影片中歌剧鉴赏《曲与泪》

第一篇：影片中歌剧鉴赏《曲与泪》

影片中歌剧鉴赏《曲与泪》

电影《曲与泪》是由皮耶·格雷索主演，拉法耶罗·马塔拉佐导演的表现意大利歌剧作曲家威尔第一生的传记电影。片中听到威尔第谱写的一些著名的、最令人喜爱的咏叹调、进行曲和变奏曲。片中塑造了主人公才华横溢、知识渊博的形象。

影片《曲与泪》以倒叙的方法记录了威尔第从第一部歌剧诞生至最后一部歌剧完成的整个过程。当威尔第去世前躺在病床上追忆自己一生的音乐生涯时，时间回到了1839年。这一年他的第一部歌剧《奥贝尔托》获得很大成功，上演这部歌剧的斯卡拉剧院经理梅雷利，委托威尔第谱写喜歌剧《一为主王》，但由于恩妻爱子相继故去，心绪不佳，创作失败。威尔第的第三部歌剧《纳布科》在斯卡拉剧院上演，取得巨大成功，威尔第一举成名。剧中合唱《飞呀，思想，乘着金色的翅膀》，被公认为象征意大利人民反抗奥地利统治的民族战歌。《纳布科》演出之夜，米兰城甚至出现“威尔第万岁”的标语。剧中女主角扮演者朱塞平娜·斯特莱尼，于1859年成为威尔第的第二任妻子。继《纳布科》之后，又谱成《伦巴底人》与《欧那尼》等`13部歌剧。自1851年起相继完成《弄臣》《游吟诗人》与《茶花女》三大歌剧杰作，威尔第成为闻名欧洲的“意大利歌剧大师”。这期间，他还谱写了《吹响号角》等艺术歌曲，对意大利人民争取自由与统一祖国的正义斗争起到了重大作用。威尔第的晚年时期，正是瓦格纳影响遍及欧洲之时。面对瓦格纳歌剧渗透的形势，威尔第坚持意大利歌剧的民族传统，走歌剧改革之路，1871年完成四幕歌剧《阿伊达》。此后，他遁居故乡16年，写些四重奏等小型作品。1887年，重振旗鼓写出世界名著的《奥赛罗》与《福斯塔夫》两部歌剧瑰宝。《福斯塔夫》完成后的8年里，威尔第又隐居乡下做些慈善事业。1897年，妻子斯特莱尼逝世后，迁居米兰谱写宗教音乐，他以87岁之高龄结束光辉的一生。

一、影片中歌剧咏叹调的运用

影片开始就以歌剧《奥赛罗》第四幕《奥赛罗之死》拉开帷幕。《奥赛罗》是威尔第创作晚期的一部杰作，是建立在传统歌剧基础上的现代音乐剧。这部作品实现了完美的形式和深刻的内容之间的高度统一，从而赋予它更强大的艺术力量。《奥赛罗》中最著名的咏叹调包括：第一幕中的《饮酒歌》，第二幕中埃古的《信经》，第三幕中奥赛罗关于德丝蒂莫娜不忠贞的独白以及第四幕中的《杨柳之歌》、女高音庄重的《圣母颂》和《奥赛罗之死》。《奥赛罗》的剧本是意大利著名诗人和歌剧脚本作者阿里戈博伊托根据威廉·莎士比亚的同名悲剧改编。他运用“契纲领，简头绪”的方法，使脚本既保持了原作的精髓，又适合歌剧舞台。1887年2月5《奥赛罗》首演于米兰的斯卡拉剧院，一举获得成功。至今每场演出都会给观众留下深刻的印象，是威尔第探索高峰的代表作之一。《奥赛罗》的音乐可以用“完美无缺”四个字形容。威尔第在《奥赛罗》这部剧里，完美并深化了他早期作品中的歌剧表现技巧，仍然保持着意大利歌剧的传统风格。大段优美动人的旋律和永远令人陶醉的美声，一首首咏叹调感人至深。同时又汲取了瓦格纳“乐剧”的创作手段，进一步发挥了管弦乐队的表现力，加强了歌剧中音乐的作用和歌唱的戏剧性。威尔第在《奥赛罗》里完美地加强了他早期的歌剧技巧，进一步发展了他的配器法，但既未失去他超凡脱俗的旋律，也没有盖过歌唱家的声音。(更多电影尽在www.xiexiebang.com www.xiexiebang.com)

