大学舞蹈鉴赏论文5篇

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第一篇:大学舞蹈鉴赏论文

天鹅湖

我看的享受

内容概要:古典芭蕾舞剧《天鹅湖》源自德国古老的童话,而无论是在德国还是俄罗斯文化传统那管理,人们都把天鹅等同于纯洁的少女,这在一定程度上奠定了这个舞剧的阴柔基调。古典芭蕾的规范跟这种基调不谋而合。舞剧中男女演员的舞蹈动作和组合,以及女演员的服饰等,均表现一种典雅、柔美的女性气质,为舞剧渲染了阴柔的色彩。关键词:柔美 芭蕾艺术 典雅 正文:

我在大学,有幸选了舞蹈鉴赏,有幸在老师的有声音引领下,静静的观看了,天鹅湖,看的我是一种享受啊。之后我好好的去,了解了下天鹅湖的历史背景及 柴可夫斯基的创意发展,现在跟大家分享下一下。

芭蕾出现于15-16世纪文艺复兴全盛时期的意大利,艺术家极力模仿古希腊的艺术风格。最早的芭蕾表演是在宫廷宴会上进行的,1489年在意大利的一个小城里,为庆祝米兰公爵和西班牙阿拉贡公主伊达贝尔的婚礼,演出了《奥菲士》。当时的表演形式与我们今天所见到的芭蕾演出绝然不同,它的每一段表演大致都与上菜联系在一起,比如模拟狩猎的表演开始以后就吃野猪肉;海洋、河流神灵出场开始吃鱼。然后,许多神话人物上场献上许多菜肴和水果,最后客人们也都参加到热闹狂欢的表演中去。这是一种把歌、舞、朗诵、戏剧表演综合起来的表演形式,可以说是芭蕾的雏形,后人称它为“宴会芭蕾”。芭蕾继续发展,经历了宫廷芭蕾、情节芭蕾、浪漫主义芭蕾、俄罗斯芭蕾、当代芭蕾几个主要阶段。

传统的芭蕾舞技巧是一个严格的体系。最基本的审美特征是对外开、伸展、绷直的追求,包括脚的五种基本位置,三种基本舞姿,腿的伸展、射击、打开、屈伸、抬腿、踢腿、和划圆圈等动作,还有各种舞姿的跳跃、旋转和转身,各种舞步和连接动作。将其按特定的结构手法编排、组合,就能创造出富有感染力的舞蹈艺术形象。

十九世纪末叶,柴可夫斯基的《天鹅湖》、《睡美人》和《胡桃夹子》把芭蕾音乐提高到交响音乐的水平。在他的舞剧中,音乐是和作品内容与舞台动作紧密联系的重要组成部分。柴可夫斯基提高了舞剧音乐的表现力,通过交响性的展开和对人物性格的刻画,加深了作品的戏剧性。他在《天鹅湖》中,以富于浪漫色彩的抒情笔触,表现了诗一般的意境,刻画了主人公优美纯洁的性格和忠贞不渝的爱情;并以磅礴的戏剧力量描绘了敌对势力的矛盾冲突。因此,柴可夫斯基的《天鹅湖》,自其诞生以来,《天鹅湖》几乎成了古典芭蕾或整个芭蕾艺术的一个象征和代名词。它是一部集大成的作品,既有柴科夫斯基的传世音乐,又有凄美的爱情故事;既有俄罗斯芭蕾大师彼季帕学院派的经典规范,也有伊凡诺夫义创作的新鲜血液。在经典性的基础上,起到了承上启下的作用。同时《天鹅湖》取材于神话故事,描述被妖人洛特巴尔特用魔法变为天鹅的公主奥杰塔和王子齐格弗里德相爱。最后,爱情的力量战胜了魔法,奥杰塔得以恢复为人身。

下面跟大家分享下剧情。全剧分四幕,包含二十九个分曲。其中第二幕描写齐格弗里德和奥杰塔在天鹅湖滨的相遇和相爱,由五个分曲组成。第一分曲的基本主题是天鹅主题,它在全剧中贯穿发展,起着主导动机的作用。凄恻动人的旋律,由双簧管在竖琴伴奏下吹出,然后移转到圆号上;最后,由木管乐器和弦乐器隔开两个八度强烈地齐奏,并渐渐消失。乐队演奏这个分曲时,舞台上是一片苍茫的夜色,一群天鹅浮游在湖上,领头的一只戴着花冠。

序幕:森林湖畔。美丽的公主奥杰塔正在湖边的山岗上采摘鲜花,惊动了魔王罗特巴尔特,他现出怪鸟本相,将公主变成了天鹅。

第一幕:皇宫花园。王子齐格弗里德成年之日,王子和他的密友还有一些村女正在跳舞作乐。突然母后驾到,要让王子尽快选妃完婚。母后走后,王子看见一群天鹅从天空飞过,于是告别朋友向湖边跑去。

慢板双人舞细腻地表达了白天鹅奥杰塔从恐惧、提防逐渐到对王子的放心和信任,进而迸发爱情,以至热恋的过程,奥杰塔的独舞突出了她的悲剧色彩,她的舞姿越是优美柔弱,就越是凸现出她的孤独和动人。

第二幕:森林湖畔。美丽的天鹅在湖上飘游,受魔法禁铜的奥杰塔也在其中。王子举弓欲射,奥杰塔却走上岸来变成了漂亮少女,与王子一起坠人爱河,订下爱的誓言。魔王突然出现拆散了他们。

