钢琴演奏中内心听觉能力的培养

第一篇：钢琴演奏中内心听觉能力的培养

钢琴演奏中内心听觉能力的培养

[摘要]训练和培养音乐的内心听觉能力对于一个演奏者来说至关重要，钢琴演奏者想要准确的诠释演奏曲目必须依赖自身良好的音乐内心听觉能力。本文从内心听觉的概念和重要性出发，分析在钢琴演奏学习中培养内心听觉的感受的方法，总结得出培养钢琴演奏中良好的音乐内心听觉能力是一个长期的过程，需要经过持之以恒的倾听训练、记忆训练、想象训练和实践训练才能最终形成。[关键词]钢琴演奏；内心听觉；音乐意象；浪漫主义风格

随着我国经济的繁荣，人们的物质水平得到提升，于是越来越多的家庭加大艺术教育的投入，让孩子接触并学习钢琴。然而，大部分小孩在学习钢琴演奏时只注重识谱和演奏技巧的学习，导致很多学生弹奏技巧不错，却达不到期望的音乐效果，弹奏中存在刻意模仿的痕迹，缺乏音乐的灵性，没有感染力，给人一种华而不实的印象。钢琴演奏是一门听觉的艺术，听觉又分为生理听觉和内心听觉，贯穿了钢琴演奏的整个过程，很多教师在教学的过程中忽视了学生内心听觉能力的培养和训练。本文从内心听觉的概念和重要性出发，分析总结出在钢琴演奏学习中培养内心听觉的感受的方法，从而帮助更多的钢琴演奏者重视内心听觉在钢琴学习中的作用并加以培养和训练，在弹奏音乐的过程中能够呈现出音乐的内在美，赋予音乐灵魂，让听众感受到音乐的强大表现力和抒发情感的能力[1]。

一、内心听觉的概念和内涵

内心听觉不是单一孤立的，是指人们通过听觉使外界的声音进入大脑中的一系列活动，主要包括声音感知、声音意象、声音记忆等多层次的心理过程和心理功能。首先人们通过声音感知的方式接收到外界的声音，然后对某些声音产生听觉意象，根据每个人不同的生活经验在大脑中形成不同的意境和形象，并对声音进行审美判断，最后将声音带来的意象和感受记录在大脑里[2]。其中，声音意象不仅是对声音进行理智的接收和判断，更多的是一种情感的体验，是理智与情感的审美结合。

由此可见，声音感知活动是内心听觉的接收方式，而声音意象和声音记忆则是内心听觉的主要表现形式，两者之间是相互联系、相互作用的关系。声音记忆是对熟悉的声音的提取和回忆，而声音意象则是对不熟悉的声音展开想象[3]。一方面，声音意象使声音变成画面，能够变成声音记忆映在脑子里；另一方面声音记忆为声音想象提供了素材，声音意象再对记忆里的东西进行重新组合。对于熟悉的声音，内心听觉则通过声音记忆进行声音再现；而对于不熟悉的音乐，内心听觉会先搜索声音记忆库，从已储存的声音中寻找素材，然后通过声音意象将已储存的声音进行重新组合，并融合模仿和重新想象，最终通过声音记忆记录下来，组合成新的不熟悉的声音记忆。

二、内心听觉能力的在钢琴演奏中的重要性

音乐是听觉的艺术，需要通过听觉来感受。音乐的内心听觉是一种主观性的音乐心理活动。音乐内心听觉所涉及的心理过程不是简单的音乐意象，而是对音乐整体产生的音乐审美和音乐情感体验。与此同时，音乐内心听觉不仅仅是一种复杂的心理过程，更是一种构成内心音乐意象的能力，它在音乐活动中发挥着重要的作用，结合了音乐先导性与音乐创造性两个功能。例如，在高品质的电影创作中，往往会非常注重配乐与画面的搭配，当音乐响起，电影播放的场景与音乐中表达的画面和情感如果能够高度融合，让听众感觉就是自身内心听觉画面的实现，则会令人印象深刻。音乐内心听觉的功能贯穿了音乐创作、演奏和欣赏三个环节的始终，因而音乐内心听觉能力对于钢琴演奏者来说尤为重要。

音乐内心听觉在钢琴演奏中的时时刻刻都发挥着重要作用。当今中国在国际乐坛中最具影响和权威的钢琴家、教育家之一周广仁教授曾通过讲述自己的亲身经历来诠释音乐内心听觉能力的重要性：她曾赴英国伦敦演出，在演出之前，她独自对着乐谱，在内心中默唱了一遍全曲。最终，她独奏演出的效果非常好，对作品的内在感情表现得非常流畅到位。她表示，这种默唱全曲的行为就是在使用音乐内心听觉功能，在演奏之前应先在内心中形成完整的声音意象，并通过声音记忆记录在脑子里，然后才能在演奏时做到胸有成竹，把心中的这种意象和情感通过自己熟练自如的弹奏技巧表达得淋漓尽致，以达到自己预期的效果[4]。

三、钢琴演奏中内心听觉能力的训练和培养

由上文可知，音乐内心听觉更多的是一种功能，而这种功能也有好坏之分。音乐内心听觉较好的钢琴演奏者，具有独自领悟和默唱曲目的能力，会根据自己的经验和悟性对曲目进行想象和判断，在还未弹奏作品时，就已经心中有数，理解了这首曲目的整体意境和每个小节要表达的动态的情感和画面，相当于将一首曲目转化成一部电影记录在脑子里，并在演奏时再将这部电影转化成旋律传递给听众。而对于音乐内心听觉较差的演奏者，即非常缺乏音乐的想象力，对他而言，弹奏一首钢琴曲只是一种机械的手指运动和纯粹的模仿，在演奏的过程中，他的脑子里没有任何画面，只有五线谱，内心也没有任何情感的起伏，表达出来的音乐自然会让人觉得不生动。因而，在钢琴演奏训练中，理解和控制曲目、构建音乐想象力是培养音乐内心听觉的关键，即演奏者良好内心听觉能力离不开以下几方面的培养与训练：

（一）倾听训练

倾听是感知音乐的基础，加强倾听训练是培养学生内心听觉能力不可缺少的重要方式。养成良好的倾听习惯能够加强音准，才能避免弹错音而不被发现。钢琴曲的旋律众多，曲风各异，只有反复倾听，才能对原作产生理解和共鸣，准确的把握钢琴曲的背景和风格。同时还应该将听觉和视觉相结合，可通过观看录相带和演奏会等方式，去欣赏中外钢琴家的演奏,感受钢琴家在演奏曲目时的表情、动作和沉浸于音乐的状态，这种听觉与视觉结合的听觉训练能直接引导演奏者更完整地感受钢琴曲，最终能够更完整地去表现钢琴曲[5]。