影片中威尔第曾出现两个心爱的女人，第一任妻子是他的同乡，善良、美丽，但当他事业未见起色之时就因病去世了。第二任妻子是当时意大利著名的女高音歌唱家斯特莱尼，当两人热恋之初，斯特莱尼为了不影响威尔第歌剧事业的发展，毅然决定离开威尔第时演出了歌剧《埃尔纳尼》中的著名咏叹调《埃尔纳尼，一起逃走吧》。歌剧《埃尔纳尼》是根据雨果原著改编后作曲的第五部歌剧，是威尔第从丧妻丧子的打击中复原后，以浪漫的恋爱题材谱成的、热情洋溢的作品。威尔第首次取用浪漫的题材作曲，旋律比前两部更为流畅，虽然稍嫌粗犷，却具有强烈的倾诉力。当威尼斯的费尼杰剧院委托威尔第谱写新作时，在剧院经理建议他取用雨果的《埃尔纳尼》作曲时，他便欣然同意了。1844年此剧在威尼斯的费尼杰剧院首演。特别是第三幕的《阴谋的合唱》，激起了人们的爱国心，刺激了当时的民族运动。结果，歌剧《埃尔纳尼》不仅在意大利国内博得崇高的声誉，也使威尔第的盛名传遍世界。

《里戈勒托》是威尔第最成功的名作之一，又称为《弄臣》，他一生中写出的著名作品包括《茶花女》《奥赛罗》等，但巩固他在意大利歌剧界不朽地位的，却是这部曲调光辉、情节曲折、内容充实、魅力洋溢的《里戈勒托》。咏叹调《女人善变》一曲，由于容易唱、容易记，预料必定会流行，威尔第于是将曲谱一直保密到首演那一夜才交给歌手。首演后，此曲果然传遍威尼斯的大街小巷。威尔第根据皮亚韦精心改写的剧本作曲，在接近完成时，突然接到检察机关禁止演出的通知，为能让此剧公演，剧名从原来的《诅咒》改为《里戈勒托》，地点从原著的巴黎改为意大利北部的曼图亚，人物由弗朗索瓦一世变成曼图亚公爵，驼背的弄臣特里布烈也改为里戈勒托，里戈勒托的女儿由蒲兰改为吉儿达。当《里戈勒托》首演后观众立刻喜欢这个剧目。剧中第二幕第四景里戈勒托演唱的咏叹调《把我的女儿交出来》也是抒情性、技巧性较高的咏叹调。剧中吉尔达的咏叹调《亲爱的名字》，一开头就是下行的大调音阶；公爵之歌《女人善变》中，前几句都在一个八度里，十分简洁，但一下子就能抓住听众的心。

二、影片中歌剧重唱及合唱的运用

影片中威尔第歌剧的咏叹调无疑是最能打动观众的曲目，但他的歌剧中也不乏经久不衰的重唱和合唱作品。

合唱在歌剧中的作用主要是烘托气氛，威尔第创作的第三部歌剧《纳布科》中合唱曲《飞吧，思想，乘着金色的翅膀》是威尔第一生中最钟爱的乐曲之一。这部歌剧是在他的两个孩子和爱妻相继因病去世的悲痛处境中所写的《一之王》（1840年）失败后创作的。当威尔第看到根据《旧约圣经》中巴比伦王尼布甲尼撒故事写成的《纳布科》（全名应为《纳布科多诺佐尔》）剧本，将威尔第从心灰意冷中拯救出来。他将阿比盖尔的角色想象成朱塞平娜在演唱，挥笔疾书，终于将全剧杀青。1842年，此剧在米兰斯卡拉剧院首演时博得热烈喝彩，尤其那强有力的合唱，更赢得空前佳评，此后接连上演，不久便传遍各国。《希伯来奴隶合唱》是歌剧《纳布科》第三幕第二场，是由被迫戴着脚镣进行繁重劳动的希伯来人唱的。它是欧洲歌剧中最有名的合唱之一。在这出剧首演那天，合唱刚完，就引起全场巨大的欢呼和热烈的掌声。在此剧中，希伯来祭司长扎卡里亚对成为俘虏的希伯来人传扬奇妙之神后，众人唱出脍炙人口的合唱《飞吧，思想，乘着金色的翅膀》。这首《希伯来奴隶合唱》是升F大调、广板，用回旋曲式写成。它前面有一大段前奏，描绘希伯来人正经受着苦难，带有悲愤的情感。在主和弦的分解和弦引导下，沉重的合唱开始了，主题四个乐句，情绪比较压抑。《纳布科》之得以投合当时的民心，不仅是由于它雄伟的构想，剧中受巴比伦暴政压迫的犹太人，也正好反映当时在奥国强权下受苦的意大利人民。当威尔第离开人世时，送葬队伍演出合唱曲《飞吧，思想，乘着金色的翅膀》来表达人们对他的眷恋与不舍。

