第一篇:钢琴演奏中音阶弹奏技巧的探讨
钢琴演奏中音阶弹奏技巧的探讨
作为乐器之王的钢琴,它具有宽广的音域、丰富的色彩,并有同时奏出多重音响的特性。因此,它除了担任独奏外,还可以与其他的乐器合奏、重奏,为乐器、声乐、舞蹈伴奏,由此可见,钢琴在音乐领域里起到了举足轻重的作用,是其他乐器无法替代的。
音阶的练习对演奏的训练是非常重要的,是各种演奏技术的基础,对手指训练是必不可少的。在钢琴作品中经常会遇到各种音阶式的片段,如果演奏者能非常熟练地弹奏音阶,那么在演奏乐曲时,就可以得心应手。弹音阶,所有手指都能得到练习。十个手指天生的能力不一致,而音阶要求每个音的力度要均匀一致,练习音阶就会使手指得到平衡发展,并提高控制、运用手指的能力。音阶的弹奏要达到一定的速度,可以训练人的灵活、快速反应的能力。
音阶的练习可以帮助学生熟悉音键的位置。全部音阶,由24个大小调组成。我们接触最多的欧洲钢琴音乐,几乎全部属于这些调式、调性。熟悉了音阶,也就熟悉了所有这些调式、调性。在乐曲中,常有音阶或音阶式进行,往往这也是技术难点。平时弹好音阶,为克服乐曲中的难点做好了准备。表面上,音阶的音符是按顺序排列的,认起来并不难。但实际上,把音阶弹得较快而又均匀,就很难。必须每天认真练习,长期坚持才能弹好。音阶弹奏的水平,是学生技术水平的标志之一。
弹奏音阶的基础,是手指通过五指练习,已经具备了一定的独立性和灵活性。在这个基础上,学会手位移动的正确方法就是弹好音阶。在教学中称它为“转弯”,大指必须转到其他手指下面去弹奏,这是弹好音阶的关键。
学习音阶,右手宜从B大调,左手从降D大调开始,这样大指正好在白键上,其他手指都在黑键上,最符合自然手型,容易掌握。然后右手再学习E、A、D调,左手学降A、降E、降B等调。这样安排是出自对弹奏的科学性和弹奏由易至难的渐进性的考虑。当然也可以用从C大调开始,逐渐增加调号的顺序学习。
一、弹奏音阶的基本要领
以右手C大调音阶为例:
第一,第一个音用将手“落下”去的方法弹出。在速度不是很慢时,第一个音落下去的同时第二个手指就要抬到一定的高度,做好触键准备。
第二,提前准备的原则:假如是用很慢的速度练习,抬指准备可以不与弹前一个音同时,因为停在空中等待会带来多余的用力。但在稍快的速度时,务必在弹前一个音的同时,抬起后一个音该用的手指,及时做好准备。而在很快的速度时,几乎是第一个音一出来,后面的几个手指随之就都做好准备。这时,准备的手指并不抬得很高,但务必在指端与键面之间保持一点距离。
第三,C大调的E到F,是右手3指后接大指而必须移动右手位置的时刻,是弹奏音阶的关键。要领是,在3指弹E的同时,大指已经在手腕的协助下,从掌心下面移动到了F音的上方。到了B和下一个C,即4指到大指时,要领与3指到大指又是一样的。
第四,大指触键可以有手腕的协助,但务必也要有独立的下触动作,不能只靠手腕。
第五,大指触下F的同时,2指就要处于G的上方,刚才斜着的手也要同时正过来。下行时的道理相同,在F到E,即大指后接3指时,一定要在大指弹下F同时,3指已经从大指上面转移到E的上方。大指到4指的连续也同样。
第六,音阶各音的力度、音量要均匀,唯最低音和最高音可稍强调一点,因为这是线条的转折处,要给人一个清楚的印象。
第七,手掌、手腕基本平稳,腕、肘部保持自如感,配合手指的转换,尽可能提供“方便”。
第八,初学音阶,开始先分手练习,以便听清每一个音的质量是否都合格、统一,转移位置是否感觉自如,检查指法是否准确,之后再合手练习。
二、指法正确是弹奏音阶顺利的保证
必须严格地掌握正确的指法:24个大小调左右手都各有七种指法。要通过分析进行归类,这样才不容易忘记。
第一,右手:白键除F大小调外,C、D、E、G、A、B大小调的指法相同。
降A(升g)大小调以及升c、升f小调指法相同。
F、降E、降B各大调与该同名小调指法相同。
降D(升C)与降G(升F)大调与其他各调指法都不同,需逐一记忆。
第二,左手:除B大小调外,C、D、E、F、G、A各白键大小调指法相同。
降D(升C)降A(升g)各大调与该同名小调指法相同。
B、升F(降G)各大调与该同名小调指法相同。
降b与降e小调指法与其他各调都不同,需逐一单记。
以上分析中提到的小调一般对和声小调和旋律小调都适用。但旋律小调有两个例外:左手升g小调与右手升c小调,它们本身的上行与下行指法不一样。
三、音阶弹奏应有一个由易到难、循序渐进的过程
音阶弹得速度快而又力度强,不是短时间练习所能达到的。对于初学者,在速度、力度的要求上,应该有一个循序渐进的过程。一般来说,音阶练习可经过由弱、慢逐渐到强、快。在开始时慢而又弱,是为了找到在最自然、最省力,手腕和手指最协调的状态下,弹出最均匀的音阶,当然不能过慢。无论一个八度还是四个八度,都要作为一个整体去感觉,做到动作有连贯性。只有在连贯性中,才能显示出阶梯的音的序列来。如果速度过慢,每个音停留过长,就会变成一个个孤立的音,动作也会不连贯,还要削弱或失去音的阶梯性的声音形象。
总之,只有正确的提高手指的能力,才能使学生在创造性的技巧训练中感受到音乐的乐趣,感受到钢琴弹奏的快乐,以技巧来带动技术的提高,使学生在有限的技术上运用无限的音乐表现技巧、创造出丰富的音响世界,达到用钢琴表现的目的。
第二篇:钢琴演奏中音阶练习的重要性
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钢琴演奏中音阶练习的重要性
【摘要】音阶练习是钢琴演奏基本功训练的重要内容之一,音阶练习对于手指的平衡发展及控制运用能力具有十分重要的价值。本文就音阶的练习阶段、音阶的手型与动作及音阶的速度等方面进行了阐述。
【关键词】钢琴演奏;音阶练习
音阶练习是钢琴演奏基本功训练的重要内容之一。所谓音阶,就是将音乐所用的乐音按音高的顺序,依次排列起来,形成阶梯状的序列。不论演奏哪种风格、哪种时代的作品,都离不开大量的音阶,可以说西方音乐中的大部分古典音乐旋律都包含大量的音阶或音阶的某些形态,往往这也是技术的难点。如果我们具备了熟练、准确弹奏音阶的技术,就可以得心应手地弹奏乐曲中的这些难点。相反,没有扎实的弹奏音阶的基础,一旦在乐曲中遇到音阶式的进行,临时练习,就会延误正常的学习进度。音阶练习的主要作用在于提高钢琴演奏者的手指力量、跑动速度和整体协调性,使手指能力得以均衡发展,使练习者在演奏中能够弹奏出音质饱满、颗粒均匀、灵活快速的乐句和伴奏织体。所以音阶弹奏的水平也是学生技术水平的标志之一。要想练好音阶,一方面要有正确的态度,另一个方面还要有正确的练习方法。
