交响乐鉴赏学习心得

第一篇：交响乐鉴赏学习心得

交响乐鉴赏学习心得

通过本课程，我对交响乐有了一定新的认识。

首先当然是对于交响乐基础知识的一些了解，交响曲是一种具有奏鸣曲体裁特点，由庞大的管弦乐队演奏的宏大套曲形式的音乐作品。由于交响乐曲式结构宏大，乐队庞大齐全，有强大的音响力量，加上丰富多彩的音乐千变万化，管弦乐队的表现力能得到高度发挥，因此意蕴深远，善于表现神秘、丰富而复杂的感情，对于大自然的诗情画意的描绘更是有独特的色彩效果。因此，交响乐有强烈感人的艺术魅力。此外还有对于一些乐理的了解。或许这些东西平时都不会用到，但是能提升自己的文化素养，这些还是非常重要的。

其次，是对于交响乐的一些里程碑式人物的了解。贝多芬、莫扎特、圣桑、舒伯特等人物虽然是如雷贯耳，但是却着实缺乏了解，课上老师细心地为我们一一介绍他们，并且播放了一段段他们经典的乐作篇章。或许只是十多分钟的欣赏，然而却给我留下了十分深刻的印象。许多一听就十分熟悉的曲目，此时就显得更加亲切。

当然，还有对于乐器的一些了解，正是通过这组成交响乐的一个个小部分，才能更好地了解交响乐这一不同的文化。

谈到这门课，说实话，主要是对于交响乐这一对于现在边缘化的艺术的一种好奇与喜欢。我是来自农业与生物学院，食品系，平日中必修课都是一些理工科类的课程。当然，我也能从交响乐中得到一点启示，例如从音乐中领会谱曲者的心境，理解乐曲中的内容。在我们的学习中，很多也是需要自己的理解，方才能更好地学好这门课。但是我想说，交响乐鉴赏这门课，更多是将我从繁忙的课业中拉出来，体会一种不一样的节奏。

谈及建议，对于老师的为人还有授课的内容等等都觉得值得称赞。很多方面都是同学需要提升。当然，我也建议老师适当地为同学们每周布置一些小任务，不必检查，权当大家的兴趣与提升大家的文化素养，得到一种潜移默化的培养。

这一学期我也做到了每次都出席交响乐鉴赏这门课，也十分喜欢这门课，最后对老师这一学期来的教导表示感谢。

农业与生物学院 宋奇琦 5101509072

第二篇：交响乐鉴赏

一.古希腊人的音乐思想

黑格尔说过，“艺术是理念的感性显现”。音乐是“把不和谐导向和谐，把杂多导向统一”的形式。归根结底，音乐是一种数字的艺术，而数字是对世界的表达。欧洲人普遍认为，科学是理性的眼睛，艺术是感性的发挥，它更能揭示事物的本质精神。科学和艺术的关系是同智慧和情感的二元性密切相连的，只有拥有智慧，才能理解科学，才能鉴赏艺术，才能在之后升华自己的灵魂和思想。交响乐是专业音乐的典范，它的文化基础来源于古希腊，音乐是他们开启精神世界和宇宙世界的钥匙。交响乐由两单字构成，是一种数音和鸣的艺术形式，最早来源于古希腊，当时的艺术具有公众文化精神，蕴含着和而不同的特点。总而言之，科学和艺术是分不开的，而交响乐又是艺术之中一种宏伟而优美的形式。

二.欧洲专业音乐的开端

巴洛克时期是欧洲专业音乐的开端，伴随着文艺复兴，科学也从沉睡中觉醒，例如凡尔赛宫的建造。巴洛克时期的音乐特点是马不停蹄的音乐节奏，而其中阶梯式的力度变化又使音乐具有永恒性和和谐的色彩。当时音乐的体裁是主调音乐和复调音乐相辅相成，要想听清个别旋律，就只能对其他的声部毫不关心，要想顾全大局，就很难捕捉到个别声部。巴赫是当时音乐的代表人物，被称为欧洲音乐之父，他的音乐具有逻辑性，十分严谨，而且蕴含哲理，耐人寻味。在同时期还有另一位代表人物亨德尔，他的作品《绿叶青松》则是当时具有代表性的管弦乐器音乐。

三．巴洛克音乐

巴洛克音乐始于德，终于意大利，是当时音乐十分辉煌且富有特点的一个时期。其中，协奏曲是巴洛克时期最典型的音乐，而维瓦尔第的《四季》又是其中的代表作。协奏曲，并非实至名归，而是在协作的同时，进行“竞争”和“比赛”。一般协奏曲都分为三个乐章，先由快到慢，又由慢到快，也有回旋曲式，例如A+B+A+B....的形式。协奏曲是一种超越生命的艺术形式，巴赫曾经说过：“每个清晨我愿舒展在你的怀抱。”这就是对音乐美的追求的一种深层形式。

四．古典主义精神

什么是古典主义？首先，说到古典主义，就不得不谈古希腊文化。古典主义最典型的特点就是冷静客观，坚守传统，从古典主义的方向来形容古典主义时期的音乐，只有“秩序”这个词。海顿被称为交响乐之父，还有与他齐名的莫扎特，他们创立了新的秩序，这也正是他们的伟大之处。音乐首先在于它的形式，“法”从音乐中来，是可思熟不可思，只有理解音乐形式，热爱音乐的人，才能真正理解音乐的奥秘，知之者不如好之者，好之者不如乐之者。叔本华曾经说：“国王和乞丐同事透过窗子看窗外的余晖，都能感受到自然的美丽。”这就是音乐的艺术，冷静而客观。古典主义立足现实，积极进取的精神，也是我们现代人追求的。

五．交响曲

交响曲主要分为四个乐章，从不同的角度描述生活。第一乐章表达矛盾的心情，是生活的重现；第二乐章表达感性的心理，表现生活的体验和沉思；第三乐章表达的是真理和理性，第四乐章又称为终乐章，内容和矛盾的结果有关，一般表达乐观肯定地情绪。贝多芬是交响乐作家中的典型代表，他的音乐被称为“流动的建筑”，他的音乐中也饱含着各种蕴含着情绪的乐章，例如《命运交响曲》中的第一乐章鸣奏曲，其中就能够感染听者，给人积极向上的情绪，如同现在的阿Q精神，乐观风趣。总而言之，交响乐就是显示，展开，再现的过程。