三幕歌剧《茶花女》中第一幕第二场的男女声二重唱《饮酒歌》几乎家喻户晓：它由主人公阿尔弗莱德和薇奥列塔唱出，中间插入合唱。该曲采用圆舞曲节奏，以大六度跳进与下行级进以及充满活力的装饰音为其特点，表达对青春、爱情的赞美和渴望。歌剧《茶花女》完成于1853年，剧作家皮阿威根据小仲马同名戏剧写成脚本，歌剧通过薇奥列塔这个被迫害的妇女形象，控诉了上流社会的门第、道德的虚伪性，威尔第敢于向上流社会和传统势力挑战的大无畏精神，是值得赞扬的。威尔第的音乐创作大胆运用了通俗元素。在歌剧《茶花女》中最显著的音乐特征是一方面，它拉近了观众的欣赏趣味，使已经被视为高雅艺术的歌剧与民间社会通俗流行音乐完美地结合了起来；另一方面，威尔第运用精湛的艺术技巧，把通常只是表现欢快情绪的圆舞曲变成了集中表现女主人公惊喜、欢乐、悲伤、沉重等情绪的载体，并形成了一种风格。这一点在之前或同时代的歌剧作曲家中是绝无仅有的。此外，这部以19世纪法国生活为题材的歌剧音乐，采用了作曲家的祖国——意大利本土的音乐语言，不仅使音乐优美动听，更是极大地增强了观众的认同感。在歌剧《茶花女》中，出现了许多圆舞曲风格的作品，增加了剧情华贵的艺术气息。重唱也是歌剧中的精彩之处：其中第一幕中的男女声二重唱《饮酒歌》、薇奥列塔与亚芒的二重唱《请告诉那纯洁的姑娘》以及全剧最后的阿尔弗莱德与薇奥列塔的二重唱《离开巴黎》。

三、结语

在威尔第众多的歌剧作品中有弄臣的空虚感情，阿伊达忠贞不渝的爱，埃古的阴险狡诈，奥赛罗徒劳无益而且愚蠢的妒忌以及阿珠奇娜近于疯狂的复仇心理。他的人物基本上是软弱和自欺欺人的，重要的只是他们的激情而不是他们的行动„„威尔第笔下的男男女女都可以卸下他们的外表，脱去16世纪的皱领、埃及外衣、威尼斯的甲胄和吉卜赛人的长袍。威尔第在音乐中、在歌剧中向我们展示了人类这些不变的因素，体现了歌剧的本质，把人的情感从文学描写转化为纯音乐。威尔第塑造的不是英雄，而是激情，他就是这激情的英雄和胜利者。

第二篇：歌剧鉴赏

中外歌剧鉴赏—我的观后感

这学期的选修课我选修了《中外歌剧鉴赏》，在为期30课时的时间里，我了解了歌剧的起源、发展、特征及歌剧声乐的分类，认识了莫扎特、威尔第、罗西尼、贝利尼、唐尼采蒂等等歌剧名家，更是观看了《茶花女》、《卡门》、《歌王卡索鲁》、《猫》、《原野》及讲述土尔扈特部不远万里回归中国壮举的《苍原》，深深地喜欢上了歌剧这门艺术。

歌剧是将音乐（声乐与器乐）、戏剧（剧本与表演）、文学（诗歌）、舞蹈（民间舞与芭蕾）、舞台美术等融为一体的综合性艺术，通常由咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、序曲、间奏曲、舞蹈场面等组成（有时也用说白和朗诵)。早在古希腊的戏剧中，就有合唱队的伴唱，有些朗诵甚至也以歌唱的形式出现；中世纪以宗教故事为题材，宣扬宗教观点的神迹剧等亦香火缭绕，持续不断。但真正称得上“音乐的戏剧”的近代西洋歌剧，却是16世纪末、17世纪初，随着文艺复兴时期音乐文化的世俗化而应运产生的。

歌剧是综合音乐、诗歌、舞蹈等艺术而以歌唱为主的一种戏剧形式。近代西洋歌剧产生于十六世纪末的意大利，后逐渐流行于欧洲各地。辛亥革命以后，尤其在1930年代，也有把中国宋、元以来的戏曲，称为歌剧或旧歌剧的 歌剧唱腔由歌手所扮演的角色依照他们各自不同的音域、敏捷度、力量和音色来分类。男性歌手由音域低至高分为：男低音、男中低音、男中音、男高音、假声男高音。女性歌手由音域低至高分为：女低音、次女高音以及女高音。女高音也可细分为花腔女高音和抒情女高音等不同种类。基本上男声的音域皆低于所有女声，但某些假声男高音能唱到女低音的音域。而假声男高音唱多见于古代谱写的由阉伶所唱的角色。

