分析徐悲鸿的素描教学方法论文

第一篇：分析徐悲鸿的素描教学方法论文

摘 要:徐悲鸿教学思想的核心就是“写实主义”。主张革新、反对守旧,总结出了一套行之有效的教学方法,并对现代美术界具有重大影响。本文主要就徐悲鸿的素描教学方法进行了探讨研究。

关键词:徐悲鸿 素描 美术教育

徐悲鸿(1895-1958)是我国现代受人尊敬的杰出画家和美术教育家,曾于1928年至1946年在南京中央大学艺术系担任教授、主任,前后在该校工作任教了18年之久,他的大部分教育生涯也是在中大度过。在此期间,他为美术教育和美术创作倾注了大量心血。

徐悲鸿先生特别强调素描基础的重要性,提出“素描为一切造型艺术之基础”的观点,1917就在《中央大学讲座演辞》中有:“素描在美术教育中的地位,如同建造房屋打基础一样,房屋的基础打不好,房屋就砌不成,即使勉强砌成也不牢靠,支撑不久便倒坍。因此,学美术一定要从素描入手,否则是学不成功的,即使学会了画几笔,也非驴非马、面目全非。”十年后,1926在《中华艺术大学讲座演辞》中仍然说:“研究绘画者第一步功夫即为素描,素描是每人基本之学问,并为绘画表现唯一值法门。素描拙劣在于物象都不能认识清楚,以言颜色更不知所措。故素描功夫欠缺者其所谓颜色如何美丽,实是放滥,几与无颜色等同。”这在民国时期的绘画教育上做出了重大的突破。

徐悲鸿的主要教学思想的核心就是“写实主义”, 坚持以现实主义的原则指导教学。首先,强调培养学生正确的观察方法。他认为“心手相应”的熟练技巧是以眼睛的训练即观察能力的培养为始的。指出“艺术之出发点,首在精密观察一切物象,求得真正,此其首要也。”他所传授的观察方法是:“你要把看到的东西一丝不差的画出来,要把手和眼睛训练的很准确,要注意所画的东西,多看少画,看准了再下笔,手和眼要协调一致,手要能把眼看到的东西反映到画面上。……至于初学的人为什么要多看少画,因为要首先训练画家的眼睛,要在对象上看到更多的美。”接着就是从石膏造型和人体模特画起,所采用的石膏模型大都是希腊、罗马文艺复兴时期名家经典之作,西方人体五官明显,相比东方的人体头像更便于让学生掌握形体黑白层次和调子的变化。石膏素描教室很大,在工字楼内底层容纳了100多件石膏模型,有些是在西洋艺术史上的着名雕塑,如阿波罗、奴隶、维纳斯坐像、摩西全身坐像等,都是徐悲鸿从国外专船运回的。

写实主义是徐悲鸿根据当时的中国画的弊端而提出的,认为即使是文人画,也要注重形体的准确性,而不能一笔概之。作为中国绘画教育的领航者,徐悲鸿将学生都带领到了世界绘画的高度上,使中国绘画与世界绘画走到一起。素描的的主要作用是锻炼准确的造型能力,这在中国画中也是必需的。打破了传统文人画的虚的概括的特点。

徐悲鸿不仅在西画课上大力提倡素描的学习,在中国画课中也大力提倡素描,他以木炭素描为造型基础课,素描写生的对象是人;在三年的素描训练之后,进入国画的分科学习阶段,他的国画教法与传统的区别是改画谱素描为素描写生入门,在学生掌握一定写实技能后,再以老师的亲身示范教授国画的笔墨技法。在他的教学中,国画的作画步骤一般是先用木炭条勾好底稿,即准确地刻画好对象的形体,然后用毛笔上墨。上墨的原则是以明暗黑白体现对象的结构和透视,墨本画好后再上色,上色的用笔与画写实油画一样,也以体现对象的立体感为准则。他格外重视素描对国画的作用,此方法作为对中国画改良的一个突破口,进而使后期的中国画改良得以成功。同时徐悲鸿也从中国画的学习中吸取营养,改进在素描上的教学,徐悲鸿也讲究中国传统绘画线条中的圆、重、平、变、留等笔法变化。针对素描人体的写生,他还制定了“新七法”,以“新七法”为具体的教学法则教学生绘画。使素描更有本土性,更便于学生掌握与改进。

徐悲鸿先生的教育活动及思想对现代美术具有重大的影响,使中国美术届得到迅速发展,摆脱了明清颓败的一面。现代美术界所呈现的大好局面,正是得益于徐先生重写实重基础的美术教育思想,他拓展了现代美术的形态。若没有徐悲鸿的写实主义观点手法和艺术教育体现,中国新当代绘画史会被大大改写,而一大批新当代杰出的中国人物画,山水画画家能否有今日之成就也便值得推敲。

注释:

[1] 杨惠东徐悲鸿写实主义思想探源,世纪丰碑—新世纪首届徐悲鸿学术研讨会论文集.[C] 天津:人民美术出版社 2004,10

[2]卢开祥 求室学画记,徐悲鸿.[M] 文史资料出版社.1983.第202页

[3]艾中信 徐悲鸿研究[M].上海:上海人民美术出版社,1984.10

[4]世纪丰碑—新世纪首届徐悲鸿学术研讨会论文集.天津:天津人民美术出版社 2004.10

[5]王泽庆 《徐悲鸿评传》[M].北京:人民美术出版社出版 1995.1

[6]书与画 [J].1994年,第6期

[7]徐悲鸿 奔腾尺幅间 [A]天津:百花文艺出版社 2008,1

第二篇：论徐悲鸿素描教学理论

引 言

徐悲鸿，中国现代的美术奠基者，杰出的画家和美术家。他的绘画作品熔古今中外技法于一炉，具有强烈的时代感，在我国美术史上起道了承前启后，既往开来的极大作用。

徐悲鸿在他勤劳的一生中，创作数以千计的素描作品，在艺术业绩上留下了真贵的遗产。但是，人们对徐悲鸿是一个什么样的人？他的素描观什么？以及对我们当代素描有哪些影响？等这些问题的明确性还不够，因此，对于论徐悲鸿的素描观显得迫切必要。