六．浪漫主义音乐

浪漫主义音乐，顾名思义就是一种十分虚无缥缈但是却又十分美妙的艺术形式。可以分为几种：礼乐--庄严的，雅乐--有情操，宴乐--其乐融融，而现在的俗乐--艺术不再崇高，生理转化为情绪。“光晕”一词就很好的阐述了浪漫主义音乐，德国思想家本亚明说过，光晕产生的前提条件有三个，第一：距离产生美，艺术需要想象；第二：需要有稀奇的感觉，因为物以稀为贵；第三：光晕是一种灯火阑珊处的美，妻不如妾，妾不如偷，偷不如偷不着，只有越虚幻越得不到的才是最美好的。康德对音乐的定义是：音乐是感受游戏的形式。而浪漫主义音乐家，就是一群以天下为己任的人。

七．标题音乐

标题音乐是浪漫主义音乐的重要主题，带有标题，给你启发。在源于法国大革命的欧洲浪漫主义中，贝多芬的《田园交响曲》在其中有十分重要的意义。奥地利的音乐美学家汉斯立克在他的书《论音乐之美》中曾经说过：“音乐之美在于乐音和谐，音乐可以表达一切”。艺术是舒适的陌生人，有典型意义，音乐的表达。敢于物而动故型于声，声相应故生变，变为方渭之音。匈牙利的卢卡奇说：“同治中介。”这是一种拟人化，人的所有思想是物质基础，化学构造的，科学发展诗人用数字来解构一切，心，音，物，三者密不可分。在标题音乐之中《英雄》拉开了浪漫主义的序幕，《田园交响曲》拉开了标题音乐的序幕。

八．永不褪色的肖邦，贝多芬

艺术家出名的是才华，而不是人格，是由于他们的作品才让他们流芳百世，而且经典是永远不会过时的，就例如贝多芬的《第九交响曲》在今天仍然是脍灸人口的歌曲。音乐也有民族乐派之分，不同的民族有不同的特色音乐风格。小国的国民具有强烈极端的民族荣誉感，他们自觉地保卫本民族的文化风貌，防止被强国文化所同化和侵蚀。肖邦就特别推崇波兰的民族音乐，欧洲的民族乐派本来起源于俄罗斯格林卡的沙文主义心理，但是却意外作用于欧洲小国。中国身为一个具有五千年文化历史的文化大国，音乐也有独特的特点，讲究的是五行相生相克。民族乐派实际上也包含了弱小国家对原始文化的热爱，对异国情调的向往。总而言之，用简便的话说，民族乐派就是北方民族向往南方民族温暖的色彩，西方民族向往东方民族的神秘景象。

九．歌剧

歌剧起源于十六世纪的佛罗伦萨，作为音乐与话剧的联合形式，它和交响乐也有着密不可分的关系。歌剧的性质是一种综合艺术，它是一场艺术的盛宴，综合了戏剧和音乐的特点，是真事的歌唱，是情感的艺术，与剧中的情节和人物结合。歌剧序曲，就是最古老的交响乐题材，被称为交响乐鼻祖。威尔第是最伟大的歌剧作曲家，而歌剧序曲的代表作是柴可夫斯基的《1812序曲》，序曲可以分为两种：歌剧序曲和音乐会序曲。歌剧音乐的特点是综合的艺术，是演唱的艺术，是有情感的，真实的，遗憾的，讲究的，理想的艺术。歌剧的产生，也是人类艺术史的一大进步。

十．印象主义音乐

印象主义音乐，是一种十分抽象的音乐形式，德彪西，马拉美是象征派诗人，德彪西的代表作《大海》就有浓烈印象主义色彩，从黎明到正午，到海浪的嬉戏，最后到人和海的对话，都是朦胧之中的美好景象。我们中国古代的老子和孔子的精神就是印象主义乐派的精神：出世。印象主义音乐分为诵，音响和音乐，表现的是音乐本身的色彩，它表现的是光和色彩而不是山水，是和谐唯美的，德国一位音乐家就曾经如此评价过：“从朦胧中来，又回到朦胧中去，永远不恢复世界的本来面目。”古典主义音乐是形式简明的，浪漫主义是注重现实和情感的表现，而印象主义则是对人的内心抽象微妙的表现。

十一．现代主义音乐

现代主义音乐是指20世纪具有特殊风格，创作观念上的高度理性，形式内容非理性的音乐，包含着原始主义色彩，偶然却又具体。现代主义音乐大量使用不和谐的声音，这是原始主义的特点，而原始主义的代表是俄裔犹太美国作曲家，斯特拉文斯基。他的代表作是交响鼓曲《春之祭》，讲的是原始的青年男女在春天的躁动还有将少女献祭给神明，这首歌在当时被演奏出来之时曾被批判“过于前卫”因此而不能被当时的人们所接受，将春天美好的景象和献祭结合在了一起，这就是现代主义音乐“现代”的地方，在音乐中所包含的思想就超越了当代人们的音乐理念。“艺术是本能的花朵”，在现代人权的不断加强和人们对人权观念的不断看重，现代音乐也可以将人的本能进行装点，美化，升华，这是世界上极少数能操纵他人之人创造的艺术。

第三篇：交响乐鉴赏感言

交响乐学习心得体会

091102 031120090053 叶龙花 周四晚上和昌102 音乐，能给人以轻松和愉悦。我热爱音乐，虽然我不会弹也不会唱，但是，每次心情不好时，音乐便是治愈心情不好的良药。它能带你进入无忧无虑、美好的境界。而交响乐也是音乐的一部分。它时而铿锵有力，时而欢快轻松，听着交响乐，好像整个人都被音乐点燃了。这学期之所以选修交响乐，主要有两大原因，一是想更加多的了解一些交响乐的相关知识，二是给自己紧张忙碌的大四生活增添一些乐趣。

交响乐，人们常把它喻为“音乐王国的神圣殿堂”。而交响音乐主要是指交响曲、协奏曲、乐队组曲、序曲和交响诗五种体裁。但其范畴也时常扩展到一些各具特色的管弦乐曲，如交响乐队演奏的幻想曲、随想曲、狂想曲、叙事曲、进行曲、变奏曲和舞曲等。而对交响乐的鉴赏又何曾不是获得一次和谐之美的享受呢？

