第一篇:摄影技术基础论文
摄 影 技 术 基 础 毕 业 论 文
浅谈摄影在当代大学生素质教育中的作用及意义
作用
摄影是一种通过图片的形式向人们传达思想的艺术形式,通过画面的表达,人们可以感受到其深刻的内涵和思想,更容易产生共鸣。同时,对于摄影的学习并不是简单掌握拍照的技术,而是科学与艺术相结合,是一种包括应用科学、想象与设计、专业技巧和组织能力的综合过程,摄影人员可以通过对摄影课程的学习,了解
并掌握摄影器材等先进设备,接触到新的科学领域,拓展自己对于知识的范围,同时提高自己的艺术修养。
摄影艺术是培养学生高尚情操、健康心理素质、综合思维能力和高雅审美能力的有效途径,是素质教育创新发展的动力。所以说摄影是高等院校尤其是艺术院校进行素质教育的一个有效途径,是一种崭新的艺术形式,是了解、认识、反映社会现实的形象化手段,也是陶冶情操,裨益心灵,蕴含审美理想,具有审美价值的艺术形式,是与科学技术连结在一起的文化艺术。它既是一门综合技术,更是一门高深的艺术,它在光学、化学、美学的基础上,借助当今的科学技术正以惊人的发展速度征服着世界。摄影艺术的本质特征就是以艺术美的形式来反映自然美和社会美的中介。它是靠光线、影调、线条和色调等构成自己的造型语言,具有较强地空间感、立体感、质感、运动感、节奏感;在现实生活和学习中,具有新鲜、开放、多样、自由、生动、快捷的多种特点。摄影加紧了科学与艺术联合的步伐,让艺术科学化——求真,使科学艺术化——求美。摄影艺术几乎涵括了传统美学的摄影、纪实摄影、抓拍摄影、场景摄影、观念摄影、数字化后制作的摄影、设计功能的摄影,情节剧场化的摄影,相当程度地体现了时代艺术的特点,反映了时代艺术的现实环境面貌。从摄影艺术的内涵来看它涉及到很多学科,从自然科学到社会科学,它具有科学的基因(真实性,准确性,系统性等科学的根本特性),使摄影艺术具有人类科学时代的基本特征。从摄影技术的外延来看,摄影技术、光电数码摄影技术、显微摄影技术、天文摄影技术等等,极大地拓展了人们认识世界的视野,并且将宏观世界和微观世界变为可传播的物质形态,这是时代发展的一个显著特征。摄影艺术能够以它独具特色的表现内容和缜密独到的构思,牢牢地把握住时代的主题,跟上时代的节奏,反映时代的希望,闪耀出时代和谐的光芒,能以对生活的深刻感受和准确捕捉,使摄影作品传递出比单一的表现形式更为丰富的信息,产生出更为强烈的艺术感染力。摄影艺术是时代精神的注入,是社会意义的体现。
现阶段很多高校对于摄影专业的设立十分重视,将它作为一种素质教育的方式和内容, 既可以培养现代大学生的科技活动能力,还是一项美学的引导和教育,有利于丰富高校素质教育的内容,促进校园文化的建设,并且有利于大学生身心的健康发展。从培养全民族文化素质、提高创造力的基本素质教育的层面上来看,摄影教育具有其他媒介所无法替代的独特作用。在大学中进行系统的摄影基础理论教育,对于提高大学生的艺术修养、动手能力、技术水平,进而培养高尚的健康的心理素质、综合的思维能力和高雅的审美能力有着非常重要的作用,对大学生身心健康的培育和综合素质的提高极为有益。
意义
一、有利于提高大学生的学习兴趣和学习热情
兴趣健康高雅、广泛深厚、稳定专
一、积极有效,往往是衡量一个人兴趣品质的标志,一个人的兴趣品质又往往影响着这个人的心理智能能否得到充分而全面的发展。比照绘画、音乐等其它艺术形式,摄影具有的易学、易会、易见效果的特色,充分体现“寓教于乐”、“寓教于学”的精神。摄影教学本身就具有愉悦教学的功能,它可以使学习变成精神享受,能够激发学生的学习兴趣,体验学习的快乐,学生在赏心悦目的视觉愉悦中,能够比较容易地掌握所学的知识,从而消除一般教学的枯燥性与乏味性。同时,教师可以用图形、图像媒体和多媒体为手段进行教育,使教育内容可见度大为提高,教育内容更加直观、生动,教育的信息量大大增加,增强学生观察问题、理解问题和分析问题的能力,显著地提高教育效率,收到良好的教育效果。
二、培养、开发大学生的艺术素质
艺术本身是人们借助一定的物质材料和工具,借助一定的审美能力和技巧,在精神与物质材料,心灵与审美对象间相互作用、相互结合的前提下,充满激情与活力的创造性劳动。
在人类的社会生活里,存在着自然美、社会美这两种客观世界的第一性的现实美,也存在着艺术美这种通过人类创造的第二性的反映美。而审美意识和创作活动,就是以艺术美的形式来反映自然美和社会美的中介,是一种人的自由创造的审美意识的物化形态,是人通过情感和艺术技巧规律的屏障,窥透自然之一隅,摄影艺术就是这样的瞬间艺术。而这种瞬间艺术所包含物质世界较多的信息,是其他艺术手段所难以取代的。以有限瞬间的时空艺术来反映自然与生活中广阔的意境,是一个当代大学生所应有的基本艺术素质。大学理科类学生一般注重推理和计算,受艺术的熏陶相对较少,而通过对摄影课程的学习和实践,可以显著提高审美观和艺术修养。就是文科类学生,他们刚从中学阶段毕业,多数人对艺术也知之甚少,往往是热爱某门艺术而尚未能人门创作。所以,绝大多数的大学生都有着提高自身的艺术鉴赏能力和创作能力的迫切要求,这是开展艺术教育的有利条件。与音乐、美术作品不同,摄影作品的视觉感受更为真实,而摄影创作又无需花费太多的时间,相比之下,进行摄影艺术创作无须像音乐、美术创作等一开始就要求较厚实的功底作基础。甚至看似普通的一幅摄影作品,只经过了内行简单的几下剪裁,画面删去了杂乱的景物,突出了主体,作品视觉效果大为改观,结果可能成为人人称道的佳作。所以,全国大学生热衷于参加摄影创作的人数远多于参加音乐、美术创作的人数。易于开展群众性创作活动正是高校摄影教育的特点和优势,因而,摄影就成为高等学校中极为重要的艺术教育阵地。
三、有利于培养大学生的艺术鉴赏能力和审美情趣。
摄影作为一门独立的艺术,它的艺术表现对象是人、自然与社会,每一幅成功的摄影作品都表现了作者的情感、思想、性格等,表达了作者对美的鉴赏能力和审美情趣。通过各种传统和现代的摄影教学手段,以美的作品、美的形象、美的情感为特点,从情感上打动学生,感之以形,动之以情,再晓之以理,实现对美的事物从感知到理解再到欣赏的过程,从而提高学生艺术鉴赏能力和审美情趣。
通过审美鉴赏活动,细心领会、反复揣摩各种文化艺术的特有语言和表现手法,有益于博采众家之长,丰富想象力,激发艺术灵感,拓展创作时的表现力,对摄影实践起到潜移默化的作用。作为生活经历不足的学生,以摄影为媒介,深入生活、体验生活、观察生活更显示出其重要性和必要性。摄影活动则可以成为贴近学生生活、固化生活瞬间的媒体;可以提高探求课外知识,热爱生活的兴趣;加深对文学和民族民俗文化的了解。学生在学习摄影艺术后,有效地提高艺术素养,使创作活动站在一个高起点上,在实践中逐渐形成自身特有的形象思维方式,审美感受力和独特的艺术表现方式。经过长期反复实践和重新认识,可以使学习摄影者得到丰富的知识、灵敏的思维、高尚的道德情感和顽强的意志品质,最终
奉献给社会构思独特,思想内涵深刻,艺术价值不凡,意境深远的艺术精品。在这种感知——创作——再感知的螺旋上升中,也使得摄影者产生更加完善的世界观。
四、摄影培养、提高大学生动手能力和创作能力
和发达国家相比,我国大学生的普遍存在动手操作能力、创造力、学习能力较差的现象。社会各界认为造成这一结果的主要原因在于我国的传统教育只重知识传授,忽视能力培养,究其原因有师资问题,更有设备问题。目前,我国高校普遍存在办学经费不足、实验设备缺乏的现象,学生在上实验课时往往是仪器设备尚未熟悉,实验就要结束了。而摄影就为提高大学生动手能力和创新能力提供了一个极好的途径。
随着社会的进步,照相技术已经比较普及,曾经是贵族们才能享用的照相机也早已经飞入了寻常百姓家,许多大学生有意愿也有经济能力购买传统的廉价照相机。照相机这种设备在某种意义上就是一个“高级玩具”,它充满了知识性、趣味性、实验性和创造性,可以培养并充分展示人的创造性心理功能及动手操作的能力,随时随地都可以“玩”,经过不断的使用、操作,逐步能自如地实现创作的意图。大学生的每一次拍摄活动都是一个系统的工程,根据创作主题的要求,首先要选定拍摄主体,观察并选择适当的光线,确定光圈、快门的数值,并在取景对焦等步骤进行之后完成拍摄,有的甚至还要经过暗房操作进行冲洗胶卷和放大照片,这样才能完整的进行一次拍摄活动。毫不夸张地说,对于一个大学生,特别是文科生来说,如果能够熟练使用自己的普通照相机拍出一批有一定艺术水平的照片,还能研究和动手排除一些小故障,使设备使用得心应手,这就说明了其科技知识应用能力、动手能力和艺术修养都已经达到了一定的水平。因此要鼓励学生积极参与技术交流,可通过参赛、投稿、办展等形式检验学生实践水平,也可通过方便的网络系统展示作品、开辟论坛,赢得广泛评论,增强创作信心。总之要以开放思维实施教学。引导有兴趣的学生拍摄组图、系列报道、命题创作等,锻炼学生对主题及摄影全过程的把握能力,达到思想性、艺术性、现实性、审美性的完美结合。
从另一个角度来看,摄影的实践活动具有灵活多样的特征,没有固定的目标,没有不可变的模式,强调学生个体的独创性,是一种生动的、鲜活的、极具有形
象性的教育形式,对于培养和拓展学生智力、创造力方面具有特殊的优势。学生在创造新的作品时,可以体会到实践的价值和他们自身存在的价值。他们可以在这些创作活动中激发自己的艺术创作灵感,可以感受到自己创造的潜能,可以体会到创造的乐趣。
五、培养大学生心理素质