—、徐悲鸿艺术历

徐悲鸿（1895-1953）江苏宜兴人，画家，美术教育家。自幼随父徐达章学习诗文书画，1916年入上海复旦大学法学系，半工半读，并且自修素描。1917年留学日本学习美术，不久回国，北京大学画法研究会导师。1919年去法国留学1923年入巴黎美国产美术学校。学习油画，素描，并游历西欧各国，观摩、研究美术作品。1927年回国，先后任上海南国艺术院校美术系 主任、中央大学艺术教授、北京大学艺术系院长。1933年起，先后在法国、比利时、意大利、英国、德国及苏联举办中国美术展览会及个人画展。抗日战争爆发以后，在香港、新加坡及印度举办义卖画展，宣传支援抗日。重返中央大学艺术系任教，中华人民共和国建立后任中华全国美术工作者协会（今中国美术家协会）主席、中央美术学院院长等职。

他长期从事美术教育，教学上主张严格的基本功训练和现实主义的创作思想。培养了大批美术人才。代表作有： 画《田横五百士》、《九方 皋》、《漓江春水》、《晨曲 》、《泰戈尔像》、《马》等。

在绘画上，徐悲鸿主张现实主义美术，在素描上强调写实，提倡事发造化。提出“尽精微、致广大”主张，反对因循守旧，注重兼蓄并受，对中国主张“古法之佳者守之垂绝者继之，不佳者改之，为足者增之，西方绘画可采入者融之”。他擅长素描、油画、中国画。其素描多作人物、肖像、造型简练看、准确，注重线与面的结合；油画长于人物、风景、作品体现了爱国主义和人道主义思想；中国画则融西方艺术手法于中国传统艺术之中，别具一格。兼工人物。花鸟、走兽、山水，友善画马，作品表现了中华民族坚韧不拔的进取精神。

二、影响徐悲鸿的一些重要因素

“素描”是朴素描写的意思，与彩画相比，凡是与本炭、铅笔、单色材料作为画工具的皆为素描。这是西方对素描的定义。而中国的素描解释非常丰富，中国传统线描造型以白描为基础“白”与“素”是一种意思，白描实际是中国素描的一种形式、此外，与黑白为表现手段的水墨画，也均称素描的一种形式，只是造型方面、审美有趣、表现技巧等方面都独特的自立性。徐悲鸿结合东西方素描的长处形成了自己的素描观。

回顾徐悲鸿的艺术历程，可影响素描艺术的重要因素。（1）受西方绘画的影响；1923年 入巴黎美术学院学习素描、油画，并游历欧洲诸国，观摩研究美术作品，例：认真的研究了西方的素描、特别安格尔的素描，并回顾作了大量素描、《睡儿》孩子的睡态自然；《庆平》徐悲鸿的儿子等等，这些素描作品借含安格尔素描纸精妙而不呆板，精微而不失大体的艺术手法。（2）徐悲鸿学西方之画法也不忘中国辉煌之艺术成就，盛唐时《八十七神仙卷》（吴道子）；《菜薇图》、（李唐）更让徐悲鸿爱不释手。1895年 出身于江苏宜兴县一个当地著名的画家（徐大章）之家。1904年九岁读完《四书》、《诗 》、《书》、《 易》、《 礼》、<左转>，并随父学画。每日课完，便摹一副吴友的界画或人物画。吴友如清末最杰出的时事插图画家。

三、素描是一种切造型美术的基础

“素描在美术教育上的位置，如同建造房屋，打基础一样，房屋的基础打不好，房屋就砌不成，即使勉强砌成了，也不牢靠，支持不久 便倒塌。因此，学习美术一定要从素描入手，否则是学不成功的。即便学会了几笔，也非驴非马面目全非——徐悲鸿。”

徐悲鸿非常重视素描，他认为“素描是一切造型美术的基础，而且一定要严格训练。”这个观点并不是他个人的，从中西美术的演变和发展来看，例：米开朗基罗说“素描是构成油画、雕塑、建筑以及其他绘画种里的源泉和本质，并且是一种科学的更本，那种已经掌握了这种东西的人可以相信自己有着一笔巨大的财富”。证明这素描这个学科是从事美术工作所必备的对于造型规律性知识和技能。精确的造型能力，只能从实践中求的。徐悲鸿对于学生说，要立志画一千张素描，一千张是言其多，意在必须从量种求质，其实越多越好，所谓拳不离手，曲不离口。最好是经常画、天天画、砍柴不惜磨刀工，何况是搞艺术。例：徐悲鸿本身也有相当数量的素描，使用的材料从木炭、土红到水墨、丰富多样，让我深刻地感受到大师对素描前方位的研究和探索：徐悲鸿的“马”画得出神入化，翻阅其素描数量，多得惊人。不过西方 在从文艺复兴以后在这方面的论述较多，在古典学院种已经实施了这种基础教育，到了十九世纪中叶形成了比较完整的素描教学体系。可是中国是在五四运动新文化以后向西方学习的。在我国古代也有“凡画绩之事后素功”的说法。此句话起意有三：其二说说，画色彩的图画，先要素色的底稿（粉本）后上色彩（绘事），这是从中国画的作画步骤来说的；其二是说，画色彩的图画，先要白素描功夫是占首要地位的，色彩问题要放在素描的后面，这是从素描和色彩在造型的轻重关系方面来说的，包含着素描是绘画的基础的意思。