一、音阶练习的阶段
音阶的弹奏一般是由慢到快、由短到长、由简到繁的练习过程,需要严格地遵循循序渐进的原则,每一步都要为下一步打好扎实的基础。音阶练习一般可分为以下几个阶段:
1、双手平行八度的同向、反向练习。在音阶上、下行中只有一次转指,这是音阶练习中最简单的启蒙练习。
2、单手两个八度的练习。其练习的重点是手型的固定和手指的抬动,着重练习大拇指的“转指”及手腕帮助调节的转动动作。
3、双手的两个八度练习。
4、双手三到四个八度的练习。这一阶段应注意抬高手指和动作的协调性。
在音阶的奏法上,我们可以将它分为三个级别:第一级,熟悉键盘、保持正确的手型与动作。第二级,力度练习。第三级,速度与灵活性。www.xiexiebang.com
第一级,熟悉键盘、保持正确的手型与动作。这适用于上述音阶练习的1至3阶段,在对音阶的基本音型和指法没有完全掌握的情况下,我们应该把更多的练习放在音弹对、指法正确上,保持良好的手型将手指抬起后用力弹到底。手指自然弯曲,大指略向内弯曲,第一、二、三指关节支撑良好不塌陷、手腕略底或等于第三关节,这是对于初学者最正确的手型。但在弹奏音阶时要想保持这一手型是很困难的,因为手指在抬的过程中,位置也在不断的变化。所以在初学期,抬高手指不用过早强调,换指练习的动作标准与敏捷也不用过多的强调,重点应该放在手腕的移动调节和手腕与转指的配合上,让手腕的水平动作代替因紧张而造成的上下颠簸。
第二级,力度练习。这适用于音阶练习的第4阶段,双手三到四个八度的练习。手指的独立性、灵活性是手指力量的体现,所以在这一时期可以练习音阶和以音阶为主要织体的练习曲。练习者要注意将手指抬高并用力弹下去,但也不是抬得越高越好,而是在保持手掌稳定的前提下尽可能的抬高,抬高手指的同时不能连手掌也跟着翻起,这是特别要注意的。抬指动作要根据不同手指选用不同的抬指方法,抬指时有两点是要特别注意的:第一,一个手指抬起时,另一个手指做好相应的准备,抬指时手指要保持一定的弯曲,不能伸平抬起。第二,快速有力的下键是抬手指的根本目的,所以在抬手指时手指要抬高,下键要快而有力,手指支撑要好而不能出现折指现象。
第三级,速度与灵活性。前两级是音阶技术水平的准备训练,而这一级的训练最终要达到的目的是音阶或音阶式织体的演奏要做到准确、快速、均匀。在这一级的训练中练习者要用最小的动作弹奏,手指抬起时只要稍微离键就可以,在转动过程中手指与手掌的动作越小越好,而手腕要根据音阶的走向而随之带动。手指力量的大小在这一级就起到了很重要的作用,手指力量充足可帮助弹奏者控制好手指,弹奏出快速、均匀、音色明亮的音阶。当然,手指力量不足弹奏音阶的效果就与前者截然相反。所以前两级的准备训练没有做好之前,要想把快速音阶织体弹好是很困难的。
二、音阶练习的手型与动作
在音阶练习中,要想弹奏出轻快、流利的音阶,手指触键的质量是十分重要 www.xiexiebang.com 的,每个手指都要有准备地集中发力,迅速下键,发音后手指立即放松,要时刻用心去体会指尖触键的感觉,用耳朵倾听奏出的声音质量。在听觉上要想象出均匀、整齐地一串音阶,用耳朵调整自己的触键动作。
弹奏音阶时手指应该很圆滑地依次相随,弹奏力度要尽可能一致。妨碍圆滑弹奏的首先是大指,大指能与其他四指协同动作后也能上下垂直运动,是大指面临的一个障碍。因为大指动作异常缓慢,没有其他各指那样灵活,它在手自然的条件下,有点“一人向隅,举桌布欢”的味道。也就是说,其他四指的动作都是朝着上下垂着运动的相同方向,这与弹琴的动作是一致的。只有大指不同,它动作的方向是朝左右水平方向自然运动。因此,音阶练习要想做到良好地衔接,均匀地弹奏,大指就要能灵活地将垂直与水平动作相结合。
音阶练习中快速均匀是很重要的,而音阶快速均匀的关键在于解决好大拇指的“转指”。不管是什么音阶,都是由一个三音组与一个四音组构成,而两组音都是由大指的转指连接起来的。如果没有良好的转指,就不能弹好一条普通的音阶。所以弹好音阶的前提就是大指的“转指”训练,其中哈农的第32-37条就是专门训练大指的“转指”练习,其他的钢琴技巧练习教材上也有专门训练大指的“转指”练习。我们在作大指“转指”练习之前,可以先进行徒手练习。首先分别训练大指的上下垂直运动与左右水平运动,然后在训练两种运动自然的结合起来。
在练习大指“转指”时我们需要注意两个问题:
1、大指“转弯”的动作要提前作好准备,也就是转指前一个音下键时立即作好转指的准备,不能要转指了才作准备。转指时,手掌要以最快的速度、简便地从一个位置移到另一个位置上。
2、在“转弯”练习中,转指前后弹奏的两个音用力要相同,发出的声音保持统一、均匀。有些学生在左手上行和右手下行大指转弯时,肘部不断地翻动,声音很不均匀,其主要问题是大指完全躺在键上,使后面的手指必须靠肘部提起才能转过来。弹奏音阶时,大指能站立起来,其他的手指在转指过程中就容易多了,肘部也不需要多余的动作,发出的声音也就能保持统一、均匀。
弹音阶时,除了转指,手指顺应键盘位置的高低变化也是很重要的。在自然大小调中,手的状态是最自然的,这时我们可以看到白键与黑键在位置上的差别。白键与黑键因高度不同,弹奏出的声音也会不均匀。很多人都不会注意这个问题,他们把水平的弹奏方式用在高低不同的黑白键上,就像一个没有经验的司机,只 www.xiexiebang.com
会向前冲,不会顺着路面开,坐在车上的人就会觉得颠簸不平。而有经验的司机会根据路面的情况掌握车的行进,车上的人就不会觉得路不平。所以,根据情况选择合适的方式弹奏,就可以得到平稳的结果。因此,在弹音阶时,除了转指,顺指也是很重要的。
音阶弹奏方法的原则是以手腕的调节和带动为动力、以手指的力量为根本、以手掌的支撑为保障。因此,弹奏音阶离不开大指的转指,而大指的转指又需要适度的手腕左右运动加以配合。大指向外推出,使整个手掌向外侧转时,须借助手腕必要的、恰当的水平运动。当音阶朝一个方向进行时,腕部不能改变自己的状态。大指与手腕作柔顺的水平运动的配合,是手掌转弯的关键。在弹快速音阶时,手臂也要控制好力量,带动手腕和手指水平运动。
