浅谈钢琴演奏中的放松（大全五篇）

第一篇：浅谈钢琴演奏中的放松

目 录

摘 要...................................................2 关键词...................................................2 引 言...................................................3

一、钢琴基础演奏中放松的概念及作用.......................3

（一）放松的概念......................................3

（二）放松的作用......................................3

二、钢琴演奏状态下的放松.................................4

（一）肢体放松........................................4 1.手指的放松.......................................4 2.手腕的放松.......................................4 3.手臂的放松.......................................5

（二）心理放松.......................................6 1.引起心理紧张的原因...............................6 2.如何缓解心理紧张达到放松状态.....................7 结 语...................................................7 致 谢...................................................8 参考文献.................................................9

摘 要

“放松”是钢琴演奏和教学中的基础技巧之一，肌肉的紧张将影响手指的机能，并给钢琴演奏的发挥造成了巨大的障碍，心理的过度紧张无疑是摧毁正常水平发挥的罪魁祸首，因为良好的钢琴演奏是在大脑的指挥下，使全身做协调运动而形成的。心理过度紧张状态下，大脑不可能进行正常的工作，也就打破了身心的协调，好的演奏效果是不可能实现的。也就是说这种协调不仅是身体上的，更是心理上的。良好的放松状态下的钢琴演奏，是在生理和心理最佳状态下所产生的，因此这也是每位钢琴演奏者需要达到克服不必要的紧张状态，在身心放松的状态下良好演奏的目标。本文分别从生理及心理两个角度来谈如何针对性放松。

关键词

钢琴演奏；紧张；放松；心理状态

引 言

放松在钢琴演奏中是一个说大不大说小不小的话题，不论是初学者还是有一定演奏经验的演奏者都无法避免需要直面的一个问题。钢琴家魏廷格说：正确的放松，可理解为一种“积极休息”的状态，积极而清醒、有意识、巧妙地在所有可以不用力的时刻和所有可以不用力的身体部位，均使之处于毫不费力，非常舒服，同时又可以随时随意地转入行动的状态。这种放松是相对紧张而言的，是指去掉多余的不必要的力量，并非完全不用力。演奏者在进行弹奏时，经常由于种种因素产生不适应的紧张，有时是关于不必要的肌肉的紧张，有时是心理因素造成身心不协调的紧张，从而影响弹奏过程中技巧的发挥，以及音乐风格的表现。这在钢琴学习中是一种普遍现象，相信很多人都深有体会。

一、钢琴基础演奏中放松的概念及作用

（一）放松的概念

放松这两个字,想必是每一位刚接触钢琴的初学者们从老师那里听到次数最多的词语之一。事实上，无论是初学者还是有一定程度的演奏者，它都是我们必然会碰到并且需要去解决的问题。首先必须明确的是,放松针对紧张而言，是一个相对性的概念。从生理学的角度来剖析它的话，人的任何动作,都是因为支配动作相关的肌肉的收缩而发生的。这种收缩是肌肉的必然紧张。举个例子,当我们忙碌了一天，浑身疲乏，累的腰酸背痛，肩颈僵硬时，就会感觉到即使是一些微小的动作，比如上楼梯或者是抬手等都会牵动一部分肌肉产生疼痛。

著名钢琴教育家尼古拉耶夫给钢琴弹奏时手的状态做了一个明确的定义:“手不应该像木棒那样僵硬,也不能像烂布那样松软,它应该像弹簧那样有弹性。”[1]从这句话中我们可以了解到当我们放松时，应做到松而不懈。正确的放松是在运动中进行的,是一种积极的动作,是放松与紧张的有机协调。弹钢琴也是同一道理,应松而不懈,让整只手从肩关节到手腕完全放松,没有一处麻痹松懈。在触键时要有充分的重量和完全松弛的腕和臂,指尖要支撑腕部的重量,腕和肘应该能够灵活地向任何方向移动,使整只手、腕、肘和肩完全自如。

（二）放松的作用

众所周知, 衡量钢琴演奏是否成功的两个最为关键的标准：完善的钢琴演 奏技巧与完美的音乐风格表现。而要达到娴熟的演奏技巧与完美的音色表现, 弹奏时的放松是先决条件。因为任何一种僵硬不灵活的弹琴方式势必完成不了不同乐曲所带来的不同技巧, 就算能勉强应付, 也一定会对音乐表现产生极大的负面影响, 甚至会造成肌体的损伤。实际上，在钢琴演奏中，放松是最基本也是最重要的要求，只有学会了放松，尤其是掌握了手指手腕手臂的灵活运用，才可以掌握正确的弹奏方法以及钢琴的各种技巧，才可以弹奏出清晰、快速、流畅而又准确的琴声，才可以弹奏出优美，漂亮的音色。所以可以说，放松是通向钢琴演奏自由王国的必由之路。

二、钢琴演奏状态下的放松

钢琴演奏是一门科学性很强的表演艺术，它的演奏过程受到大脑的支配，需要协调身体各个部位。在这里可以将钢琴演奏过程中的放松大致分为两大类，生理及心理上的放松。在教学中，这需要教师的正确表述及耐心指导，学生的理解和反复地推敲、训练才能掌握。

（一）肢体放松

1.手指的放松

亨利·涅高兹曾说：“手指是钢琴家意志的执行者，钢琴弹奏的直接创作者。”手指是钢琴弹奏中的主要创造者与体现者，在钢琴演奏中处于非常重要的位置。在演奏过程中手指直接与琴键接触，直接影响到钢琴演奏的质量，手指的放松体现在手指的灵活性、独立性、均匀性。有了良好的手指独立挥动性和独立支撑能力，才可以灵活放松的让手指触键，并有良好的离触敏捷力和手指的快速跑动能力，这样才可能完成作品的良好弹奏。因此，十指的速度、灵敏、力量，以及千变万化的触键方式、控制能力是弹奏一个作品的基础。原则上讲，手指必须能够支撑身体的全部重量，这也是能够演奏出包括各种不同层次的力度的根本所在。在弹奏越轻柔的声音时反而越需要手指的支撑，这时主要是指手指第一关节的控制与支撑，只有具备了这种能力才有能力在弱奏处奏出具有穿透力的声音，将声音传至听众，达到弱而不虚的声音目标。