在以音域分类后，往往还会加上一些关于唱腔的形容词，如抒情女高音、戏剧女高音、庄严女高音、花腔女高音、轻俏女高音。这类术语，虽然不能全面形容一把声音，但往往能把不同的声音归类，放入不同的角色当中去。某些歌手的声音会突然发生剧烈的变化，或者在而立之年甚至人到中年，声音才达致成熟的辉煌状态。

歌剧可分为中国歌剧和外国歌剧，而中外歌剧也有不大相同的地方，有相同点，也有不同点。

相同点有：

1.都有故事、有人物、有音乐、有歌曲。

2.角色上会都有男高音、女高音、男中音、女中音等用以区分角色。

3.都会有独唱、二重唱、对唱、合唱等不同的演唱形式，以丰富演唱方式。不同点有：

1.中国新歌剧都受民歌影响，有大量的分节歌，没有西洋歌剧那样的咏叹调、宣叙调。有许多对话。

2.中国歌剧用汉语演唱；西洋歌剧用意大利语演唱。

3.中国的歌剧对白直接说话；西洋歌剧用宣叙调唱出来。

4.中国歌剧的音乐比较民族化，旋律比较简单，看完以后可能能够记住几句；西洋歌剧看后可能不知所云。

5.总的说来，西洋歌剧气势比较大，音乐创作比较考究，比中国歌剧略胜一筹

在古典歌剧、现代音乐剧、中国歌剧中，我更喜欢古典歌剧。

一是，古典歌剧的舞台有场景，有美工，更主要的是它有一个故事情节贯彻于整个歌剧艺术作品中，故事情节更有感染力和震撼力，使人不经意中融进歌剧的故事情节里，与歌剧中的主人公同喜共悲，使人更容易感受到歌剧的伟大。

二是演唱者的临场的表现力。在整部歌剧的演出中，演唱者的表现力被视为主要的地位，因而相对现代音乐剧和中国歌剧来说声乐的表现力和感染力更加强大，而舞台背景等一系列因素倒让人忽略了。

三是为了保持演唱者和乐队的某些平衡点，歌剧的作者往往在音乐表现力上下苦功夫。这主要表现在对歌剧的序曲和间奏曲的创作上下工夫。也因此古典歌剧的音乐相对现代音乐剧和中国歌剧来说也更加优美，更有感染力，使观众的情感随着歌剧音乐声响起伏悲喜。

关于歌剧，我更愿意看到情节更加曲折跌宕，舞台背景更加雄伟壮丽的歌剧。对此，隔剧可以增加歌剧的幕数，减少每幕的时间，从而可以在未增加歌剧演出时间总长度的情况下使得歌剧的情节更加曲折、更加跌宕起伏。还可以利用现代科技手段来布置舞台背景，使得舞台布景更加富丽堂皇，还可以利用吊钢丝、舞台灯、舞台屏幕等，是歌剧更有观赏性和艺术性。

第三篇：歌剧魅影鉴赏

《歌剧魅影》影评

《歌剧魅影》，讲述了一个发生在1881年的巴黎的故事。一个卡西莫多似的苦命人游荡在巴黎歌剧院迷宫般的地下室中。年少的不幸让人们同情他的身世，但丑陋的面容更使人们对他恐惧与排斥，不知道他来了歌剧院多少年，但他安于成为人们心中的魔鬼，成为歌剧院的幽灵。

这幕歌剧，便是讲述这个歌剧魅影的传奇故事。

1.一出悲喜剧

在这场歌剧中，有人只出现短短的一瞬，便消逝了。有的人却经历物是人非的变迁，依然健在。有的人咆哮命运的不公、向社会报复，有的人享受贵族的荣耀与幸福，安享生活。沉陷于爱情的泥沼，或者为爱疯狂。所有的一切，都发生在巴黎歌剧院的剧场内。这是一幕爱恨交织的悲喜剧。结局出人意料，却也是皆大欢喜。

2．一个关于爱的故事

什么是爱？谁能说得清道得白呢？两情相悦的幸福，背后总有自我牺牲的悲壮。包容是爱，宠溺是爱，暗恋是爱、依恋是爱、虐恋也是爱„„我们每个人都深深的陷入爱的漩涡。期待着、享受着、回味着、追忆着爱。

剧院魅影，一个出生于贵族家庭的“象人”，面具是他来到这个世界以后穿的第一件衣裳。仅仅是因为他的容貌。他被光鲜的世界排斥了，没有尊宠、没有关爱。漂泊四方，在任何地方都成为别人猎奇的目标，甚至成为马戏团铁笼中的小丑。„„

喜爱“魅影”这个角色，因为他虽然容貌丑陋，但这掩盖不住他那与生俱来的贵族气质，遮蔽不了他出众的才华，也无法抑止他对爱的追求。他爱克里斯汀，一个巴黎歌剧院里看上去默默无闻的舞者。“魅影”为她创作优美的音乐、华丽的歌剧、教导她歌唱、训练她的舞姿。帮助她成为一个令整个巴黎倾倒的女神。