三、音阶练习的速度
影响演奏效果的关键常常是演奏速度,速度过慢会失去音乐的线条感和丧失技术进行的顺势。速度过快,不仅会给演奏造成困难,而且还会让演奏者失去常态,影响演奏水平。玛格丽特.朗曾经说过:“一挥而就的快速音阶弹奏,是进入高级演奏艺术的绝妙台阶。”⑴所以,速度是音阶练习中很重要的问题。手指的快速弹奏是基于手腕作横向的牵引。在弹快速音阶或音阶式的乐句时,首先要控制好手臂的力量,然后带动手腕和手指横向移动,手腕要朝着乐句进行的方向倾斜,以便于迅速、平稳地变换手位。弹好快速音阶的前提是要把快速音阶的慢速练习练好,因为只有在慢速练习中分析出的弹奏音阶的各项单独动作才是正确的。快速音阶的慢速练习最好是在学习过程的中期。
慢练可以使学生在练习中养成运动神经的习惯反射和条件反射。所以,在慢速练习中就要要求手指的动作、触键的感觉、音乐的分句、音量的强弱变化都要以快速弹奏时保持一致,按照快速弹奏的要领去练习和体会。在音阶的慢速练习中,手指的挥动要与快速弹奏时的动作完全相对应,慢速时挥动的幅度可以大一点,随着速度的加快,手指挥动的幅度就要随之减小,手臂的力量也要尽量减小。慢速练习的速度虽慢,但在触键的一刹那,手指反应仍然是敏捷的,只是每个音之间的间隙大了,逐渐将间隙缩小,手指反应相同,速度也就加快了。慢速练习时要注意音色的要求及音响的强弱变化,不能只做机械性技术练习,要不然这样 www.xiexiebang.com 的练习不是徒劳也是事半功倍。当然,音阶练习也不能过慢。速度过慢会使每个音停留过长而形成一个个孤立的音,动作也会不连贯,而且还会失去音阶阶梯性的走向感。不论是什么样的音阶,都要有一个整体的感觉,具有动作的连贯性。只有在连贯性之中,才能体现出音的阶梯性的声音形象。当音阶练习已经达到一定速度的时候,要注意整个音阶上下行的句子感觉,使音阶充满音乐流动的感觉。
练习中速音阶应该要分手练习,因为中速音阶必须动作高度控制。演奏好中速音阶的前提就是熟练的掌握快速音阶。在练习中要逐渐提高中速音阶的速度,一直到中速音阶与快速音阶的界限完全消失。初学者是很难通过逐渐加快速度,从慢速音阶发展到快速音阶。那样必定要造成某些技巧上的错误,因为慢速音阶有很多的配合动作,要想把这些配合动作逐渐消除是很困难的。但是在中速音阶之前就开始学习快速音阶,就会从中学到一些很重要的技巧解决。
四、结语
音阶练习还可以采用更多更好的方法练习,如断奏、跳音、分调练、反向练习、高抬指的非连音和半连音等,运用这些方法练习可以从中获取一举多得的学习效益,即巩固提高了不同的弹奏方法,又为钢琴演奏积累了更多不同的表现手法。音阶练习也可以结合钢琴名作欣赏提高音阶的技术水平,用心灵促化音阶质量的提高。音阶练习是枯燥乏味的,短时间内难以见成效,这需要有足够的耐心和毅力,只有每天坚持练习,持之以恒才能熟练地掌握好弹奏音阶的技术,在演奏钢琴作品时才能以更完美的技巧演奏作品,更好地展示出作品想要表达的精神和意境。
注释:
(1)应诗真《钢琴教学法》人民音乐出版社,1990,第43页。参考文献:
[1]张佳林《钢琴演奏与伴奏技巧》中央音乐学院出版社,2004。[2]魏延格《钢琴学习指南答钢琴学习388问》人民音乐出版社,1997。[3]应诗真《钢琴教学法》人民音乐出版社,1990。[4]李嘉禄《钢琴表演艺术》人民音乐出版社,1993。www.xiexiebang.com
[5]约瑟夫.加特《钢琴演奏技巧》刁绍华、姜长斌译,人民音乐出版社,1983。
Analysis of Scale in Piano Performance
Practice
Abstract:Piano scale exercise is an important part of basic training, scale exercises for the fingers, and control the use of the balanced development of the ability of great value.This article on the scale of the exercise phase, the hand-type scale and the scale and speed of movement, etc.are described.Key words:Piano;scale exercise 6
第三篇:浅谈钢琴演奏的基本技巧.doc
目 录
浅谈钢琴演奏的基本技巧
1、钢琴的声音原理与特点
2、手指技巧在钢琴演奏中的重要作用
3、演奏技术中的创新性训练 3.1、科学性的重复性训练 3.2、提炼技术难点的训练
3.3、在演奏中运用歌唱性的技能训练 3.4、能达到“事半功倍”效果的慢速练习
4、良好的心理因素是体现完美音乐技能的有力保障
钢琴作为乐器之王,是音乐历史文化的重要象征。然而,这件乐器真正的伟大之处在于它为人类呼唤出了许许多多的制作师、作曲家和演奏家。制作师们把钢琴的性能和表现力发挥得淋漓尽致,而伟大的作曲家与演奏家们则将自己融入到这件具有广博包容精神的乐器中,以激情、心血甚至生命谱写和演绎了三百年的沧海桑田。三百年来,钢琴作品在演奏家想象力的驾驭下,创造出千百种丰富的音响世界。在浩如烟海的钢琴作品中,几乎留下了历代每一位作曲大师耕耘的足迹。在一部完整的乐器艺术史中,正是因为有了演奏家和作曲家如巴赫、莫扎特、贝多芬、李斯特、肖邦„„等演奏家与作曲家不断的努力和实践,才使大量优秀的钢琴作品得以流传,历代大师们的不同风格的高超演奏技艺和他们的风采,深深地打动着亿万人的心,从而更加确立了钢琴在乐器王国中的重要地位。直到今天,人们还在不断地探索钢琴的演奏之道;如何将音乐与钢琴演奏完美的结合,成为人们永恒的话题。随着社会的飞速发展与世界文化交流的日益增多,钢琴这件起源于欧洲的乐器己经在我国得到了广泛的传播与发展。钢琴进入中国不过百余年的历史,受到了广大中国人民的喜爱。新中国成立后,钢琴艺术的发展取得了辉煌的成就,涌现出许多优秀的钢琴演奏家与教育家,为我国的钢琴事业奠定了坚实的理论基础和丰富的实践经验。同时也涌现出许多世界闻名的钢琴大师,他们良好的艺术修养和音乐天赋,再加上精湛的演奏技巧,使他们的演奏艺术达到了世界一流水平,中国钢琴艺术从而得到了世界的赞许和认可。
