艺术设计教学体系中的构成教学

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第一篇:艺术设计教学体系中的构成教学

艺术设计教学体系中的构成学科教学体会

本文着重介绍了在艺术设计专业中构成这门基础学科的教学体会。构成学科的教学目的应该是使学生具备较强的知识应用与知识再生能力,培养学生的创造思维能力,为以后的专业设计训练奠定基础。要达到这个目的,除了必须掌握构成的基本原理外,更应该注重把握构成的创作程序和创作方法。而在教学过程中还应该根据高职院校学生的特点和构成学科本身的学术特点去结合各种教学方式灵活进行,例如讲授教学法,互动实践法等形成一个相互补充的教学体系,使构成的教学可以满足学生们未来专业设计的需要,最终达到知识再生的教学目的。

构成课程是设计专业必修的基础课程,它为设计师在今后的设计活动中如何生出创意提供了理论依据和方法指导,是设计师必须掌握的基础学科之一。

从包豪斯的构成主义到现代设计教育中作为造型基础科目的构成学科,构成已发展为一门系统的设计基础学科,涵盖平面、立体、色彩以及运动、光影等多方面造型领域。在高职学院的教学活动中,有很多自身的特点,如果将以上所有的内容纳入构成的教学体系中,从客观上来讲是不现实的。而另一方面如果仅仅介绍某一分支或某几个分支的内容,又会使学生的适应面变窄,遇到问题时力不从心。因此,如何使构成的教学满足学生们未来专业设计学习的需要,是一个值得认真探讨的问题。本文从“教什么”?“教多少”?“怎么教”?等方面提出作者自己的观点,最终达到完善艺术设计教学体系中构成学科教学的目的。

一.教学所要达到的目标。

教者的目的应以为学生开创新设计思路为前提。作为艺术设计教育的一门基础学科,构成的目标在于通过对构成理论的认知体验,使自己的感受获得提升,使新的思路不断打开。如前所述,艺术设计师的工作范围非常广泛,仅我们学校艺术设计系近几年的就业状况来看,就已涉及了影视、平面广告、摄影艺术、包装装潢、商业陈设等多个行业。学生们工作后这些作品的设计涉及到艺术设计的方方面面,而从学生的角度来看,他们并不可能事先就获知自己将会从事什么行业,也不会事先熟知所要设计的产品的各种信息。那如何让高职类学生快速的打开设计思路,这就在于我们教者要让同学们在基础设计教学中就去把握各种形式规律,以不变去应万变。在教学过程中,最主要是培养同学们能够融汇知识,发掘想象构成,综会构成应用的能力。使同学们可以迅速把握问题的实质,然后运用自己所掌握的方法,去解决问题。因此,在艺术设计专业中,构成学科教学的目的不是让学生们学完后成为理论家,而是要着重培养学生的知识应用能力和创造性思维能力。

二. 如何达到教学目的。

要是学生具备较强的知识应用能力和创造性思维能力,教学中应该贯彻以下几点: 1.注重设计过程和研究方法的训练。

科学的设计过程是设计师灵感的源泉,它能帮助设计师进入状态、整理思路,保证其设计沿着正确的方向拓展,因此,构成教学的最初一定培养学生按程序提出问题、分析问题、解决问题,养成按程序工作的良好习惯,将有助于提高学生的开创能力和业务适应能力。

加强构成研究方法训练时,同学们会不断的遇到各种构成形式中的新问题,因此,方法的掌握显得尤为重要。方法是一把钥匙,设计师只有握有这把钥匙,就可以自己去解决问题。在构成学科的教学中,应注重重构过程,淡化形式结果;注重构成形态中单一方面的把握,无需面面俱到;注重主观经验的深层积累,避免浮于表象,为构成而构成。通过给各种造型元素的重构以及对形式美感的感性把握,来进行新思维、新理念的开发,从而产生新形态创造的最终结果。设计体会

应此,在教学中,我们既要对单一的造型要素和构成形式进行探讨,更要注意多种造型要素的交叉运用,从而达到更为丰富的构成形式,发现新的造型可能,为更深一步的设计手段的培养打下基础。

2.注重构成学基本原理的教授

尽管设计师在后期的设计中很少会直接涉及到构成,但在每一个设计作品的深处其实恰恰正是构成理念的衍生。就拿形式美法则来说,它是把复杂的视觉表象还原成最基本的要素。只要正确把握形式美感要素,才能把复杂、多变的现象,整合构成到形式法则诸要素的形式表现中去。应此,在教学中我们对基本原理阐述的越透彻,就越可以帮助学生去了解事物的本质。在教授构成的基本原理是,应该尽可能地阐明问题原始的出发点及其应用的可能性和局限性,而理论的起点远比结论更为重要。

综上所述,在教学中应该突出两个重点,一是设计过程和研究方法的训练,二是基本理论的教授。前者能使设计师在面临新问题的时候可以有正确的思路和手段,后者保证了设计师可以有扎实的学术护航。三.教学过程的把握。

构成作为艺术设计学科的基础课程,其教学活动基本上由以下几种组成: 1.讲授教学式。

这种类型沿用了传统教学方法。授课注重系统性,注重现有理论的阐述,检验教学质量是以学生掌握知识水平为标准。这种教学方法能使学生可以全面系统的去了解构成学科现有的理论体系,其教学过程也比较容易把握,教学质量的评定也很容易,但这种教学方法的最大问题在于学生在课堂上无法实现自己所掌握的理论,失去了很多只有通过体验才能获得的感受。

2.互动实践式

这是艺术院校的传统教学方法—重操作、重体验,是一种实践性很强的教学方式。教师在教授时,根据课程的需要把相关理论和方法传授给大家,紧接着让大家根据自己的体会去实践其知识所得。这种教学方式能够使学更直观的去体会所学的知识体系。学生在实践操作中获得的灵感和体会,是单纯听课的数十倍。但这种教学方式对教师提出了更高的要求,教师不仅要掌握相关的理论知识,还要有较强的实践水平,这样才能随时准备去回答学生从各个角度提出的问题。