“魅影”以为克里斯汀就是他的，或者说是因为他向她倾注了所有的热情。她代表了他所有的理性（对音乐的热爱）与非理性（对爱的痴狂）的追求。当克里斯汀与拉乌尔在巴黎歌剧院的楼顶海誓山盟的时候，魅影的心碎了。再次感到无依无靠、被抛弃。凄厉的呼喊响彻巴黎的夜空，却仍然无法改变命运的安排。

他并不想复仇，或者说，他也知道自己无力改变现实世界中的一切，所以他才会使用偷梁换柱的手法，杀死皮昂吉，把自己扮演成唐璜，成为他为克里斯汀创作的歌剧中的角色，在厚厚的披风下掩饰自己的面容，在警察遍布的巴黎歌剧院中，在舞台上与他心中的爱人上演这幕绝唱。希望在他自己创造的世界中，成为爱的主宰。

为了占有她、霸占她吗？未必。因为当克里斯汀不在乎他的容貌，给他深情的一吻时，他颤抖了。我甚至能感觉到那副“怪兽”似的脸上在流泪。这是一种幸福的感觉，一种常人难以体味的幸福。他并不残忍，也不缺同情心，他需要的是他人的尊重，所爱的人对他的尊重。

他可以放弃克里斯汀，让她与拉乌尔远走高飞。但希望看到克里斯汀的坦诚，看到拉乌尔的执着。当拉乌尔宁肯被吊死，也不愿放弃克里斯汀的时候，魅影明白了，这个看似柔弱的男人，拥有更大的勇气。对爱的追求，能给人和脆弱的人带来巨大的勇气。爱的力量能促使我们忘记一切恐惧、去争取。

也许我们可以说，魅影的残忍来自于他童年的不幸经历、来自于他自卑的人格。但我们又怎能评价一个人人格的优劣呢？每个人都是在一次次的伤害中成长。受到别人伤害的时候，往往也会伤害别人。

但我觉得，拉乌尔对克里斯汀的爱，更多的是一种对年少伙伴的梦幻般想象。或者说，歌剧在对他们两人爱情的刻画上多少显得有些单薄。让人感到只是一个灰姑娘遇见王子的梦幻。甚至让人以为，克里斯汀因为拉乌尔贵族的身份和财富才跟他在一起的。

而拉乌尔和克里斯汀后来怎样呢？无从得知。歌剧开始的拍卖会上，为什么只有拉乌尔一个人呢？克里斯汀呢？30年的时间已是沧海变桑田，但这个倾城的美丽女孩，是否已长眠地下了呢？更不知道她是否还记得那个拥有丑陋却极富才华的 魅影。

3.一种令人心醉的美丽

华丽的服饰、精致的布景、变幻莫测的舞台，再加上专业的演员。使得这幕百老汇的歌剧显得如此美丽。从演出开始，巴黎歌剧院的拍卖会上展示第663件拍品的时候，就感觉自己仿佛来到了1911年的巴黎。昏暗的拍卖会现场、垂垂老矣的拉乌尔，落满灰尘的海报，有些机械失灵的铙钹，倾覆的吊灯，让人情不自禁的投入其中。

倏的一下时空倒转，30年前的巴黎歌剧院一片金碧辉煌。《汉尼拔》的排演，有些耍大牌的皮昂吉腆着肚子在演唱。灯光照得他将军的盔甲闪闪发亮。只有惊叹的份。„„

当场景转移到歌剧院的地下湖时，干冰营造出梦幻般的效果。小舟在湖面穿行。魅影此时仿佛变成驾驶贡多拉的船工，引领着克里斯汀来到他的宫殿。

巴黎的迷人夜景。街巷里闪烁的烛光与满天繁星呼应。仿佛在星河中徘徊。

克里斯汀来到她父亲的墓前倾诉心声与困扰。魅影出现在十字架旁。深情的演唱，矛盾的心理，灰暗的服饰、苍白的面具，加上幽暗的十字架。让人也为他感到无限悲哀。

而当歌剧的最后，一个女孩来到曲折的地下室，发现魅影那件披风下的面具，拿起端详、定格的时候，忽然间感到时光流转。这感觉不亚于电影中的蒙太奇镜头。看到这个场面，我是第一次彻底折服于剧场演出的魅力。令人无法言表的感动，那是一种令人心醉的美丽。