在倾听训练的过程中，教师要经常通过对比倾听的方法来培养学生的音乐内心听觉能力，首先让学生倾听教师弹奏的或者录音带里播放的正确的旋律和节奏，以此作为权威版本，然后让学生练习同样的曲目，并录下来放给学生听，让学生可以听到自己的弹奏声音，对比之后和找出自身的问题所在，经过教师的启发和指导，总结注意事项，然后重新弹奏，再录下来与权威版本进行对比。这样反复对比训练，直到学生能够正确的完成这首曲目。有时也可以播放一些不准确的钢琴曲，让学生独立去鉴别，去评论，积累学生的音乐素材记忆，提升其音乐修养和鉴赏能力。

其中，倾听音色是音乐听觉能力中非常重要的能力，倾听踏板是一个关键但容易被忽视的问题。

1.倾听音色

不同的国家、不同的民族、不同的人生经历使得钢琴作曲家形成专属自己的个人创作风格。因而，只有在心中建立起了能够辨识各种风格的音乐内心听觉，才能更准确地塑造出符合作品要求的声音。

以匈牙利“钢琴之王”李斯特为例，李斯特是浪漫主义风格大师，其作曲体现出快速响亮、气势狂放、具有炫目技巧的钢琴演奏风格。因此在弹奏他的曲目之前要在音乐内心听觉中设定充满激情的旋律和节奏。由于他的曲风太过快速激昂，因而在弹奏时不能仅凭借手指的力量，而要充分调动肩膀、手臂、手腕的力量，这样才能达到铿锵有力的效果。

2.倾听踏板

很多学生尤其在初学阶段都容易忽视踏板的作用，那往往是由于学生欠缺音乐听觉能力，所以不知道应该在何时使用踏板，也无法判断使用踏板后的效果是否到位。因此，演奏者除了要对键盘的内心听觉能力进行训练，也万万不能忽视踏板的音乐听觉能力的培养，要准确把握钢琴弹奏中使用踏板前后的音乐效果的差别。首先要注意了解哪些风格的钢琴曲必须使用踏板，哪些风格的钢琴曲不适合使用踏板；其次，要通过倾听训练将这些认知变成音乐内心听觉能力的一部分，要能够通过倾听钢琴曲来判断出整首作品的风格且应该运用何种踏板，切换点在哪里，踏板具体使用怎样的节奏和频率等等。

以浪漫主义风格的钢琴曲为例，此风格的曲目激昂欢快、节奏性强，因此，演奏者必然要频繁的使用踏板，甚至抖动踏板，形成颤音。

（二）记忆训练

背谱演奏是增强音乐记忆能力最主要的方式，背谱使演奏者能够感知乐谱上的一切标记，熟练记忆曲目的力度、音色、拍子、奏法是一场成功的钢琴演奏的前提条件。只有熟练的背谱，才能让钢琴演奏者全神贯注的投入到音乐中去，唤起音乐内心听觉意象，运用内心听觉回忆和塑造曲目的旋律和意境，协调调动身体的每一个部位，使身体与情感相融合，将曲目的音准节奏和情感内涵精准的、完美的诠释出来。

背谱本身是一个枯燥、痛苦的过程，需要保持专注力和坚持不懈的精神，同时在背谱的过程中要不断调节自己的状态，不应反复的单一的持续工作和学习，这样会降低效率且产生厌恶情绪。

（三）想象训练 钢琴演奏严格地来说不是复制或模仿别人，而是对别人的曲目进行二度创作,作品经过演奏者的理解，通过音乐内心听觉功能进行音乐画面的自我储存，再通过演奏者的演奏技巧将自己的理解和感悟传达给听众。因而，想象思维的训练对于演奏者来说非常重要，钢琴演奏者应该要多听多看多观察，扩大自己的知识面，丰富自己的业余生活，寻找声音与画面的联系，这样才能为提升音乐内心听觉功能积累素材，全面提高自身的音乐修养、审美能力和创造能力，从而赋予钢琴曲更加丰富的画面和情感内涵，最终将更加奇特的音乐体验传达给听众。

（四）实践训练

实践是检验真理的唯一标准，音乐记忆和音乐意象的训练和培养是提升内心听觉能力的基础，然而，演奏者的实践训练也极其关键。艺术演奏是一门实践性极强的艺术，钢琴演奏者除了要进行倾听训练、记忆训练、想象训练以外，还要加强实践训练，这样才能反馈和巩固其他训练的成果，使钢琴演奏者对于艺术有更加深入的理解和体会。

实践训练不仅包括钢琴演奏的实践训练，还包括其他乐器的实践练习，以及参与社会和生活实践。钢琴演奏除了独奏，还有合奏，只有深刻领会了其他乐器的特色和风格，才能创造更加完美的和声效果。只有积极参与社会生活实践，不仅多听多看，还要多动手，才能进一步磨练意志，加强自己的团队意识和协作能力，使自身的内心听觉能力产生一个质的飞跃。

四、总结

综上所述，音乐的内心听觉是一种主观性的音乐心理活动，是一种对音乐领悟和鉴赏的功能，训练和培养音乐的内心听觉能力对于一个演奏者来说至关重要，拥有良好的音乐内心听觉能力是衡量一个钢琴演奏者是否优秀的一个关键指标，钢琴演奏者想要准确的诠释演奏曲目必须依赖自身良好的音乐内心听觉能力。而培养良好的音乐内心听觉能力是一个长期的过程，需要经过持之以恒的倾听训练、记忆训练、想象训练和实践训练才能最终形成。

参考文献

[1]章雅轩.浅谈内心听觉在钢琴演奏中的作用[J].长沙铁道学院学报(社会科学版),2010年9月

[2]郝思震.内心听觉培养在钢琴教学中的运用[J].音乐探索,2008年12月 [3]尚媛.钢琴弹奏中的内心音乐听觉与无声音乐空间文化[J].艺术研究2010年9月

