写意梅花的画法教案

第一篇：写意梅花的画法教案

梅花的画法

【教学目标】

1、知识与技能目标：

熟悉中国画工具、材料、了解用线的表现方法，体会笔墨的韵味。能整体把握画面的虚实关系，尝试水墨的表现技法。

2、过程与方法目标：

通过讲解和学生练习的方法，掌握写意梅花的画法。能发展有个性的表现能力，领会中国画所寄托的人格精神。

3、情感态度与价值观目标：

让学生在实践练习的过程中，培养学生学习和继承祖国传统艺术的思想情感。

【教学重点】初步掌握梅花的画法，能独立创作一幅梅花。【教学难点】怎样较好地把握笔墨的韵味，用生动的线、形，在宣纸上画出高洁挺拔的梅花形象。

一、组织教学

组织课堂纪律，准备绘画工具。

二、设问导入

1、组织教学，教师朗诵诗句“梅花香自苦寒来。墙角数枝梅，凌寒独自开。遥知不是雪，为有暗香来。……”.2、设问：这些诗主要描写的是什么？ 学生回答，引出本节课题----梅花

三、讲授新课 赏析梅花

1、梅花简介：梅花是我国十大名花之一，被誉为花魁，其姿态多变，花色美秀，幽香宜人，为很多人喜爱。

2、启发学生根据掌握的知识展开关于梅花的讨论。

1）梅花的形态：花有五瓣、七蕊、呈圆形，民间又称'五福花',象征快乐、幸福、长寿、顺利、和平，花朵有正、侧、俯、仰、背朝向。梅干粗壮，弯曲如龙，梅枝、细直劲挺、千姿百态，有很强的力度和线条的韵律感。

2）梅花的品格：傲骨坚强、高洁挺拔的不屈精神。

3.古往今来很多文人墨客留下了许多对梅花的赞美之言，组织学生讨论。

4.学生畅吟梅诗句。吟梅诗句

四、赏析梅花

1.千百年来，很多画梅的名家辈出，欣赏一些梅花佳作。学生自主欣赏，体会笔墨的韵味，从而感受画家所寄托的人格精神。2.引导学生欣赏，从布局构图，用笔，用墨方面体会。欣赏名家名作

五、尝试笔墨，学画梅花

1.梅花步骤介绍：画主干-----画旁枝------画花-----调整 2.梅枝的结构和画法：出枝：先用笔蘸调淡墨，在盘子边上括干些，再蘸深墨，以中锋画出最前面的枝条。起笔时用中锋，画至枝条下端渐转侧锋，务必注意行笔过程中，枝条留白断开，以便填花。也可先用较淡的墨，以侧锋画出后边的粗枝干，再加前面深枝条。要根据构图需要灵活运用。无论那种方法，都要注意枝干的穿插交错、疏密关系和断开留白。

3.梅花花朵的结构和画法：

①点花瓣：笔蘸满朱膘色，水分略足，笔尖蘸曙红后在碟中调匀，形成笔尖深笔腹淡的墨色效果，笔侧锋触纸，手微微抖动，画出一边深，一边浅的约一角硬币大小的圆点，注意不要平涂。

画五个组成一个圆形即为一朵梅花。侧面花瓣要画成椭圆形，花苞用三笔组成一个圆形，花骨朵只用一个圆点来表示即可。

②点蕊：在花瓣半干时，用浓墨（注意笔中水份要少）勾花丝并点上花蕊，花丝应勾得细而挺，如虎须一般，花蕊要点的聚散有致，自然天成才好。

六、欣赏名家如何画梅花。

七、创作体会

1.学生参照优秀国画作品，依据收集的诗歌散文，尝试画梅花。2.赏析学生作品，学生从构思、构图、用笔、用墨等方面自评互评。

七、教学拓展

拓展到同样表现人格精神的荷、兰、竹、菊等题材。荷、兰、竹、菊题材作

第二篇：第二单元 写意梅花的画法教学设计

第二单元

写意梅花的画法教学设计

海桥中学

梅建华

作为学习中国画的入门课，学习本课知识能使学生初步了解中国画技法以及中国画的用笔、用墨的方法。为以后学习、欣赏中国画打下基础，使学生了解中国画托物言志、咏物抒怀的表达方法。

教学目标：

1、知识目标：

运用中国画工具、材料、了解用线的表现方法，学画梅花画法。能整体把握画面的虚实关系，尝试水墨的表现技法。

2、过程与方法：能发展有个性的表现能力，领会中国画所寄托的人格精神。

3、情感态度价值观：通过学习写意梅花，体验水墨韵味，培养学生的爱国热情、民族精神和审美情感。

一、教学重点、难点：

中国画通过笔、墨之间的关系来表现画面，从而达到托物言志、咏物抒怀的艺术效果。怎样通过笔墨来表现个性又是“只可意会，不可言传的”，所以把笔、墨的表现方法作为本课的重点内容来解决，而把“有个性的表现笔墨的关系”作为本课的难点内容。