就中国画而言，它本来是以水墨为主的，无论工笔或没骨都很讲究墨色（摹本），就油画而言，画才不管怎么精彩，素描功夫差还是站不住脚更的，对以上这些看发，几乎没有什么争议，只是在油画上，有的画家特别强调色彩的造型。徐悲鸿对于各类美术素描基础，并不要求划一。例：雕塑应羊重于泥塑的训练，工艺美术造型基础必须与装饰相吻合。

四、西洋的素描是一种科学

西洋的素描是一种科学，这个观点还得从欧洲文艺复兴时期追溯起，那时人们重科学、重人权、理性、艺术上出现美术三杰：达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔。

文艺复兴时期的弗洛伦萨画派的达芬奇：毕生都在进行着艺术家于科学家的劳动，甚至投生与科学研究的时间还更多一些。对他来说，观察与认识同样重要，艺术家就上一个很好的科学家和艺术家他留下了许多未完成的作品，解剖了32具尸体，写了数千页手稿。

徐悲鸿页一样，非常重视科学，并于1917年人巴黎国立美术学校学习，游历西欧诸国，研究西洋素描的真谛，吸取了营养。他认为西洋的素描是一种科学，因为它非常写实地反映真实，在这一点它比我国的传统造型技巧完备而先进。素描的基础最主要的是培养正确观察分析、综合对象并把它生动的表现出来的能力，确实是一种造型能力科学；就形象思维而言，并不比自然科学简单些。要画好素描，没有一点辩证唯物主义思想是不行的，不管他是自觉的或是不自然的，单就塑造形体而言，实际上也在实事求是地应用唯物辩证应用得越好，他的越高明。

这一点从徐悲鸿大量素描作品中可以看出来，其中就看他的《愚公移山》（1940年3月初，以印度人为模特创作巨幅国画）中人物的解剖结构，大块的肌肉分块，就知道他吸收了米开朗基罗生解剖的精髓。在看大量的人体素描，不论从解剖、动态、光影的微妙变化都做了严谨的推理。徐悲鸿就这样的看待素描。

五、尽精微，致广大

中国古代哲学中《中庸》上的故君子尊德性二道学问，致为广大而尽精微，极高而道中庸，温厚嵩礼这套洗教，我们从这些句子里批判地剔除它的唯心主义的修德，其中关于格物致知，探求学问的语句是还有可取之处的。徐悲鸿对中庸》上的这段话比较注重，并多次写曾给他的学生，勉励他们吸取“致广大而尽精微”、“极高明而道中庸”“和温故而知新”这些求学的精神方法。特别是他把“致广大而尽精微”用在素描教学上，借以指导分析、观察、综合造型的工作，从而有效地掌握造型能力，这是很有见解的。

“致广大而尽精微”适应于整个艺术领域或以致于更广大的范围，这里只就绘画造型方面说点意见。我把这句的话的次系倒过来说成“尽精微致广大”，是为了更好的学习素描造型一般规律和过程。精微和广大是事物的对立统一规律，在艺术上多样统一，从绘画造型来说，是指局部与前部的统一，细节和整体的统一，总的上一个艺术概括问题。多样统一在艺术上是非常重要的更本规律，造型的高明与否，最终也是看它的统一性、整体感和概括力。

“尽精微、致广大”的“极高明”的境地是高度的概括，高到致造型表达的无所不容，看上去应有尽有，但有一点也不繁琐，浑然一体，一点也不离谱，这就是细节与整体与达到高度的统一。达芬奇、米开朗基罗的造型就是这样的，我国古代有许多雕塑造型在这一点更是极高明的能力，使人望而兴叹，只是大型的雕塑像，因为作者不能作远距离的观察，所以有不免失去大体，在比例上很正确。

事物本身是及其变化而复杂的，整体是由许多局部组成的，所以细节是非常繁琐的。要把这种造型因素如实地、科学地找到他们之间的相互关联，把种种细节和局部统一成一个完整的整体，必须通过正确的观察，进行科学的分析和艺术的综合才能达到，特别是对于一个有机体，尤其是对于人、对于人体的结构、解剖、引运动等，如果不下一番苦功夫去研究，是达不到“极高明的境界的，苦功夫苦功夫怎样下？” 这一点非常重要，但这还是最初步的基本的功夫。

徐悲鸿注意到《中庸》上的这段话，而且“尽精微你致广大”这个准确则来指导素描的造型，从这进而多少可以看到他懂得辩证法相互想成的意义，他所信守的写实主义用精微，致广大，相结合，可以说是在他绘画上的唯物辩证法的思想反映。徐悲鸿“致精微，致广大”这个观点，是给合了中国古代文化之精髓来学习西方之素描。看文艺复兴时代米开朗琪罗《摩西像》大理石像，雕刻之精微，又不失去大体；《大卫》体格雄伟健美，神勇坚强，体现素描中的，“局部是整体的局部、整体是局部的整体”素描观原则。