经过几年的教学实践检验,以上两种教学方法必须合理搭配、科学组织,才能形成一个相互补充的教学体系,方能收到较好的教学效果。

可以预见,随着我国设计教育事业的发展,对构成学科的教学要求会越来越高,本文仅就作者在教学过程中的体验叙述成文,不妥之处,望不吝指正。

第二篇:职业院校艺术设计专业色彩构成教学中创新能力培养新论文

摘要:职业教育是以能力培养为核心,以实用型和技能型人才培养为目的,以就业为导向的。色彩构成作为职业院校艺术设计专业的一门专业教学基础课,在教学中应以培养学生研究色彩的方法和创新能力为重点。本文论述了在借鉴传统教学优点的基础上进行的新探索,即尝试采用新的教学理念、教学方法和手段实现对学生创新能力和综合能力进行培养。

关键词:职业教育;色彩构成教学;创新能力

色彩构成是职业院校艺术设计专业必修的一门专业基础课。我国的色彩构成教育基本源于国外的设计教育体系,历史并不久远,就教育思想观念和教学方法而言与我国快速发展的设计理论和实践相比显得相对滞后。如何在色彩构成教学中渗入创新意识,在教学实施过程以及作业的安排中注重实践性和多样性是当前我们亟待重视和加强的教学问题。

树立全新教学理念,始终把培养创新意识作为教学目标

应树立全新的教学理念,在强化基础知识的前提下,把培养学生创新意识作为教学过程中始终追求的目标,让创新思维的光芒闪现在每一次作业中,由此逐渐实现基础课向专业设计的过渡。

色彩构成课与设计有着密不可分的关系。创意是设计的灵魂,在每一次教学过程和每一个教学环节中,都要强调设计思维,强调创意的发挥,鼓励学生在作业训练中充分发挥自己的想象力和创造力,使创新意识渗入每个学生的头脑中并形成创新思维模式。

教师授课时必须有具体的训练目的。一方面,要强调基础知识的重要性,强化对知识点和基本规律的分析和总结,使学生深刻理解各种关于色彩的概念和规律。另一方面,要对每次作业提出具体要求,明确训练目标,要求凡作业必先进行设计,设计中必有创意,使每一次作业都能充分挖掘学生的创造潜力,实现基础课向专业课的逐步过渡。

在教学中采用多样化教学方法和多元化评价体系,是激发学生的创造乐趣、促使学生积极主动地探索问题、研究事物本质规律的良好途径。案例分析法可以通过对优秀案例的分析帮助学生理解色彩的本质、情感和规律,提高学生对色彩的感知力和表现力。课堂讨论法可以使大家针对一个作业主题展开“头脑风暴”,通过集体讨论集思广益,使每个学生都在争论中得到启发,有所受益。另外,针对职业院校学生基础较为薄弱的特点,在授课时要做到浅而实在,学以致用。教师在教学中要大量联系实际生活中的设计与制作,使理论知识浅显易懂,应把课堂时间多留给学生一些,以学生为主体,组织、引导学生开拓思路,自由地发挥创造力,解决色彩构成学习中遇到的各种问题。

多元化的评价体系也是激发学生学习兴趣和挖掘学生创造力的一种有效的途径。教师应在进行严格的基本技能训练的同时关注学生的个体差异,建立多元化的评价体系。在作业方面可从创意、图形设计、色彩组合、版式与构图、表现效果等多个方面进行尽可能多的正面评价,以鼓励学生互相学习,取长补短,使其潜在能力得到充分发挥。在教学过程中,面对不同层次的学生应有针对性地对他们各自的优点和不足进行个别化辅导和阶段性评价,对其在原有基础上取得的进步要及时表扬,激励其学习精神,促使其继续努力。

启发学生的色彩设计灵感

应教学生以探索的眼光从自然和生活以及艺术作品中感知和发现色彩美,启发学生的色彩设计灵感,并把对色彩的感受创造性地应用于色彩的主题性设计中,培养学生的想象力和创造力,为基础课向设计课的过渡搭建桥梁。

我们生活在五彩缤纷的世界中,大自然中存在着众多美妙的色彩,美术作品、设计作品和文学作品中也都在描绘和再现这些美丽的色彩。在教学中,应该引导学生用探索的目光从自然界中、生活中以及姊妹艺术中发现美的色彩表现,体会色彩给人带来的审美情感,并从中汲取色彩设计灵感,创造更新更美的色彩搭配。

“物色之动,心也摇焉。”(刘勰《文心雕龙》)色彩通过人的视觉对每个人的心理产生许多共同的影响。除此之外,还有属于个性的,即不同民族、年龄、性别、不同经历的人群对色彩的感受也各有不同。在教学中,教师可以利用学生对不同色彩所产生的联想、想象和心理感受,激发其创造性地进行色彩设计。“命题设计”是一种较好的个性化色彩训练方法。通过设立一些启发性的课题如春夏秋冬的联想,音乐节奏的表现,酸甜苦辣的联想以及对不同情感、不同性格的色彩表现等促使学生发挥积极性和主动性,开拓思路,大胆表现,创造性地完成课题设计。

中国传统色彩文化在世界色彩文化史上占有重要地位,并给予当代设计师以许多设计灵感。北京紫禁城的色彩令外国人惊叹不已,唐三彩、青花瓷的颜色为服装设计师所借用,京剧脸谱上的高纯度、强对比配色方式使平面设计师找到了新的配色方案……在教学中重视对民族传统色彩的研究不但有助于启发学生的色彩设计灵感,增加学生色彩设计知识积累,拓宽其色彩设计思路,提高学生自身修养,更能增强学生对民族传统文化的热爱,对设计出具有民族风格的现代艺术设计作品有指导意义。

运用现代化手段,把教学重点放在思维训练和创造能力培养上

应运用现代化教学手段,把多媒体教学方式引入课堂教学,形象直观地分析介绍色彩概念和规律,并使学生学会用绘图软件进行作品表现。做到手绘与电脑表现相结合,既能提高教学效率,改善教学效果,又有助于把教学的重点放在思维训练和创造能力的培养上。

教师在用PowerPoint或Authorware等软件制作教学课件时,可以插入经典和优秀的色彩设计案例,使课件显得图文并茂。还可以在多媒体教学中使用Photoshop或CorelDraw等绘图软件,通过演示更直观地给学生讲解色彩构成的基础知识。比如,在讲色彩混合中的三原色时,教师常常难以出示准确的品红,因为在市场上很少有品红这种颜料,而靠言语表述或自己调色也很难准确表现,这个难题恰恰可以通过Photoshop来解决。在Photoshop中,我们可以轻易地找到品红色并向学生展示。另外,在讲有彩色的明度对比时,可以对彩色图形进行“图像——调整——去色”处理,完成由彩色图形向黑白灰明度秩序的转换,从而让学生很轻松地理解。