高兴是一种欢喜和愉快的感情,高兴起来拍照,按一下快门,尽管还没有看到所拍的照片,但他相信自己眼睛看到的就是手拍到的,于是心灵得到满足,高兴的情感便实现了。情感心理学认为,人从儿童到青年,情感的发展是有阶段性的,并且在每个阶段情感的表现和发展有各自特点,在不同阶段,摄影活动对情感的发展所起的作用也是互不相同、各有特点的。
人的审美情趣有高低雅俗之分不同的人对美的感受欣赏表现是有差别的!这种差异与年龄学识气质教育等因素有关识别美与丑善与恶崇高与卑下都需要教育和引导“摄影作为一门独立的艺术的艺术表现对象是自然与社会每一幅成功的摄影作品都表现了作者的情感思想性格等表达了作者对美的鉴赏能力和审美情趣通过各种传统和现代的摄影教学手段以美的作品美的形象美的情感为特点从情感上打动学生感之以形动之以情再晓之以理!实对美的事物从感知到理解再到欣赏的过程从而提高学生艺术鉴赏能力和审美情趣”一个探索更亲密关系的新的情感依恋的阶段,拍摄者感情表露大胆而 艺术的审美心理结构一旦经过物态转化为作品,作为一定历史阶段的社会存在,就表现出受历史影响的审美个性,并被一定时代的观赏者所接受,就具有了某种表现性和可接受性。而一幅摄影作品的完成,既是摄影者创作的终点,又是观赏者欣赏的起点。所以说摄影作品是摄影者溶审美心理和生活经验于一体的劳动创作成果,其中包涵着摄影者、制作者鲜明的审美个性、内涵与思想,进而溶入观赏者对生活新的感情。摄影作为一门独立的艺术,它的艺术表现对象是人、自然与社会,每一幅成功的摄影作品都表现了作者的情感、思想、性格等,表达了作者对美的鉴赏能力和审美情趣。通过各种传统和现代的摄影教学手段,以美的作品、美的形象、美的情感为特点,从情感上打动学生,感之以形,动之以情,再晓之以理,实现对美的事物从感知到理解再到欣赏的过程,从而提高学生艺术鉴赏能力和审美情趣。
摄影能让学生主动地在现实生活中寻找美,留意在生活中遇到的事物,关注现
实世界并发掘它具有的价值,尤其是审美的价值。在我们现实生活中有许多可以提炼的,可以感动人的美好的事物。虽然我们所处的现实并不是完美的,但它是实在的、活生生的,在各种矛盾中、在现实的冲突与撞击中,才更会显示出生命的活力与真实朴素的美。在摄影教学中,我们可以从学生们的实际情况出发,而学生时代的生活最重要的主题就是校园文化生活。我们就可以指导学生从校园生活中挖掘素材,发现现实生活的美。所以我们在教学中多举办一些摄影的观摹展示,或是拍摄活动,如以“校园一日”为主题,让学生通过摄影从多方面多角度来体现自己的生活学习、文体活动。让他们自己去观察体验自己的生活,发掘有价值的事物。
总之,摄影是传播先进文化的载体,摄影教育是大学生素质教育的重要内容之一,它有助于提升学生的审美能力,提高学生自身的综合素质,在培养高素质人才方面发挥出独特的、不可替代的作用。将摄影艺术纳入到人才素质教育培养的轨道上来,就是要拓展和重视摄影艺术在传统的以音乐美术为主导的艺术教育中的功能及独特作用,进而更好地展现社会风貌,更好地弘扬时代风采。
第二篇:摄影技术论文
我的摄影技术课
计算机学院 信管092001班 丁彬彬
因为酷爱摄影,所以当初选课时一看到有《摄影技术》这门选修就毫不犹豫地选报了。虽说自己也照过不下几千张照片,但对摄影技术方面知识的了解也不是很多,经过这一学期的学习,我也对摄影的技术有了进一步的认识,明白了摄影并不仅是简单的拍摄,而是包含着更多的文化和意义。
这门课程讲过很多内容,像镜头、焦距、光圈、景物特点、摄影中光的应用、快门等等。这些零散的知识点上课时老师讲的都很清晰,当然也有做一些笔记。
摄影方面有两种观点,其中,技术至上论:摄影是一门对技术要求很高的艺术,一幅照片要有清晰的影像、准确的曝光、良好的色彩还原。掌握这种技能与否是衡量一个人是不是有摄影师素质的基本要求。但是技术至上论也有不科学的一面,它过分地强调了技术对摄影创作的意义,忽视了创造性。一幅艺术作品不能仅仅停留在准确的曝光、良好的冲洗、清晰的影像这三个方面,它应该是摄影者对于生活的一种灵魂的呐喊,应该充分地表现摄影者的人生观、世界观。意识至上论:摄影作为一门艺术,在艺术创造上应该有较高的意识,有较高的美学、哲学和自然科学、人文科学等方面的知识,有强烈的创作欲望,力求创新,突破视觉 规律,创作出有摄影者特定的风格的作品。如果不能,那么摄影者往往会变得很匠气,只知道模仿复制,那就无法将摄影提
1高到艺术的层面上。但是艺术至上论也有其不可忽视的缺点,它太强调自我意识,往往会忽视摄影中的科学规律,忽视基本功的训练,往往造成摄影者眼高手低,不能够充分地表达自己的创作目的。
综合以上两种观点的优缺点,初学者在学习摄影时,首先应该掌握摄影的基本技术,只有全面掌握了这些技术,才能在日后的学习创作中有良好的表现。当然,初学者对意识的培养也是不可缺少的,在学习基本技术的同时,还应加深自身的艺术修养,在提高技术水平的同时也相应提高意识水平。
标准镜头:焦距长度和所摄画幅的对角线长度大致相等的摄影镜头。其视角一般为45°~50°。标准镜头通常是指焦距在40至55毫米之间的摄影镜头,标准镜头所表现的景物的透视与目视比较接近。它是所有镜头中最基本的一种摄影镜头。
标准镜头是大多数35毫米单镜头反光式照相机配备的镜头。因用它拍的照片显得自然,与别的镜头相比,你可能更愿意用它。之所以叫标准镜头,是因为它的透视效果自然,而且其景角与人眼视觉中心相似。大多数35毫米照相机标准镜头的焦距,在45-55毫米之间。照相机镜头的焦距,是镜头聚焦在无限远时,从照相机胶片平面至镜头光学中心的距离。35毫米照相机上的标准镜头,通常有像f/2.8、f/2或者f/1.2这样的最大光圈。配合当今的高感光度胶片,最大光圈大约为f/1.8的标准镜头,通常就够用了。买最大光圈为f/1.4或者f/1.2的镜头,要多花很多钱。
最大光圈大的镜头,允许你在暗弱光下手持照相机拍摄。使用大光圈,例如f/1.8,还有利于你用高速快门凝固动体。不过,这样的最大光圈,景深(最远清晰点到最近清晰点之间的距离)相当小,要仔细对焦。否则,除了远处的被摄体,其他一切都会显得模糊。
标准镜头给人以记实性的视觉效果画面,所以在实际的拍摄中,它的使用频率是较高的。但是,从另一方面看,由于标准镜头的画面效果与人眼视觉效果十分相似,故用标准镜头拍摄的画面效果又是十分普通的,甚至可以说是十分“平淡”的,它很难获得广角镜头或远摄镜头那种渲染画面的戏剧性效果。因此,要用标准镜头拍出生动的画面来又是相当不容易的,即使是资深的摄影师也认为用好用活标准镜头并不容易。但是,标准镜头所表现的视觉效果有一种自然的亲近感,用标准镜头拍摄时与被摄物的距离也较适中,所以在诸如普通风景、普通人像、抓拍等摄影场合使用较多,最常见的纪念照,更是多用标准镜头来拍摄。另外,摄影者往往容易忽略的是,标准镜头还是一种成像质量上佳的镜头,它对于被摄体细节的表现非常的有效。
可变焦距镜头,即变焦镜头:变焦镜头是在一定范围内可以变换焦距、从而得到不同宽窄的视场角,不同大小的影象和不同景物范围的照相机镜头。变焦镜头在不改变拍摄距离的情况下,可以通过变动焦距来改变拍摄范围,因此非常有利于画面构图。由于一个变焦镜头可以兼担当起若干个定焦镜头的作用,外出旅
游时不仅减少了携带摄影器材的数量,也节省了更换镜头的时间。
摄影用光技巧:摄影的灵魂就是用光,就像一个摇滚乐队,灵魂是重低音贝司。光影的魅力就是无穷无尽的,正如一位大师所说,用光就是把物体雕塑出来。光影就是一个百宝箱,如果运用得当,会给图片带来全新面貌。如果影棚里有8-9个主光位,这就不太合理了,因此模仿“太阳”的灯光为止,做到光位尽量统一,广远主次分明为最佳的方法。有时不惜用5-6只灯去组织出一个主光源,在影棚中制造一个人工太阳。主光源最好是在家具正上方,并加柔光屏使光柔和漫射,大面积柔光可扫一大片。另用几只硬光(高瓦秒数的影视闪光灯),根据需要选择不同孔径的蜂巢罩在灯的标准套上,远远打过去,在家具主体上就会出现几个很亮的局部光区,这样就立刻打开了家具的明暗调性,让人看了感觉很优雅。光性有多种,或柔和或强烈,或梦幻或鲜活,或清澈或朦胧,或火热和荒凉或突然或细腻,或阴暗或早春,或笔直或倾斜,或感性或受控,或平和或苍白。如果拍摄卧房家具,想让气氛显得柔和,就可以用柔和的灯光,梦幻般的灯光来去的这种效果,而不要借助低对比度的滤光器。鲜活的光是指反差较鲜明,充满生机的光,而死气沉沉的光责是缺乏层次感,没有影子的。清澈的光要有反差度,又不能太过。
光圈:拍摄人像,采用大光圈,以求得浅景深。在主体比例不是很大的情况下会比较突显出来。使用大光圈还有一个好处,就是天气较阴暗的情况下,快门速度不至于慢于安全限度。
快门速度:何谓快门速度的安全限度?就是一个“临界值”,比这个限度更快的速度,可以免去因为手的晃动,及被摄者的移动而造成画面模糊,但是快门安全限度因人而异。首先,看被摄者是否移动以及移动的程度,移动中的被摄者通常要冻结画面,1/250可能比较保险,若是被摄者固定不动,相机架上脚架,大概1/8秒甚至1/4秒也可以冻结住。再来,我们考虑拍摄者本身手的稳定度,每个人的手稳定度都不同,大概1/60秒而画面不模糊,是大家都可以达到的。例如笔者手的稳定度不很好,大概1/30以下就不行,得借助脚架了,各位同行不妨试试看自己的手持的安全限度有多少?总结来说,拍摄固定不动的model,手持在1/60秒应该没问题,在拍摄移动中的model那就用1/250秒以上吧!