第二分曲是一个舞蹈场面。开头一段音乐由弦乐器奏出,王子和他的朋友本诺穿着猎装登场。当强烈的乐队全奏和尖锐的木管乐器旋律交替出现时,王子看见天鹅,想举弓射击,天鹅急忙躲藏起来。天鹅公主用一个猫跳,从舞台后部的斜坡上落地,所谓猫跳就是蜷腿侧跳的动作。接着是一段情节舞。所谓情节舞,是用舞蹈和哑剧来表现感情和戏剧情节的芭蕾场面。双簧管吹出一个抒情曲调,天鹅公主责问王子为什么要射击她。然后,音乐变为快板,天鹅公主向王子倾诉:她是一个公主,名叫奥杰塔。她和她的同伴都中了邪恶的魔法师洛特巴尔特的妖术,白天变成天鹅,到了夜里才恢复为人身洛特巴尔特化装成一只猫头鹰。时刻监视着她们。

这段音乐,是奥杰塔的独白。当天鹅公主向王子叙述她的身世时,洛特巴尔特随着强烈的乐队全奏和管乐器的和强,出现在他们面前,威胁着王子。王子举起弓来准备射击,但为天鹅公主所阻,她安慰着惊惶失措的王子,并向他吐露了爱情。第二分曲没有结束,就紧接着第三分曲。

第三幕:皇宫大厅。将要挑选新娘的王子拒绝了在场的候选少女们。魔王罗特巴尔特乔装到来,他妖艳的女儿奥吉丽雅化身为奥杰塔,欺骗王子背弃了爱的誓言。魔王得意地现出了原形,王子悔恨万分,向湖边。

第三分曲是另一个舞蹈场面。舞台上出现天鹅的行列,奥杰塔的同伴们登场。她们发现王子,围拢来保护奥杰塔。奥杰塔告诉她们:“他是善良的,你们走吧。”伴随着奥杰塔这个舞蹈动作的,是双簧管的独奏。王子扔掉弓,向奥杰塔表白爱情,并告诉她说,他想杀死洛特巴尔特,使她获得自由。公主凄然告诉他说,这是不可能的,除非有一个准备为她而死的人,发誓始终不渝地爱她。才能破除妖术,使洛特巴尔将毁灭。王子欣然起誓,并要求奥杰塔参加第二天晚上的舞会,届时他将选她为新娘。但她说,她要到午夜才能摆脱妖术去参加舞会,而那时舞会已经结束了。她还警告王子,洛特巴尔特会用奸计破坏他的誓言。奥杰塔请她的同伴们跳舞娱乐王子。这时,刚才听到的双簧管主题,改由长笛独奏。这段慢舞,是奥杰塔在王子的支持和同伴们的拱卫下表演的。

下面是一个分曲是天鹅之舞,是由六首舞曲接回旋曲的原则构成的,第一首天鹅舞曲再现了两次,整个分曲形成A-B-A-C-D-A的结构,最后是奔放活跃的尾声。天鹅舞曲是由全体舞蹈演员表演的圆舞曲,音乐清新欢畅,婉转流利,用单主题的三段式写成。天鹅之舞的第二曲是奥杰塔的独舞。小提琴和长笛先后奏出脉脉含情的旋律。第二段速度转快,很快进入高潮。全曲用二段式写成。天鹅之舞的第三曲是稍稍缩短了的天鹅舞曲,即第一曲的再现。

第四幕:森林湖畔。王子赶来请求奥杰塔和她的女友们的宽恕。他不顾一切地向露出真相的魔王冲去,在奥杰塔和天鹅们的帮助下战胜了魔王。纯真的爱情终于战胜了邪恶。第四曲是四只小天鹅跳的舞曲,音乐轻松活泼,四只小天鹅整齐一致的舞姿,包含“击脚跳”和“轻步行进”的动作。所谓“击脚跳”,就是跳起后双脚互击数次。所谓“轻步行进”,就是前脚跟碰着后脚尖的行过动作。这些动作以及头部的转动,维妙维肖地表现了小天鹅的形象。天鹅之舞的第五曲是奥杰塔和王子的情节舞。这是个三段式的抒情场面,开头的引子是竖琴的华彩段;第一段是竖琴伴奏下的小提琴独奏;中段交替着木管乐器的快速走句,和独奏小提琴在弦乐器拨弦伴奏下展开主题的旋律;再现部由独奏大提琴和独奏小提琴互相呼应,并同时结合成为二重奏。这段双人舞的音乐,用了二重唱的写法,它原来就是柴可夫斯基早期歌剧《女水神》中的一首爱情二重唱,作曲家把它借用到《天鹅湖》中来了。天鹅之舞的第六曲是总体舞。音

乐是圆舞曲的第二次再现,然后是欢快活跃的尾声,奥杰塔在她舞伴的支持下,做出单足趾尖旋转和迎风展翅等优美的舞姿,结束了丰富多彩的天鹅之舞。

天鹅的舞蹈停了下来,因为现在已经迫近奥杰塔和她的同伴们要变为天鹅的时刻,邪恶的洛特巴尔特又出现了。第二幕的终场音乐,再现了第二幕开头由双簧管独奏的天鹅主题。王子向亲爱的奥杰塔告辞。奥杰塔在洛特巴尔特的威胁下慢慢离开了王子的怀抱。当曙光初现时,一群天鹅静静地飞过湖上。

天鹅主题不仅是开始和结束第二幕的主题,也是整个芭蕾的基本主题;第一幕、第二幕和第四幕的终场音乐,都以这个主题为基础。柴可夫斯基通过主题变形的手法。用音乐来揭示戏剧情节的发展和正义战胜邪恶的主题思想。在第一幕和第二幕中,天鹅主题是一个悲怆的小调式主题,描写奥杰塔和她同伴们的悲惨命运;而在第四幕的终场音乐中,这个悲剧性的主题,先改变速度,变得激动不安;然后从四拍子变为宽广的二拍子,由乐队全奏,变成庄严的颂歌;最后又从小调变为大调。并放慢速度。成为一曲壮丽宏伟的凯歌,表现忠贞不渝的爱情,战胜邪恶的力量,获得了胜利。这种基本主题贯穿发展的手法,和他的交响音乐与歌剧音乐,是一脉相通的