[4]胡丽敏论如何在钢琴教学中加强心理听觉的训练[J].江西教育学院学报2013年6月

[5]陈静竞.浅谈钢琴学习中内心听觉的培养[M].厦门大学,2008年6月

第二篇：浅谈小提琴教学中音乐内心听觉的培养

浅谈小提琴教学中音乐内心听觉的培养

阳 静

内容摘要：对于小提琴演奏来说,内心听觉能够帮助我们更完美地表现音乐,并不断提高演奏者对音乐作品的理解能力以及丰富音乐表现力。本文试从“多听、多记、多唱、多想”四个方面, 探讨小提琴教学过程中音乐内心听觉的培养。

关键词：小提琴教学；音乐内心听觉；听觉意象；感知；记忆；内心歌唱；想像

音乐是听觉的艺术。演奏家要把优美的声音传达给听众, 必须通过自己卓越的音乐听觉来鉴别、控制、协调。对最具歌唱性同时音准却极难掌握的乐器皇后小提琴而言，敏锐的音乐听觉更是学好这一乐器的关键。

听觉包括外部听觉以及内心听觉。外部听觉指听觉器官对外部音响的感受能力。内心听觉是在无声的状态下, 人们在内心对某种听过或未听过的音乐的回忆或想象。它们的主要区别在于内心听觉是一种积极主动的音乐心理活动, 它更加强调声音在心理上的自如运用,是审美主体对音乐整体产生的听觉意象。而外部听觉是一种被动接受音响信息的过程。学习音乐仅仅只具备良好的外部听觉，即使拥有绝对音高的能力也是行不通的。缺乏内心听觉，头脑和肌体没有参与音乐的过程,只是被动地接受乐曲对于技术的要求,就不能通过积极的“自我听辨”,更好地把握音准、注重音质。没有内心听觉的支撑,外部听觉所接收到的信息得不到整理与巩固,也使记忆与思维活动难以展开。可以说音乐演奏的能力与内部听觉水平是息息相关的。一个具有良好内心听觉能力的人，通过对声音的高低、长短、强弱、色彩等内心感受的长期经验积累，仅从阅读乐谱, 就能内在地听到音乐的进行, 并以此来指导自己的演奏。在演奏过程中,通过音乐内心听觉对音乐的整体形象进行精心雕琢的预想和想象, 使音乐达到最理想、最完美的效果。所以,许多音乐家告诫我们:不要只顾演奏和肤浅的记忆,应该把精力投入于发展更重要的内部听觉。沃尔特〃金斯汀说:“内在听力,我觉得是所有音乐学习中最重要的因素。”贝多芬在耳聋之后还能创作出许多伟大的音乐作品,就是凭藉他鲜明而稳定的音乐内心听觉能力。小提琴家卡托〃哈瓦斯曾说: “我们如果训练自己能在内心中听到正确的音高与音质的话, 那么手指

①就会按照内心的要求去工作。”对于小提琴演奏来说,内心听觉能够帮助我们更完美地表现音乐,并不断提高演奏者对音乐作品的理解能力以及丰富音乐表现力。因此，教师如何让学生在演奏中达到情景交融,引导学生在掌握演奏技能基础上, 建立起良好的内心听觉,是小提琴教学的关键。本文试从以下两个方面来进行论述：

一、内心听觉的心理学原理。

心理学认为, 当人们的听觉器官感受到音乐刺激时，刺激(音响、音乐)就在头脑里留下印迹, 在这之后, 刺激物虽已消逝, 但印迹仍在头脑里保持, 必要时印迹又能显现出来。人们通过记忆与回忆在大脑中再现的音乐形象被称为听觉意象。音乐内心听觉即构成听觉意象的能力。听觉意象是随着音乐的多次刺激不断发展变化直至成型的，在这个过程中内心听觉也实现了它的形成过程，对所感知、记忆到的音乐进行分析、整理、精选，继而进行创造性地再加工，从而对音乐的整体形象进行预想和想象,形成理想的内心听觉。它对于各种音乐实践活动都具有先导性与创造性。由此可见，听觉意象、感知、记忆、想象是内心听觉所涉及的主要心理过程。

二、音乐内心听觉的培养方法

通过以上心理学原理的分析，笔者试将音乐内心听觉的培养方法概括为“四多”：多听、多记、多唱、多想。

1、多听。加强感性经验的积累。

对音乐的感知体验是内心听觉形成和作用于音乐的先决条件。多听能够为音乐内心听觉能力的提高提供丰富的材料基础。在头脑中储存各种声音及组合的信息越多, 就越有利于内心听觉的培养。小提琴教学领域中，铃木教学法获得了巨大的成功。他的方法之一就是以听入门,一开始不教乐谱、不用视奏而直接运用听觉引导下的以模仿为主的方式教孩子学琴。它从认识听觉入手并在教学中不断地加强内心听觉的培养,训练琴童具有敏锐的听觉和分辨力。多听使学生形成了良好的听觉意象，不好的音响效果、不美的音色都是他们的耳朵所不能接受的。从而有效地提高琴童的视谱和演奏能力。

教师应要求学生多听、反复听, 有理解地听。在获得关于音乐感性认识基础上，不断揣摩其中的乐思，对音乐作品进行理性的分析。从整体上感受音乐作品的曲式结构、调式调性、音高、节拍节奏、旋律手法等要素，关注乐曲的风格、以及体现这种风格的情绪。广泛涉猎各个时期各种流派的不同风格类型的音乐, 扩展音乐欣赏范围, 开阔音乐视野，从比较和鉴别中提高音乐感知能力，积累各种音乐风格的情感体验。此外，不能只听小提琴音乐还应多听其它作品，如声乐，管弦乐作品等，尤其管弦乐作品由于它所含的音色丰富，使我们对于各种乐器的色彩、技法、性能都能有一定的体验。

2、多记。加强背谱训练。

音乐又是时间的艺术,稍纵即逝的特性使音乐记忆成为音乐表演活动的重要因素。多记可以为提高音乐内心听觉能力提供储存手段。音乐记忆力也是由积累和升华经验而获得的。记忆音乐的能力包括大脑对乐曲的记忆,眼睛对音符的记忆,手对指法、弓法的记忆。倘若完整地记忆下这些东西, 再加入对音乐的理性分析（如什么地方是什么和声、和弦、调性，织体、配器等等）和深入理解，就能在审美的愉悦中增强对作品的感受力,极其自然地表现音乐。熟练的背奏，不仅需要记忆力，还需要消化、吸收的能力，并随着记忆曲谱数量的增加逐渐提高音乐内心听觉能力。因此，应多训练学生背谱演奏,通过回忆旋律、音色、音质,运用内心听觉,引导和控制自身的演奏,使脑、心、耳、眼、手完美地配合,最后使思维、情感、听觉、视觉、肌肉、神经达到最理想的协调。俄国钢琴家列文曾经对记忆力的培养提出建议:“背奏应当是一乐句一乐句地背, 而不是一小节一小节背。……背奏是背音乐的思想, 不是背乐谱上的符号。当你背一首诗时，你不是背字母，而是背诗人的优美想象力和他的思想形象。……要背记音乐的思想,背记作曲家的构想。这才是需