一、钢琴的声音原理与特点
钢琴有它独特的音色美,有它的“自我”。首先,钢琴是唯一的可与整个交响乐相比拟,相对应,相抗衡的独奏乐器;其次,钢琴的音域囊括了交响乐团由最低音区到最高音区间全部音域.钢琴可以发出类似交响乐队合奏时的雄浑,嘹亮,光辉,铿锵的音响;钢琴上能同时奏出十余音的合弦以及四五声部的复调.钢琴的种种特点,决定了它在乐器中的特殊地位.。
钢琴的声音特点可以归纳以下几点:
1、音色除乐器本身的结构与弦之外,首先取决于槌毡的质量及其裹制方法。黑尔姆霍尔茨证明,裹毡的发法对缒与弦的接触时间有关系。接触时间越长,下方泛音就越突出。下方泛音可使音色较柔和,而上方泛音使音色尖锐,刺耳。为了使音色柔和,钢琴技师必须使毡槌的设计达到槌与弦保持尽可能持久接触。这一点由于毡槌采用硬度不同的毡层裹制,做到了槌子的毡层越往外越软。这么一来就使毡槌在击弦时,用坚硬的核心把柔软的毡层挤向琴弦,然后才离开。
2、强度与毡槌速度成正比。毡槌敲击琴弦时一不手琴键的控制。因为断联之后,琴键与毡槌即失却联系。这时在站槌运动中唯一起作用的因素就是速度。
3、泛音的数量与速度成正比,(就是说,声音强度的变化在一定程度上与音色变化一致)。
4、在弹奏的一刹那,毡槌的速度决定与下键的速度,如果演奏者欲提高发音的强度,则必须给予下键更快的速度。
5、奏出的音越强,消失得越快,较弱的音则相反。
6、高上方泛音比低上方泛音消失得慢。就是说,声音拖得越长,其音色就越“纤细”。
从钢琴弹奏的原理上看,钢琴是键盘乐器,是通过琴槌击弦发出声音的,因此颗粒性声音是钢琴的特色和所长。弹跳音、弹连奏就特别能显示钢琴的优势。所谓“大珠小珠落玉盘”就是钢琴效果的精妙写照。要训练好手指,使其独立、主动、灵活;使弹奏的声音清晰、流畅、均匀。钢琴音域的宽广,音色的优美,表现力极其丰富,能演奏和声复调,能胜任重奏、独奏、以及与大型交响乐队进行协奏,并能用高难度的演奏技巧弹奏出高难度的曲目。
二、手指技巧在钢琴演奏中的重要作用
钢琴演奏是一门技巧性很强的学科,特别是手指技巧在其中起到了很重要的作用。“手指技巧是钢琴弹奏中最重要的领域,手指的工作不仅对手指本身的积极挥动有意义,而且对于把手臂的力量传递给琴键也有意义。”手指技巧是钢琴弹奏技能发展的基础。要想使钢琴演奏达到更高的水平,就要让手指能适应钢琴弹奏和掌握高超的钢琴技术,在纷繁复杂的各类技巧中灵活自如的表现。因此,要想成为一个优秀钢琴家,熟练、精湛的演奏技能是成功的前提,要能像电脑控制一般准确无误地演奏:飞如风、动如雷、飘如云、轻如烟。所以说,钢琴学习,透彻的技术知识和精湛的技能至关重要。
三、演奏技术中理智的、科学的创新性训练
对于演奏来说其中的技术困难是客观存在的,俗话说:“冰冻三尺非一日之寒。”这种能力的获得只能随着时间的发展而形成,尤其是“机
械性的练习”更是不可避免。但技术练习应该是一种引人入胜的、有创造性的学习。对于善于钻研的人来说,通过实践能掌握理智的、富有创造性的练习方法。从创造性的角度讲,那些基本练习比演奏一首作品更加重要而具有意义。著名钢琴教育家里赫特说:“我从不把技术训练与艺术创作分割开来,因为二者是相互联系的。”对于演奏者来说,各种专门的技术训练都是必不可少的。既要练习音阶、琶音、双音和弦等,又要练习艺术作品中的复杂的技术难点。因此,在练习过程中,运用理智而科学的创新方法掌握典型的、使用最广泛的结构和组合是很有必要的。
1、科学的重复性练习
在钢琴弹奏中采用重复练习的方法可以找到演奏作品中的关键技巧,巩固以往发现的重要因素提高手指的快速、灵敏度,使已有的技能得到进一步强化并提高其熟练程度。这种重复练习方法的前提是创新性的重复,而非拷贝式的模仿。如:《哈农手指练习》就可以采用多种方法,不同的节奏、不同的速度和不同的触键来弹奏;利用自己的领悟力和创造力使基本练习变得更加有效。如:《什密特钢琴手指练习》法,特别是双保持音练习,连续的、不出错的练习,提高演奏者的手指的控制力,掌握更高、更好的技巧。
2、提炼技术难点的练习
通过一定程度的演奏技巧训练使演奏者能够获得触键发音、声音变化、节奏把握上的驾驭能力,从而能随心所欲的表达出个人心中对于音乐的理解。不同的技术动作表达出的声音己经与一定的音乐内容相
结合:如演奏优美连绵的旋律需用柔和歌唱的声音,而幽默欢快的音乐特点则由短促而富于弹性的跳音来表现,音乐作品当中的分句与呼吸就由手腕的技术动作来承担。如斯卡拉蒂的作品是为古钢琴演奏的,风格古朴、轻巧、明亮,要求触键精巧而有弹性,节奏富有动力又准确。演奏者可以运用作品来进行技术和音乐相结合的训练,既掌握了古典风格又解决了手指弱、节奏不准确的技术难题。我们必须根据作曲家的不同风格、作品的不同内容来做这方面的训练。如莫扎特奏鸣曲中的跑句,它包含了丰富的音乐语言和节奏韵律,同时又体现了德国古典音乐的风格,明朗而典雅。
3、在演奏中运用歌唱性的技能练习
音乐其实就是等于歌唱。我们在弹奏中可以通过手指的触键来发出一种我们想要的声音,这声音或柔和,或抒情,或喜悦,或悲伤,或是具有一定的美感,人们在聆听到这样的音乐时会有审美感觉在其中,这样的音乐就是赋予歌唱性的。要强化歌唱性,强化技术要服从音乐的理念。在演奏时发自内心的歌唱,能表达出演奏者最真挚的情感和全身心的投入,将音乐融入演奏者的呼吸中,最终达到完全自由地表达心中所理解的音乐;将钢琴作为身体的延伸,而不是需要征服的物体。由于音乐也是一种语言,演奏者要学会用音乐来“说话”,乐曲中的旋律就是构成音乐语言的重要组成部分。一首优美的乐曲之所以能够打动听众是因为它有抑扬顿挫的旋律和变化多端的节奏,.构成了声音之间的对比和时间延伸性的对比,.表现出丰富的音乐形象。乐曲的演奏如同诗歌朗诵须注意其“语气”的运用,它是音乐声音形
象的重要表现手段之一。
4、能达到“事半功倍”效果的慢速练习
