中国传统戏曲欣赏

第一篇：中国传统戏曲欣赏

《中国传统戏曲艺术欣赏》

-----课后感想

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《中国传统戏曲艺术欣赏》课后感想

岁月如梭，曾经台上浓妆淡抹的戏子们仿若还在另一个时空舞出一幕幕精彩绝伦的粉末人生。少数人还在追逐着他们的脚步，为了这国粹的传承，用他们的方式演绎着曾经的欢乐与悲伤的故事。当知道大学选修课里开了《中国传统戏曲艺术欣赏》这门课时，毫不犹豫的确定了它。即使我对它知之甚少，也只了解一些京剧，不外乎唱、念、做、打、手、眼、身、法、步。

但是却能将人物表现的淋漓尽致，使故事也深刻生动。选这门课不求能将之发扬光大，但求能更加了解体悟古人留下的精粹，感悟人生。都说戏如人生，或许你也会在戏中发现自己的影子，千姿百态的人生，总有那么一个会与你产生灵魂的共鸣。舞台上哪怕是配角的一分钟，甚至半分钟的出场，或许在台下他们已努力了几个月乃至几年。发间的汗水，拉筋的苦楚，动作的严苛，所有的苦痛与辛酸都在那短短的一幕舞台剧的音乐下，化成甘露，暖人心脾，给大家带了欢乐，也许就是最值得开心的了。

记得我们学校在腾辉活动中心邀请过一次秦腔表演，我为此写过一篇随笔，因为真的感触很深。在这个甚嚣尘上的闹市里，红灯绿酒，人们已经很难沉下心来，内心的宁静显得难能可贵，在表演伊始，我也如众人一般急不可待的想溜出去，但是看着台上他们表演时专注的表情，嘹亮的嗓音，认真的态度，我自觉羞愧。真的是对老祖宗留下的精华传承少了一份耐心与重视，当我也沉下心去融入这场戏时，我仿佛穿梭了时空，自己好像置身与老式木楼，磕着瓜子喝着茗茶，身

穿马褂看着台上的表演，拍手叫好。也许就是这次亲身经历的表演，促使我想要更加了解戏曲，最终选了这门课。

仍记得对戏曲的印象最初是在儿时启蒙读本的漫画上，再后来就到了小学历史课本的只言片句，接着是中学语文课堂上《窦娥冤》的文言文，现在终于又在大学的课堂上闪现了戏曲的迷人身影。从最初“优孟衣冠”的历史典籍引出有关戏曲来源的讲解，到课程中老师言传身教的展示以实化虚，化无为有和以实代虚，无中生有的戏曲特征，再到物以类聚，人以群分的戏曲行当概述，以及唱、念、做、打四种戏曲表演中的艺术手段简介，还有那紧贴教学内容的戏曲视频赏析，可以说这一中国戏曲艺术之旅收获颇多。

《西厢记》、《白蛇传》、《野猪林》、《惠州女人》、《女驸马》、《贵妃醉酒》„„一幕幕精彩的剧情、一个个鲜活的人物。真是一颦、一笑、一嗔、一怒皆成戏。特别是中国古典戏曲乃至整个古典文学创作领域的杰作——《西厢记》，它深邃的思想内容和精妙的艺术风格使这部作品七百年来一直雄踞“一流”的宝座。其无与伦比的语言艺术，继承了唐诗宋词精美的语言艺术，吸取了这些古典诗词的精华，又吸收了当时(元代)民间生动活泼的口语，经过提炼加工，博取众长，从而形成自身华美秀丽的语言艺术特色。《西厢记》的语言艺术既丰富多彩，又极有文采风华，两者完美结合，而且通俗、合律、自然流畅，代表了中国古典戏曲“文采派”语言艺术的最高成就。

戏曲是中国传统的戏剧形式，是包含文学、音乐、舞蹈、美术、武术、杂技以及表演艺术各种因素综合的、有机的戏剧艺术。戏曲是中国优秀的传统文化之一，也是美学的集成。它是通过声乐、舞蹈、神容、服饰、装饰美来让观众感受人物的精神世界，戏曲的观众不是用生活真实美来衡量戏曲美的，所以其形式美立足于传神达意。学会感受戏曲之中的美，能促进人们树立正确的审美观点，培养健康的审美趣味，提高审美、创造美的能力，从而改造社会，美化生活，完善人性。

在这个文化交流、冲击甚至冲突异常激烈的时代，作为世界最早三大戏剧体系之一的中国戏曲，历经岁月的沉淀，古老的戏曲艺术必将会被更多人钟爱和传诵，永葆中华传统文化的独特魅力。

第二篇：戏曲欣赏的技巧

第二章 各种文体的分析方法

第七节 戏剧的分析方法[1]

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戏剧是戏曲、话剧、歌剧等的总称，也常专指话剧。戏剧是四大文学样式之一，它是运用文学、音乐、美术、舞蹈等艺术

要素来塑造人物形象、反映社会生活的综合艺术。我们读到的剧本是戏剧的文学部分，是一剧之“根本”。戏剧文学具有其它

文学体裁所具有的共同特点，但由于它要供舞台演出，受到多方面的制约，所以便产生了区别于其他文体的一般特点：一是时间、空间的集中性，二是尖锐的矛盾冲突，三是语言个性化。剧本在中学语文教材中所占篇幅不多，但是作为一种文学样式，中学生应该了解。

一、文体知识．戏剧的分类

《茶馆》剧照

戏剧按作品类型可分为悲剧、喜剧、悲喜剧、正剧等；按题材内容可分为历史剧、现代剧、情节剧、哲理剧、寓言剧、童话剧等。中国的戏剧，古、今

差别很大。古代戏曲以“戏”和“曲”为主要因素，通称为“戏曲”，主要包括宋元南戏、元杂剧、明清传奇以及各种地方戏；现代戏剧主要指２０世纪以来由我国作家创作和从西方传入的话剧、歌剧、舞剧等，其中以话剧为主体。．戏剧的语言

