高一美术教案

第一篇：高一美术教案

中国民间美术

教学目标：

1．学生能说清民间美术的基本概念。2．学生能对民间美术作品进行赏析。

3.培养学生喜爱民间美术，热爱民族文化的情感。教学的重点和难点：

重点：讲清并使学生了解民间美术的特点及主要种类的艺术特点。

难点：学生对民间美术的有关特点的掌握及对作品能进行正确的赏析。教学准备：教学辅助课件制作，播放设备及幻灯机、录象机等。

课时：1课时 教学过程：

1、新课导入

通过播放一段有关民间美术内容的录象后导入本课。

展示课题《中国民间美术》（课件展示课题和教学目标）

学生活动：通过观赏录象，感受民间美术的要是魅力。明确本课学习内容和教学目标。

2、新课教学（1）民间美术的基本定义：

通过不同类型民间美术幻灯作品数幅，让学生区别，发表见解，再作归纳，得出民间美术的基本定义：民间美术在古代是相对于宫廷美术、士大夫文人美术、在现代是相对于专业美术而言的美术种类。

学生活动：通过不同类型的作品比较和区别，发表见解，理解民间美术的基本定义。

（2）民间美术的主要种类：

播放一段有关民间美术介绍的录象后（课件展示）提问：民间美术主要有哪些种类？ 板书：民间美术的主要种类： 学生活动：观后思考，讨论并回答

归纳：年画、剪纸、风筝、玩具、刺绣、编织等。（展示板书）（3）民间美术的特点：

A、展示图片数幅 提问：从以上图片中，是否能感受民间美术的特点？ 学生回答

归纳：

1、创作具有一定自发性特点。（课件展示）B、展示图片数幅 启发学生思考特点之二。学生回答 归纳：

2、具有实用性和装饰性特点。（课件展示）C．展示图片数幅（课件展示）提问：从以上图片中高中美术教案

古代人物画

教学目的：

1、通过教学，使学生了解我国古代人物画艺术鲜明的民族风格、艺术特色和艺术表现技法，以及当时人们的审美观念和审美形式。

2、通过教学，使学生了解古代人物画作品是劳动人民长期辛勤劳作和智慧的结晶。从而使学生热爱中华民族优秀的传统文化。

3、通过教学，培养学生感受、体验、鉴赏艺术美的能力，树立正确的审美观念。

教学重点与难点：

1、着重欣赏分析《韩熙载夜宴图》和《清明上河图》两幅典型作品。

2、通过欣赏作品，提高学生对美术作品的鉴赏能力。并寓德育于审美教育之中。

教学方法：

启发式、讲授法、讨论法、发现式等。

教学过程：

一、组织教学：

1、检查学生的准备情况。

2、师生礼仪。

二、导入新课：

1、教师概述中国人物画。

2、教师出示战国时期的帛画《人物龙凤图》的投影。

3、分析讲授其艺术特色。

4、揭示课题：第八讲

古代人物画

三、传授新课：

1、魏晋南北朝：（1）概况：

（2）介绍顾恺之（教师出示投影。）。（3）赏析《女史箴图》。

2、唐代： 教师出示投影。介绍阎立本。赏析《历代帝王图》。教师出示投影。介绍周昉。

赏析《簪花侍女图》。

3、五代： 讲述时代背景。

教师出示投影。介绍顾闳中。

赏析《韩熙载夜宴图》：（1）教师赏析“听琵琶曲”。（2）学生赏析“击鼓观舞”：

教师提问：在这一段画面中，作者又是如何安排构图和刻画人物的？为什么要这样安排？

学生讨论回答。教师总结。

（3）赏析后三个片段。

（4）教师总结《韩熙载夜宴图》的两大艺术特色。

4、宋代： 教师出示投影。介绍张择端。教师设疑。学生讨论。

赏析《清明上河图》。

教师归纳总结《清明上河图》的艺术成就和重要特点。赏析《维摩演教图》。赏析《泼墨仙人》。

5、明清：

赏析《归去来图》。赏析《苏武牧羊》。

四、学生观看录像，欣赏代表作品。

五、分组讨论: 《韩熙载夜宴图》的艺术特色？

六、课堂小结：

七、布置课后思考题：

中国古代人物画在表现形式上的主要特征是什么？

八、下课礼仪：不同的民间玩具风格，是否知道民间美术还有什么特点？ 学生回答

归纳：

3、具有地方性和继承性特点。（课件展示）D．再展示图片数幅（课件展示）

提问：从图片中说明民间美术还具有什么特点？ 学生思考回答

归纳：

4、就地取材，因材施艺。（课件展示）试让学生对作品《万象更新》（年画）、《布老虎》（玩具）等作品进行赏析。

3、学生欣赏评论练习：

学生对活动：学生对《万象更新》（年画）、《布老虎》（玩具）等作品作认真观赏赏后、小组议论探讨

学生代表对作品赏析评论 同伴 作适当补充、归纳。

4、课堂小结：

本课对民间美术进行了欣赏学习。中国民间美术内容十分丰富，我们应以本课学习为起点，对民间美术作进一步的研究学习，并可对我们常州地区的民间美术进行探究，树立热爱家乡、热爱中华民族的精神。

中国古代雕塑欣赏

教学目标的确立：

1、背景：增大学生的阅历，沉淀专业修养，提高审美能力。

2、要点：①知道中国古代雕塑一般的表现形式。②了解中国古代雕塑发展历程。③对其代表作品欣赏，了解其艺术特点。

教学重难点：古代雕塑呈现形式和重要作品的欣赏。教学过程：

一、（直接入题）平时所说的“膏塑”，指的是什么？

（学情估计：这时学生会举出许多实例，教师引导学生以实例分析概念，引出雕塑的涵义）

1、涵义

石膏雕塑──雕塑，造型艺术的重要形式之一，是以可雕塑性、可塑性材料制作成具有实在体积，适合各个角度观察、欣赏的艺术作品。

2、种类

从表现形式可分为圆雕、浮雕

（这里将浮雕和圆雕以概念结合实例的形式让学生理解）

3、中国的古代雕塑

师言：了解了雕塑的表现形式，那让我们看看中国古代雕塑。⑴教师板书：概术 工艺精湛的商周青铜器 气势恢宏的秦兵马俑造像群 古朴遵劲的汉画像方刻 闻名遐迹的石窟造像

⑵网络环境下学生自主学习探究 活动

（一）中国古代雕塑──俑 教师提出问题：秦兵马俑

②学生讨论，回顾教师提出的问题并作回答。活动

（二）中国古代雕塑──石窟造像 特别任务：乐山大佛 ②小组讨论，完成特别任务

活动

（三）中国古代雕塑──陵墓雕刻 特别任务：霍去病陵墓雕刻 ①学生网上搜集资料 ②小组讨论，完成特别任务

4、教师总述：俑、石窟造像、陵墓雕刻的发展历程和艺术特点。

5、课后探究作业（网上查阅）

查阅《击鼓说唱》《昭陵六陵》的相关资料，概其艺术特点。

第二篇：高一美术教案

高一美术教案：培养审美的眼睛—美术鉴赏及其意义

一、教材分析

（一）教学目标本课作为高中整个美术鉴赏教学的开篇，对后面的教学具有指导意义。通过本课的教学，使学生初步了解什么是美术鉴赏、美术鉴赏的一般过程和特征，以及学习美术鉴赏有什么意义，由此掌握美术鉴赏的方法，培养学生“审美的眼睛”。

（二）内容结构本课主要包括四个部分：第一部分从现代人的全面发展出发，指出培养审美的眼睛是现代人全面发展的需要，而美术鉴赏则是培养审美的眼睛的必要途径。第二部分“什么是美术鉴赏”，先从对身处天安门广场的感受和对天安门的认知中，说明美术鉴赏并不神秘，而是与我们的生活息息相关，并由此引出美术鉴赏的问题。然后再从具体的美术作品入手，以中国唐代画家的中国画《捣练图》和法国画家米勒的油画《拾穗》为例，简单介绍了美术鉴赏的一般过程或方法，由此导入，进入概念分析，阐明什么是美术鉴赏、其特性以及在美术鉴赏中被动接受与主动参与的关系等。这里没有涉及什么是美术或什么是艺术的问题，而是直接谈什么是美术鉴赏，这是因为美术或艺术的概念本身就十分复杂，它将涉及到更为复杂的专业知识，这对于学生的理解来说是困难的，也将影响本课的主题。更由于当代艺术已模糊了艺术与非艺术、艺术与生活的界限，“什么是艺术”在学术界也是一个正处于争论之中的问题，对于那些还没有定论的问题我们只好在教学中暂时悬置起来。第三部分“美术作品是如何分门别类的”，简单介绍了美术的基本分类方法，这里只列出了一个简略的艺术分类，学生了解这些就可以了。但教师还应明白，在美术的六大分类——绘画、雕塑、建筑、设计、书法、摄影中，还可以按照其材料、功能、题材、内容等作更细致的划分。以下列出的分类并不完整，仅供参考：1．绘画按材料和功能：油画、中国画(其中按技法分为工笔画和写意画；按题材分为人物画、山水画和花鸟画)、版画(按材料分为木版画、石版画、铜版画、锌版画、丝网版画；按技法分为镂版画、腐蚀版画、水印版画、套色版画)、素描(其中也包括速写，按工具分为钢笔素描、铅笔素描、碳笔素描、毛笔素描等；按题材分人物素描、风景素描、静物素描)、水彩画、水粉画、丙烯画、连环画、年画、壁画、宣传画或招贴画、插图或装饰画等。按内容和题材：人物画（包括人体画、肖像画、风俗画、宗教画、军事画、历史画等）、花鸟画、静物画、风景画或山水画等。按形式语言：具象绘画、意象绘画、抽象绘画。2．雕塑按题材和功能：人体雕塑、肖像雕塑、动物雕塑、架上雕塑、纪念雕塑、环境雕塑或公共雕塑、实用装饰雕塑等。按空间：圆雕、浮雕。按放置地点：室内雕塑、户外雕塑。按工具材料：石雕、木雕、泥塑、金属雕塑（包括钢铁雕塑、铜雕、不锈钢雕塑等）、根雕、冰雕、沙雕、雪雕、软雕塑等。按形式语言：具象雕塑、意象雕塑、抽象雕塑、观念雕塑。3．建筑按功能：园林建筑、纪念建筑、住宅建筑、公共建筑。4．设计按功能：实用美术、商业美术、特种工艺美术。按内容和材料：服装设计、陶瓷设计、工业设计、广告设计、网页设计、环境艺术设计、家具设计等。按形式语言：平面设计、立体设计、构成设计。5．书法按形式语言：楷书、隶书、草书、篆书。6．摄影按内容：人物摄影、风景摄影、动物摄影、静物摄影。按形式语言：具象摄影、意象摄影、抽象摄影、观念摄影。第四部分“美术鉴赏有什么意义”，以美术的三大功能为基础，说明美术鉴赏不仅是对知识的学习，更重要的是对培养学生认识世界的能力、审美的眼睛和健康的审美情趣以及未来的人生发展，都具有十分重要的意义。

（三）教学的重点与难点本课教学的重点在于培养审美的眼睛，掌握美术鉴赏的一般方法，认识美术鉴赏对于个人未来人生发展的重要价值和意义。本课教学难点，主要是如何结合实例讲清美术的主要分类方法、美术鉴赏的概念和美术鉴赏的一般过程或方法

第三篇：高一美术教案2

第1课 培养审美的眼睛——美术鉴赏及其意义

（一）教学目标本课作为高中整个美术鉴赏教学的开篇，对后面的教学具有指导意义。通过本课的教学，使学生初步了解什么是美术鉴赏、美术鉴赏的一般过程和特征，以及学习美术鉴赏有什么意义，由此掌握美术鉴赏的方法，培养学生“审美的眼睛”。

（二）内容结构本课主要包括四个部分：

第一部分从现代人的全面发展出发，指出培养审美的眼睛是现代人全面发展的需要，而美术鉴赏则是培养审美的眼睛的必要途径。

第二部分“什么是美术鉴赏”，先从对身处天安门广场的感受和对天安门的认知中，说明美术鉴赏并不神秘，而是与我们的生活息息相关，并由此引出美术鉴赏的问题。然后再从具体的美术作品入手，以中国唐代画家的中国画《捣练图》和法国画家米勒的油画《拾穗》为例，简单介绍了美术鉴赏的一般过程或方法，由此导入，进入概念分析，阐明什么是美术鉴赏、其特性以及在美术鉴赏中被动接受与主动参与的关系等。这里没有涉及什么是美术或什么是艺术的问题，而是直接谈什么是美术鉴赏，这是因为美术或艺术的概念本身就十分复杂，它将涉及到更为复杂的专业知识，这对于学生的理解来说是困难的，也将影响本课的主题。更由于当代艺术已模糊了艺术与非艺术、艺术与生活的界限，“什么是艺术”在学术界也是一个正处于争论之中的问题，对于那些还没有定论的问题我们只好在教学中暂时悬置起来。

第三部分“美术作品是如何分门别类的”，简单介绍了美术的基本分类方法，这里只列出了一个简略的艺术分类，学生了解这些就可以了。但教师还应明白，在美术的六大分类——绘画、雕塑、建筑、设计、书法、摄影中，还可以按照其材料、功能、题材、内容等作更细致的划分。以下列出的分类并不完整，仅供参考：

1．绘画

按材料和功能：油画、中国画(其中按技法分为工笔画和写意画；按题材分为人物画、山水画和花鸟画)、版画(按材料分为木版画、石版画、铜版画、锌版画、丝网版画；按技法分为镂版画、腐蚀版画、水印版画、套色版画)、素描(其中也包括速写，按工具分为钢笔素描、铅笔素描、碳笔素描、毛笔素描等；按题材分人物素描、风景素描、静物素描)、水彩画、水粉画、丙烯画、连环画、年画、壁画、宣传画或招贴画、插图或装饰画等。

按内容和题材：人物画（包括人体画、肖像画、风俗画、宗教画、军事画、历史画等）、花鸟画、静物画、风景画或山水画等。

按形式语言：具象绘画、意象绘画、抽象绘画。

2．雕塑 按题材和功能：人体雕塑、肖像雕塑、动物雕塑、架上雕塑、纪念雕塑、环境雕塑或公共雕塑、实用装饰雕塑等。

按空间：圆雕、浮雕。

按放置地点：室内雕塑、户外雕塑。

按工具材料：石雕、木雕、泥塑、金属雕塑（包括钢铁雕塑、铜雕、不锈钢雕塑等）、根雕、冰雕、沙雕、雪雕、软雕塑等。按形式语言：具象雕塑、意象雕塑、抽象雕塑、观念雕塑。3．建筑 按功能：园林建筑、纪念建筑、住宅建筑、公共建筑。4．设计按功能：实用美术、商业美术、特种工艺美术。

按内容和材料：服装设计、陶瓷设计、工业设计、广告设计、网页设计、环境艺术设计、家具设计等。按形式语言：平面设计、立体设计、构成设计。5．书法按形式语言：楷书、隶书、草书、篆书。

6．摄影按内容：人物摄影、风景摄影、动物摄影、静物摄影。

按形式语言：具象摄影、意象摄影、抽象摄影、观念摄影。

第四部分“美术鉴赏有什么意义”，以美术的三大功能为基础，说明美术鉴赏不仅是对知识的学习，更重要的是对培养学生认识世界的能力、审美的眼睛和健康的审美情趣以及未来的人生发展，都具有十分重要的意义。

（三）教学的重点与难点 本课教学的重点在于培养审美的眼睛，掌握美术鉴赏的一般方法，认识美术鉴赏对于个人未来人生发展的重要价值和意义。

本课教学难点，主要是如何结合实例讲清美术的主要分类方法、美术鉴赏的概念和美术鉴赏的一般过程或方法。

二、教学内容资料

（一）作品分析 天安门广场、黄山日出（摄影）

随着历史的发展、社会的进步，未来社会对人的素质有了更高的要求。人不仅要学习和掌握各种专门的技术以维持自身的生存，更需要养成健康的审美情趣，完善美好的人生。只有这样，我们的人生才是完满和有意义的。要做到这一点，首先要培养审美的眼睛。培养审美的眼睛有两个途径：一是欣赏大自然；二是欣赏第二自然——由人创造的艺术品。我们许多同学可能都喜欢旅游，希望到北京去看看雄伟庄严的天安门，到黄山去观赏烟波浩淼的云海和壮观美丽的日出。但这是两种不同的美——一种是自然景观，一种是人文景观。当我们置身自然景观中的时候，我们似乎完全融入自然之中，成为自然的一部分；而当我们置身天安门广场的时候，我们都会不禁在内心升起一种崇高、庄严和神圣的情感，这种情感不仅来自天安门广场的布局、空间和周围的建筑，更来自我们对天安门的认知、回忆和想象。表面上看，天安门只是一座古建筑，但从审美角度说，它已成为象征中国历史的一个审美符号。它经历了古代中国的文明和近代中国的屈辱和奋起，更见证了中国二十多年来改革开放的巨大成就。可以说，我们对中国历史的认识越深入，从中获得的审美想象就越丰富。这个过程其实已经蕴涵了美术鉴赏的基本特征。捣练图（中国画，宋代摹本，绢本设色，37厘米×147厘米，美国波士顿博物馆藏）张萱（唐）

张萱（生卒年月不详），是盛唐时期著名的人物画家，长安（今陕西西安）人，唐玄宗开元年间（公元713—741）入禁做宫廷画师。他特别擅长画女性和婴儿，所作人物雍容华贵，形成“丰颊肥体”的人物造型，成为唐代名重一时的人物画大师。尤其是他突破了汉魏以来中国人物画主要描绘“列女”、“孝子”的传统题材，开始表现现实中的人物形象，在美术史上产生了深远的影响。