2.手腕的放松

腕关节是连接指尖与大臂的桥梁。腕关节直接控制着手，而手指是弹奏音 4 符的直接执行者，是最为积极活动的部位。魏延格在《388 问》里，对怎样改变手腕的僵硬状态提出对于年龄较小的孩子和年龄较大的初学者可以采取不同的练习方法。作者认为手指不主动而又要弹出较大的音量才造成的腕部僵硬，所以建议强调手指的积极主动和开始不要强调音量的方法。而对年龄较大一些的可以“不在琴键上，先提起小臂、在悬空中将手腕持平、稳定不动，然后利用腕关节的作用，控制手部做向上、向下、向左、向右以及划圆的动作”“将中指按在键盘上并挂在那里，肘关节稳定不动，然后用腕关节的活动力，做手腕本身的向上、向下、向左、向右以及划圆的动作。”[2] 此外，对于正在学习演奏的我们来说，当我们在演奏八度震音或其他双音时手腕的僵硬是最容易出现的。霍夫曼(Josef Hofmann 1876-1957)在谈到这个问题时说：“手腕僵硬是由于使用不当。练习八度及双音时，要永远记着使手臂及其关节处于放松及柔软的状态，当感到疲劳时，应立即停止，直到解除了肌肉的收缩。”[3] 3.手臂的放松

钢琴弹奏中，大臂经常需要做外展，内收和屈伸等动作。我们在演奏中，不论是在弹奏音响效果宏亮而丰富的和弦织体时还是演奏标记着三个p最微弱的音符，或是在演奏音符的连贯处，都需要运用大臂来演奏。

钢琴弹奏的力量和重量来源于手臂和肩膀，并依靠手臂的重量去触键，而手臂的重量则依靠放松来产生。这种放松的重量通过肘部、小臂和手腕传递到手指上。但是在弹奏时，我们还需要手臂来发力，如果手指张开，就会产生一种张力，导致手臂的紧绷。因此，在弹奏钢琴时精力要高度集中，必须控制好手指的张力，不要将这种张力传递到手臂上。在弹奏的过程中，应该始终保持手臂处于自然放松的状态，大臂在放松的同时，还要保持对手臂的支撑。

另外，我们还要注意各环节之间的协调配合，要做到“放松有度、紧张有驰”。使手臂的灵活度得到全面发挥，同时还要保持弹奏的美观性。“大臂的发力困难在于直接。发力的直接意味着一种高度集中的放松状态。在发劲的一瞬，肩部和臀部的有关肌肉会有一定程度的收缩，但绝无丝毫僵硬。同时在发力前，全身各部位非常放松；发力后也非常放松。”“大臂对于整条手臂乃至指尖的操纵，是以连绵不断的、均匀持续的缓慢内劲为根本的。”[4]

4.肩膀的放松

所谓肩的放松其实就是指肩关节的放松。它的一般状态应该是：不主动做 动作，保持完全的自如、随意感，同时还有一点自动下沉的感觉。如果我们在练习演奏钢琴的过程中，方法掌握不当，这些肌肉就容易产生不必要的紧张，久而久之便会产生疲劳感。在这样情况下，如果不及时把这些部位消极的肌肉紧张放松下来，还会造成疾患，出现背部、肩部的酸痛症状。因此肩部的放松是一个非常重要的问题。肩部的放松练习可以先弯腰将手臂自然下垂，完全放松的来回荡，体会一下感觉。然后再坐回到钢琴前，放松抬起手臂，用自然下落的方式弹一个单音，通过久而久之的练习找到演奏过程中肩部自如、下沉、舒适的感觉。

（二）心理放松

1.引起心理紧张的原因

钢琴演奏中引起心理紧张，难以放松的主要原因有两个方面，一是客观原因，例如曲子演奏难度的提高以及环境的变化都会引起演奏者心理的紧张难以放松，俗话说“艺高人胆大”，演奏的曲子应根据演奏者自身的水平而定，在尽量能掌握乐曲难度乐曲风格表演的前提下来选择曲子，同时这里也提醒了教师们在为学生选择曲子时，不应“拔苗助长”，按照学生的客观实际，因人而异来选择乐曲弹奏，既激发了学生们的积极性主动性，也在无形中慢慢增加了学生们对演奏的信心。倘若反其道而行之，一味选择难度高于学生演奏程度的乐曲，反而使学生们演奏时精神紧张，手心出汗，手指发抖难以自控，不仅破坏学生们的演奏热情，更容易引起学生们的消极情绪。而环境的变化也容易引起人心理的紧张，一个熟悉的环境与一个陌生的环境相比感受是大大不同的，有时琴凳的高矮房屋的大小光线的明暗都容易引起演奏者的不习惯而造成心理负担。

二则是主观原因，例如演奏者的性格，缺乏自信，练习熟练程度等，也都会对演奏造成一定的影响。虽然在平时生活的各种大小事情上，我们都强调应注重过程而非结果，但是在生活中真正能做到如此的人并不多，碰到问题时，能付诸行动的则更少。常常有这样的例子，有些同学平时在琴房练习时，能把曲子演奏的十分熟练，将乐曲情感表现的淋漓尽致，但一碰到考试或者比赛时，就会很紧张，发挥失常甚至出现大脑一片空白忘谱的情况，学琴至今，我自己也碰到过这种情况，身边的同学有此情况的更不是少数。在老师的耐心指导及自身的调节下，我明白了不能发挥正常水平的原因大多归结于太过注重结果，而无法把全身心投入于演奏，这样取得的效果往往是适得其反的。缺乏自信也是影响演奏正常发挥的一个因素，当人缺乏自信，往往就顾虑较多，导致心理不能放松。练习程度不够熟练时也容易导致本来的练习效果大打折扣，俗话说 6 台上一分钟台下十年功，拳不离手曲不离口，钢琴作为一个技能来说需要我们勤于练习。

2.如何缓解心理紧张达到放松状态

针对这些演奏时心理无法放松的种种问题，要克服演奏过程中心理紧张这一现象，我认为首先应端正对演奏的认识，演奏者应大胆全力以赴的去演奏，过分注重演奏结果反而会造成其心理压力，影响演奏的水平，只有将忘我的状态融入到演奏中，才能真正的发挥演奏者真正的水平以及乐曲本有的风格情感。

其次应将注意力合理分配，演出前应让自己处于身心平和的状态，也可用呼吸调节法来消除紧张心理，反复深呼吸平复稳定心情。演出时应将注意力集中于眼耳手以及乐曲的演奏，排除杂念，将自己的感情注入到音乐中去，发自内心而由衷的表现音乐。