第一堂交响乐课，我学到了很多交响乐的基本知识，这让我对交响乐有了一定的理性认识，老师讲了很多内容，包括如何区分各种乐器的音色，大提琴、小提琴等，还让我们听了一些交响乐。我觉得这些不但能丰富大学生的知识，还可以促进我们的视觉、听觉，对我们毕业班学生来说也可以使疲惫的身心得到一定的舒缓。

每当音乐响起，我的内心就会不由自主地随着音乐的旋律颤动，曾经，仿佛在哪里听过，似曾相识的感觉让我陶醉，虽然不懂，但伴随着悦耳动听的声音，会不由自主地想象着万马奔腾，想象着小泉叮咚，想象着情意绵绵，想象着心潮澎湃，想象着一切可以想象的，天马行空„„

其实交响乐和流行音乐不同，记得我高中的一位音乐老师说过，流行音乐一开始就觉得很好听，但同一首听多了就会觉得没什么感觉了。而交响乐恰好相反，它比较耐听看，可能刚开始听你会觉得它太吵，但是越听越好听，而且听完后都会感觉到一种精神的升华，这种升华在日常生活中可以说是很少能感觉到的。当今社会，流行音乐好像比交响乐更加受大众欢迎，也更加适合于这个社会。但是，交响乐对于这个社会的影响却远远胜过流行音乐。如果说交响乐是一个涉世未深的小孩，那么流行音乐就是一位饱受污浊社会风雨的大人。菜根潭曾经说过这么一句话“涉世深，点染则深，涉世浅，点染则浅”，可见流行音乐虽然很适应这个社会，但被社会同化、污浊了也就越深；而交响乐虽然好像与大众追求格格不入，但它受社会毒害最小，是最纯洁的一方净土。可见交响乐对一个人保持纯洁心灵的作用是非常大的！

在众多的交响乐里，我最喜欢的便是贝多芬的《命运》，每当听到这首曲子时，曲子里那急冲冲的扣门声及作者要“扼住命运咽喉”的呐喊，就会使我马上联想到这样一幅画面：命运之神满目狰狞，手持权仗逼近贝多芬的小屋，贝多芬有所警觉，迅速的抓住一把长剑，命运开始扣门了，声音越来越响，最后门被撞开，贝多芬虽然被他弄成了耳疾-痢疾，但却毫不退缩，坚定与命运做战：这是一场毫不喘息的战争，但最后，命运屈服了，贝多芬吹出了胜利的号角。《命运》整曲听起来激昂，紧张，但上述故事却不得不让人承认是属于奇幻范畴内的。他的《命运》里揭示了人在生活中遇到的失败和胜利、痛苦和欢乐，说明生活的道路是艰难曲折和满布荆棘的，但是对社会负有的崇高责任感，使人们格外奋不顾身去奋斗。英雄扯断束缚着他的锁链，点燃自由的火炬，朝着欢乐和幸福的目标胜利前进。从黑暗到光明，通过斗争走向胜利，这就是《命运》所要阐释的贝多芬 “通过斗争从黑暗走向光明，获得胜利”的思想。

作为一名毕业班的学生，即将面临就业的选择，各方面竞争和压力都很大。而通过学习和欣赏交响乐既能让自己放松心情、缓解压力，也有助于我们树立正确的人生观，世界观和价值观，在面对生活的挫折和压力时能够积极对待、正确处理，增强抗压能力。

同时，交响乐作为一种表演艺术，表现的手段、创造的形象，以及表达的情感，都蕴含着丰富的审美经验。学习这门课程还有一个好处就是它可以提升我们的审美能力。另外，感受交响乐也是培养、引导大学生发展和运用形象思维的过程，分析交响乐作品的表现手段、交响乐形象和进行乐理教育的过程也是培养大学生逻辑思维的能力的过程。交响乐还可以有助于养成和提高大学生的综合的人文素养，古代大教育家孔子认为音乐在教育中有着极为重要的作用，一个人全面发展，不仅需要智慧、勇敢，而且必须“文之以礼乐”。看来，早在古代人们就注意到音乐对人能够产生精神上的影响，在古代人们认为音乐有助于政治上的教化，更进一步认为音乐可以提升人的道德修养，达到人格的更高境界。在我们当前社会的各种音乐形式中，交响乐被誉为“高雅音乐”、“严肃音乐”。所以我们应该多了解交响乐，多学习它的相关知识。

于是，在老师的带领下，我门在交响乐的世界里留连忘返，学习了许多关于交响音乐的基础知识和发展历史，了解了许多享誉世界的伟大音乐家，聆听了许多耳熟能详的经典音乐作品，仿佛在紧张的学习之余为自己的心灵找到了一个畅快休憩的迷人小岛。课程中我们欣赏了不计其数的美妙音乐作品，除了交响曲，也包括婉转悠扬的室内乐、钢琴协奏曲等，还有令人啧舌的音乐歌舞剧。每当听到这些音乐时，总能让我心里无比激动或者平静起来，好神奇，音乐就是拥有这样神秘的力量。经过课程中与交响乐的相处，我被深深的吸引了，开始更加热爱音乐，特别是交响乐中的古典音乐和浪漫音乐。

我恳请老师在未来的课程里多让我们欣赏交响乐，通过我们自己的感受，去理解交响乐，感受交响乐的魅力。并当场让我们对所听到的音乐发表一下感想，这样有助于我们更好地鉴赏它。

第四篇：《交响乐鉴赏》

《交响乐鉴赏》

交响乐团与指挥

摘要

“19世纪是作曲家的世纪，20世纪是指挥家的世纪，21世纪则是乐团的世纪。”在现场听知名乐团的演奏越多，越能够深切领会这番话的含义：在乐团与指挥的关系中，乐团越发成为强势的一方。这自然是由于从20世纪下半叶至今，乐团的演奏技巧已经有了长足的发展，而与之相对应的是，在舞台上具有绝对统治力的指挥家越来越少见，于是天平自然开始向着乐团的一侧倾斜。这一现象导致的后果是乐团的声音越发趋同（过去那些所谓有个性的音色，大抵也等同于有缺陷的音色），弱势的指挥家对此无能为力，因为他们不再有发言权。此外，指挥行业里明星越来越少，而明星稀少也就意味着观众自愿掏出的钱减少，进而使得整个行业的生存境地越发窘迫。