戏剧语言是构建剧本的基础。主要包括人物语言和舞台说明。人物语言也称台词，包括对话、独白、旁白等，这是人物心理活动与行为动作的外现，由此展开戏剧冲突，塑造人物形象，揭示戏剧主题；舞台说明是写在剧本每一幕的开端、结尾和对话中间的说明性的文字，内容包括人物表、时间、地点、服装、道具、布景及人物的表情、动作、上下场等，它具有增强舞台气氛，烘托人物的心情，展示人物性格，推动情节展开等作用。

二、剧本的阅读方法

阅读剧本，可以从以下几个方面入手。．分析矛盾冲突

剧本是通过矛盾冲突的展开来塑造人物形象的，十分讲究情节性。理清矛盾冲突的线索（如何产生矛盾冲突——产生了何种性质的矛盾冲突——矛盾冲突发展进程如何），就完整地分析了戏剧文学的主要情节。只有分析戏剧情节，才能把握戏剧冲突。戏剧是行动的艺术，要通过演员扮演角色，以剧中人自己的行动和语言来塑造形象，而不是靠剧作者的介绍、叙述来刻画人物。因此，人物

窦娥冤剧照 是否有鲜明而积极的行动，关系到剧本的成败与否。而要让人物能积

极地行动，就必须把人物安排在尖锐、强烈的矛盾冲突的环境之中，让他们去应付矛盾，解决矛盾。所以，有人说，“戏剧就是冲突”，“没有冲突就没有戏剧”。创作剧本必须展示冲突，阅读剧本必须把握冲突。戏剧冲突包括人物之间的冲突、人物自身的冲突、人物与环境的冲突几方面。矛盾只有通过对立双方的磨擦、争执、撞击这种外部形式表现出来才称之为“冲突”。戏剧冲突的实质是性格冲突，剧作者把人物放在尖锐的冲突中来展开故事情节，特别是通过展现人物性格（指人物的世界观、阶级立场、政治观点、道德品质、思想感情、心理素质、兴趣爱好等多种因素）的相互“抵触”、相互“冲突”，来塑造人物形象，表现主题思想。因此，要把握人物的思想性格特征，把握戏剧主题，应从分析冲突入手。其方法是分析剧本一共写了多少冲突，哪些是主要冲突，以及引起各种冲突的原因等。如 《窦娥冤》 一共写了三方面的冲突，这些冲突的性质是不同的。第一是窦娥与张驴儿的冲突，这个冲突实质上是劳动妇女与社会恶势力的冲突；第二是窦娥与官府的冲突，这个冲突实质上是元代劳动人民与封建统治者的冲突；第三是窦娥对天与地的控拆，这个冲突实质上是对黑暗现实的否定和抗议。在这些冲突中，后两者是主要冲突，引起这些冲突的主要原因是：元代的酷刑虐政和冤狱，社会的暗无天日，人民有冤无处伸。通过分析，我们就可以掌握该剧的主题：

窦娥是一个具有强烈反抗精神的女性，该剧通过揭示她含冤负屈惨遭杀害的悲惨遭遇，暴露了社会的黑暗和混乱，表现了被压迫人民的不屈的斗争。．分析剧本语言

戏剧里有两种语言：一是舞台说明，包括人物、时间、地点、布景的说明，动作、表情、声调的说明，幕起、幕落的说明；二是人物语言，戏剧上称为台词，包括对白、独白、旁白等。戏剧语言是塑造艺术形象的重要手段，我们探究艺术形象，主要从分析戏剧语言入手。

（1）分析舞台说明。舞台说明是戏剧文学中不可或缺的组成部分，但同人物语言相比，它只起辅助说明的作用。如 《雷雨》 第二幕开头的舞台说明：“午饭后，天气更阴沉，更郁热。低沉潮湿的空气，使人异常烦躁……”，这一段舞台说明，交代了故事发生的时间和舞台氛围，奠定了悲剧情调，烘托出人物的烦躁、郁闷、不安的思想情绪，也为下文雷雨声中矛盾冲突总爆发作好了铺垫。

（2）分析人物语言。人物语言是戏剧语言中的重要部分，它是塑造人物、表现主题的基本手段。分析时应从人物语言的个性化、动作化、潜台词三方面入手。

①个性化语言。个性化的语言是指符合人物性格，最能表现人物本质的语言。剧本中人物的语言要求能准确地刻画出人物的性格，不同人物的台词要适合人物各自的身份、地位、年龄、习惯、教养、爱好等。好的戏剧语言，有的是让人物一开口就露出自己的本色，闻其声而知其人；有的是在剧情的发展过程中，让剧中人在各种不同的场合说不同的话，逐步展现他的性格。如《雷雨》第二幕，当周朴园认出鲁侍萍时，先是严厉地责问“你来干什么”，后又转了语气，“你可以冷静点”。三言两语就勾画了周朴园的个性：凶狠、虚伪。

②动作化语言。我们常说的“行由心指”“言为心声”，就是说人物的内心世界必定通过言行表达出来，这种表现动作的语言，出自人物内心，因而能展示人物丰富的心理境界。好的戏剧语言，必须有动作性，不仅有外在形体上的动作，而且包含着内心的。人物语言要有动作性，并不是要求用台词来代替人物动作，而是指用台词来表现人物内心复杂细致的思想活动，也就是这种语言要展示性格，表示意向。读者从台词中可以看出人物的神情举止、内心活动。如上例，周朴园发现面前的“下人”是侍萍后，立刻撕去了“怀念旧情”、“弥补过错”的虚伪面纱，责问“你来干什么”，他以自己心理揣度侍萍，“谁指使你来的”，认为她一定是受人指使来敲诈他的，于是感到害怕、愤怒，暴露了他阴暗卑劣的内心世界。侍萍呢，一句“命，不公平的命指使我来的”，展示其内心思想感情的风暴，痛苦、愤怒的感情充斥内心。人物细腻的思想感情波澜，通过动作化的语言，淋漓尽致地表现了出来。