张萱一生只留下了《虢国夫人游春图》和这幅由宋人临摹的《捣练图》两件作品。《捣练图》描绘的是宫中妇女“捣练”的情景。“练”又称“缣”，是一种古代的丝织品，织成时质地较硬，须煮熟后加漂粉用杵轻捣使之柔软，并经熨平后才能使用。全画共分三个部分：右边一组描绘的是四个妇女用木杵捣练；中间一组描绘的是两个正在理线的女工；左边一组描绘的是四个妇女在熨练，其中两个拉平白练，另两个在熨练，在白练下面还有一个来回穿梭玩耍的小孩。画面形成一个完整的捣练过程，具有连环画的性质。这里既让我们看到了唐代人的衣饰、生活等，其人物造型和工细劲健的线条、富丽华贵的用色也明确传达出唐代人的审美观和审美趣味。

拾穗（油画，83．5厘米×111厘米，1857年，巴黎卢浮宫藏）米勒（法国）

米勒（Jean-Francois Millet，1814—1875）从35岁起就定居巴比松，之后他一住就是27年，几乎一生没有离开过那里。他在那里生活、劳动、创作，画出了他一生最重要的作品。他与巴比松许多画家来往，和他们交流创作思想。他的作品反映了巴比松农民的生活和那里的自然世界。但是从米勒作品的意义来看，他又超越了巴比松派，他把人性中质朴、善良、高贵、永恒的一面呈现出来，从而感染了全世界的人。

米勒出生在法国诺曼底半岛距瑟堡和格雷维尔城不远的一个叫格律希的村子里。他的父亲是一个从事音乐并有较好艺术素养的人。他不仅指挥着一个乡村合唱队而且还搞些小雕塑什么的。米勒的母亲出身在一个较富裕的农民家里，其亲属都有着良好的文化修养。米勒从小就是在农田里长大的，直到20岁他才正式去学画，所以家庭的教养和劳动的经历培养了米勒朴实勤劳的性格，也决定了他以后的审美取向。不过米勒并不是一开始就发现自己真正的方向的。米勒17岁那年曾无师自通地画了一幅大画《看守羊群的牧羊人》，画面虽幼稚，却体现了米勒对周围熟悉生活的观察和对艺术的热爱。以后他进入瑟堡画家朗格鲁画室学画。1837年在朗格鲁的推荐下，米勒获瑟堡市政府600法郎奖金而进入巴黎一所美术学校深造。同年又成为当时巴黎著名画家德拉罗什的学生。他最初的老师无论是米歇尔?朗格鲁，还是德拉罗什，传授他的都是学院派的那一套。由于米勒是一个质朴而腼腆的人，所以尽管他内心里并不喜欢这些装腔作态的东西但还是接受了。他听从了德拉罗什的劝告去参加罗马大奖赛，但没有成功。从德拉罗什的画室出来后，米勒常出入卢浮宫博物馆，向古代大师，尤其是米开朗基罗和普桑学习。他一面学习，一面和一个朋友租房以卖画为生。为了生活他不得不去画那些受欢迎的布歇风格的作品，甚至这种风格的《卖牛奶的女人》和《骑术课》还在1848年的沙龙上展出了。这时的米勒是矛盾的，一方面他厌恶他目前的状态，另一方面又不知自己今后的道路该怎么走。一个偶然的机会使他终于清醒了。1849年的一天，他到一个画商家里办事，画商不在，正巧另两个陌生人也在等画商，只听他们指着墙上米勒的一幅布歇式的女人体说：“这就是米勒的画，他只会画这种低俗的画。”米勒羞愧难当，他决定离开巴黎，到巴比松去，即使生活再艰苦，也要走自己的路。

米勒曾在给朋友的信中说过，他讨厌“夸张、装腔作势和虚情假意”，他指责那些为了职责而忘记自己品格的人（即那种被社会扭曲和异化的人），因为他们已失去了他们的本性和真实性，而这些正是艺术家所必备的。因此他要求自己一定要真实地生活、真实地创作。我们从他的作品中可以明确看到，他努力将自己所见真实地表现出来的意图。无论是《簸谷者》、《扶锄者》、《播种者》、《晚钟》、《拾穗》等著名作品，还是《牧羊女》、《喂食》、《折枯枝的人》、《砍柴者》、《在休息的葡萄工人》等这些不太有名的作品，我们都能深深感受到真实的生活气息和艺术家对生活观察之深入。播种者和簸谷者之艰辛、扶锄者和休息者之劳累、拾穗者和喂食者之贫穷，都以其深刻的真实性给观众以震撼，这与以往富丽堂皇的罗可可艺术，甚至与当时巴比松画家那阳光明媚、美丽轻松的风景画是多么的不同。当来自官方和保守势力的批评家对他大加指责时，米勒给予了坚决的反击。他说：“我将坚强地站着，即使他们称我是表现丑的画家，是妨碍我们民族进步的东西，但我决不做把农民加以美化的蠢事。如果只能无力地表现我自己，我宁愿不表现。”他又说：“表现大地的呐喊这不是我的发明，古已有之。我想诸位评论家们是有学识有教养的人，可我不能人云亦云，因为我生来只知道土地，我只能忠实描绘我对劳动时的观察和感受。”米勒从生活中发现的是悲壮、内在、深沉的美，他使人们看到了生活中惨烈的一面。这其中既有同情又有控诉，从这一面说，他与杜米埃一样都是批判现实主义的画家。也正因此，米勒的画使资产阶级以及他们的评论家大为惊恐，他们把他看作是社会主义者，说他企图骟起爆动，比库尔贝更危险。他们从《播种者》中看到了起义者的步伐，从《拾穗》中看到了“在这三个拾穗者背后的地平线上，隐现出造反派的长矛和1793年的断头台”。因此他们叫嚣“要把这位无政府主义的画家从画坛上清除”。

在19世纪欧洲美术史上，作为农民画家的米勒是无与伦比的。他塑造的大量感人的农民形象艺术地展示了当时法国农村的真实状况，因此不少肯定者亦把他说成是革命者，是一个无产阶级的艺术家。其实，米勒是个不问政治的人，他曾说过，“一个搞艺术的人干预政治是不明智的”。所以当库尔贝邀请他做巴黎公社委员时他拒绝了。他的作品只是由于它们的极度真实性而被不自觉地赋予了社会的意义。不过他的真实性与库尔贝也是不同的，他借助的是印象和气氛，他在自然中寻找的是那些特征性的东西，因此他反对用准确无误地描摹自然和具体的细节来说话（这与勒南兄弟亦大有区别），因为这些细节会破坏他常说到的那种“思想”和感觉。他认为那些具有独特造型的动作和特定的环境就足以表达他的思想，这就是为什么我们常看到他只画一个人，或把人物变成环境一部分的原因。另一方面，他从不像库尔贝那样使人物突现在画的表面上，也不以强烈的肌理来造成直接的真实性，他将这一切都融入画面之中，所以他在保持人物结实的造型的同时，又赋予画面以诗意。在《拾穗》中，农民的贫穷与地主的丰收形成鲜明的对比，但这种对比不是利用脸部的表情而是略去细节的人物动作与环境，他使人物具有了雕塑的力量，从而歌颂了劳动者质朴、勤劳的美德。而《播种者》则更确却地只通过一个人的动作就把米勒的思想表达出来了。难怪有人通过他的画看到了起义者的脚步。米勒作品的象征意味是十分明显的，因此象征派画家雷东也给他的画以高度评价。但是米勒艺术的根本特性还在于它的质朴与真诚，它是艺术家内心情感的自然流露，这种质朴与真诚也将是开创20世纪艺术的起点，我们将在十分崇拜米勒艺术的凡高那里看到这一点。

萧景墓石辟邪（石雕，南朝?梁）

在南京和丹阳一带，已发现有南朝的宋、齐、梁、陈四个朝代的帝王贵族的陵墓石雕31处，其中29处的石雕保存较好。这些石雕，包括神道两侧的石柱、石兽和石碑等。石兽相对而立，头上长双角的称“天禄”，长独角的叫“麒麟”，均是传说中的灵异瑞兽，只能用于帝王陵墓。王公贵族墓前的石兽无角，称“辟邪”。这些象征权势的镇守、护卫陵墓驱邪的石兽，形象在狮虎之间，更似以狮子为基础的夸张变形，肩有羽翼，多作昂扬张口、挺胸迈步状，形体硕大，粗壮厚重。其雄强威武的气势，具有很强的艺术感染力和很高的艺术价值，是南朝时期雕刻的代表。

萧景墓石辟邪，是上述石兽之一。其形态为挺胸昂首、张口吐舌，似正在发出震天吼声。它是用整块方形石雕刻而成，在平原之上硕大的体量具有很强的艺术辐射力，仿佛在控制着这一地域。从各种角度观看，它都给人以气势宏大、雄浑稳定的感觉。艺术家为了突出给人这一感觉，在造型上强调前挺的胸脯，夸张胸部的圆弧线，缩短腹部，夸大后腿上部肌肉和臀部的圆弧线，加粗四肢，弱化关节，夸张巨爪和大口巨舌，强调壮实和硕大的体量感，突出凶猛有力，又能使四肢非常协调地支撑身躯。它头部稍小且向后，既恰到好处地表现了昂首动态，体现灵巧性，又能造成金字塔般的稳定感。该辟邪厚重而不笨拙，稳定中又有动感，雄浑威猛，似内蕴无穷的力量。它头颈不分，全身处处运用弧线、圆形，除肢腹之间镂空外，全身无繁琐细节，连尾部也紧贴臀部扎地，羽翼仅用线刻而成，加之变形加粗的四肢和夸大的巨爪与底座紧紧连在一起，都使其不易破损，所以历经千余年至今仍较完好，不能不说与其造型有关。石辟邪的单纯、完整和矫健的外轮廓，富有很强的表现力，至今仍给人以难以忘怀的印象和美的感受。奔马（中国画，1951年）徐悲鸿 作者简介请参照第14课相关内容。

这幅《奔马》在表现方法上，将西洋画中的解剖与中国传统笔墨相结合，显示出徐悲鸿以中西融合的方法改造传统中国画以使之具有面对现实的能力的思想。在主题上，他以昂首飞奔的骏马来表达对民族前途的关怀和希望。徐悲鸿给这幅作品起名《山河百战归民主》，表达了他对新中国成立、人民从此当家做主的喜悦心情和对祖国未来的期望与情感寄托。

根扎南国（纸本彩墨，1998年）吴冠中

吴冠中（1919—）江苏宜兴人。1942年毕业于杭州国立艺术专科学校，1947年留学法国，入巴黎高等美术学院学习油画。1950年回国后先后任教于中央美术学院、清华大学、北京艺术学院、中央工艺美术学院等，并曾担任中国美术学院客座教授、中国美术家协会常务理事等。吴冠中在杭州国立艺术专科学校读书期间受到他的老师林风眠和吴大羽的深刻影响，一生从事中西融合和油画民族化的实践，逐步形成了清新、明快，注重美术的本体语言——点、线、面、色相结合的韵律美和形式美的独特风格，具有强烈的艺术个性和时代气息。在《根扎南国》中，吴冠中以他特有的手法，以点、线、面、色的结合，塑造出南方特有的郁郁葱葱、繁茂似锦的大榕树形象，给人以强烈的形式美享受。吴冠中还十分注意理论上的总结和著述，他对美术的形式美的论述在20世纪80年代的中国产生了广泛的影响，出版有《绘画的形式美》和《风筝不断线》等文集，以及各种个人画集。1991年吴冠中获法国国家文化部授予的文学艺术最高勋章。

太白行吟图（中国画，局部，纸本水墨，81．2厘米×30．4厘米，日本东京国立博物馆藏）梁楷（宋）

梁楷(生卒年不详)，是南宋著名的人物画家。性情豪放，不拘礼法，自号“梁疯子”。梁楷早期的人物画细密工致，后变为简练粗放、纵笔挥洒，寥寥数笔便能画出人物的精神气质，具有很强的艺术感染力。后人称他的这种画风为“简笔画”，这是梁楷对我国古代人物画的突出贡献。现存的《太白行吟图》描写唐代伟大诗人李白的豪放性格，全画只用寥寥几笔，即把那种桀骜不驯、才思横溢的风度神韵，刻画得活灵活现。这既得力于画家对李白的性格特征的正确把握，也和他熟练地掌握了中国画的笔法密切相关。这是我国绘画史上最早具有代表性的“减笔画”之一，可谓之极品。

中国奥运中心垒球场设计方案

这是为2008年中国北京奥运会设计的一个垒球场场馆方案。作为建筑设计，既要从审美的角度实现其造型上的美观，又要考虑其功能上的适应性，同时还要兼及其周围的环境（其中包括色彩、造型和高低等方面）。从造型上看，该设计极为简化，只在一面形成一个敞开的盖顶，这种极少主义式的设计显然是来自现代主义的设计观，就像里特维特的《红蓝椅》一样；在功能上，该设计以三角形来适应垒球比赛的需要，在其周围建起层级式的观看台，并在周围建有相应的配套设施；在环境上，我们虽然无法看到周围的情况，但从其视图上就可以看出其高度、造型和明亮的盖瓦与周围环境和谐相处。

红蓝椅（木质上色）里特维特（荷兰）

《红蓝椅》是“风格派”最重要的代表作品之一，也是现代主义设计中里程碑式的作品。它完全采用最基本的几何元素或几何形态构成，没有任何隐晦或掩饰，色彩元素也仅限于红、黄、蓝三种原色，可以说，它完全是按照“风格派”创始人之一蒙德里安的艺术理论创作出来的，只不过蒙德里安的作品主要是平面的绘画，而里特维特的《红蓝椅》则是立体的。尽管我们所看到的是一把真实的椅子，但从功能上说，它却并不具有实用性，因为人坐在上面并不舒服。它的重要性首先在于它是由标准化的几何构件组成的，这就为此后现代设计产品的批量化生产提供了参照和依据，这一点是开创性的；其次，它的与众不同的现代形式语言，使之终于摆脱了传统家具设计的阴影，宣布了现代主义设计的出现和独立，由此成为现代形式主义设计的重要的里程碑式的作品，对整个现代主义设计运动产生了深远的影响。

筛谷的妇女（油画，131厘米×167厘米，1854年，法国南特美术馆藏）库尔贝（法国）

库尔贝（1819—1877）是19世纪后半期法国著名画家。生于法国东部的小城奥尔南市一个葡萄园主的家里，从小就直接接触到农民的生活，并接受他祖父给他灌输的革命的思想。家庭的宠爱和较好的生活境遇使他自小就养成了自信和敢说敢为、我行我素的性格，他对生活和未来充满了信心。库尔贝基本上是一个自学成才的画家，要说老师，对他来说就是先辈大师的作品和自然。他从先辈大师那里吸取创作灵感和技巧，而从生活和自然中寻找思想，他把二者有机地结合在一起——技巧服从思想，思想加强了技巧。这就是库尔贝艺术的主题：使艺术担负起社会的责任。在这一思想的指导下，库尔贝积极参加社会的斗争实践。1871年巴黎公社成立后，库尔贝积极支持这个无产阶级自己的政权，并担任了公社革命委员会委员、造型艺术委员会主席、公社第六区顾问、公社驻美术学院代表和教育委员会委员，他以极大的热情投身改造旧制度和建立新的美术趣味的工作。这一切行为使资产阶级恼羞成怒。公社失败后，便以“杀人、煽风点火和招兵买马、篡夺公职并合伙毁坏古迹”的莫须有罪名将他逮捕并处以323091法郎68生丁的罚款，将他所有的作品及财产没收。1877年12月31日库尔贝客死瑞士。

1855年，库尔贝为反对官方美术的虚伪并表明自己的艺术态度，在巴黎世界博览会对面自建了一个小棚子，举办了以“现实主义：库尔贝，他40件作品的展览”为题的个人展览，并发表了《现实主义宣言》，提出“绘画实际上就是具体的艺术，它不是别的，就是对现实的即存事物的描绘”的观点。他企图把他所看到的一切都按照它们原来的样子描摹下来。在这次展览上，库尔贝展出了他的许多重要作品，其中就包括《筛谷的妇女》，这些作品都反映了他企图客观地表现视觉真实的愿望。当有人要他画宗教画中的天使时，他一口回绝，说他无法画出一个他从未见过的长翅膀的人。因为库尔贝的目标是明确的，那就是像他宣言所说的，“我的心愿全然不是要达到为艺术而艺术那个无益的目标，„„要按照我的所见来表达我们时代的风格、思想、面貌，不仅做一名画家，还要做一个人，总之，要创造活生生的艺术这才是我的目标”。正因此，库尔贝在《筛谷的妇女》中真实生动地描绘了一个他所常见到的农村妇女劳动的景象，表现了劳动者特有的健康的美。

舞蹈（油画，260厘米×389．9厘米，1910年，纽约现代艺术博物馆藏）马蒂斯（法国）

亨利?马蒂斯（1869—1954）出生于法国北部的勒?卡图镇，年轻时曾从事法律工作。有一次生病住院，闲来无事读了一本绘画方面的书，使他对美术产生了兴趣，遂立志终身从事美术，这年他21岁。1891年马蒂斯考入巴黎朱理安学院，1895年成为当时著名象征主义画家摩罗的学生。