第一次进上海大剧院看演出，深深的折服于歌剧的魅力。只能说，《歌剧魅影》带给我的感觉，就是一段传奇，一出悲喜剧，一个关于爱的故事，一种令人心醉的美丽。

第四篇：歌剧名作鉴赏

歌剧鉴赏-----西方经典《托斯卡》与东方名作《木兰诗篇》

歌剧于16世纪末产生于意大利的佛罗伦萨。歌剧（opera）是将音乐、戏剧、文学（诗歌）、舞蹈（民间舞与芭蕾）、舞台美术等融为一体的综合性艺术，通常由咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、序曲、间奏曲、舞蹈场面等组成（有时也用说白和朗诵)。世界上第一部公认的歌剧是1607年由蒙特威尔第创作的《奥菲欧》。从此，歌剧以它独特的魅力逐渐成为欧洲最重要的音乐体裁。歌剧的唱腔，根据歌手所扮演的角色依照他们各自不同的音域(tessitura)、敏捷度、力量和音色(timbre)来分类。男性歌手由音域低至高分为：音、男中低音、男中音、男高音、假声男高音(sopranist/countertenor)。女性歌手由音域低至高分为：女低音、次女高音以及女高音。女高音也可细分为花腔女高音和抒情女高音等不同种类。器乐部分通常在全剧开幕时有序曲或前奏曲，在每一幕中，器乐除作为歌唱的伴奏外，还起联接的作用。幕与幕之间常用间奏曲连接，或每幕有自己的前奏曲。在戏剧进展中，还可以插入舞蹈。歌剧的音乐结构可以由相对独立的音乐片断连接而成，也可以是连续不断发展的统一结构。世界著名的歌剧有《卡门》《图兰朵》《茶花女》等等，中国的歌剧有《江姐》《木兰诗篇》等等。

《托斯卡》（Tosca）是G.普契尼在1900年创作的3幕歌剧，于1900年1月14日在罗马科斯坦兹剧院作首次演出。1800年，罗马画家马里奥·卡瓦拉多西因掩护政治犯安格洛蒂而被捕受刑，歌剧托斯卡女演员托斯卡正热恋着他。警察总监斯卡皮亚被托斯卡迷住，答应使她的恋人获得自由。作为回报，她得委身于他。托斯卡被迫假意顺从，在警察总监刚写完假处决的命令后，趁其不备用刀刺死了他。黎明时，马里奥被带到刑场，托斯卡告诉他这只是假处决，谁料这是警察总监耍的花招，马里奥真的被处决了。这时刺死总监一事已经被人发现，并认定斯卡尔皮亚是托斯卡所杀。托斯卡发现斯卡皮亚被谋杀的卫兵赶来逮捕托斯卡，托斯卡对卡瓦拉多希告别后跳下行刑台自杀，普契尼在此以（今夜星光燦爛）來當終曲。剧中的咏叹调十分著名。这里选用的是托斯卡的咏叹调《为艺术，为爱情》和卡伐拉多西的咏叹调《星光灿烂》。其中《星光灿烂》是剧中最著名的咏叹调，是卡伐拉多西在第三幕中所唱。卡伐拉多西深情唱到：“……甜蜜的亲吻，和那多情的拥抱，使我多么惊慌，她面纱下美丽的面容和身材……”正是因为作者把最丰富的感情融汇于完美的形式中，使这首咏叹调永传后世。看完这部歌剧，心里都充满了感动。我感受到托斯卡这位柔弱的女子因为爱情而有了那么大的勇气，她的骨子里充满了坚强，而且她心地善良，诚实，所以他相信警察总监不会骗他。当士兵们要逮捕她时，他没有甘愿被俘获，而是选择自杀，可见她不屈的精神，不畏牺牲的胆量。看了托斯卡，真是为她的精神鼓舞，为她的结局惋惜。

与《托斯卡》不同的是，中国歌剧《木兰诗篇》是一部本土原创、展示英雄主义精神、集中国妇女美德于一身的优秀作品。该剧以交响乐和情景歌剧的崭新形式弘扬伟大的中国文化和民族精神，展现中华儿女乃至全人类热爱生活、追求真善美、呼唤和平与正义的崇高精神境界。该作品取材于在中国家喻户晓的花木兰女扮男装替父从军”的古老故事，这个中国传说中的动人故事也为世界人民所熟知和喜爱。中国歌剧《木兰诗篇》由作曲家关峡作曲，剧作家刘麟编剧，以《木兰辞》为主要框架，又在古辞基础上对内容进行了引申。《木兰诗篇》以交响乐为主体，吸纳和融汇了歌剧、音乐剧、戏剧、清唱剧、情景剧、舞蹈等适合情景表演的元素，为其注入新的内涵，通过具有民族特色的音乐演奏、演唱，使作品情景交融、浑然一体。著名歌唱家彭丽媛出演花木兰一角是这部剧作的最大亮点，同时也折射出我国民族声乐女高音的深厚艺术功底和造诣，极为生动的凸现了花木兰这一中国古代巾帼女英雄的艺术形象。全剧之中除了为营造第四乐章“安魂曲”的音乐氛围使用了一段诗剧般的独立韵白之外，没有一句脱离音乐的语言与对白，音乐真正成为了这部作品的主体。作曲家将人物内心世界感情的抒发，放在由音乐铺成的戏剧性支点上，因此，大段的咏叹调与重唱都写得极富