③潜台词。这是话语字面意思以外的一种深层意义。戏剧语言，要求含意深邃地表达人物的思想感情，做到含蓄凝炼，“片言百意”，使人们有充分想象的余地，这就是人们所说的潜台词。优秀的潜台词往往意蕴丰富，耐人寻味，给人以深广的想像空间，能起到一石多鸟之效。我们阅读时，就是揣摩人物语言的“潜台词”，借助自己的生活经验，体味话里之因，话中之话，话外之意，补充和丰富原台词的内容，从而把握人物微妙的内心世界和性格特点。如《雷雨》第二幕繁漪与四凤有一段对话，繁漪想从四凤嘴里打听周萍的消息，却不便显得过于急切，暴露自己与周萍的暧昧关系，四凤呢？她也生怕繁漪知道她和周萍的关系，于是一问三不知，使繁漪很是不快，因此繁漪“（看了她一眼）嗯！”其潜台词是：“你太做作了，你真的不知道？”四凤小心翼翼，繁漪不达目的，加紧追问，慌忙心虚中露出“天机”，最后她“（注视着四凤）嗯！”，这一声“嗯”的潜台词是：“你知道了也没关系，我也不掩饰，我就是问大少爷。” 抓住这些精炼、含蓄的语言，体味其中的潜台词，不难分析出人物（繁漪）复杂微妙的内心世界和性格特点：装着随随便便，无所用心，但心急之中，不由自主泄漏“天机”。．分析剧中人物

人物形象是剧本中主要表现的内容，戏剧是通过人物的活动来展开故事情节的，因此，人物的形象在剧本中占有很重要的位置。分析剧本不能不分析人物形象。分析剧中人物形象，应从以下角度入手：

（1）分析人物的性格特征

不同的人物有不同的性格特征，同一个人物的性格表现也是多侧面的，人物的性格是人物形象的一个重要特征，人物的性格可以表现为温婉、柔顺、刚烈、平和、热情、阴暗、狡猾等等，分析人物性格可以从这些角度入手。

（2）分析人物语言

剧本中人物的语言是刻画人物形象的重要手段，是塑造人物形象的最重要载体。因此，人物的语言决定人物的形象。分析语言，应从人物的个性化语言和动作性语言入手。

（3）分析人物心理

人物的心理特征在塑造人物的形象方面起着重要作用。分析人物的心理特征，要顺着剧情发展的线索，理清人物性格发展变化的心理历程。人物的形象就是在心理活动的过程中逐渐清晰展现的。

第三篇：绍兴地方戏曲欣赏

绍剧《生命的飞翔》观后感

转眼间，这一学期的绍兴地方戏曲课已经结课了。在短短十余次的课程学习中，周老师带着我们欣赏了很多优秀的戏曲作品，而其中给我留下映像最深的是绍剧《生命的飞翔》。

这部根据成都军区某陆航团抗震救灾英雄事迹创作的作品，通过绍剧高亢激越的唱腔和豪放洒脱、文武兼备的演剧风格，生动再现了邱光华机组5位烈士的英雄风采。随着剧情的展开，军人家属为抗震救灾互让帐篷、军人及军属为救百姓先人后己等一系列真实感人的故事一一呈现，再次把观众带回全国军民合力同心抗震救灾的情景中。“我以前从来没有演过军人的角色，但看了剧本以后，被邱光华机组的事迹深深打动，下决心一定要扮演好邱光华的角色。”在剧中饰演邱光华的国家一级演员姚百青说。

绍剧《生命的飞翔》以抗震救灾英雄邱光华机组的英模事迹为原型，用戏曲艺术的形式，塑造了邱光华机组在党和人民最需要的时刻，英勇无畏、勇于奉献的英雄主义群像，热情讴歌了伟大抗震救灾精神。汶川大地震后，浙江省剧协副主席吕建华受中国剧协委派，在第一时间赶赴灾区体验生活，被邱光华机组的英雄事迹所感动，先后四次深入第一线搜集素材，六易其稿，创作出剧本《生命的飞翔》。中国剧协多次组织专家研讨剧本。

绍剧是绍兴的地方戏，是鲁迅笔下社戏的主要内容，以猴戏著称。观众们熟悉的也多是绍剧中的古装戏。最终敲定以绍剧演绎《生命的飞翔》，源于绍剧高亢激越的唱腔和豪放洒脱、文武兼备的演剧风格最能反映剧本所体现的英雄风采。浙江绍剧团团长在接受新浪娱乐独家对话时表示，演职员们也接受了全新的挑战，这些舞台上活灵活现的猴戏演员，为了演好军人进行了一个月的集中军训，并专程赴四川灾区某陆航团体验生活。

更令人意外的是，绍剧演员姚百青此前最擅长的是演猪八戒，而在《生命的飞翔》中，他却成功地塑造了我军英雄飞行员邱光华。姚百青表示，演员们除了接受严格的军事训练，还在传统绍剧的基础上进行了很多表演方面的改进。他说：“《生命的飞翔》不是纯绍剧，打破了程式化的东西，进行创新。身段动作、对白等，都与绍兴当地的社戏不同。" 编剧吕建华，当地震仍在肆虐时，以艺术工作者的强烈责任性和敏锐洞察力，在中国文联、中国剧协、浙江文联的支持下，参加了由中宣部统一组织的五个小分队之一的“中国文联抗震救灾体验生活小分队”，三赴灾区采访。亲眼目睹了地震灾区震慑人心的惨烈现状，感受了抗震救灾英雄们感人肺腑的豪迈壮举。经历了寻找邱光华直升机机组英雄下落的过程，深深为英雄们的事迹所感动。在写出了报告文学和诗歌的同时，决心以戏剧形式来为英雄高唱颂歌。于是，现代戏曲《生命的飞翔》由此诞生。

剧本经多方征求意见，几易其稿后，浙江绍剧团朱燕团长怀着对灾区人民的爱心和对英雄的崇敬，主动接招，大胆应战，挑起了创排该剧的重任。在绍兴市委宣传部，绍兴市文广局领导的大力支持下，2009年2月，组织了工作班子，开始了长达三个月的艰苦创排。该剧由成都军区政治部宣传部；中国戏剧家协会；绍兴市文化广播电视新闻出版局联合制作。浙江绍剧团承演。确定由中国戏曲学院导演系主任裴福林和我联合执导；由资深绍剧音乐家，一级作曲罗萍和一级演奏员张海江担任唱腔设计；一级作曲谈声贤担任音乐制作；由中国戏曲学院舞美系主任李威担任舞美设计，舞美系副主任马路，副教授彭丁煌分别担任灯光设计和服装设计；二级演员屠建华担任技导等。演员阵容更是强大：由一级演员姚百青领衔主演，一级演员马超英，刘建杨，周剑瑛，钱小宝，姒元法；和二级演员薛永良，郭劲松，沈宏良，施洁净，龚萌芽，章金刚，顾全荣，赵树春等倾巢上阵。加上刚毕业几年的一批虎虎生威的青年演员，可谓绍剧史上一次最强演出组合。