虽然今天《天鹅湖》成为古典芭蕾的同义语,深受全世界芭蕾艺术爱好者的青睐,但最早的《天鹅湖》(1877)版本并不成功,编导列津格尔为演员双臂装上沉重僵硬的翅膀来机械地模仿天鹅,并图解了柴氏的音乐,使首演惨遭失败。这使柴科夫斯基一度伤心而欲放弃舞剧音乐的创作。直到1894年,为了纪念作曲家逝世一周年,伊凡诺夫为玛利亚剧院重新排演了第二幕,结果大获成功。在此鼓励下,彼季帕和伊凡诺夫才合作创作了《天鹅湖》全剧,使柴氏的音乐重获新生。在新版本中,彼季帕负责第l、3幕,伊凡诺夫负责第2、4幕。伊凡诺夫在正确理解了柴氏音乐的实质后,以变幻无穷的芭蕾舞姿和一些主导动作动机,例如双臂的挥拍,各种旋转、跳跃等,创造性地变幻出天鹅的象征性动作,达到了神似而非准确的形似。他编导的《天鹅湖》的第二幕在交响化的探索上达到了相当的高度,因具有相当完整的结构和精品性质的舞段,而常常单独地演出。王子在湖畔与公主一见钟情,难以割舍。他们的双人舞充满了诗意和激情,如歌如泣,具有二重唱的性质。奥杰塔的孤独哀伤通过柔和弯曲的翅膀动作,安静沉思的阿拉贝斯克来体现,脚尖轻触地面则显示了她敏感、丰富的内心。群鹅的舞蹈则像和声一般与主人公同喜同悲,具有着极强的伴奏性和合唱性,加强了人物悲剧命运的冲击力量。他们有时营造了舒缓、宁静的环境气氛,有时又戏剧性地外化了人物内心的冲突和情感波动。例如她们在湖畔变幻各种队形,为了主人公寻找到了真爱而表达着自己的情感。“四小天鹅舞”是二幕中腊炙人口的舞段,既表达了心声又充满情趣。她们时而又焦虑地挥拍手臂,环绕包围着主人公,预示着即将到来的悲剧命运。

此外,舞剧中的插舞和展示性的舞段在剧中宫廷舞会中得到了较好的展示。彼季帕创作了精彩的“白衣新娘华尔兹”以及玛祖卡和西班牙舞,伊凡诺夫则创作了威尼斯的塔兰台拉和匈牙利的恰尔达什。

随着芭蕾舞的技巧高度发展,在女子的变奏中技巧炫示部分时,冒充白天鹅的黑天鹅奥吉莉娜展示了高难度的32个“挥鞭转”。可以说《天鹅湖》的双人舞、群舞、插舞、独舞都体现了古典芭蕾的经典性,它完备了古典芭蕾的舞系构成,即舞径、舞群、独舞、双人舞变奏,树立了其经典的规范性。当无数的芭蕾舞迷痴狂于经典的《天鹅湖》梦中,却不一定察觉那天鹅湖边的阴云、沉静和凉意带着一丝俄罗斯大地的影子,因为这个梦开始的地方就在俄罗

斯。从柴科夫斯基写下《天鹅湖》音乐的第一个音符开始《天鹅湖》就注定了和俄罗斯永恒的不解血缘。在柴氏的音乐构思中,白天鹅分明就是纯洁美丽的俄罗斯少女的化身,他把俄罗斯民族美好坚强的性格都融人了乐音之中。而以芭蕾大师彼季帕为首的一批人铸就了俄罗斯芭蕾的辉煌,俄罗斯这一片丰沃的艺术土壤让他们托起了芭蕾的另一片天空。《天鹅湖风睡美人民胡桃夹子》等不朽的传世之作使源自意大利和法国的古典芭蕾最终在这里走向圆满和完善。《天鹅湖》无疑是一道最耀眼的风景,代表着西方古典芭蕾的巅峰之作。

如果说早期浪漫主义芭蕾是沉沉夜里的如烟美梦,那么《天鹅湖》的美梦则苏醒在了美好的清晨。在《吉赛尔》和《仙女》中,当仟悔的伯爵在吉赛尔的墓前黯然凭吊,当愚蠢的詹姆斯听信了女巫的话而把仙女害死,浪漫与理想总是哀伤地离我们而去,只留下现实中无尽的惆怅。但在《天鹅湖》中,浪漫的理想世界最终冲破迷雾闪耀在现实的阳光中。王子与天鹅跨越界限的人鬼爱情散发出人性的光辉。在《天鹅湖》中是高尚纯洁的爱情使奥杰塔变得更真实,使她的美更为高贵,这也是她产生广泛感染力之所在。作品塑造了奥杰塔(纯洁)王子(正义),奥季莉妞(诱惑),魔王(邪恶)的四组象征性的形象,构成了一个“超越情感”的时代悲剧。美丑善恶交战的永恒主题让《天鹅湖》的爱情故事少了一分轻盈,多了一分凝重。《吉赛尔》和《仙女》中男欢女爱的双人舞多少有一些缥缈虚幻,而《天鹅湖》边如泣如诉的双人舞却让人刻骨铭心。魔鬼变幻各种面目企图征服人间的真情,但最终恶魔的恐怖和魔女的诱惑都在爱情的坚强下崩溃。善与恶、美与丑的对决让人间也有了天国的温暖。《天鹅湖》把缠绵徘恻的爱情,生离死别的瞬间浓缩为永恒的符号性形象,具有一种人性的悲剧力量。用忠贞不渝的爱去拯救生命、拯救灵魂的主题,使《天鹅湖》精神的意义与舞蹈的经典地位达到了前所未有的完美结合。总结:

柴可夫斯基对舞剧音乐进行了许多革新,他克服了过去舞剧音乐的公式化弊病,赋予舞剧音乐以交响性的发展,使之更富于戏剧性,大大提高了舞剧音乐的表现力。他在《天鹅湖》的音乐中成功地运用了交响乐原则、奏鸣曲式中主题的对比和展开原则、赋格段及回旋曲式的自由运用原则;柴可夫斯基把舞剧中的古典舞(包括双人舞、三人舞、四人舞以及男女独舞等)和代表性民间舞(包括各民族,各地区的特性舞)的音乐和表现力大大丰富提高了,使之焕然一新。他以真挚动人心弦的旋律,如泣如诉的歌唱性乐句为主导,巧妙地运用了各种音乐表现手法来塑造人物形象,展开戏剧冲突,整个舞剧音乐优美完整、富于诗意。柴可夫斯基强调音乐优美完整、富于诗意,强调音乐对于舞剧的积极作用。运用主导动机发展、高密度和声织体等交响乐的创作手法,使音乐与剧中人物感情、特定场面紧密吻合,达到了高度的统一。在第二幕的《白天鹅双人舞》中,那如泣如诉、哀怨委婉的旋律,形象逼真地表达出了奥杰塔公主对自己被困于魔掌之中的无助与无奈,对纯真爱情和自由生活的无限向往。

我在大学,有幸选了舞蹈鉴赏,有幸在老师的有声音引领下,静静的观看了,天鹅湖,看的我是一种享受啊。同时也谢谢老师,用声音引着我们进入剧情。

我看过的作品:

[1]雀之灵

[6]庭院深深

[2]孔乙己

[7]天鹅湖

[3]农奴翻身把歌唱

[8]云南映象

[4]狼图腾

[9]管不住的女儿

[5]胡桃夹子

[ 10 ]千手观音

第二篇:大学舞蹈鉴赏

浅析民族民间舞蹈文化的传承与发展 民族舞蹈是一切舞蹈艺术之源,各民族、各地区的民间舞蹈基本上都是从本民族人民的劳动和斗争生活中取材进行创造或演化出来的。不仅显示了当地风尚和习俗也展现了当地人民的心理素质与审美情趣。它凝聚着世代劳动人民辛勤的汗水、聪明的智慧和朴实的情感,是我国民族文化的重要组成部分。因此,应该传承中华民族民间舞来发展中华民族文化,来促进中华民族文化的发展。舞蹈教学是一种口传身授的教学方式,它通过教师的指导与动作的统一,传授给学生的一种最直接的方式。因此,教学是舞蹈文化传承的主要方式之一。在民间舞蹈的教学中掌握民间舞蹈的形态非常重要,但更重要和最困难的是认识和理解这些形态背后的文化内涵,应在教学中不断尝试从民间舞蹈文化切入,找到其深邃的内涵,这是支撑民族民间舞蹈发展的最主要的源泉。因此,给学生一个立体的知识结构,使民间舞蹈教学的传承不仅停留在肢体语言表达的层面上,而且要从文化的深层次上进行文化背景的拓展,来增加学生的舞蹈文化底蕴,来更深层次的认识民族民间舞蹈的内涵,让她们了解民族文化、民族背景、民族信仰、民族习惯,使学生整体掌握民族民间舞蹈的精华,让学生不仅知道动作怎样做,还要知道为什么这样做,这样做体现一种什么寓意。让学生将技术性与知识性有机地结合起来,使舞蹈形态在舞蹈文化的支撑下更有内涵,更富表现力。民族民间舞蹈的传承不仅要通过口传身授来传承中华民族民间舞,但在现在看来,许多大专本科院校已经忽略了这样一种舞蹈教学方式。他们只是单一重复着舞蹈最基本的训练,这样的单一的重复使舞者的思维狭窄,没有更好的想象力与创新思维,反而使舞蹈变得更为单板。但大专本科院校美术系的学生会有这样的机会,学校让学生出去写生,让学生融入大自然,体会大自然和感受大自然给人们带来的美景,这样会给学生更多的灵感、素材和想象,从而得到创新,得到进一步的发展。

如何发展中华民族民间舞,创新才能得到发展,因此,对于原生态的民间舞蹈不能一味的闭锁,而是要合理的拓展、创新,才能使原生态民间舞蹈的生命之树常青。民间舞要发展,要求舞蹈工作者要有创新的精神、开拓的意识。但要掌握好一个“度”,这即要保存原生态的基本特点,又要在原有的基础上进行创新。舞蹈编导工作者不能只研究舞蹈,还要研究人民的生活和文化。这样才能弄清楚某一舞蹈的产生过程、其中的思想感情、影响其形式、风格和生活生产方式等等。特别强调艺术家深入研究人民的性格和生活,然后用丰富的想象力在舞台上创造出新的具有原生态民间舞的形象、感情和风格的新的民间舞。但从目前的现状来看,民族民间舞正在面临着愈来愈严峻的冲击与挑战,在外来文化的不断冲击之下,民间舞一次次的在经受着考验,受其影响也非常之大。从近几年全国性舞蹈比赛和民间舞作品创作、教学等可以看出,民间舞正走上一条“唯美化”“形式化”“情感虚假化”的道路,编导不懂民族的文化--地理环境、生活习性、劳作方式和宗教信仰,不知道民族的“根”在哪里?只是一味套用现代舞的技法,把原有民间舞素材在时间、空间、力度上作改变,从解构再到结构。表面上看似这作品编出来变化丰富,有“新意”,可只要略朝深处去看,会觉得像白开水一样索然无味,民间舞应有的风味和韵味被淡化了。在一个高速发展的现今社会,创新即发展。就从民间舞蹈创新而言,吸收新的东西是很有必要的,但要把握好“民间舞本质”这个“度”,否则就会使民间舞的种类发生根本性的变化。