2.1交响乐发展起源

交响音乐的起源可以追溯到十分遥远的历史长河中。它的名称源于古希腊，是当时“和音”和“和谐”两个词的总称。到了古罗马时期，它就演变成为泛指一切器乐合奏曲和重奏曲的代称。

15、16世纪，也就是欧洲的文艺复兴时期，交响乐这一名称被当作了一切和声性质的、多音响器乐曲的标志。而到了巴洛克音乐的初期，它又主要指歌剧、神剧和清唱剧等作品中的序曲及间奏曲。18 世纪初期，音乐艺术在欧洲得到了迅猛的发展，随着欧洲产业革命的进程，音乐艺术也开始逐步地走向平民化和社会化。在这个时期中，交响乐作为一种独立的艺术形式，其规模和形式都慢慢有了明确的含义。当时的意大利歌剧序曲，以它特有的“快——慢——快”三个段落而成为了古典交响乐的基本雏形。到了18 世纪中叶，德国曼海姆（德国南部的文化中心）乐派的作曲家们，以一系列积极而富有创新性的创作，使交响乐的基本形式得以进一步的完善。交响音乐形成于18世纪中叶的欧洲。在此之前的17一18世纪中叶是欧洲音乐史上的高峰之一-一巴洛克音乐时期。按照西方音乐史分期,欧洲交响音乐的发展大约经历了古典主义、浪漫主义、民族主义、印象主义、现代主义等历史阶段。

我国的交响音乐创作开始于二十世纪20年代。黄自(1904-1938)以其交响序曲《怀旧》和《都市风光幻想曲》的创作成为我国交响乐创作的奠基者。

人民音乐家冼星海更以其具有鲜明民族风格和炽烈爱国之情的作品对我国交响乐创作的发展作出了杰出贡献。建国以来直到“文革”前,党培养起来的一大批中青年音乐家和前辈作曲家们一起创作了一大批交响乐作品,著名的有王云阶的《抗日战争交响曲》、丁善德的《长征交响曲》、罗忠铭的《第二交响曲》、施永康的交响诗《黄鹤的故事》、马思聪的《第二交响曲》和《F大调第一小提琴协奏曲》、辛沪光的交响诗《嘎达梅林》、李焕之的《春节序曲》、何占豪与陈钢的小提琴协奏曲《梁祝》等。

文革以后,交响音乐创作全面复苏,一大批年青作曲家相继涌现,他们一方面坚持交响乐创作的民族化方向,同时随着改革开放、观念更新的浪潮,大胆吸收借鉴西方交响乐创作包括现代交响乐创作的写作技巧,写出了一批具有较高艺术水准的交响音乐作品,如黄安伦的《春祭》、谭盾的《离骚》、张千一的《北方森林》、刘敦南的《山林》等。

2.2交响乐发展历程 世纪中后期，维也纳古典乐派的兴起及一些天才作曲家的伟大创作，使得交响乐这一艺术形式发展到了全面成熟的阶段。在这里我们首先提到的就是奥地利作曲家海顿。他一生共创作了120多部交响乐。他在交响乐艺术上的贡献是——完整而严谨的确立了交响乐的形式和规模，因此，他曾被人们誉为“交响乐之父”。他的艺术成就直接影响到了他的两位后人——莫扎特和贝多芬。而交响乐的形式、规模、内涵等等，都是在这后两位作曲家的创作中得到真正的成熟和完善的。

莫扎特一生创作了41部交响乐，他的交响乐较之海顿的交响乐不论是在形式的完整、内涵的丰富和思想的深刻等方面都有着大幅度的提高。他以其天才的神来之笔，为交响乐这一独立的器乐形式，注入了一种全新的活力。他最后的三大交响曲——《降E大调第三十九交响曲》、《g小调第四十交响曲》及《C大调第四十一交响曲（朱庇特）》，则是他全部交响乐创作的顶峰。这三部交响曲集天才的音乐性、丰富的思想性和新颖的创造性，成为古典交响乐创作中的光辉典范。

2.3交响乐主要特征

交响音乐不是一种特定的体裁名称，而是一类器乐体裁的总称。这类体裁的共同特征是：

1、由大型的管弦乐队演奏；

2、音乐内涵深刻，具有戏剧性、史诗性、悲剧性、英雄性，或者音乐格调庄重，具有叙事性、描写性、抒情性、风俗性等；

3、有较严谨的结构和丰富的表现手段。

4、表现手法是顿挫分明的，能将听众带入音乐意境和想像空间。

2.4交响乐团介绍

2.4.1海顿交响乐

弗朗茨·约瑟夫·海顿，Franz Joseph Haydn（1732～1809）1732年3月31日生于奥地利与匈牙利边境下奥地利的一个村镇罗劳，1809年5月31日卒于维也纳。他的父亲是世代相传的车匠，母亲是贵族府中的厨工，家境贫困，12个孩子有6个夭折，海顿是12个孩子中的第2个。奥地利作曲家弗朗茨·约瑟夫·海顿是“维也纳古典乐派”的杰出代表，十八世纪欧洲最著名的音乐家之一。他的音乐作品体裁广泛，涉及声乐、器乐各个领域，尤其对交响乐和弦乐四重奏的形成、完善和发展方面有着突出的贡献，是世人公认的“交响乐之父”和“弦乐四重奏奠基人”。他晚年创作的十二部《伦敦交响曲》和大型清唱剧《创世纪》、《四季》以及《皇帝四重奏》等作品，代表了他一生创作的最高成就。作品中所体现的鲜明的民族特色、民主思想和艺术独创性，使他成为维也纳古典乐派真正的创始人和奠基者，他那不朽的音乐作品对同时期另一位大音乐家莫扎特和以后的大音乐家贝多芬的创作，都产生了深远的影响。

海顿一生经历坎坷，生活道路曲折。但是，在漫长的人生岁月中，他却用纯朴、善良和慈爱的心，将毕生的才华和精力都奉献给了他所热爱的国家和人民，并忠贞不渝地为他们寻找着欢乐和慰藉。2.4.2贝多芬交响乐