以上都是我这学期学到的一些知识,当然还有很多小问题不是很明白,不过,在以后的道路上还要继续学习和实践。最后,我要感谢老师的辛勤教导让我学到了很多以前不懂的知识。希望以后有机会能了解和学到更多有关摄影方面的知识来丰富自己的生活和学习。
第三篇:摄影基础教案
摄影基础教案:第八课 基本拍摄技术
教学目的与要求:
要求学生了解掌握取景的一般技巧、取景的要点,熟悉取景基本要求。
重点:
取景的一般技巧 难点:
取景的基本要求 教具:
照相机、多媒体教室 教学程序:
在拍摄照片的时候,拍摄什么样的景物,从哪个方向拍,应该拍多大,都是取景和构图所要解决的问题。虽然后期放大照片时可以对照片进行剪裁,但是比较费力而且会影响到画面的整体效果。所以在前期拍摄的时候,就要事先考虑到如何取景和构图,因为这是关系到照片最终质量的一个重要环节。
所谓取景,就是怎样把镜头前面的各种不同的景物,有选择地、合理地安排在一张有限的画面上,艺术地表现出来。如果不进行选择和筛选的话,很难拍到满意的作品。
一、取景的一般技巧
1、照片的画幅比例
一般照相机的取景框都是长方形的,这也就决定了大部分常规的照片都是长方形的。一般拍摄的方法是平端照相机进行拍摄,有时候也可以把照相机竖起来拍摄。选择使用横画幅或竖画幅可遵循以下规律:在强调画面的左右延伸感,来表现画面的宽广的时候,适应使用横画幅;而被摄体较高或是有上下延伸的趋势的时候,适应使用竖画幅,如图所示。
横构图
竖构图
2、兴趣中心的安排
兴趣中心,指一张照片中最吸引观众视线,给人印象最深刻的地方。在一副画面中,一般都有一个兴趣中心,也就是一个主体,而其他的物体都是起陪衬和烘托的作用。主体的安排也有一定的技巧。一般来说,主体可以在画面中占有很大的面积,比如占1/2或者更多,以所占的比例来吸引视线,如图
所示。
将兴趣中心放在中央
有时候也可使主体占据比较小的面积,但通过位置的改变或者与背景产生很大的差异,来起到突出主体的作用。这时候主体就不一定放置在画面的中央了,也可以放置在画面的一侧,如下图所示。
兴趣中心放在右侧
3、视觉的多样性
人的眼睛是一个结构复杂的器官,它可以观察所看到的景物,而且同时对于有差异的物体会非常敏感。所以在取景的时候可以利用这一点,在重复的影像中插入不同类的物体,以异常打破正常,以突然打破平静,以非常规打破常规,这样也可以达到引起人注意的效果,如下图所示。
打破常规的构图
二、取景的三个要点
在拍摄同一个景物的时候,因为拍摄角度的不同,会导致拍摄出的照片效果大不相同。拍摄点大致可以分为三类:不同的拍摄距离、不同的拍摄方向和不同的拍摄高度。总的来说,这三个要点也就表明了取景的含义。在实际拍摄中,对于这三点的具体把握和结合也就构成了取景的意义。
1、不同的拍摄距离
拍摄距离,是指拍摄点与被摄对象之间距离远近变化的关系。拍摄距离的选择,体现在照片画面上就是景别的变化。通过距离的远近变化,来确定景物形象的大小以及所包含的空间范围。通常所说的景别包括远景、全景、中景、近景、特写。在摄影创作中具体选择哪一种景别,是由摄影者根据被摄对象的性质所产生的艺术构思和立意来决定的,其目的在于更鲜明地表达主题内容,更生动地表现对象特征,更完美地创造新颖的构图形式。
在实际拍摄中,不同的拍摄距离会带来不同拍摄效果,一旦拍摄距离发生变化,那么画面的景别也就会相应变化,而不同景别的变化又具有不同的表现力。
使用同一焦距镜头的照相机,由于拍摄距离的变化,产生了远景、全景、中景、近景、特写等不同的景别。现分述如下:
1)远景
是距离被摄对象远处拍摄,它包括的景物范围很广。可以显示出被摄场景相当广阔的环境和背景,远景主要以大自然为表现对象。
远景构图
古代画论说“远取其势”。远景总是以自然的气势取胜,表现地形特征,地理位置,山川形势及气候变化所产生的环境氛围等等。因此,结构远景画面,要从大处着眼,注意整体气势,处理好大自然本身的线条,如山岳的起伏、河流的走向、田野的图案、沙漠、海洋所特有的色调和线条等,并且要善于运用各种流动的因素,比如大气的状况,云彩的变幻,风雨阴晴,它们都是远景画面中动人的因素。
远景的特点是有利于向观众表现出被摄场景完整的印象,重点体现出被摄场景的气氛和气势。在实际拍摄中,远景常常用来风光类型的题材。这类照片一般都气势恢宏,整体的感觉很好。但远景也有不足的地方,就是虽然在表现大的场景上很到位,但是场景过大,而对于场景中局部的表现不足,难以鲜明地表现出局部的细节。在器材的选择上,短焦距镜头视角大,常用来拍摄远景。
2)全景
全景能表现出画面中景物的整体范围和空间特征,以表现某一个被摄对象的全貌和它所处的环境为目的。全景用来交待事件发生的环境及主体物与周围环境的关系。见图。
全景构图
全景范围的大小总是与主体对象有关,是与主体对象的大小相对而确定的。比如人和其所处的室内的全景,自然要比人民大会堂的全景范围小得多,但它对主体事物来说都是以全景来称呼。结构全景画面,主要考虑环境与主体物的某种关联,注意主体整体的固有特征的轮廓线条,主体与周围环境的呼应关系。以达到内容上的丰富和结构上的完整。
全景特别适合表现主要被摄对象的全貌和所处的环境特点。相对来说,全景比远景更能表现主题,在主体的塑造上也更加鲜明。全景照片的画面效果与人眼大致相同,也使得整个画面更加真实自然。全景虽然在主体的表现上相对远景有一定的加强,但毕竟也是一个大范围的取景方式,所以在某些被摄体的细节表现上仍然存在一定的不足。在器材选用上,使用标准镜头来拍摄。一般都可以达到全景画面的效果。
3)中景
取景范围相对于全景来说要更小,更侧重于对画面中主体的表现,而环境和整个被摄场景的气氛相对次要。目的在于表现某一事件或对象的富有表现力的情节性和动作性强的局部,表现事物矛盾的焦点,人与人之间的感情交流和联系等。如图所示。
中景构图
中景常常以动作情节取胜,环境降到次要地位,如果是静的物体,也总以该对象中最有趣味,最引人注意的部分,如人民大会堂的中景,可能是突出正门的一排有气势的廊柱。中景人物中,手势动作常常是画面中的主要部分。
中景适合表现人与人、人与物、物与物之间的关系。它能很好地表现出被摄体的质感和状态,而且在画面中主体的刻画上要比远景和全景细致和到位,所以中景无论在专业摄影还是在业余摄影中的运用都相当普遍。在器材选用上,一般都使用中等焦距的镜头来拍摄。
4)近景
近景主要用以突出人物的神情或者物体的细腻的质感。“近取其神”、“近取其质”都说明了近景表现的特点,如图所示。
近景构图
近景通常会对人物的神态或景物的主要面貌做出细腻的刻画,所表现的主体细节更丰富,更加的醒目,容易给观众留下深刻的印象。由于近景对于主体的刻画和描写占了主导地位,对于主体所处于的环境的表现就些力不从心了。使用中长焦距段的镜头可以比较容易地拍摄出近景的画面效果。5)特写
较近景更进一步,把对象的某一局部充满画面,从细微处来揭示对象的内部特征。较之近景,特写更重视揭示内在的动感,通过细微之处看本质。拍摄特写,成功的关键在于独具慧眼的观察力,能抓取一些值得特写的局部,以打开观众窥见事物内在的窗户。
比如人物的眼睛常常是特写的内容,因为人们常说眼睛是心灵的窗户,的确,通过人的眼睛,可以窥见人物的内心感情。
其次特写人的手,手是一个人行为和动作的焦点,能看出人的职业、年龄等特征。手还有丰富的“表情”,戏曲行话中说:“指能语”,日常生活中人们就常常运用各种手势来帮助表达感情。特写雪枝下的一朵小迎春花,春天的一株小草芽,夏日的一朵荷花,秋天的一片红叶,都能给人以生命的欢悦,比其他的景别更容易触动观众的心弦。所以,特写常常富有寓意性和抒情性,较为含蓄,能启发人们的想象力。
由于特写的注意力基本上全部集中在刻画主体物上,所以对于环境和场景的交代几乎是没有的。使用长焦距的镜头一般可以拍摄出特写的画面效果。