二、教学方法和手段：

1、利用多媒体进行教学，运用课件中大量的图片进行直观教学，最大限度地激发学生的学习积极性。

2、通过教师演示调动他们积极参与、大胆尝试的信心与学习热情。

3、通过师生合作完成作品的方法，促进师生互动、生生互动学习。

4、以小组合作为主要组织形式，运用师生、生生的评价交流促进学习与提高。

三、学法指导：

要求学生善于观察，积极讨论，勤于思考，大胆表现，培养学生在课堂中合作学习、探究学习的习惯。

四、教学思路：

整个教学过程以欣赏、笔墨尝试到创作表现为线索逐步展开。

第一课时：

选用梅花的诗歌及图片设置情境导入，然后介绍梅花外型及所蕴含的象征意义，然后示范画法，进行技法讲解、学生分析和尝试。第二课时：

特别强调在画梅花枝干时，不能只是一味的描摹，应该充分利用笔法的变化，教学中始终贯彻美术教学的目的——培养学生的美术素质，而不是培养画家。即学生只要知道怎么画、为什么这样画，并不要求“他们”一定会画得完全统一。教学中教师应把握好过程，注重运用好评价机制激发学生的学习热情。

第三课时：

结合梅花和枝干画法、构图的形式。进行总体的创作。

五、教学过程：（教学环节设计）

①创设情景，引入新课

②积极探索，学习新知

③教师示范，引导观察

④展开讨论，激发思维

⑤学生体验，巩固提高

以上教学环节设计的依据是：学生感性到理性的认识发展规律；教师的主导作用和学生的主体作用相统一；传授知识与培养情感相统一；掌握知识与形成能力相统一等教学规律。

①创设情景，引入新课

通过王安石的诗（谜语）引出新课，在对咏梅诗的反复吟诵中增强咏梅画梅的热情。使学生认识中国悠久的历史文化，培养爱国热情，增进民族自豪感。

②积极探索，学习新知

1、运用课件进行教学，激发学生的学习积极性。

2、讲解中国画的发展史，增加学生的知识面。

3、通过大量的图片展示，提高学生的美术素养。

③教师示范，引导观察。

教师（示范）画一幅梅花，让学生观察中国画的用笔用墨方法。通过演示既可以让学生感受中国画的画法，又可以通过观察教师作画领会中国画的笔墨韵味。

④展开讨论，激发思维

让学生讨论教师演示时使用的笔法和墨法，通过合作、探究的形式得出结论。从而激发学生的思维，本阶段重点在于解决问题的过程。（由于学生自己通过探索总结得出的结论，比教师讲述的印象会更深刻。利于学生自主学习能力的培养和综合素质的发展。）

⑤学生体验，巩固提高

素质教育阶段美术教学的目的是为了提高学生的美术素养，并不是培养画家。因此，本环节只要学生能用手中的画笔在宣纸上大胆地表现，在体验笔墨韵味的同时，增进小组之间的交流学习，帮助学生形成相对成熟的审美观，而这些体验教师是无法直接告诉学生的。

本环节教师应该给予学生更多的鼓励与肯定，进一步激发他们的学习兴趣。通过体验，使学生能把知识转化为能力，进一步增强对民族艺术的热爱。

五、评价

1、自评。引导学生对自己的作品作出合适的评价。鼓励学生向同学展示自己的写意画作品，介绍绘画技巧和墨色体验。

2、互评。评出最喜欢的写意画作品，说说自己的感受。

3、师评。充分肯定学生呢感的作画热情和能力，对学生作品以及绘画过程中出现的问题进行点评，鼓励学生大胆创作。

第三篇：写意梅花说课稿

各位领导、老师们，你们好！

今天我要进行说课的内容是人教版八年级下册美术第二单元《装点我的居室》活动二，写意花鸟画小品。

首先，我对本节内容进行分析

一、说教材的地位和作用

《写意花鸟画小品》是人教版八年级下册美术第二单元造型、表现领域活动二的内容。在此之前，学生们已经欣赏、学习了室内装饰的各种风格，为过渡到本节内容的学习起到了铺垫的作用。本节课是国画知识和技能学习课，既能够复习学生所学的国画知识，又能够提升学生的国画表现技术，激发学生学习国画的热情。因此，本节内容在初中美术学习的造型、表现领域具有重要的作用。

二、说学情

八年级的学生从教材的设计要求来看，应该具备一些基本的美学知识，并能初步掌握一些画种的绘画方法和技法，但据我了解的学生现状来看，我觉得学生很难达到教材设计的标准。首先，在思想上看，许多学生对美术课的认识不到位，把美术课看作是可有可无的一门科目，认识不到美术课的重要性，其次，在日常生活中的学习中，许多学生学习态度不端正，作业应付，对美术课缺乏兴趣，最后，由于学生学习任务重，生活内容单调，对艺术活动缺乏热情，美术学习缺乏系统性，美术知识和技能几乎为零。