因此,要求应该深入学习民族舞蹈知识和理论,深入生活,去了解地理环境、生活习惯、民族特色,也应注意对原生态民间舞的保护。

原生态民间舞的风格特点是一个民族或一个地域人群的性格体现,这就要求舞蹈工作者不能以教员个人的审美喜好为标准,要尽可能的多保留原生态民间舞蹈的自然、淳朴的风格。在教学中尽可能少留下自己加工的痕迹,保持天然地道的乡土民间舞。还应熟悉的掌握现代舞的技法技巧,做到有“度”的吸收,有“度”的借鉴,在这基础上进一步的创新和发展,从而促进民族民间舞的发展。

从历届的舞蹈比赛中可以看到也有很多融入现代舞手法的优秀的民族舞蹈,如张继刚编创的《母亲》,就是抓住了藏族的动律核心,又大胆的跳脱出其单一性的限制,在动作层面上深入挖掘,使作品获得成功。可以看出,每一个民族的舞蹈都承载着本民族的文化和审美,受环境和语言的影响,都具有不同于其他民族的独特风格。因而在创作过程中,特别是一些基本的动律和体态是不可更改和违背的,应该强调和突出。三人舞《牛背摇篮》,表现了藏族人民的生活场景和对生活的无限热爱。舞蹈中,编导运用牦牛这种在藏族人民生活中最为普通的动物描写、刻画了藏族人民与牦牛世代相伴、生生不息的亲密关系。编导的高明之处就在于有着丰富的生活经验,能准确地把握住藏族人民的生活习性,把牦牛进行拟人化的塑造,对牦牛的拟人式刻画,不仅沟通了牦牛与人之间的感情交流,而更多地丰富了藏族舞蹈的语汇。如:两个男演员的手臂模仿牛角,惟妙惟肖的刻画牦牛的形象,也预示这勤劳不时地藏族人民的形象。同时,娇媚可爱的小姑娘用藏族特有的“水袖”表现出的生活场面,使人们仿佛置身于青藏高原那神秘而令人向往的圣地,真切地感受到民间艺术的强大魅力。现代元素是纷繁多样的。现代的编创手法、舞台理念、审美理念,都对中国的传统民间舞有着深刻的影响,但并没有夺走民间舞的自我,只是通过新的手段更加完善了民间舞,让观众看到了更好的民间舞。

综上所述,民间舞是一种具有极强的生命力的艺术门类,同时,民间舞具有他自身的特点和特征,承载着中华民族文化,注重传统保留的同时,还要进行进一步的创新,但不是单纯的停留在简单地再现和风格性展示,而是在原生态民族民间舞基础上深挖起文化精髓和内涵。我们应该不断的努力学习中华民族文化,充实自己的文化底蕴,来更好的促进中华民族民间舞的发展。

传承和发展中华民族民间舞有着重要的意义,中国是个文化底蕴极其深厚的国家,具有独特的文化气质,几千年流传下来的中国舞蹈文化也是如此。我们应该传承和发展民族民间舞,使民族民间舞更加符合时代的发展、符合观众的品味、符合文化的传播。我们应该创作出更多、更优秀的民族文化作品,让世界更深入的了解中国,认识中国的民族文化,促进中国经济、政治、文化的发展和更大的繁荣。

总之,中国五千年璀璨文化中这颗闪烁的明珠,它有着自身的发展规律,它是我国人民拥有的文化财产中最重要组成部分之一。我们应该传承和发展,并沿着它自身的发展规律而演变。让我国民族民间舞蹈文化的全面发展,让这颗闪烁的明珠放射出更多灿烂的光芒。

第三篇:舞蹈鉴赏论文

舞蹈鉴赏

对于一个理科生来说,像舞蹈鉴赏这类的课,就一个学期的时间,总让人觉得时间走的很快。不同于自己专业性质的课程,似有一种魔力吸引着我们。

在舞蹈鉴赏课中,对于舞蹈印象最深的当属芭蕾的。真正知道芭蕾源自一本叫《狼图腾》的小说,其中提到《天鹅湖》,那时,处在文化大革命时期的他们冒着被批判的危险偷偷的看着关于《天鹅湖》的书籍,他们对于《天鹅湖》的强烈渴望同样勾起了我对芭蕾的兴趣。在舞蹈课上,我了解到,芭蕾被称为足尖上的艺术,19世纪下半叶,《天鹅湖》成为了芭蕾中不朽的经典。从此俄罗斯芭蕾也成了天鹅的故乡。回顾芭蕾的历史,20世纪在俄罗斯诞生了一批优秀的舞蹈艺术家,他们用优美的形体语言将芭蕾带入了鼎盛时期。关于芭蕾,可以我们从以下两点来欣赏

一、古典芭蕾的“开、绷、直、立”和几何图形

在芭蕾艺术的发展中,它那科学的人体运动法则和高贵典雅的美学风范具有慑人的永恒魅力。

芭蕾的“外开”是在脚“一字”开(两脚完全向外打开,只有脚跟靠在一起形成一条直线)的基础上达到膝盖、胯部、肩膀的外开。这是脚的一位;二位——两脚还在一条线上,两脚跟之间相距一脚掌;三位——两脚外开靠拢,脚的脚跟位于另一脚的中间;四位——一只脚在外开保持不动的基础上,另—只脚向前一小步位置,前后脚平行,前脚脚跟与后脚脚尖冲齐;五位——两脚的脚掌整个外开贴紧,一脚的脚尖位于另一只脚的脚跟旁。脚的五种位置是古典芭蕾贵族气质的集中体现,而这五种脚位在日常生活中并不适用。