该剧于2009年6月14日在成都首演。此后又在成都、杭州、绍兴等地演出了17场，两万人观看了演出。据导演陈伟龙透露，巡演过程中，主创们边演边改，根据观众审美整整修改了16稿，尽可能地寻找更多感动点。将大量现代元素融入表演、舞美、灯光中，剧情也在逐步变紧凑

我不是绍兴人，这也是我第一次看绍剧，虽然个别台词我还听不清楚，但演员真挚的表演和该剧表现出来的解放军为人民利益舍生忘死、英勇献身的精神让我倍受感动。该剧主要讲述了成都军区某陆航团副师职飞行员邱光华在汶川大地震中，带领李月、王怀远、陈林、张鹏四名机组人员，在极为恶劣的气候和环境条件下，挑战极限，60多次飞越灾区执行任务。他给家乡父老送去帐篷，却唯独没有送给自己的父母；他有机会接自己的母亲回成都养伤，但还是把机会让给了更困难的受灾群众；他甚至不顾妻子的担忧，把儿子带上了抗震救灾的最前线„„这一幕幕场景无不重现了烈士的战友情、母子情、父女情、夫妻情和为祖国为人民无私奉献的壮烈情怀。军人的丰碑，是军人及其亲属们以巨大的牺牲和付出凝结而成。邱光华机组五位英雄，在毒雾弥漫，气流肆虐的时刻，面对死亡，义无反顾，书写着对党和人民的无线忠诚„„

同时，该剧演员的表演细腻真挚，舞美也很有创意。舞台上停靠的直升飞机，飞机飞行中的群山背景，都很有特色。特别是飞机失事前机组人员与恶劣天气的搏斗场面，导演充分发挥了空间想象力，文戏通过武演，显示了独特魅力。现场掌声不断，充分表达了绍兴人民对抗震英雄的敬意。

该剧播放结束后，我的心情久久不能平复，我被邱光华等五位英雄的事迹深深的感动。作为一名大学生，同时也作为一名入党积极分子，我深知自己的思想认识不够，与优秀共产党员的差距还很大。在以后的日子里，我将以这五位英雄人物为榜样，努力学习，依法行事，做到公正、公平。同时，我将时刻加强学习，提高自己思想认识和工作能力，为祖国的富强贡献自己的一份力。

第四篇：戏曲欣赏教案提纲

戏曲欣赏教案提纲

第一课

戏曲综合了文学、绘画、音乐、舞蹈、建筑、杂技等多种艺术要素。中国戏曲到十二世纪形成了完整的形态。戏曲主要是由民间歌舞、说唱和滑稽三种不同艺术形式综合而成的。经过八百多年的不断丰富、革新、发展，现在，在全国各地有三百多个剧种在演出，古今剧目，数以万计，是我国文化遗产的瑰宝。

中国戏曲是以唱、念、做、打的综合表演为中心的戏剧形式。

元代陶宗仪《南村辍耕录·院本名目》“戏曲”，专指“宋杂剧”

国学大师王国维《宋元戏曲考》“戏曲”

古代歌舞、滑稽戏、说唱艺术

勾栏瓦肆 唐玄宗“梨园”

角色行当

生、旦、净、丑

生：男性角色

1、老生（须生）

2、小生

3、武生（A长靠武生B短打武生）旦：女性角色

1、正旦（青衣）

2、花旦

3、老旦

4、武旦（A刀马旦B武旦）

5、彩旦（丑旦、丑婆子）

净（花脸）：男性角色

1、大花脸（正净、大面）

2、二花脸（副净、二面架子花脸）

3、武二花（武净、摔打花脸）

4、油花脸（毛净）丑（小花脸）：无丑不成戏

1、文丑（A袍带丑B方巾丑C毡帽丑D巾子丑

E彩旦）

2、武丑（开口跳）

戏曲语言

常用手法：自报家门（引子、定场诗、坐场白）、跑龙套、亮相、起霸、打背弓、耍下场、抄过场、趟马、走边、对子、档子、抬轿、跑圆场等

基本技巧：腰腿功、毯子功、把子功、翎子功、扇子功、水袖功、帽翅功、甩发功等；

特殊技巧：变脸（抹脸、吹脸、扯脸）、吹火、打出手、椅子功、耍大旗、耍帽翅、耍素珠、走矮子等

第二课 京 剧（1）

“生、旦、净、丑、杂、武、流”七行，明代服饰为基础。工老生谭鑫培、工旦角王瑶卿，老生：余叔岩、言菊朋、马连良、周信芳、高庆全、李少春、谭富英等；旦行：梅兰芳、程砚秋、荀慧生、尚小云、张君秋、言慧珠、童芷苓、关肃霜等；净行：金少山、郝寿臣、侯喜瑞、裘盛戎、袁世海等；小生：程继光、余振飞、叶盛兰；武生：杨小楼、尚和玉、盖叫天；丑行：王长林、肖长华、叶盛章等；老旦：李多奎、龚云甫等。“梅兰芳表演体系、斯坦尼斯拉夫斯基、布莱希特”并称世界三大艺术表演体系。