三、说教学目标

根据本教材的结构和内容分析，结合初二年级学生的认知结构及其心理特征，我制定了以下的教学目标：

知识目标：

认识和了解一些简单的中国画知识。

知道写意花鸟画的欣赏方法。

能力目标：

运用写意花鸟画的欣赏方法欣赏花鸟画，了解国画的笔墨技法，提高学生的审美能力。能够临摹或创作写意梅花小品。

情感目标：

通过对花鸟画的简单练习,使学生意像中对花鸟画中的笔墨技法有一定的感知。了解、感受写意花鸟画小品创作中的笔墨情趣和绘画乐趣。培养学生热爱祖国文化和艺术的情感。

四、说教学的重、难点

依据新课程标准，在研究教材和学生现状的基础上，我确定了以下的教学重点和难点 教学重点：

1．学习写意花鸟画的欣赏方法；

2．感受写意花鸟画的笔墨情趣。

重点的依据：只有掌握了花鸟画的欣赏方法，才能够体会写意花鸟小品的美妙之处和中国

画笔墨的情趣，才能够有愿望去实践、去尝试。才能理解中国写意花鸟画的人文精神，才能提升学生的美学素养。

教学难点：

引导学生初步掌握写意梅花的画法和中国画的笔墨技法,感受中国写意花鸟画的笔墨情趣。难点的依据：中国画的笔墨情趣讲解起来比较抽象，学生在这方面的基础知识比较欠缺，并且实践活动很少，可以说几乎没有中国画的实践经验，造型和表现能力都很弱，所以教学中以体验为主。

为了讲清教材的重、难点，使学生能够达到本节内容设定的教学目标，我再从教法和学法上谈谈：

五、说教法

考虑到我校初二年级学生的现状，我主要采取学生活动的教学方法。让学生真正的参与活动，而且在活动中得到认识和体验，产生践行的愿望。培养学生将课堂教学和自己的行动结合起来，充分引导学生全面的看待发生在身边的现象，发展思辩能力，注重学生的心理状况。当然教师自身也是非常重要的教学资源。教师本人应该通过课堂教学感染和激励学生，充分调动起学生参与活动的积极性，激发学生对解决实际问题的渴望，并且要培养学生以理论联系实际的能力，从而达到最佳的教学效果。

基于本节课内容的特点，我主要采用了以下的教学方法：

1、直观演示法：

进行直观演示，引领学生学画写意梅花，体验笔墨情趣，激发了学生的学习兴趣，活跃课堂气氛，促进学生对技能的掌握

2、分组讨论法

通过学生懵懂的学习，向学生提出问题，组织学生进行集体和分组讨论，促使学生在学习中解决问题，明确在实践绘画的活动中所运用的知识，丰富学生的知识，使学生的实践体验变得更加深切，培养学生的团结协作的精神。

3、欣赏讲解法

由于本节内容与现实生活的关系比较密切，学生已经具有了直观的感受和切身的体验，所以，对于相关知识的讲解，采取边欣赏边讲解的方法。因为学生在体验和分组讨论后急需要一个明确的说法，而且我相信有许多的学生在脑海中存在许多的疑问，所以在体验和讨论后，有意识的将学生引导到本节课有关问题的讲解上，即写意花鸟画的概念，中国画的笔墨情趣及写意花鸟画的欣赏方法这几个问题上来。结合课件中的作品，直观的欣赏感受，加上老师的讲解和相应的一些练习既调动学生的积极性，又明确了学生头脑中的问题，也使得课堂教学的目的和目标得以很好的实现，让学生对本节知识的认知更清晰、更深刻。

六、说学法

我们常说：“现代的文盲不是不懂字的人，而是没有掌握学习方法的人”，因而，我在教学过程中特别重视学法的指导。让学生从机械的“学答”向“学问”转变，从“学会”向“会学”转变，成为真正的学习的主人。这节课在指导学生的学习方法和培养学生的学习能力方

面主要采取以下方法：体验感受、分析归纳法、分组探究法、总结反思法。

七、说教学过程

在这节课的教学过程中，我注重突出难点，注重学生的实践体验，条理清晰，紧凑合理。各项活动的安排也注重互动、交流，最大限度的调动学生参与课堂的积极性、主动性。

1、导入新课：

复习上节课导入新课。

导语设计的依据：一是概括了旧知识，引出新知识，温故而知新，使学生能够知道新知识和旧知识之间的联系。二是使学生明确本节课要讲述的内容，以激发起学生的求知欲望。

2、讲授新课：在讲授新课的过程中，根据美术教学的特点和学生的实际、教师的特长，以及教学设备的情况，我选择了直观演示和多媒体的教学手段。这些教学手段的运用可以使抽象的知识具体化，枯燥的知识生动化，乏味的知识兴趣化。重视对学生的评价，调动学生的学习热情。重视教材中的疑问，适当对题目进行引申,使它的作用更加突出，有利于学生对知识的串联、积累、加工，从而达到举一反三的效果。