马蒂斯的艺术主要植根于后印象派，不过经过几个复杂的演变之后，马蒂斯彻底脱离了后印象派，但他更加强了色彩的表现力。从1904年开始，马蒂斯开始形成自己的风格，以强烈的原色对比和粗犷的线条去体现他对客观事物的感觉。传统绘画的透视和明暗手段被他弃置一边，只是在构图上还显示出有秩序的现实境界。也就是在这个时候，马蒂斯又开始了对日本绘画和非洲艺术、阿拉伯图案的借鉴，这使他的艺术日益个人化。马蒂斯不仅把东方的技法（毛笔画）发展到他的创作中来，还利用舞蹈、音乐等多种艺术元素来丰富自己的绘画语言。《舞蹈》创作于1909—1910年。马蒂斯在创作时，把模特儿带到地中海岸边，他认为这件作品跟地中海给他的喜悦情绪紧密相连，画中背景的蓝色，寓意着仲夏八月南方蔚蓝的天空，一大片绿色让人想起翠的绿地，人物的朱砂色则象征着地中海人健康的棕色身体。在这幅狂野奔放的画面上，舞蹈者似乎被某种粗犷而原始的强大节奏所控制，他们手拉着手围成一个圆圈，扭动着身躯，四肢疯狂地舞动着。据说，马蒂斯的这个主题可以追溯到希腊的瓶画和民间舞蹈。第2课 美术家是如何进行表达的——美术作品的艺术语言

（一）教学目标本课的目的是让学生对美术作品的语言有一个简单而完整的了解，这是开始进入美术鉴赏的基础。在这个基础上再进一步认识不同类型的美术作品在使用美术的语言上有着不同的方式，美术作品由此呈现出千变万化的形式特征和审美意韵。

（二）内容结构本课主要分为三个部分。第一部分以中国古代画家吴道子和李思训为例，说明美术家在美术语言的运用上是有差异的。

第二部分“什么是美术作品的艺术语言”，首先从三件具体的美术作品——五代画家顾闳中的工笔重彩人物画《韩熙载夜宴图》、宋代画家梁楷的写意人物画《泼墨仙人图》和美国画家克里福德?斯蒂尔的油画《1954》开始直接的语言辨析，然后进入概念和知识的解释，说明什么是美术语言、美术语言所包含的内容以及三种基本的美术语言形态。

第三部分“美术家是如何运用艺术语言的”，着重对具象艺术、意象艺术和抽象艺术进行具体的辨析，以使学生对这三种基本的美术语言形态有一个初步的了解和认识。

（三）教学的重点与难点本课教学的重点在于认识美术的语言，其中包括概念、内容及其形态分类。

本课教学难点，主要在于美术语言既是具体的、可分类的，又包含在整个美术作品之中，因而势必增加学生理解的难度，所以必须结合具体作品，调动学生以往的美术知识，通过多样的美术作品来认识和讲解。

二、教学内容资料

（一）作品分析

1954（油画，1954年）克里福德?斯蒂尔（美国）

斯蒂尔（Clyfford Still，1904—1980）生于美国北达科他州的格兰丁市，1935—1941年在斯波坎尼大学和华盛顿州立学院学习，后留校任教。1946—1950年间，斯蒂尔在旧金山的加利福尼亚美术学院任教，随后到纽约生活和教书。从1963年起直到退休，斯蒂尔一直住在马里兰州的威斯特明斯特。1946年，斯蒂尔在本世纪艺术美术馆举办的展览中第一次表明了自己在抽象表现主义中的独特地位。他在这次展览中展出的作品使他成为大型单色绘画的先驱之一，尤其他后来在贝蒂?帕森斯美术馆举办的展览（1947、1950和1951年）产生了广泛的影响，由此奠定了色场绘画或抽象表现主义的抽象意象主义绘画一派。

斯蒂尔的作品一般都很大，但上面的色彩却很少，只有一两种颜色，它们彼此覆盖，其空间是靠色块之间的空隙来实现的。他以浓重、粗放的大块色彩及其质感创造出巨大而流动的形象。它们转换、变化，打开和封闭了空间，没有开头，也没有结尾。这些色彩主要是黑色、红色或黄色，色彩之间流动、变化，形成一种运动的关系。这里的《1954》是他成熟期的重要作品之一，体现了他的这些风格特征。

韩熙载夜宴图（绢本设色，28．7厘米×335．5厘米，北京故宫博物院藏）顾闳中（五代）

顾闳中（907—960）是我国五代时期南唐（937—975）的著名人物画家，时任宫廷画院待诏。图中所绘韩熙载（902—970），字叔言，潍州北海（今山东潍坊）人。其父为北唐高官，后在宫廷倾轧中被杀，韩熙载就举家投奔南唐。韩熙载本人学识渊博，不仅熟悉礼法和典章制度，而且诗文、书画、音乐无不精通。投奔南唐政权后，本想一展宏图大略，在政治上有所作为，但由于南唐政权内部同样尔虞我诈，韩熙载一直没有得到重用。而南唐后主李煜对来自北方的政治和军事压力，采取屈膝求和的态度，而对内部，尤其是对来自北方的大臣，则疑心重重，生怕他们会对他的政权不利。因此就有许多人被李煜糊里糊涂地用毒药毒死了。面对这种情景，韩熙载自知已无回天之力，便采取了疏狂纵情、装疯卖傻的态度，以求自保，终日花天酒地、醉生梦死，沉湎于声色之中，不问政事。但李煜仍不放心，不断派人前去打探，甚至让顾闳中去把他看到的都画下来，于是便有了这幅闻名世界的《韩熙载夜宴图》。

在内容上，该画可分为五个部分。左起第一部分为“听乐”。这一段人物最多，描绘韩熙载与众宾客正在屏息静听教坊副使李家明的妹妹演奏琵琶，每个人物的神情都被统一在一个“听”字上。除侍从和歌伎外，有六个主要人物——韩熙载、穿红衣的状元郎杰、坐在几端的太常博士陈致雍、近处背坐的紫微阁大学士朱铣、旁边坐着的回首看客李家明。韩熙载侧身坐在榻上，双手松懈，不经意地垂着，两眼向前凝视着琵琶女，十分倾心她的演奏，一派全神贯注的神情，同时又是那么深沉，琴声似乎使他想起了什么；穿红衣的状元郎杰，左手紧紧抓住膝盖，保持着身体重心，不仅注意力集中，而且身体前倾直盯着琵琶女，不知是被琵琶声倾倒，还是被琵琶女的美貌所迷；李家明与妹妹靠得最近，侧耳回首，两手交叉，专心致志地有点忘我了。在场的每个人物，不论他表现出何种姿态，都被迷人的音乐所陶醉了，心理描写达到了极其传神的境界。

第二段为“观舞”。韩熙载站在红漆羯鼓边，亲自为舞伎王屋山跳“六幺舞”击鼓伴奏。这段中出现的人物，主次分明，有聚有散，有动有静，构图十分和谐。用色也很讲究，既有红与绿的鲜明对比，又有丰富的中间色调。尤其值得注意的是作者对人物心理状态的刻画。例如，韩熙载虽然亲自击鼓助兴，但他自己并不愉快，相反地却流露出一种闷闷不乐的样子，这正反映了韩熙载内心深深的矛盾和痛苦。再如，那个穿黄色袈裟的和尚叫德明，是韩熙载的好朋友，出家人出现在这种声色场所，颇显尴尬，因此并不敢正视舞女，而是看向击鼓的韩熙载，拱手伸指，好像是鼓掌，又好像是行“合十”礼。

第三段为“休息”，描写夜宴中间休息的场面。韩熙载坐在床边，一面洗手，一面和几个女子谈话。他漫不经心，动作迟缓，似乎光顾说话，而忘了洗手；其他宾客也各自在随便闲聊着。

第四段为“清吹”，描写韩熙载和宾客欣赏乐伎演奏笛子和筚篥等管乐的场面。从内容上看，这一段与第一段听乐似有重复，但顾闳中作了不同的处理：第一段人物比较集中紧凑，而这一段，粗看似乎有些松散，画面空间较多，这种较多的空间，正好使人感觉到集体演奏所发出的宏亮而悦耳的声音，有一个回旋的余地，整个画面似乎都回荡着动人的旋律。五个乐伎虽并排在一起演奏，但由于有合有分，且各人的姿态或表情各不相同，丝毫不给人以呆板的感觉。尤见功力的是对五个乐伎的描绘，画家所用的线描，既有粗细、轻重、疾缓之分，又充分显示了衣衫的质感。在用色上，五个乐伎服装的主色调是浅色，由于用红绿两色相互穿插，有对比又有呼应，显得丰富而又统一。至于服装上那些细如毫发的织绣纹样，则更是极尽工细之能事。

第五段为“宴散”。在轻歌曼舞中，不知不觉夜宴结束了，但韩熙载的宾客们似乎余兴未尽，与歌伎们调笑言欢，惟独韩熙载一人独自伫立，神情若有所思。

在这一作品中所画的屏风、床榻，都是既点明室内环境，又起着分割画面的作用，是一种巧妙的构图方法。如画的第四段和第五段之间的屏风，既是一男一女“捉迷藏”的重要工具，又是第四段和第五段的隔断，同时，又起着过渡的作用。韩熙载的形象在全画中共出现了五次，第一次端坐静听，第二次是站着击鼓助兴，第三次是闲坐床边洗手，第四次虽仍是端坐，但以不拘小节、疏狂自放的姿态出现，第五次则孤独伫立，一点儿也不使人觉得重复、单调。而从全画看，韩熙载始终流露出一种沉郁寡欢的表情，其相貌特征和内在气质都非常统一，不但反映了韩熙载在统治阶级内部矛盾激化的情况下，强颜欢笑的矛盾心理和内心的苦闷，更突出地说明了顾闳中高超的肖像画水平。维纳斯的诞生(油画，1485年)波提切利(意大利)桑德罗?波提切利(1445—1510)欧洲文艺复兴时期意大利的杰出画家。早于达?芬奇7年出生于佛罗伦萨的一个手工业者的家庭。14岁时开始跟随僧侣画家利比学画达7年之久。其后个人独立作画，多为宗教题材和古代神话故事题材，但他创作的作品如《三王韩拜》(圣经故事，约1475年)、《圣母颂》(圣经故事，约1482年)，《维纳斯的诞生》(神话故事，约1485年，一说1482年)、《春》(神话故事，约1487年)等代表作品，则是用人文主义思想，表现了充满诗意柔情的世俗的情感与精神。在技法上重视写实，巧妙地将人物和风景结合起来，其人体解剖和透视均已达到很高的水平，成为佛罗伦萨画派的杰出代表。

《维纳斯的诞生》是波提切利中年时斯创作的取材于文学作品的古希腊神话故事画。表现美和爱的女神从爱琴海中诞生，风神将她吹到岸边，受到春神欢迎的情景。作者按古代希腊人的想象，将维纳期画成一诞生便是美丽少女的形象，布置于画的居中位置，她赤裸着身体，站在象征她诞生之源的贝壳之上。画面左边，飞翔于空中的是风神，在鼓腮吹风，维纳斯被风吹动，飘向岸边。右侧站在岸边上的少女是春神，正在举起红色的衣服准备给维纳斯披上。岸边树木密布，空中花瓣纷飞，然而维纳斯却是神情忧郁、眼神茫然地看着前方，表现了美神来到人间世界缺乏信心，对未来充满惆怅的心情。艺术家如此处理维纳斯，实际上是反映了画家对现实的不安。美术史家迟轲是这样评论的：“洋溢着青春生命的肉体、美丽娇艳的鲜花，在当时是作为向宗教禁欲主义挑战的形象，不少画家钟爱它们，正表现了文艺复兴时期人们追求现在幸福的一种愿望。可是，值得注意的是，波提切利笔下的维纳斯还有其特殊的风致。这个被认为美术史上最优雅的裸体，并不像后来某些威尼斯画家所倾心的那种华丽丰艳、生命力过剩的少妇。相反，她却是纤长而略显柔弱，身体虽是已经成熟的妇女，而面容却带有一种无邪的稚气。特别耐人寻思的是她的一双出神的大眼，似乎在单纯无知中含有某些迷茫和哀伤。她像是一个初落人世的婴儿，惊讶得发呆，可是又似预感到某些未知的苦难和不幸。这种迷惘而略带忧伤的神色，„„反映出画家的思想和信念。”这是因为画家创作该画时，佛罗伦萨刚发生过政局的动荡，时事的变动在画家心中留下影响的反映。

该画以流畅的细线勾勒出形体的优美轮廓，用明朗的色调和柔和的色彩表现出优雅、圣洁和含蓄的美。此画作于1485年，早于达?芬奇《蒙娜丽莎》18年之多，是达?芬奇之前文艺复兴的代表作。

我们从画面中所获得的一切感受，就是画家用线条和色彩构成的形象所反映出来的，离开这些艺术语言，便无从获得感知。泼墨仙人图（中国画）梁楷（宋）

梁楷（生卒年不详），祖居东平（今山东），南渡后客居钱塘（今杭州），宋宁宗嘉泰年间（1201—1204）为画院待诏。善人物山水、鬼神道释，亦能花鸟。他生活放纵不羁、嗜酒如命，又喜与和尚交往。传说朝廷鉴于他在画坛上的声望而赐他金带，而他却挂带而去，世称“梁疯子”。

《泼墨仙人图》是梁楷的代表作，充分体现出他所最具个性的“简笔画”泼墨画法。此种画法笔墨酣畅、行笔如飞、一挥而就，容不得画家有一丝的犹豫。这种画法更讲究高度的概括力和对精神气质的把握，这就需要画家要有深厚的生活积累和对笔墨的高度锤炼。这幅画着笔不多，衣服大笔横卧刷出，在水墨淋漓中见出笔致，虽寥寥数笔，但黑白、干湿、浓淡的“六彩”具备，衣袖的凹凸明暗，显得极其生动而空灵，通过墨色的变化造成视觉上的扑朔迷离，真是笔简神具、得之自然，深得简略闲逸之气。梁楷在仙人的面部上作了极度的夸张，让仙人的眉眼口鼻都集中在一起，留出一块大大的前额和秃头，又让他袒胸露腹，蹒跚地向前行进，活灵活现地创造了一个烂醉如泥、憨态可拘的仙人形象。画面用几笔刷出衣服的感觉，仅眉目处用细笔稍加勾勒，以浓破淡，用墨色浓淡显现质感，淡墨的自然渗透形成透明感，笔势创造了运动感，人物形象饱满、浑厚，充满活力，给人以美的享受。搜尽奇峰打草稿(中国画)石涛(清)石涛(1642—1707)本姓朱，名若极。广西全州人，明藩静江王后裔。明亡，其年尚幼便削发为僧，法名原济(一作元济)，字石涛，别号有大涤子、清湘老人、苦瓜和尚、瞎尊者等。早年喜山水，曾云游四方，屡登庐山、黄山。曾流寓宣城十年，晚年定居扬州。石涛才华横溢，擅画，山水、花鸟、人物皆能。其画，构图新颖，笔墨雄健，画风沉郁豪放。石涛的艺术理论造诣高深，著有《苦瓜和尚画语录》，是一部罕有与其匹配的理论巨著。在清初崇尚古人、仿古画风弥漫画坛之时，他提出“搜尽奇峰打草稿”、“吾自用吾法”、“笔墨当随时代”等艺术主张，引领艺术家面向生活走艺术创新之路，其理论影响至今。

《搜尽奇峰打草稿》是该画上的题款，后人以此题款作为该画的标题。石涛在许多画中的题款书写的往往是自己的艺术主张。石涛此画并非要再现某处具体之山景，而是正如题款所写的，是他游历各处名山大川、胸中搜尽奇峰打草稿之后，对山水风景的意象表现。在这横幅画面上，布置着断壁悬崖、曲折路径、层峦叠嶂、云气飘浮、低矮缓坡、小溪流转、杂树纷呈、长草丛生，构成了让我们感到很真实的山水气象。

在这幅作品中，画家用不同墨色的点线与多种点勾皴之法，很好地表现了山体裸露的岩层、植被、土坡、苇草、石块以及各种树木等形象和空间关系，以及山的巍峨、景的秀丽。此画不仅给人以山水之美的感受，还可从其笔墨的酣畅豪放、笔力的老到浑厚以及总体构成的圆浑统一中领悟笔墨艺术的形式美感。

荷拉斯兄弟宣誓（油画，330厘米×425厘米，1784年，巴黎卢浮宫藏）达维特（法国）

达维特（Jacques-Louis David，1748—1825）出生在巴黎一个服饰用品商的家里，9岁成为孤儿，由他的叔父比隆抚养。皇家建筑学院秘书塞代作为他的叔父为了培养他，送他去他们的朋友、当时著名的画家布歇那里学画。虽然布歇对他的速写印象深刻，却无暇执教，而把他推荐给了学院派画家维恩做学生。1766年秋达维特开始了在学院的学习，通过临摹雕塑品和研究古典绘画，他逐步掌握了学院派的一般规律，随后也加入了罗马大奖的角逐。好像是命运要考验他一样，达维特经过了痛苦的四次失败后，第五次才于1775年夺得了盼望已久的罗马大奖。适逢此时他的老师维恩被任命为罗马法兰西学院的院长，于是他们师徒一起赴意。

1780年达维特学成归国。1782年达维特结婚，也许他的婚姻是经过慎重考虑的，因为他的岳父既有钱又有地位，这对他的事业有帮助。果然，不久他就通过其岳父得到了官方的一个订件。为了完成这幅画，他携妻子和学生再赴罗马，用11个月的时间完成了这件作品，这就是著名的《荷拉斯兄弟宣誓》。

