人赞成，有人反对。其实作为一种辅助手段，训练得当，是有益无害的。每次排练时，先用三分钟左右的时间进行呼吸练习，长期下去，变成一种习惯，将会逐步获得显著效果。但是 由于呼吸练习不能立竿见影，往往被人忽视。a、用“闻花”时的感觉体会歌唱的吸气：“啊；好香的花呀”！要求吸气时不耸肩，不出声。

b、用“吹肥皂泡”来训练歌唱的呼气。“肥皂泡象涌泉一样连续吹出，但当心——用力太猛会吹破。”

要求通畅均匀的把气呼出。

c、用伤心时的抽泣体会急呼吸（偷气）。此外，还有多种多样形象的要求严格的发音练习。

运用形象的比喻，从歌唱呼吸入手，是许多有经验的合唱教师常用的方法。

值得指出的是，进行嗓音训练，应注意提醒学生将所有掌握的合唱音乐元素运用于歌唱实践。

3、有乐感的歌唱

乐感，就是对音乐有敏捷的感受和正确的理解，并把所感受所理解的内容充分表达出来的能力。有乐感地 歌唱，就是要求学生将已掌握的音乐元素综合运用于歌唱中，用不同力度，音色、连断，速度处理，富有感情 的歌声表现自己内心体验。这样的合唱训练，应以情为先导，紧扣感受和表现展开。

1）教师生动的引入，富有感情的范唱，并加上一些适度的表演动作，往往让学生鲜明地感受到歌曲的艺 术形象和蕴含的感情。

2）根据歌曲内容，辅之以多种多样的训练手段，如绘制放映幻灯、展示挂图，引进乐器演奏，设置场面 背景等，充分挖掘和展现歌曲的艺术意境，使学生的内心体验和理解不断得以深化。

3）编排适当的队形变化，激发学生表现欲望。培养表现能力。根据学生活泼、好动的特点，对于适宜表 演的歌曲，设计一些简单而不过份夸张的动作，创设一定的角色情节，诱发少年儿童自我表现欲望，鼓励他们 在做动作和表演的过程中淋漓尽致地表现自我体验，并在相互影响和启迪中逐渐把握住对自我表现的分寸感。结语 培养学生掌握音乐元素是一个长期、系统的基础工程。途径和方法可以是各种各样的。在这个领域，最需 要音乐教育工作者发挥自己丰富的想象力，施展全部的聪明才智，进行创造性劳动，以达到全面提高学生音乐 文化素质这一目的。

第四篇：钢琴基础教学中的手腕训练

钢琴基础教学中的手腕训练

在钢琴演奏中，只有手指、手腕和手臂三者完美结合、协调运用才能弹奏出优美动听的音乐。古往今来，不少教师和学生无不把手指的独立、灵活、有力、均衡和手臂的放松等方面作为重要的训练和学习内容，而且投入大量精力精心研究。本文则着重探讨手腕在钢琴弹奏的作用，以及在训练过程中容易出现的问题和解决方法。

一、铜琴演奏中手腕的作用

手腕是连接手臂、手指以及将臂部所发出的力量传送到手指的桥梁，是协调手部与臂部动作的重要纽带。没有手腕的参与协调配合，而仅靠十个指头的积极活动，是不可能具有现代意义上的完美演奏。正如俄罗斯钢琴家阿?尼古拉耶夫所说：“我们必须记住，手指技术是完全靠手腕灵活来决定的。”

在钢琴弹奏技巧中，不同时代有着不同的演奏风格。古典乐派强调的是：手指在独立、快速的跑动中，颗粒性强而均匀、音色清晰明亮。在这种弹奏方法中，手腕始终起着支配手指的运动方向、调节手指活动幅度、保证手指各种动作的轻松自如的作用。例如莫扎特的《C大调简易奏鸣曲》(K545)第一乐章。在浪漫派的钢琴作品的演奏中，要使旋律线条更富感染力、准确刻画出内心变化的感情色彩，手腕则起着调节手指、手臂及整个躯体的协调作用。如柴科夫斯基《六月――船歌》。在印象派、现代派以及通俗钢琴作品的演奏中，如若没有手腕的参与协调，就无从谈起对其音乐风格的把握和音乐的表现。在自然重量弹奏法中，手腕的作用在于支撑着手臂乃至躯体的自然重量畅通无阻地通过指间传送到琴键，根据不同音乐风格所需的不同音响，调节手指与琴键的高度、角度、速度，调节重量传送的大小等。