芭蕾的“绷”不仅表现在苞蕾特有的脚背、脚趾的绷直,也表现在动作过程中腿部、腰部等部位的绷直和控制。“开绷直立”的芭蕾弘扬着基督教的“神选意识”——所有基督徒的精神世界都必须隶属上帝。法国宫廷培育出的芭蕾,其挺拔直立的飞速旋转形成一种脱离地球引力的离心式的冲动,一方面带来进取和执著,另一方面也带来唯我独尊——进取和执著,跨越雷池一步即变成攻击和偏执。

横膈膜、内肋骨的肌肉支持肋骨腔,拖住胸部。从腰部开始,脊椎充分伸展。背部的弯曲极大地违背了芭蕾高贵气质和崇高理性的象征。芭蕾的审美原则拒绝“粗腰丰臀”,而是讲究女性曲线。这与当今的审美趋势不谋而合。芭蕾对臀部采用“前收腹,后加紧”来缩减臀部的体积和厚度。通过肩、髋、膝、踝等关节的外开,让臀部紧紧夹在两股之间,消除臀部的下坠、膨胀和厚度。芭蕾的动作腿必须保持从胯关节开始的外开,并且以从胯部到脚趾尖的“绷直”感来有效抵制大腿容易堆积的脂肪。总之,芭蕾舞中的每一个细小的动作变化都是对古典和规范的追崇。

二、古典美学对人体的塑造

芭蕾训练的科学性和系统性体现在由浅入深、循序渐进的规范系统的教学步骤中。从对学生外开性、稳定性的教学到控制、跳、转等技巧的掌握,芭蕾对人体的塑造和运用具有科学性和合理性。古典芭蕾的正确姿势依赖于人的骨盆,舞者应感觉是从腿上拉起,前后收紧,腹部的肌肉由前向上拉,用臀部的肌肉下拉来保持平衡;不要肚子太用力.胸部尽量展开以减少脊椎拉长的长度;要提长背部的肌肉以避免重心后倒。

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外开来自髋关节,膝、踝在一条直线上,反对用脚来转。二位收回时提胯很重要,双腿在收回时要同时靠向中心线。外开的确立和控制要用肌肉来完成,其中大腿内侧肌肉最为重要。活动的时候大腿的后部提向身体的中心,将腿向外转开,腿的后部拉长。连接腿和骨盆大块的臀部肌肉也负责外开的任务。人体重力通过脚的前部和脚后跟的前半部分作用于地面,胯放直,重心放在脚掌,臀部肌肉和骨后肌群在控制重心时起至关重要的作用。人体重力转移的原则是当重力离开新的动作腿之前,身体应有意识地向新的支撑腿移动,直到重力转移完成。

如果违背这一训练原则,没有严格按照芭蕾训练规范去做,演员的内侧肌群没有做到充分伸展,没有使肌肉达到纵轴上拉长,就会影响肌肉线条,产生练粗腿的后果。

通过一个学期的舞蹈鉴赏课程学习,它让我从一个对舞蹈一无所知的人变成了一个学会欣赏舞蹈、体会舞蹈、具备舞蹈审美能力的人。老师热情奔放的讲解,以及在课堂上观看的各地具有名族风情的舞蹈。它们给我的心灵带来了一种前所未有的的震撼,特别是看到我国各名族舞蹈的时候,我能深深的体会到中华民族五千年文化的底蕴。在舞蹈鉴赏课上我明白了舞蹈是富有教育意义的一种健康高雅的艺术活动,它能提高大学生审美情趣、艺术修养、创新精神和实践能力。

第四篇:舞蹈鉴赏论文(模版)

舞蹈鉴赏论文——大河之舞

摘要:《大河之舞》就是在讲述爱尔兰的传统,讲述它民族的历史,它运用爱尔兰传统的舞蹈“踢踏舞”来讲述这个历史的发展过程,用民族的传统来讲民族的历史, 具备了民族的特点,它是带有民族特色的歌舞剧。

关键字:大河之舞 踢踏舞 歌舞剧 爱尔兰

在舞蹈鉴赏课上,我欣赏到了世界著名的《大河之舞》。《大河之舞》是俐落流畅的爱尔兰踢踏舞,是忧郁热情的西班牙佛朗明哥,是气质优柔的古典芭蕾,也是活力动感的现代舞。

《大河之舞》中的“大河”指的就是爱尔兰的里菲河,里菲河就像我们的黄河一样,是爱尔兰民族的“母亲河”,而恰恰是这一条“母亲河”记载着爱尔兰的历史,《大河之舞》就是在讲述爱尔兰的传统,讲述它民族的历史,它运用爱尔兰传统的舞蹈“踢踏舞”来讲述这个历史的发展过程,用民族的传统来讲民族的历史, 具备了民族的特点,它是带有民族特色的歌舞剧。

《大河之舞》被誉为“地板上的精灵”,该剧以传统爱尔兰民族特色的踢踏舞为主轴,融合热情奔放的西班牙弗拉明戈舞,并汲取古典芭蕾与现代舞蹈的精髓,共同营造出一场气势如虹,异彩纷呈的绝世舞作。《大河之舞》是爱尔兰凯尔特人的骄傲,这种以踢踏舞为主的舞蹈和为踢踏舞专门编制的音乐,被称作世界上最具震撼力的舞蹈和最富感染力的音乐。据说凯尔特人生来就有舞蹈的天赋,他们对舞蹈的理解已经达到至高无上的境界。踢踏舞已经不单单是一个舞蹈,已经成为爱尔兰的民族艺术之魂和骄傲。同时它也成为一个媒介,连接了爱尔兰的过去与未来,连接了爱尔兰的民族与世界,现在已经成为世界艺术百花园中的一朵奇葩。