特写构图
景别的确定是摄影者创作构思的重要组成部分,景别运用是否恰当,决定于作者的主题思想是否明确,思路是否清晰,以及对景物各部分的表现力的理解是否深刻。比如,拍摄芭蕾舞演员的舞姿,若不远不近恰恰去掉舞蹈者的足尖;拍精心检验产品,而手却不在画面之内;需要强调神情又远得看不清面目;需要强调气氛的没有给予舒展的空间等等,都是思路不清的毛病。至于有些人事先不构思好景别的运用,往往先拍下来再说,需要中景、特写靠放大后再剪裁,这就是不了解拍摄距离对画面形象的质量和表现力的影响。要保证完美的画面质量,景别的确定要尽可能在拍摄时一次完成。
以上所介绍的景别,可以用同一焦距段的镜头在不同的距离拍摄出来,也可以在相同的拍摄距离上使用不同焦距段的镜头来拍摄。
2、不同的拍摄方向
拍摄方向是指拍摄点与被摄对象之间在同一平面上的对应关系。
以被摄对象为中心,在同一水平线上的三百六十度范围内,任何一个方位都可以作为拍摄点。不同的方位有各自不同的方向,不同的方向能获得不同的画面结构。
拍摄方位的变化,体现在照片画面上就是构图形式的变化。通过方位的选择来确定被摄对象在画面中的结构方式,使主体、陪体与背景三者有机地结合起来,使构图形式更富有表现力和感染力。
由于拍摄方位的变化,产生了正面构图、斜侧面构图、侧面构图、后侧面构图和背面构图等不同的构图形式。
1)正面构图
照相机的方位正对着被摄对象的正面拍摄,即产生正面构图效果。这种构图形式在国画中称为正局。
正面构图,能够清楚地展现出被摄对象正面的形象特征,让观众可以看到正面的全貌。在这种构图中,被摄人物占据画面的中心部位,面对着观众,似乎可以通过眼神、表情和姿态与观众产生交流和联系,具有吸引力和亲切感。被摄景物则可表现其对称的风格特征。假如用正面构图拍摄天安门,许多平行匀称的线条,构成一种平稳、凝重的感觉,以国徽为中心,左右两侧完全对称的建筑风格,在构图中更加强了均衡的效果,让人产生一种肃穆、庄严、稳定的视觉印象。在新闻摄影中,每当报道党代会或人大会议时,常采用正面构图来拍摄大会的正面场景,往往以俯摄角度表现主席台上的横幅会标和众多的与会者,突出体现会议的庄严隆重气氛。
在人像摄影中,对于那些五官端正、面部结构正常的人物形象,可以采用正面的方位拍摄。正面构图的形式能够塑造端正脸型的正面特征,通过眼睛的神情和面部的表情来揭示人物的内在性格特征。拍摄正面人物肖像,除了选择面部形象正常的被摄对象以外,还要注意处理好被摄对象的姿势和手势,使双手处于合理的位置。在拍摄时要准确地抓取人物面部的细微表情,这种神情往往是通过眼神来传递和流露的。
任何构图形式都有其长处,也有其不足。正面构图的缺陷和不足之处有三点:其一,容易给人一种呆板、缺乏生气的印象;其二,画面中的各种平行线条难以产生透视效果,不易表现空间深度;其三,画面是平均地展现正面的各部位,不易使主体突出。这种构图形式不适于表现活泼气氛和富有运动性的主题。如图所示。
2)斜侧面构图
照相机的方位处在被摄对象的正面至侧面之间的某点上拍摄,即产生斜侧面构图效果。
斜侧面构图,既能表达出人、景、物各种被摄对象正面的主要特征,又能展示侧面的基本特征,实际上是表现了被摄对象的“两个面”,使构图形式生动活泼,富有立体感。在这种构图中,各类线条均按一定的方向由近而远汇聚,具有明显的方向性,有利于加强空间纵深感和表现物体的立体感。运用斜侧方位拍摄,将画面中的主体、陪体、前景、背景等配置适当,可以产生强烈的透视感,增加景物的层次,使构图清新活泼,富有生气。在某些情况下,把主要的被摄对象置于线条透视的会合处,虽然主体占据了较小的面积,并处于画面的深处成为一个“点”,但是观众的视线却能够随着透视的变化而落到这个“点”上,这种最引人注目的点,通常称为视点。
在摄影创作实践中,由于广大摄影者充分认识到斜侧面构图能够加强立体感,富有层次和透视感,易于突出主体的特点,所以采用斜侧方位进行拍摄者居多。运用这种构图形式所创作的优秀摄影作品举不胜举。
在人像摄影中,采用斜侧面构图和侧逆光照明,可以使被摄对象的正面和侧面的“两个面”形成鲜明的明暗对比。使人物五官中的眉、眼、鼻、嘴各部位的线条产生透视变化,更加强了人物的立体形象,能较好地表现人物面部的皮质感。同时,斜侧面构图还能够使人物所处的环境特征得到适当的表达,用环境的空间深度、明暗对比、虚实变化来烘托主体对象,使人物形象更加鲜明突出。在拍摄人物肖像时,可能会遇到个别人物的两只眼睛或两只耳朵大小不一样,在这种情况下,可以采用斜侧方位来拍摄,把眼睛较小的一侧靠近照相机镜头,依赖镜头的近大远小的透视变化,使两眼大小不一的缺陷得到适当纠正;至于两耳大小不一,则可将一只有“缺陷”的耳朵“隐藏”在观众所看不到的背侧面,在画面上只出现一只耳朵,观众就会感到一切都是正常的。拍摄人像时,要尽量调动各种艺术手段来塑造和美化人物形象。
3)正侧面构图
照相机的方位与被摄对象成90度角拍摄,即产生侧面构图效果。这种构图形式在国画中称为偏局。
侧面构图,能够明确地表达出被摄对象的侧面形象特征,适于表现人物或景物的侧面轮廓效果,使整个画面结构具有明显的方向性。在拍摄某些运动中的被摄对象时,能够加强活跃、动荡的效果。例如在体育摄影中表现运动员跑步、跳跃和赛车赛马等运动项目,侧面构图可以产生强烈的动感,具有你追我赶的动势。
正侧拍摄
在人像摄影中,运用侧面构图可以塑造被摄对象的侧面轮廓形状。凡是侧面形象比较端正的人物,均可采用侧方位拍摄,表达其侧面的某些特征,表现侧面轮廓形象的健美或秀美。拍摄侧面人物肖像,除了那些五官端正、侧面轮廓线条富于变化的人物之外,尚有少部分面部形象不够端正,或脸面左右存在某些缺陷的人物,可以运用侧面构图来掩饰有缺陷的部分,美化人物形象。
侧面构图的缺陷和不足之处是:运用侧面方位拍摄某些建筑物或其他物体,由于只能表现侧面的特征,同样产生了正面构图的某些缺陷,侧面的一些平行线条也难以产生汇聚,使主体物的透视效果大为减弱,这是其一;其二,由于只能看到侧面特征,正面的主要特征难以表达,构图容易流于散漫和不集中。这种构图不适于表现平静、严肃的主题。如图所示。
4)后侧面构图
照相机的方位处于被摄对象的侧面至背面之间的某点上拍摄,即产生后侧面构图效果。
后侧面拍摄
后侧面构图,是表现被摄对象背面和侧面某些特征的一种构图形式。它与斜侧面构图的拍摄方位正好相反,所类似的是同样表现了被摄对象的“两个面”,立体感较强,各类线条也与斜侧面构图一样具有明显的方向性和透视感。这种构图形式大多用于表现人物的背部特征,或以人物后侧面作为前景来展示环境和背景特征。
在人物肖像摄影中,有时为表现人物的背面和侧面的某些特征,常采用后侧方位来拍摄。例如表现某些少数民族的服装头饰,运用后侧面构图形式,既可清楚地表达人物头部和背部的一些精美图案的色彩效果,又可看到人物侧面的基本形象。
5)背面构图
照相机的方位处于被摄对象的正后方,对着被摄对象的背部拍摄,即产生背面构图效果。
背面构图,能够表现被摄对象的背部特征,通过背面形象来表达作者艺术构思中的含蓄意念。
利用背面构图形式所创作 的优秀摄影作品并不少见。在这类作品中,通常是以人物的背影姿态作为前景,透过背影看到远景环境或背景特征。例如前苏联摄影艺术作品《未来的船长》(加利娜·桑科摄影),表现两个孩子站在岸边,凭栏眺望远处起航的巨轮,向往着将来能成为扬帆远航的船长。这幅作品的构图方式是以两个孩子的背影为前景,由深黑色的前景影调透视到远处朦胧中的船只,形成了较强烈的影调对比,远景与近景之间的虚实对比,产生了以虚托实的效果,有利于主题的表达。