3、课堂小结，强化认识。

4、布置作业。

针对初二年级学生素质的差异，我进行了分层训练，这样做既可以使学生掌握基础知识，又可以使学有余力的学生有所提高，从而达到拔尖和“减负”的目的。

课后反思：

本节课是美术技能和知识课，当然以学生的技能训练为主，按以往的教学流程应该是先让学生学习了解有关的知识，然后才是技能的学习和练习。这节课，我颠倒了一下顺序，即先练后学，经过这节课后，我觉得效果很好，既让学生体验了绘画的快乐，也让学生顺利成章的学习到了知识。当然，这样做，也有很大的风险，学生在练习后，会出现课堂失控的可能，因为有些学生还沉浸在涂抹的快乐中，很难让学生集中到教师要讲解的内容上来，有可能使既定的教学目的失败。不过，技能练习后，我有意识的设计了分组讨论的内容，一是让新课改的理念在美术课堂上有所体现，二是扩大课堂的容量，最重要的是防止部分学生乱涂乱抹，拉不回课堂。从教学的效果来看，这样的尝试还是取得了一定的成效。在这堂课中，我觉得最成功的地方，就是在演示练习中，采用的演示办法比较可行，让学生跟着老师画，这样既降低了难度又使大多数的学生都能够体验到涂抹的快乐，使部分存在困难的学生也能参与进来，极大的调动了学生的积极性和热情。但课堂中也有许多的问题，譬如，相关美术知识的学习设计内容过多，时间有点紧，问题的设置不够合理，分组活动组织的不够成功等。

总体来看本节课我力求在愉快的课堂氛围中提高学生的美术知识和绘画技能，从课堂效果来看还是达到了预期的教学效果。

我的说课完毕，还请各位老师多批评、指导，谢谢大家。

说课教师：金羊镇九年制学校

吴天龙

2013-04-17

第四篇：国画写意牡丹的画法教案

写意牡丹的画法教案

盖洋中心小学

黄盛祥

教学目标

1.国画课通过花鸟、山水、人物画的画法学习，较熟练掌握基本运笔、用墨、用水、用色和创作方法，为以后进一步学习打下坚实基础。通过学习不断提高形象思维能力，如观察力、审美力、想象力、创造力等。

2.初步学习小写意花卉画掌握常见花卉的画法；能够较熟练掌握花卉画法，能够欣赏花卉等优秀作品。能够自己构图进行简单的创作，基本掌握简单的小写意花卉牡丹画的画法。

3.小写意牡丹画入门，掌握基本运笔、用墨、用水的方法，初步学习简单的牡丹画的画法；初步学习小写意牡丹花的画掌握常见花卉的画法。能够自己构图进行简单的创作，基本掌握简单的小写意花卉画画法。

教学过程：

一、师：牡丹是大花头的花卉，它品种繁多，色彩丰富，娇艳动人，深受国人的喜爱，有“国色天香”美誉，往往被人民誉为“国花”。牡丹是我国特有的花卉，也是中国花鸟画中最常见的表现题材。画牡丹时要注意将它和芍药分开，虽然牡丹和芍药在花头的外形上区别不是太明显，但它们的品质不同：牡丹是木本，芍药是多年生草本，在叶片的形状上也有区别，画是要将它们的特征表现出来。

A．花头的画法： 用中号以上京提笔(羊毫配狼毫的兼毫笔)饱蘸大红色，在调色盘上调和，使颜色向笔根渗透，再用笔尖蘸胭脂色，稍作调和后即在画面上点画。传统的点牡丹方法是一笔紧挨一笔，整个花头是由一笔笔由浓到淡的色点组成。花头完成后，乘颜色尚未干时，在花心和花瓣的交接处用胭脂加墨的重色进行调整，使花瓣的交接清晰生动。待颜色七、八成干时，用石青在花蕊处点上颜色，再用藤黄调白粉点花蕊。点花蕊时要按三笔一组的组织结构进行点画，千万不能无组织地随意点画。

B．牡丹花朵画法：

花朵和花头的画法相近，不同之处在于花朵有花萼和托叶，画时一定要从花朵的整体考虑，使花萼和托叶成为花头的有机整体。

C．牡丹叶片的画法： 用中号以上京提笔蘸花青加藤黄的淡绿色，在调色碟上调和，再用笔尖蘸墨，稍稍糅合一下，使墨色和笔上原有的颜色融合，用侧锋干净利落地在画面上画上叶片。画叶片要成组地进行，以三笔为一组由规律地点画，这样画出的叶片就不会杂乱无章。写意画的魅力不仅表现在生动的笔触，活泼的形象，还体现在滋润的色彩和淋漓的笔墨上，所以画叶片时要掌握用水和用色的技巧。起笔时色墨要饱和，下笔要迅疾，用一笔颜色画一片叶片，这样从起笔到收笔，自然就形成了干湿浓淡的变化。叶片色墨点画完成后，待其晾至七、八成干时，用较重的墨（色）勾勒叶脉。勾叶脉是一个重要的步骤，叶片的转折向背以及组织结构都是由它决定，因此要从画面的整体结构出发进行调整，不能只从局部考虑。

D．牡丹枝干的画法：

在一般情况下，枝干在画面上与花头和叶片相比，所占比重较少，但是在描绘时千万不可低估它的重要性，更不能随意点画，要了解它的结构规律和生长特征，画时才能表现出主干和嫩叶的不同质感。