京剧流派的繁荣是京剧艺术的成熟的结果。老生演员谭鑫培在演唱上运用“云遮月”的嗓音，声调悠扬婉转，长于抒发低沉哀怨之情；在做工上发挥武生特长，身段灵活洒脱、干净洗练。他把青衣、老旦、花脸众行唱法及昆曲、梆子、大鼓等音调有机地融入老生唱腔之中，形成自己独特的风格。后有许多人以谭为宗，人称谭派传人。此后，京剧在武生行、旦行都有不少演员形成自己的风格，如武生行早期的俞(菊生)派、黄(月山)派、李(春来)派，旦行早期的王(瑶卿)派。时至20年代，京剧流派如雨后春笋般涌起。老生行中有的余叔岩的余派、言菊朋的言派、高庆奎的高派、马连良的马派、周信芳的麒派、杨宝森的杨派、奚啸伯的奚派等。20年代，余、马、言、高在剧坛有“四大须生”之称。旦行的流派发展也很迅猛，如梅兰芳的梅派、程砚秋的程派、荀慧生的荀派、尚小云的尚派、于连泉的筱派、黄桂秋的黄派、李多奎的李派等。1927年，北京《顺天时报》发起评选旦角演员的活动，梅兰芳、程砚秋、荀慧生、尚小云获得前四名，被人们称为“四大名旦”。除了个人流派的繁荣以外，因地域文化之别也形成了一定的流派。京剧的“京派”、“海派”就是这样形成的。京派以北京为中心，亦称“京朝派”；后者以上海为中心，包括南方地区的京剧，亦称“南派”或“外江派”。京派讲究严谨的艺术规范、严格的师承、完美的表现，但又有拘泥成规之弊；海派讲究艺术上的革新，敢于突破旧范、大胆创新、追求新奇效果，但又易流于粗疏。京剧流派的形成，是京剧走向繁荣的标志。徽班进京

“三庆”、“四喜”、“春台”、“和春”四大徽班。“三庆的轴子，和春的把子，四

喜的曲子，春台的孩子”

四喜班是嘉庆初年才进京，以昆腔为主，故有“新排一曲桃花扇，到处哄传四喜班”的竹枝词；和春班是庄亲王府召集徽班艺人组成的，多演《水浒》、《施公案》、《三国》等武戏；春台班以徽调的三小戏为主。

四大徽班班社又各具特点，各有所长：三庆擅长演出故事曲折的大轴子戏；四喜擅长演唱曲子；和春擅长武把子，其技艺令人叫绝；春台则是孩子演员的出色。

20年代到30年代中期，京剧艺术发展的最突出成就，是京剧表演流派的繁荣

和京剧艺术进一步走向世界。

昆 剧

——享有“中国戏曲之母”雅称的剧种 昆剧

昆剧是我国古老的戏曲声腔、剧种，它的原名叫“昆山腔”，简称“昆腔”,元末明初，作为南曲声腔的一个流派，在江苏昆山一带产生，清代以来被称为“昆曲”，现又被称为“昆剧”，是明代中叶至清代中叶戏曲中影响最大的声腔剧种，很多剧种都是在昆剧的基础上发展起来的，有 “中国戏曲之母”的雅称。

昆剧是中国戏曲史上具有最完整表演体系的剧种，它的基础深厚，遗产丰富，是我国民族文化艺术高度发展的成果，在我国文学史、戏曲史、音乐史、舞蹈史上占有重要的地位，该剧种于2001年5月18日被联合国教科文组织命名为“人类口头遗产和非物质遗产代表作”称号，是全人类宝贵的文化遗产。是我国唯一入选的剧种。

“昆山腔”，它与起源于浙江的海盐腔、余姚腔和起源于江西的弋阳腔，被称为明代四大声腔，同属南戏系统。

江苏太仓的音乐家魏良辅，对昆腔加以改革，整合昆腔曲唱的规范，形成了昆曲曲唱体系。经过改造后的昆山腔流利清远，柔媚细腻，被称为“水磨腔”。所谓水磨调，是说音调极其细腻柔婉。江南人磨米粉，加水磨出来的最细腻滑润，所以用“水磨”来称呼其因经过各种处理而变得细腻柔婉的曲调。

完成昆山腔的又一重大革新，将昆山腔推上戏曲舞台，成为戏剧，是由梁辰鱼的《浣纱记》开始，从音乐方面弥补了水磨调“冷唱”的不足，同时把传奇文学与新的声腔以及表演艺术综合在一起，借锣鼓之势与舞台之场面形态，第一次将昆曲搬上剧坛。昆山腔在剧曲中的首次运用，引起了轰动，并很快压倒了其它一切声腔，一时成为最引人注目的戏曲，并流传南北各地，这就是昆剧。

艺术特点

昆剧行腔优美，以缠绵婉转、柔漫悠远见长。在演唱技巧上注重声音的控制，节奏速度的顿挫疾徐和咬字吐音的讲究，场面伴奏乐曲齐全。

昆剧的表演拥有一整套“载歌载舞”的严谨表演形式

昆剧表演的最大的特点是抒情性强、动作细腻，歌唱与舞蹈的身段结合得巧妙而谐和。

昆剧的念白：语音带有吴侬软语的特点。其中，丑角还有一种基于吴方言的地方白，如苏白、扬州白等，这种吴中一带的市井语言，生活气息浓厚，而且往往用的是快板式的韵白，极有特色。

昆剧的舞台美术包括丰富的服装式样，讲究的色彩和装饰的以及脸谱使用三个方面

戏曲角色服装和当时社会上流行的穿着很为相似。武将自有各式戎装，文官亦有各样依照封建社会阶级等级不同的穿戴。脸谱用于净、丑两行。属于生、旦的极个别人物也偶然采用，《牡丹亭》：汤显祖，江西临川人，有“曲仙”之称。明代传奇中罕见的长剧，共55出。

披着浪漫主义外衣的现实主义作品；杜甫后裔杜宝之女杜丽娘、柳宗元28代孙柳春卿即柳梦梅、春香、陈最良、黄 梅 戏

黄梅戏唱腔委婉清新，分花腔和平词两大类。花腔以演小戏为主，富有浓厚的生活气息和民歌风味，多用“衬词”如“呼舍”、“喂却”之类。有“夫妻观灯”、“蓝桥会”、“打猪草”等；平词是正本戏中最主要的唱腔，常用于大段叙述，抒情，听起来委婉悠扬，有“梁祝”、“天仙配”等。现代黄梅戏在音乐方面增强了“平词”类唱腔的表现力，常用于大段抒情、叙事，是正本戏的主要唱腔；突破了某些“花腔”专戏专用的限制，吸收民歌和其他音乐成分，创造了与传统唱腔相协调的新腔。黄梅戏以高胡为主要伴奏乐器，加以其它民族乐器和锣鼓配合，适合于表现多种题材的剧目。