以往的学生作业基本全用手绘来表现,这种方式可以使学生通过大量的调色练习和作业训练积累色彩经验,但是学生在做作业过程中可能会因为过于追求画面的精细效果而忽视训练本身的目的。而如果在作业中把手绘表现与电脑软件操作表现两种方式结合在一起,则可起到事半功倍的效果:一方面通过手绘练习,学生可增加调色经验和对色彩的感性认识;一方面,电脑软件的使用既可快速变换不同的色彩组织,帮助寻找最佳配色方案,又能表现出比颜料更加鲜艳绚丽的色彩效果。这样对于拓展学生思维空间,开发学生创造力有很大的益处,并有益于提高学生操作电脑、应用软件的熟练水平。

职业教育的特点决定了艺术设计专业的整体教学思路必须围绕就业和实用的目的培养具有创造力、表现力等综合能力的应用型设计人才。对这些能力的培养并非一朝一夕之力所能完成,而是一个系统工程,需要各科教学形成合力,使学生创造力的发挥出现在每门课程的学习中。在色彩构成教学中,通过更新教学理念,改善教学手段并辅之以教师的积极引导,必将有助于学生创造力的培养,使学生的创造潜能得到充分发挥。

参考文献:

[1]赵国志.色彩构成[M].沈阳:辽宁美术出版社,1989.[3]陈琏年.色彩设计[M].重庆:西南师范大学出版社,2001.[2]倪凤祥.构成艺术·色彩构成[M].开封:河南大学出版社,2004.[4]邹艳红.色彩构成[M].重庆:西南师范大学出版社,2009.

第三篇:艺术设计中的绘画基础教学的浅议

艺术设计中的绘画基础教学的浅议

陈立君

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摘要:正确处理传统绘画基础和艺术设计基础教学的关系,强调艺术设计绘画基础教学的目的性。在艺术设计的绘画基础教学中,注重学生的创造性思维和创新能力的培养,运用恰当的评价方法,培养学生的学习兴趣,使学科发展更规范、更完善,为社会培养更多更优秀的艺术设计人才。关键词:艺术设计;绘画基础;教学;评价

近年来,随着我国经济社会的高速发展,人民的生活水平不断提高,人们对审美的要求越来越高,艺术设计类人才越来越受到市场的青睐。高校的艺术设计专业成为热门专业。与之相适应,各层次高校争相开设艺术设计类专业。但是,通过实际的教育教学和对在校的以及已经毕业的艺术设计类学生进行的调查了解,我们发现,综合设计素质不高、设计作品缺少底蕴、创作理念漂浮无根等问题普遍存在。比如在实际的创作或设计中,比较容易找到要表现的形式感或者色彩表现,但是对作品的内涵深度缺少挖掘,缺少文化底蕴等等。究其原因,一是很多艺术设计类学生在进入高校前基本文化素质就相对较低,对一些底蕴深厚的传统文化没有很深的感知和认识;二是当前高校艺术设计类专业的教育教学内容和课程设置仍以现代的、西方的绘画、设计、创作等为主,而对一些提高基本文化素质、提升传统文化底蕴的课程或者教育内容重视不够,甚至根本就没有。因此,笔者呼吁,应在高校艺术设计类专业中,大力开展传统绘画课程的教学。

一、传统绘画之于现代艺术设计的作用和意义

中国传统绘画从古至今,历经千年,其笔墨、意境、造型、构图等独具一格,其艺术魅力对现代艺术设计有着很强的借鉴、吸收作用。实际上,在许多成功的现代艺术设计作品中,都可以找到传统绘画的影子,不论是平面设计、环境设计、园林设计还是建 1

筑设计,我们从中都能体会到中国传统绘画艺术的巨大影响。要提升设计人才的内涵和素质,中国传统绘画课程的教学就应该成为艺术设计专业在校教育的重要内容。

1.进行传统绘画教学,能提高艺术设计类学生的艺术基本素质 当前,艺术类专业学生在高考前很大一部分是为了应试而进行的强化训练,带有一定的程式性。我国艺术高考科目现在多是以西方传统绘画基础科目——素描和色彩为主,文化课录取分数又偏低,造成考生对传统文化和艺术的不重视。高等院校录取的学生对民族传统文化和艺术知之甚少,必定影响其设计专业的学习和作品的创作。比如,为了让学生了解徐渭绘画作品淋漓酣畅、大胆创新的风格,介绍徐渭的绘画风格和他的个性人格是分不开的,学生们不知道徐渭,那应该对徐文长这个名字应该熟悉吧,在高中课本上有一篇关于他故事的文言文《徐文长传》,没想到居然没一个学生知道!很多学生对传统绘画的造型手段等基本知识一无所知,对传统文化艺术的了解缺失非常严重。因此,通过在艺术设计专业开设与传统绘画相关的课程,通过对传统绘画以及相关的文化、艺术知识的掌握,可以加强和提高学生对传统文化包括传统绘画艺术的了解和认识,使学生懂得传统绘画的“天人合一”的哲学观和“形神兼备”的传统美学思想,具备传统艺术的基本素质,为进一步的设计专业的学习打下基础。

2.加强传统绘画教学,可以使学生的设计作品更具有生命力 在全球化的今天,东西方艺术文化交流已经十分紧密,东西方的绘画也互相包容、高度融合。在全国美展上,我们经常可以看到油画展区的有些作品虽然用的还是油画颜料,但是采用传统绘画的宣纸或者构图等;而在中国画展区的传统绘画又经常能看到一些作品虽然是采用传统绘画的工具或材料,但是在色彩或画面构成上又汲取了西方绘画的养分。在设计领域,现代的高科技材料和技法,已经使东西方在设计领域的探讨趋于一个层面。在这样的大背景下,如果我们的设计作品没有民族文化的底蕴,没有民族特色,就只能跟在西方设计的后面亦步亦趋。而设计作品加入民族元素,作品就有了“魂”,更具有特色和生命力。“艺术设计专业的中国画教学,正是要使学生感悟传统民族文化的审美内涵,将其融入到现