俗话所得好:“欲速则不达”,这条适合于万物的真理在钢琴演奏技术练习中同样适用。“慢练”是指根据演奏作品的难易程度将演奏速度减慢豹一种练习方法,决不是演奏技术与艺术上的心理懈怠与情绪的散漫。通过“慢练”能够解决视奏作品的准确性与完整性,掌握旋音型的特点和指序的规律;使左右手声部的配合更加完美,真正达到声部层次的立体感。更重要的是能解决演奏中的技术难点,以熟练掌握演奏技术,慢速是快速的基础。循序渐进的慢速练习能使演奏者的内在感觉发生变化,从而进一步完善演奏技巧。如:车尔尼的《快速练习曲》(QP.299),《手指灵巧的技术练习》(oP.74o)等。通过练习曲练习,将技巧与艺术表现融合在一起。
四、良好的心理因素是体现完美音乐技能的有利保障
良好的心理操作技能是乐技训练的重要组成部分。钢琴演奏中“心”的概念,包含着情与理两方面的内容.钢琴演奏的情感需要从心出发,一定要发自内心。同时,钢琴演奏的控制,布局,安排,却又必须用心去思考.演奏者在演奏时流露出来的热情不应该是矫揉造作的,不应该是虚假的,因此要用心去体察音乐,使内心的感受与音乐完全融为一体.只有做到这一点,演奏中的热情才会具有生命的价值.我们在演奏时,不能气浮,不能急躁.气浮容易忘谱,性急容易赶节奏,急躁容易出错,但一定要有热情,激情,唯有平静而不受干扰,又富有激情才能演奏出完美的乐章.结语:音乐是人类精神的表现,它与当时的文艺,社会和科学的动态,跟作者个人的经历和信念都有关系。任何艺术作品总是创作者情感的抒发,演奏者应该准确的分析各个作曲家的个性创作特点;使自己的演奏技巧符合创作者的风格。演奏者要能够通过钢琴把自身的情感直接表露出来,在演奏中注入内心的感受。只有深刻透彻的掌握钢琴艺术发展的历史,才能领悟各种音乐风格的创作特征和作曲家的思维方式;才能准确的反映音乐的本质。谈钢琴演奏中的基本弹奏方式
怎样才能学好钢琴基础技术?哪种演奏方法比较科学?这些是每一个学钢琴的人在学习过程中会遇到的问题。在我看来,钢琴的弹奏技术细分起来可以很多,但最基本的演奏技术可归为非连音奏法、连音奏法、跳音奏法三种。这三种基本弹奏技术不属于纯技术、纯方法,而是表现音乐和弹奏技术兼而有之的演奏方法。学习钢琴的人,首先应该从理论上理解这三种基础技术的含义。
一“非连音奏法、连音奏法、跳音奏法”的含义
非连音奏法(non legato)又称断奏,是指弹奏时,音与音之间不连接,触键后,手指的力量一般不保留在键底,音值弹足后,手指就立即离开琴键,抬起后,再去弹下一音的奏法。
1.非连音奏法是钢琴弹奏 中最简单、最自然、最基本的弹奏方法。它运用自然重量弹奏,音与音之间断开,不相连接。发出来 的声音结实饱满,清晰通透、富有颗粒性。
2.连音奏法(Legato)是指音与音之间相连贯,没有缝隙又不重叠的奏
法,简称连奏。第一音弹奏后要等第二音下键,发出音响后,方能离键。连奏是最常用、最重要的演奏法,同时也是最复杂多变的演奏技术。它是弹奏的核心,钢琴乐曲中的绝大部分都要运用连音弹奏。像说话一样,将旋律分成乐句,用一根横的圆弧线“一”把音符组成长句、短句,表达出乐曲的内容。
3。跳音奏法(Staccato)简称跳奏。它与非连音奏法中的断奏训练有相同之处,都要求音与音之间要断开。所不同的是跳音的每一音都有弹下去反弹起来的快速下键、快速离键动作。但是,学习钢琴不能停留于单纯的理解阶段,而是要在理解含义的基础上,掌握其基本动作及演奏方法。
二、如何掌握“连音奏法、跳音奏法"的基本动作及演奏方法(一)连音奏法
连音的动作视乐句的长短而定,每一句的第一个音要求手臂的重量 自然落到正在弹奏的手指指端。弹奏每一个音的时候,要使手臂放下的重量从一个手指转移到另一个手指上,不能断开(断开即成断奏),直到重量移至乐句的最后一个音,发出音响后,手臂才可做”提起来”的动作,这个动作我们又可称为乐句与乐句之间的呼吸动作。钢琴家柯托介绍一种弹奏连音的方法 :手指先行到达即将弹奏的键上,然后把手腕的重量运送过去。拉赫玛 尼诺 夫介绍另一种 弹法:把指尖到肘部当成一个整体,指尖受手腕和肘部 的引领,顺着旋律的走向划 出半 圆线,这样,由旋律的第一音至末一音的连贯就会十分完整,像一条弧线。
(二)跳音奏法
跳音奏法的手部动作可分为手腕跳音、手指跳音、手臂跳音三种。在弹奏手腕跳音的时候,掌关节向身体方 向收拢,然后快速击键,并在触到键之后立刻反弹起来,回到原先位置。手指跳音则在快速弹奏中运用,一般用在轻盈纤细 的片断中,运用时,使指尖向里轻勾,仿佛轻轻拭去键上一个小小的污点。手臂跳音是以肘部为支点,将整个前臂、肘、腕形成一个整体而跳动。手掌在触键的一瞬有个抓键似的动作,使发音更为集中。这方法适合于速度不快,音量较大的跳音。
综合而言,演奏跳音的技术动作要点是:
1.触键快、离键快、触键时间短处;
2.指尖特别牢靠;
3.指触面最小。
掌握上述三种基础技术在钢琴学习中是非常重要的。学琴者不仅要在初学阶段熟练掌握这三种基础技术,而且需要进行一系列的根本性练习加以强化,这样,钢琴技术才能得到进一步提高。
三、如何进行基础技术的常规训练
(一)非连音奏法的练习
非连音奏法练习前要学生将简单的旋律唱出来,形成音的概念,不让学生一开始就走入机械动作的误区,扼杀了音乐的旋律。训练可从单音开始,逐渐到双音,再至和弦。在练习过程中,还必须注意非连音奏法的记号,不同的记号表示各种“非 连音”不同程度的“片刻”。
在一条横线下加小点称为半断音即带一点连贯意味的断音;而在弧线下带点的记号称为半连音,即带一点断开意味的连音。这两种音都是介于跳音与连音之间的效果,弹奏方法也很相近,用水平状态把 手指 自下往上提起。所不同的是,半断音发音的起奏点是带有强音意味的。而半连音在一个连奏的乐句中,有时只是表示让某一些音略为分开而 已。音符上仅一横的记号,称为保持音(Tenuto),它在键上逗留的时间是百分之一百,但又不与下一个音融合。它的弹法与前两者相似,微小的区别是,可以让手指在上升前更往键的底部做一小小的推动动作。
(二)连音奏法的练习