《大河之舞》的剧情是诗化般的,神话、传说、历史混合成爱尔兰那最初的朦胧而清晰的印象,如泣如诉的爱情、波澜壮阔的战争和永恒不死的自由,让心灵奔腾不息地穿行在爱尔兰那如诗的旷野上。在这里,艺术渲染了一个极具纵深感的背景。器乐和人声无比完美地结合起来,使爱尔兰的传统音乐旋律诞生出了新的灵魂。悠扬苍凉的爱尔兰风笛延续着古老的情怀,激扬的小提琴挑动着每一根敏感的心弦,让人们一次又一次被爱尔兰的文化和历史所感动。

如果说剧情和音乐是岸边如画的景致,那舞蹈就真的是在那其间川流不息的“大河”。正是在音乐、剧情的烘托下,踢踏舞如同倾泻的河流汇成了这部优美壮观的“大河之舞”。“大河之舞”里的舞蹈继承了爱尔兰民间舞蹈的精华,带有浓郁的民族特色,同时也包容了踢踏舞的所有流派,形成了独具一格的踢踏舞表演的盛会。上身挺拔的爱尔兰踢踏多了一份庄严与凝重,美国黑人的踢踏舞那种随意不恭的幽默以及同样挥洒着自信和洒脱的百老汇踢踏舞。而所有的踢踏舞在“大河之舞”中都同样表现了毫不逊色的复杂的打击技巧,整齐划一的大群

舞,气势如虹,像潮水一般冲击着人们的视线和心灵。应该说,“大河之舞”的舞蹈已经深深融入了爱尔兰厚重的文化之中。

我喜欢《大河之舞》,我折服于舞者富有激情而不失细腻的表演,惊叹那复杂多变的节奏,明朗的舞步。与此同时,我的灵魂早已游走在爱尔兰民族的血泪史里。《大河之舞》是一部爱情悲剧,或者,更是一个民族的辛酸史。舞蹈聚合了一个国家深重的苦难和爱尔兰人民执着的企盼,正因为如此,原本单薄的舞蹈才会变的有些厚重,原本轻盈的舞蹈才会带上些历史的沧桑。在踢踏舞震撼的节奏里,我找寻到与芭蕾的静谧全然不同的奔放与激情,同时,我的内心有种情愫在暗暗滋生。光影浮动,每一次变幻预示着一次全新的发展。在《大河之舞》变幻莫测的节奏和贯穿始终的旋律里,舞者用踢踏这样一种方式讲述一个家族的灾难历程。《大河之舞》展现出的是真爱、丑陋的人性理想与现实矛盾冲突的融合体。它就犹如是一部叙述爱尔兰祖先与大自然的抗争,以及经历战争、饥荒等种种苦难后流离失所,重建家园的长篇血泪史诗。历史宛如一条长河,滔滔不绝地传颂着智慧、勇气、生命与爱。《大河之舞》让我享受到一种全新的感观体验,也将我的思想带到了比舞蹈更本质深远的层面。

在《大河之舞》中,舞者的服装并没有特别之处,男舞者多数是上身白衬衫,下身黑裤子,而女舞者基本上是一身黑连衣裙。就舞者的动作来讲,不管男女舞者,上身基本保持不动,两手自然下垂或偶尔掐腰,这就很自然的把人们的目光吸引到舞者的脚下,而舞者的脚下功夫才是“舞之魂”,那种千变万化,美轮美奂的踢踏动作,点燃的是激情,敲击的是震撼。在整个集体舞中,舞者的身高也不一定很整齐,但是他们的脚下的踢踏舞却整齐如一,踢踏出来的节拍是那样的和谐,那样的震撼人心。每一位舞者的精湛技艺都让人赞叹不已,每一位舞者的敬业精神亦让人油然起敬。舞蹈中不断变换的形式以及独特的三角队行,快速却毫无杂音的踢踏之声,使舞蹈具有强烈的层次感和穿透力,在视觉和听觉上都给人以空前的震撼力。布景更是将其剧情展现得淋漓尽致、丝丝入扣,将爱尔兰人民热爱自然、崇尚生命的精神表现得尽善尽美,并且使演员和布景完美地融合在了一起,你中有我,我中有你。《大河之舞》是一场力感、动感、质感与美感兼具的百老汇音乐歌舞盛宴。

《大河之舞》具有舞台化、戏剧化、现代化、商业化和国际化等特点,它有很多的艺术手段可以借鉴,强调的是现代人的现代化、节奏化,符合现代人的欣赏品味,因此它能够舞动世界,深受世界人民的欢迎。我想它能够获得如此大的成功,是因为它不仅给人们带来了娱乐,更洗涤了人们的心灵吧。

第五篇:舞蹈鉴赏论文

舞蹈对美的认知作用

舞蹈是一种人体动作艺术,是反映人类社会生活的一种社会意识形态。舞蹈起源于对生产劳动,战斗,社会生活动作的模拟再现,图腾崇拜和表现,交流思想感情的内在冲动,可以说舞蹈是人们内心生活的一种外在表现。其在物质的载体以及表现手段方面有着不同的特性。舞蹈是以身体为载体,在舞蹈者不断的动作变换以及身体姿势中,描绘想要表现的事物。