此作的叙事性是明显的，它描绘了一个罗马历史学家记录的一个历史故事：在建立共和制的斗争中，罗马人与邻近的阿尔巴人发生战争，战争持续了多年未分胜负，最后双方决定各选三人以决胜负，败者则臣服对方。罗马人荷拉斯三兄弟被选出与阿尔巴的加里亚斯三兄弟决斗，但他们其中之一却是荷拉斯的姐妹荷拉蒂娅的未婚夫，而小荷拉斯的妻子则是加里亚斯兄弟的一个同胞姐妹。经过一番思想斗争，他们决定为了国家的利益大义灭亲。战斗开始了，荷拉斯兄弟杀死了加里亚斯三兄弟，但回来后却遭到自己姐妹的指责，一怒之下便又杀死了自己的姐妹。国王对此称赞道：“你们的美德使你们的荣耀超过你们的罪过。”在这里，大卫选择了出征前宣誓的场面，老荷拉斯以正式的仪式把代表了果敢、力量和决心的剑交与三兄弟，而三兄弟两腿叉开、平伸手臂，似乎他们接过利剑就毫不犹豫地立即奔赴沙场去消灭敌人。整个画面像是舞台剧一样在一个平面上展开，战士的坚强有力是前所未有的，但角落里的女士们却仍反映了格瑞兹那种伤感剧的场面，当然在这里却意义不同。这个“伤感的角落”一方面缓和了画面的紧张，不使宣誓变成一种滑稽的做作，而具有真实感；另一方面则反衬出战士们的勇敢和冷酷的决心，从而赞美了英雄主义和刚毅果敢的精神，鼓励人们为了正义的事业要敢于牺牲一切。

作品完成后立刻引起了轰动，当地人不仅接连不断地去画室参观此作，甚至他们还邀请达维特定居意大利。但达维持坚信，他的事业在祖国。然而这幅画运回国内后却为官方所否定，并禁止此画公开展出，经过画家及他的朋友们的努力之后才被允许在1789年的沙龙上展出。经历大革命洗礼的巴黎人立即为画中的爱国精神所感动，他们把它看作是一面旗帜，一个废除旧制度、誓死保卫共和国的象征。作为一面旗帜和象征，此作在艺术上的意义更为深远，它也使画家本人看到了艺术的社会作用。

簪花仕女图（绢本设色，46厘米×180厘米，辽宁省博物馆藏）周（唐）

繁荣的唐代艺术，以人物画为主流，一时名家辈出，周就是当时以人物画驰名的丹青名家。周曾学张萱，但青出于蓝而胜于蓝，独创了“周家样”。这种“周家样”突出地表现在他著名的“水月观音”佛教造像中。除此之外，周的艺术成就还体现在他表现宫廷生活和贵族仕女的题材中。《唐朝名画录》中将其作品评为“神品”，尤其称赞其仕女画是“古今冠绝”。

其名作《簪花仕女图》就表现出这样的“冠绝”之处。这件作品取材于宫廷妇女的生活，真实地画下了宫廷贵妇们百无聊赖的富贵生活，把贵妇们曲眉明眸、体态丰腴、浓丽华贵的形象描绘得真实传神。她们簪花、赏花、戏犬、漫步，舒适悠闲的生活掩饰不住寥落的心情，正如宋人苏轼在《周画美人歌》中所写的“深宫美人百不知，饮酒食肉事游戏”。构图处理独具匠心，画中“绮罗人物”共六人，景物单纯，以人物为主，湖石、玉兰、小犬和鹤加以衬托，以采花、扑蝶、赏鹤、戏犬四段组成连续性的情节，这就增加了生活的容量和画面的寓意。从人物比例看，四个主要人物占据主位，两个侍女较小，使主次分明，既体现出尊卑和透视关系，又照顾到构图变化。此外，作品还在构图上首尾呼应，两端人物面部向内，中间则向外，对称和谐，再通过景物的穿插形成画面的节奏感，使整个画面在单纯中而有变化。蓝马(油画，1911年)马克(德国)此图为马克的代表作之一。画家运用响亮的蓝色描绘出几匹不同形态的马，形体刻画简洁洗练，造型雄健强壮，马匹的轮廓呈有力的弧线，与背景的山峰的起伏和流云的走势形成一组活泼跌宕的流动曲线，使画面和谐统一，宛如一首雄浑激越的协奏曲。从1910年开始，马克逐渐形成了自己的绘画风格。他喜爱画动物，尤其是喜欢画马，他主张在绘画中要用动物的眼睛去观察世界，排除人的理性与逻辑，描绘纯粹的感觉。虾（中国画，1946年）齐白石 作者简介请参照第14课相关内容。

齐白石兼擅诗、画、印各艺，在绘画上则以花鸟虫鱼闻名。其花鸟画继承徐渭、八大、石涛、金农、吴昌硕诸家笔墨精神，又融入民间艺术清新质朴的审美趣味。他以一个农民的本色和淳朴的情怀，运用老辣生涩的笔墨，突破了传统文人画和民间画工的局限，将二者有机地结合到一起，使作品呈现出明快、清新和诙谐的趣味和生命力。尤其是他的虾，更以笔墨洗练、形象生动见长，受到广大人民的喜爱。

齐白石依据真虾总结出极为简练的画法，使其所画之虾又不同于真虾。真虾的眼睛看上去是一个小点，他却以浓墨横笔将虾眼画得非常突出，显得极为精神；真虾的腿有很多，他删繁就简，仅画五条，就显得多而生动。所以他画的虾，既让人感到是充满生命力的在觅食游动的活虾，又让人体会到苍劲有力的笔法和浓淡干湿变化的墨色的艺术美感。他的这种高超技艺得到了举世称赞。

走下楼梯的裸女（油画，147．3厘米×88．9厘米，1912年，美国费城艺术博物馆，路易斯和沃尔特?阿伦斯堡藏）杜尚（法国）

杜尚（Marcel Duchamp，1887—1968）生于法国布兰维尔附近，是西方现代艺术中最有争议和最有影响的一个人物。他在校时天资聪颖，在各个方面均表现了对绘画的爱好。1904年去巴黎朱理安美术学院学画。初期主要仿效新印象主义、野兽派和塞尚画风。1911年起，染指立体主义和未来主义的实验，创作了一幅属于他早期的代表作《走下楼梯的裸女》，该作品表现了他对如何在静止的画面上展示连续运动过程的兴趣。杜尚把这幅画送交第28届独立画展时，被评委拒绝，说它是对未来主义和立体主义绘画的讽刺，而且超出了人们所能忍受的限度。1913年，杜尚的《走下楼梯的裸女》第一次在纽约的军械库展览中向观众露面，受到了极大的攻击，被认为是“木瓦工厂里的一场爆炸”，它得到了“一种引起公愤的成功”。这样的攻击引起了人们更多的关注，据估计，有记载的参观者就有25万人之多，人们大都是冲着这幅画去的。

红、黑、黄、蓝构成（油画，1922年）蒙德里安（荷兰）

1920年，风格派最有影响的画家和理论家蒙德里安（Piet Mondrian，1872—1944）发表了自己的著作《新造型主义》，介绍了自己的观点和理论。他认为现代人与自然的距离已相去甚远，他的生活变得越来越抽象。当人类把对外部世界的注意力转向内心时，只有一种深刻的内省才符合时代的精神。这样“作为人的心理的一种纯粹的再现，艺术将以一种经过审美意识纯化的，也即是说，一种抽象的形式表现出来”。在蒙德里安看来，抽象的、无个性和情感的艺术，才是最纯粹的艺术。他把这种艺术称之为“新造型主义”（Neoplasticism）。

蒙德里安在1942年曾这样叙述：“立体主义不承认自己所发现的合乎逻辑的结论：他们并不把抽象发展成自己的最终目标，去表现纯粹的真实性。我觉得，惟有纯造型性（造型主义，Plasticism）才能完成这一点。”这里面强调的“造型性”和“真实性”，概括了他毕生的追求。对他来说，“造型的表现”大体上是指形式和色彩的作用。“真实性”或者叫“新真实性”是指造型表现或者绘画形式和色彩的真实，反对以模仿自然浪漫主义或表现联想为基础的那种幻觉的真实性。蒙德里安总是通过“对立的等式”去寻求统一性，以表现他在人类和宇宙里所感觉到的高度神秘。他的最终目的，并不是通过消除可以辨认的主题去创造抽象的结构。

1917年，“新造型主义”的另一个理论家杜斯堡（Theo van Doesburg，1881—1931）就已创办了《风格》期刊，它鼓吹“传统绝对地贬值，„„揭露抒情和感情的整个骗局”，强调艺术需要“抽象和简化”，即必须以数学般的结构反对印象主义和所有的“巴洛克”艺术形式。杜斯堡比蒙德里安更早地认识到了直线的至高无上的价值和地位，他甚至想给杂志取名《直线》。但是在1918年蒙德里安加入之后，他们的目标才更明确起来。这年11月，他们和另一些艺术家一起发布了第一个“宣言”，要求生活、艺术和文化在理性的基础上实现世界的统一。他们企图以最简洁的直线、矩形或方块，色彩上的红、黄、蓝，以及中性的黑白灰来表现“纯洁性、必然性和规律性”。“新造型主义”的这种观念来自两个方面，一是数学家绍恩马克斯博士的新柏拉图哲学，即他的《世界的新形象》（1915）和《造型数学原理》（1916）；一是柏拉吉和赖特的“包容”建筑观念。绍恩马克斯在《世界的新形象》一书中指出：“正交”是宇宙中最优越的形式，“形成我们地球的两个根本的完全相反的东西是力的水平线，那是地球环绕太阳运行的原因，和垂直并源于太阳中心的光线的奥妙的空间运动”。他接着论述了色彩问题：“三原色是最基本的，黄、蓝、红，它们是惟一存在的颜色，„„黄色是光线的运动，„„蓝色是天空的颜色，它是线，水平线，红色是黄色和蓝色的伙伴，„„黄色放射，蓝色‘后退’，而红色悬浮。”

这些观念奠定了“新造型主义”理论和艺术的基础。我们在他们的作品，尤其是蒙德里安的作品中，可以看到他们几乎一丝不苟地执行了这样的理论。对直线表现的简洁性，以及垂直—水平关系的神秘性的研究，成为蒙德里安的毕生追求，并以之作为他艺术的终极目的。《红、黑、黄、蓝构成》就是反映他的追求的成熟期的代表作之一。蒙德里安的这种追求如此之坚定，以至当杜斯堡放弃了他一直追求的矩形—直线表现要素，而将之置于一个45度角以造成一种更有动感的表现形式时，蒙德里安与他决裂了。

牛顿色盘（油画，100厘米×73．7厘米，1912年，美国费城艺术博物馆，路易斯和沃尔特?阿伦斯堡藏）库普卡（捷克）

以毕加索为首的立体主义，当时被公认为是“正统的”（或称“原发的”、“经典的”），但根据诗人和立体主义理论家阿波利奈尔的说法，实际上它已被分化成四股力量，其中“奥尔甫斯主义”即是其中之一。奥尔甫斯（Orpheus）这个词，法语的意思是“同时的”，奥尔甫斯主义即指描绘事物在同一时间内的不同方面，也即光与色的同时性，故又称“奥尔甫斯立体主义”（Orpheus-Cubism）。这一基本原则构成了奥尔甫斯主义内在的生命力。艺术评论家阿波利奈尔选择了“奥尔甫斯主义”（Orphism）一词来形容他认为属于这一倾向的那些艺术家的作品，这些人包括：马塞尔?杜尚（Marcel Duchamp，1887—1968）、弗朗西斯?毕卡比亚（Francis Picabia，1879—1953）、费尔南德?莱热（Fernand Léger，1881—1955）、罗伯特?德劳内（Robert Delaunay，1885—1941）以及库普卡（Frantisek Kupka，1871—1957）等，意在表明，一种完全弃绝具象表现而代之以纯色彩或色彩造型来传达情感的新艺术即将出现。

阿波利奈尔曾这样评价奥尔甫斯主义：“这种艺术在描绘新的结构时，不是根据来自视觉领域的因素，而是根据完全由艺术家本人所创造的因素，并且使这种因素具有充分的真实性。奥尔甫斯艺术家的作品必须给人一种纯粹的审美乐趣，给人一种清晰明确的结构，同时又给人一种崇高的意义，亦即主题。这就是纯艺术。”事实上，阿波利奈尔在使用“纯艺术”一词时，并非指我们仅从字面上来理解的那种纯抽象的艺术，他仅仅是以此来界定那些并非完全以再现性的手法来描绘物象的表现形式，一种艺术家主观创造的“清晰明确的结构”。在1912年以前的这些画家的作品中，几乎还没有具备后来人们狭义地理解完全典型的奥尔甫斯性质的作品，它们只是在广义的“抽象的”意义上与这一运动保持着联系。

库普卡生于捷克的奥波奇诺，年轻时曾在一个马具店做学徒，而老板则是当地一个著名的唯灵论者，这也影响到了库普卡，使他对神鬼之事和通神学发生了兴趣。这一直影响他一生，并充分反映在他作品中。库普卡后来去布拉格学习绘画，1892年又来到维也纳。在这期间他逐步形成了自己的想法，认为“艺术家必须找到一种方式，使他可以把一切运动的物理特性和他的内心生活状态表现出来，并藉此抓住一切抽象的东西”。实际上，库普卡早在1909年就开始了抽象艺术的探索。这一年他在《第一步》一画中最早制作了一个彩色球体的抽象图案，暗示行星围绕着太阳旋转。他的这一主题在随后的《不定形》中继续发展，在1912年的《牛顿色盘》中达到完善，使之呈现出一个转动色环的、振动的抽象世界。他在这里创造的正反映了当时前卫理论家的共识，即艺术与现实和文学叙事无关，而是应像音乐一样以自己的方式表现。第3课 如实地再现客观世界——走进具象艺术

（一）教学目标从本课开始，具体了解三种主要的美术类型（具象艺术、意象艺术和抽象艺术）及其相关的问题。本课的目的是让学生对具象艺术有更加深入、具体的认识，其中主要包括： 1．具象艺术的特点是什么？

2．具象艺术是如何塑造典型人物和典型环境的？ 3．具象艺术有哪些功能？

通过这几个方面的教学，使学生更进一步地了解具象艺术的语言、形象特征，并能初步掌握辨识具象艺术的能力。

（二）内容结构本课主要分为四个部分。

第一部分以中国古代画家黄筌，以及古希腊画家宙克斯和帕尔哈西奥斯之间的比赛为例，说明具象艺术在人类历史上具有悠久的历史，并由此引出具象艺术的特点。

第二部分“具象艺术的特点是什么？它有什么作用？”着重通过几件作品具体解释具象艺术的三个主要特点：1．视觉真实性或客观性，即具象艺术是以客观世界为表现对象，并且把对象表现得就像我们所看到的一样真实；2.艺术形象的典型性，即具象艺术是通过典型的艺术形象的创造来表达艺术家的个人情感和观念的；3.情节性或叙事性，即具象艺术中往往蕴涵着一个或多个故事情节，它可以用文字语言直接来讲述或描述。由于具象艺术的这些特点，因此除艺术所共同的审美功能外，它还具有记录的功能和社会干预的功能。

第三部分“怎样鉴赏具象艺术？”这里既运用了美术鉴赏的一般方法和过程，又特别兼及了对具象艺术的鉴赏特征，从肖像艺术和主题性艺术两大分类中分别说明对具象艺术的鉴赏方法。这里涉及到了具象艺术的典型性问题，主要是典型形象和典型环境，这两个概念下面将作具体解释。

第四部分“如何评价具象艺术的意义？”主要是从具象艺术的功能——社会记录和社会干预的角度来说明的，这两个功能是它区别于其他类型的艺术的主要特征。具象艺术的意义主要就来自于此。

（三）教学的重点与难点由于本课教学的目的是要使学生对具象艺术有进一步的了解，因此重点就在于对其三个主要特点及其功能的讲解，以及对美术鉴赏方法的具体运用，并进而认识具象艺术的意义。

本课教学难点，主要在于分辨具象艺术的能动性，即具象艺术以其对艺术形象的典型性处理——对典型形象和典型环境的塑造而区别于摄影。正因为这样，具象艺术不是被动地模拟(尽管它要“如实”地再现)现实，而是对现实的能动反映，这就要把具象艺术与艺术家对艺术形象的典型处理结合起来讲解和鉴赏，因为这些形象都服务于艺术家的不同目的。

二、教学内容资料

（一）作品分析

写生珍禽图（绢本设色，415厘米×70厘米，北京故宫博物院藏）黄筌（五代）

黄荃，四川成都人氏。前蜀王衍时，选入画院为翰林待诏，后蜀时孟昶让他主管画院，佩紫金袋。传世作品《写生珍禽图》，传为黄荃给他的儿子居宝作画用的一幅课图稿本，画面描绘了、麻雀、鸠、蜡嘴、蚱蜢、蝉、蜜蜂、牵牛等禽鸟、昆虫24只之多，还有大小龟两只，平列而绘，大小间杂，信手画来，不求章法，各自独立存在，是一幅写生作品，勾勒精细，神态毕现，栩栩如生，情趣盎然。

清明上河图（绢本设色，24.8厘米×528.7厘米，北京故宫博物院藏）张择端（宋）

张择端(生卒年不详)，是北宋末年画家，字正道，东武人（今山东诸城县人）。幼年时喜好读书，青年游学京师，后习绘画。工于界面，尤善于画舟车、建筑物等现实生活题材。曾画有《西湖争标图》和《清明上河图》。后者至今尚存，是一幅具有重大历史价值和艺术价值的风俗画长卷。