弹连音时,像唱歌一样,有小句,有大句,歌唱时是一口气唱一句,弹琴时是一个力量弹一句。初学连奏时必须将 自己所弹的乐曲唱一遍,看看有几句话,需要几个手臂的落、起动作来完成全曲的乐句,养成 良好的读谱习惯。由于是初学连奏,最好从两个音的连奏和三个音的连奏开始弹奏。两个音的连奏,第一个音与非连音奏法相同。弹奏前手臂要自然抬起,带动肘、腕、指尖对向键盘,然后手臂重量 自然落下,力沉到正在弹奏的手指指端(手腕必须放松),弹第二个音时将第一个音的重量转移过去,待琴键发出声音后,再用手臂带动腕,将手指轻轻提起。三个音一组的连音弹奏与两个音相 同,只是第一个音下键后要将重量转移给第二个音,第二个音转移给第三个音发出音响后,方可做“提起来”的动作。如:布格缪勒的练习曲作品 100号<钢琴音阶25曲>第十首<娇嫩的花>和第十一首<鹊鸽鸟>
是很好的训练两音和三音,甚至多音的连奏练习。这些乐曲曲调优美或者活泼,音乐形象鲜明,能激发弹奏者兴趣,更好理解连奏的音乐表现,尽快掌握连奏的弹法。
(三)跳音奏法的练习
跳奏的记号是在音符符头的上方或下方有一圆点“·”或三角“1.r”为标志,离键反弹的速度根据跳音记号而定,如音符上标有圆点,只能弹原音符时值的 1/2时间;如音符上标有三角,只能弹原音符的 1/4时间,这种跳奏要求手指反弹离键速度更快更敏捷。如:布格缪勒练习曲作品 100号第九首 <行猎>。
显然,这些常规训练对于钢琴基础技术的掌握是很有帮助的。钢琴演奏艺术是一座丰富的宝藏,深不可测。学习钢琴弹奏好 比较造一座宏伟的大厦,需要打好基础技术。所 以,在钢琴入 门阶段,学琴者必须重视掌握一系列的基础技术如非连奏、连奏奏、跳奏。弹奏时肘部、前臂、腕、掌连成一个整体,抬起上臂,带动前臂,使整个手臂力量集中在指尖,沉落琴键。这种奏法用途很广,浪漫派以后的钢琴音乐用得更多。二是前臂断奏。不必抬起手臂,只须挥动肘部以下的部分即可。通常用来奏音量并不要求很强的片段,一般多用于巴洛克时期和古典时期的音乐作品。特别在 巴赫时代的乐谱中无须什么记号,演奏者们也几乎都会自动地把那些四分音符和八分音符奏成这种断音。非连音奏法的动作过程都包括手臂“掉下来”、“提起来”两个动作,具体要求是 :
1.弹奏前肩、臂、腕放松,手自然呈半圆形置于腿 上。
2.手臂(大臂)自然向上抬,并带起肘、腕,手指指端朝下对 向键盘。
3.手臂松弛地垂落,将需要弹奏的手指落到琴键上,手指牢牢地站立,指第一关节要稳固,手型保持,有力地支撑住肩、臂传下来的全部重量。
4.提起来时,有两种弹奏法。一种是大臂带小臂并带动手腕 自然放松地提起。另一种是 由手腕带动,将整个手臂提起。两种方法提起时都要求手指呈自然放松的弯曲状。提起来,既是前一个音弹完后的休息,又为弹后一音做好下力的准备。
第四篇:浅谈钢琴演奏中的“放松”
【论文】
浅谈钢琴演奏中的“放松”
浅谈钢琴演奏中的“放松”
【摘要】在钢琴演奏中,放松不仅是最基本而且也是最重要的要求。只有学会了放松,才会掌握正确弹奏方法和钢琴的各种技巧,才能奏出优美,具有穿透力的声音。
【关键词】:放松
技术
动作
心理
在钢琴教学中,有的学生身体僵硬,头颈一点也不动,身体重心不作丝毫的移动,只是手指在机械地弹奏,弹出苍白无味、毫无光泽的声音;有的学生动作僵硬,手肘上下抖动,手肘紧靠身体,手指几乎没有上下动作等等,这都表明学生演奏是紧张的,不放松的。那么怎样才能做到放松呢?笔者认为要从两方面入手。
一、技能技巧方面。
1、首先要掌握正确地弹奏基本姿势
开始学琴起,就要让学生清楚地知道,坐姿规范的标准及要求。如果坐得太近,就会限制住手臂的活动,影响手臂的舒展。坐得太远,不利于手指的控制以及力量的集中。同样,坐得太高或太低都会影响弹奏的效果。正确的坐姿是双脚着地,放在踏板的前面,如果学生的年龄小,脚接触不到地面,就要放一个小凳在脚的下面。坐的位置应该是琴凳的前三分之二或者二分之一处,腰要挺直,身体与琴的距离应该保持前臂与键盘基本平行的位置。总之,要想反应灵敏,动作敏捷,就要保持良好的坐姿,这样才能为演奏时的放松做好充分的准备。
2、还要正确地掌握手臂(包括肩、肘、腕、手指)的放松。
肩膀也就是肩关节,它的状态应该很自如,很随意,略微有一点自动下沉的感觉。在弹奏之前,先活动一下肩关节,再转动一下头颈,感到肩膀放松自如,很舒服。在弹奏的过程当中,时刻想着肩部要松弛,也可以用呼气的方法来感觉肩部的放松。
肘关节,是上臂与前臂相连接的部位,在实际的弹奏当中肘关节抬起的动作是非常自然的,只要稍加控制,毫不费力就能做到放松。
前臂本身是不能动的,它主要由肘关节控制,并由腕关节带动,前臂不应该妨碍腕部的活动,反而应该提供最佳的状态,前臂经过腕关节的带动可以把力量自然的作用到手指尖上。
腕关节,是手与前臂相连接的部位,它直接控制着手,力量作用于手指。手腕的状态和作用,与肩肘关节是不同的,腕关节的一些动作、技能、技巧需要一些特殊的训练才能掌握,有很多练习曲和基础练习就是为腕关节准备的。
掌关节是手指与手掌的连接部分,它控制并掌握着手指的动作。由于它掌握着手指动作,只要手指状态是自然的,手腕是柔软的,掌关节就不会僵住。
3、弹奏中,避免一些多余的、没有意义的动作,有利于放松。
很多学生在弹奏时,总是喜欢把不用的手指高高地翘起或紧紧地夹住,这就造成了手部的紧张。那么在弹奏中,暂时不用的手指应保持放松自然的状态,轻轻地放在琴键上,虎口应保持半圆的状态。在弹音阶和琶音时,手腕不能上下左右一起动,要根据音的走向带动手 指转移。触键时手指不能塌指,手指落键以后马上让这个手指放松,不要再作多余的动作,这样就不会使手指因为紧张而出现更多的问题。
4、手指触键后应立即放松,使声音富有弹性。
钢琴的声音是一触即发的,当琴槌击弦的一霎那,声音就会发出,因此手指触键要很快地抓住一霎那这一“点”,我们叫它“发音点”。声音一旦发出,手指就要立即放松,不要再用力挤压琴键,使声音发硬、发闷,很难听。所以,手指要很快地触键,然后马上恢复自然放松状态,避免造成肌肉紧张。
二、心理方面:
一般的学生在自己家里或者是熟悉的地方,弹奏得都比较不错,但是在回课的时候,却差的很多,这些都是由于学生的心理素质不好,对环境的不适应而造成的,做为教师,要善于帮助学生克服紧张情绪,先要培养学生的兴趣,增强自信心,用精彩的示范和生动的语言来感染学生。在教学过程中,多鼓励少批评,其次要多让学生在众人面前演奏,这样可以使学生们互相学习,取长补短,并能够锻炼胆量。多举办一些观摩会,给学生们创造一种表演气氛。