总之，手腕在整个钢琴演奏过程中，所起的作用概括起来有两点：(一)支撑；(二)调节。赵晓生先生在其所著的《钢琴演奏之道》中称其为：力量的“中转站”和“调节器”。

二、手腕的训练

(一)连奏中的手腕动作

连奏：不间断地、连贯地奏出旋律中的每一个音。连音奏法的关键是力量的转移。在弹奏中要使手臂放下的重量从一个手指移到另一个手指上，手腕起着“送”的作用。

1．单音连奏中的手腕动作

单音连奏的训练应先从两个音的连奏开始，其基本弹奏方法是：弹奏第一个音时，手臂落下，手指站稳，手臂和手向外向上(向里向下)的动作“滚”起来，把弹奏第一个音时的力量“送”到第二个手指上(这里的“滚”就是指手腕把力量“送”过去)。

在掌握好二音连奏的基础上，然后再进行三个、四个等多个音的连奏练习。

2．弹奏音阶的腕部动作

音阶弹奏是各种演奏技术的基础，当其沿着一个方向进行时，腕部即向手指运动的方向倾斜，并带动手指沿着音阶的前进方向进行弹奏。因此，腕部姿势的变化是能否弹好音阶的关键所在。

3．弹奏琶音的腕部动作

琶音：有长短两种。①短琶音的训练可以采取先将手型固定下来，用重量先将第一个音弹下去，以后三个音(或两个)在手腕的支配下使手平滑地沿着键盘移动，手腕逐渐提起：

②长琶音的训练则是在短琶音的基础上加以转弯动作，手臂带动腕部移动。

4．固定音型的手腕圆形动作

①手腕从左至右，由上向下的圆形练习:

②手腕从右至左，由上而下的圆形练习：

(二)断奏中的手腕动作

断奏：是指间断地、单个奏出每个音的演奏方法。在钢琴弹奏中，手腕始终处于主导地位，起着承上启下的作用。

1．单音断奏的手腕动作

对于初学者来说．首先学习前臂断奏弹奏，然后再学习手腕断奏。具体做法是：先做徒手练习，将前臂抬起，手腕放松，手部自然下垂，手指弯曲，然后前臂自然落下，手指支撑，使手腕达到富有弹性的上下运动。在掌握其正确的弹奏方法之后，然后再进人乐曲的练习。

2．双音与和弦的断奏

双音断奏：弹奏双音时，手腕的弹性和灵活性尤为重要。以布格缪勒的《儿童联欢会》为例：弹奏此曲的要求是，右手的手指站稳、手腕灵活、富有弹性，腕关节轻松自如地上下活动。

和弦断奏：弹奏和弦时，手腕必须做到坚挺与弹性的结合，如同弹簧一般具有柔韧性和爆发力。训练方法是：先将手指按在键盘上，手臂放松，手指各关节站好，掌关节、指关节不能塌陷，借助臂力使手腕由轻到重、由慢到快上下进行活动，使其具备支撑和弹性调节的双重功能。例如：在弹奏贝多芬《“热情”奏鸣曲》第三乐章时如果手腕僵硬，弹出的声音就会粗暴、僵死，很难把握乐曲的风格与情感。手腕疲软，弹出的声音不仅缺乏力度，而且还会含糊不清，就像一个口齿不清的孩子表达不出自身的要求一样，让人无从理解。