贝多芬这位被后人尊称为“乐圣”的天才人物，在其短短几十年的创作中，将交响乐的创作成果，提高到了前所未有的高度。在世界交响音乐艺术史上，他的创作被认为是一个极其重要的里程碑。而他的作品则是跨越古典主义和浪漫主义之间的承上启下的杰出典范。

罗曼-罗兰曾称赞贝多芬是：“法国大革命和拿破仑帝国时期最伟大的音乐诗人，是最生动地描绘了拿破仑时期的暴风骤雨的艺术家；他的描绘包括人民的苦难、悲伤；战争的紧张以及自由精神那沉醉的狂欢。”

贝多芬的交响乐较之海顿和莫扎特的交响乐，形式更加严谨、内容更加丰富、技法更加娴熟。而尤为使人关注的是，他的交响乐思想性深刻、哲理性复杂，他第一次将交响乐具有了社会启示性和斗争性的深刻内涵。他的交响乐创作成就在于建立在继承基础上的重大开创。如：在形式结构上，他扩大并完善了交响乐的组织框架——奏鸣曲式。同时，以动力更强的谐谑曲（注：也称诙谐曲，她们大多是3拍子的，节奏活泼，速度较快，常有突发的强弱对比）取代了过于温和的传统小步舞曲，从而赋予交响乐以更加丰富的有机性。从另一个角度来看，为了达到表现社会性重大题材和人类斗争性及精神境界的目的，他将交响乐队的编制扩充到了更加合理的程度。同时为了达到他的整体艺术构思，甚至将人声增加了进去，在他的《第九合唱交响曲》中，合唱队演唱的“欢乐颂”揭示了一种无比崇高的精神境界。同时也是交响乐史上第一次加入人声。而这种巧妙的构思和大胆的实践，则充分地说明了贝多芬作为一代交响乐宗师，所表现出的非凡魄力和杰出天才。

我们通常把贝多芬的九部交响曲分为无标题和有标题的两类，他的第一、第二、第四、第七和第八交响曲是无标题的；第三（英雄）、第五（命运）、第六（田园）和第九（合唱）是有标题的。他的这两类交响曲形成了两种创作路线，对后人的交响乐创作发生了深刻的影响。

贝多芬在音调创作方面，给后来的交响乐创作也给予极大的影响。比如我们大家熟悉的第五（命运），是迄今为止最为简短的主题，它只有四个音，而这个命运动机始终贯穿着四个乐章；而第九（合唱），则打破了交响曲的传统形式，巧妙的加入了人声的合唱，开了音乐史上的先河。

另外，贝多芬完善和扩大了乐队编制。在他的交响曲当中，我们发现他运用了海顿和莫扎特时期不曾运用的乐器。比如说短笛、低音大管、长号和一些打击乐器如三角铁、大镲、大鼓等等，更重要的是在他的第九交响曲中引用了人声。我们面对贝多芬交响曲，让我们感受最强烈的是贝多芬精神。

贝多芬的座右铭是“通过苦难，走向欢乐；通过斗争，走向胜利。”他的音乐是面向全人类的，而21世纪仍然需要刚毅、英勇、勇往直前和百折不挠的贝多芬精神。2.4.3浪漫主义交响乐

18世纪晚期到19世纪早期，浪漫主义艺术思潮开始渗透到音乐领域当中。舒伯特带有艺术歌曲交响化性质的《b小调（未完成）交响曲》，柏辽兹和李斯特的标题交响乐《幻想交响曲》和《但丁交响曲》，舒曼充满诗意的《春天交响曲》，勃拉姆斯的四部充满传统精神但却有浪漫主义内涵的交响曲，柴科夫斯基和德沃夏克带有浓郁民族性的一系列交响曲，此外，圣桑、穆索尔斯基、里姆斯基等作曲家们的各种交响乐作品，都是19世纪浪漫主义交响音乐创作的珍品。19世纪晚期，奥地利作曲家马勒谱写了十部交响曲，在这些交响曲中，他为了表现自己内心复杂的精神世界，而将交响乐的表现形式发展到了极限。如他的《第八交响曲》，被人们称为“千人交响曲”。除去马勒之外，在19世纪晚期，各国民族乐派的作曲家中，也有许多人应该被称为交响乐大师。如芬兰的西贝柳斯、捷克的雅那契克、俄罗斯的格拉祖诺夫和拉赫玛尼诺夫等人的创作，都在某种程度上，为世界交响音乐艺术作出了杰出的贡献。

19世纪和20世纪相交之际，许多象征着新时代艺术风格的思潮，开始越来越多地涌现出来。从德彪西（法）的印象主义、理查－施特劳斯（德）的后期浪漫主义和勋伯格（奥）的早期无调性技法，都渗透到交响乐的创作中，为20世纪五花八门的交响音乐创作奠定了基础。在20世纪众多的作曲家中，为交响乐及其它体裁的创作，做出杰出贡献的人物数不胜数。其中影响最大的有俄国作曲家普罗柯菲耶夫、哈恰图良、肖斯塔科维奇，英国作曲家布里顿，匈牙利作曲家巴托克，美国作曲家斯特拉文斯基、格什温等等。他们所创作的交响曲、协奏曲、交响诗、狂想曲、随想曲等许多作品，极大的丰富了世界交响音乐宝库。并由此构成了20世纪交响音乐创作的重要篇章。

交响音乐的产生和发展过程，是与人类社会文明的突飞猛进紧密相连的。从历史的角度来看，它的确是伴随着整个人类社会的文化、经济发展应运而生的。从发展的角度来看，在新世纪乃至将来更远的时期中，它也必将作为高雅的文化艺术经典和丰富的精神食粮，为人类社会进步的发展和人民生活的精神需求，作出更大的贡献。指挥

3.1指挥的简介

指挥家一站上指挥台, 面对着由上百位演奏者组成的交响乐团, 俨然有君临天下的威风。乐师们乃至于所有的观众目光都集中在他的手势上。此时他操纵著这个至高无上的音乐媒体: 一个现代交响乐团。因为这是一组指挥无法亲自一一演练的乐器, 他必须凭藉著高超的沟通语法, 让乐团发出他心目中理想的乐音。

在排练一部即将演出的作品之前, 指挥自己得先对乐谱了解得滚瓜烂熟。他对乐曲的分句、力度的平衡必须完全了若指掌。换句话说,他一定得先精确的判定这部作品应当发出什么样的声音、如何形成整体, 以及如何将乐谱上的音符转为动人的激情。