《清明上河图》生动反映了北宋都城汴梁的繁盛景象。内容结构大体分为三段，开首为郊野风光，中段是以虹桥为中心的汴河（当时俗称“上河”，是当时国家的漕运枢纽，南北商业交通要道）及其两岸船车运输、手工业生产和商业贸易等紧张忙碌的活动，后段为市区街道纵横交错、店铺鳞次栉比、人流如潮、车水马龙的繁华场面。作者对于纷繁复杂的社会生活现象，根据自己对生活的细致观察和理解，从反映当时的社会动态和人民生活状况的主题需要出发，选择那些具有形象性又具有时代特点的事物及情节加以表现，如载运江南粮米财物的漕船，与北方经济交流的骆驼队，以及各阶层人物的活动。其中有力夫、纤夫、小贩、市民，还有少数官宦人家的上流社会人物。整个画面有静场、有高潮，跌宕有序。船过虹桥的场面安排在全卷近中央的位置，是画面最精彩的部分，也是最紧张的场面。桥下河面水深流急，为使漕船过桥，船工情绪激动紧张，有的撑船，有的掌舵，放桅杆的、掷缆绳的、呼喊指挥的，加上桥上的人为之奔走呼号，显得人声鼎沸，热闹非凡。

《清明上河图》在整个画面的构图方面显示了卓越的艺术才能。中国绘图传统的“散点透视”得到了天才的运用，使丰富的内容和复杂的场面，通过中国传统的长卷形式，得到了集中而又生动的表现。画面组织讲究内在联系，严密紧凑，如同一气呵成，具有很高的艺术成就，在世界绘画史上占有重要的地位。

这里需要说明的是，关于《清明上河图》这一题目中的“清明”一词的解释，历来就有不同的说法，多数学者认为是“清明时节”的意思，即此画是描绘北宋首都清明节的景象。但也有人通过考证，认为“清明”是汴梁郊外的一处地名；又有人根据此画中出现了河岸小贩桌上摆着切开的西瓜，有裸着下身在街头嬉戏的儿童，还有十多人挥动扇子，说明这些都不是北方清明时节的征候。所以，有人认为，“清明”并非指清明节，而是如《后汉书》中有“固幸得生于清明之世”句中所说的“清明”，乃是画家张择端称颂当时北宋首都的太平盛世，所以，此画描绘的不是春景而是秋景。这些说法虽然还未取得学者们的认可，但是，从中可以体会到对一幅名画的理解，将会随着人们的认识而不断深化。

张择端的《清明上河图》是帝王权贵巧取豪夺的珍宝。南宋末年，长卷落入奸相贾似道手里；明代奸臣严嵩父子为谋取这幅长卷竟兴起大狱株连无辜；明清两朝，此长卷均归皇室珍藏；民国初年，被溥仪盗出关外，解放后，始得回归人民手中，现藏北京故宫博物院。

王时敏像(中国画)曾鲸(明)曾鲸(1568—1650，一作1564—1647，又作1567—1649)，字波臣，莆田(今福建莆田)人。曾在浙江杭州、乌镇、宁波、余姚一带从事绘画活动。晚年流寓金陵(今南京)。擅人像写真，是明末最有影响的肖像画家。其弟子众多，被称为“波臣派”。与曾鲸同时代的姜绍书在《无声诗史》中评说其画“写照如镜取影，妙得神情，其傅色淹润，点晴生动。虽在楮素，盼睐颦笑，咄咄逼真，虽周之貌赵郎，不是过也。若轩冕之英，岩壑之俊，闺房之秀，方外之中，一经传写，妍媸唯肖。”论及曾鲸作画说：“然对面时，精心体会，人我都忘，每图一像，烘染数十层，必匠心而后止。其独步艺林，倾动遐迩，非偶然也。”正因为曾鲸“每图一像，烘染数十层”之画法，有的理论家认为他是吸收西洋画法，其理由是：明代神宗皇帝时，有欧洲传教士利玛窦及其后的罗儒望、汤若望等传教士来华，将西洋绘画作品携入中国，故曾鲸是受西洋画法之影响。然而与之相反的看法认为他是传统画，清初张庚在《国朝画征录》就说过：“写真有两派，一重墨骨，墨骨既成，然后傅彩，以取气色之老少，其精神早传于墨骨中矣。此，闽中波匠派也。一略用淡墨勾出五官部位之大意，全用粉彩渲染。此，江南画家之传法，而曾氏善矣。”可见曾鲸并未受西画影响，是传统的中国画法，只不过他比前人更注重面部凹凸的渲染的精致和傅彩的厚重感。

《王时敏像》作于明代万历四十四年，曾鲸50岁左右，正是他的艺术成熟时期的作品。画中人物是明末王时敏青年时期的肖像。王时敏少年时中进士，崇祯时曾任太常寺少卿。清入关后，拒绝做官，潜心诗文书画，其后以山水画的卓越成就被列为清初画家“四王”之首。该画所绘29岁的王时敏，手持拂尘，盘坐于蒲团之上，面庞清秀，神态端庄，双目有神，聪慧倜傥，一位富有才华的青年文士跃然于绢面之上。

其画法是先用墨线勾出轮郭和五官，再以“凹凸法”淡墨层层烘染五官结构，最后再用淡赭傅彩，很好地表现了面部结构与质感。衣着则用洗练的墨线勾勒，笔法流畅。其衣纹线条依靠长短变化和起承转折，合理地表现出服装和身体的结构关系，并形成富有节奏的优美的韵律感。墨线上稍用淡赭复勾，使之丰富有厚度，又与面部淡赭有呼应，形成谐调统一。衣领和内衣则施以白粉，成功地表现了气质高洁的青年文士。

教皇英诺森十世（油画，1650年，罗马多利亚美术馆藏完成原作）委拉斯凯兹（西班牙）

委拉斯凯兹（1599—1660）是17世纪西班牙最杰出的画家。他始终担任西班牙画师,为国王、王后、教皇、宫廷贵族等上层人物画了大量的肖像画。《教皇英诺森十世》是其中最重要的代表作。这是1650年他在意大利罗马访问期间，应教皇本人的邀请而画的。权势显赫的教皇正襟危坐在一把精致的椅子上，一双凶相毕露的眼睛直盯着观众，威严中包含着贪婪，凶狠中隐藏着狡诈。这个当时已76岁的老谋深算的教皇的面貌和性格特征，被真实地表现出来了，以至于教皇本人看了，也只能用半是不满半是赞叹的口吻说：“画得太逼真了！”甚至后来这幅肖像画挂在一间厅堂里时，从外面经过的几个主教，看到这一肖像还以为真的是教皇坐在里面呢！此外，这一作品的用色也相当精彩，闪闪发光的冠帽和法衣，同洁白的亚麻衣领以及镶在衣服上的白花边，形成一种鲜明而有变化的色调，再加上暗红色的天鹅绒背景和镶在椅背上闪闪发光的宝石，使整个画面呈现出一种沉着厚重而又华贵的气氛，以显示出教皇至高无上的地位。

货郎图（绢本设色，25.5厘米×70.4厘米，北京故宫博物院藏）李嵩（宋）

李嵩是木工出身的画家，在光宗、宁宗和理宗初年为画院待诏。他善用界尺作木屋画，同时也是一位山水、人物、花鸟兼能的画家。《货郎图》体现了李嵩人物画的造诣。作品描绘了一位中年货郎挑着“货郎担”来到农村时，众多妇女儿童争购围观的热闹场面。货郎担上的小商品琳琅满目，品类繁多，货郎将有些商品作了分类，标有“诵仙经”、“明风水”、“三百件”、“牛马小儿”、“便是山东米”、“黄醋”等字样。画面上大大小小十二个顽童，动态表情各异，生动有趣，布局疏密得体，在笔法的运用上也恰到好处：画柳树野草和几条家犬用笔细密而有变化；画货郎担上的货物用笔细匀；画衣纹则略带颤笔，转折顿挫有致，表现了农家衣衫粗布的质感。

石工（油画，160厘米×259厘米，1849年，原藏德累斯顿国立美术馆，已毁）库尔贝（法国）

在当时以至后来的许多评论家和美术史家看来，库尔贝（Gustave Courbet，1819—1877）的革命是在题材上。因为当时几乎所有争论都是围绕题材问题，而且库尔贝的现实主义主张也是要求艺术家从所谓高雅的艺术主题回到现实中来，描绘艺术家周围的生活。因此他们认为库尔贝不过是一个以题材的哗众取宠来获得名声的机会主义画家，这似乎是提出了一个问题：艺术家是以自己的机智来赢得观众的注意，还是以扎实的艺术创造来获取应有的历史地位？这个问题始终围绕着各个时代的艺术家。尤其进入现代以后，观念与创作之间的关系已更加明确起来，现代艺术家在总结了历史的经验之后认识到，怎样画比画什么更为重要。这也是库尔贝带来的影响之一。当然这其中我们不能否认机会主义和赶时髦的潮流画家的投机行为，但我们却不能把库尔贝看作一个机会主义者，因为他的作品和思想不仅是对当时艺术的反动，而且在许多方面深深影响了后人。

1849年完成的《石工》，是库尔贝的重要代表作。在巨大画面上，画家突出了两个和真人一般大小的石工。一老一少，穿着粗布衣，脚登简陋的木底鞋，正在路边凿打和搬运石块。这场景是库尔贝在途中亲见的一幕，石工艰苦的劳动使他震惊了，他决心去描绘他们。他把两个石工请到自己的画室，请他们做模特儿，自己又到现场画了一些写生稿。为了强调这种野外修路工的艰苦生活，除了在画幅上犹如浮雕般立体地展现两个形体高大的石工之外，还在背景处添画了铜锅等炊具，周围则是一片荒凉不堪的山坡。在炙人的烈日下，两个石工就在道旁的沟边劳动。画幅的上部是遮顶的山岗，在右角山坡的后面，仅透露出一角蓝天。库尔贝说：“我每天散步时都看到这些人。而且，这个阶级的人们往往就是这样度过一生的。”

血衣（素描，100厘米×150厘米，1959年，中国革命博物馆藏）王式廓

王式廓（1911—1973）是中国现代油画家、版画家，山东掖县人。1936年赴日本留学，1937年回国，1938年赴延安，历任延安鲁艺研究员，晋冀鲁豫边区北方大学、华北大学文艺学院、中央美术学院教授，中国美术家协会常务理事。他具有深厚的绘画基本功，经常生活在农民之中进行人物写生。代表作品有版画《改造二流子》，油画《井冈山会师》、《毛主席在十三陵水库劳动》及《血衣》的油画素描稿等。1973年4月，为完成油画《血衣》，去河南写生以充实素材，由于辛劳过度，于5月22日逝世于画架旁。

《血衣》是王式廓以在华北地区参加土地改革运动所积累的生活体验与素材为基础而创作的大型素描（油画稿），也是曾经引起广泛社会反响的杰出革命历史画。它以一位农村妇女手持的血衣作为揭示主题和画面情节的中心，用一系列饱受封建剥削和摧残的农民形象体现了控诉斗争激情，显示了民主革命所带来的翻天覆地的历史变化和人民群众当家作主的时代的到来。作品场面宏大、人物众多，作者真实、生动地刻画了不同人物的性格特征和内心世界，富有极强的艺术感染力。在中国现代美术史中，有过不少反映农村土地革命斗争的优秀作品，如著名版画家古元、彦涵等的许多版画作品，而王式廓的《血衣》可以说是同类题材作品中最深刻、最成功的艺术典型。

蒙娜丽莎（油画，77厘米×53厘米，1503—1505年,巴黎卢浮宫藏）达?芬奇（意大利）

莱奥纳多?达?芬奇（Leonado Da Vinci，1452—1519）诞生在意大利佛罗伦萨与比萨之间的芬奇镇。达?芬奇同代的人把他看作古怪、神秘的人物。君主和将军们想让这位惊人的奇才当军事工程师，去修建防御工事和运河，制造新奇的武器和装置。而在和平时期，他还会发明独特的机械玩具，为舞台演出和盛大场面设计新奇效果，使他们开心。他被誉为伟大的艺术家，并且被当作了不起的音乐家。当他遇到问题时，他从不依赖权威，而是通过实验予以解决。自然界没有一样东西不能引起他的好奇心，没有一样东西不能激发他的创造力。他解剖过三十多具尸体去探索人体的奥秘。他是探索孩子在子宫中发育奥秘的先驱者之一；他研究过水波和水流的规律；他成年累月地观察和分析昆虫和鸟类的飞翔，这会有一部飞行机，他确信总有一天飞行机会成为现实；岩石和云彩的形状、大气对远处物体的颜色的影响、支配树木和植物生长的法则、声音的和谐，所有这一切都是他孜孜不倦地进行探索的对象，这也为他的艺术奠定了基础。

《蒙娜丽莎》成功地塑造了资本主义上升时期一位城市资产阶级的妇女形象。据记载，蒙娜丽莎是佛罗伦萨一位皮货商的妻子，达?芬奇为她画像时，这位24岁的妇女刚失去了自己心爱的女儿，悲切抑郁。画家为了让她面露微笑，想出种种办法：请乐师奏乐、唱歌，或说笑话，让欢快的气氛帮助她展现笑容。

在受基督教禁欲主义控制的年代里，妇女的行止受到许多约束，她们不能充分地表现自己的欢乐和痛苦，不然，就是对上帝的亵渎。所以中世纪的肖像画，一般都被画得呆板、僵硬，面部毫无表情。达?芬奇在人文主义思想的影响下，开始为表现人的情感而费尽心机，为了画出蒙娜丽莎真实的形象，他还从解剖和生理学上进行研究，探索隐藏在皮肤下面的脸部肌肉的微笑状态，研究人在轻松愉快时的心理变化与反映过程。

蒙娜丽莎的神秘微笑多少年来一直被人们津津乐道，惊叹它的神秘效果。达?芬奇在这里极为谨慎地使用了他发明的“明暗渐隐法”，我们称之为面部表情的东西主要来自两个地方——嘴角和眼角。因此，达?芬奇有意识地让它们模糊，使它们逐渐融入柔和的阴影之中，使蒙娜丽莎的表情似乎总叫我们捉摸不定。如果我们仔细观察这幅画，还能看出两侧不大相称。在背景梦幻般的风景中，这一点表现得最为明显：左边的地平线似乎比右边的地平线低得多。于是，当我们注视画面左边时，这位女人看起来比我们注视画面右边时要高一些，或者挺拔些，而她的面部好像也随着这种位置的变化而改变，因为面部的两侧也不大相称。在构图上，达?芬奇改变了以往画肖像时采用侧面半身或截至胸部的习惯，代之以正面的胸像构图，透视点略微上升，使构图呈金字塔形，蒙娜丽莎就显得更加端庄、稳重。

对《蒙娜丽莎》的艺术价值，不能仅仅从肖像被画得生动逼真上面去考虑，更重要的是，达?芬奇在这幅画里体现了他先进的艺术思想，即以科学的精神去观察自然的态度和作品所体现的人文主义精神。

田横五百士（油画，198厘米×335厘米，1928—1930年）徐悲鸿

《田横五百士》是徐悲鸿的代表作之一。作品取材于秦代末年齐国旧王族田横不肯屈身于刘邦而起兵抗衡，最终失败自刎的故事。画面描绘田横正拱手辞别部下时的器宇轩昂的英雄气概和他的属下悲愤激越的情绪，表现了历史上悲壮的一幕,颇有戏剧性。它不仅歌颂了田横等威武不屈的气节，而且通过历史人物故事的再现，折射出徐悲鸿对当时社会现实的批判态度和对民族精神的颂扬。在色彩处理上，田横身穿暗红紫袍，与穿黄袍的壮士在强烈对比中突显于画面，其他人物的服装，与蓝天、黄土、浓阴均统一于浓重的蓝灰色调中，形成了沉郁、悲怆的交响效果。此画面场面宏大、人物众多，为早期中国油画中的巨制。画家在**的年代选此历史题材作画，有其深刻的寓意。

拿破仑一世加冕（油画，931厘米×610厘米，1805—1807年，巴黎卢浮宫藏）达维特（法国）

达维特（Jacques-Louis David，1748—1825）在完成了他的成名作《荷拉斯兄弟的宣誓》后，不仅积极从事社会活动和艺术制度的改革，而且把视角放到了当代题材的创作上。他的《拿破仑一世加冕》和《网球场誓约》、《马拉之死》等就是其中最重要的作品。这些作品更以其新闻色彩给世人留下深刻印象，使他的作品与时代紧密结合起来。他注重画面的真实性（当然这是一种古典主义的真实），以对待历史画的严谨来表现现实题材。他曾说过：“我的意图是要以一丝不苟的准确性去描绘古代风尚，要让那些希腊人、罗马人看了我的画后，不会感到我的画同他们的风俗习惯格格不入。”这种历史真实的态度而不仅仅是方法给以后的现实主义流派的兴起以相当的推动，它导致了现实主义“典型环境中的典型人物”的创作原则的确立。在这一方面达维特常常如某些人所说的是个“潮流画家”。

《拿破仑一世加冕》表现的是一个真实的历史事件。1804年2月2日，拿破仑在巴黎圣母院举行了盛大的加冕仪式，正式称帝。出席典礼的有世界各地的达官显贵，有教皇比维斯七世，拿破仑的家庭成员，财政总监及许多政治家、文武大臣、各国使节和使节夫人等。画家在这里真实地记录了当时的情景和这个历史性的时刻。为了真实，画家专门请了一些模特儿穿上当时的服装写生。整个画面场面恢宏，色彩华丽辉煌，背景中庄重、挺拔的建筑体现了古典主义的传统。这正是拿破仑所需要的，因此拿破仑多次公开称赞达维特，并授予他荣誉军团勋章。

占领总统府（油画，165厘米×320厘米，1977年，中国革命军事博物馆藏）陈逸飞 魏景山

陈逸飞，1946年生，浙江人。1965年上海美专毕业，1981年赴美留学。中国美术家协会会员。魏景山，1943年生，浙江人，1965年上海美专毕业，中国美术家协会上海分会理事。