②要抓住的东西。”。从这段话我们可以看出背谱必须紧密联系音乐艺术。选用与学习有关的题材进行背谱训练，这样不仅会提高内心听觉的音乐性，也会提高我们对音乐整体性的把握。

3.多唱。加强内心歌唱训练。

多唱是培养音乐内心听觉的有效手段，这种把“外声”与“内心”结合起来的方法可以唤起学生内心听觉的积极性、激活大脑音乐思维, 提高对曲调构成的理解, 从不同角度培养内心听觉。我国著名小提琴教育家林耀基将演奏小提琴的基本要求编成七字决，第一句即为“内心歌唱预先听”。当我们演奏一首乐曲，心中要有预先的构想，脑子里应预先听到音准、节奏、发音及内容情感的表达的理想效果。这些对内心听觉的要求，必须通过内心不断地歌唱来带动实现：建立正确的音高，表现精准的节奏，甄别优美的音色，用情感来丰富完善听觉意象。可以说内心歌唱是演奏者对音乐作品内涵的一种学习、理解、挖掘和创新的过程。应指导学生通过反复的默唱、读谱，认真理解和体会乐曲的创作方向，努力挖掘作品的最高意境。内心歌唱的方法也应有讲究。对乐曲的内心歌唱要以情带声，仔细揣摩作品的音乐内涵，而拉音阶、琶音时，应理智地唱。尽管有时可以带一点感情色彩，但绝对不能激动。按标准速度时要唱，放慢三四倍时同样要唱——很安静地唱。

4.多想。加强音乐想像力的培养。林耀基说过：“没有对美的想像和追求，就谈不到音乐，谈不到艺术表现。”小提琴如歌的音色、优美的旋律和丰富的技巧把人类生活中各种事物、现象和人类情感通过演奏者的联想、想像和情感、情绪共鸣化作声音的形象表达出来。内心听觉其实就是对音乐的想像能力。想像对内心听觉的培养至关重要。因此，我们应不断丰富自身的文化底蕴和生活体验，从而增加想像的广度和深度，并且把它创造性地运用于演奏之中，这是小提琴演奏生动感人的关键。譬如巴赫的《g小调无伴奏奏鸣曲》中的柔板乐章，既稳定又流畅，既工整又自由。想像可帮助学生形成鲜明而稳定的听觉意象：莱茵河蜿蜒流淌，渐渐消失在远方，河边耸立着雄伟庄严的教堂。水的流动与教堂的稳定使这首作品别具意境。不但主题要富于想像，任何技术性的片段都要由想像带动音乐内心听觉。例如一段跳弓，用臂快速地自然跳动犹如火花四射，用腕放慢速度可似雪花轻飘。

即使是在练习的时候，也需要有想像，有意境,用内心听觉来作指导。在练习中,有的学生认为“技术就是一切”。仅仅苦练技术，对音乐缺乏要求和想象。尽管技术娴熟,但奏出的声音不优美, 不动听。由此可见，练习时也应以音乐内心听觉来做引导。例如：拉罗的《西班牙交响曲》第一主题演奏时犹如暴风骤雨，练习时可像和风细雨。琶音、双音音阶按标准速度、力度练习，犹如江河奔腾，若放慢弱奏，可似小溪潺潺。

由于音乐语言不确定性、模糊性的特点，我们的音乐内心听觉往往在对乐曲一遍遍的诠释中更加丰富，不断获得新的感悟，对音乐的处理也随之越来越细腻，越来越富有层次感，在艺术上表现出强弱、浓淡、明暗、虚实、清浊、远近、连顿、起伏等不同色调的变化。这正是对想象力的最好培养。

总之, 无论哪一种音乐实践活动都离不开内心听觉,因而,在小提琴教学中应通过多听、多记、多唱、多想，培养学生高质量的听觉感受能力,以敏锐的音乐听觉、良好的音乐记忆能力和优异的音色作保证, 以声带情，通过想象与联想，精确地把握对音乐作品的表现和理解,培养学生的音乐内心听觉能力。这也是小提琴教学的关键环节。

③

参考文献：

① 〔匈〕卡托·哈瓦斯.小提琴演奏的新途径[M ].张世祥译, 北京: 人民音乐出版社, 1983.27

② 列文著,缪天瑞译.钢琴编奏的基本法则[M].北京:人民音乐出版社, 1981:154.③ 杨宝智.林耀基小提琴教学法精要.[M].北京：人民音乐出版社,2004：30.作者姓名：阳静

工作单位：湖南第一师范学院音乐系 联系电话：*** 通讯地址：湖南长沙市书院路创远景园1栋706户 电子邮箱：yangjingwsh@163.com

第三篇：内心听觉与钢琴教学关系探讨论文

摘要：本文将内心听觉训练融入到钢琴教学中，首先阐述了内心听觉的含义，内心听觉在钢琴教学中的作用，以及钢琴教学对内心听觉能力的影响；最后提出了在钢琴教学中培养内心听觉的具体策略，意在培养学生的听觉记忆和音乐想象能力。

关键词：钢琴教学；内心听觉；关系；方法

我国经济的高速发展使人们的生活水平明显提高，这也推动了对文化生活的需求增加，很多家庭非常重视子女接受艺术教育，钢琴成为了热门音乐乐器，并逐渐普及开来。但是无论是业余学员，还是高校钢琴专业的学生，在弹奏钢琴过程中偏重背谱与弹奏技巧的学习，而忽视了内心听觉的培养，这就导致很多学生在弹奏技巧上已经驾轻就熟，但是在音乐效果上火候不够，弹奏给人以机械与可以模仿的感觉，缺乏演奏的灵魂应有的感召力，没有演奏出属于自己的东西。内心听觉贯穿钢琴演奏的始终，可以说是钢琴演奏的灵魂，这是需要加以重视的。