第三篇：《设计素描》教学方法研究

《设计素描》教学方法研究

我们知道：

毕加索的〈〈牛〉〉系列变体，由开始的写实形变化到最后的几条线，仍然是牛的符号般的表达。蒙德里安的〈〈树〉〉也好似平面化的简化，但是却更加注意枝条形成的节奏张力以及对负形空间的均衡切割。这就不在是树的简化描写，而转向画面的结构表现，从而引发了他的有关苹果树的系列作品。

设计素描是结构性，分析性的。-----瓶罐解析：结构素描是认识事物外在与内部结构的基本方式。解剖结构，几何结构，团块结构，骨架结构等都是从不同角度对不同现象的认知。但是对结构的认识与表现并不能只停留在一个瓶罐上，它对我们来说远远不够，还应当扩展到瓶罐之间的结构关系，最后发展到整个画面构架系统。因此首先自由选择瓶罐的数量，利用其大小，方圆，粗细，高低等对比的要素加以组合，利用和谐统一的原理加以规整，开始结构素描。经过一段时间之后，再从理性上加以分析。分析生发的一些延长线，中轴线，辅助线帮助建立了明确的节奏秩序。在这个过程中学会寻找和建立画面的结构关系。学生回发现感觉到的节奏，韵律，美感的确是可以通过理性加以把握的。

下一步是形态分析，除了功能性的本质分析之外，在形态表现上利用画面的网格寻找秩序，进行数理的分析也是一种基本的方式。学生以往比较感性的表现自然韵律，知其然而不知其所以然，打上网格就可以使这种感觉的秩序明确化，在网格的基础上加以调整，使它更加清晰。表面上开放的轮廓实际上是相互联系，形成种种分离。切割与重叠交错的形态关系，从而产生了内部张力更加紧密的构架造型。学生在分析过程中要学会简化原则的运用。一个物体简化到不能减少的地步，留下的就是它的基本结构，而基本的结构形态认识正是创造新造型的基础。接着，打破封闭的造型，用延伸轮廓线，中轴线，辅助线去建立更紧密的间距和更有趣的空间切割，逐渐摆脱了具象的约束，一直到画变体画。最后的变体画在表现上很自由，用什么手法都可以，利用的是从写生解析推导出来的抽象形态要素，不在是装饰性的概念化的简单处理方式。

肌理训练——瓶罐解析之后，让学生带上笔，纸，颜料和刷子去拓印大自然中富于肌理感的物体表面。然后是复印肌理，把实物的表面肌理在复印机上复印下来，如牛仔裤，毛衣等等。然后在结合到瓶罐造型中去，置换图形。复印，拓印，拼贴等手段是现代艺术表现的重要形式，在平面设计中更是经常用到。通过这样的训练使学生对肌理产生初步的兴趣。他们还在纸上用各种手段去制造肌理。甚至用实物肌理，如茶叶，纺织物等显示材料创造表面效果等等，学生们已经初步接触到材料问题。

补充的课题是自然形态的内部形态分析，例如青椒，洋葱的内部形状很有趣味性，同一个物体内部，外部造型常有所区别。把一个物体进行分割后，具体形态都互不相同。作业的要求就是尽可能的就同一个东西做不同的局部表现形态分析，内部形态单元分析，以及最小的单元形态推导，然后重新建立起新的形象结构。根据分析，解析的形态，加以综合和变化，在发展成一张变体画。当然在这样的分析作业中，所提取的并不仅仅是形态，还会有更为刺激的视觉表现要素。

接着让学生进行思维拓展训练：发现——联想——设计。

如：交叉：

含义：交，交错，交流，交互，交通；叉，穿插，叉开。堆砌的立体交叉：一堆火柴。

磁电波的交叉，眼光的交叉。

交叉在现实生活中的现象：情人节的交叉：KISS 交叉在自然中的现象：根系在地面下的交叉生长。交叉在汉字中的表现：凶，风，文，爽，交叉在数字中的表现：485 声音的交叉

扣子的缝线和剪子等交叉。

如：凹凸：

洼陷和突起

用被压凹的牙膏，牙膏管流出牙膏可以表现：此消彼长的凹凸关系 马桶的凹凸体现固体和液体的关系

鸡蛋和鸡蛋盒子的凹凸体现安全问题。

心电图的凹凸体现上涨和下降的含义。

地基的凹凸体现地基凹的越深，未来的楼才建的越高。

手指摁下皮球，产生了洼陷，这样的凹凸有一种心理的视觉张力暗示，凹陷对突出的 反抗。

插销与插座 手插入鼻孔 嘴的凹凸

最后阶段，可让同学们对图片和文字进行创意，从而进一步拓展其思维。如：夫字与人民币的符号，若一倒一正则可以表现当下女性的一种择偶观念。再一步是对图形进行创意：如： 游艇开到了地铁道里。河马在垃圾堆里游泳。橘子比楼房大。图象倒置。动物拟人化。

以上训练课题，使学生对绘画由被动转向主动，由宏观到微观，由外表到内部结构，一步一步使其理性思维逐步加深，联想课题的训练使他们的设计思维进一步拓宽，从而顺利的使学生对设计产生浓厚的兴趣。