一、唱腔

黄梅戏唱腔分为两大类一小类，即主调、花腔、阴司腔。

（1）主调

又称正腔，是黄梅戏中常用的板腔系统的唱腔，男腔为宫调式（1--5定弦），女腔为徽调式（5--2定弦）。

（2）花腔：

是对传统“花腔小戏”唱腔的总称。如《夫妻观灯》、《打猪草》、《蓝桥汲水》、《补背褡》、《打纸牌》、《卖杂货》、《三字经》、《送绫罗》、《瞧相》、《讨学俸》等小戏。

（3）仙腔、阴司腔：

仙腔：又名道腔、道情，原为神道出场专用的曲调，曲调旋律流畅，也是由4个乐句组成的单段体结构。

阴司腔：又名“还魂腔”。旧戏中多用作鬼魂出场或人物病重将死时演唱。旋律低沉优美，凄苦悲凉，有较长的拖腔。

黄梅戏最初只有打击乐器伴奏，即所谓“三打七唱”。

豫 剧

豫剧也称河南梆子、河南高调。因为河南省简称“豫”，解放后定名为豫剧。豫剧的流行地区分布甚广，大江南北、黄河两岸以至新疆、西藏都有豫剧演出。

豫剧音乐分有四个流派：以开封为中心的唱法称“祥福调”；以商邱为中心的唱法称“豫东调”，又称东路调；以洛阳为中心流传的唱法称为“豫西调”，又称西府调、靠山簧；豫东南沙河流域流传的唱法称“沙河调”，又称本地梆。

豫剧一向以唱功见长，唱腔流畅、节奏鲜明、极具口语化，一般吐字清晰、行腔酣畅、易为听众听清，表演风格朴实、乡土气息浓厚，深受观众欢迎。

豫剧音乐丰富多采，曲调流畅，节奏鲜明，文场柔和舒畅，武场炽烈劲切，艺术风格豪迈激越。唱腔结构为板式变化体。唱词通俗易懂，多为七字句或十字句。

豫剧的角色行当分：四生；四旦；四花脸。

第五篇：关于中国传统戏曲文化的调研报告

中国传统戏曲文化的继承与发展

作为我国传统文化中遗存最丰富、最具民族品格的艺术形式之一，戏曲集中华文化之大成，在世界艺术之林独树一帜。戏曲是中国传统的戏剧形式，融表演、演唱、歌舞为一体，是包含文学、音乐、舞蹈、美术、武术、杂技以及表演艺术各种元素的综合性舞台艺术，有着辉煌灿烂的历史，在世界戏剧史上占有重要地位。我国是戏曲大国，一代又一代人从戏曲艺术中汲取营养，戏曲有过的辉煌让人难忘。在漫长的历史长河中，中国戏曲的不断繁荣和发展，丰富了民族文化的艺术宝库。但是随着时代的发展，特别是进入新时期以来，随着生产方式和生活方式的变化以及外来文化艺术的冲击，我国的戏曲艺术出现了前所未有的危机，许多剧种正在逐步消失。一些地方剧种，尤其是小剧种、稀有剧种濒临消亡或已经消亡的现象，则更是引起广泛关注。当今时代，怎样才能更好地保护、传承和发展中国的传统文化，使戏曲这颗璀璨的艺术明珠再次熠熠生辉？

一、当代中国戏曲发展现状及原因

（一）戏曲艺术票房急剧下降，戏曲剧团经营困难

在市场经济的大背景之下，戏曲艺术产品不可避免的存在其商品属性，戏曲事业作为文化艺术市场的一个重要组成部分，其票房情况最直接地表现出戏曲事业发展的繁荣程度。但在这些年，戏曲演出出现萎缩、票房不景气，几十年前剧场观众趋之若鹜、场场爆满的场面早已不复存在，甚至出现过演出现场的在场观众还不及戏曲演职人员多的尴尬局面。这种形势在全国都普遍存在，随之带来的是戏曲演出剧团经济状况日益拮据。这不仅影响到演职人员的收入情况，挫伤了他们继续投身从事艺术精品的生产，而且制约了剧目的创新与编排。经济上的困境，使不少剧团面临倒闭。推动戏曲发展的载体受到打击，要想戏曲继续发展壮大，困难可想而知。

戏曲演出市场的不景气，是诸多因素共同作用的结果，但从根本上说，观众的审美要求与戏曲舞台现状的矛盾是票房下降的症结所在。

1、戏曲剧目娱乐化功能日益削弱，雅俗文野产生冲突

从中国戏曲发展历史看，古代的歌舞、说唱艺术和滑稽表演是戏曲的直接源流，古人对戏剧的解释为：“戏者，戏也。”前一个“戏”是指戏剧，后者的“戏”则指游戏、娱乐。他们把戏剧看作一种游戏而存在。在农，村地区，大多是把戏曲演出与节日娱乐统一起来，人们观赏戏曲，往往是抱着休闲娱乐的心态去找乐子。一直以来，戏曲都是包容俚俗、浅显易懂、讲求娱乐性，照顾大多数观众审美需求，不放弃文化水平较低观众的欣赏要求，使之看

得有兴味。但现在剧目的娱乐性不断减弱，更多地承载了政治宣传与道德教化；现在戏曲会演、各项评奖、还有专家、领导的讲话和文章中，都有意无意推崇近乎雅化的作品，而对深受广大观众欢迎的通俗戏曲则不甚关注。戏曲的娱乐属性被淡化掉，那么又有谁愿意买票去支持戏曲演出呢？

2、戏曲脱离人们的审美需求，跟不上时代的发展变化

戏曲创作的最初来源是源于民间，深深扎根于乡间土壤的。戏曲的题材，是需要民间艺术的不断滋养。现在的戏曲人物性格复杂，思想内容深奥、晦涩难懂，剧情上脱离群众感兴趣的人和事，语言上失去质朴、自然、通俗的特色，这是很难被人们所接受的。他们更喜欢故事生动、人物性格鲜明、大悲大喜的传统剧和反映农村现实和农民疾苦、内容新颖、贴近生活的现代戏。另一方面，人们的审美需求还体现在戏曲的表现手法和技巧上更加灵活，突破“程式化”的束缚，这些都对戏曲发展提出了新的要求。