演奏家们倾毕生精力追求完美的演奏技巧, 有些指挥在步入指挥家行列之前, 正是以乐器演奏开展自己的音乐生涯, 有的甚至能出色的演奏多种乐器。无论其出身如何, 一旦作为指挥, 就必须熟悉总谱以及所有乐器分谱, 以便向全体团员做出明晰精确并使其信服的提示。他还必须对作品细节与整体结构交待得一清二楚, 引导团员采用最恰当的方式来演出这部作品。

指挥大师们对乐团的驾驭有绝对权威。有些人甚至采用某种近乎恐怖的手段;有些人则是靠魅力与说服力。而一些著名的大师则是自身建立起一种令人肃然尊崇的敬畏, 以其无匹的专业素养及对作品的深刻洞察力来感染团员。

指挥不可能都是一个模子压出来的。有些指挥, 如塞尔对待乐师十分粗暴, 拿架作势, 蛮不讲理。有的如伯恩斯坦感情外露, 作品一有起伏, 便歇斯底里做出夸张的手势。有的很奇怪, 像伯恩斯坦的一位老师莱纳就只用指挥棒做出极细微的动作, 以至背对的观众怀疑他已老僧入定。有的指挥离不开指挥棒, 有的却从来不用。有的嗜谱如命, 有的全凭记忆。许多人以眼神传达旨意,卡拉扬指挥时却永远双目紧闭。

指挥的任务在于透过团员把抽象的音符转化为具体乐音。这就不光是操作指挥棒或手势好坏问题。指挥常会告诉别人: 用指挥棒打拍子的基本技巧很容易学会, 但交流概念的能力却是难上加难。就像调油彩一般, 指挥必须能控制每声部的音色、音量, 使整体声音达到平衡。

有的指挥, 如朱里尼,下意识地强调低音乐器, 诸如大提琴、低音大提琴及巴松管, 于是它们的音色深沉厚重。有的指挥要求尽可能的透明, 还有的则创造出类似管风琴的共鸣厚度。速度无疑是相当重要的, 还有一个重点就是预备拍: 指挥在起拍的关键时刻所酝酿的气氛可使各声部准确且整齐的切入, 使演奏员的情绪可一鼓作气地宣泄而出。一个看似可以一笔带过、实则会导致强烈决定意义的拍子, 会给音乐带来决定性音色。有的指挥则每逢高潮都加以强调, 有的指挥听凭紧张气氛自然浮现;另一些指挥则认为必需有意识的控制才能创造出紧张。

3.2指挥的作用

乐队指挥具有多方面的作用，其中最主要的是通过指挥来组织和训练乐队，控制演奏速度，保持作品结构与形式的统一，使乐队能够正确、统一地演奏作品。乐队指挥的具体工作分三个阶段：

第一阶段是总谱的准备。对作品进行深入、细致的研究和分析，标注，并形成自己的处理；

第二阶段是排练准备。乐队指挥要根据乐队的情况、作品的难易程度制定排练计划； 第三阶段就是排练阶段。这是指挥工作的中心，分为抄谱、个别练习、集体试奏、分声部练习、合排、连排、细排等步骤，一个指挥的绝大部分工作都在这个阶段中完成。

一个优秀指挥家，不仅可以造就一个乐队，同时可以造就一个作曲家和他的作品；相反地，一个不怎么样的指挥，不仅可以毁掉一个乐队，同时可以毁掉一个作曲家和他的作品，甚至可能毁掉作曲家的一生。对于一个指挥家来说，最崇高的任务是正确理解作品意图，把该意图转变为乐队的音响，这门学问称为乐曲的诠释。

乐队指挥是创造出一个大于其各组成部分的总和的真正的整体，创造出一个富有活力的整体，它把投入于其中的各项资源（注释：各个乐器声部）转化为较各项资源的总和更多的东西（注释：乐器声部之间、各类乐器组合等，乐器齐响所产生的整体）。通过乐队指挥对音乐作品的阅读、理解和指挥，使各种个别的乐器演奏形成了有生命力的音乐演出的整体。

3.3做一个指挥的条件

作为一名指挥，具备广博的音乐史知识，乐器法，研究作曲家的生平和思想，领悟作品的创作背景，区别各个时代、各个作曲家艺术风格的异别，并发挥自己的艺术想象力，以内心的听觉，去体会乐曲的各种感情和内容，使作曲家的乐谱创作首先在自己脑子中变成活的形象。然后，他对乐曲的分句、力度的平衡完全了若指掌。就是说，精确的判定这部作品应当发出什么样的声音、如何形成整体, 以及如何将乐谱上的音符转为动人的激情。

另外，指挥通过充分调动自己的全身，把音乐的全部激情用自己的肢体语言表现出来，从而带动整个乐队。

最后，指挥还要有抓住自己的乐手和观众的气质与魅力。在平时的排练中，只有风趣幽默而又风度翩翩的指挥，才能更好的调动乐手们的积极性，共同达到更好的演奏状态；而登台时，大师级指挥或俊逸如卡拉扬、潇洒如阿巴多、认真如小泽征尔、或诙谐如扬松斯的气质挥洒，更能在音乐之外，以人格魅力感染整个剧场。如何评价一位指挥家

简单来说，一位指挥能让他手下的乐队演奏出什么样的声音，是评判指挥好坏的唯一标准。然而，如果谈论声音是如何演奏出来的，为什么某位指挥与某支乐团合作就能够产生这样的声音，换一支乐团就全然不灵，或者为什么有些指挥可以与几乎所有合作过的乐团“来电”，而有些指挥只适合与少数几支乐团合作，那学问就深了。

我的一位指挥家朋友说：“19世纪是作曲家的世纪，20世纪是指挥家的世纪，21世纪则是乐团的世纪。”在现场听知名乐团的演奏越多，越能够深切领会这番话的含义：在乐团与指挥的关系中，乐团越发成为强势的一方。这自然是由于从20世纪下半叶至今，乐团的演奏技巧已经有了长足的发展，而与之相对应的是，在舞台上具有绝对统治力的指挥家越来越少见，于是天平自然开始向着乐团的一侧倾斜。这一现象导致的后果是乐团的声音越发趋同（过去那些所谓有个性的音色，大抵也等同于有缺陷的音色），弱势的指挥家对此无能为力，因为他们不再有发言权。此外，指挥行业里明星越来越少，而明星稀少也就意味着观众自愿掏出的钱减少，进而使得整个行业的生存境地越发窘迫。