第四篇：素描论文

画家贾克梅蒂素描尚像作品鉴赏

具体与意识流的结合学号2801102023姓名 于思宇

一：我很喜欢看我们素描老师绘画,总是很快速,很利落,很少有拖泥带水的时候。王老师的画很有针对性,放置在投影仪器之下,总是那么有吸引力,一幅画总是要画许久,每次绘画的第一件事就是要在案上的画幅上画几条线或加几个点。画出大体轮廓框架，画到差不多,然后会仔细观察一会。然后,再画。老师写作不娇气,到时候就坐下写。写作时要喝点儿水,只有在给大家展示的时候的时候,他才会把节奏放慢下来,不惮繁难地一遍一遍地改。从老师对学生绘画的指导，看到老师的绘画境界。

从老师对《军民鱼水情》 的介绍，可得到不少知识，了解了大概绘画过程及其考虑的因素。下面是我对贾克梅蒂素描做片的理解。

二：贾克梅蒂用在视觉和意识的不断感知和流变的过程中, 通过抹去重画、反复描绘的方法,直指物象存在的真实状态,以追求新的表现方法。

当我第一次看到自己向往已久的贾克梅蒂的素描时，我的心被深深震撼了。一个苹果、一个杯子和一把椅子，如此平凡的物象，在他的视觉方式中竟然能表达得这样动人心弦。于是，我便自觉地走近了贾克梅蒂的素描作品，探索他的素描方法。

三： 贾克梅蒂1901年出生于瑞士，他的父亲是瑞士印象主义画家，也是他的启蒙老师。1922年贾克梅蒂定居巴黎，他早期受立体主义的影响，后参加超现实主义运动，但从1935年开始，他便主动切断了与这个时髦运动的联系，重新回到自己的故乡，从事绘画和雕塑工作。1966年去世。

在贾克梅蒂的素描作品中，大部分是描绘了他自己工作环境中的物象，这些物象都是生活中常见的东西，但却被他直觉地表现出来，他千方百计地在人与物之间寻找一种关系，希望得到一种共同语言，并按照自身的理解去创造新的表现方式。

贾克梅蒂的素描始终结合着他在观看过程中的具体描绘。贾克梅蒂这样说过：“绘画艺术只是一种看的方式。”他又说：“重要的是避免一切先入之见，试图只看那些存在着的东西”。这里的“看”，其实就是现象学式的直观，强调要返回事物本源，由此，我们可以理解为在描绘的过程中，应该严格地限制在直观中直接呈现出来的现象，抛弃一切主观的视觉经验和意识成见，完全依靠本质的直觉去观察物象，或者说是用眼睛去思考问题，努力寻找出一种最接近自然的视觉形象来，就象初生婴儿一样纯真地观看世界，完全在一种放松的状态下，去发现所表现的物象与整个环境的关系。这些对于一个成熟的画家来说又是何等困难！但贾克梅蒂却孜孜不倦地实践着用本质的直觉去思考问题、观察物象，并把自我完全融入于物象之中，用主体的心灵去聆听物象的心声，因此，他的作品已经超越了对象，超越了自我。

贾克梅蒂的素描从一开始都不是预先设计的，随着他观察时间的推移，在视觉和意识的不断感知和流变的过程中, 不断地否定和肯定他所追求的东西，他把

握对象，直指物体存在的真实状态。贾克梅蒂曾经说过：“写实主义在于原样模写一只杯子在桌上的样子，而事实上，所模写的永远只是它在每一瞬间所留下的影像。你永远不可能模写桌子上的一只杯子，你模写的只是一个影像的残余物。当我看一只杯子，关于它的颜色，它的外形和它上面的光线，能够进入我每一次注视的，只是一点点某种很难下定义的东西。这点东西可以通过一条条线，一个个小点表现出来，每次我看这只杯子的时候，它好像都在变，也就是说，它的存在变得很可疑，因为它在我的大脑是可疑的，不完整的。我看时它好像正在消失……又出现……再消失……再出现……，它正好总是处于存在与虚无之间。这正是我所想模写的。”

贾克梅蒂的素描力求在静止的画面忠实记录着描绘对象不断变化的过程，捕捉对象自身的存在方式。在人物写生的过程中，模特儿所摆的动作有时难免会有移动，贾克梅蒂为了想要准确地捕捉模特儿的外形，就用线条在画面上来来回回进行调整，做到及时修正模特儿微小移动的形体变化，贾克梅蒂不介意直接在画面上修改，他倒是认为这些改动不正是让你能看到他绘画的整个过程吗？因此，贾克梅蒂每次作画时，都会毫不犹豫地将上一次画的物象删改、抹掉，再按此时的感觉去重画，再抹掉，再重画。贾克梅蒂认为这种通过抹去重画，反复描述的方法，会大大加深了他对描绘对象的理解，体验着他所认知物象的真实。贾克梅蒂的这种描绘方式，使得充当他模特的诺德时常处于精神崩溃的边缘，心想是什么缘故使得贾克梅蒂的创作如此艰难，如此缺乏自信？诚然，贾克梅蒂这样反复的工作，并非他犹豫不决，而是他精确的演绎。所以，贾克梅蒂所描绘的画面到处呈现出不断修改过的密密麻麻的铅笔痕迹，并形成了痕迹叠痕迹的效果，画面看起来完全是草图性质。

如果我们看了贾克梅蒂的人物素描《安丽德》，刚开始时我们会觉得画面上的线条很零乱，当你再细心观察那浑沌一片，似乎显得乱糟糟的线条痕迹时，你就会发现画面人物其实是由横线、竖线、斜线和弧线的组合而成，这些线条组合是沿着一个十字坐标展开，并组成网状般的秩序结构，所有线条都趋向画面中心，而这个中心就是人物的面部，在这个中心之中，所有的线条又引向鼻端，并在鼻端这里反复强调，形成一个实体。这些线条在指向中心同时，又在相互交叠运行着，形成内聚，而身体的轮廓线却散落着，若隐若现地迷失在茫茫的空间里。贾克梅蒂把边缘线藏匿于背景里，大大加强了画面的次序感和节奏变化，使人物的形象在观者的眼中产生强烈的视觉纵深感和令人琢磨不定的心理感受。