二、学生自己练习，老师巡视，观察学生作业。

三、学生作品展示。

四、教师小结，下课。

优秀作品欣赏：

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第五篇：国画写意人物画法教学

写意人物画大致可分为写意线描、写意着色、大写意3类。写意线描是写意人物画的重要基础专业课，也是可独立运用的表现形式。写意线描，着重进行写意型人物画的观察方法、表现方法的最初训练，主要学习用笔课题，同时也研究用墨问题。写意着色，是写意人物画最常见的也是最常用的形式，是在写意线描学习的基础上进一步进行笔墨方法的训练，但重点应放在用色（包括颜料的性能、用色的技巧与艺术，色墨混用与对比、协调等）课题上。

写意着色可从着色兼工带写入手，并逐渐放开用笔而进入一般着色意笔。着色方法也可先学淡彩着色再研究重彩的表现。大写意，是最大限度发挥写意人物画技法特性、相对难度较大的一种形式，一些传统的简笔、泼墨、泼彩、泼水等技法都可在大写意的大笔挥洒之中得到充分运用。

1。写意线描基础

线描，是写生常用的一种技法，也是最简便的方法。这是一种单以粗细不同，刚柔相间、曲直有别、疏密相对、虚实相衬的线条来刻划形象的技法，也是国画技法中最古的一种。从西安半坡彩陶上就可以看到多变的线描鱼纹了。拿这些生动的艺术形象和原始的鱼类化石来对照，可以说明这些鱼纹是具有现实主义和浪漫主义色彩的伟大创造。

用自然科学的观点讲，线是面的边界，独立的线是不存在的，既使细如蛛丝的线、在显微镜下也是圆柱体。由于物各有体，有体就有面，有面就有线的感觉存在。先民们就是从这个视觉实践中发现了线、创造了线描技法。

我们运用这种技法写生时，也要根据这个理论，从物体结构上找到线。这个线则是艺术的线，可粗可细，可宽可窄，既有造型的功能，也有抒情的功能，具有丰富的表现力，奠定了国画技术的基础。初学线描以折枝的大花头入手为好，用铅笔写生便于修改，再用墨线重勾定稿为好。用毛笔墨线重勾时，要注意用笔的变化，随花叶边缘的起伏而起伏，随其翻转而转折，随其结构安排笔的起讫，随其动势注意行笔的疾徐，随其不同质感注意用笔的轻重、顿挫。一般说，粗线宜于表现肥厚的东西，细线则有挺秀，质薄的感觉，直线坚，圆线柔，干笔枯，湿笔润，线的疏密也能表现出不同的空间，色彩感。一幅线描画稿，可以用匀称统一的线条，也可以用多种变化的线条构成。用墨方面也是一样，一幅白描画可用一致的墨色完成，也可浓浅兼施，求得多样统一。所有这些变化都由作者尊重感受自由调遣。熟练以后，顶好用墨笔直接写生，对象的形神、动势、质感等等，常常会启发我们运用笔墨的变化，创出新的技法，塑造出更生动的形象，这对写意画创作特别重要。

写生不同于照像，可以添枝加叶、移花接木、去芜存菁，使形象更加完美。初学者顶好是就地取材，进行取舍或增益，不要事后加工，以免减弱画稿的生动性。

2。临摹方法

半坡人创造了线描，我们也要不断地创造新技法。马克思说：“人们自己创造自己的历史，但他们这种创造并不是随心所欲，并不是由他们自己已选定的情况下进行的，是在那些已直接存在着的，既有的，从过去承继下来的情况下进行的。”为了创造社会主义时代的新国画，我们必须批判地继承已有的创造成果。继不继承，确实有文野、粗细、快慢、高低之分。

知识源于直接经验。临摹是化间接经验为直接经验的有效方法。临摹方法：一是对临，一是背临。对临主要用于工笔画、工笔画的工艺性强，可以笔笔求似。也可以用于写意画的学习，只须领略大意，不必笔笔求似，因为写意画中含有一定的偶然效果，既使原作者，重画原稿也不可能完全一样的。

背临的程序如下：

首先是选好临本。一种是就自己喜爱的画风，选自己仰慕的画家，特别喜爱的作品有利于自己画风的发展。一种是根据自己创作需要、丰富表现技法选择临本的。一种是为纠正自己的用笔习气选择临本的。不管是从哪个目标出发选择临本，都以笔迹清晰的原作为好，至少是质量较好的印本。

其次是读画。仔细观赏临本，领略画意。为此，也要阅读有关作者生平的材料，特别是与此画有关的评论。注意画面的题跋、款识、印章都有助于画意的理解。

三是技法分析。领略画意之后，详审技法特点，推敲画面效果是如何取得的，以及作画工序，先画什么，后画什么，何处起笔等。比如郑板桥学习徐青藤《雪竹图》所作分析：“纯以瘦笔破笔燥笔断笔为之，绝不类竹；然后以淡墨钩染而出，枝间叶上、罔非积雪，竹之合体，在隐跃间矣。”便是一个很好的范例。根据技法分析再来斟酌原作使用的器材，主要是：画本是纸是绢，是生纸还是熟纸；作画用笔类别、是硬毫、软毫，还是兼毫；再是用水的质量，是自然水，还是含胶的水。工具和材料是技法的物质基础，如果工具、材料不对头，就很难临得原作的效果，学到其中技法。斟酌好了以后，至少要画好质量近似的东西。