最后，演奏者还应该对自己建立充分的自信心，经常自我鼓励，著名的钢琴演奏家阿图尔·鲁宾斯坦曾说过：“当我走上舞台，我便是国王”。自信是做任何事成功的关键，自信也是演奏者对自我水平的一种肯定，只有首先自我肯定了，才能有自信接受他人的考验和评价。因此在教学过程中，老师也应多给予学生鼓励支持，善于发现每一个学生的优点，有时比强调演奏技巧更重要，帮助其建立良好的心理状态。

结 语

总之，钢琴演奏中只有处理好从指尖开始到手腕、手臂、肩膀、上身乃至腰部及全身各部位的放松状态，以及心理上对舞台演奏紧张感的克服，钢琴演奏的技术水平才能得到提高，而钢琴演奏的技术水平的提高又为演奏中情感表达提供了技术支持。同时也需要在老师的耐心指导和正确表述的前提下，促进学生演奏技术的进步，如此学生才能在良好的环境积极的状态下，更深刻完美的诠释好音乐这门独特的语言表达艺术。

致 谢

首先，我要感谢我的指导老师贺丹为老师，本设计的完成是在贺老师的细心指导下进行的，正是由于她在百忙之中抽出时间对我进行耐心的指导，我才能将毕业论文顺利地完成。大学四年中，老师严谨的治学态度和高度的责任心都将使学生受益终生。祝愿敬爱的贺老师事业顺利，桃李满天下。也要感谢母校为我提供了一个学习与成长的平台，谨向我的父母和家人表示诚挚的谢意，他们是我生命中永远的依靠和支持，我的点滴成绩都来自他们的支持。让我依依不舍的还有四年来风雨共度的同门室友，能和他们相遇、相交、相知是人生的一大幸事。

参考文献

[1]转引自齐平，董茉莉，焦东建译《演奏者与技术》，中央音乐学院出版社。[2]魏延格《钢琴学习指南 答钢琴学习388问》，人民音乐出版社，第 77 页。[3]约·霍夫曼《钢琴演奏》，北京人民音乐出版社。[4]赵晓生《钢琴演奏之道》，上海世界图书出版公司，1997。

第二篇：浅谈钢琴演奏中的“放松”

【论文】

浅谈钢琴演奏中的“放松”

浅谈钢琴演奏中的“放松”

【摘要】在钢琴演奏中，放松不仅是最基本而且也是最重要的要求。只有学会了放松，才会掌握正确弹奏方法和钢琴的各种技巧，才能奏出优美，具有穿透力的声音。

【关键词】：放松

技术

动作

心理

在钢琴教学中，有的学生身体僵硬，头颈一点也不动，身体重心不作丝毫的移动，只是手指在机械地弹奏，弹出苍白无味、毫无光泽的声音；有的学生动作僵硬，手肘上下抖动，手肘紧靠身体，手指几乎没有上下动作等等，这都表明学生演奏是紧张的，不放松的。那么怎样才能做到放松呢？笔者认为要从两方面入手。

一、技能技巧方面。

1、首先要掌握正确地弹奏基本姿势

开始学琴起，就要让学生清楚地知道，坐姿规范的标准及要求。如果坐得太近，就会限制住手臂的活动，影响手臂的舒展。坐得太远，不利于手指的控制以及力量的集中。同样，坐得太高或太低都会影响弹奏的效果。正确的坐姿是双脚着地，放在踏板的前面，如果学生的年龄小，脚接触不到地面，就要放一个小凳在脚的下面。坐的位置应该是琴凳的前三分之二或者二分之一处，腰要挺直，身体与琴的距离应该保持前臂与键盘基本平行的位置。总之，要想反应灵敏，动作敏捷，就要保持良好的坐姿，这样才能为演奏时的放松做好充分的准备。

2、还要正确地掌握手臂（包括肩、肘、腕、手指）的放松。

肩膀也就是肩关节，它的状态应该很自如，很随意，略微有一点自动下沉的感觉。在弹奏之前，先活动一下肩关节，再转动一下头颈，感到肩膀放松自如，很舒服。在弹奏的过程当中，时刻想着肩部要松弛，也可以用呼气的方法来感觉肩部的放松。

肘关节，是上臂与前臂相连接的部位，在实际的弹奏当中肘关节抬起的动作是非常自然的，只要稍加控制，毫不费力就能做到放松。

前臂本身是不能动的，它主要由肘关节控制，并由腕关节带动，前臂不应该妨碍腕部的活动，反而应该提供最佳的状态，前臂经过腕关节的带动可以把力量自然的作用到手指尖上。

腕关节，是手与前臂相连接的部位，它直接控制着手，力量作用于手指。手腕的状态和作用，与肩肘关节是不同的，腕关节的一些动作、技能、技巧需要一些特殊的训练才能掌握，有很多练习曲和基础练习就是为腕关节准备的。

掌关节是手指与手掌的连接部分，它控制并掌握着手指的动作。由于它掌握着手指动作，只要手指状态是自然的，手腕是柔软的，掌关节就不会僵住。

3、弹奏中，避免一些多余的、没有意义的动作，有利于放松。

很多学生在弹奏时，总是喜欢把不用的手指高高地翘起或紧紧地夹住，这就造成了手部的紧张。那么在弹奏中，暂时不用的手指应保持放松自然的状态，轻轻地放在琴键上，虎口应保持半圆的状态。在弹音阶和琶音时，手腕不能上下左右一起动，要根据音的走向带动手 指转移。触键时手指不能塌指，手指落键以后马上让这个手指放松，不要再作多余的动作，这样就不会使手指因为紧张而出现更多的问题。

4、手指触键后应立即放松，使声音富有弹性。

钢琴的声音是一触即发的，当琴槌击弦的一霎那，声音就会发出，因此手指触键要很快地抓住一霎那这一“点”，我们叫它“发音点”。声音一旦发出，手指就要立即放松，不要再用力挤压琴键，使声音发硬、发闷，很难听。所以，手指要很快地触键，然后马上恢复自然放松状态，避免造成肌肉紧张。

二、心理方面：

一般的学生在自己家里或者是熟悉的地方，弹奏得都比较不错，但是在回课的时候，却差的很多，这些都是由于学生的心理素质不好，对环境的不适应而造成的，做为教师，要善于帮助学生克服紧张情绪，先要培养学生的兴趣，增强自信心，用精彩的示范和生动的语言来感染学生。在教学过程中，多鼓励少批评，其次要多让学生在众人面前演奏，这样可以使学生们互相学习，取长补短，并能够锻炼胆量。多举办一些观摩会，给学生们创造一种表演气氛。