总之,放松是钢琴演奏的基础,没有放松,就谈不上优美的音色,没有放松,就会导致钢琴的学习走上崎路,我们要学会放松,不断审视放松在钢琴学习和演奏中的重要性。
【参考文献】:
1、韩林申、李晓平、徐 斐、周荷君,《钢琴基础教程》,上海音乐出版社,2001年8月。
2、周广仁,《钢琴演奏基础训练》,高等教育出版社,1998年8月
第五篇:浅析钢琴演奏中的“呼吸”
浅析钢琴演奏中的“呼吸”
摘要:作为生命之源的呼吸,在钢琴演奏中有着重要的作用和意义。著名钢琴教育家赵晓生教授说:“……没有呼吸,就没有乐句,没有结构,也就没有了生命.....”。正确合理的呼吸有助于肌肉和心理放松,对提高和发挥演奏技巧有极其重要的作用。有呼吸的乐曲,它是有生命的;若演奏一首乐曲不注意呼吸问题,那么这首曲子就缺少了音乐的律动性和歌唱性,从而也失去了艺术感染力。关键词:钢琴演奏;呼吸;乐曲表达
作为生命之源的呼吸,在钢琴演奏中有着重要的作用和意义。正确合理的呼吸有助于肌肉和心理放松,对提高和发挥演奏技巧有极其重要的作用。有呼吸的乐曲,它是有生命的;若演奏一首乐曲不注意呼吸问题,那么这首曲子就缺少了音乐的律动性和歌唱性,从而也失去了艺术感染力。在钢琴演奏中,呼吸存在于两个方面,一方面是一般意义上的生理上的呼吸,可以说是“无意识”的呼吸,源于生命本能;另一方面是乐感的“呼吸”,一种人为的“有意识”的呼吸,它在表达作品、突出情感方面体现着独特的艺术价值。
一、“呼吸”在钢琴演奏中的重要作用
(一)正确合理的呼吸有助于消除演奏中的紧张情绪
在钢琴演奏中,身体各部保持松弛,避免紧张,是获得良好演奏效果的重要条件之一。钢琴演奏中的“心理紧张”,探其究竟是由于呼吸不当造成的,我们弹奏钢琴时,是通过肌肉活动来完成的,而肌肉活动又需要氧气,呼吸不正确时就会紧张、缺氧,造成肌肉发酸、手臂僵硬。缓慢、绵延的呼吸对于紧张情绪的缓解和肌肉的放松有着积极的作用,让我们在演奏中把气息放下来,气沉丹田,全神贯注的专注于音乐的发展而不是局限于紧张的心理情绪中,使音乐松弛、流动,充满意蕴和生命力。钢琴家享利·涅高兹在《论钢琴表演艺术》中说:“钢琴弹奏最困难的就是弹得很长久,很响亮,而又很快”。要做到久、响、快,放松是关键。如果演奏者在演奏中不能正确的呼吸,就会影响到放松,演奏也就不能顺畅地进行下去。因此,要做到放松,正确合理的呼吸是非常重要的。
(二)正确合理的呼吸有助于演奏中的音乐表现
呼吸运用的正确与否,对于演奏中的技艺表现、音乐情感表现、优美音色表现等都起着决定性的作用,它在准确表达音乐的风格方面也起着不可忽视的重要作用。我们常常只是强调用触键方式、情感处理和踏板运用来刻画作品的风格,而往往忽视了“呼吸”的作用。钢琴演奏中的呼吸,应根据乐曲的不同情绪、风格、句式而进行调整,以充分表达音乐的气息为目的。
如弹奏巴赫作品,要十分注重结构层次的均衡性、旋律线条的歌唱性和音乐表现的即兴性及装饰性处理。在演奏时强调以轻微简捷的手指弹奏和轻盈的手部动作为主,这就要求在气息上要做到有控制、有层次的呼吸,特别是多声部、多层次的气息、呼吸和分句。实际上掌握了巴赫作品多层次气息的处理,就等于掌握了一把开启巴赫音乐的钥匙。又如演奏浪漫主义钢琴诗人肖邦的作品,肖邦的音乐十分精致讲究,他的音乐要求触键优美匀称、深而有共鸣,音色变化细腻,踏板运用巧妙、富有丰富的色彩明暗对比。在气息运用上,也应该用有节制的呼吸,来表现他清纯、高贵甚至是含蓄的热情。但同时肖邦的音乐又极富歌唱性,在弹奏长气息的乐句时,其自然呼吸仍应以“悠句细缓深长”为基础。
在钢琴演奏中,针对不同的音乐作品作出不同的呼吸处理,是让音乐表现更加准确的重要手段。
(三)正确合理的呼吸有助于更好的塑造音乐形象
钢琴演奏是要通过演奏者运用各种技巧手段,把作曲家作品中所包含的深刻的内心活动、思想感情、特定的音乐形象和作曲家的心情等等,正确地、有创造性地表达出来。演奏者也是“二度创作者”。人体的呼吸与音乐的表现内涵、旋律句逗、触键力度的大小、触键力度的深浅等要素相互贯穿,在演奏作品时,要根据内容需要,选择合适的弹奏方法和呼吸方法,这样才能更好地塑造作品的音乐形象。
如要塑造华丽、伟大、强而有力等音乐形象时,呼吸应稳健沉着,腰部要有强有力的支持,身心激发出一种由外到内的张力,利用这样 的气息状态去凝聚指尖与键面的接触点和爆发点。拥有这种的呼吸,辉煌的乐音才能在豪放如风的力度中真正体现出来;反之,塑造一个抒情柔和的音乐形象,在演奏时则应让呼吸深而缓慢地随律动平稳进行,在一种平心静气的气息中,悠然刻画出婉约如水的音响色彩。使人完全沉醉在音乐的意境之中。
二、正确合理地把呼吸运用到演奏中
(一)充分理解乐曲内涵,合理划分乐句
演奏一首新的乐曲之前,不要急于上手弹奏,首先要认真分析整首曲子,了解乐曲包括作曲家的背景及内涵,像读文章一样,有抑扬顿挫。弄清楚乐曲中的旋律乐句,找到“气口”,合理划分乐句。最有效的方法是“歌唱旋律”,把旋律哼唱出来,这样,很自然的我们就会在“该停顿的地方”停顿下来。不过,还有一些钢琴作品,不是“方整性”的结构,如被休止符隔开的音、连续的跳音、顿音、以及远距离的音等,这就需要更深层次的研究,注意它们之间的运动趋势及在表情达意上的连贯性,细心体会,再加上反复的聆听感悟。正确的理解了乐曲,也就会合理的划分出乐句。
(二)呼吸要与音乐情感变化同步
呼吸在钢琴演奏中,要随着一首乐曲的情绪变化、感情发展而相应做出不同改变。在演奏钢琴作品时,随着音乐作品旋律的高低、力度的强弱、速度的急缓、节奏的疏密、情感的变化所表现出的紧张与松弛,我们自然而然地会为这些变化而吸气、呼气、闭气。
在演奏中,如果是“一个完全沉思性质的音乐片段,应该是在毫无神经激动的安静沉着的方式中被呼吸出来。如果我们顺着表情的顺序进行弹奏,从沉思般的安静到戏剧性的紧张高峰,我们的呼吸也一定随着感情的变化而逐渐加快。每一个音乐片段都有它一定的音乐表现内容,如果一个应该安静的音乐片段,却以一连串的短呼吸来表示,那将是矛盾的,因为短呼吸说明激动,同样,用缓慢的呼吸来形容戏剧性的紧张,也是不近人情的”。①因此,在演奏每部作品时,我们要根据作品的风格特点划分出乐句、乐段、乐节等,通过我们的呼吸 找出它的韵味,这样的演奏才能反映出作品更深层的意蕴。运用呼吸和下键动作的配合,演奏出作品内容所需要的声音,正确反映出作曲家个人的风格和时代风格。