光彩与感染力。整台演出具有着浓郁的中国风格和独特的艺术魅力。是一部经典之作。欣赏完这两部歌剧，真是大饱眼福。一个是西方经典代表，一个纯粹的东方名作。《托斯卡》。他们也有共同点：都有着宏大、辉煌的场景，有着演员真情的流露，将心里活动用艺术的形式表演的淋漓尽致，和欣赏者产生心灵的共鸣。都是将音乐、喜剧、文学、美术、舞蹈完美的融为一体的综合性艺术，都很有表现力。这两部歌剧也有明显的不同，《托斯卡》，在这部歌剧中，注重音乐的感情渲染和戏剧性效果，全剧始终强调声乐的重要性，有许多精彩唱段。例如第二幕托斯卡的咏叹调，为了艺术，为了爱情。第三幕卡瓦拉多西的咏叹调，星光灿烂。剧中人物性格的刻画很深刻，有很强的艺术感染力。而《木兰诗篇》该剧融汇了交响音乐、歌剧、音乐剧、舞蹈与中国传统戏曲等多种艺术元素，独具风采。生动表现了花木兰的对父母的孝顺，对国家的忠贞，对士兵的关心，还有勇猛杀敌、不畏牺牲的巾帼英雄的豪迈气概。歌剧是一种综合性艺术，规模宏大，而且舞台效果形象逼真，欣赏歌剧是一种很好的提高艺术素养的方式。本学期我们欣赏了《卡门》《托斯卡》《茶花女》等世界经典，也欣赏了新发展的中国歌剧《江姐》《木兰诗篇》，通过本学期的学习，我更加喜欢艺术了，也喜欢歌剧！

第五篇：《洪湖赤卫队》歌剧鉴赏

《洪湖赤卫队》歌剧鉴赏

一、剧情简介

第一场：洪湖

演员：赤卫队队员以及洪湖的乡亲们

剧情：民团组织白极会首领彭霸天勾结保卫团冯团长包围了彭家墩，洪湖的乡亲们几赤卫队想要和敌人战斗，以保卫家园，而在秋菊劝说乡亲们冷静无果的情况下，彭家墩乡党支部书记韩英和大队长刘闯，根据县委指示，率赤卫队主动撤退。第二场：彭宅后院 夜

演员：彭霸天、冯队长、张副官、老么、胡子爹及其孙女、赤卫队队员

剧情：彭霸天在后院设宴招待客人庆祝占领彭家墩，胡子爹按韩书记的指示与其孙女唱讽刺彭霸天的曲子，张副官假装生气掩护其撤退。宴会散后，深夜，赤卫队潜进彭宅后院，将冯团长送给彭霸天的缴获的枪支全部偷走，在被发现后，张副官故意误导白匪，好让其撤退。第三场：湖区 赤卫队临时据点 夜

演员：赤卫队队员以及洪湖的乡亲们、白匪

剧情：赤卫队队员庆祝打了一场漂亮仗（夜潜彭宅），庆祝过后，韩英接到彭霸天撤出彭家墩的消息，怀疑是想让他们返村后，将起其一网打尽。后又接到县委指示，说彭霸天可能率白匪前来搜湖。此时，王金标即赤卫队分队长回来了，其后跟着一假装成渔民跟踪而来的白匪，刘闯不忿其言语而开枪，从而暴露了目标，冯团长和白匪押着乡亲们逼撤退了的赤卫队现身，韩书记不忍乡亲受苦，单个前来阻止，寡不敌众，被捕。第四场：一间牢房

演员：韩书记、韩母、彭霸天、张副官、刘闯、秋菊、赤卫队队员

剧情：彭霸天欲从韩英处下手，想让韩英写下招降书，并抓来了韩母，企图以母女之情软化韩英，韩母却让韩英写下革命壮语，彭霸天命人鞭打韩母以此威胁韩英，韩英誓死不从。刘闯在失去与领导联系的情况下，仍频频出击。张副官营救韩英时遭阻，韩英这才知道王金标叛变了。张书记牺牲自己救出了韩书记。第五场：芦荡深处 夜

演员：王金标、韩英、赤卫队队员

剧情：韩英逃回赤卫队据点，刘闯等人欣喜不已，此时王金标回来谎称窃听到彭霸天要将韩英带往南昌从而欲将赤卫队引到南昌，这时韩英却出来了，赤卫队队员这才发现王金标叛变。尾声