总之，放松是钢琴演奏的基础，没有放松，就谈不上优美的音色，没有放松，就会导致钢琴的学习走上崎路，我们要学会放松，不断审视放松在钢琴学习和演奏中的重要性。

【参考文献】：

1、韩林申、李晓平、徐 斐、周荷君，《钢琴基础教程》，上海音乐出版社，2001年8月。

2、周广仁，《钢琴演奏基础训练》，高等教育出版社，1998年8月

第三篇：论钢琴演奏中的放松问题

【摘要】放松问题应该是学习钢琴最先讲解的注意事项，无论是坐姿、手臂、手指、脚等方面的姿势对钢琴弹奏和节奏的的把握都有较大的影响。这些演奏技巧是每个初学者必须掌握的，特别是放松，是每个初学者熟练掌握的难题。本文，将对钢琴演奏中的放松问题简单谈下问题的起源，并谈谈对放松问题的认识。

【关键词】钢琴演奏；放松；难题；认识

钢琴中的放松问题和考驾照中的换挡一样，都是初学者感到头疼的环节。但是这个又不得不正确把握，这个入门级的问题困扰了大多数初学者。产生这种呢情况的原因是多方面的。总结下来就是生理上和心理上的紧张造成的。出现这样的情况是非常正常的，只要按照正确的动作多加练习，都会掌握正确的姿势。同时，初学者必须有一个端正的学习态度，基本姿势都不会，是无法正在弹好钢琴的。

一、钢琴演奏中的放松问题

（一）放松和松懈

放松的状态到底是个什么状态，这个问题可能没人能够清楚的回答。首先，放松不代表松懈，松懈意味着手臂、手指等部位“毫无支撑”的耷拉在支撑面上，这个状态可以简单去体验一下，用手向上托举手臂，你会感觉手臂的所有重量都集中在你接触的点上，这个手臂是“掉”下来的。所以这种松懈是不正确的，钢琴弹奏需要适当的用力按键和摆动，这需要一点力量但是又不会充分的用力，有一个平衡点。另外，还有一种状态也是不是放松，弹奏者直挺挺的端坐着，整个身体和手臂是“脱节”的，这种看似姿势标准，其实所有的力量都不是从手腕发出的，而是从肩膀发出，使人感觉无比的僵硬[1]。

（二）放松和紧张的关系

放松和紧张是一个统一体，也是钢琴演奏中常见的两个精神状态，心理层面的适当放松对调整心态，协调各个部位的灵活度是有好处的，相应的，适当的紧张，也会产生和适当放松一样的效果。当然，过于放松和过于紧张就百害而无一利，这并不只是松懈和僵硬的问题，过于紧张会导致心理和精神产生消极的变化，甚至会产生严重的焦虑，对身体是非常不利的，所以任何钢琴演奏者都需要正确处于放松和紧张的关系，摆正心态。

二、钢琴演奏中的放松问题现状基原因分析

（一）生理原因

第一，在大脑支配下，我们能做出非常丰富的动作，特使被是平静的状态下，活动自如。但是一到紧张的时候，手脚摆动显得非常不协调。在钢琴演奏中，这种情况是非常普遍的。众所周知，钢琴演奏对手指灵活的要求非常好，要达到“手脚并用”的效果，只有通过平时多加练习才能实现。在高强度的演奏环境下，手脚优势会出现用力的情况，难免会是手脚等部位产生肌肉紧张，手指的灵活度往往会降低，实现全程的放松状态是非常困难的。从生理角度上讲，钢琴弹需要用到指肌，由于钢琴演奏的动作要求，贡献最大的就是骨间肌，手指不断对琴键施加按的动作，需要骨间肌的自由伸缩，而这种自由伸缩的养成在儿童时期是非常容易养成的，所以成年人在弹奏钢琴的时候，手指不停使唤显得僵硬也是因为过了训练期导致的，错过了最佳的骨间肌的训练时间。

第二，某些教师固化手的姿势。部分教师在教授初学者练习的时候，主观性非常强，按自己的经验和习惯规定学生按统一的规定动作进行练习。这是不科学的，因为每个人的手掌大小不同，长短不一，还有就是手指肌的发达程度各异，这些实际情况就需要对每个初学者进行区别对待。只有这样才能实现手指伸直和弯曲自如切换。

第三，弹奏力量掌握不足。弹奏力量把握不足在初学者中极为常见，一方面初学者对琴键的分布不熟悉，手臂僵硬往往以“点”的动作按键。另一方面，弹奏的力量和时间把握不到位，容易抢拍和迟拍，出错以后下意识的想错在哪里下一步该干什么，一起了整个问题的僵硬，这样导致的弹奏出来的音色失真，不利于演奏水平的提高。

（二）心理方面

第一，初学者对基本动作要领还不重视。以往习惯的养成，或者对钢琴演奏方法的道听途说，导致很多初学者对于基本功的锻炼是非常不重视的。甚至有些初学者至始至终使用的是自己那一套基本动作，导致基本要领没跟上，造成的结果就是整个手、手臂、背、脚等部位相当僵硬，养成的习惯无法纠正。

第二，容易怯场。这种情况在某些考试、比赛中极其容易出现。由于对获奖名次过于看重，比赛前几天作息时间极为不规律，精神上高度紧张，时刻担心自己表现不佳会被别人嘲笑的心理状态。对于成年人来讲，这种焦虑更多体现在分心层面上，无法高度集中，放松心情。时刻质疑自己的学习效率，但是所学的知识有所遗漏，这些考前综合征使得初学者时刻紧绷着神经，无法静下来准备比赛。

（三）技术层面

钢琴演奏的技术要领非常丰富，需要整个身体随着演奏充分运动起来，这种协调性对各个部位比如手指、手腕、脚部、手臂等部位要求比较高。特别是在某些节奏快的曲目中，这种技术难点会被放大，导致演奏者不自信，全身僵硬，容易出现意外。