再看了贾柯梅蒂的风景素描，几乎任何一个有受过艺术教育的人都会在作品面前感到困惑，这一堆乱槽槽的东西是什么呀？其中有一张称为风景素描的作品很难让观看者认同，在杂乱的线条中．依稀可辨的花园小路被堆积在画面中间的一侧，像是漂浮在空中的巴比伦花园，画面上方稀疏的线条如行人留下的踪迹。这些看上去非常杂乱和草率的线条，其实，这都是贾克梅蒂作画时不作刻意修饰而留下的整个过程的痕迹，仿佛他暂时离开画架，回头还需继续工作。因此，画面的许多地方还有意保留着未完成的状态，贾克梅蒂认为这是艺术作品真实的表现。

四： 综合上述，贾克梅蒂的素描表现方法是对传统的视觉模式的反叛、他将现象学的观察方式引入绘画领域、尝试用抹去重画、反复描绘的方法,来刻画表现对象在“不断流变、不断生成”过程的视觉印象, 力求运用新的表现方法，达到他对物象真实的体验。他的绘画理念，对处在复杂、多元艺术环境下的中国艺

术家具有深刻启示意义，引导着更多的艺术家走向成功的道路。

第五篇：素描论文

通过这一段时间对设计素描的训练，深有感触。首先我们开始的是对结构素描的训练，通过对理论知识的学习，深化了我对素描的理解。

姚老师一直说我的线条用的比较拘谨，线条是结构素描中最主要的艺术语言和表达方式，无论在塑造形体、表现体积和空间方面，还是表达情感方面，都显得十分明确。富有表现力和概括力。在开始学习时，首先要加强线条的熟练程度，要做大量的线条练习。提高线条质量，也就是说达到熟能生巧，“巧”线条才有质量，线条的质量是肯定有力轻松自如有松有紧，有虚有实有粗有细有深有浅，随着形体的变化而变化。作到变化中整体，整体中变化。这样我们的线条才富有生命力和动感。

先整体，后细节，再整体。素描的整个进程大致这样。但在深入描绘各个局部的过程中自然地形成了很多小的阶段，应当要求在习作的每个阶段都要考虑整体，并为掌握整体而调整整个画面，使每个阶段停下笔来都是一张形象生动的画、一个形象的产品。所以掌握整体是对局部而言，在一个阶段必须把主要精力用于刻画物象的整体特性，有了具体物体的整体特性才能有提高的基础能力。

素描包含了多种对比，教会我学会去观察。例如整体地观察，概括地看，联系地看„„.对这些知识的学习，可以更全面地去观察物体，更具体理解物体的结构。从最简单的几何体，通过观察与思考可以切割成另外的一个或几个几何体，特别是对于复杂的几何体通过这种方法可以更准确塑造形象，这样会更加准确，而且进一步将复杂的物体的组成部分的比例量出来，这样物体会更规范。我们便会对所画的几何体的理解更深刻。物体的写生，表面上看是枯燥乏味的，但学这将一个物体进一步观察，了解而它的结构。

通过对素描结构的学习，我感觉其实我们所学习的与生活息息相关的，生活中的一些常见的物品造型都是在简单的几何体的改造下而形成各种实用的或者是美观的用品，加深了我对学习的兴趣。多个物体的组合图，整体的构图也要有一定的节奏和规律这样整幅画才舒服，才有进一步深化的意义。所以组合图的整体效果很重要。当然对于结构素描也要学会灵活应用，可以熟练的从多角度去表现，这样可以加深对物体的理解，可以很容易地默写出来。后期所学的抽象的平面画和空间画，是将前面所学的东西进一步灵活应用。根据老师的讲解，我个人理解抽象的画，主要是夸张而不放肆。平面的抽象画是可以将一个物体错位分割，夸大，但一定要有主题要有节奏和规律。整体看来要有一种美的感觉。当然，我觉得在一幅平面抽象画中，可以将一个物体同时进行各种变化，整张画要呈现出要表现的效果。但不能乱拼凑没有整体的小过。

最后的这周又开始素描设计实训，其实也是和前面有联系的。来时要求通过一个自然形态，从不同的角度观察，用自己的观察能力而构思成另一种生活上的实物。我的作业是是以椅子为基础形象，虽然作品不是很突出，但我自己还是很努力画的，我会不断地改造，找到灵感设计出更好的作品。生活中这种美也很多，需要我们去发现。本学期所学的素描，给我很大的启发，体会最深的是我们所学习的东西是贴近生活，源于生活，启发于生活的。里面还有好多的只是需要不断地去学习去思考去探索。素描两个环节很重要，轮廓准确和注意材料。要求轮廓准确是克服造型似是而非的主要办法。造型似是而非是初学者最普遍的毛病。要求轮廓准确，可以培养学生在学习上严格的作风和求实的态度。这里所说的轮廓准确并不是说要在素描第一阶段就死扣轮廓。第一阶段打轮廓时，能做到构图恰当、比例准确、要点鲜明、形象明了。就应该是轮廓准确了。这是包装设计产品至关重要的一个环节。我是由高中纯理科生转向了这个偏文、偏艺的专业。而素描作为造型艺术的基础，也是我学习包装设计的基础中的基础素描学习即将结束，通过这次素描的学习，我对素描从一无所知到深入了解而进一步深入的认识。相信对将来的学习和设计工作一定大有裨益。