越是强势的乐团，越是对那些言听计从的指挥家喜爱有加，柏林爱乐乐团与西蒙·拉特就是这样的关系，只要看看他们的排练就知道了—人人都可以站起来发表对音乐的见解，之后大家再用表决的方式决定是否采纳其观点。然而，好的音乐真的是靠民主表决产生的吗？为什么人们怀念的，仍然是昔日舞台上的那些“独裁者”—富特文格勒、托斯卡尼尼与卡拉扬？为什么人们依然对那个一人统揽全局、男性荷尔蒙迸发的年代念念不忘？

这其实只是乐团与指挥两者关系中的一种很普遍的情形。越是有传统的乐团越不可一世，对自己的总监尚且未必尊敬，更何况是对来客串一两场的“酱油”指挥。

指挥应该怎么做才能产生优美的音乐？我也无法回答这个问题。欧洲的音乐学院传统上是没有所谓的“指挥系”的，学生一般都是先从作曲学起，待学到高年级甚至上研究生后才可以选修与指挥相关的课程。20世纪的指挥家通常有漫长的求学经历，除了学作曲之外，也有不少大师是从歌剧院里的声乐指导或是合唱指挥起步的，经过长达数十年的努力之后才有机会在主流歌剧院或乐团里任职。指挥本身对音乐的产生不贡献分毫，他也不是魔法师，没有以一己之力让一百多人的乐队改变声音的魔力。指挥对音乐的贡献很大程度上是纯技术层面的，比如采用合拍会让音乐更平滑，分拍则让节奏更明确；如何让音乐的气息如歌唱一般自然；揉弦应该在何时出现，幅度与密度如何控制；在某段重奏里，哪件乐器应该突出，又应该在何时隐去……这都是指挥要操心的问题。最关键的是，究竟要在多大程度上严格遵循谱面，又应该在哪些环节展现音乐家自己独一无二的音乐处理.因此，指挥家应该是整个舞台上最懂音乐的那个人。即使他是弹钢琴出身的，也应该知道小提琴的双音技术是怎么回事，演奏颤音时如何才能让声音最密集，双簧管演奏者可以吹多快而不把自己憋死……如果全然不懂技术，那么就得有强大得无与伦比的气场，让乐团自然对你服服帖帖。据说伯恩斯坦就在乐团技术方面知之甚少，不过纽约爱乐乐团的老油条们还是对他无比爱戴，尽力帮助伯恩斯坦表现出他所想象的音乐。如果换个乐团不服气的小年轻来，可能也会如之前那个段子讲的那样，连椅子都不给坐。

指挥作为乐团的脸面，往往还担负着出去给乐团拉赞助的重要职责，此外还要负责音乐季的编排、客座指挥及客座独奏家的邀请、演奏员的任命与罢免，甚至午餐吃什么之类的琐事。不过随着乐团纷纷开始聘用专业的管理人员，指挥在这方面的压力比以往小了一些。不过正如之前提到的，面对如今越发强势的乐团，能将他们治得服服帖帖的“好指挥”确实已经越来越少了，这也是人们无比怀念那个大师辈出的时代的原因。

如今的音乐界，没有真才实学的指挥家根本无法在乐团面前抬起头来，只好夹起尾巴做人；可以用实力或者人格魅力征服乐团的那少数几位指挥家，也基本被世界各地的邀约压得喘不过气来，要同时兼顾好几支乐团的事务，把大量的时间花费在飞机上，再也不能像老一辈指挥家那样在一座城市潜心工作几十年了。

指挥界人才凋零，是这个时代所造成的结果，也是这个时代最大的遗憾。

5结论

通过此次的论文写作，了解了更多关于交响乐的知识，也弥补了很多曾经在对交响乐认识上的不足，同时也简单的发了一下对于当代的指挥不受重视的牢骚，我个人是非常佩服指挥的，无论是他们的认真负责还是才华横溢，希望他们能得到他们应得的待遇。

参考书目

http://dy.qq.com/article.htm?id=20150430A001WF00

http://baike.baidu.com/link?url=iaDX5ECS4-c2Ey6R6I1RcW1acNYLl8LkUfjzANVsbAgBldHq4tThXq1-XNyJ5QUccoJUKtH3Tz5-aFvBW5FOZq http://baike.baidu.com/link?url=B07JUdnVlKWfRmkdEb8xHPJAjvO2pV7nLEqtGPD5dV6xA9Qth0GIJ4DnYCzZkRVnQbEBblrXL-3N1K-iZQmcha

《西方音乐史》

田可文 等编著武汉大学出版社

《西方音乐美学史》（美）福比尼 著，修子建 译湖南文艺出版社

《交响乐欣赏十八讲》 刘雪枫 著北京师范大学出版社

《古典音乐零距离》 解瑂 编著社会科学文献出版社

附录

推荐交响乐

1.贝多芬第九交响曲“合唱” 2.柴可夫斯基第六交响曲“悲怆” 3.德沃夏克第九交响曲“自新世界” 4.贝多芬第五交响曲“命运” 5.贝多芬第三交响曲“英雄” 6.莫扎特g小调第40号“维特” 7.海顿第94交响曲“惊愕” 8.贝多芬第七交响曲

9.勃拉姆斯D大调第2交响曲

10.莫扎特c大调第41号“朱庇特”

第五篇：交响乐鉴赏论文

维瓦尔第的四季之春

第一乐章之赏析

【摘要】维瓦尔第的生平及其所处的音乐时期，使其创作出了如此美妙的《四季》，在聆听《四季之春》的时候，我产生了一下的感受，受其音乐的感染，我感觉自己仿佛置身于春之境中，充满活力。整个乐章给人一种积极向上的力量，让人听了感觉很舒服。【关键词】维瓦尔第；四季；春；活力。