作品采用凌空俯视的角度，着力于升旗这一组群像的刻画：一位身经百战的老战士扯下国民党的破旗，升起鲜艳的红旗，一个伟大的转折来临了；指挥员伸出戴表的手腕，为了记住这令人难忘的时刻，老战士凝视着它，禁不住热泪盈眶；司号员已记不清多少次吹过胜利的号声，此刻激动得脱下军帽，向红旗致以崇高的敬礼。此画构图独特，场面广阔，整体气氛浓烈，且具体细节又刻画周到，在当时极尽情节铺排的历史画创作中，是一幅不同凡响的作品，曾获全军美展金质奖。

夯歌（油画，1957—1962年，165厘米×320厘米，中央美术学院陈列馆藏）王文彬

王文彬，1928年生，山东青岛人。早年自学美术，后参加革命，从事美术工作。20世纪50年代到中央美术学院油画系学习，毕业后留院任教，后任壁画系教授，中国美术家协会会员，著有《油画画法》一书。

《夯歌》表现了骄阳似火、晴空万里，一群朝气勃勃的姑娘正在水利工地的大坝上打夯。打夯本是繁重的体力劳动，而画面似歌伴夯起、歌伴夯落，具有音乐舞蹈的节奏美。作品以仰视的角度，在逆光中呈现姑娘顶天立地、健康乐观的形象。在明丽的色调、暗青的山峦衬托中，画面宛如一首高亢、雄壮的劳动协奏曲。第4课 对客观世界的主观表达——走进意象艺术

（一）教学目标本课是具体了解和认识三大美术类型中的第二种类型——意象艺术。由于意象艺术在整个美术门类中占据着十分重要的地位，它构成了美术鉴赏中的重要方面，所以本课的目的就是以简明的讲解使学生初步了解和认识什么是意象艺术，如何来辨析意象艺术，能做到这一点就达到了本课的教学目的了。

（二）内容结构本课主要包括三个部分。

第一部分以一位女士与法国现代画家马蒂斯的对话为例，首先指出美术作品并非完全是对客观现实的“如实”再现，除此之外，它还可以表达艺术家的主观世界——这一点在具象艺术中也有表现，但在意象艺术中艺术表现的主观性更为突出，它已成为艺术家关注的主要方面。

第二部分“为什么有的美术作品形象怪异？”是从意象艺术的一个极端方面(一般人所认为的一些美术作品形象的怪异)来解释意象艺术的。这样解释主要是为了打消一般人因为习惯于具象艺术的真实性而对意象艺术产生的不理解和拒斥的心理，指出意象艺术主要是与艺术家对现实的感觉，以及他们的个人情感、观念和意识的表现密切相关的。因此，艺术家的感觉和所要表达的意图越独特、强烈，所产生的艺术形象就可能越“怪异”。

第三部分“如何理解意象艺术？”是本课的关键，也是学生学习如何鉴赏意象艺术的入门处。在这里首先以英国画家培根的《被牛肉片包围的肖像》与我们在前一课学习过的西班牙画家委拉斯凯兹的《教皇英诺森十世》的对比，来说明意象艺术与具象艺术有着巨大的差异。这种差异就表现在它传递出的不是艺术家的“眼”中之“象”，而是艺术家的“意”中之“象”，即“意象”。这种“意象”我们可以从两个方面来理解，一个是艺术家按照“我”感觉到的样子来表现世界，另一个就是艺术家按照自己的主观意图来表现。为此，艺术家就要调动一切手段来表达这种感觉和意图，而不管是否与我们眼见的现实一致，从而产生艺术形象上的怪异性。

（三）教学的重点与难点

本课教学的重点在于使学生分清意象艺术与具象艺术的区别，并初步掌握分辨什么是意象艺术，以及意象艺术的主要特征，尤其是从意象艺术的艺术形象和艺术语言，以及艺术家的意图方面来辨析意象艺术的主要特征。

本课教学难点，主要是如何解释清楚什么是意象艺术，以及究竟如何理解意象艺术。因为任何艺术都存在艺术家的主观表达，而且有的意象艺术也可以是具象的，这就容易使学生混淆。因此在教学中就要强调意象艺术在艺术形象上的怪异性，以及艺术家对主观意念——感觉和意图的表达。

二、教学内容资料

（一）作品分析

圣维克多山（油画，65厘米×81厘米，1904—1906年，美国，纽约，私人收藏）塞尚（法国）

塞尚（1839—1906）和凡高、高更都是后印象主义的代表人。塞尚的“世上一切东西都是由球体、锥体和圆柱体组成的”论断是著名的，他教会了20世纪的许多艺术家如何重新看待自然。然而塞尚本人却从没有直接用这些几何体来作画，这对于他只是理解自然的一种方法。在他的严谨的分析作画方法吓跑了包括他夫人在内的一切模特儿之后，他不得不转向了静物和风景，因为这些不动的东西可以任他画多久就画多久，那些静物烂掉了也没有关系，因为这并没有改变它们的结构。我们在此有必要说明，塞尚的结构包括了物与物之间所组成的画面关系的结构和物本身的结构两个方面。因为前一种结构使画面本身形成了构成的关系，它直接影响着人们的视觉感受，而后一种结构则意味着对物体本身的分析。因此在塞尚的静物画中我们常能见到桌子错位、透视颠倒、物体分解的场面。这也符合了他的另一种看法，他认为，人的两只眼睛总是在不停地转动中观察事物，在这种转动中，事物便发生晃动或移位，从而造成有别于通常状态下的视觉变化。这种结构关系在塞尚的风景中也同样存在，只是这种结构关系已更多地从属于空间关系了。

风景是塞尚喜爱的另一种题材，尤其是离他住处不远的圣维克多山更成为他常画不衰的主题。从1883年开始他就围绕这个主题不断改变画法，进行他自己的探索。由于他的家乡埃克斯的风景的特殊性，他常常采用一种高视点的构图，他把他在静物中试验的色彩造型法引入了风景，他说，“我打算只用色彩来表现透视，一幅画中最主要的东西就是表现出距离”。于是他常常用很近的前景来形成画面的支点，然后一层层推进来造成空间感。但他对形体本身的不停分析、对画面结构的浓厚兴趣却总是使他忘掉了这种空间感，而使画面变成一张相互贴紧的平面，这样，一幅画便成了一种色块与色块在扁平面上的跳动。无疑，它成了后来立体主义发展的基础，并对所有以结构主义和构成主义为基础的抽象艺术产生影响。

马蒂斯夫人像（油画，41厘米×32厘米，1905年，哥本哈根国立美术馆藏）马蒂斯（法国）

马蒂斯（1869—1954），法国现代著名油画家和版画家，野兽派绘画重要代表人物之一。生于法国诺尔省卡德市的粮食商人家庭。早年学习法律，后因病开始学习绘画，走上艺术的道路。1895年到巴黎，进入国立美术学校著名画家莫罗的画室，当时同一画室的一些画家后来成为野兽派的重要成员。他的作品除具有野兽派的风格特征外，还追求形体的单纯化、色调的平面化，强调艺术要满足人们的精神享受。其中虽然含有唯美主义的倾向，但总的基调是健康明朗的，给人以愉悦感。《马蒂斯夫人像》是他的典型的野兽派风格的作品。

呐喊（油画，91厘米×74厘米，1893年，奥斯陆国立美术馆藏）蒙克（挪威）

这幅画的作者蒙克（1863—1944）是表现派最重要的代表人物。出生在挪威洛顿的一个名门望族。5岁时母亲去世，15岁时姐姐去世，成年后，父亲和一个弟弟又相继离世，一系列的家庭不幸，给蒙克的心灵留下了一道深而黑的疤痕，对他的艺术起着决定性的影响。

这幅作品充分发挥了色彩的作用。那种阴惨的血红色和浓重的深蓝、墨绿色，形成一个湍急的漩涡，紧紧包围着画中处于极度痛苦的男子，好像是呐喊回声。正在高呼的人的面孔实际已经变形，凝视的眼睛、凹陷的面颊，使人想起象征死亡的骷髅头，所有的线条都趋向这个中心，仿佛全部的景色都分担着这声呐喊的痛苦和刺激。这里必定发生了什么可怕的事，整幅画面充满了低沉、恐怖、神秘的气息，使人产生了强烈的不安。画中人物形象显然是病态的、神经质的，人物看不见的内心世界在作品中居然被表达得如此强烈，超过了任何以往看起来“真实”、“逼真”的作品。这就是表现派的特征：色彩鲜明、强烈，线条和笔触大胆、奔放，而且使人感到刺激和动荡不安，体现出以蒙克为代表的表现派画家对资本主义社会的厌恶和失望。

内战的预感（油画，100厘米×99厘米，1936年，私人收藏）达利（西班牙）

达利（1904—1989）出生于西班牙巴塞罗那的菲圭拉斯，早年在马德里美术学院学习，受到“形而上绘画”的影响，后崇拜英国拉菲尔前派的精细描绘。达利在学生时代就行为异于常人，爱穿奇装异服，其乖僻性格引人注目。达利因而因势利导，把他这种怪异之处运用到他的艺术之中，尤其在加入超现实主义之后，他的艺术个性得到充分发挥。

超现实主义是达达主义的变体和继续。达达主义产生于第一次世界大战以后，是战争对于一部分人们在精神意识上所引起破坏与变态的产物。超现实主义产生于1924年，最初由法国作家布洛东在巴黎发表第一篇超现实主义宣言而得名。以后，受文学的影响，产生了超现实主义的绘画。它的主要特征，是以所谓“超现实”、“超理智”的梦境、幻觉等作为艺术创作的源泉，以写实的手法呈现出荒诞的、离奇的画面。超现实主义绘画的理论依据是柏格森的“非理性主义”和哲学家弗洛依德的“精神分析学”。

在这幅画中，达利将人体各部位重新进行正常人难以想象的组合，从上臂长出小腿和脚，从大腿长出前臂和手。这样怪诞、高大、恐怖的梦境形象，表现出人的贪欲——已把肉体变成自傲的怪胎，这是人类自我耗费的象征。它渗透着作者对人类生存行为的体验，是人类不负责任的发动战争和自我毁灭的病态行为的梦态形象转译。正像柏格森说的，“这样一种梦幻，并非由个别人的幻想产生，而是整个社会所梦见的”。

星月夜（油画，72厘米×90.5厘米，1889年，纽约现代艺术博物馆藏）凡高（荷兰）

凡高（Vincent Van Gogh，1853—1890）出生于荷兰格鲁特—宗德尔特的一个牧师家里，他的童年是在乡下度过的，这唤起了他对大自然、农民和劳动的热爱。1880年凡高开始学画。对于一个27岁的人来说，开始学画是有些晚了，然而对艺术狂热的激情、对生活执着的爱和他那献身人类的宗教般的情感，却弥补了这一不足，使他在短暂的一生中创造出超乎寻常的业绩。凡高最初的情感和对绘画的理解集中体现在他早期的代表作《吃土豆的人们》一画中。凡高自开始学画就倾慕米勒的艺术，他也决心像米勒那样成为一个“农民画家”。这幅画就体现了米勒和库尔贝的现实主义传统的影响，以及凡高朴素的人道主义精神。在画中，他没有回避农民由于长年劳动而扭曲了的脸和粗笨难看的双手，而是像库尔贝所说的那样，把眼见的现实如实地描绘出来：聚集在简陋、昏暗的小屋内的一家人，虽然很贫穷，但却表现出和睦、温馨的亲情。凡高在这里已表现出他是用自己的心灵去体验画中人的感情，他甚至就把自己也看成是其中的一员。而从艺术上看，这幅画亦表现出与荷兰巴洛克传统的联系，我们在伦勃朗的作品中就可以看到这种光线处理，不过对于凡高来说，这种光线和画中强烈的传统空间退缩形式都是情感表现的一部分，这是凡高的绘画与库尔贝的现实主义所不同的地方。

1886年凡高来到巴黎，通过他的弟弟提奥结识了印象派的画家（提奥在他死前几乎成了惟一能理解他的亲人，是他资助了凡高的创作，而凡高在短短几年中写给他的数百封感人至深的信，既表现了他们之间的友谊，又阐明了凡高的艺术思想），尤其是毕沙罗，这使他突然发现了色彩的力量，他的调色板明亮起来。从他当时的风景看，他明显受到了修拉点彩的影响，只是凡高在运用这些色点的时候更注重了线条的作用。在１８８８年去南方阿尔之前的这个准备阶段，凡高开始了自己更全面的研究，这些研究包括印象派和新印象派、古典大师哈尔斯、伦勃朗和鲁本斯、蒙蒂切利和日本版画。这些研究使他最终将富有表现力的色彩和线条与他内在冲动的知觉力完美地结合在一起，从而开创了自己崭新的风格。

在凡高的画里到处充满了明媚的阳光，他把光看作是生命，看作是力量，看作是世界生生不息的源泉。因此他特别喜欢黄色，“铬黄的天空，明亮得几乎像太阳，太阳本身是一号铬黄加白，天空的其他部分是一号和二号铬黄的混合色。总之，黄极了。”由此，他又发现了向日葵这个从未被人注意过的植物，因为在他眼里，向日葵就是地上的太阳，就是他的化身，它每天和他一样，从早上就追逐太阳，直到太阳落山。他为自己的发现而狂喜，甚至计划在他的卧室挂满向日葵。的确，向日葵几乎成了凡高的另一种自画像，他在其中倾注了自己的生命，那挺拔有力的葵花，像针一样的饰叶，扭动而坚实的用笔，正是凡高性格的写照。此画几乎完全用黄色来完成，它已不是印象派的那种补色的关系，而是凡高自己理解的表现性用色，他将物象明确的体积关系与他个性化的主观用色结合起来，产生了强烈的效果。

从表面看，凡高在相当的程度上是一个画其所见的画家，因为他所有的作品几乎都是在写生中完成。因此，视觉真实在凡高的艺术中是十分重要的，离开了这种视觉真实，凡高的思想就无以依托。但是凡高的视觉真实与印象派和库尔贝的现实主义又相去甚远，即使在他近乎自然主义的《吃土豆的人们》一画中，其强烈的情绪里也表现出他对以往视觉真实观的背离。其实，在凡高那里，视觉真实已转化为一种视觉幻象，他就是要通过视觉真实去如实地表现这种幻象。这种幻象与他那超自然、超感觉的体验结合在一起，表达了他对自然的再认识。他曾在给弟弟提奥的信中明确表达了他的艺术追求：“殊不知我并不着力谋求准确表现眼见的事物，我是在相当随心所欲地运用着色彩，我要更有力地表现自我。”接着他又举例说明了他是如何去达到这一目标的：“譬如我想画一幅画家朋友的肖像。他满怀着伟大的理想，他作画就像夜莺歌唱一样，因为他的禀性如此。假如此人长了满头金黄色头发，我要把我对此人所有的爱和全部钦佩之情贯注其中。一开始，我要把他照样画下来，尽我所能地准确，可是这样画还不能算完。为了完整，我要按我的意愿使用颜色，我要加强他头发的淡黄色，一直加到橙黄、铬黄和明亮的柠黄。在他头后面，我要画成一望无际的远景，以代替一间小屋平淡的墙壁，造成一个最丰富的、强烈到我所能调配出的蓝颜色的简单背景。由于这种单纯的组合，衬在这个丰富的蓝背景上的这个光辉的金发肖像就给造成一个神秘的印象，宛如挂在万里碧空上的一颗星。”显然，用色彩来表现强烈的情感，并赋予这些色彩以象征意义是凡高最有特征的艺术手法。他在谈到他的《夜咖啡馆》一画时写道：“那是一种没有一点现实感的色彩，可是这种色彩暗示着一种狂纵的情绪„„我设法把咖啡馆表现成一个使人败坏、使人发疯、使人犯罪的地方。”“我努力用红色和绿色表现出人的可怕欲望„„这种颜色从伪造大自然的先生们的现实主义角度看，不能称为是正确合法的，这种颜色会激起人们强烈的情绪。”凡高这种对色彩的情感化理解，与高更是相同的，不过凡高的色彩是用于表达激情，而高更的色彩是用于表达神秘，但归根结底，他们都走向了一种宗教化的超自然世界，这一点则通过野兽主义、奥尔弗斯主义和纳比派而成为表现主义绘画的源泉。

凡高的一生充满了悲剧色彩，这种悲剧既是他生命历程的展示，也在深层上揭示了世纪末欧洲人精神上的痛苦。凡高从最初他在矿区与贫病交迫的下层人的接触中，到几次恋爱的失败，再到对现存社会制度和艺术制度的不满，使他的理想与现实之间始终存在着巨大的差距。他企图以自己的艺术去唤起人们的爱心和最纯朴的情感，然而，在一次次的失望以至绝望中，他的精神最终崩溃了，最后不得不以自杀来彻底完成自己的艺术创作。可是在他死后，他的作品却受到世界人民的喜爱，在艺术市场中从1980年的5250万法郎（《阿尔诗人的花园》）、1987年的2.19亿法郎（《向日葵》）到3亿法郎（《蝴蝶花》）而屡创世界艺术品拍卖最高记录。这种强烈的对比具有绝妙的讽刺意味。

《星月夜》表现出了凡高茫然的不安和对自身悲剧的预感。这段时间他正住在圣雷米疯人院，但这件作品是在他神智清醒的时候画成的。夜晚，他看到夜空中有一个奇特的月亮，还有星星和幻想的彗星。这些星星和幻想的彗星是黄色的旋涡，在天空中旋转着。它们变成一束反复游荡的光的扩散，带动整个深蓝色的天。凡高面对这一自然奥秘，不禁感到战战兢兢。他怀着绝望的恐怖，画下了这幕完全出于他个人幻觉的夜景。他以浓烈厚重的用色、有力颤动的用笔表现了他在自然面前的惶惑不安：夜空神秘莫测，繁星如睹俯视着大地，一切都令人恐怖地扭动起来。显然，用色彩来表现强烈的情感，并赋予这些色彩以象征意义，是凡高最有特征的艺术手法。