舞蹈是艺术的一种,是已经过提炼,组织,美化了的人体动作作为主要艺术表现手段,是一门空间性,时间性和综合性的动态造型艺术。在舞台的空间里,舞蹈者身体的存在就是一种形式美,经过身体的运动所呈现的线路曲线,跳,转,跑以及各式流畅表演,都将自己的感情融入其中了。舞蹈者在舞台的演出,通过外在的服装、灯光、音乐,内在思想感情,赋予舞蹈一种具有生命的灵气,丰富的艺术意象以及深远的舞蹈意境都被完整的展示出来。

舞蹈的直观性,抒情性,虚拟性,节奏性是形成舞蹈美的四个基本审美特征。而舞蹈艺术的美学形态正是以形态美,抒情美,神韵美三种基本态势存在并相互作用的,即动而有形,舞而有情。

从直观性上看,舞蹈被称为活动的雕塑和绘画。由于舞蹈是以人体的姿态、表情、造型,尤其是动作来表现思想情感,表演在塑造舞蹈形象时具有更加重要的意义和作用。在注重描写人物的舞剧和舞蹈作品中,舞蹈形象主要是指以舞蹈动作、姿态、表情和造型所塑造出来的人物形象。对于那些注重描写生活场景或抒发情感情绪的舞蹈作品,舞蹈形象同样需要通过演员的形体动作和姿态表情,来形成具有典型意义的舞蹈意境。总之,不论是塑造人物,还是表现意境,舞蹈形象都需要依靠动作和姿态来表现人物性格,创造情绪氛围,使得舞蹈形象总是具有直观性或称动作性的美学特性。舞蹈运用高度凝练的、程式化的姿态、动作,着重表达人们的内心情感活动。某些难以用语言说清楚的精神状态和情感体验,用舞蹈动作往往可以把它抒发的细致入微、淋漓尽致。

而抒情性是音乐、舞蹈的基本属性。音乐、舞蹈这一类表情艺术,难以模拟或再现客观对象,而善于表现或传达创作主体的情感情绪,具有强烈的感染力和表现力。舞蹈中有大量的抒情舞蹈(即情绪舞)。这些舞蹈作品中几乎没有任何具体的情节或事件,主要是表现某种特定的情绪,通过强烈的情感氛围来震撼观众的心灵。即使对于情节舞和舞剧这样一些舞蹈作品来讲,虽然它们离不开一定的事件或情节,但它们真正关注的并不是去叙述或描绘这些事件,而是利用这些事件或情节作为基础,来塑造舞蹈形象,烘托环境氛围,最终仍然是为了表现情感情绪和传达审美思想。

舞蹈是人的情绪、情感的表达与宣泄,它以富有形式美的人体动作来传达精神,可以说是形象化了的情绪和情感。舞蹈的表现语言主要是人体动作,人体动作不善于叙事(这与雕塑语言很相似),但却能在表现丰富复杂的情感方面胜出一筹。它侧重于表现,善于抒发情感,开拓想象,运用舞蹈的语言表情达意,唤起人们精神上的共鸣。闻一多说过:“舞是生命情调最直接、最尖锐、最单纯而又最充足的表现。”成功的舞蹈表演,每一个动作、人体的每一块肌肉,都布满了情感,有时变形的动作和夸张的表现,从另一层面上表现和抒发强烈的精神世界。

从虚拟性看,舞蹈是一门特殊的艺术形式,演员在舞台上展示的动作,很多都不会发生在实际生活中。虚拟性是舞蹈的表现手法,是舞蹈审美的重要特征。用人体的动作、姿态来代替日常生活中的言谈话语,用“音乐——舞蹈台词”作为人物交往。刻画性格的台词,这本身就是一种虚拟象征。这种虚拟和象征是以生活为基础的,能概括而凝练地反映生活的本质,因而得到广大观众的承认和赞赏。舞蹈永远要把动作和舞姿置于情感逻辑的统率之下,形式必须服从内容,否则,为形式而形式,片面追求形式美,就会破坏形式与内容的统一,就会失去舞蹈的真实性。这种虚拟性为舞蹈描写大千世界,人间万态,开拓出广阔的领域,也使人们透过虚 拟象征性的舞蹈形象,产生欲望,获得心灵上的感悟和净化。

舞蹈是根植于舞台的艺术,其表现力容易受时间和空间的限制,必须以虚拟性作为主要的艺术手段,使观众自然而然的联想到并未出现在舞台上的生活内容,对作品进行补充。如果强行运用生活的逻辑对舞蹈进行解读,一定会觉得无比荒诞,可是一旦切换到舞台上,一切却显得非常顺理成章,这正是舞蹈艺术虚拟性的完美体现。

同时节奏性是舞蹈艺术与音乐艺术的共同特征,不过音乐艺术因为是听觉艺术、声音艺术,所以其节奏性是非之光的、隐性的;而舞蹈艺术因为是人体艺术,所以其节奏性是直观的、显性的。在舞蹈中,节奏是舞蹈艺术最基本的构成要素和表现手段.舞蹈的节奏性是人体的律动,即人体动作的力度强弱、速度快慢、幅度及能量大小等等。舞蹈的节奏性又常常表现为与音乐结合的韵律美。舞蹈本身就是具有音乐的节奏性和旋律性,是一种“动作的音乐”,在舞蹈作品中,音乐与舞蹈紧密结合,没有成功的韵律就没有完美的舞蹈,而节奏正是它们结合的纽带。富有韵律美的舞蹈动作,建立在节奏的基础之上;而音乐的节奏,又需要通过优美的舞蹈动作来形象地展现。所以说,正是节奏将舞蹈音乐与舞蹈动作紧紧地联系在一起,使之成为一个完美的舞蹈作品。

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