写意画创作要成竹在胸，临摹写意画则要成画在胸才能落墨。根据自己的需要，可以整幅通临全画，也可以局部节临。临摹完成后再对照原本校对一下，分析成败，总结经验。学时要求似，用时则要取长舍短，融汇于我。清人袁枚论诗说：“平居有古人而学力方深，落笔无古人而精神始出”。值得很好的玩味。3。写意画着色和大写意

写意着色除应继续写意线描研究用笔外，主要研究方向转向用墨、用色、色墨结合的课题之中。

中国画中的笔与墨是不可分割的一个整体中的两个方面。笔中有墨，墨中见笔，是传统画对笔墨的基本要求，各种用笔中都脱不开墨色的变化。变化而有韵味却是不易之事，它是随着实践与涵养的提高而提高的。有墨而无笔，则墨中无骨，而无骨之墨易烂易平，从而失去表现力与中国画特殊之笔力感。因此前面所讲到用笔问题实际上同时是离不开用墨课题的。写意着色人物画，尽管将主题转入用墨与用色，实际也是进一步研究用笔的过程。色与墨在艺术上有许多共同的要求，用墨如用色，墨分五彩，而用色需见笔，色中见骨，是用墨用色的传统要求。中国画在形式感上的重要特征是以线为主体的各种不同墨与色的笔触有机、和谐而有韵律感的组合。当然作为用色它还有其他多种艺术表现的要求，而现代写意人物画中对墨与色中见骨的概念又在扩大与延伸，如追求肌理效果等，更多地丰富与强化了墨与色的笔触感。

墨色大致有焦、重、浓、淡、清之分，有枯润之变，有破墨、积墨、泼墨、宿墨、胶墨之法。墨之韵味与节奏产生淡雅、沉厚、丰富、淋漓、滋润等各种不同艺术趣味，并以此表现物象的某些形体与质感，意境与情趣。用墨的诀窍是在变化中求统一，这变化可以是各种墨色之间的对比，也可以是墨色本身的韵律感、丰富感、肌理感，因而用墨一般有两种倾向，一是对比中求统一，另一是统一里求变化。前者追求丰富而鲜明，后者则应和谐而不单调。

墨法中最常用的是破墨法。由于生宣纸的渗化性与排斥性，水的含量以及落笔的先后不同，可使浓淡之墨在交融或重叠时产生复杂的艺术趣味。具体讲可分浓淡互破、枯润互破、水墨互破等，而这其间含水量、速度、落笔相隔之时间、纸性与墨质、笔类与笔型都起着不同程度的作用。如同样的含墨含水量，由于下笔速度快慢不同，会引起宣纸与笔接触的瞬间的长短，这样在宣纸上反映的浓淡及渗化度会因所吸的墨与水多少而不同。如果两笔之间相隔时间长短不一，也会因先落之笔痕干湿度以及渗化范围大小不一而与后落之笔的交融中产生不同效果。羊毫与狼毫因吸水放水量不一样，作破墨效果润枯度也不一样。鲜墨与宿墨、胶墨，用破墨法都会产生极不同的效果

鲜墨清醒华滋，宿墨古朴而浑厚，胶墨凝重而生涩。纸质优劣或渗化性不同，用同样之水分与墨色，效果也会大异。油烟墨、书画墨汁、松烟墨、墨胶以及广告墨色都会在宣纸上产生不同趣味，而这些不同性质的墨，会因不同质地的纸产生大相径庭的效果。因此墨法的掌握需要的是实践与个人经验的不断积累。

积墨法，山水画中用得较多。所谓积墨是指各种不同墨色、不同笔触的不断交错重叠而产生的特殊艺术效果，给人以浑朴、丰富、厚实之感。积累时每一层次的笔触的复叠，一般在前一层次的笔触干时才进行，而笔触的相叠必须既具形式感又能表现物象。积墨时，湿笔比渴笔更难，因为湿笔之积累，易臃肿呆俗，不易追求到苍郁淋漓的效果；而渴笔不但容易疏松灵秀，如有败笔时，也容易补救。渴笔之积累应防止松散纤弱。湿渴混积是最常用的技法，搞好了可出现浑、秀并呈之效果。积墨法在人物画中一般用在画毛发，粗质感的物件与衣着，老人的皮肤，以及表现某些对比及气氛中的特殊效果等。

宿墨之法。宿墨是因室温偏热，而使所研的新鲜之墨胶与墨发酵分离而成的，这种变质之墨可能在偶然中被画家发现其所能产生特殊艺术效果。宿墨因胶部分或全部发酵、墨粒游离引起沉淀，这样便会在宣纸上时凝时化，而且笔痕清晰，不易渗化或覆盖。宿墨不如鲜墨之墨色有光泽，但却乌黑而浓郁，作画时，往往因其各种笔痕不易相融重叠，以及部分未发酵之墨的偶发性的渗化而形成一种特有的奇趣，从而使宿墨法自成一格，并被历代画家所青睐。