演员：赤卫队队员以及乡亲们、彭霸天、冯团长

剧情：冯团长在贺龙率领的红二军来援时放弃与彭霸天合作，而赤卫队在配合红二军剿灭白匪并先后绞杀了冯团长及彭霸天，取得了完美的胜利。赤卫队及乡亲们开心的返回彭家墩，高唱“洪湖水，浪打浪„„”

二、总体介绍

（一）《洪》歌剧的发展背景

1959年湖北歌剧团创作的《洪湖赤卫队》具有磅礴的气势和浓郁的民族艺术特色，该剧音乐是建立在经过艺术处理后的洪湖民间音乐的基础之上，并吸收了西洋戏剧、戏曲的艺术特长，成为一种性格化的音乐，对成功的表现举重的任务剧中的人物的内心感情起到了很大的作用。是直接集成《白毛女》的艺术经验并加以创造性发展和丰富的歌剧样式，和《江姐》一到迎来第二次歌剧高潮，在中国人民心中有着同《白毛女》一样的崇高地位。

（二）唱腔

此剧立足于天沔花鼓戏曲音乐、和天门、沔阳、潜江即襄阳一带的民间音乐，在创作上还吸取了黄陂、孝感乃至于外地的音乐素材，具体运用了天沔花鼓戏中的高腔、高悲腔、沔阳渔鼓、三棒鼓、小曲和许多民歌。在人物的对唱中，作者吸取了外国歌剧常用的“咏叹调”和我国戏曲音乐中常用的曲牌、板腔以及民歌中的拖腔等表现手法，做到了音乐性与戏剧性的完美交融。

（三）《洪》歌剧的特色

1.革命抒情性与革命激情得到了统一：在该剧中，赤卫队以及乡亲们抒发了对党的热爱和勇于和敌人斗争的战斗激情；

2.浓厚的生活气息和鲜明的人物形象的统一：《赤卫队之歌》从民间歌曲中脱颖而出，革命斗争有赋予原曲新的素质。3.地方色彩与兼容并包的统一：该剧立足于汉江平原的民间小曲、三棒鼓、渔鼓、道情、花鼓戏音乐为基础。继承了民歌戏曲中现实主义与浪漫主义相结合的创作传统，借鉴了西洋歌剧的艺术形式和手法。

（四）人物的塑造

韩英：该剧通过多方面表现韩英的内心世界，背景音乐以及韩英自己内心独白无不表现了韩英的英勇机智和对未来美好生活的憧憬，在牢房里，与其母的告别感人肺腑。在其母遭鞭笞，而自己又不得不忠于党的两者的纠结下，韩英泣不成声，孝子的形象与热爱党的形象地得到完美塑造。

刘闯：该剧通过刘闯作为大队长很好的带领了赤卫队打了胜仗塑造了刘闯机警、足智多谋的形象。在韩英被捕和与党失去了联系的险恶环境下，刘闯在巨大的压力之下弯了背，可最后仍挑起重担站直腰挺起背，频频出击白匪以及保安团。忠于党，关爱战友的高大形象令人记忆深刻。

彭霸天：该剧对彭霸天凶狠毒辣的形象塑造的很到位。刚出场时，在皇撵的陪衬下，彭霸天的野心及贪婪昭然若揭；在牢房“亲切的”逼迫韩英写下招降书，阴险狡诈的形象被诠释得很到位；在被赤卫队围剿时，狼狈逃窜，贪生怕死的形象发人深省。

赤卫队队员以及乡亲们：这二者的形象大部分是由合唱的运用来塑造的。在韩英被囚的牢房外，采用幕后歌队伴唱与舞台有机的结合，衬托了赤卫队队员雕塑般的造型，静态化的举止，渲染了戏剧情势的沉闷、险恶，以静衬动，让声乐揭示战士们难以平静的内心情感活动，进一步突出和增强了内在的表现力；在被白匪的威迫下，在牺牲了一名青年的痛苦下，痛骂彭霸天，仍然不肯暴露赤卫队的行踪，不畏强暴，忠诚于党的形象得以塑造。

三、综合评价

《洪》全剧用歌唱与说白交替段落组成，在音乐结构上基本是西洋歌剧手法 与戏曲手法的综合运用，虽然更倾向于戏曲，但却肯定了其鲜明的民族风格。

《洪》在内容上确切的表现了洪湖战士的集体情感和心理状态，在曲调上表现了中国气派、中国风格。曲调流畅，适合中国人民对歌剧的审美特点。并且，《洪》在题材上显出了革命历史的这一观点就容易受到广大观众的欢迎。