三、放松在钢琴演奏中的作用

（一）放松是融入情感的基本心理状态

钢琴演奏是一个不断与情感相呼应的连贯动作，听众对于演奏者的肢体语言和音符都会产生共鸣。演奏者放松的状态能够弹奏出与原曲相对应的感情沉淀，这种曲风能使观众沉醉在音乐的世界里。因为演奏者的表演提出的不仅是个人的情感和情怀，更重要的是通过原曲的呈现，表达出对钢琴家的致敬，而这种情怀式的阐述最需要放松的心境。同样，听众在欣赏这场音乐的时候本身是带着休闲的心境来的。这个和我们看电影相类似，正是因为在电影开播前的那几分钟，影院环境的变化就开始带你进入观影模式。所以，演奏者在传递给听众感染力的时候，首先要调整自己的心理状态――放松。

（二）克服怯场的自我暗示

每个人都有怯场的经历，那种滋味只有自己最清楚，坐在钢琴前等待听众的“检阅”，产生紧张情绪也是正常的，那么能够把紧张通过放松的状态给摒除掉，这是非常见功力的。可以说自我暗示也是钢琴演奏者必备的素质，因为在那个场合，能够为自己解压的也只有自己了。

（三）放松能够为音色和力度带来更好的反馈

我们都有这样的经历，高度紧张的时候，手会不由自主的动起来，有时说话的音色开始发抖，做事情的速度也大幅减慢。这个如果体现在钢琴弹奏上，那就更加明显。下键的实际不对直接导致音色的失真，听众马上就会听得出来，这个很可能就是对本场音乐的减分项目。

四、谈谈在钢琴弹奏中如何实现放松

（一）反复体验放松的感觉

体验放松的状态似乎有点多余，认为我现在非常轻松？其实和上文一样，放松和轻松、松懈的体验是非常不同的。这里涉及到一个平衡点的问题。并不是怎么舒服怎么来，前苏联钢琴大师曾经说过：“几乎任何一种手的姿势都可以说得通，只要符合手的构造和音乐的高低起伏，更主要的是不破坏动作的统一” [2]。这句话说的就是平衡点的问题，这个平衡点就是放松和紧张的平衡点，姿势调整到肌肉用力方向一致就可以了。所以这种平衡点需要反复体验，并且每个人的平衡点肯定也是不一样的，这个没有固定的姿势可循，一句话：多动、多看、多体验。

（二）心情放松很重要

好心情能够给演奏者带来自信，从而顺利推进演奏的进程。对于儿童初学者，既要严格要求他们学习基本的下键动作和坐姿，又要时刻为他们讲解钢琴演奏的乐趣，对待学习进度慢的小朋友，有耐心，因材施教。对于成人钢琴爱好者，培养他们学习的耐心，少一点自我否定，多一点自信。树立正确的名利观，放下名次保护，心态最重要。

（四）具体部位的放松方法

钢琴演奏也遵循“熟能生巧”的规则，特别是初学者，规范坐姿、下键等动作对于呈现出轻松的演奏姿态非常重要。上文提及过的心理层面的放松状态，是钢琴演奏的必备的基本技巧，当然，这种技巧是需要不断的演奏而形成的，每个人的心理控制和姿态控制是不一样的，我们在学习的时候应该选择适合自己的方法。

当然，除了心理层面的放松方法，对具体部位的放松学习也是必不可少的，这也是钢琴演奏的广义和狭义重要区别。下面将对具体部位的放松问题进行简单介绍。

1、正确的坐姿是演奏放松的重要前提

如何形成正确的坐姿其实是因人而异的，每个人的高矮、胖瘦等因素都是影响坐姿的重要原因。另外，正确的坐姿其实就是一个寻找最佳支点的问题。脚与踏板的契合度、躯干和琴的相对位置、手臂上下部位的伸缩程度等都是在寻找一个最佳的支点，比如，我国演奏者坐姿过高，在演奏的过程中，躯干会变得非常僵硬，眼睛与乐谱的距离也相应增加，这样直接导致注意力的分散，并引起紧张情绪。

2、身体各个部位协调是关键

钢琴演奏对各个部位的协调性要求非常高，无论是肩部、肘部、手臂、手指等部位在整个演奏过程中都起着力量传递的的作用。众所周知，肩关节和肘关节是手臂力量的发起者，因为可以带动相关的肌肉，从而进行相对细致的工作。另外，肘关节对上臂起着辅助的作用，由于上臂的回转比较能困，有特定的演奏动作比如震奏中，往往由肘关节完成。所以在训练的过程中需要对这两个部位进行练习，让肘关节打开。

还有需要多加练习的就是手指，对于钢琴演奏所有的指令的最终末端就是手指，手指一旦灵活起来，对于节奏的把握非常重要的，所以平时在训练的时候对手指有一套特殊的计划。同时，也有必要加强手指的力量训练，虽然，弹钢琴并不是一项纯力量行为，但是有时需要手指完成比如重音的动作，这时手指需要承受非常大的力量（虽然是瞬间的），那么保证手指灵活、有力量显得非常有必要。

3、动作有针对性、自然性，不拖沓

在弹奏过程中，紧张的一个最大表现除了僵硬就是小动作频繁，这时人在紧张状态下正常的生理反射。但是对于钢琴演奏，我们需要消除多余的小动作，这里的小动作还包括平时训练中养成的不良行为，这种不自然的动作会引起肌肉不正常的运动，产生额外的能量消耗，对正常的演奏动作也会形成流程上的干扰，所以我们在平时需要规范演奏动作的自然性和针对性。特别是初学者，容易对演奏技巧进行主观上的加工，对技术动作擅自进行增减，久而久之，形成了一系列的不良动作，习惯成自然，后期很难纠正。

五、结束语

钢琴演奏中的放松问题需要得到每个钢琴爱好者和教师重视的问题，只要从心理和技巧方面，认真学习才能真正得到放松的状态。这样，弹奏出来的音乐也更加自然、动听。

第四篇：探讨钢琴演奏中放松与紧张的辩证关系

探讨钢琴演奏中放松与紧张的辩证关系

摘 要 钢琴演奏艺术博大精深，不止是行云流水般的弹奏技巧值得学习研究，还有通过钢琴这个西洋乐器所要表达出的情感更是值得探究的一门学问，这也是学习钢琴，学习音乐最终所要达到的目的。所有的技巧都是为音乐而服务的，那么，在钢琴演奏中就会存在紧张和放松的状态。“紧张”并不是贬义词，“放松”也不是褒义词，在钢琴演奏中，能够把“紧张”与“放松”融洽的结合在某一个点上，这样的演奏才算是一个成功的演奏，所以紧张与放松是辩证统一的关系。