泼墨法，是指随笔将多量的不匀之墨水挥泼于宣纸上的作画方法。这种挥泼而成的笔痕、水痕，有一种自然感与力度，但有很大的偶然性与随意性，是作者有意与无意的产物，容易出现既在情理之中又在意料之外的效果。泼墨法往往和大写意联系在一起，适用于追求情趣、感觉以及在造型上无需很严格的题材与物象。如画衣着宽松不定型的人物，画活动中或舞蹈中的简笔型人物，或画处在风、雨、雾、夜中的人物，都有利于泼墨法的发挥。

指墨法，是以手指为笔作画的一种特殊表现手法。早在唐代就有“以手摸素绢”作画的记载，但真正形成指墨法，是清代高其佩，他在前人基础上发展与完善了指墨的技法。指画实际是运用手指头、手指本身，甚至手掌部进行作画，一般地说，手部的凹凸与皮肤是贮水器，附在手部的墨水沿着手指不断流向指尖，利用手指指甲与指尖肉进行作画。指甲无需太长，半厘米左右足够了，太长容易使所画的痕迹单薄，甲与肉同时接触纸而容易产生较厚重之效果。五个手指可以分别运用，也可以连续运用，也可二、三指合起来使用，甚至手指各关节与手掌有时也可配合使用。为了蘸水方便，也可用小碟盛墨水，凑在手边，边蘸边运指。指画用纸不宜渗化度太大，应用豆浆纸、煮硾笺或者熟宣或相当渗化度型纸。

胶墨法，是指以参胶之墨作画的技法。参胶可先参和在墨中，使墨成重胶状，也可墨与胶随时边参边画。胶墨在宣纸上因胶与墨之间比水与墨之渗化困难并且容易产生不均匀，而我们正是利用这种特殊性能去表现某些新的感觉。胶墨画法自古有不少人运用，如任伯年、吴昌硕、蒲华都是用胶墨的能手。胶墨之痕在干后仍有新鲜而湿润之感，而且水所渗成的边圈包围透明的墨韵、墨块之效果，常为画家所利用。

墨法并非仅以上几种，新的墨法也在不断发现和试验，但有待于进一步完善与总结。

色，可以分为颜色与用色，在古代写意人物画中，用色居从属地位，水墨为上，水墨为主，用色特别是用重色的作品很少见。近代与现代的写意人物画用色开始增多。

中国画颜料，原先都是直接取自矿物与植物，朱砂、朱磦、赭石、石青、石绿、石黄等都以矿砂加工而成，花青、藤黄、胭脂等取用植物之汁加工而成。现代使用之颜料，已打破原先之框框，许多水彩色如群青、紫、洋红、曙红、铬黄、天蓝、大红、柠檬黄等等都成了经常借用之色，甚至部分水粉色也时而掺和用之。颜色中矿物之色与粉质色不易渗化，却极易沉淀，一般地说，植物质与非矿非粉之色渗化度大，也不易沉淀，可是真矿物之色有不易褪色之优点，而其他之色到一定年代画面便会褪色，难以长期保存。

写意人物画用色有原色、调合色、色墨三种。古代之绘画以原色为主，写意人物画也如此，而且以淡彩居多，现代写意人物画用色品种繁杂，手法也随之增多。原色与墨色之间有天然之联系，以墨为主的画面原色会显得单纯、醒目，有协调之感。而以原色为主的画面，墨色也会具清晰明亮之效果。现代的写意人物画，原色使用仍是人们研究的重要课题，特别是对民间美术、民间工艺美术中使用原色的研究和汲取，从而使现代写意人物画之原色色调比古代要丰富得多。

现代写意人物画注重画面的色彩调子，促进了对调合色使用的研究。如西方绘画，特别是水彩、水粉画的用色方式，现代工艺美术的色调处理，磨漆画的色彩感觉以及对自然界新的审美视角的追求等等，都是影响中国写意人物画的调合色使用的重要因素。但中国写意人物画调合色研究的基础重点应放在固有色的变化上，对光源色研究与利用不能作为重点。调合色应在表现丰富多彩固有色的变化上多下功夫，从色块的并置效果中求得大统一、小对比、丰富而协调的效果。

在古代作品中，用色一般不打破物象原来不同固有色之间的界限，在现代之作品中，有的仍沿用这种手法，但已开始按画面需要与作者的主观感受去概括与处理画面的色彩，或打破固有色之间的界限，或归并同类色甚至按气氛与表现的需要改变原有的色相等等。这些手法虽然超出固有色的色相与界限，但仍需以所表现物象为依藉，尊重特象的总体感受与印象，否则容易失去生活的浓度，并养成用色上类型化、概念的习惯。

色墨是中国写意画很有特色的一种表现手法。由于生宣纸有渗化性的特点，色、墨、水的互相渗融过程会形成无穷的极为丰富的色墨深浅层次，如果蘸墨技巧较高，水、色与墨又会在落笔前的毛笔笔端先形成丰富的层次，如果运笔时这种笔端的变化与宣纸的渗化度利用得当，便会产生只有中国写意画才具有的神奇效果。