鹌鹑图（纸本彩墨）朱耷（清）

朱耷（1626—1705），名统，号八大山人等，江西南昌人。八大的祖、父两代皆工书画，使他从小受到家学熏陶，开始涉足诗画翰墨。八大山人身为明朝宗室，正当其意气风发之时，却遭遇国破家亡，一落为布衣平民，绝望中郁闷不已，一度削发为僧，期间致力于精研佛理和吟诗作画。八大山人60岁前，因狂疾而尽情发泄内心所压抑的痛苦，多酒酣泼墨，奔肆不羁，构图样式依旧，形象往往怪异，基本不顾规矩法度，信笔挥洒，笔墨语言涌动奔放。八大山人后期的创作，完全排除了世俗的干扰，逐渐达到出神入化的境地，从中显现出更趋圆浑的笔墨，而花鸟造像状物的意境，潜移默化为古怪幽涩的格调，画品气格更高一筹。

被牛肉片包围的肖像（油画，129.2厘米×121.9厘米，1954年，芝加哥艺术学院藏）培根（英国）

弗朗西斯?培根（1909—），是20世纪40年代英国最独特的现代主义形象画家。所谓形象画家，是指他专以人物画、人物肖像或人物为主。他早年的作品风格近似后期立体主义，1932年后又转向超现实主义。在抽象派艺术统治英国画坛的时期，培根的作品却异军突起，成为人们议论的中心。

培根的“肖像”通过流动的油画笔触，使其感情具有歇斯底里的性质。这件《被牛肉片包围的肖像》，以西班牙画家委拉斯凯兹的“教皇”为蓝本，使人感到惶惑不安。画面对称的构图，像一个模糊不清的古代纹章。两片血淋淋的大肉片被置于肖像左右两侧。观者从这两片鲜血淋漓的屠宰牛肉片的色彩上，感受到同样鲜血淋漓的恐怖形象——委拉斯凯兹笔下的阴险的教皇。这幅画上教皇凄厉的叫喊充满忿怒与兴奋感，形象的孤独、愤怒以致狂乱的情绪更为强烈。培根经常利用教皇这个历史人物形象，决不是为了某种历史的含义，而纯粹是出自精神紊乱的寄寓性手法。

说唱俑（雕塑，汉代)

汉代陶俑，随着厚葬之风而盛。从已出土的汉代俑看，其分布广、数量多、题材多样，有兵马俑、车马俑和各种人物俑、动物俑，内容极为丰富，材质也多样，但以陶俑、金属俑为主。汉代，随着时发叛乱而逐渐转入安定，俑也由初期多兵马俑逐渐转为炫耀豪富的车俑、马俑和各种侍从俑、舞乐杂技俑。从陕西咸阳杨家湾出土的西汉兵马俑和在甘肃武威出土的东汉青铜《奔马俑》，以及在四川成都出土的《说唱俑》中，可以看出题材的变化。

这件说唱俑亦称《击鼓说唱俑》，是1957年四川天回山崖墓出土的大量陶俑中的一件。其高56厘米，头上包巾、戴簪，额前有小花饰，大腹突出，赤膊上有璎珞珠饰，左臂环抱一鼓，右臂向前平伸，左腿蜷曲于圆塌之上，张口露齿，伸头，耸肩，眉飞眼笑，手舞足蹈。从整体造型看，作者显然不是对生活中的说唱艺人的简单模仿，而是对生活原形有所取舍，夸张了说书艺人那种伸头耸肩、击鼓挥棒、踢腿舞步的动作和面部表情，将有声有色的说唱表演刻画得惟妙惟肖、极其传神，而且将艺人性情豪放、乐观的性格也刻画得淋漓尽致。《说唱俑》踏着鼓点舞步的动作造型和诙谐幽默的说唱表情达到了神韵十足的艺术高度，具有强烈的艺术感染力。我们从其动作和神态中，似乎可以听到爽朗的笑声，想象出他那令人发笑的说唱内容，甚至联想到他面前有一堆听众在兴致勃勃地观看他的出色表演。

我们从哪里来?我们是谁?我们到哪里去?(油画，1897年)高更(法国)保罗?高更(1848—1903)生于法国二月革命余波未息的巴黎，父亲是共和党《国际新闻》的政治记者，曾为革命愤笔疾书。拿破仑三世上台执政后，父亲为逃避迫害，而带领全家逃往妻子的家乡秘鲁，路上父亲病故，母亲带领孩子在秘鲁度过了四年。那里的热带风光给童年的高更以深刻的记忆，以至后来他迷恋带有异国情调的热带风光。回到巴黎后，青年时期的高更曾入伍当过海员，后进入巴黎的证券交易所，在金融界里发了小财，并娶一位富裕的丹麦小姐为妻。在过着优裕生活的时候，高更认识了印象派画家毕沙罗，并热爱上了绘画。1876年，他的作品首次参加沙龙画展，令他感到一种满足。1881年他再次获得参展，其作品还受到评论家的赞誉，称他创造了“独具一格的油画”。因此，他辞去了巴黎股票经纪人的职位，全身心地投入绘画的乐趣之中。其家庭也因此陷入经济拮据，妻子无法忍受高更的行为与贫苦生活而带着孩子去了丹麦。高更由于家庭的破裂和对欧洲文明社会产生厌烦，并觉得艺术的传统程式限制了情感的表达，带着追求独特艺术风格的想法，而于1886年去了法国布列塔尼半岛。后为了彻底摆脱欧洲文明世界的制约和探寻新的创作之路，而于1891年孤身一人乘船经过63天的远航，来到了远离法国的塔希提岛。在这个热带小岛上，他与尚未开化的土著居民一起生活，并与一位土著女子结婚。塔希提岛的热带风光和赤裸着上身的女人的原始性，与他所追求的艺术理想合拍，极大地激发了高更的创作热情并使他找到了自己的艺术语言。他用朴实的线条、简化的轮廓、纯朴浓艳的色彩和近于平涂的手法，画岛上妇女及其生活、宗教仪式等。其笔下人物是原始、天真的自然人，神情神圣庄严。这些内容与形式统一的面貌一新的作品，因具朴实的古风和原始性的宏大境界，而奠定了高更在现代美术史中的地位。

但是，高更的日子却过得极为凄惨，贫困交加以及身染性病，使他心情十分沮丧，他决定自杀以求得解脱，便跑到深山中服下了毒药。他在被人救起后，又突然产生了强烈的创作欲望，一幅反映内心对人生疑问的哲理性巨作——《我们从哪里来?我们是谁?我们到哪里去?》在其狂热的创作状态下用一个月的时间完成。

对该画，许多理论家解释为画面从左到右代表着人生的过去、现在和未来，即诞生、生活与死亡这三部曲。鲍诗度在《西方现代派美术》一书中说：“他以梦幻的记忆形式，把人们引入似真非真的时空延续之中。在画里，树木、花草、果实——一切植物象征着时间的飞逝和人的生命的消失。土地表示母亲，它赋予一切以生命，又使生命终结。痛苦之下‘无法理解我们的来龙去脉’。作者的复杂感情——对未来的期望和对遥远年代的记忆，凝聚在只有象征意义的形式之中。”正因为该画带有象征性而费解。我们从画面中看不出画家对题目所做的回答。这幅画只是高更带着梦幻和热情所画，画完之后，“当他梦醒时，他觉得面对画幅‘看到’了他所要画的构思：‘我们从哪里来?我们是谁?我们到哪里去?’这句话就成这幅画的标题(引自朱伯雄编著《世界美术名作鉴赏辞典》，浙江文艺出版社，第675页。)只能说这幅具有一定宗教意境的绘画，实际上是高更对塔希提岛人生活印象的总结，但作者自己所说的“这里有多少我在种种可怕的环境中的体验过的悲伤之情”，是可以从中感到的。

湖滨山居（中国画，1947年）黄宾虹

黄宾虹（1865—1955），原名质，字朴存，号宾虹，别号予向，安徽歙县人。自幼酷嗜丹青，曾师从陈崇光、郑珊等学画。1908年起在沪京等地从事书画编辑、鉴定和教学。1948年赴杭，应聘任国立艺术专科学校教授，后兼任中央美术学院国画研究所、华东美术家协会副主席等职。荣获华东行政委员会所授的“人民艺术家”称号。黄宾虹特擅山水，初从明人入手，继攻宋代马、夏、二米与元四家，又上溯五代之荆、关、董、巨，下取清代之程邃、髡残，兼融并蓄、旁收博采，尽窥古人之深心。平生又喜游历，足迹遍及名山大川，实地写生，积稿盈万。故其画融会古今，穷极变化，自成浑厚华滋之独特面貌。用笔融入篆籀之意，凝重高古、刚健婀娜；又精墨法，好用破墨、积墨、宿墨；其章法乱而不乱、不齐而齐、繁而不闷、疏而不空，尤善以“黑、密、厚、重”之繁体抒写山川浑然之气趣；间作花鸟虫鱼，妍雅清逸，别有水流花开之妙。黄宾虹学养渊博、著述宏富，出版有《黄宾虹美术文集》等，另有《黄宾虹画集》等多种画册行世。黄宾虹是现代中国画坛的艺术大师和杰出的艺术教育家。山居图(中国画)徐渭(明)徐渭(1521—1593)字文清，后改字文长，别号田水月、天池山人、青藤等。浙江山阴(今绍兴)人，是明代具有进步思想的文学家、书画家、戏曲家。出身于官吏家庭。自幼才华出众，科举却屡试不中。曾做浙闽总督幕僚，参与抗击倭寇，后因总督出事被捕，徐渭受到刺激而一度精神失常，后疯病时好时坏，因误杀妻而入狱，过了7年的监狱生活，经朋友保释出狱已53岁，从此才开始他一生有历史意义的创作活动。晚年贫困潦倒，以书画为生。但他仍然性情豪放，不媚权贵，且愤世益深，以至官僚显贵求一字不可得。他经常以诗文书画渲泄对世事时道的不满，如他在《墨葡萄》画中题写“半生落魄已成翁，独立书斋啸晚风，笔底明珠无处卖，闲抛闲掷野藤中”。他在《黄甲图》中画蟹，意在寓讽进士甲科，题款写道“兀然有物气豪粗，莫问年来珠有无，养就孤标人不识，时来黄甲独传胪”。(“传胪”即按旧制科举殿试后传名。)以蟹喻比腹中无才又横行一世的进登甲第的文人官僚。我们从他的画与诗文中可以感受到画家“胸中有一段不可磨灭之气”。(袁宏道《徐文长传》)徐谓善诗文、通戏剧、精书画，自谓“吾书第一、诗第二、文

三、画四”，时人评其“诗文得李贺之奇、苏轼之辩，不落俗套”。著有《四声猿》、《南词叙录》，是后人研究南戏的重要文献。其书学米芾，引草纵逸飞动，自成一格。中年始学画，但其画离奇超脱、笔法奔放、水墨淋漓，是水墨大写意的杰出代表。故后人评他的成就是“画

一、书

二、诗

三、文四”。

徐谓为我们留下了《牡丹蕉石图》、《杂花图卷》、《石榴图》、《墨葡萄图》等不朽的伟大的花鸟杰作，也留有以人物和山水为题材的作品。这些笔酣墨畅、淋漓尽致、洒脱奔放、“不矩法度自有法度”、“笔墨纵横”、“乱而不乱”的作品，为后世艺术家们所推崇。清代郑板桥刻一闲章，印文为“青藤门下走狗”，可见对其叹服之极；齐白石也曾说过：“恨不生三百年前”，为“青藤磨墨理纸”。课本所选此幅《山居图》是难得的徐谓存世的山水之作。其画法为大写意风格，以大笔淡墨挥洒，重墨破之，画出高耸危峰，以秃笔淡墨勾线画中景低矮山石和屋舍，以及近景的缓坡溪岸，再以淡墨皴出山石凹凸，使之丰富，最后以浓墨重笔不矩形似地勾点出树木草丛，虽用笔寥寥，却将山峦起伏、空气湿润、云气缭绕的山景气象表现了出来。然而这景绝非某处具体之景，是画家意象山景，这意象山景是来自现实生活，表达的是理想中的依山傍水、远离尘世、清静幽美的避世之所。渔村（油画，约1950年）林风眠

林风眠（1900—1991）原名凤鸣，广东梅县人。1919年留学法国，先后在第戎美术学院、巴黎高等美术学校学画。1925年回国，任北平国立艺术专门学校校长兼教授。1928年，在杭州主持创办国立艺术院，任首任院长兼教授。林风眠受蔡元培“美育代宗教”思想影响，倡导新艺术运动，长期从事美术教育与创作，多为油画，代表作《摸索》、《人道》、《痛苦》等蕴含着强烈的人道主义精神。后期主要致力于中国画创新。他一方面继承中国艺术传统，对战国漆器、汉代石刻、六朝壁画、宋代瓷器以及民间木版年画、剪纸、皮影等均有所截取，一方面兼容西方艺术中的审美意识与表现手法，又重视外师造化，悉心体会感悟自然中的生机、节奏与诗意，遂融合中西，尽脱窠臼，别开生面，独创出一种富于时代气息和民族特色而又高度个性化的抒情画风。其画好用正方形构图，不留或少留空白；笔法灵动奔放，富于变化；墨与色的交融郁勃淋漓，浑然一体。所作静物、花鸟、风景、人物，无不气韵生动，情趣盎然，一片生机。出版有论文集《艺术丛论》及画册《林风眠全集》等。林风眠是中国现代画坛的艺术大师和杰出的艺术教育家，中国美术学院的创始人。枯木怪石图（绢本水墨）苏轼（宋）

苏轼（1082—1135），字子瞻，号东坡居士，四川眉州（今眉山县）人。一生仕途坎坷，思想充满矛盾。他的主要成就在文学上，工于文，是“唐宋八大家”之一；善诗词，是豪放派的创始人；精于书法，与黄庭坚、米芾、蔡襄共享“宋四家”美誉。而绘画只不过是他的业余爱好而已，但正是这种业余爱好却使他的作品充满个性，这是与他的艺术观分不开的。尤其他在画论上的精辟论述，对后来的“文人画”产生了深远的影响，使他成为文人画的创始人之一。

所谓“文人画”是明代的画家董其昌提出的。他认为文人画与院体画有截然的不同，它不求形似，惟取物之意气和神韵，笔墨只是画家寄情之物。因为画家作画时追求的只是情趣和意境，并以所画之物自诩，所以他们常画的是一些植物中的清品，如梅兰竹菊，以及山山水水、一草一木。他们的作品中融合了文人的情趣、学养、品格。而苏轼就是这样的一个代表。

这件作品是苏轼的代表作，画中只有顽石一块、枯木一枝。枯木虬曲的姿态有如扭曲挣扎而生的身躯，顽强地伸展开来，显示出无穷的生命力。旁边配以古怪的石头，与伸展、挣扎的小树形成强烈的对比，似乎是一种黑暗的力量在阻止树的成长和发展。这幅作品实际上表现的是苏轼个人的心理活动和情感，他就好像把自己比喻为那棵顽强抗争的小树，在与那个庞大的官僚体制做斗争。第5课 美术作品可以什么都不像吗——走进抽象艺术

（一）教学目标本课是具体了解和认识三大美术类型中的第三种类型——抽象艺术。作为人类三种主要艺术类型之一，抽象艺术也是人类认识和把握世界的一种重要方式，只不过它使用的是纯粹的艺术语言，这是它与具象艺术和意象艺术的区别所在。因此，本课的教学目标主要是让学生对抽象艺术的两种基本形态（冷抽象和热抽象）、美术走向抽象的简单过程以及抽象艺术的语言和艺术上的美有一个大致的了解，不必求全。

（二）内容结构本课主要包括四个部分。

第一部分讲述的是现代抽象艺术的奠基人、俄国艺术家康定斯基“发现”抽象艺术的故事。本课旨在通过这个故事说明，抽象艺术作为一种独立的艺术形式是通过人们的“发现”产生的。这里有两点需要注意：1.抽象艺术和具象艺术、意象艺术不同的是，它不直接表现任何现实中的可视物，但不能因此说它与现实就没有任何关系，可以说，任何艺术的终极对象都是现实。2.抽象艺术所使用的语言是非现实的，是艺术本体语言的纯粹表达，其中包括点、线、面和色彩。这些需要教师在讲课中加以说明。

第二部分“两位抽象艺术家，两种抽象艺术”。

第三部分“艺术为什么会走向抽象？其艺术美有哪些表现？”简单介绍了美术的基本分类方法，学生对此有一个大致了解就可以了。

第四部分“谁都能创作抽象艺术吗？”以美术的三大功能为基础，说明美术鉴赏不仅是对知识的学习，更重要的是对培养学生认识世界的能力、审美的眼睛和健康的审美情趣以及未来的人生发展，都具有十分重要的意义。

（三）教学的重点与难点本课教学的重点在于“培养审美的眼睛”，掌握美术鉴赏的一般方法，认识美术鉴赏对于个人未来人生发展的重要价值和意义。

本课教学难点，主要是如何结合实例讲清美术的主要分类方法、美术鉴赏的概念和美术鉴赏的一般过程或方法。

二、教学内容资料

（一）作品分析

即兴之31（油画，1931年）康定斯基（俄国）

康定斯基出生于莫斯科，父亲是茶商，幼年时期与父母居住在罗马和佛罗伦萨，后来回敖德萨。少年时起就画画，写诗，弹钢琴，拉大提琴。曾在莫斯科大学获得社会科学和法律学的学位。1896年，即康定斯基30岁时，决意学习绘画。在慕尼黑美术学院学画直到1900年，此后即开始了活跃的艺术实践活动。