代思维之中,从而形成具有中华民族特色的设计风格。”

3.提高传统绘画素质,能增加艺术设计创作的丰富性和多元性多元化是现代艺术百花齐放、风格各异的一种趋势。艺术设计的表现手法应该是多元化,不仅要汲取西方艺术的精髓、民间剪纸艺术、书法艺术等,还要吸收传统绘画的精华。中国传统绘画源远流长、博大精深,其“气韵生动”的神韵和“意造境生”的审美情趣都可以为现代艺术设计提供不竭的灵感源泉。“中国画从写生、写意、意象创造到追求气韵风韵有着一套完整的程序和灵境,而这些也正是现代美术和设计创作所要遵循的创作原则。”[2][1]如现代画家、美术教育家林风眠,把西方现代绘画与中国传统绘画的水墨境界相结合,画面构图一般是正方形而且没有标题,热烈的色彩融于水墨之中,笔墨放纵、遒劲,韵味优美,特点鲜明。在现代艺术设计中,加入传统绘画的元素,必定会增加作品的丰富性和多元性,进一步提升作品的内涵和底蕴。

4.了解传统绘画特点,对运用现代科技手段进行设计创作有极大帮助现代艺术设计通常使用电脑软件等高科技手段进行创作,不仅需要表现素描效果、油画效果、水彩效果等,有时还需要表现传统绘画中的水墨、线条效果。为了适应社会的需求,当前很多高校都开设了图形图像制作等专业的非艺术生,他们之前没有美术基础,进校后学会使用一些绘图软件,但是在进行设计创作时,软件是熟悉了,因为没有美术基础,在画面的构图、布局、疏密、浓淡、色彩等方面根本不知道如何经营。如果有传统绘画的基础,同时又熟悉绘图软件,那么只要能看懂的画面,基本也能在电脑上表现出来。因此,在实际的教学中,更应该加强传统绘画知识的传授,只有懂得传统绘画的作画程序、步骤和表现的意境效果等,才能在电脑设计中学会如何构图,如何布局,如何渲染,才能达到理想的表现效果。

二、在艺术设计类专业进行传统绘画教学应把握的几个问题

各类高校开设的艺术设计类专业层次不同,方向各异,培养目标也有不同的要求。在艺术设计类专业进行传统绘画教学,要根据专业培养目标,制定合理的教学计划,确定

合适的教学内容,运用灵活的教学方法,使学生通过中国传统绘画课程的学习,增加传统文化艺术修养,使设计出的作品更具民族特色和文化内涵。

1.把传统绘画课程纳入整个专业的教学体系之中,科学制定教学计划当前院校艺术设计类专业的课程设置中,很多不能体现对传统绘画课程的足够重视。即使是开设了传统绘画课程的学校,由于大多处于摸索阶段,传统绘画课程的设置安排也不尽科学,与其他专业课程缺乏沟通,课程之间缺乏内在联系和融会贯通,各种知识点、技能训练之间是孤立的、断裂的,导致传统绘画课程不能很好的为设计专业的学习提供依托和帮助。因此,在制定设计专业的教学计划时,要将传统绘画课程作为重要的基础专业课程而不是可有可无的公共课程,纳入到整个专业的教学体系之中,分类分型科学合理地和各类专业课程相结合。专业教师之间要保持沟通联系,互通有无,寻找课程之间的最佳结合点,保持教学目标的一致性,共同为提高学生专业艺术素质服务。

2.注重与专业相联系,合理安排教学内容在艺术设计类专业开设传统绘画课程,不能将传统的教学内容生搬硬套过来,不考虑艺术设计专业的特点,按照国画专业的教学思路来安排教学内容,这样势必导致学生觉得现在所学的内容和自己的专业没有联系,提不起兴趣。比如在教学中,如果只一味地讲授线条的美感、形式感、力度、弹性,学生就会感到太抽象、空洞,如果能把往届学生的手绘效果图拿出来结合分析,了解原来这个线条就是他们以后专业课要用到的线条,这样学生就会比较专心主动地去分析学习。

3.按照不同专业层次,合理选择教材和教辅资料传统绘画课程在绘画类专业中的设置已经比较成熟,教材和教辅资料比较丰富而且成体系。但是在艺术设计类专业中开设的传统绘画课程,除了面临课时相对较少、时间相对不足之外,合适的教材和教辅资料也相对匮乏。绘画专业课教材内容多,专业性强,而艺术设计类作为基础课的传统绘画教材需要具有一定的综合性和多样性,既能让学生掌握传统绘画基本知识和技能,又能开拓学生视野,扩大学生的知识面。在教辅资料信息配置方面也要满足不同专业层次的学生职业发展需要,避免在教学中因循守旧,忽视学生的创新精神和个性化的发展。因此,在摸索阶段,教师就需要花更多的精力,合理选择现有的或自编教材,为艺术设计类专业学生提供更多科学的、合适的传统绘画课程的教学资料。

4.根据具体专业特点,运用合适的教学方法设计类专业和绘画类专业由于专业定位和办学方向不同,在教学内容和课程设置上有差别,在具体的教学方法上也应该有区别。绘画类专业的传统绘画教学一般以临摹经典名画为主,通过大量的临摹掌握笔墨、造型形式与意境、构图等之后才有写生创作。而在艺术设计专业中的传统绘画教学,就不能仅仅是笔墨、技法的学习和训练,更应该注重寻找现代艺术设计和传统绘画的共同结合点,在讲授理论、赏析作品时,内容不能太枯燥和深奥,时间不能太长,否则学生容易失去兴趣,赏析的作品要有代表性,并结合具体专业联系分析;在进行实践练习时,要由浅入深,循序渐进,并突出专业特点,为专业创作打基础、储能量。

总之,中国传统绘画是最具中国人文特色的艺术形式之一,它那独特的笔墨技法、精妙的构图布局和以情达意、情景融合的气韵意境对现代艺术设计都有着重要的指导作用和借鉴意义。无论从现代艺术设计本身的专业发展还是从弘扬传统文化的角度,我们都应该重视传统绘画课程的教学。当然,传统也需要创新,“如果脱离传统之路,势必迷失前进的方向,但若一味沉迷于传统之中,在现代设计中单纯地强调传统、依赖传统,[3]而无新鲜血液输入,将会导致传统艺术发展的停滞。”在具体的教学之中,我还需要不