3．八度训练

八度是钢琴弹奏中较难掌握的一种技巧，尤其是在快速的八度弹奏中，手腕的问题显得异常突出，很多习琴者过早地产生疲劳感，其主要原因是手腕、手臂放松不够，手腕不具爆发力，对指端的力度、速度、重心调节反应不够敏锐。因此，在训练中要把握好以下几点：①把握好手型，手掌、1、5指构成一个结实的架子，这个架子结实但不僵硬，放松但不松软，1、5指扣在键盘上构成八度的两个音，手掌自然打开呈拱形状，下键时，指间的关节和肉垫承担起手臂下垂的重量。②手腕的颤动练习，在弹奏之前做一些辅助练习，如：拍皮球，可帮助腕关节灵活、放松。③由慢至快的八度练习。

以上八度练习，节奏由松至紧，速度由慢至快。弹奏时，应把重量放在主要的音符上，小音符则靠手腕自然颤动的力量进行弹奏，手腕自身有控制的“颤抖”能力越强，肘部、大臂乃至全身放松的可能也越大。以李斯特《匈牙利狂想曲第六首》中快速连续八度为例，手腕坚实地支撑，将下臂和手腕动作以不同的比率混在一起，依靠其自身的爆发力，在极小的动作幅度范围内精确地把力量集中在手掌上,手腕仿佛不离开键盘，并以最快的速度传递到由1、5指构成的八度架子上，就可把这一技术片段弹奏的干净利索、轻松而准确，从而获得朗诵般的效果，这就是李斯特八度的典型特征。

以上仅是个人在长期教学实践中的一些体会，不是手腕动作的全部归纳，只要在具体的弹奏实践中．根据对不同乐曲的理解和音乐效果的倾听以及作品的要求结合起来，并在音乐的表现和教学中加以灵活运用，就会产生满意的演奏效果。

第五篇：钢琴基础教学中训练手指的技巧

钢琴基础教学中训练手指的技巧

[摘 要]手指技巧是钢琴演奏的基础，手指技巧的好坏直接影响到对音乐的表达。因而，寻求科学的方法对手指进

行严格训练，对将来弹好钢琴至关重要。从手指的奏法、手指的触键、手指的技术类型三个方面来阐释钢琴基础教学

中训练手指技巧的步骤和内容。[关键词]钢琴教学;手指技巧;内容

关于手指技巧的内容是非常多的，先从哪个环节开始教最 合理，什么样的训练顺序最有助于提高学生的手指技巧，这就 涉及教学的步骤问题。关于手指技巧方面主要涉及以下几个方 面：1.手指奏法方面包括非连奏、断奏、连奏；2.手指的触键 包括手指、手腕、手臂；3.技术类型包括音阶、琶音、和弦、八度等。

一、手指的奏法——非连奏、断奏、连奏.非连奏。大多数的教师在教初学钢琴的学生时，一般 都是从非连奏开始的。因为初学者一般手指会比较“软”，缺 乏爆发力，手臂、手腕不会放松，从非连奏开始练习就容易克 服这些毛病。学生在学习非连奏时，要注意手臂、手腕放松，掌关节要撑住，指尖要牢靠，要使每个手指都能够“ 站立起 来”，保证每个手指都高抬指，并且保证每个手指在弹奏时要 独立、均匀。