选择不同的拍摄方位,产生不同的构图形式,都是作为摄影造型的表现方法而存在的。从理论上讲,不同方位所构成的构图形式均有其自己的特点和缺陷,但不能因此而主观武断地给各种构图形式打上优劣的印记。任何一种构图形式,只要它与某些被摄对象特点相结合,充分发扬其特点而避免其不足,能够深刻地揭示主题思想,并给人一种美感,即可称之为优良的构图形式,且有可能成为优秀的摄影作品。如图所示。
3、不同的拍摄高度
不同的拍摄高度会使画面产生迥异的效果。拍摄角度分为平拍、仰拍和俯拍三种。
1)平拍
拍摄点与被摄对象于同一水平线上,以平视的角度来拍摄,这种角度称为平摄角度。
平拍所构成的画面效果,接近于人们观察事物的视觉习惯,它所形成的透视感比较正常,不会使被摄对象因透视变形而遭到歪曲和损害。因此,这种平摄角度的表现方法在摄影实践中应用最广泛,运用起来比较快捷方便。
平拍的机位和被摄对象的位置关系图
在人像摄影中,凡属身份证、工作证所用的半身免冠照片,均应以平摄角度和正面构图来拍摄;其他肖像照片,运用平摄角度也居多数。凡是人物面部结构比较正常者,通常应采用平摄角度,它可以使五官端正的脸型得到较好的表现。这种角度所拍摄的人物肖像,容易引起与观众之间的情感交流,有一种平易亲近的感觉。如图所示。
平摄角度的拍摄方法,适于表现具有明显线条结构或有规则图案的物体,不致因透视变形而损害线条和图案的正常结构。凡是翻拍一些平面的文件资料之类的东西,均需采用平摄角度来拍摄。
平摄角度的缺陷和不足之处是往往把处于同一水平线上的前后各种景物,相对地压缩在一起,缺乏空间透视效果,不利于层次感的表现。
2)仰拍
拍摄点低于被摄对象,以仰视的角度来拍摄处于较高位置的物体,这种角度称为仰摄角度。
仰角度的机位和被摄对象的位置关系、仰角画面样式图
仰摄角度的视平线较低,如果以仰摄角度拍摄室外的各种景物,可以在照片画面中造成很低的地平线或水平线,使杂乱的背景掩盖在较低的地平线以下,天空作为背景占据了画面中相当大的面积,前景高大,主体突出,能够改变前后景物的自然比例,产生一种异常的透视效果。
用仰摄角度拍摄某些竖立的物体和高大的建筑物,可以收到挺拔直立、刺破青天的效果;拍摄有人物活动的某些场面,能够获得朝气蓬勃,升腾向上的效果。如图所示。
仰拍
在体育、舞台摄影中为了强调表现某些运动员和舞蹈演员的跳跃动作的高度,采用拍摄点较低的仰摄角度极为有效。这种低角度可以把被摄对象有限的跳跃高度极大地夸张,形成一种展翅凌空的视觉效果。
在人像摄影中,仰摄角度不仅可以突出表现人物形象之高大,还可以纠正和弥补某些脸型上宽下窄或下巴以及口型比例过小的缺陷。
运用仰摄角度拍摄,仰角之大小,与距离的远近有关,距离愈近,仰角愈大;距离愈远,仰角愈小。根据不同被摄对象的具体情况,选择适当的仰摄角度,才能增强摄影构图的表现力。如果仰摄角度运用不当,容易产生严重变形或使直立的物体向后倾倒。这样的构图效果,将损害被摄对象的正常形象。
3)俯拍
拍摄点高于被摄对象,以俯视的角度来拍摄处于较低位置的物体,这种角度称为俯摄角度。
俯视角度的视平线较高,如果以俯摄影角度拍摄带有地平线的景物,地平线往往被置于照片画面的上方,地面景物占据画面中的绝大部分,天空常常只占一线的位置。在有些情况下,俯摄角度较高时,整个画面全部被地面所占据,天空和地平线在画面上完全消失。在俯摄角度所拍摄的画面中,主体人物或景物与广阔的空间相比,显得渺小。犹如登上泰山极顶,环顾四周,有“一览众山小”之感。
“欲穷千里目,更上一层楼”。要想在照片画面上表现更广阔的场景,就需要尽可能升高拍摄点。当拍摄点升高到空中时,即通常所说的航空摄影,简称航拍。航拍所构成的画面,可以使远近景物在照片中由上至下有层次地平展铺开,最大限度地表现自然的空间感,能够清晰地交待总体环境和地理位置的完整概念。航空摄影所形成的俯摄角度,一般称为鸟瞰。俯摄角度适于表现规模和气势,能富有表现力地展示巨大的空间效果。它适于表现辽阔的原野、大规模经济建设场面以及群众集会壮观的宏大场面等等。在体育运动和文艺表演中,常常用俯摄角度来展现优美的图案效果,或以净化的背景衬托被摄对象形体姿态。
在人物摄影中,俯摄角度应用不当,会对人物的形象起到丑化作用。一般来说,不宜用过大的俯摄角度拍摄面部结构正常的人物肖像。在特殊情况下可以例外,个别脸型上窄下宽的人物,用俯摄角度拍摄,利用近大远小的透视变化,可以适当纠正和弥补脸型上的缺陷,获得面部结构正常的效果。
三、取景的具体应用
在实际拍摄中,有很多取景的方法,这些方法不仅可以使画面主体更加突出,而且可以使画面效果更加和谐统一。
(1)前景与背景
画面上有些对象是作为环境的组成部分,对主体、情节起烘托作用,以加强主题思想的表现力。作为环境组成部分的对象是处于主体前面的,我们称它为前景;处于主体后面的,我们称它为背景。
前景与背景都可以作为主体的陪衬,不仅可以点缀画面,也可以突出主体。
1)前景
前景处在主体前面,靠近相机位置,它们的特点是呈像大,色调深,大都处于画面的四周边缘。
前景
前景可以是树木、花草,也可以是人和物。陪体也可以同时是前景,但许多情况下,前景却不起陪体的作用。在一些场面较大、景物层次丰富的画面中,常常是有前景的。下面我们具体分析一下前景的安排在表现内容上所起的作用:
①一些富有季节和地方特征的花草树木做前景渲染季节气氛和地方色彩;使画面具有浓郁的生活气息。春天的桃花、迎春花作前景,画面充满春意,用菊花、红叶做前景,秋色洋溢画面;用冰挂、雪枝作前景,北国冬日的景象如在目前。拍摄海南风光用椰树、芭蕉作前景,富有南国情调;用潇湘竹、英雄树、雪莲作前景,具有湖、广、天山的乡土气息。这些前景常常对主题是有力的烘托。
②前景用来加强画面的空间感。结构画面时,镜头有意靠近某些人或物,利用其成像大、色调深的特点,与远处的景物形成明显的形体大小对比和色调深浅的对比,以调动人们的视觉去感受画面的空间距离。一些有经验的摄影者在拍摄展示空间场面的内容时,总力求找到适当的前景,来强调出近大远小的透视感。而且常常利用前景与远景中有同类景物,如同是人或树,由于远近不同,在画面上所占面积相差越大,则调动人们的视觉规律,来想象空间的能力就越强,纵深轴线的感受就越鲜明。
③在表现一些内容丰富、复杂的事物时,有意将所要表现的事物中最富有特征的部分放置在前景位置上,以加强画面内容的概括力。比如一幅表现解放军帮助农民割麦的画面,许多人在割麦,很难分辨哪是军人,哪是老百姓。如果在画面的前景上,有意安排放得整整齐齐的衣帽、水壶,便将军队有组织地来帮助割麦这一事物的特征突出了,加强了视觉的形象语言。又如历史照片《淮海战场的一角》,用一尊大炮作前景,把具有战场气氛的形象放在显著位置上,在视觉上就给人以先声夺人的深刻印象。中层景物是解放军押着一队俘虏走下战场,再远处是弥漫的硝烟,画面上战场气氛很浓。而且这前景的大炮告诉我们,当时国民党的武器是精锐的,但仍然被打败了,这就反衬出了我军攻无不克的坚强意志。拍篮球比赛用球架作前景,拍足球赛用球门作前景,都明显地将这一运动的性质强调出来。利用一些富有特点的广告、标语作前景,突出某种时代特征,这在电影摄影中是常用的。
④设置前景以与后景景物作内容上的对比,来完成摄影艺术常用的对比手法。比如,前景是丰盛的食物摊,摆着面包,挂着香肠,后景是饥饿的儿童望着这些精美的食品,对比之下就把儿童的饥饿形象化了。香港摄影家的一些作品,用破烂不堪的棚子作前景与远处的高楼大厦对比;用衣服破烂的小姐弟作前景,看着远处阳光下穿着华丽衣裳去上学的富家子弟的对比,来表现香港社会贫富不均的阶级矛盾。有一幅反映青年题材的摄影作品,前景是两个穿着入时,提着录音机瞎逛的青年,后景是在公园长凳上专心看书的青年,两者对比,形成了令人深思的主题。