一、内心听觉的内涵

内心听觉的产生与人的大脑是密切相关的，当音乐进入大脑后，人通过外界的声音产生了某种声音的感性认识和记忆，并逐渐影响到自己的心理活动，产生特殊的心理反应。首先人通过听觉接收到来自外界的音乐，对这些声音产生听觉意向，以不同的生活阅历通过人脑产生不同的形象，再通过自己的审美观对声音进行评价，最后把这种评价和感受储存在大脑中。而声音意象不是简单地通过人的听觉来接受和评价外界的声音，更重要的是通过自己的情感来体会，是感性和理性认识相互作用的结果。

二、钢琴教学与内心听觉的关系

（一）内心听觉培养提高钢琴教学效果

钢琴演奏的音乐是人们的听觉盛宴，需要人的完整的听觉功能来鉴别和审美。内心听觉是把客观的声音评价转变为主观的心理感受的过程。内心听觉不是简单地通过听觉能力来接收外界的声音，而是对音乐产生的审美认知以及情感体会。内心听觉是一种比较复杂的心理活动过程，把听觉意象变为心理意象的过程，在音乐欣赏过程中起到了微妙的作用，是音乐作品创造力产生的源泉。举个例子，优秀电影大片的创作过程中，往往宏大壮观的场面会搭配背景音乐，如果这时背景音乐所表达的情感能够与情节所表现的气场相符合，就会让听众记忆犹新，内心产生与影片场景同样的情感，这就是音乐的内心听觉在起作用。内心听觉的作用体现在钢琴音乐的创作、弹奏和体会的全过程，所以作为钢琴演奏的学员，要加强对内心听觉能力的训练。著名的钢琴教育家周广仁曾经这样评价内心听觉的作用，内心听觉就是在内心中提前默唱，在弹奏钢琴曲之前，在心中产生声音意象，并把这种完整的声音储存在大脑里，在弹奏过程中把心理意象与弹奏技巧结合起来，或者说是用心来弹奏钢琴的过程。

（二）钢琴教学促进内心听觉

1.钢琴读谱与内心听觉的关系

读谱是钢琴教学的基本技能，在读谱的过程中就能训练学生的内心听觉。通过内心听觉的培养又反过来指导读谱的过程。读谱往往因为比较枯燥而让学生不太重视，或者说学生侧重于钢琴弹奏技艺的训练，忽视了对曲谱的研究。有些学生在弹奏钢琴之前，没有领会乐谱在创作之时所要表达的情感，以自己的主观体会为基础进行演奏，导致与作品所要表达的情感背道而驰。假如演奏者所要表达的情感与作品在创作之初的情感表达背道而驰，就造成了原本有着较为明显的社会背景的音乐作品，变得没有时代感了。所以乐谱不仅仅是简单的五线谱，而是表达作品情感的诗歌，这需要每个钢琴演奏爱好者去详细品味，把握乐谱的情感，提高自己的内心听觉能力。

2.钢琴背谱与内心听觉的关系

背谱和读谱相比，在心理活动方面基本如出一辙，唯一的区别在于背谱是读谱基础上的加强记忆过程。而记忆过程分为外显的记忆和内隐的记忆，这两种记忆都是内心听觉训练过程中必须使用的方法。领悟性和音乐素养比较出众的学生，对作品曲谱的记忆大多是长时记忆的，包括听觉和视觉的记忆，所谓的“背”，指的是以抽象为特点的逻辑记忆。不论音乐素养的高低，听觉记忆应该主导钢琴背谱的过程，因此直接影响学生的内心听觉。

三、钢琴教学培养内心听觉的方法

（一）加强学生对钢琴音乐的倾听训练

学会倾听是培养内心听觉的前提和基础，倾听不是简单地通过人的听觉来接收来自外界的声音过程，而是通过内心的感知和审美观来感受和评价音乐。养成倾听的习惯能提高钢琴弹奏的音准，在音调弹奏失准的瞬间能够及时发现。钢琴曲的风格是多样的，旋律变化很快，只有在不断倾听的过程中，才能准确地把握作品诞生时的情感流露，对作品产生共鸣，了解作品产生的社会背景和时代特点。同时倾听应该配有相应的画面，教师可以通过多媒体给学生观看大型音乐会和音乐剧等，欣赏钢琴演奏名家的激情表演，洞察钢琴艺术名家在弹奏时的表情和状态，听觉与视觉相结合，使学生的倾听训练更能完整地感受曲目所表达的情感，为今后独立演奏各种钢琴曲目打下基础。学生以自己倾听钢琴音乐为主，教师要通过不同演奏风格之间的对比，来培养学生的内心听觉。比如说，教师可以作出示范性弹奏，或者是多媒体中播放的钢琴资料，然后让每个学生弹奏一遍相同的曲目，通过录音播放给大家倾听，学生在听到自己弹奏的音乐时，与教师的示范或音频资料作对比，找出自己在弹奏过程中出现的问题，教师作进一步的点拨和引导，并总结问题产生的根源，然后让学生再次演奏一遍，反复作对比直至基本相同为止。这种反复对比的方式虽然比较耗时间，但效果是很明显的。教师也可以锻炼学生的音乐鉴别能力，用多媒体播放一些音准有误的钢琴作品，让学生自己去揣摩和辨别，丰富学生的听觉阅历，提高学生的音乐素养和欣赏鉴别能力。

（二）提高学生的音乐专业素养

培养学生的内心听觉，提高音乐专业素养是关键。教师在钢琴教学过程中，当弹奏某音乐作品时，并不是马上教授弹奏的技巧，而应该向学生详细介绍作品的时代背景和作者的真实目的，这样有助于学生顺利地运用演奏技巧，弹奏出符合作品风格的音乐来，也能让听众感受到作品创作的真实意图和目的。音乐作品往往是作曲者的精神食粮，音乐作品的情感表达会受到国度风俗、民俗特色以及流派的影响而不尽相同，因此只有具备一定的音乐理论知识，才能提高学生的音乐专业素养，最终有助于内心听觉的培养和提高。

（三）教师加强正确的钢琴视谱演奏指导

视谱是钢琴教学中内心听觉训练的基础，正确的有效视谱习惯有助于钢琴学习快速入门。在教学过程中，视谱想象有助于内心听觉水平的提升。在没有外界音效的情况下，学生拿到乐谱后，应指导学生先进行一段时间乐谱和旋律结构的视觉观察并通过低声哼唱等方式，让学生对乐曲有一个全面分析和认识，然后引导学生在视觉记忆的基础上在脑中对乐谱音响和情感进行新的思考，加强学生对乐谱以及对所要表演的音乐深入理解，并形成自己的内心听觉。通过这样一个内心思考和歌唱的过程，学生读谱和内心听觉能力在潜移默化中得到了提升。