巴洛克时期的音乐特色，其中之一就是在于透过音乐刻画出诗词当中的意境、抒发人们的七情六欲；出生于十七世纪的意大利威尼斯作曲家维瓦尔第，在他音乐中，就具有这项典型的特色。维瓦尔第的诞生，可说是意大利巴洛克音乐新的里程碑，在他一生中创作有五百多首协奏曲作品，而其本人也是个优秀的小提琴演奏家兼音乐教师；他的协奏曲作品不但受到巴哈的重视、并引用作为写作的模板，同时对于其后一百多年的古典音乐协奏曲格式，奠下了基础。

小提琴协奏曲《四季》原系出自维瓦尔第的一部包括有12首作品的小提琴协奏曲集《和声与创意的尝试》当中的前四首，这四首作品在十八世纪初于威尼斯首演以来，就已成为维瓦尔第所有作品中最受欢迎的曲目，在当时如此，在今天也是如此，由此可见本曲魅力之所在。从四季协奏曲开始，维瓦尔第把十八世纪之前抽象概念的音乐、转移到后来所谓的标题音乐创作上，为日后的作曲家开启了一个遵循的方向，包括贝多芬的《田园交响曲》在内，都可以看出维瓦尔第音乐创作方式的影响。但是，严格说起来，维瓦尔第并没有“发明”标题音乐，他只是把音乐带进一种新的聆赏层次，目的就是在音乐中呈现出标题或是文字当中的明确画面。在四季协奏曲中，维瓦尔第表现出一种富有人文气息的创作风格，这是他对周遭自然世界的认知、以及对人类百态观察的结果。这部作品是对一年四季有智能、成熟、敏锐的描述，乐曲中也不时可闻威尼斯质朴乡土的旋律风格，这都是作曲家深深受到自环境影响的明证。维瓦尔第对于描写或是标题音乐的影响，可以由海顿、贝多芬等作曲家的作品中看出。

第一乐章（快板）以回旋曲形式写成，其主要主题华丽而洒脱，具有欢快的春天气息。开曲即展开轻松愉悦的旋律，使人顿时联想到春天的葱绿和生机。描写的是春光重返大地，小鸟欢愉地歌唱，森林枝叶随风婆娑，呢喃私语。突然，电光乍闪，春雷惊蛰，万物苏醒。这一乐章是整部《四季》中最为著名的乐段。

第二乐章（广板）很短，描写的是静谧而悠闲的田园风光：“在鲜花盛开的草地上，在簌簌作响的草丛中，牧羊人在歇息，忠实的牧羊狗躺在一旁。”是春雷过后，雨过天晴，小鸟又唱起了动人的歌曲，牧羊人和他忠实的小狗在鲜花丛生的牧场上悠闲小憩的恬静景致。乐章开始是小提琴声部以很弱的音量奏出的附点节奏音型，以及中提琴那有点唐突的、仿佛是牧羊狗的吠叫声的切分音型。在这个背景上，独奏小提琴以优美而恬静的旋律牧歌般地唱了起来。

第三乐章（快板）描写在春天明媚的阳光下乡间的欢乐景象：“伴随着乡间风笛欢快的音响，在可爱春天的晴朗天空，仙女们与牧羊人翩翩起舞。”乐章的基本主题是一首当时颇为流行的西西里舞曲，它一开始就出现在独奏小提琴和小提琴声部，低音弦乐器奏出的和弦节奏和管风琴浑厚的音响则着意渲染了舞曲的欢快情绪。

一打开音乐播放器，流淌出《四季之春》的旋律，回旋曲轻快欢畅，让人自然生发出一种自内而外的兴奋与快乐，感觉整个生命都有了活力。春天来了，春风所到之处，一切生命又重新开始他们周而复始的循环，世间万物争先恐后地对世界探出了小小脑袋，热闹非凡，它们一齐欢快舞蹈以迎接春天的到来！蝶蛹中蛰动的幼蝶，一点点冲破禁锢常青藤沿着墙壁蜿蜒爬长，有节奏地攀援地许多不知名的野花野草；新芽从湿润的土地中迸发出来花苞花蕾在春风的拂动下，瞬间绽放，随着风动，点头摇晃，从冬眠中苏醒的动物们伸着懒腰，拥抱春日和煦的阳光。这让我想起小学时候学过的一片文章《春姑娘》，在音乐的感染下，我仿佛觉得是真的有一位春姑娘在春风里欢欣鼓舞，带着小草小花，小鱼小鸟一齐肆意歌唱舞蹈。而后，突然一阵惊雷骤然响起，发出春的呐喊，大地爆发出一种前所未有的生命力，让人为之一振。而后春雨霏霏，渐渐地天又晴朗，雨后春笋生长得更加肆意了，雨后新鲜的空气让所有生命都感到心旷神怡，更有力量的向上生长。感受到来自大自然的心得召唤，在乡间的小路上，牧羊人们和着牧笛翩跹起舞，分享着他们对春的来临的喜悦。这是我在听着《四季之春》时，眼前所浮现之景，我觉得整个人仿佛新生。我感觉自己仿佛就置身于一片广阔的大自然中，同这些生命一起，一齐歌唱舞蹈，一起感谢春天给我们带来的生命活力。维瓦尔第的音乐表现力，给我一种身临其境的感觉，不管是《四季之春》还是《夏》、还是《秋》、还是《冬》。

整个协奏曲给我的感觉是温馨而又亲切，遥远的巴洛克时期的音乐如此平易近人，从来都不会因为时间的关系，而让人产生距离感。而我想这正是维瓦尔第的《四季》流传至今，长盛不衰的原因。

对本课程的看法

我本身是非常喜欢听音乐的，对音乐理解只是停留在它很好听的层面上，所以当老师上课放那些比较好听的音乐的时候，我就会觉的心情很舒畅，当下受到的压力都得到一些缓解了。

连续两年选了音乐的选修课，也是觉得音乐于我来说是一种舒缓压力的工具。但我粗浅的认为，老师让我们考听辨不是很合适，因为我们非音乐艺术生，对音乐的感知没有老师这样的到位，很多时候我们听音乐知识用来放松自己，而我们上交响乐鉴赏更多的是为了给自己的生活增添一些色彩，丰富自己的生活。在如此少的时间内要听完整十首的音乐然后听其中一分钟猜出这首音乐的音乐时期，作曲家，作品，真的有难度。所以希望老师可以要求不要太苛刻，让我们顺利通过考试。