断地摸索,寻找传统与现代的最佳结合点,为现代艺术设计专业的人才培养探索出更好更科学的方法和途径。

第四篇:三大构成教学

“三大构成”教学的困境与超越

摘要:“三大构成”自20世纪70年代末被引进到中国以后,开创了中国现代设计教育的新局面,但其自身的局限性和负面效应也在其发展过程中逐渐凸显。泛化、僵化、异化等教学问题导致“三大构成”在设计教育中遭遇一些不合时宜的尴尬。“三大构成”意欲重振雄风,需要特别注重以培养学生创造力为核心,在课程设置、教学手段、教学理念等方面实现新的跨越。

关键词:“三大构成”,教学,困境,设计教育

1919年,德国教育家格罗佩斯创建包豪斯设计学院(Bauhaus),明确提出“艺术与技术统一”的新主张,并带领伊顿(Johannesltten)等包豪斯的多位艺术家和教师从造型方法和理念着手,对点、线、面、体等抽象的艺术元素进行深入研究,尤其是对于形、色、质在造型关系上进行了深层次的探讨,为“三大构成”教学奠定了坚实的基础。1978年,广州美术学院经由香港率先引进“三大构成”的教学内容和模式。20世纪80年代,中央工艺美术学院、中央美术学院等院校相继推行“三大构成”,中国现代设计教育从以传统手工艺为主要内容的工艺美术教育的桎梏中走了出来。由平面构成、立体构成、色彩构成组成的“铁三角”教学体系的确立,对提高我国实用艺术设计中技术与艺术的结合及开拓学生的设计思维、激发学生的审美意识等方面起到了很大的推动作用,开创了中国现代设计教育的新局面。然而,随着科学技术的发展,随着经济文化水平的提高,也随着西方现代设计思潮的不断涌入以及设计艺术自身的发展,曾经引领中国设计教育实现跨越式发展的“三大构成”教学模式的局限性和负面效应越来越明显,这不得不引起我们的深入思考。

一、欲续辉煌却难抑尴尬

作为现代艺术设计教学中的基础必修课,30余年来,“三大构成”在中国已形成一个相对稳定的系统化、规范化的教学体系,并“成为从抽象形态入手培养 设计创造思维的有效手段”①,言其“辉煌卅年”应该说是实至名归。然而,“三大构成”教学模式在发展过程中却又不知不觉地陷入了盲目主义、教条主义、形式主义等尴尬的境地之中。

(一)泛化:教学内容缺乏针对性

1.各专业“三大构成”教材使用一致化,教学内容标准化,不能体现不同专业的“个性”。目前“三大构成”教材版本确实不少,但很多教材在内容上基本都是重复早期的教材,也没有实质性的变化。正是由于这些“三大构成”教材大同小异,各设计院校在使用教材时也不分专业统一征订,从而疏于考虑专业的“个性”。由于使用完全相同的教材,在一定程度上导致了各设计专业的教学内容相对“标准”化了,加上其他一些原因,“三大构成”的教学也就缺少了相应专业的灵活性。

2.“三大构成”课程师资边缘化、课堂规模“广场”化。虽然“三大构成”被公认为是非常重要的基础必修课,但并没有得到重视。很多设计院校的“三大构成”几乎成为了一种“剩”课,新来的老师、专业不太对口的老师、没有安排到别的课的老师都有可能承担起“三大构成”的教学重任。这样,“三大构成”课的师资也就难免被弱化、边缘化。另外,设计课原本为“小课”,有时甚至还是一对一的“个性课”,但任何一所学校的“三大构成”课都无法享受这样的“待遇”。一个“三大构成”的老师极有可能包揽很多个自然班的构成教学,而在安排课堂教学时,几个不同专业、不同班级的百余名学生挤在一个超大教室里听“大课”的现象比比皆是。

“三大构成”课程教学泛化带来的后果是比较严重的。比如说,服装设计、包装设计和环境艺术设计三个专业都属于实用艺术设计类别,但就其设计的对象而言,显然存在巨大的差异。虽然这三个专业均需修习“三大构成”,但是,在运用这些设计基础手法时却需要各自不同的针对性。如果这三个专业的学生合班开课就无法紧密联系专业逐一讲解,也无法详细阐释各种构成手法在具体专业方 2 案中的运用。如此合班授课,必将抹杀“三大构成”在不同专业中应有的差异性,教师的讲解也不可避免地流于空泛的概念,学生也就难以把握如何将构成技法结合到自己的专业之中,教学效果无疑会大打折扣。

(二)僵化:教学形式缺乏灵活性

中国近30年来的艺术设计教育,虽然确立了“三大构成”无可动摇的地位,但实事求是地说,中国的设计教育一开始就没有充分把握包豪斯“三大构成”教学的真谛。“包豪斯的基础教学课程形成了一个多样化完整的体系,强调技术与理论的合一,不是单纯求取作业效果,而是要求掌握基本的科学原理,从个人艺术表现转到理性的新媒介表现上来”②。创新一直是包豪斯教学的出发点和归宿。包豪斯的教学基础结构是“工作室”,每间工作室由两位教员来分担教学任务。其中,“工作室师傅”是典型的手工艺人,精通手工技艺、材料和制造工艺,而“形式导师”通常由艺术家担任,其任务主要是激发学生的创造性思维。

然而,我国现行的“三大构成”课程体系主要是以理论知识和实践制作为主,重视形式法则的训练,而不重视抽象力与创造力的培养。由于只关注形式法则和实际制作,在某种程度上导致“三大构成”课程变成了图案课、手工课。学生往往满足于在经验层面模仿前人已有的相关图例,能够做成图案成品或立体造型就满足了,却很少思考其本质,这样也就难以增强学生的创新意识和挖掘艺术设计潜力,对后续的专业设计课程也就失去了强有力的支持。模仿是学习“三大构成”的有效途径,特别是对于初学者来说很有帮助,但是,现行的构成教学没有调整好模仿与创造之间的关系,过于注重“形式”模仿,忽略了创新意识的培养。同时,学生也极有可能因为这些简单的重复性劳动而产生厌倦感,失去对构成课程学习的热情。这种忽略培养学生的抽象力、创造力的教学模式,误入形式主义的泥淖,抑制了学生个性的发挥,为学生步入社会后难以应付激烈竞争和解决实际设计问题埋下了根本性的隐患,这无疑严重背离了“三大构成”教学的初衷。张道一先生曾一针见血地指出这种教学模式没有抓住包豪斯在工艺上成功的本质,而是在艺术形式上剥取了一点皮毛,不仅没有比过去向前逾越一步,相反地是种 3 后退。诚然,如果不能真正把握“三大构成”的本质,不能有效解决形式主义的问题,那么培养出色的设计艺术家只能是一句空话。