四、结语

综上所述，内心听觉应贯穿于钢琴教学的全过程，它是把作品所表达的真实情感变成弹奏者自身内心体验的过程。学生在弹奏钢琴作品之前，应先学会怎样去倾听音乐，并注重音乐理论知识的学习，以提高自己的音乐专业素养；教师要改变传统的侧重于钢琴技巧而忽视内心体验的教学模式，只有做到以上这些才能提高学生的音乐创作能力，在今后的音乐道路上，创作出带有自身情感烙印的钢琴音乐作品。

参考文献：

[1]徐媛媛.论内心听觉在钢琴教学中的实践[D].天津：天津音乐学院,2014.[2]牛春雨.试论钢琴教学中“内心听觉”的培养[J].艺术教育,2010(08).[3]盛跃明.浅论钢琴教学中的内心听觉的训练[J].湖北成人教育学院学报,2009(04).

第四篇：浅析钢琴演奏中的“呼吸”

浅析钢琴演奏中的“呼吸”

摘要：作为生命之源的呼吸，在钢琴演奏中有着重要的作用和意义。著名钢琴教育家赵晓生教授说：“……没有呼吸，就没有乐句，没有结构，也就没有了生命．．．．．”。正确合理的呼吸有助于肌肉和心理放松，对提高和发挥演奏技巧有极其重要的作用。有呼吸的乐曲，它是有生命的；若演奏一首乐曲不注意呼吸问题，那么这首曲子就缺少了音乐的律动性和歌唱性，从而也失去了艺术感染力。关键词：钢琴演奏；呼吸；乐曲表达

作为生命之源的呼吸，在钢琴演奏中有着重要的作用和意义。正确合理的呼吸有助于肌肉和心理放松，对提高和发挥演奏技巧有极其重要的作用。有呼吸的乐曲，它是有生命的；若演奏一首乐曲不注意呼吸问题，那么这首曲子就缺少了音乐的律动性和歌唱性，从而也失去了艺术感染力。在钢琴演奏中，呼吸存在于两个方面，一方面是一般意义上的生理上的呼吸，可以说是“无意识”的呼吸，源于生命本能；另一方面是乐感的“呼吸”，一种人为的“有意识”的呼吸，它在表达作品、突出情感方面体现着独特的艺术价值。

一、“呼吸”在钢琴演奏中的重要作用

（一）正确合理的呼吸有助于消除演奏中的紧张情绪

在钢琴演奏中，身体各部保持松弛，避免紧张，是获得良好演奏效果的重要条件之一。钢琴演奏中的“心理紧张”，探其究竟是由于呼吸不当造成的，我们弹奏钢琴时，是通过肌肉活动来完成的，而肌肉活动又需要氧气，呼吸不正确时就会紧张、缺氧，造成肌肉发酸、手臂僵硬。缓慢、绵延的呼吸对于紧张情绪的缓解和肌肉的放松有着积极的作用，让我们在演奏中把气息放下来，气沉丹田，全神贯注的专注于音乐的发展而不是局限于紧张的心理情绪中，使音乐松弛、流动，充满意蕴和生命力。钢琴家享利·涅高兹在《论钢琴表演艺术》中说:“钢琴弹奏最困难的就是弹得很长久，很响亮，而又很快”。要做到久、响、快，放松是关键。如果演奏者在演奏中不能正确的呼吸，就会影响到放松，演奏也就不能顺畅地进行下去。因此，要做到放松，正确合理的呼吸是非常重要的。

（二）正确合理的呼吸有助于演奏中的音乐表现

呼吸运用的正确与否，对于演奏中的技艺表现、音乐情感表现、优美音色表现等都起着决定性的作用，它在准确表达音乐的风格方面也起着不可忽视的重要作用。我们常常只是强调用触键方式、情感处理和踏板运用来刻画作品的风格，而往往忽视了“呼吸”的作用。钢琴演奏中的呼吸，应根据乐曲的不同情绪、风格、句式而进行调整，以充分表达音乐的气息为目的。

如弹奏巴赫作品，要十分注重结构层次的均衡性、旋律线条的歌唱性和音乐表现的即兴性及装饰性处理。在演奏时强调以轻微简捷的手指弹奏和轻盈的手部动作为主，这就要求在气息上要做到有控制、有层次的呼吸，特别是多声部、多层次的气息、呼吸和分句。实际上掌握了巴赫作品多层次气息的处理，就等于掌握了一把开启巴赫音乐的钥匙。又如演奏浪漫主义钢琴诗人肖邦的作品，肖邦的音乐十分精致讲究，他的音乐要求触键优美匀称、深而有共鸣，音色变化细腻，踏板运用巧妙、富有丰富的色彩明暗对比。在气息运用上，也应该用有节制的呼吸，来表现他清纯、高贵甚至是含蓄的热情。但同时肖邦的音乐又极富歌唱性，在弹奏长气息的乐句时，其自然呼吸仍应以“悠句细缓深长”为基础。

在钢琴演奏中，针对不同的音乐作品作出不同的呼吸处理，是让音乐表现更加准确的重要手段。

（三）正确合理的呼吸有助于更好的塑造音乐形象

钢琴演奏是要通过演奏者运用各种技巧手段，把作曲家作品中所包含的深刻的内心活动、思想感情、特定的音乐形象和作曲家的心情等等，正确地、有创造性地表达出来。演奏者也是“二度创作者”。人体的呼吸与音乐的表现内涵、旋律句逗、触键力度的大小、触键力度的深浅等要素相互贯穿，在演奏作品时，要根据内容需要，选择合适的弹奏方法和呼吸方法，这样才能更好地塑造作品的音乐形象。

如要塑造华丽、伟大、强而有力等音乐形象时，呼吸应稳健沉着，腰部要有强有力的支持，身心激发出一种由外到内的张力，利用这样 的气息状态去凝聚指尖与键面的接触点和爆发点。拥有这种的呼吸，辉煌的乐音才能在豪放如风的力度中真正体现出来；反之，塑造一个抒情柔和的音乐形象，在演奏时则应让呼吸深而缓慢地随律动平稳进行，在一种平心静气的气息中，悠然刻画出婉约如水的音响色彩。使人完全沉醉在音乐的意境之中。