（二）关注戏曲的观众基础不雄厚，从事戏曲艺术的人才逐渐出现断层

如今戏曲遭遇到现代社会多元的娱乐文化挑战。在城市，很多人没有欣赏戏曲的习惯，而在农村，青壮年大多外出打工，没人学戏，即使存在观众人们也很少找到看戏的渠道。另外，比起现在一些影视、艺术学校报名的火爆，地方戏曲之类的传统文化精粹却面临着后继无人的困境；在职演员又存在老龄化问题，专业戏曲人才青黄不接，是摆在戏曲发展道路上一个严峻的挑战。

出现这种局面，一个原因就是戏剧团本身状况不佳，很多演员对自己的未来没有把握，他们要么转行，要么消极对待自己的事业，这反过来又不利于剧团发展，便形成了一个恶性循环。另一方面，当代戏曲教育的体系还不完善，制约了对青年一代的培养。

二、对当代中国戏曲发展的几点思考

（一）戏曲的发展离不开观众，以广大农村观众为重心，推动戏曲文化的传播

戏曲艺术是一种直接面对观众进行当场演出的特定综合艺术，如果失去了观众，就失落了戏曲艺术存在的价值与根基。我国戏曲艺术在农村历来就有深厚的基础，戏曲表演往往与传统节日、集市贸易、宗教信仰等活动联系在一起，剧团演出也呈饱和的态势，怎么演怎么有观众，演出收入状况良好，戏曲演出呈现出一派繁盛景象。可是现在许多剧目演出将目标转向城市，且每场都是大手笔，豪华化的戏曲制作越来越强调篇幅的巨大，人物的众多、场面的恢弘、情景的逼真等。演出门票价格更是水涨船高，这不但没有吸引更多观众去关注戏曲，而是将它们拒之门外。因此戏曲工作者需要注意挖掘农村这片广阔的发展市场，以此为重心，将更多演出资源投入到农村中去，只有满足最广泛的观众需要，才能更有利于戏曲艺

术与观众形成水乳交融的良好关系，进而推动戏曲艺术的加速度发展。

（二）戏曲内容上要贴近生活，突出娱乐性，长于情而疏于理

现在某些剧种发展状况不佳，它们往往一味地埋怨观众不是其“知音”，一味地与观众对立。其实问题的根源在于这些戏曲的题材内容脱离了观众的生活。所以戏曲的编创队伍要十分注重在戏曲内容上的改革，一方面要接触时代，深入生活，努力掌握时代脉搏；另一方面在人物刻画、情节结构、戏剧冲突方面追求真实性，充分反映现实。其中最关键的一点是戏曲的内容要长于情而疏于理。这并不是说我们完全忽略戏曲的认识、教育作用，只是中国传统戏曲并不特别强调那种给人以深刻的哲理性思索，只要我们有一定的审美能力与生活常识就能津津有味地欣赏。因此我们要在戏曲的表现形式上突出其娱乐性，以求得欣赏的愉悦。在这一点上，我们在戏曲的发展上可以多做横向借鉴，借鉴姐妹艺术，诸如电影、话剧、歌舞等的艺术技巧，这样在保持戏曲本身风格特色统一的基础上，吸纳一些变化，相信也会给戏曲发展带来许多新的动力。

（三）国家加大对戏曲的扶持力度，采用灵活多样的戏曲教育模式

针对目前戏曲剧团存在的困难，国家给予的扶持政策应包括三方面：一是制定有关政策，及时提高戏曲编创与演职队伍的工资福利待遇，使他们能以饱满的情绪投入到戏曲创新与发 展的工作中去；二是改变剧团的经营市场方向，向农村地区倾斜；三是制定措施，为戏曲艺术继续适应市场经济发展提供良好的环境，使各剧种在竞争中推陈出新、百花齐放。

现今从事戏曲艺术的人才缺口严重，而戏曲教育又是戏曲艺术传承、繁荣和发展的根本。如今戏曲教育的主要渠道是通过戏校和艺术学校来承担的，这种教育方式可以掌握扎实的戏曲理论知识，培养学生创造性的艺术思维。但其不足之处也是明显的，我们往往忽视了传统戏曲教育模式——科班，而这，正能弥补学校教育德缺陷。科班采取学习戏曲艺术和演出实践相结合的传授方式，很多科班都聘请舞台经验丰富的戏曲从业人员或著名演员进行教学，他们往往采取因材施教的教育模式和近乎残酷的训练手段，另外科班学院需要大量的实践演出，这一切方法使他们的技艺得到全面发展。因此我们提倡现在的戏曲教育需要结合上述传统的科班教育和现代的学校教育。从小接受科班的历练，适龄后进入专业的戏曲学校深造，这样才能培养出优秀的戏曲人才，为戏曲艺术的繁荣发展提供新鲜血液。

三、中国戏曲文化的传承

（一）在深入理解的基础上继承传统

传统戏曲虚拟的、程式化的、载歌载舞的演剧方法，决定了它必然要比话剧演出更为看重表现手段本身的形式美感。如此，戏曲演员才格外重视表演技艺的锤炼，从而使得传统戏

曲终于发展成今天这样成熟的艺术形态。以现代戏剧的观点看，传统戏曲还有一个不可回避的缺陷：其表达的情感内容基本局限于类型化人物在现实性戏剧情境中产生的日常的喜怒哀乐。这种情感表达虽然随着形式技巧的日臻完美纯熟而愈加淋漓酣畅或细致入微，但却常常失之于浅显和狭窄，很少见到对人物表浅意识之下的深层情感活动和原始生命动机的挖掘。这其中的原因当然是多方面的，而中国儒学的实用理性精神作为其文化底蕴的长期深刻的影 响，毫无疑问是最根本的原因。也是由于同样的原因，传统戏曲中那些寓于情感之中的“理”或者说创作者的态度，通常也是仅对人物具体行为做的囿于道德伦理层面的价值评判，而难以做出现代戏剧演出艺术所需要的、超越人物个性和现实情境的、具有理性思辨意义和人类普遍性的诗情哲理的概括表达。