⑤前景的运用还给予观众一种主观的地位感,加强画面的感染力。如用门、窗、床或桌子的一角等具有地位特征的景物作前景,让其在画面上占有较大的位置,给观众以心理上的影响,无形中就会缩短观众与画面之间的距离,产生一种身临其境的亲切感,这对增加画面的艺术感染力是有利的。⑥前景的运用还能增加画面的装饰美,一些有规则排列的物体,以及一些具有图案形状的物体,用来作前景,使画面象装饰了一个精美的画框或花边,增加了美感,显得生动活泼。如有的通过大型的圆钢管的内壁来拍工人的劳动场面,画面具有圆型的图案;的通过花枝的空隙来拍人物活动,周围就像装饰了一个美丽的花环。一些有规则排列的竹篱,曲折变化的回廊,具有图案美的窗框等都可以装饰画面。
⑦前景还有均衡画面的作用,比如天空无云显得单调时,用下垂的枝叶置于上方。有时画面下方压不住,就用山石、栏杆做前景,因色调深,使画面压住了阵角,达到稳定均衡。
⑧近年来,在前景的运用上,人们常常用虚焦点、杂乱的景物来作前景,虚而且乱,观众不但能够接受,而且还觉得有意思。这是由于人们对摄影艺术的审美趣味也在变化发展,越来越趋向自然,要求有现场的气氛。前景的虚和乱可以强调出这种现场气氛,而且前景的虚也有助于突出主题的实,以虚衬实。前景的乱也是要打引号的,事实上是乱中有治,形似乱,却是以不妨害主体突出为原则,如果乱得连主体也淹没了,恐怕观众就难以接受了。
以上谈的是前景的几种作用,当然,这是为叙述方便起见分开来谈的,事实上,前景的运用往往是同时起其中的几种作用,一箭数雕。适当运用前景可以丰富画面的“词汇”,增加画面的“文采”。但是,前景不可滥用,可有可无时,宁可不用,以求画面的简洁。另外前景的形状、线条结构要尽可能优美,与主体紧密联系和呼应,结成一个整体,帮助表达主题思想。
2)背景
背景,是指在主体的后面用来衬托主体的景物,以强调主体是处在什么环境之中,背景对突出主体形象及丰富主体的内涵都起着重要的作用。
一切造型艺术家都很重视背景的作用,雕塑、绘画、建筑等艺术都非常重视背景对主体的烘托。黑格尔在《美学》中说:“艺术家不应该先把雕刻作品完全雕好,然后再考虑把它摆在什么地方,而是在构思时就要联想到一定的外在世界和它的空间形式及地方部位。”罗丹曾点明将他的一尊小爱神的雕像放在花园里,让花园作背景来装饰它。法国一位有名大画家的朋友,想送自己的儿子到他那儿学画,朋友谦虚地说:“我的儿子没有什么才能,但可以帮你画画背景。”大画家听了幽默地说:“要是这样,就不是他向我学画,而是我要向他学画,因为我画画到现在,常常最苦恼的就是画不好背景。”从以上的事例可以看出,雕塑、绘画艺术家对背景重视的程度。摄影艺术家同样懂得,背景对一幅摄影作品的成败有举足轻重之势。往往有这种情形:拍摄一幅作品,主体、陪体、神情、姿态都很理想,但由于背景处理的不好而功亏一篑。
摄影画面的背景选择,应注意以下三个方面。一是抓特征;二是力求简洁;三是要有色调对比。
①首先要抓取一些富有地方特征、时代特征的景物作背景,明显地交代出事件发生的时间、地点和时代气氛,以加深观众对主题的理解。比如有意地将一些能标志出地方特征的对象保留在画面中,如拉萨的布达拉宫,西安的鼓楼,上海外滩的钟楼等。这样,用不着看标题,就知道事件发生的地方。另外,还要注意抓取具有时代特征的景物,使观众了解画面内容的时代背景。如用立交桥为背景来拍摄北京的事件,让人一看,便联想到这事件可能发生在进入八十年代的北京。用冒烟的火车头或工厂的烟囱作背景,在五十年代还是使人感到生产蒸蒸日上,祖国欣欣向荣的景象,能启发人们的审美感情。但如果在八十年代拍摄的工厂,仍然以冒烟的烟囱或火车头来作背景,就不会唤起人们的美感,反而使人产生有空气污染的忧虑。
有人拍摄人像很重视选取富有特征的环境背景来衬托人物的职业和性格特征,创造典型环境中的典型性格。画面上给背景留下足够的面积,选取一些足以产生丰富联想的景物来丰富人物形象的视觉语言,具有说明的象征的意义,有人称之为“环境肖像”。这种背景处理,无疑是象征性的。油画家汤晓铭画白求恩大夫肖像,背景是延安窑洞的土黄色,隐约地看到壁洞里的一盏小油灯。这盏小油灯便很能说明白求恩大夫所处的艰苦环境,没有电,自然也没有一切现代化的设施,但白求恩大夫精神饱满,乐观坚定,更显示出他伟大的国际主义精神。背景对衬托人物的性格,起了有力的烘托作用。摄影艺术同样应重视环境对人物的烘托。
背景的衬托有正衬、反衬之分,比如,幸福的儿童用鲜花盛开的花园作环境背景,是正衬;饥饿贫穷的儿童处在花花世界的繁华街道上,是反衬。
②背景的处理力求简洁。有人说过这样的话:绘画和摄影艺术表现手段的不同,在于绘画用的是加法,摄影用的是减法。在一般情况下,这话是有一定道理的。绘画反映生活总是给画面添上些东西,而摄影反映生活则总是千方百计地减去那些不必要的东西,而其中重要的是将背景中可有可无的、妨碍主体突出的东西减去,以达到画面的简洁精练。贪得无厌是失败之源,精简凝炼是成功之母。
仔细分析过许多摄影作品之后,就会发现许多有经验的摄影者都充分调动各种摄影手段以达到背景的简洁。有的是用仰角度避开地平线上杂乱的景物,将主要对象干干净净地衬托在空上;有的用俯角度以马路、水面、草地为背景,使主体轮廓清晰分明;还有的用逆光,将背景杂乱的线条隐藏在阴影中;有的用晨雾将背景掩藏在白色的雾霭之中;有的用长焦距镜头缩小背景范围,将不需要的背景景物排除在画面之外;有的用虚焦点柔化背景线条……。这些方法都可以收到简洁背景的效果。
③背景要力求与主体形成影调上的对比(在彩色摄影中要有色调对比),使主体具有立体感、空间感和清晰的轮廓线条,加强视觉上的力度。达·芬奇在《绘画论》中表达了这样一个塑造轮廓形状的法则:“你应当把那暗色的体态配置在淡色的背景上,如果体态是淡色的,那就应该把它配置在暗色的背景上。如果体态是有淡有暗的,那就应当把暗色的部分配置在淡色的背景上,而把淡色的部分配置在暗色的背景上。”这里揭示了绘画艺术的一条重要规律,即背景对主体形象的影调对比,是将所要表现的形象奉送于观众眼前的重要手段。所以,在摄影同行中也流传着这样一些处理背景的口诀:“暗的主体衬在亮的背景上,亮的主体衬在暗的背景上;亮的或暗的主体衬在中性灰的背景上;主体亮,背景亮,中间要有暗的轮廓线;主体暗,背景暗,中间要有亮的轮廓线。”大家在分析一些照片之后,就会相信这是必须遵守的。因为绘画和摄影都是平面造型艺术,如果没有影调或色调上的对比和间隔,主体形象就会和背景溶成一片,丧失被视觉识别的可能性。所以有人把画面影调色调的对比,比作运载手段,有了它,画面形象才会凸出来,送到观众面前。
在背景的选择上切忌太过复杂,因为太过纷繁的背景不仅对于烘托主体没有益处,反而会干扰观众的视觉,对于整个画面的表现产生副作用。所以在选择背景的时候一定要简洁干净。如果被摄体所处的环境过于杂乱,可以把镜头光圈开大,虚化背景以达到突出主体的效果。
(2)地平线的运用
地平线在摄影作品中很常见,但在拍摄有地平线的画面时要注意以下几点:
1)地平线不能居于画面的正中央,居中的线条会使整个画面产生一种割裂感,从而破坏照片的整体性。
2)地平线较高的时候,整个画面就会显得更饱满。3)地平线比较低的时候。整个画面效果则会显得很开阔。4)地平线尽量不要过猛的倾斜,否则整个画面将产生倾斜感。
四、取景时要注意的问题
(1)在取景的时候一定要注意简化的原则,不要让过于杂乱的陪衬影响了主体的画面效果。
(2)尽量避免取景器的边框卡在人的四肢关节处(如脚踝、膝盖)。
(3)注意背景与主体的搭配,不要让杂物影响到主体,避免“脑袋上长树”之类的现象出现。
小结:
1、取景的技巧有照片的画幅比例、兴趣中心的安排、视觉的多样性。
2、取景的要点有:不同的拍摄距离、不同的拍摄反向、不同的拍摄高度。
思考题:
远景、全景、中景、近景和特写各有哪些特点?