(三)呼吸在配合钢琴演奏技巧中的运用
钢琴大师贝尔曼说,弹琴的人要有三个肺,也就是要有三个部位来呼吸,即嘴巴呼吸、双臂呼吸和手腕呼吸。嘴巴呼吸不单是一种生理意义上的呼吸,在很多时候,它可以帮助我们在演奏中从心理意识上做好呼吸的预备,给意识以“暗示”双臂呼吸;特别适合于那些篇幅较长、气息要求延绵的乐段,手臂的放松和调节给予音乐连贯性和流畅感;而手腕的呼吸是运用最普遍、也出现得最多的呼吸手段,如连线的划分,通过手腕力量的“上抬”和“下沉”也可以实现乐句起伏中形成的“气息”。
在钢琴演奏中许多技巧也需要有呼吸的配合来完成,比如在演奏强力度的和弦时,如果只靠手和臂的力量,往往达不到作品所需要的音响、力度效果。这时我们就要用气息的支持,气沉丹田,我们常常提到的“腰部力量”就是气息在支持,这股力量由背、肩、臂一直贯通到手指,加上了气息的力量就会感到手臂力量大大增加,演奏出的和弦也就有力而扎实。扩展到整个乐段的和弦,更需要有气息的力量加入,身体状态才会积极起来,从而达到演奏效果。例如李斯特《匈牙利狂想曲第十一首》的尾声部分,音乐雄壮有力,情绪高涨积极,节奏欢快迅速,呼吸在这段音乐演奏的运用要积极,但不能提气,还是要气息扎稳,才会有力量的支持。
还有一点应该注意,在演奏中要尊重作曲家的创作意图,理解乐曲的上的所有标记,注意正确运用呼吸来表现强弱层次的变化、表情术语的渲染等,从而得到丰富的声音色彩,增强乐曲的艺术感染力。另外,起拍时的呼吸,就相当于指挥中的“预示拍”,包含了乐曲的速度、情绪、力度等。在演奏起拍时的呼吸节奏要与所演奏的作品速度、情绪、力度保持一致,如果乐曲是以抒情慢板开始的,触键前的呼吸则要深而缓慢;如果是一个急促的快板,在下键前的一刹那要急吸一口气。起拍的呼吸,要根据全曲的风格而定。掌握科学的呼吸理论,并运用到自己的演奏中,有助于表达出音乐的真谛。
三、呼吸使钢琴演奏更完美
钢琴演奏是一门表演艺术,演奏的初衷是为了感染每位观众和听众,使他们与演奏者或演奏的作品产生共鸣,通常是情感的共鸣。让欣赏者体会到音乐中触及灵魂的境界。这就要求演奏者在表演中要饱含深情,感情真挚充沛。而所有情感的表达都需要有“呼吸”才能准确体现。
钢琴演奏中的呼吸富有弹性、韵律和节奏。欣赏者往往是通过旋律来感受音乐,演奏旋律时有了呼吸才能有意味,才能去打动听众,在钢琴演奏中,每一个音符的演奏我们都会触及到作者敏锐的内心世界,如果我们在演奏作品时都能调整呼吸、运用呼吸,细致体会作曲家的情感表达并细致表现每一个细节,我们才能准确地表现出作曲家的写作意图,听众才能准确地感受到作曲家与演奏者的内心情感的呼应。“呼吸”在钢琴演奏中的合理运用使演奏者与观者在心灵上融合在一起。每首音乐作品都反映了作曲家的心声和情感,作品的强、弱所表达的都是作者内心涌动的情感变化,钢琴演奏者通过演奏来传递作品的内涵和音乐的魅力、表现作品的的情感起伏,演奏过程中,我们的身体动作会随着呼与吸的动作而起伏,观众和听众就会随着我们的呼吸感受到音乐情绪的细微变化,并能够理解作曲家和演奏者的思想感情。我们在演奏中将优美的乐音享受传递给观众和听众时,让“呼吸”贯穿了整个演奏过程的始末,运用呼吸控制身体各部位的协调,更为完美地呈现作品所要表达的内涵,使作品由内而外地放射出生命力。同时使观众和听众感受到钢琴演奏带来的无穷魅力。
总结
呼吸对钢琴演奏的影响是不可忽视的。它与表演的身体动作紧密结合,有助于更好的表达乐曲的情感,使演奏显得丰满而更具张力。没有完美的呼吸,就不可能有高超的钢琴演奏表现力。呼吸在钢琴演奏中应当作为一项素质训练被重视起来,能够合理正确的把呼吸运用到钢琴演奏中,是一名钢琴演奏者应具备的基本素质。掌握好呼吸的 方法,需要我们在平时的演奏中认真体会,深入研究和探索。
注①;《从艺术方面谈谈学习弹奏钢琴》(英)哈受尔砖·鲍尔著。《音乐译文》1980年第五期。
参 考 文 献
{1} 赵晓生.走进音乐{M}.上海:上海音乐出版社,2000.{2} 沈致隆,齐东海.音乐文化与音乐人生{M}.北京:北京大学出版社,2007.{3} {苏}A·阿列克赛耶夫.钢琴演奏教学法{M}.谌国璋,程白珊,译.上海:上海音乐出版社,1989.{4} [俄]根纳季·齐平.演奏者与技术{M}.董茉莉,焦东健,译.北京:中央音乐学院出版社, 2005.{5} [美]弗兰克·道斯.德彪西的钢琴音乐{M}.克纹,译.北京:人民音乐出版社, 1985.In brief analysis piano performance's“ breath”
Abstract: As the source of life's breath, at a piano recital, play an important role and significance.Piano Professor Zhao Xiaosheng famous educator said: “......no breathing, there is no phrase, no structure, there would be no life.....”。Reasonable right of respiratory muscles and psychological help to relax, to improve and play musical skills and have an extremely important role.The music has to breathe, it is there is life;if playing a musical attention respiratory problem, it is the first song on the lack of rhythm of the music and singing, thereby also lost their artistic appeal.Keywords: Piano Recital;breathing;musical expression