二、正确合理地把呼吸运用到演奏中

(一)充分理解乐曲内涵，合理划分乐句

演奏一首新的乐曲之前，不要急于上手弹奏，首先要认真分析整首曲子，了解乐曲包括作曲家的背景及内涵，像读文章一样，有抑扬顿挫。弄清楚乐曲中的旋律乐句，找到“气口”，合理划分乐句。最有效的方法是“歌唱旋律”，把旋律哼唱出来，这样，很自然的我们就会在“该停顿的地方”停顿下来。不过，还有一些钢琴作品，不是“方整性”的结构，如被休止符隔开的音、连续的跳音、顿音、以及远距离的音等，这就需要更深层次的研究，注意它们之间的运动趋势及在表情达意上的连贯性，细心体会，再加上反复的聆听感悟。正确的理解了乐曲，也就会合理的划分出乐句。

（二）呼吸要与音乐情感变化同步

呼吸在钢琴演奏中，要随着一首乐曲的情绪变化、感情发展而相应做出不同改变。在演奏钢琴作品时，随着音乐作品旋律的高低、力度的强弱、速度的急缓、节奏的疏密、情感的变化所表现出的紧张与松弛，我们自然而然地会为这些变化而吸气、呼气、闭气。

在演奏中，如果是“一个完全沉思性质的音乐片段，应该是在毫无神经激动的安静沉着的方式中被呼吸出来。如果我们顺着表情的顺序进行弹奏，从沉思般的安静到戏剧性的紧张高峰，我们的呼吸也一定随着感情的变化而逐渐加快。每一个音乐片段都有它一定的音乐表现内容，如果一个应该安静的音乐片段，却以一连串的短呼吸来表示，那将是矛盾的，因为短呼吸说明激动，同样，用缓慢的呼吸来形容戏剧性的紧张，也是不近人情的”。①因此，在演奏每部作品时，我们要根据作品的风格特点划分出乐句、乐段、乐节等,通过我们的呼吸 找出它的韵味,这样的演奏才能反映出作品更深层的意蕴。运用呼吸和下键动作的配合，演奏出作品内容所需要的声音，正确反映出作曲家个人的风格和时代风格。

（三）呼吸在配合钢琴演奏技巧中的运用

钢琴大师贝尔曼说，弹琴的人要有三个肺，也就是要有三个部位来呼吸，即嘴巴呼吸、双臂呼吸和手腕呼吸。嘴巴呼吸不单是一种生理意义上的呼吸，在很多时候，它可以帮助我们在演奏中从心理意识上做好呼吸的预备，给意识以“暗示”双臂呼吸；特别适合于那些篇幅较长、气息要求延绵的乐段，手臂的放松和调节给予音乐连贯性和流畅感；而手腕的呼吸是运用最普遍、也出现得最多的呼吸手段，如连线的划分，通过手腕力量的“上抬”和“下沉”也可以实现乐句起伏中形成的“气息”。

在钢琴演奏中许多技巧也需要有呼吸的配合来完成，比如在演奏强力度的和弦时，如果只靠手和臂的力量，往往达不到作品所需要的音响、力度效果。这时我们就要用气息的支持，气沉丹田，我们常常提到的“腰部力量”就是气息在支持，这股力量由背、肩、臂一直贯通到手指，加上了气息的力量就会感到手臂力量大大增加，演奏出的和弦也就有力而扎实。扩展到整个乐段的和弦，更需要有气息的力量加入，身体状态才会积极起来，从而达到演奏效果。例如李斯特《匈牙利狂想曲第十一首》的尾声部分，音乐雄壮有力，情绪高涨积极，节奏欢快迅速，呼吸在这段音乐演奏的运用要积极，但不能提气，还是要气息扎稳，才会有力量的支持。

还有一点应该注意，在演奏中要尊重作曲家的创作意图，理解乐曲的上的所有标记，注意正确运用呼吸来表现强弱层次的变化、表情术语的渲染等，从而得到丰富的声音色彩，增强乐曲的艺术感染力。另外，起拍时的呼吸，就相当于指挥中的“预示拍”，包含了乐曲的速度、情绪、力度等。在演奏起拍时的呼吸节奏要与所演奏的作品速度、情绪、力度保持一致，如果乐曲是以抒情慢板开始的，触键前的呼吸则要深而缓慢；如果是一个急促的快板，在下键前的一刹那要急吸一口气。起拍的呼吸，要根据全曲的风格而定。掌握科学的呼吸理论，并运用到自己的演奏中，有助于表达出音乐的真谛。

三、呼吸使钢琴演奏更完美

钢琴演奏是一门表演艺术，演奏的初衷是为了感染每位观众和听众，使他们与演奏者或演奏的作品产生共鸣，通常是情感的共鸣。让欣赏者体会到音乐中触及灵魂的境界。这就要求演奏者在表演中要饱含深情，感情真挚充沛。而所有情感的表达都需要有“呼吸”才能准确体现。

钢琴演奏中的呼吸富有弹性、韵律和节奏。欣赏者往往是通过旋律来感受音乐，演奏旋律时有了呼吸才能有意味，才能去打动听众，在钢琴演奏中，每一个音符的演奏我们都会触及到作者敏锐的内心世界，如果我们在演奏作品时都能调整呼吸、运用呼吸，细致体会作曲家的情感表达并细致表现每一个细节，我们才能准确地表现出作曲家的写作意图，听众才能准确地感受到作曲家与演奏者的内心情感的呼应。“呼吸”在钢琴演奏中的合理运用使演奏者与观者在心灵上融合在一起。每首音乐作品都反映了作曲家的心声和情感，作品的强、弱所表达的都是作者内心涌动的情感变化，钢琴演奏者通过演奏来传递作品的内涵和音乐的魅力、表现作品的的情感起伏，演奏过程中，我们的身体动作会随着呼与吸的动作而起伏，观众和听众就会随着我们的呼吸感受到音乐情绪的细微变化，并能够理解作曲家和演奏者的思想感情。我们在演奏中将优美的乐音享受传递给观众和听众时，让“呼吸”贯穿了整个演奏过程的始末，运用呼吸控制身体各部位的协调，更为完美地呈现作品所要表达的内涵，使作品由内而外地放射出生命力。同时使观众和听众感受到钢琴演奏带来的无穷魅力。

总结

呼吸对钢琴演奏的影响是不可忽视的。它与表演的身体动作紧密结合，有助于更好的表达乐曲的情感，使演奏显得丰满而更具张力。没有完美的呼吸，就不可能有高超的钢琴演奏表现力。呼吸在钢琴演奏中应当作为一项素质训练被重视起来，能够合理正确的把呼吸运用到钢琴演奏中，是一名钢琴演奏者应具备的基本素质。掌握好呼吸的 方法，需要我们在平时的演奏中认真体会，深入研究和探索。