色墨的混合使用，应该注意几点，一是墨与色在调色盘中不能过分地调搅，如果调搅过分均匀，画面上易形成呆板的效果，如果嫌调合太匀，可在落笔前再蘸水以造成笔端色墨的再次不匀均。二是含水之笔蘸墨与蘸色后可不在盘中再调和，即直接落笔在纸面上，边运笔边调和，同时也边表现，让色、墨与水在纸面上进行自然的交融，从而色与墨可保留各自原本的明亮度。三是通过不断实践，提高把握笔端色墨分量以及落笔后效果的能力，特别是落笔后从浓到淡的反复涂抹，从而使色墨的对比、层次、比例在运笔中产生由强到弱的丰富而自然的色墨之阶。四是白色与墨的混合使用会形成特殊的区别于淡的银灰色，如果与新鲜纯淡墨并置使用，会产生微妙的韵律感。色墨混用会增强色彩浑朴感，又会使墨色增添层次，并容易使画面减少火、俗之气。不过一幅画面不宜普遍使用色墨，这样容易花和碎。调合的色墨与不调合的色墨可结合使用，以便画面更耐看一些。近代历史上有许多色墨运用的高手，如吴昌硕与任颐、齐白石给我们提供了很多这方面的范作，有待于进一步继承与发展。

水的使用。画写意人物画离不开用水，笔、墨、色的特色的发挥很重要的因素便是用水，“墨非水不醒，醒则清而有神”，画面要有神韵，首先必须掌握用水技巧。用水涉及笔端含水多少，纸与笔的品类，用笔的速度及接触纸面的时间长短，用笔的力度与方式，还有水本身的不同性质等等。譬如，笔端含水量的多少，直接影响画面渗化的结果，而同样的含水量，在不同的用笔速度与力度情况下，又会产生不同的枯湿感。含同样水分的软毫与硬毫，因为软毫放水慢，而硬毫放水快，会产生不同的笔痕，而不同性能的纸质又会直接影响水分渗化度的大与小。同样的含水量又会因中、侧、卧、逆的不同用笔方式而产生不同效果。如中锋水顺流，侧锋与卧锋水不顺流，而逆锋又会因笔毛时紧时散而减少笔毛与纸接触面，使宣纸无法集中汲取笔端所含之水等等。而水本身的不同性质又会影响其与色与墨的调合效果，如清水、混水、矾水、胶水、酒水作为调合之用，或者单独使用都会产生不同的艺术趣味。清水是最常用的，前面提到的笔、墨、色的效果，指的是清水的作用。混水可使色泽稳重，矾水可使色墨之笔痕清晰，胶水可减缓渗化速度，使部分色墨似化非化，并保持湿润之感觉，酒水可加速渗化范围，也会使有的色与墨沉淀等。不同的水如果先入纸面都会在生宣纸上形成水晕与笔痕，而这种水痕产生排它性，使后敷之彩与墨无法将其全部覆盖。从而保留住隐现程度不一的痕迹以表现某些特殊的效果。大量的清水又可以部分地冲移未干之色与墨的痕迹，或直接冲渗入色墨之中产生新的水痕。

勾勒是中国画用笔的主要形式，勾勒表现的难度也最大。单线勾勒明确而暴露，因此比其他用笔形式更需精心设计和具有较深厚的功力，才可能使画面笔笔讲究，有力度、经看，笔与笔之间要有呼应，节奏，构成疏密有致，浓淡与枯温得当。改变传统线的用笔方式，追求新的形式趣味，追求总体上线的节奏感与造型的整体感。笔简而意繁。勾勒应尽量洗练，必要时勾勒可重新按需组合，精取大舍，甚至改变物象的原本形态。注意每一笔功力的体现，笔与笔之间的刚柔、曲直、浓淡的对比，互相之呼应与韵律，主体构成的用笔应尽量反复斟酌。以勾勒、皴擦、渗染等手法为主，画面可将扎实与虚松结合起来，并注意实而不板、松而意到的效果。

生活小品。尽管是即兴的随笔画，但平时必须大量积累有情趣的生活速写之素材，毛笔速写与其他速写均可，在这种速写的基础上进行小品构思，促使想象力的发挥。拖泥带水，边勾边涂抹，一气呵成，以期达到自如、生动而浑然一体的

艺术效果。充分利用宿墨湿中见笔、似渗非渗的性能，宿墨一般地说以湿笔易出效果，枯笔则特点不明显，因此凡以宿墨作画，可多用湿笔、饱和之笔。以疏松的枯笔为主的表现能给人以苍劲之感，枯而凝练是掌握枯笔的关键，利用枯笔所产生的飞白，作适当渲染，通过细心的收拾，使画产生松动而整体的效果。打破常规的线的组合方式，使点与线形成有机结合的格局，并改变线的肌理效果，但保持传统线的讲究功力的基本特点，以丰富线的艺术趣味，同时提高线的表现力。各种技法的结合使用，枯、湿、皴、擦、点、厾、渗、染的有机组合以更充分地表现物象，落笔前对线、点、面的安排，可有个大体的设想，以使画面整体自然、丰富。

采取总体统一而局部对比的手法。总体上笔法的统一，使主要支撑形体的用笔有足够的。强度，构成合理优美。局部的对比，可虚实相间，以突出主要的部位，各种局部的对比手法又都必须自然地融合于总体的统一格局之中。