王婷

包装1101B

我是学包装设计的，是由高中纯理科生转向了这个偏文、偏艺的专业。而素描作为造型艺术的基础，也是我学习工业设计的基础中的基础，特别是我这样从零开始学习的学生，更要努力学习素描。在学习素描这段时间内，我认识到越来越受到人们的重视。不管什么风格的基础素描，它们的基本要求是一致的。只是对素描造型诸要素各有不同侧重而已。姚老师教导我们：在基础素描教学中应本着现实主义的原则，要求用写实的手法表现对物象的真实感受。作品应以客观物象为依据，根据对物象的认识和感受，艺术地表现一定环境与光影下的具体物质。工业设计是具体设计东西，不是需要飘逸的想象，而是实实在在的物品。

其中素描两个环节很重要，轮廓准确和注意材料。要求轮廓准确是克服造型似是而非的主要办法。造型似是而非是初学者最普遍的毛病。要求轮廓准确，可以培养学生在学习上严格的作风和求实的态度。这里所说的轮廓准确并不是说要在素描第一阶段就死扣轮廓。第一阶段打轮廓时，能做到构图恰当、比例准确、要点鲜明、形象明了。就应该是轮廓准确了。这是工业设计产品至关重要的一个环节。

注意整体是观察物象和处理画面的一种至关重要的方面。这就要求在开始完成一份素描作业时，要根据对物象的观察和感受，对整体效果有一个整体把握。先把整体大体定位起来，再进行局部细节的深入刻画。昨天和局部是对立和统一的关系，并不存在纯粹的整体，整体的丰富性有赖于对局部的深入刻画。

先整体，后细节，再整体。素描的整个进程大致这样。但在深入描绘各个局部的过程中自然地形成了很多小的阶段，应当要求在习作的每个阶段都要考虑整体，并为掌握整体而调整整个画面，使每个阶段停下笔来都是一张形象生动的画、一个形象的产品。所以掌握整体是对局部而言，在一个阶段必须把主要精力用于刻画物象的整体特性，有了具体物体的整体特性才能有提高的基础能力。

在学习的过程中，还要学会速写。看见一个好的产品，就要在脑海中形成一个明晰的轮廓，快速用笔速写出产品的整体外形和反应物体特色的局部。这要求快而准，这需要长时间的练习而达到这一步。

素描不仅是描摹表象，还要反应物品的内涵，“艺术”的再现。不仅要画对，而且还要看它是否有表现力，讲究线条与色彩，讲究画面的协调与组织。

通过素描的学习，奠定和夯实了今后创造的基石。

素色的描绘简洁说清了素描表现的语言特征，而素描作为一切视觉艺术的基础中之基础，其意义是非常深远的。首先，对于初学者来说，在未选定自己将来所要从事的专业方向之前，素描是必修课，是提高学画者基本造型能力所必须接受的训练，它无捷径可图，必须通过学画者自身的不懈努力一步一步的取得进展。其次，对于专业美术工作者，无论是大学生、教师、自由画家或大师，素描同样起着很大的作用，学生需要通过素描来不断的巩固自己的专业基础，教师同样需要素描来指导自己的创作，同时我们在翻阅一些大师的画册时也不难发现，大师在创作甚至写生之前也要先进行大量的素描实验来确定作品的方向，有些是侧重创作的构图也有一部分是分析解剖，总之素描是最直接有效的快速达到作者目的的方法，它不受材料的限制，随意性强，有利于画家以实验的方式拓宽自己的创作思路，更有利于提高初学者的造型能力，少走弯路，为日后的专业学习打下坚实的基础。

素描实训即将结束，但是我相信这段时间的学习会对自己以后的学习工作有所帮助。最后跟要老实的学习很愉快。

吴成伟

包装1101B

我以前没有绘画相关的基础，在班上的表现一般，不够认真，但是通过一年多的学习，包括这周的实训，我还是感觉很有收获的。

结构素描是以研究对象本身的结构为中心的，它不受环境自然光线的直接影响。所以在观察对象时，可以不管光线在物象上产生的明暗投影，而把主要精力放在物象的结构本身上，一个物体支撑他的框架是什么，找到框架就找到了结构了，不仅看清楚的地方要研究分析，看不清的地方也要研究分析。这样，就要求我们在观察对象时，要面面观前后左右都要看，而不是将眼光一开始就停留在某一角度，例如我们在画物体时，物体的长宽比例、大小比例、前后的透视关系比较，每个物体的高低比较和大面小面之间的比较，这些都是我们在观察时分析研究的对象。整体观察、整体比较、再整体去画，一下笔就要分清主次和前后关系。要把握主动权。在写生的过程中，迅速准确地抓住大的主要结构，抛弃那些小的起伏。使画面达到强烈、准确、生动的效果。这些都来自于对物体的仔细观察和研究。

我们研究结构素描不是目的，只是一种手段，结构素描不是将物象都画成几何形的堆砌，我们通过结构分析，是为了更清楚理解对象，做到心中有数，以便更好的去表现对象，作为学设计的人，重要的还是表现物体、理解物体，而对结构形体的理解与表现，可以帮助我们完美的完成设计构思。