注①;《从艺术方面谈谈学习弹奏钢琴》(英)哈受尔砖·鲍尔著。《音乐译文》1980年第五期。

参 考 文 献

{1} 赵晓生.走进音乐{M}.上海：上海音乐出版社，2000.{2} 沈致隆，齐东海.音乐文化与音乐人生{M}.北京：北京大学出版社，2007.{3} {苏}A·阿列克赛耶夫.钢琴演奏教学法{M}.谌国璋，程白珊,译.上海：上海音乐出版社，1989.{4} [俄]根纳季·齐平.演奏者与技术{M}.董茉莉，焦东健，译.北京:中央音乐学院出版社, 2005.{5} [美]弗兰克·道斯.德彪西的钢琴音乐{M}.克纹，译.北京:人民音乐出版社, 1985.In brief analysis piano performance's“ breath”

Abstract: As the source of life's breath, at a piano recital, play an important role and significance.Piano Professor Zhao Xiaosheng famous educator said: “......no breathing, there is no phrase, no structure, there would be no life.....”。Reasonable right of respiratory muscles and psychological help to relax, to improve and play musical skills and have an extremely important role.The music has to breathe, it is there is life;if playing a musical attention respiratory problem, it is the first song on the lack of rhythm of the music and singing, thereby also lost their artistic appeal.Keywords: Piano Recital;breathing;musical expression

第五篇：浅谈钢琴演奏中的“放松”

【论文】

浅谈钢琴演奏中的“放松”

浅谈钢琴演奏中的“放松”

【摘要】在钢琴演奏中，放松不仅是最基本而且也是最重要的要求。只有学会了放松，才会掌握正确弹奏方法和钢琴的各种技巧，才能奏出优美，具有穿透力的声音。

【关键词】：放松

技术

动作

心理

在钢琴教学中，有的学生身体僵硬，头颈一点也不动，身体重心不作丝毫的移动，只是手指在机械地弹奏，弹出苍白无味、毫无光泽的声音；有的学生动作僵硬，手肘上下抖动，手肘紧靠身体，手指几乎没有上下动作等等，这都表明学生演奏是紧张的，不放松的。那么怎样才能做到放松呢？笔者认为要从两方面入手。

一、技能技巧方面。

1、首先要掌握正确地弹奏基本姿势

开始学琴起，就要让学生清楚地知道，坐姿规范的标准及要求。如果坐得太近，就会限制住手臂的活动，影响手臂的舒展。坐得太远，不利于手指的控制以及力量的集中。同样，坐得太高或太低都会影响弹奏的效果。正确的坐姿是双脚着地，放在踏板的前面，如果学生的年龄小，脚接触不到地面，就要放一个小凳在脚的下面。坐的位置应该是琴凳的前三分之二或者二分之一处，腰要挺直，身体与琴的距离应该保持前臂与键盘基本平行的位置。总之，要想反应灵敏，动作敏捷，就要保持良好的坐姿，这样才能为演奏时的放松做好充分的准备。

2、还要正确地掌握手臂（包括肩、肘、腕、手指）的放松。

肩膀也就是肩关节，它的状态应该很自如，很随意，略微有一点自动下沉的感觉。在弹奏之前，先活动一下肩关节，再转动一下头颈，感到肩膀放松自如，很舒服。在弹奏的过程当中，时刻想着肩部要松弛，也可以用呼气的方法来感觉肩部的放松。

肘关节，是上臂与前臂相连接的部位，在实际的弹奏当中肘关节抬起的动作是非常自然的，只要稍加控制，毫不费力就能做到放松。

前臂本身是不能动的，它主要由肘关节控制，并由腕关节带动，前臂不应该妨碍腕部的活动，反而应该提供最佳的状态，前臂经过腕关节的带动可以把力量自然的作用到手指尖上。

腕关节，是手与前臂相连接的部位，它直接控制着手，力量作用于手指。手腕的状态和作用，与肩肘关节是不同的，腕关节的一些动作、技能、技巧需要一些特殊的训练才能掌握，有很多练习曲和基础练习就是为腕关节准备的。

掌关节是手指与手掌的连接部分，它控制并掌握着手指的动作。由于它掌握着手指动作，只要手指状态是自然的，手腕是柔软的，掌关节就不会僵住。

3、弹奏中，避免一些多余的、没有意义的动作，有利于放松。

很多学生在弹奏时，总是喜欢把不用的手指高高地翘起或紧紧地夹住，这就造成了手部的紧张。那么在弹奏中，暂时不用的手指应保持放松自然的状态，轻轻地放在琴键上，虎口应保持半圆的状态。在弹音阶和琶音时，手腕不能上下左右一起动，要根据音的走向带动手 指转移。触键时手指不能塌指，手指落键以后马上让这个手指放松，不要再作多余的动作，这样就不会使手指因为紧张而出现更多的问题。

4、手指触键后应立即放松，使声音富有弹性。

钢琴的声音是一触即发的，当琴槌击弦的一霎那，声音就会发出，因此手指触键要很快地抓住一霎那这一“点”，我们叫它“发音点”。声音一旦发出，手指就要立即放松，不要再用力挤压琴键，使声音发硬、发闷，很难听。所以，手指要很快地触键，然后马上恢复自然放松状态，避免造成肌肉紧张。

二、心理方面：

一般的学生在自己家里或者是熟悉的地方，弹奏得都比较不错，但是在回课的时候，却差的很多，这些都是由于学生的心理素质不好，对环境的不适应而造成的，做为教师，要善于帮助学生克服紧张情绪，先要培养学生的兴趣，增强自信心，用精彩的示范和生动的语言来感染学生。在教学过程中，多鼓励少批评，其次要多让学生在众人面前演奏，这样可以使学生们互相学习，取长补短，并能够锻炼胆量。多举办一些观摩会，给学生们创造一种表演气氛。

总之，放松是钢琴演奏的基础，没有放松，就谈不上优美的音色，没有放松，就会导致钢琴的学习走上崎路，我们要学会放松，不断审视放松在钢琴学习和演奏中的重要性。

【参考文献】：

1、韩林申、李晓平、徐 斐、周荷君，《钢琴基础教程》，上海音乐出版社，2001年8月。

2、周广仁，《钢琴演奏基础训练》，高等教育出版社，1998年8月