学生在练习手指时会发现，每个手指力量及灵活性有先

天性的差异。拇指结实有力，对于以后的音阶练习有着重要的 意义，在练习断奏时要注意练习它的灵活性及第二关节的支撑 力。二三指天生有较好的独立性与灵活性，但是由于它的先天 条件较好，学生在练习时往往容易忽略对它的练习，致使二指 容易产生“折指”的现象，这时教师可以要求学生在用指尖触 键时可以“钩住”琴键，而不要用指尖“推”琴键，这就容易 克服弹奏时的“折指现象”。另外，在训练五个手指时，不一 定非要在钢琴上练习，也可以在桌子上训练手指的力量，通过 听手指弹奏桌子的声音来训练手指触键的力量。.连奏。连奏是三种弹奏方式中最难、也是最重要的一 种弹奏方式。练习连奏一定要在练好非连奏的基础上进行。可 以先从两个音的连奏开始学习，手指上也可以选在较好控制的 二三指上先练。两连音学好后再学三个音、四个音、五个音的 连奏，同时逐渐把拇指、四指、五指包括进来。另一方面，可 以先作相邻的音的连奏连接，再作相间或远距离音程之间的连 奏连接。这样可以逐步地学会手指的连奏与手臂的放松的关 系。在练习连奏时不但要讲究手指、手腕的平稳、连贯，更重 要的是讲究声音的平稳及连贯，每个手指之间动作要衔接好，只有后一个手指落键后，前一个手指才能抬起来；每一个音的 声响应该均匀，不能有的轻有的重。值得注意的是在均匀的连 奏中手指工作和手臂统一动作的严整，就很快可以达到完善的 程度。在连奏中学生应使手指进行自觉的弹奏。3.断奏。学生练习断奏时，有两个要注意的方面： 一是 指尖要牢靠；二是触键快，离键快。弹跳音要注意触键的弹性 感。左手由于没有右手灵活，指尖难以聚集力量，因此在弹奏 跳音前，可以做一些准备工作，例如：面对墙站立，用左手指 尖作推墙动作练习之间力量；用手臂作被火烫迅速收手臂的动 作；在琴上用指尖做快速的抹琴键上“污点”的动作，在这些 动作都做好后，将弹奏断奏的动作反复练习，在动作做协调后 再正式在钢琴上练习，这种做法有利于迅速掌握这项技术。在 断奏中要使手指进行积极的弹奏，永远像是手臂的延伸，就是 手指的独立动作要减少到最低限度，只保留最必需的。

二、手指的触键——指力触键、手力触键、臂落触键、全 臂触键

在现代钢琴演奏中主要使用指力触键、手力触键、臂落

触键、全臂触键这四种触键方式。这四种触键方式是按照手、臂和肩部的肌肉在弹奏过程中向之间传递力的不同方式来区分 的。.指力触键。指力触键是所有触键中肌肉动作最小的一 种。与前臂肌肉相连的肌腱将手指往下拉，便完成了下键动 作。而当肌腱松回时，手指和琴键就都回复到原先的位置。2.手力触键。在各类触键方式中运用最广的是“ 手力触 键”。顾名思义，手力触键的主要特点就在于手的朝下动作。练习断奏时，左手可以先从拇指开始练起，手指要稳固，手腕 放松，拇指举起离键约1/4寸高，手朝C音的键上和键里用力，使拇指击下键。这时手腕会立即向上拱起，然后立即放松回原 位。用同样的方式来练习谱例7中的连奏，但手朝下面一个音的 方向稍稍转动，手腕每次向上拱起后，应立即回到原先的位置 上。应格外注意的是每一个下键动作中都要强调手腕的向上运 动，这是手力触键的一个不可改变的标志。手力触键有着广泛 的用途，如演奏各种音阶、琶音、和弦、慢速八度以及其他复 杂的快速乐段等。（弹奏快速八度时，手应该在每一下动作中 都被手腕朝上抛起，而是靠腕部肌肉来举起。)3.臂落触键。这种触键方式就是（按照所要求的力度）突然落下前臂或全臂，以使所要弹奏的那个键或那几个键在这 个下落动作中被推下。落键后，手和手臂都从键盘上往下垂挂 着。“黏着力强”是臂落触键的主要特点，所以它最好用于音 的保持或连奏，用于弹奏断奏时手指在声音发出后应立即放 松。.全臂落键。这种触键方式的特点是上臂、前臂、手腕、手和手指密切的结合在一起运动。作用于琴键的力量主要来自 肩部肌肉。练习这种触键的方法是夸张的练习方式：左手放在 小字组上手腕和手指保持稳固，然后尽可能高地耸起肩部，整 个手臂和手也随之抬起。这时手指离键约有2、3 吋远。接着肩 部突然放松，使拇指猛地击响一个G 音后立即放松，这样就形 成一个响亮的断奏音，然后手重新回到正常弹奏位置，为下一 个音做准备，其他手指依次重复练习这套动作。[参考文献] [ 1 ] 吴铁英，孙明珠.简明钢琴教学法[ M ].华乐出版社，1997.[2]张杨.钢琴演奏技巧中的触键[J].辽宁师专学报(社会科 学版)，2005，(5).[作者简介]侯可心（1975—），女，讲师，硕士，从事钢琴 教学工作。