关键词 钢琴演奏 放松 紧张

中图分类号：J624.1 文献标识码：A

1钢琴演奏中的“紧张”状态

在钢琴演奏中，不管是在平日上课还是在舞台上的演出，都存在两种“紧张”状态，一种是肌肉的紧张，另一种是思想上的紧张。在平日上课时，肌肉的紧张占多数，思想上的紧张占少数；而在舞台上演出，肌肉紧张与思想紧张都很强烈，下面分情况进行论述。

在上钢琴课时，老师经常会说起两个字：“放松”，主要是因为我们弹奏的姿势，包括手臂及手腕手指关节等保持同一个动作，从而老师会认为这是“紧张”的状态，不利于在弹奏时充分的表现音乐，所以经常会说：“放松”，但很少具体指出哪一部位放松，很可能会给学生造成一些误区甚至是盲区。所以，“放松”一词并不能随意的说，“放松”的状态要与“紧张”的状态结合起来。在弹奏中，肌肉紧张是必须的状态，这时，我们的身体要坐稳，脊背要挺直，还有手臂、手腕、手型都需要架住和稳住，这些都需要紧张状态来完成，比如在弹奏音阶这个技术时，如果手腕不能保持适当紧张的状态，那么手腕上下晃动则会影响手指跑动的速度与颗粒性，同样如果完全的“放松”，身体也就不能坐稳着弹奏了，所以“放松”二字是值得细究的，需要说得更完整和精确。在思想上，因为需要思想集中的弹奏，不仅眼睛要仔细看谱，耳朵也要能敏感的听到自己弹出的声音，还有踏板的运用也是要认真留意的，这些都需要头脑全神贯注的运作。老师在上课时的指导，要求弹奏者一边弹奏一边改正错误，意识指导着弹奏，所以思想上是紧绷着的，此时的紧张状态更是必不可少的。

而在舞台上演出时，“紧张”更是必不可免的，对于常年上舞台的演奏者来说都存在台前紧状态和演奏中的紧张状态，更别说偶尔上一次舞台演奏的人。此时，身体和思想都是极度紧张，出现心跳加速、呼吸困难等症状，严重的在舞台上还会出现手脚发抖的症状，手心出汗，导致手指打滑碰错音，如若不能调整，错误率可能会更高。这些都是钢琴演奏中的“紧张”状态，那么，它是完全错误的吗？“紧张”一词就一定是贬义词吗？其实不是，换一种角度，换一种思考，这是一种必然现象，一种没有必要抹去的自然现象。在演出时碰错音是一种常见的现象，不能因为紧张碰错音就遭到指责或质疑。所以无论是在平日的钢琴课还是在舞台上，我们都需要这样的一种“紧张”状态，才能让我们全神贯注地去演奏，让我们以更重视的心态去完成课时内容或是演出，这也是一种对待这门艺术负责任的体现，所以在钢琴演奏中的“紧张”状态是必不可少的。

2钢琴演奏中的“放松”状态

同上所述，在钢琴演奏中，“紧张”状态包含两种，“放松”状态也包含两种，一种是肌肉的放松，也是身体的放松，另一种是思想上的放松。

前面论证了钢琴演奏中紧张状态的必要性，同样，放松状态也是必不可少的。“紧张”与“放松”不能孤立来看，教师在教学中一味地提醒学生“放松”，这是不可取的，但也不能任由他一直处于紧张状态。作为钢琴专业的我们都知道，在钢琴演奏中，身体的支撑、手腕手臂的支撑以及手型的支撑都需要紧张的状态。但是，如果持续的“紧张”，身体会僵硬，手臂和手腕也会由于紧张而造成肌肉酸痛，钢琴的技巧追求的是一种音色的通透，如果这时弹奏七和弦或九和弦，会导致力量沉不下去，出现声音虚和飘的情况，那么也就很难达到音色集中通透的效果；还有一种情况，小臂和手掌紧张，则会导致快速跑动时速度起不来，手指不均匀等情况。在前面论述中提过，如果手腕放松，跑动的速度会受影响，同样，如果完全紧张也会影响跑动速度。从多年的学习与教学中得到，从而推出紧张与放松是需要适度的，要找到紧张与放松的那个平衡点。这是肌肉的“放松”状态所产生的现象和影响。

在平常的练习中或课堂上，我们肌肉的放松是能够调节心态的，也是思想上的“放松”，当我们在上课时思想高度集中，可能会导致一些弹奏上的错误，所以我们需要适当的调节，减轻自己的思想负担。在这里，我要说的是教师是引起学生紧张的重要因素之一，所以想要学生在课堂上拥有“放松”的状态，那么教师耐心细致的态度就起到了关键性的作用。同样，在舞台上观众也是造成演奏者紧张的重要因素之一，在舞台上还可能面临灯光昏暗、音响嘈杂、钢琴音色质量等客观因素存在，所以需要观众们尽可能不以一种怀疑、挑剔的眼光去看一场音乐会，而是抱着一种观摩、鼓励的心态去看。在会场遵守秩序、保持安静，不仅是对演奏者的尊重，也是对自己的尊重，在一定程度上会给予演奏者很大安慰和鼓励，从而使演奏者达到放松的状态。这些都是从客观的因素上来看待“放松”状态的问题。从主观上来看，演奏者自身也要具备一定的抗压能力，多上舞台演出是缓解“紧张”最有效和最直接的方法。

演奏有时要的是一种“精神”状态，无论是在课堂上还是舞台上，如果完全的放松，则会给观众们一种无精打采的负面印象，也会造成自己不在状态的情况，所以在演奏中要求演奏者要学习合理适当的调整自己的状态。

第五篇：浅析钢琴演奏中的“呼吸”

浅析钢琴演奏中的“呼吸”

摘要：作为生命之源的呼吸，在钢琴演奏中有着重要的作用和意义。著名钢琴教育家赵晓生教授说：“……没有呼吸，就没有乐句，没有结构，也就没有了生命．．．．．”。正确合理的呼吸有助于肌肉和心理放松，对提高和发挥演奏技巧有极其重要的作用。有呼吸的乐曲，它是有生命的；若演奏一首乐曲不注意呼吸问题，那么这首曲子就缺少了音乐的律动性和歌唱性，从而也失去了艺术感染力。关键词：钢琴演奏；呼吸；乐曲表达