因此，中国戏曲艺术的新创作、新演出，需要在深入体会传统戏曲艺术特征的基础上面对两个带根本性的问题：

一是避免简单化地理解戏曲程式的价值意义并以此画地为牢，真正深刻领悟其演剧观念中蕴涵着的美学原则，并在创作实践中尽力体现。

二是设法超越仅表达“类型化人物在现实性戏剧情境中产生的日常的喜怒哀乐”和“仅对人物具体行为做的囿于道德伦理层面的价值评判”的局限，为传统戏曲的美学原则适当注入现代理性精神。

对这两个问题的实践性解决的根本目的，是期望通达中国戏曲艺术更为内在也更为本质性的文化精神，既更高层次上追求“神形兼备”“意境交融”“情理统一”的诗化舞台意象。中国戏曲艺术是一种诗意化的演剧艺术，其写意性舞台所创造的是非生活常态的“诗”。

（二）在不断发展过程中实现创新

创新是一个民族发展的灵魂，戏曲也一样。每一个剧种的形成都是在借鉴和吸取其他艺术样式精华的基础上，再结合自身的特点和时代的要求所创造出来的新的东西，仅仅依靠纯粹的传承和保护是远远不够的，更重要的在于创新和发展。

1.通过重新阐释，赋予古典剧作和传统剧目以新的生命

中国戏曲有大量的古典剧作和传统剧目，这是我们的宝贵财富，也是进行新的创造的坚实基础。但是因为古典剧作和传统剧目产生于古代，必然具有那个时代的特点和局限，特别是在思想观念方面，会有很多与今天的时代精神不合。在戏曲产生以后的长期历史发展中，也形成了不断改编前人作品的传统，新中国建立后我们更自觉地进行“推陈出新”。但是有些剧目改编的难度很大，比如《赵氏孤儿》就是一部不易改编的作品。

《赵氏孤儿》描写春秋时期晋国程婴等人牺牲自己救出了赵家的孤儿并向屠岸贾复仇的故

事。作品表现一群古代的英雄义士为了伸张正义，或者杀身成仁，或者忍辱含垢，或者赴汤蹈火，舍己救人，体现了主人公不屈的意志和自我牺牲精神，有强烈的悲剧色彩，王国维说它“即列之于世界大悲剧中，亦无愧色也”(《宋元戏曲史》)。然而这个戏的思想观念与今天的观众也有相抵触处。一是用自己的孩子的生命去替换赵氏孤儿的生命的行为是否值得肯定；二是这种血腥的复仇是否有意义。因此近年也有“颠覆性”的改编，写赵氏孤儿知道真相之后，认为这与他没什么关系，当然这种改编也受到质疑，因为它蔑视传统的价值观，消解了原著的崇高。

豫剧《程婴救孤》对《赵氏孤儿》的改编却得到了普遍的赞扬。其成功的原因主要在于既保留了原著的精神，又对它的主题作了新的阐释。由原著的强调忠奸斗争、家族仇恨改变为强调正义与邪恶、善良与残暴的斗争，特别是改编本充分地揭示了主人公痛苦的心灵。演员李树建的精彩表演和唱腔把人物的内心委屈与痛楚表现得淋漓尽致，有强烈的感染力量。一篇评论说:“改编者似乎重在调动观众情绪不是‘仇’意，而是‘痛’意。”我认为很有见地。古人的轻生死，重然诺，重信义，是令人钦佩的，但他们的内心世界是怎样的？这需要揭示。《程婴救孤》的创作者努力寻找与当代观众思想情感的共鸣点，演员的唱念也像是对观众倾诉，使观众能理解人物的行为和思想，能为之感动，这便赋予了古典作品和传统剧目以新的生命。

2.吸收其他民族民间文化的营养，丰富戏曲的表现力和感染力

中国戏曲的各个剧种在发展中总是不断进行新的综合，吸收新的生活素材和姊妹艺术以丰富自己。但吸收什么，怎样吸收，是一种复杂的选择和创造过程。吸收得不合适，或没有与原来的东西很好地融合，对剧种的发展就没有什么意义，也不会被观众所接受。因此，湖北荆门艺术剧院创作演出的花鼓戏《十二月等郎》以及甘肃省陇剧院创作演出的陇剧《官鹅情歌》的经验特别值得重视。

花鼓戏是一种与当地语音紧密结合、唱腔表演又比较自由的剧种。看花鼓戏《十二月等郎》，我们感到，它似乎更自由了(如有许多无伴奏吟唱)，但韵律性却更强了，特别是创作者赋予了演唱和表演形式以更多的情感内涵，就使它具有更多的美学意味。

它的这种艺术魅力是怎样取得的?主要在两个方面。一是编剧、导演和音乐、舞美等创作人员认真深入生活，能深刻理解群众的喜怒哀乐。编剧盛和煜和导演张曼君前些年曾为荆门创作过花鼓戏《闹龙舟》，这对创作《十二月等郎》是重要的艺术积累。他们对荆门的群众生活有较深的了解，这次又下功夫观察体验群众生活的新的变化，他们的许多创作灵感是在田边地头与群众的交流中产生的。

第二是他们创造性地吸收了当地民歌等姊妹艺术的营养。整部作品以民歌《十二月等郎》为结构框架，而且以这首民歌的情感构成整部戏的基调。民歌作为一种非物质文化遗产在长期的传承过程中积淀了群众的情感，具有深入人心的特点。《十二月等郎》的曲调又与荆门花鼓比较接近，所以把它吸收融合进来既很和谐又增强了戏曲的艺术感染力。从戏曲创作的角度说，吸收非物质文化遗产中的姊妹艺术的成分是一种有效的革新创造。市场经济和文化交流的增多，使古老的戏曲艺术面临新的环境。如果丢掉传统，戏曲就失去存在的价值；如果不革新，它又不能适应时代的需要。因此它必须走艰苦的继承、革新、创造之路。面前的困难是很多的。但是，凭借着戏曲形成以来八九百年的历史积累和本世纪一百年来的丰富经验，凭借着这支历经艰苦磨炼的团结奋进的队伍，我们有充分的信心，把具有鲜明民族特色和时代精神的戏曲艺术带进新世纪，对世界文明的发展进步做出新的贡献。