另外,随着科学技术的不断进步,计算机辅助设计手段在现代设计中已经被广为应用,但是,目前的“三大构成”教学并没有很好地与计算机辅助设计这一优势接轨,大多数的构成课程还停留在手工构思以及手工制作的传统层面上。比如,立体构成课与设备、材料、工艺的关系非常密切,但很多院校并没有与时俱进地更新实验设备和实验材料,即使学生有了好的设计点子,但囿于严重过时的“客观条件”,设计方案也没有办法顺利地付诸实施,教学效果也就可想而知。

(三)异化:与后续专业课割裂

从课程体系角度来说,作为艺术设计教育的基础课程“三大构成”课最直接的意义还在于为后续课程的顺利教学打下良好的基础。“三大构成”并不能培养一个出色的设计师,但“三大构成”却能为培养一个出色的设计师打下坚实的基础。所以说,建立与后续设计专业课程的密切联系,既是“三大构成”教学的立足点,也是“三大构成”教学要解决的核心问题。但是,在实际教学中,“三大构成”往往与后续的专业课程相脱节,两者之间没有形成一种“基础”与“升华”的关系,没有形成一个有机的整体。

形成这种现象的根本原因是,相关人士没有真正把握“三大构成”课程的本质。在平时教学过程中,平面构成设计可能被当作黑白图案设计进行“微技术含量”的机械训练,而“色彩构成”和“立体构成”则分别被某些学生戏称为“色环课”和“折纸课”。在教学过程中,构成学老师可能只关注“构成”原理本身,并不考虑构成学原理如何与专业设计相结合的问题,也不考虑这些构成学原理将会对未来的专业课程产生怎样的渗透作用,使学生的认识处于懵懂状态。比如说,在讲授“形态要素”时,教师只注重诠释点、线、面的构成形态以及运用后再布置相应的构成训练,至于在具体的服装设计、环境艺术设计、包装设计等设计实践中怎样实现个性化的运用则很少分析。学生在学习过程中也就可能不清楚这些 4 构成形式在专业设计中的具体用途,训练时也就只能是利用点、线、面这些抽象的符号来进行机械地模仿和重构。“三大构成”既然是基础课,也就没必要强求它在设计艺术教学中发挥惊天动地的作用,但是,作为基础课,为后续专业课程提供最基础的支持,为学生学习专业课程架设牢固而通畅的桥梁,则是其义不容辞的责任和义务。

二、重振雄风亟需三大改革

(一)重视专业差异,优化课程设置

教学有没有效果,能达到什么样的效果,关键在于课程设置是否科学、合理。“三大构成”包括平面构成、立体构成、色彩构成,现行的课程设置多是将这三部分各自独立开课。独立开课,当然有其充足的理由,毕竟是三种不同的构成。但是,是否有更好的设课方式?虽然这“三大构成”可以各自独立成体,但是三门课程的某些内容却是相互融合的,这就为课程的融合提供了条件。在教学实践中,三门课程往往是由不同的老师讲授,对于其中重复的部分不会作什么处理,这样,既浪费了教学资源,也浪费丁学生的时间。另外,三门课程之间的独立也在一定程度上限制了抽象力与创造力的培养和发挥。为了精简课时、提高教学效率,可将“三大构成”整合为一门课程,这样便能够在教学大纲的制定、教学内容与教学时数的安排上统筹兼顾,便于“三大构成”有机地联系在一起,使整个构成的知识链更加严密完整,有利于学生对知识的吸收和消化。另外,整合之后,教学的选择性与自由度更大,更有利于综合性课题训练的实施。同一个课题,既可以有平面构成的训练,也可以有立体构成和色彩构成的训练,这样更容易接近于终端的设计对象。

当然,也并不是一定要将“三大”构成整合为“一大”构成,“三大构成”依然可以按照传统的模式独立设课,但是,在教学大纲编制和教师配备时一定要通盘考虑。教学大纲是教学之“纲”,是课程教学的依据和准绳,由于“三大”构成课程之间存在一些知识点交叉或重复的现象,在编制教学大纲时就应该全盘 5 考虑,全方位整合。同时,要注重弱化纯理论知识,强调知识、原理的运用,比如在色彩构成中,宜于弱化色彩的成色原理和理论关系,把重点放在色彩的搭配以及抽象表达上。另外,三门构成课不宜平行开设在相同的时间段,而应该在一个连续的时间段内,如果能由同一教师连续担任则更好,这样可有效避免内容重复或要点遗漏的问题,也便于合理安排课题训练。

此外,课程设置过程中还有一个非常现实的问题,即不同专业合班上课的问题。考虑到“三大构成”作为基础课的实际情况,为了提高资源利用效率,相同专业的班级合班上课是可以考虑的,但是,不同专业的班级则应该避免合班上课。为了让构成学能够实实在在地为今后的专业课学习和专业设计打下良好的基础,应该安排各设计专业真正懂行的老师来担任构成教学,而且构成教材的编写和选择也应该充分体现专业的“个性”。

(二)紧跟时代步伐,优化教学手段

随着电脑的普及,学生可用计算机进行设计,节省了大量的作业时间,也提高了画面的精细化程度。学生也能从简单但又繁琐的手绘钩线涂色中摆脱出来,将节余的时间用来训练设计的创新思维与视觉化表达,从而达到事半功倍的效果。因此“三大构成”的教学不要过分纠结于传统的那种“功底”,要鼓励学生善于运用更加有效的表现手段去完成课题任务,引导学生围绕训练主题自由选择Photoshop、CorelDRAW、Illustrator等计算机辅助软件开展设计工作。