作为生命之源的呼吸，在钢琴演奏中有着重要的作用和意义。正确合理的呼吸有助于肌肉和心理放松，对提高和发挥演奏技巧有极其重要的作用。有呼吸的乐曲，它是有生命的；若演奏一首乐曲不注意呼吸问题，那么这首曲子就缺少了音乐的律动性和歌唱性，从而也失去了艺术感染力。在钢琴演奏中，呼吸存在于两个方面，一方面是一般意义上的生理上的呼吸，可以说是“无意识”的呼吸，源于生命本能；另一方面是乐感的“呼吸”，一种人为的“有意识”的呼吸，它在表达作品、突出情感方面体现着独特的艺术价值。

一、“呼吸”在钢琴演奏中的重要作用

（一）正确合理的呼吸有助于消除演奏中的紧张情绪

在钢琴演奏中，身体各部保持松弛，避免紧张，是获得良好演奏效果的重要条件之一。钢琴演奏中的“心理紧张”，探其究竟是由于呼吸不当造成的，我们弹奏钢琴时，是通过肌肉活动来完成的，而肌肉活动又需要氧气，呼吸不正确时就会紧张、缺氧，造成肌肉发酸、手臂僵硬。缓慢、绵延的呼吸对于紧张情绪的缓解和肌肉的放松有着积极的作用，让我们在演奏中把气息放下来，气沉丹田，全神贯注的专注于音乐的发展而不是局限于紧张的心理情绪中，使音乐松弛、流动，充满意蕴和生命力。钢琴家享利·涅高兹在《论钢琴表演艺术》中说:“钢琴弹奏最困难的就是弹得很长久，很响亮，而又很快”。要做到久、响、快，放松是关键。如果演奏者在演奏中不能正确的呼吸，就会影响到放松，演奏也就不能顺畅地进行下去。因此，要做到放松，正确合理的呼吸是非常重要的。

（二）正确合理的呼吸有助于演奏中的音乐表现

呼吸运用的正确与否，对于演奏中的技艺表现、音乐情感表现、优美音色表现等都起着决定性的作用，它在准确表达音乐的风格方面也起着不可忽视的重要作用。我们常常只是强调用触键方式、情感处理和踏板运用来刻画作品的风格，而往往忽视了“呼吸”的作用。钢琴演奏中的呼吸，应根据乐曲的不同情绪、风格、句式而进行调整，以充分表达音乐的气息为目的。

如弹奏巴赫作品，要十分注重结构层次的均衡性、旋律线条的歌唱性和音乐表现的即兴性及装饰性处理。在演奏时强调以轻微简捷的手指弹奏和轻盈的手部动作为主，这就要求在气息上要做到有控制、有层次的呼吸，特别是多声部、多层次的气息、呼吸和分句。实际上掌握了巴赫作品多层次气息的处理，就等于掌握了一把开启巴赫音乐的钥匙。又如演奏浪漫主义钢琴诗人肖邦的作品，肖邦的音乐十分精致讲究，他的音乐要求触键优美匀称、深而有共鸣，音色变化细腻，踏板运用巧妙、富有丰富的色彩明暗对比。在气息运用上，也应该用有节制的呼吸，来表现他清纯、高贵甚至是含蓄的热情。但同时肖邦的音乐又极富歌唱性，在弹奏长气息的乐句时，其自然呼吸仍应以“悠句细缓深长”为基础。

在钢琴演奏中，针对不同的音乐作品作出不同的呼吸处理，是让音乐表现更加准确的重要手段。

（三）正确合理的呼吸有助于更好的塑造音乐形象

钢琴演奏是要通过演奏者运用各种技巧手段，把作曲家作品中所包含的深刻的内心活动、思想感情、特定的音乐形象和作曲家的心情等等，正确地、有创造性地表达出来。演奏者也是“二度创作者”。人体的呼吸与音乐的表现内涵、旋律句逗、触键力度的大小、触键力度的深浅等要素相互贯穿，在演奏作品时，要根据内容需要，选择合适的弹奏方法和呼吸方法，这样才能更好地塑造作品的音乐形象。

如要塑造华丽、伟大、强而有力等音乐形象时，呼吸应稳健沉着，腰部要有强有力的支持，身心激发出一种由外到内的张力，利用这样 的气息状态去凝聚指尖与键面的接触点和爆发点。拥有这种的呼吸，辉煌的乐音才能在豪放如风的力度中真正体现出来；反之，塑造一个抒情柔和的音乐形象，在演奏时则应让呼吸深而缓慢地随律动平稳进行，在一种平心静气的气息中，悠然刻画出婉约如水的音响色彩。使人完全沉醉在音乐的意境之中。

二、正确合理地把呼吸运用到演奏中

(一)充分理解乐曲内涵，合理划分乐句

演奏一首新的乐曲之前，不要急于上手弹奏，首先要认真分析整首曲子，了解乐曲包括作曲家的背景及内涵，像读文章一样，有抑扬顿挫。弄清楚乐曲中的旋律乐句，找到“气口”，合理划分乐句。最有效的方法是“歌唱旋律”，把旋律哼唱出来，这样，很自然的我们就会在“该停顿的地方”停顿下来。不过，还有一些钢琴作品，不是“方整性”的结构，如被休止符隔开的音、连续的跳音、顿音、以及远距离的音等，这就需要更深层次的研究，注意它们之间的运动趋势及在表情达意上的连贯性，细心体会，再加上反复的聆听感悟。正确的理解了乐曲，也就会合理的划分出乐句。

（二）呼吸要与音乐情感变化同步

呼吸在钢琴演奏中，要随着一首乐曲的情绪变化、感情发展而相应做出不同改变。在演奏钢琴作品时，随着音乐作品旋律的高低、力度的强弱、速度的急缓、节奏的疏密、情感的变化所表现出的紧张与松弛，我们自然而然地会为这些变化而吸气、呼气、闭气。

在演奏中，如果是“一个完全沉思性质的音乐片段，应该是在毫无神经激动的安静沉着的方式中被呼吸出来。如果我们顺着表情的顺序进行弹奏，从沉思般的安静到戏剧性的紧张高峰，我们的呼吸也一定随着感情的变化而逐渐加快。每一个音乐片段都有它一定的音乐表现内容，如果一个应该安静的音乐片段，却以一连串的短呼吸来表示，那将是矛盾的，因为短呼吸说明激动，同样，用缓慢的呼吸来形容戏剧性的紧张，也是不近人情的”。①因此，在演奏每部作品时，我们要根据作品的风格特点划分出乐句、乐段、乐节等,通过我们的呼吸 找出它的韵味,这样的演奏才能反映出作品更深层的意蕴。运用呼吸和下键动作的配合，演奏出作品内容所需要的声音，正确反映出作曲家个人的风格和时代风格。