由于结构素描是以理解、剖析结构为最终目的，因此简洁明了的线条是它通常采用的主要表现手段。结构素描画面上的空间实际上是对三维空间意识的理解，所以结构描要求画者具备很强的三维空间的想象能力。而关于三维空间的想象和把握，在很大程度上取决于思维的推理。结构素描要求把客观对象想象成透明体，把物体自身的前与后、外与里的结构表达出来，这实际上就是在训练我们对三维空间的想象力和把握能力。在形象的细节表现方面，结构素描所要表现的是对象的结构关系，要说明形体是什么构成形态，它的局部或部件是通过什么方式组合成一个整体的，为了在画面上说明这个基本问题，就要排除某些细节的表现。结构素描关心的是对象最本质的特征，这些本质特征要从具体的现实的形体中提炼和概括出来。

先整体，后细节，再整体。素描的整个进程大致这样。但在深入描绘各个局部的过程中自然地形成了很多小的阶段，应当要求在习作的每个阶段都要考虑整体，并为掌握整体而调整整个画面，使每个阶段停下笔来都是一张形象生动的画、一个形象的产品。所以掌握整体是对局部而言，在一个阶段必须把主要精力用于刻画物象的整体特性，有了具体物体的整体特性才能有提高的基础能力。

结构素描是设计教学中的一门重要课程，是培养学生造型能力和设计思维能力的基础。学习结构素描对于初学者来说，关键在于理解对象的结构，画准对象的造型。

作为刚刚才学习绘画的同学，观察方法的训练与观察习惯的养成非常重要。其中素描两个环节很重要，轮廓准确和注意材料。要求轮廓准确是克服造型似是而非的主要办法。造型似是而非是初学者最普遍的毛病。要求轮廓准确，可以培养学生在学习上严格的作风和求实的态度。这里所说的轮廓准确并不是说要在素描第一阶段就死扣轮廓。第一阶段打轮廓时，能做到构图恰当、比例准确、要点鲜明、形象明了。就应该是轮廓准确了。这是包装设计产品至关重要的一个环节。

学习很愉快，尽力完成的作品虽然不优秀，但是还是有长进的。

王硕

包装1101B

对于素描我并不陌生，毕竟以前有过相关的学习经验，而且这也是我比较感兴趣的一类学科，尽管有时态度并不是很认真，但总体来说，表现还是不错的。跟姚老师学到了一些东西，尤其是在之前接触不多的专业方面的。

一般来讲，用单色描绘的均称为素描，材料的简洁、语言的凝炼是其特点。在视觉艺术领域，素描是一种最本质、最朴素的表现形式，纵观大师的素描成就和具有现代意义的素描认识，都视素描为表述思想、情感、造型的最直接、最根本的视觉形式，如今它已成为视觉艺术各专业共同需要的造型基础。素描又是一种独立的艺术表现形式，他不仅能直接表达出视觉艺术中构图、形体、结构、透视、空间质感等造型的基本规律以及认识和表现自然事物的存在方式，还能开启艺术的美学意义和审美价值，引发出各种艺术表现手段，创造出多样的艺术形式，从而展开情景联想的翅膀，表达画家的所思所想，揭示情感和思想，并成为独立的艺术作品与其它艺术形式并存。

结构素描是设计教学中的一门重要课程，是培养学生造型能力和设计思维能力的基础。结构素描是以研究对象本身的结构为中心的，它不受环境自然光线的直接影响。所以在观察对象时，可以不管光线在物象上产生的明暗投影，而把主要精力放在物象的结构本身上，一个物体支撑他的框架是什么，找到框架就找到了结构了，不仅看清楚的地方要研究分析，看不清的地方也要研究分析。这样，就要求我们在观察对象时，要面面观前后左右都要看，而不是将眼光一开始就停留在某一角度，例如我们在画物体时，物体的长宽比例、大小比例、前后的透视关系比较，每个物体的高低比较和大面小面之间的比较，这些都是我们在观察时分析研究的对象。整体观察、整体比较、再整体去画，一下笔就要分清主次和前后关系。要把握主动权。在写生的过程中，迅速准确地抓住大的主要结构，抛弃那些小的起伏。使画面达到强烈、准确、生动的效果。这些都来自于对物体的仔细观察和研究。

结构素描以线为主，准确、有力、优美的线条，可以让画面充满生命力，丰富人们的视觉效果。注意整体是观察物象和处理画面的一种至关重要的方面。这就要求在开始完成一份素描作业时，要根据对物象的观察和感受，对整体效果有一个整体把握。先把整体大体定位起来，再进行局部细节的深入刻画。昨天和局部是对立和统一的关系，并不存在纯粹的整体，整体的丰富性有赖于对局部的深入刻画。

先整体，后细节，再整体。素描的整个进程大致这样。但在深入描绘各个局部的过程中自然地形成了很多小的阶段，应当要求在习作的每个阶段都要考虑整体，并为掌握整体而调整整个画面，使每个阶段停下笔来都是一张形象生动的画、一个形象的产品。所以掌握整体是对局部而言，在一个阶段必须把主要精力用于刻画物象的整体特性，有了具体物体的整体特性才能有提高的基础能力。

在学习的过程中，还要学会速写。看见一个好的产品，就要在脑海中形成一个明晰的轮廓，快速用笔速写出产品的整体外形和反应物体特色的局部。这要求快而准，这需要长时间的练习而达到这一步。

素描不仅是描摹表象，还要反应物品的内涵，“艺术”的再现。不仅要画对，而且还要看它是否有表现力，讲究线条与色彩，讲究画面的协调与组织。

素描是一门很有魅力的学科，越接触，越觉得会的还是很少。

米鑫

包装1101B