艺术设计的发展与艺术、技术、设备和材料等的进步密切相关,好的设计方案需要有先进的技术、设备和材料来支撑,为此,“三大构成”的教学也必须以先进技术、设备和材料为依托。其实,在“三大构成”的表现中,手绘、电脑表现以及模型表达并不矛盾,而是相辅相成的三种必备手段。就拿平面构成和色彩构成来说,即使现在电脑设计大有作为,但是手绘也不能完全抛弃。在处理手绘和电脑制作的关系时,比较理想的解决方案应是用手绘构思,用电脑制作成品,这样既发挥了现代化设计手段的优势,又没有丢掉传统的功底,是一种锻炼综合 6 能力、提高工作效率的有效途径。

(三)更新教学理念,着重培养创造力

目前中国设计教育中的“三大构成”不能博得学生的好感,其中一个重要原因就是教学模式老化。迷茫的学习目的、传统的批量灌输、老套的课题训练将学生原本激扬的学习热情浇得奄奄一息。著名的日本朝仓直已教授对“构成”有一个概念性的综述:“构成”的重点在于“造形”。“它不是技术的训练,也不是模仿性的学习,而是引导学生通过有效的方法,在设计造型的过程中,主动地把握限制的条件,有意识地去组织与创造,在无数次反复的积累中获得能力的训练\创造力的育成。”③“三大构成”教学的关键是激发学生的创造性思维,让学生学有所用、学而能用。培养学生的创造力,“三大构成”教学最关键的是要更新教学理念。

1.确立学生的主体地位。“三大构成”是所有设计专业共同的基础课,各大设计院校大都采用集中“讲”课的方式上课,也正是这样一种学生被动接受教师灌输知识的方式导致了“三大构成”教学效率的低下。“三大构成”教学以培养学生的创造力为根本,“三大构成课程的创造力的培养,应该看成是设计学科创造力培养的预演和微缩”④。确立学生在教学中的主体地位是培养学生创造力的前提,培养创造力的一个重要环节就是要克服思维的固定模式,培养发散式思维,适当安排课堂“讨论”,将学习的主动权交给学生,从而解决设计思维中“一种模式、一个方向、一个结果”的“惰性”问题。通过师生、生生间的讨论,找出方案的局限性、不合理性,强化方案设计的深度和广度,实现创造力的双向提升。学生只有通过大量的观察、实践与总结训练,才能形成一套系统的设计思维方法。因此,教师除了讲解基本知识外,还要给学生提供探索、研究和表现的空间,让学生在独立探索、思考的基础上提高学习兴趣和综合能力。这就要求在进行“三大构成”的课程设计时,善于将形式法则的讲授过渡到主题构成的训练,要把教学从形式法则的模仿提升为潜在艺术能力的发掘上。要善于利用课题设计调动一切感性和理性因素,培养学生的思维能力和审美能力,进而上升为创造力。

2.实施“协同教学”。协同教学首先要树立“联系教学”的观念。当前“三大构成”教学的主要症结之一是孤立,“三大构成”的彼此孤立、“三大构成”与后续课程的脱节导致了构成教学的低质、低效。因此,在“三大构成”教学中运用“联系教学法”是其走出困境的一个有效途径。任课教师应该清楚自己任教课程在整个专业或专业模块中所处的地位,清楚任教课程与相关课程间的联系,并且在课堂上将这些关系暗示或直接提示给学生,让学生明确学习的目的,有意识地训练自己的思维。教师在授课过程中,如果能以启发的方式来引导学生将知识联系起来理解,就可以让学生在轻松的学习中掌握对“三大构成”知识进行灵活运用的技巧。建立与后续设计专业课程的联系,可实现“三大构成”广度以及深度的拓展,使整个课程更加系统化,为将来专业设计打下坚实的基础。另外,协同教学还表现在学生课题训练的合作上。其实,很多优秀的平面设计、立体设计都不是靠一个人单打独斗来完成的,而是靠一个团队通过相互启发、相互促进而不断完善直至最终完成的。因此,在“三大构成”教学中注重培养学生的协作能力也是非常重要的。在课后的作业训练中,任课教师可以布置稍微“大”一点的作业,鼓励学生自由组合成小团队共同完成,团队成员通过互相沟通,彼此取长补短,从而实现共同提高。

注释:

① 田君.“三大构成”的引进 [J].装饰,2008,(3).② 陈岩.从包豪斯的基础课程看当代三大构成教育 [J].艺术与设计(理论),20lO,(9).③ 王茂林,尹书倩.三大构成在环境艺术设计专业教学中的改革初探 [J].湖南包装,2004,(3).④ 孙灿.从培养抽象力与创造力初探三大构成的课程改革 [J].南京工业职业技术学院学报,2007,(4).8

第五篇:艺术设计高等教育中主题式教学意义[范文模版]

艺术设计高等教育中主题式教学的意义

摘要:英国艺术设计高等教育的教学特点就是主题式教学,通过主题设计整合教学内容,引导学生在教学活动中发现并独立解决问题,不仅可以提升学生的创新思维能力,而且充分调动了学生主动探索研究方向、主动学习的积极性。该文从主题式教学培养学生四个方面的能力入手,总结了主题式教学在英国艺术设计高等教育环节中的意义,供我们教育工作者学习和参考。

关键词:主题式教学;英国;艺术设计

英国政府支持设计产业更好的发展,因此艺术与设计教育质量也会相应的提高,而从另一个层面上来说,设计产业的发展也带动了设计教育的发展,两者是相互促进的。英国的教育一直以来都非常注重创新、鼓励个性、重视过程、提倡自主学习。市场希望高校培养具备创新能力、创新精神,对学科具有前瞻性和敏锐的洞察力的设计创意人才。依据笔者在英国攻读艺术设计硕士学位期间的观察和深入了解,在教学活动中普遍采用主题式教学。主题式教学崇尚以培养学生个性发挥和个人创新能力为主的教育教学方法,在专业教学活动中主要通过营造主题式教学形式,设定一个课题,学生需要主动围绕着课题做各个相关领域的整合,学生可以在教学过程中拓展思维,充分调动了学习者的学习兴趣和积极性,达到了较好的教学效果。在多次多纬度对英国艺术设计教育的探究中发现,主题式教学主要培养学生能够具备以下的能力:

一、有助于培养学生独立思考和分析问题的能力

一般课程伊始,导师就会根据所学相关领域设定一个课题,这个课题看似和专业知识没太大关系,但往往都是在循序渐进中引导学生逐渐找到学习的兴趣。比如英国某艺术类高校的插画专业,在教授学生如何在作品中体现插画的故事性、连续性这一特点时,导师并不是在课堂上直接传授理论知识点,让学生死记硬背,而是设定了一个“发现生活中的故事”(“TELLINGASTORY”)的主题,让学生们到户外用拍照的形式,记录生活中那些在我们身边,但又常常被我们忽略的能传递出故事情境的事物。学生们在课外收集相关资料和找寻设计灵感,体会细节,学生们会在观察和记录的同时,开始思考开展这个主题的意义,找到兴趣点。然后通过小组讨论(Seminar),让学生们分享探索体验,老师鼓励学生提出自己对问题的独到见解,调动学生积极性来思考和解决问题,增加学生自主研讨,独立思考和发挥创造才能的机会。因此在这一主题式教学活动中,学生独立进行研究探索的能力逐渐提高,并且懂得如何收集、整理和处理信息,学习主动性和学习兴趣进一步提升。

二、有助于培养学生交流、沟通与协作的能力

在以上文中提到的小组讨论(Seminar)这种教学形式会贯穿整个主题式教学活动中。根据导师设置的不同主题,每个阶段学生都要有针对性的提出创意构思和解说。除此之外,还会采用陈述(Presentation)的方式来向学生和老师表述自己的调研过程或者设计研究的思路等。Presentation 是英国高校学生通常使用的一种方式,主题式教学过程中会在每个关键节点采用 Presentation。由于之前学生们亲自参与调

研,收集资料,研究分析,所以在进行陈述的时候思路和表达的逻辑都非常清晰,听完主述同学的汇报后,其他同学会畅所欲言的表达出各自不同的意见,这个时候同学之间是平等的状态,所有同学都投入到了活跃的讨论中,大家积极思考,时而积极辩论,时而专心聆听,迸发出很多创意的火花。导师针对同学们讨论中出现的一些关键点,给予一定的引导和建设性的意见,学生们通过这样有效的交流与沟通的过程,明确自己课题研究的定位和发展方向,再继续将方案向前推进。此外,主题式教学也强调小组协作,因为与艺术设计类专业有关的工作大多都是团队协作完成,因此在主题式教学中也采用以小组为单位的团队方式,对某一个课题或主题进行资料收集和研究,学生在研究和探索过程中都是以小组合作的形式完成。同学们在集中讨论、分工协作、共享信息和资源中,逐渐了解到要想完成一个课题必须要通过集体的力量,每个人在团队中都能发挥各自的特长,取长补短,团结协作,学会与人合作、与人交流的重要性。

三、有助于培养学生创新能力

英国的艺术设计高等教育非常重视创新和原创氛围的营造,学生的创新能力在其教育思维和教育方式中充分的体现出来。好的创意不是灵感乍现,而是在教学过程中不断的激发创造力,在主题式教学中,通过对主题的深入研究,学生对主题最初模糊的理解逐步演变为成熟的创意,在这个过程中培养了学生原创思维和创新精神。根据老师在教学活动中设定的主题,学生们快速的进行头脑风暴(brainstorming),从一个关键词出发,再将研究范围扩大、细化,然后把想法和思路用

图片或文字的形式记录下来。一般来说,学生们会将自己的研究范围做很大程度的延伸,反而觉得这种探索未知的状态更加有意义而且能够更好的表达自己对主题的理解。通过这一方式,学生们的创新精神和想象力被充分的调动起来,逻辑思维能力也得到了加强。每个主题教学环节,每位学生都会准备一本“sketchbook”,这是一本关于学习研究的笔记本,会将自己的研究过程、授课内容、资料收集、草图绘制、设计思路等记录下来,所以从一定程度讲,这本“sketchbook”能够体现出学生们创意和创新思维发展的全过程。

四、有助于学生跨专业整合信息,达到扩充知识面的目的

在主题式教学活动中,教学的主体始终都是学生,教师的作用是在教学过程中对学生们的学习和研究方向给予全面的建议和指导。同时为了更好的提升教学质量,拓宽学生们的知识面,会有一些讲座(Lecture)贯穿其中,这些讲座的主讲大多都是业界的成功人士或其他高校的知名专家教授,他们的内容也不仅限于该专业领域,会给学生提供更多接触其他相关研究领域的机会,以拓宽学生的知识面,开阔视野,启发创意思维。另外,英国艺术设计类专业提供完善的教学设施配套,为主题式教学过程中理论联系实际环节提供了可能。例如设计工作室、电脑机房、制作车间等。教师鼓励学生主动探索不同的专业领域,从不同角度挖掘学生们的智力潜能,学生的动手能力和跨学科探索能力逐渐提高。比如在手工书制作车间,会配备一个技术指导老师,每位学生预约时间来车间学习制作,学生在车间根据自己的设计动手制作手工书,在遇到困难或寻求更好的解决方法时,可以和

技术指导老师商讨,得出解决方案。这种多角度多方位的学科交叉模式,打破了传统单一的授课形式,还将艺术与技术紧密联系到一起,让学生“知其然,更加知其所以然”,关注学生的研究能力,激发其主动积极的学习态度,也充分拓展了学生专业发展空间。综上所述,主题式教学在英国艺术设计高等教育环节中的应用,有利于培养学生的独立学习能力,有助于实现多元化的教学模式,更有助于实现崇尚创新以及学生个性培养。给我们在培养高素质的艺术设计专业人才的过程中提供了建设性思路,结合我国的教学体系和特点,可以借鉴和参考这种主题式教学方式来达到传授知识的目的,更重要的是能够在这一过程中体现学生的创新精神和个性培养,以适应社会对艺术设计专业人才的高需求。

【参考文献】

[1]董双.主题式教学在高等艺术设计教育中的重要性探究[J].读天下,2016.[2]邱燕芳.英国艺术设计教育读解[J].艺术与设计,2008(11):133-135

[3]何敏,杜雪娟.解读“创意笔记”教学法在英国艺术设计教育中的重 要 性 —— 以 英 国 温 彻 斯 特 艺 术 学 院 为 例 [J].艺 术 教育,2014(12):248-249.作者:董双 单位:合肥学院艺术设计系

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