第四篇:摄影基础教学
第一单元 摄影基本功训练
训练
1、全景深练习
被摄体:一般风景、花卉、城市建筑等冲击力较强的景物。要 求:画面全部实焦。
建 议:首先使用广角镜头:24MM—35MM拍摄, 光 圈:F11—16,光圈优先AE模式。
训练
2、单体对焦练习
要 求:只把焦点对在主要被摄体上,浅景深。
建 议:中望远镜头:85MM以上,光圈F5.6或更大。光圈优先AE模式。
训练
3、定格练习
被摄体:体育运动项目、行走着的汽车、火车,流动着的水,瀑布等。
要 求:将激烈运动着的被摄体的瞬间动作或瞬间表情记录下来。
建 议:高速快门1/1000秒以上、快门速度优先AE模式。
训练
4、动感练习
被摄体:体育运动项目、动态的人、流动着的水,瀑布等。
要 求: 运动员和动态人的身体的一部分虚化或动体实背景虚。流动着的水,瀑布等有流线感。
建 议:慢速快门1/15秒-11秒。先从1/30秒开始练习,然后1/
15、1/
8、1/
4、1/
2、1秒逐段练习。使用三脚架。
训练
5、取景练习
要 求:突出主题,画面简练,能传达出被摄场景的气氛*此项训练是构图训练的基矗。.建 议:望远镜头,大光圈。
训练
6、特写练习
被摄体:花卉、静物、昆虫等。
要 求: 被摄体占画面的比例尽量大,突出被摄体的形状和有趣的部分,高清晰度。
建 议: 使用微距镜头或微距功能及近摄接圈,最短摄影距离,镜头与被摄体保持平行。使用三脚架及快门线。
训练
7、各种焦距镜头(镜头各焦段)的使用练习
利用各种焦距镜头(镜头各焦段)进行拍摄练习,借此了解镜头各个焦距的特点,理解画角及透视关系,活用各焦距段的不同景深。
标准镜头: 焦距50MM左右的镜头——极其自然,没有夸张。
广角镜头: 焦距35MM以下的镜头——强调远近感。
中望远镜头:焦距为85MM~135MM的镜头——与人眼最接近的透视(远近)感,能正确体现被摄体的形状, Q YF多用于人像摄影。
望远镜头:焦距为200MM以上的镜头——很少远近感,有压缩效果。(易抖动,尽量使用三脚架)
第二单元:画面构成和构图训练
练习
8、横、纵位构图
被摄体:景物、山河、建筑、人物等.要 求: 用横位构图表现稳定感和宽阔感,用纵位构图表现纵深 感和高度感,画面不能有无用的空间.建 议:
1、对同一被摄体分别用横、纵位构图法拍摄,比较作品的不同感受.2、横位构图表现安定感时使用标准焦点以上的镜头,表现宽阔感时使用广角镜头
3、纵位构图表现纵深感与高度感时使用广角镜头,注意画面中近景与远景的位置配置.构图时应特别注意水平与垂直,使用三脚架.练习
9、三角形构图
被摄体:三角形或类似三角形的景物,建筑,人物造型等.要 求: 利用三角形在画面中不同的位置配置,表现稳定感、跃动感、高度感和宽阔感.建 议:
1、画面中有容易识别的三角形造型,三角形构成的复数物体焦点要实,要有平衡感.2、高楼大厦和道路等高大细长的景物时使用20MM以下的广角镜头
3、使用景深预测功能
练习
10、对称形构图
被摄体:所有具有对称构图性质的景物、人物造型、建筑等.要 求:利用上下左右对称构图,表现稳定感和超现实意境.建 议:
1、选择优美的对称形,对称形的两边焦点都要实,每个对称形表现要明显.2、尽量使用标准焦点以上的镜头,使用光角镜头时要注意相机与被摄体保持平行.3、拍摄岸边与水中的对称构图景物时使用偏光镜
4、求全景深不得不用小光圈时使用三脚架.练习
11、垂直、水平构图
被摄体:风景、建筑等
要 求:画面中表现由多条平行或垂直线条构成的单纯美.建 议:画面构成的线条要保持水平或垂直,线条要美, 水平或垂直线条造型要布满全画面.使用三脚架。
练习
12、S形、斜线构图
被摄提:具有S形或斜线构成的道路、河流、山峦、都市内的桥梁和道路等.要 求:用S形表现纵深感,用斜线表现外展的广阔感和动感.S形要通达画面的两端,中途断了的话前面要有空间构成.建 议:S形及斜线的配置要有平衡感,要仔细感觉作品是否有纵深感和广阔感,被摄体是否清晰.}主题要突出.练习
13、黄金分割法构图
被摄题:任何均可
要 求:被表现的主体要处在分割点、线上或附近,构图要平衡.被摄体要突出.画面中不能有多余的部分存在.建 议:首先按自己的想法构图,然后再活用黄金分割法。
第 三 单 元 : 用 光 训 练 1
练习
14、昼间闪光灯曝光补偿
被摄体:人物、花卉、宠物、小范围自然景色、静物等近距离小范围景物。
要求:当以上被摄体处于逆光、侧逆光并周围光线强于被摄体时或被摄体处于昼间阴暗处时使用。建议:
1、用闪光灯同步速度测光(平均测光)取得光圈值,然后用闪光灯的指数除以光圈值得到拍摄距离,就能得到曝光准确的照片。瞬例如:相机的闪光同步是1/125秒,用相机的自动测光得到的F值16,闪光灯的指数(GN)是40,即40÷16(F)=2.5M,这时的拍摄距离为2.5米。已知闪光指数(GN)和距离求光圈(F)时用闪光灯指数除以距离求得光圈(F)。即:GN÷距离=F。
练习
15、利用闪光灯体现作品的立体感
被摄体:人物、花卉、、宠物、静物等。
要求:使用外置闪光灯并利用连线使闪光灯离开相机,从斜上方或背后投光制造立体感,也可以投到天花板或利用反光板制造折射的柔光,具体投光方法与方向按自己意图具体安排。但是要尽量避免重阴影。
建 议:可能的情况下尽量尝试各种投光方式及曝光补偿所制造出来的立体感觉。
练习
16、室内及夜晚灯光摄影
被摄体:室内灯光下的集会以及城市灯光夜景等。
要求:利用色温在室内及夜灯下制造肉眼见不到的独特(泛红)氛围。
建议:画面内的光线布置尽量均匀,镜头附近最好没有强光源并不能有强光射进镜头,拍静物时使用三脚架,抓拍时最好使用ISO400的胶卷。如果希望得到忠实于原色的作品,使用80A滤镜矫正色温。曝光不能有过。
参考:色温:白日晴天=5500K,白日阴天=6500K,早晚=4500K,一般灯光=2800K。
练习
17、朝阳、夕阳、夜景
被摄体:朝阳、夕阳下的山峦、海岸线、自然风光及夜景。
要求:要充分体现朝夕的氛围,再现朝夕夜景的绚丽景色,不能有多余的物体进入画面,最好没有晕光。
建议:使用手动,基本上光圈为F8~11左右,AE光圈优先,远景时焦点调到无限远,10M以内对点光源等最容易看清楚的物体上对蕉,使用三脚架,可以考虑多次曝光。
练习
18、白色物体
被摄体:雪景、白色沙滩、白色花卉等白色物体。
要求:清晰再现白色物体的质感与色调。
建议:根据实测曝光量适当曝光补偿,补偿量根据白色物体占画面的比例和你要表现作品的意图一般为0.5~1.5EV之间,画面中黑白物体相间时根据各占比例调整。
第四单元:用光训练
练习
19、逆光(透射光)的运用
被摄体:光线从背后照射的人物、风景、花卉、静物及抓拍等
要 求:充分利用逆光的特点制造透明感和立体感.注意被摄体与背景的亮度平衡及不能有创作意图以外的光晕产生.建 议:使用曝光补偿以及反光板.曝光补偿量有+0.5、+1.0、+1.5、+2.0EV等,补偿越大,被摄主题越亮,如果把握不好曝光补偿量,可以分段补偿各拍一张以上以保证拍摄成功。
练习20、侧光的运用
被摄体:与此种光线有关的人物、风景、花卉、植物、宠物以及抓拍.要 求:充分活用阴影的效果,使画面的氛围符合自己的拍摄意图,通过练习提高对光的敏感性.建 议:拍摄时从顺光、侧光、斜策光、半逆光、逆光的顺序去观察被摄体,并注意侧光与逆光所制造出的物体立体感之差别.如利用强侧光可塑造男人的刚毅和弱侧光可营造女人的温柔等.使用遮光罩。
练习
21、林中点光与泻光的运用
被摄体:具有泻光特点的林中、阴天下的风景如山峦、江和湖海的水面等
要 求:充分利用点、泻光的特点营造出印象深刻和感动人的氛围.建 议:注意光比范围及曝光量的掌握,明暗差要适当,用点测光方式测得明处与暗处的曝光量后取中间值进行最后的曝光。
练习
22、极端曝光的应用
被摄体:想要高调表现(阴影淡的)或低调表现(反差大的)的一切被摄体材
要 求:摄影意图以及主题要鲜明,要考虑采用高调或低调的必要性,被摄体的所具有的氛围要协调.建 议:高调的曝光补偿从0~+2.0,低调的曝光补偿从0~-2.0,通过分段曝光,掌握在各种条件下的曝光补偿所带来的效果。
练习
23、光的轨迹
被摄体:夜间流动的车、船、星空、焰火等.要 求:流畅地表现光的流动,光的流线色彩、形状、大小与周围的气氛要协调, 曝光要适当.建 议:利用平均测光与中央部分重点测光模式。也可以把光圈设定为F4或F5.6, 曝光为30秒至2分钟(可用B门)。焰火一般使用ISO100胶片,光圈在F5.6~F11之间.星空的曝光时间最长可到1~2小时。以上均使三脚架。
练习
24、有灯光照明的物体
被摄体:都市内夜间被灯光照亮的建筑以及植物等
要 求:取景角度要体现被摄体的魅力,选择能够充分表现气氛的曝光,画面中主体的所占比例要适当。
建 议:使用三脚架、快门线,使用手动模式,B门或T门,使用曝光补偿+0.5—1.5EV。注意构图时画面中最亮部分与最暗部分,避免亮度相差悬殊,长时间曝光时注意倒易失律问题。使用广角镜头!