（三）呼吸在配合钢琴演奏技巧中的运用

钢琴大师贝尔曼说，弹琴的人要有三个肺，也就是要有三个部位来呼吸，即嘴巴呼吸、双臂呼吸和手腕呼吸。嘴巴呼吸不单是一种生理意义上的呼吸，在很多时候，它可以帮助我们在演奏中从心理意识上做好呼吸的预备，给意识以“暗示”双臂呼吸；特别适合于那些篇幅较长、气息要求延绵的乐段，手臂的放松和调节给予音乐连贯性和流畅感；而手腕的呼吸是运用最普遍、也出现得最多的呼吸手段，如连线的划分，通过手腕力量的“上抬”和“下沉”也可以实现乐句起伏中形成的“气息”。

在钢琴演奏中许多技巧也需要有呼吸的配合来完成，比如在演奏强力度的和弦时，如果只靠手和臂的力量，往往达不到作品所需要的音响、力度效果。这时我们就要用气息的支持，气沉丹田，我们常常提到的“腰部力量”就是气息在支持，这股力量由背、肩、臂一直贯通到手指，加上了气息的力量就会感到手臂力量大大增加，演奏出的和弦也就有力而扎实。扩展到整个乐段的和弦，更需要有气息的力量加入，身体状态才会积极起来，从而达到演奏效果。例如李斯特《匈牙利狂想曲第十一首》的尾声部分，音乐雄壮有力，情绪高涨积极，节奏欢快迅速，呼吸在这段音乐演奏的运用要积极，但不能提气，还是要气息扎稳，才会有力量的支持。

还有一点应该注意，在演奏中要尊重作曲家的创作意图，理解乐曲的上的所有标记，注意正确运用呼吸来表现强弱层次的变化、表情术语的渲染等，从而得到丰富的声音色彩，增强乐曲的艺术感染力。另外，起拍时的呼吸，就相当于指挥中的“预示拍”，包含了乐曲的速度、情绪、力度等。在演奏起拍时的呼吸节奏要与所演奏的作品速度、情绪、力度保持一致，如果乐曲是以抒情慢板开始的，触键前的呼吸则要深而缓慢；如果是一个急促的快板，在下键前的一刹那要急吸一口气。起拍的呼吸，要根据全曲的风格而定。掌握科学的呼吸理论，并运用到自己的演奏中，有助于表达出音乐的真谛。

三、呼吸使钢琴演奏更完美

钢琴演奏是一门表演艺术，演奏的初衷是为了感染每位观众和听众，使他们与演奏者或演奏的作品产生共鸣，通常是情感的共鸣。让欣赏者体会到音乐中触及灵魂的境界。这就要求演奏者在表演中要饱含深情，感情真挚充沛。而所有情感的表达都需要有“呼吸”才能准确体现。

钢琴演奏中的呼吸富有弹性、韵律和节奏。欣赏者往往是通过旋律来感受音乐，演奏旋律时有了呼吸才能有意味，才能去打动听众，在钢琴演奏中，每一个音符的演奏我们都会触及到作者敏锐的内心世界，如果我们在演奏作品时都能调整呼吸、运用呼吸，细致体会作曲家的情感表达并细致表现每一个细节，我们才能准确地表现出作曲家的写作意图，听众才能准确地感受到作曲家与演奏者的内心情感的呼应。“呼吸”在钢琴演奏中的合理运用使演奏者与观者在心灵上融合在一起。每首音乐作品都反映了作曲家的心声和情感，作品的强、弱所表达的都是作者内心涌动的情感变化，钢琴演奏者通过演奏来传递作品的内涵和音乐的魅力、表现作品的的情感起伏，演奏过程中，我们的身体动作会随着呼与吸的动作而起伏，观众和听众就会随着我们的呼吸感受到音乐情绪的细微变化，并能够理解作曲家和演奏者的思想感情。我们在演奏中将优美的乐音享受传递给观众和听众时，让“呼吸”贯穿了整个演奏过程的始末，运用呼吸控制身体各部位的协调，更为完美地呈现作品所要表达的内涵，使作品由内而外地放射出生命力。同时使观众和听众感受到钢琴演奏带来的无穷魅力。

总结

呼吸对钢琴演奏的影响是不可忽视的。它与表演的身体动作紧密结合，有助于更好的表达乐曲的情感，使演奏显得丰满而更具张力。没有完美的呼吸，就不可能有高超的钢琴演奏表现力。呼吸在钢琴演奏中应当作为一项素质训练被重视起来，能够合理正确的把呼吸运用到钢琴演奏中，是一名钢琴演奏者应具备的基本素质。掌握好呼吸的 方法，需要我们在平时的演奏中认真体会，深入研究和探索。

注①;《从艺术方面谈谈学习弹奏钢琴》(英)哈受尔砖·鲍尔著。《音乐译文》1980年第五期。

参 考 文 献

{1} 赵晓生.走进音乐{M}.上海：上海音乐出版社，2000.{2} 沈致隆，齐东海.音乐文化与音乐人生{M}.北京：北京大学出版社，2007.{3} {苏}A·阿列克赛耶夫.钢琴演奏教学法{M}.谌国璋，程白珊,译.上海：上海音乐出版社，1989.{4} [俄]根纳季·齐平.演奏者与技术{M}.董茉莉，焦东健，译.北京:中央音乐学院出版社, 2005.{5} [美]弗兰克·道斯.德彪西的钢琴音乐{M}.克纹，译.北京:人民音乐出版社, 1985.In brief analysis piano performance's“ breath”

Abstract: As the source of life's breath, at a piano recital, play an important role and significance.Piano Professor Zhao Xiaosheng famous educator said: “......no breathing, there is no phrase, no structure, there would be no life.....”。Reasonable right of respiratory muscles and psychological help to relax, to improve and play musical skills and have an extremely important role.The music has to breathe, it is there is life;if playing a musical attention respiratory problem, it is the first song on the lack of rhythm of the music and singing, thereby also lost their artistic appeal.Keywords: Piano Recital;breathing;musical expression