第五单元:强调色彩的训练
练习25、26、27、28、29、30
分别以红色、蓝色、黄色、绿色、白色、黑色为主要特征的被摄体做表现主题的练习。
被摄体:具有以上颜色的各类物体及颜色着装的人物、花卉等。
要 求:要表现出以上个种颜色的鲜明特征,把握好色调、明亮度、饱和度这色彩的三要素。
建 议:注意冷暖色的表现,可能的话使用滤色镜,使用包围式摄影法体验曝光补偿对色彩表现的作于用。
练习
31、表现水的透明感
被摄体:与水有关的任何物体。
要 求:在表现水透明感的同时注意作品的整体表现。
建 议:注意水面的光反射,使用PL镜,使用是旋转PL镜找到最佳表现。
练习
32、色彩对比
被摄体:各种颜色掺杂形成对比的田野、公园、建筑群等。
要 求:利用色彩对比增强作品的感染力。
建 议:不要使太多的色彩进入画面,形成对比色彩的亮度差越大对比度越强,明亮色与形成对比的暗色容易醒目,同一颜色的实焦点处与虚焦点处可以形成对比。
练习
33、黑白摄影
被摄体:任何物体、人物等。
要 求:主题与背景的关系性,理解黑白摄影作品的特性。
建 议:有必要了解彩色变成黑白后的具体变化,既把红色当做浓黑、黄色当做灰色考虑等, 6Y R并了解与灰阶的关系。
练习
34、单色调的表现
被摄体:大自然中的群生植物,大面积单色花卉,色调统一的室内房厅等。
要 求:有效使用统一的色调,构图平衡,充分掌握色彩的浓淡度。
建 议:注意色彩的饱和度,使画面内的色彩表现有张有弛,使用色温滤镜。
第六单元:表现动感与感情的训练
练习
35、动感的表现
被摄体:体育运动、动物、纪念活动、花草、河流等。
要 求:充分记录并表现运动的物体或人,表现出运动着的力量感和动态美,合理构图,掌握适合被摄场景的快门和按快门的时机。
建 议:如果条件允许,尽量使用快门优先模式,定格高速运动时使用快门速度为1/500-1/1000秒,表现流动感时使用1/15-1/4秒,追拍时可使用1/15或1/30秒。
练习
36、临场感的表现
被摄体:火灾及事故现场,祭祀活动,仪式,自然气象状况等。
要 求:尽量表现临场感,使人身临其境。即使是较平凡的被摄体,也要利用技术与器材制造出临场感。
建 议:尽量接近被摄体使用超广角或望远镜头,光圈使用F11、F16、F22求大景深。表现自然气象状况如台风、大雨、雾、急流时使用三脚架,快门1/
8、1/
4、1/2秒优先,并可使用包围式拍摄法。
练习
37、寂静感的表现
被摄体:自然风光。
要 求:摄影者自身要宁静安稳,选择最佳的拍摄时间和天气,选择稳定简洁且容易传达静感的构图方式。
建 议:拍摄时间最好在黎明、傍晚、明月夜、雨天、雾、雪天等。选择对称、三角形等增加寂静感,构图要横平竖直,不能有倾斜以强调集中感和稳定感。使用三脚架。
练习
38、感情的表现
被摄体:人、动物的脸部特写与身体(动作的瞬间抓拍)。
要 求:掌握最佳快门时机,做到与被摄人或动物心感相通,除脸部外也要注意其他肢体的表现与主题相吻合,注意构图的各个细节。
建 议:先从身边的人特别是小孩和宠物开始练习,平时多多注意他们(它们)的喜怒哀乐,并找出有趣的特点,然后利用望远镜头在被摄人或动物不注意的时候抓拍。开始练习时尽量利用自动模式
摄影, 基本功
第五篇:摄影基础教学大纲
《摄影基础》课程教学大纲
【课程名称】摄影基础 【课程代码】T07041008 【适应专业】环境设计专业 【授课对象】普通本科 【课程简介】
摄影基础是设计类专业的专业必修课程,是辅助设计手段中必不可缺少的一门技能性课程。主要包括摄影术的起源、诞生及发明初期的几种流派;摄影的概念、特征;数字摄影概论;相机种类、工作原理与主要组成部分、镜头;数字相机;曝光与测光;摄影构图、摄影用光及新闻摄影、生活摄影、风光摄影与广告摄影等专题摄影介绍。【教学目标】
通过对相机的工作原理、组成部分、曝光与测光、摄影构图、摄影用光的讲授,使学生熟悉相机结构、掌握曝光基本技能,并初步学会运用摄影构图与用光的基本理论进行实践拍摄。
【参考学时】54学时(理论讲授36学时,实践训练18学时)
【参考书目】
1.胡晶,《摄影基础教程》,黑龙江:黑龙江美术出版社,2012年 2.刘彩霞,《数码摄影基础教程》,北京:人民邮电出版社,2016年 3.Digital Photo编辑部,《完美摄影161法则:数码单反摄影技巧精粹》,北京:人民邮电出版社,2013年
4.王晓峰,《数码摄影摄像入门与实战》,北京:清华大学出版社,2017年 5.林路,《高等院校摄影摄像精品教材:数码摄影新教程》,上海:上海人民美术出版社,2016年 【教学内容】 第一单元摄影简史 §1 摄影术的起源 §2摄影术的诞生
§3摄影初期发明的几种流派 基本要求:
通过本单元的学习,使学生了解并掌握摄影的历史,发展历程以及摄影的不同流派的审美概论。 重点、难点:
熟悉摄影中不同流派的审美基本概念、掌握摄影的历史脉络,数码摄影的发展历程。
教学方法提示:
案例教学法
参考学时:4学时(理论讲授4学时,实践训练无)
第二单元摄影的概念及其特征
§1摄影的概念
§2摄影的生态特征 §3数字摄影概论 基本要求:
通过本单元的学习,要掌握摄影的基本概念,生态特征以及数字摄影的概论。 重点、难点: 摄影的生态特征 教学方法提示:
案例教学法
参考学时:4学时(理论讲授4学时,实践训练无)
第三单元相机的构造和使用
§1相机的种类
§2相机工作原理组成部分 §3相机的镜头 §4曝光与测光 §5数字相机 基本要求:
通过本单元的学习,让学生掌握相机的构造与基本曝光测光原理。 重点、难点:
重点、难点:相机的工作原理,曝光与测光。 教学方法提示:
案例教学法
参考学时:10学时(理论讲授4学时,实践训练6学时)
第四单元滤镜
§1黑白、彩色摄影滤镜 §2感光的性能 基本要求:
通过本单元的学习,让学生理解并掌握滤镜的使用,准确熟练使用滤镜。 重点、难点:
感光的性能。 教学方法提示:
案例教学法
参考学时:4学时(理论讲授4学时,实践训练无)
第五单元感光材料
§1传统相机的胶卷种类 §2数码感光的原理 §3不同品牌手机感光的特征 基本要求:
通过本单元的学习,让学生了解并掌握感光材料的使用。 重点、难点:
数码摄影的感光特征与传统胶卷相机的区别。 教学方法提示:
案例教学法
参考学时:5学时(理论讲授4学时,实践训练1学时)
第六单元摄影构图
§1拍摄点与画面效果
§2稳定空白与三分法
§3前景与背景
§4色调与影调 §5线条与质感 基本要求:
本单元学习摄影的构图技巧。通过学习,学生应该掌握摄影的构图基本原则,并可以开始拍摄作品。 重点、难点:
了解不同摄影主体的构图灵活使用方法。 教学方法提示:
案例教学法
参考学时:11学时(理论讲授5学时,实践训练6学时)
第七单元摄影用光以及摄影专题
§1摄影用光的六大基本要素
§2校园新闻摄影 §3广告摄影 基本要求:
通过本章的学习,学生应该了解并掌握摄影的用光技巧,各类专题熟练拍摄作品。 重点、难点:
校园新闻摄影的注意事项,广告摄影的拍摄要领。 教学方法提示:
案例教学法 项目实践法 参考学时:16学时(理论讲授10学时,实践训练6学时)【考核要求】
本课程是一门专业基础必修课程,考核重点是学生对摄影的基本理论和技能的掌握和分析问题解决实际问题的能力。具体考核要求分为以下几个层次:
掌握:要求学生能够全面、深入理解和熟练掌握所学内容,并能够用其分析、初步拍摄和记录相关的问题,能够举一反三。
理解:要求学生能较好地理解和掌握,并且能够进行简单的室内外摄影实践活动。
了解:要求学生能够一般地了解所学摄影内容。
考核方式:本课程采用实践形式进行考试,同时结合平时摄影练习课堂小作业和出勤进行课程考核与成绩评定。考核评分以百分制计,上机考试成绩占70%,平时作业成绩占20%,出勤占10%。 成绩构成:平时成绩:30%
期末成绩:70% 【编写人】徐岩 【审核人】