康定斯基倡导即兴作画，以表现艺术家的需要。他认为精神因素是艺术中最重要的东西，艺术不是对自然的模仿或精心制作，而是内心的需要。“艺术就像自然、科学、政治一样是一个自足的领域，它受到适合自己需要的自身规律的支配”。寻找这个规律正是画家终身奋斗的目标。他特别强调绘画同音乐的结合，音乐在所有的艺术种类中是最抽象的。康定斯基在《论艺术的精神》一书中详尽论述了音乐与绘画存在着的深刻联系。在康定斯基看来，绘画必须创造出一个与自然对象相和谐的新的现实。绘画中的色彩犹如音乐里的音符，它本身就能够打动观众。画家以这种抽象艺术来表达自己的内心世界，在观众中唤起音乐所产生的那种难以用语言表达的艺术情感。康定斯基追求绘画的音乐感，最后发展出情绪性的抽象绘画。

康定斯基的抽象作品带有很强的个人情感，因此有人称他的艺术为“热抽象”艺术。他的抽象作品大都完全脱离了客观对象，为避免标题给观众的引导性联想，他常常像音乐作品的标题那样给自己的画取上“即兴”、“作品X号”等名称。百老汇的爵士乐（油画，127厘米×127厘米，1942—1943年，纽约现代艺术博物馆藏）蒙德里安（荷兰）

荷兰的蒙得里安始终想象着用最简单的美术语言要素——直线和纯色组成他的画。他想让他的艺术去揭示在主观性的外形不断变化的背后隐藏着的永恒不变的实在。他自己说：“我一步一步地排除着曲线，直到作品最后只由直线和横线构成，形成十字形，„„直线和横线是两相对立的力量的表现；这类对立物的平衡到处存在着，控制着一切。”他从大大小小的原色块和矩形直角形状的组合中寻求所谓“表里平衡，个性和集体平衡，自然与精神、物质与意识的平衡”等。他认为这才是反映了宇宙最本质的客观法则。人们称他的这种抽象画为“冷抽象”，也称几何风格派。

《百老汇的爵士乐》是蒙德里安最著名的作品之一，也是他极少直接来自现实感受的作品之一。在这幅作品中，蒙得里安把他对纽约百老汇音乐的感受和认识用他自己的语言方式表现出来，创作出了一种视觉音乐。像铜管乐器一样明亮的黄色线，在霓虹灯光般的红色、蓝色、灰色小点的闪烁下，呈现出一种爵士乐的节奏感。我们还能感受到纽约最繁华的百老汇夜晚的嘈杂。密如蜘蛛网的垂直和水平的线条，很容易使人联想到百老汇街都是直角相交的道路。《红树》(油画，1908年)蒙德里安(荷兰)《灰树》(油画，1912年)蒙德里安(荷兰)《开花的苹果树》(油画，1912年)蒙德里安(荷兰)蒙德里安(1872—1944)荷兰画家，生于荷兰阿姆尔弗特，卒于美国纽约。父亲是一位喜爱绘画的小学校长，他从小受父亲的影响而喜欢绘画，并向父亲和画家叔父学习绘画。17岁时取得了小学绘画教师资格证书，三年后又拿到中学绘画教师资格证书。1892年他来到阿姆斯特丹，进入国立美术学院开始正式严格的写实绘画训练，成为颇受教师赏识的基本功扎实的好学生。1908年前，他画了大量的写实风景画，其笔法肯定、形象概括，具有很高的艺术水准。1908年后，他开始探索新的表现手法，1911年底他来到巴黎，马上受到立体主义影响，并开始以“树”为题不断探索抽象化的表现。1914年后又放弃立体主义，转向几何形符号式的绘画，终于20世纪初形成独特的纯几何形的抽象风格。最后他以绘画的基本元素的直线直角相交构成富有节奏感的大小不等的几何图形，再用最单纯原色的不见笔触的色块与其匹配，成为独树一帜的“新造型主义”艺术，而名扬世界。人们一见到粗黑的横竖直线构成大小不等的红、黄、蓝、灰的方形、矩形的画面，便知那就是蒙德里安的作品。他认为惟有这种抽象的几形图形形式，才是绘画最本质的。他将以往的所有传统技巧统统抛弃，在他的画中不见其他任何画派的影子，他以其新形式的作品开拓了人类的艺术眼界，引领人类追求最单纯的和谐。

课本中刊载的三幅“树”，正是从蒙德里安在立体主义影响下，以树为题材探索不同表现形式的多幅作品中选出的。他其后又作了多幅带着该树“影子”的更加抽象的几何图形的画作，以至1913年的《线与色的构成》、1914年的《构成6号》等作品已是纯抽象的几何图形的作品了。如果将这些作品排列起来，可以明显地感受到由具象到抽象的探索过程。

《红树》创作于1908年，是蒙德里安脱离传统写实画法、开始探索表现性新艺术形式的初始作品，从其笔法和用色来看，显然受到凡高的影响。

《灰树》创作于1912年，是蒙德里安来到巴黎后受到立体主义影响，按照立体主义的分析方法，舍弃三维空间、追求平面性构成、注重构图的平衡、探索更加抽象化的表现。他将树的枝干形态概括为抽象化了的各种弧线交叉的构成，但仍保留树的形象及树形的完美。画面呈冷灰色调，由于其有力的线条和坚实的笔触，画面给人以张力强烈的艺术感受。

《开花的苹果树》创作于1912年，是画家继《灰树》之后探索将树更加简化和抽象化处理，从形式上寻求最本质的构成之作。画面上的树则变成了是一些已经失去树枝形态的弧线，成为几近纯抽象的绘画。这只是画家在步入纯抽象绘画创作前的脑中仍存有树的影子的抽象表现的作品。可以说这件作品是蒙德里安创作转入直线直角构成的抽象作品的引线，此后便步入了纯抽象的直线构成的创作了，他找到了自己风格，开创了一片新的艺术天地。

尼金斯基（油画，116.9厘米×89.5厘米，1950年，美国私人收藏）克兰（美国）

弗朗兹?克兰（1910—1962），原是专画人物和带有社会现实主义味道的城市风景画家，直至1950年之前，他仍在埋头研究伦勃朗和哥雅等人的传统绘画。1949年他开始将黑白素描运用于大型抽象构图中，创造了一种具有很强个性特色的抽象画，后来，很快又趋向极端。画法基本上与波洛克同出一辙，即下意识地进行作画，但画上出现类似我国书法样子的汉字偏旁或局部笔法，然后加以放大，将这些笔道粗实的书法式图形以黑白分明的对比强烈地表现出来。

作这种书写式抽象画时，克兰用的是印度墨汁，后改用广告色或油漆，用大刷子作画。1949年克兰画了一幅速写人像《尼金斯基》，翌年他按照这幅《尼金斯基》又画了一幅用黑色迅速构成的抽象画，黑色被“舞文弄墨”地创造出一个似是而非的形象，效果极佳，使他大为欣慰。此后，他尽量加大画面，让抽象的黑色笔道飞舞得极其磅礴。白上白（油画，1918年）马列维奇（俄国）

俄国画家卡齐米尔?马列维奇（1878—1935）是“十月革命”前夕俄国“至上主义”运动的创始人之一。大约在1913年，他用铅笔在白色底上画一黑方块，排除了他早年掀起的俄国立体—未来主义风格。照他自己的话说，“要把艺术从物体的重压下解放出来”。在他写的《非客观的世界》一书里，他说道：“客观世界的视觉现象本身是无意义的，有意义的东西是感觉，因而是与环境完全隔绝的，要使之唤起感觉。”马列维奇称这种观点为“至上主义”。

作品36号（油画，1953年）波洛克（美国）

杰克逊?波洛克（1912—1956）是美国抽象表象主义的代表人物，也是二战以后第一位有国际影响的美国艺术家。他彻底打破了传统架上绘画的观念，在材料、技法和思想上都有新的突破，为现代绘画开创了一个崭新的局面。

波洛克出生于怀俄明州，是家里五个孩子中最小的一个，在南加利福尼亚长大。他最初对雕塑有兴趣，但不久就把注意力转向绘画。17岁开始在艺术学生联盟跟随托马斯?本顿学习。20世纪40年代中期他开始创作一些抽象的作品，仍采用传统的画笔作画。他这时的作品有力度，色彩浓重，形象带有一种暗示性。接着他首创了著名的滴洒绘画。波洛克先将大画布直接铺在地上或钉在墙上，将油漆和颜料以各种工具滴洒在画布上，滴洒的过程主要依靠艺术家的手势，颜料随手的动作或身体的动作而自由滴洒在画布上。最后，根据画面的需要再添加沙子、颜料或其他材料。

波洛克的这一创造为艺术打开了一个新的局面。他突破了传统画笔、画布的观念，不用笔而采用其他任何工具，画面没有传统绘画的布局和构成，颜料布满了整个画面，给观众造成视觉的冲击力，开创了一种新的视觉语言。其次他选用了新的材料，用油漆、沙子或其他任何材料来进行创作，其作品的表面出现新的肌理，产生了独特效果。画架、画框、画笔、油画颜料等传统工具材料均被他放弃，艺术创作有了更多的自由。因此，在波洛克之后，美国现代艺术获得了突飞猛进的发展。隐现3X（综合材料，1986年）斯特拉（美国）

弗兰克?斯特拉（Frank Stella，1936—）出生于马萨诸塞州的迈尔登市，曾在马萨诸塞州安多富的菲里普斯学院和普林斯顿大学学习，1958年移居纽约，20世纪60年代成为反对抽象表现主义的后绘画抽象派的重要人物之一，并在欧美各地四处举办展览。起初，斯特拉放弃了三维空间形象，用各种方法来强调绘画的平面性，后来他开始用各种形状的画布来作画，其中的形象变成了色条与色条的交叉和相汇，目的是创造一种“无关系”的绘画，这与当时的“初级结构”和“极少主义”艺术家十分接近。以后他又在这个基础上把材料扩展到金属和工业漆、金属漆等方面。其作品一般非常巨大。这里的《隐现3X》就是其中的代表之一。26—4—94（油画，1994年）赵无极

赵无极（1920—）江苏南通人，1935年考入杭州国立艺术专科学校，师从林风眠和著名油画家吴大羽。毕业后留校任教。1948年赵无极赴法留学，一直在巴黎从事美术研究和创作。赵无极艺术视野开阔，善于从各方面吸取营养，且不断超越自我。

20世纪50年代正是西方抽象艺术方兴未艾的时期，也是赵无极在艺术上的转折期。面对当时西方抽象艺术的滚滚洪流，赵无极也开始考虑自己的艺术发展道路。他最终在西方抽象艺术和中国的水墨画之间找到了一个合理的结合点，形成他抒情、诗化和充满神秘感的抽象艺术，这在当时的西方艺术界独树一帜，并很快就为西方主流艺术所接受，赵无极因而成为第一位进入西方主流艺术界的华裔艺术家。赵无极艺术成就的取得无疑与他的老师林风眠和吴大羽的教导密切相关，但赵无极能自出机杼、随机应变、独辟蹊径、自成一家，这与他开阔的眼界是分不开的。赵无极的作品气势开张、意蕴深远，其形色舒卷腾挪、变化自如，极尽抑扬顿挫之韵律感。但这幅作品是他晚年所作，已从他以往的激动、变化、冲突转向了平静、和缓、沉思，真实地反映了他目前的心境。赵无极曾多次回国讲学、考察，1985年还应邀专程回到母校——当时的浙江美术学院举办了绘画讲习班，为中国当代艺术培养了许多优秀人才。

红窗（油画，1964年）瓦萨雷利（匈牙利）

瓦萨雷利（Victor Vasarely,1908—？）早年毕业于匈牙利布达佩斯穆希利艺术学院，20世纪30年代移居巴黎，参加“抽象—创造画会”，40年代开始从事视觉理论研究和创作。他创作的“光效应艺术”或“欧普艺术”吸引了许多艺术家，至60年代造成较大的影响。他通常在平面上配置各种规则的几何图形，经过精心的色彩处理和巧妙的安排，造成一种经过电子仪器或机械作用后的画面效果，显示出技巧的精致和技术美感，具有现代工业文明特点。第6课 漂亮是美术鉴赏的标准吗——艺术美和形式美

（一）教学目标美术鉴赏究竟鉴赏什么？这对于一般人来说是一个实际而又不清楚的问题。从本课开始，我们将进入美术鉴赏的专业知识学习阶段。我们在本课遇到的首先是美术作品的艺术美和形式美问题，这对于鉴赏美术作品是至关重要的。因此，本课的教学目标就是让学生了解：1.什么是美术作品的艺术美和形式美；2.美术作品的艺术美和形式美的基本原则及其在作品中的主要表现。

（二）内容结构本课主要包括三大部分。

第一部分是通过法国雕塑家罗丹的作品《欧米艾尔》提出，美术作品的艺术美是艺术所特有的美，以改变一般人的“漂亮”或“好看”的审美观念。因为一般人的这种观念是根深蒂固的，它不仅影响了人们对美的认识，也有碍于对美术作品的鉴赏。由此强调美术作品是由艺术家创造出的不同于现实生活的第二自然。

紧接着在第二部分“什么是艺术美？它有哪些表现？”中对“艺术美”及其表现作出说明。这里涉及到“美术形象”这个概念，可以参照第3课对“艺术形象”这个概念的解释。不过本课所说的“美术形象”或“艺术形象”已经不是指某种具体美术类型中的特定形象，更不是指像具象艺术中的人物、环境、道具等可辨形象，而是包括了三种美术类型在内的美术作品所塑造出的“美术”的形象，是美术作品整体形象的体现，即存在于整个美术作品之中。美术作品的艺术美就存在于这种整体的美术形象之中。

第三部分“什么是形式美？如何理解和把握形式美？”是从潘天寿的作品《雄视》开始讲解什么是形式美的，指出美术作品的艺术美和形式美既相互包含、渗透又彼此具有独立性。这里先简单解释了什么是“形式”，然后具体说明构成形式的三个主要方面：1.美术的语言元素（点、线、面、色）及其所形成的形态变化；2.语言手段（明暗、空间、透视、构图、肌理）及其所构成的审美意象；3.语言规则（变化与统一、对比与和谐、对称与均衡、比例与尺度、节奏与韵律等）及其所构成的审美关系。美术作品的形式美主要就来自于此。

（三）教学的重点与难点学习和掌握美术作品的艺术美和形式美是美术鉴赏进入专业层面的标志，也就是使学生脱离只能分辨“漂亮”与“不漂亮”的自然状态，进入更高的审美阶段，作为“培养审美的眼睛”的开始。因此，本课教学的重点在于说明，美术作品的艺术美和形式美并不完全是现实的直接反映，也不等同于人们一般所说的“漂亮”或“好看”，而是由艺术家借助美术的特定语言、手段和法则创造出美术自身的美，而这种美又是多样的，即不同类型的美术作品由于艺术家所采用的语言、材料、手段等不同而产生的艺术美和形式美就大异其趣。为了说明这一点，在这里就必须紧紧围绕美术的语言元素和语言规则两个方面来讲解，因为美术作品的艺术美和形式美主要就是通过它们来实现的。

本课教学难点，主要在于美术作品的艺术美和形式美既是具体的又是抽象的。也就是说，美术作品的艺术美和形式美既可以通过知识的学习掌握，但在很大程度上又纯粹是一个个人的感觉问题。同时，本课还将涉及到大量抽象的概念，这也将为本课的教学增加不少的难度。在这部分应特别注意对概念的讲解，并在概念与作品之间建立联系，即注重通过作品来讲解概念，以使学生对美术作品的艺术美和形式美的认识有形象的依据。

这里的难点还包括对美术作品的艺术美与形式美之间异同的讲解，课文中并没有特别给予说明，只是在课文的第三部分简要地指出了这个问题，但教师需要对此有较清晰的认识。美术作品的艺术美和形式美之间既有重合的地方也彼此独立。一般来说，美术作品的艺术美是由艺术家通过美术的语言元素和语言规则创造出的艺术所特有的美，其中包括内容与形式两个方面。也就是说，艺术美是由内容与形式的统一来实现的。在这一点上，它与美术作品的形式美具有同一的来源。但二者所指不同，所谓“艺术美”主要强调的是艺术独立于现实的自身所特有的自在的美，这种美在现实中也许可以直接看到，但也许根本看不到，它是由美术作品集中提示出来的。而形式美尽管也是由艺术家借助美术的语言元素、语言手段和语言规则从现实中提炼而出，但它则更强调实现内容的手段，即手段本身的美，其中包括语言的构成关系和所使用的材料的特质。但美术作品的艺术美和形式美之间的渗透和包容关系又使得这个问题变得非常复杂，教师应注意不要在这个问题上作过多的纠缠，只要简单地指明美术作品的艺术美和形式美的独立性和与现实的区别即可。因为在这个问题上需要不断学习和大量的积累，才能有更准确的把握与理解。这是一个长期的学习过程。

二、教学内容资料

（一）作品分析 欧米艾尔（雕塑，1885年）罗丹（法国）

罗丹（Auguste Rodin,1840—1917）出生于巴黎拉丁贫民区一个贫穷的基督徒家里，父亲是一名小职员，母亲是受雇于人的女佣。罗丹自小就参加了各种手工艺劳动，做过首饰匠、珠宝匠、泥水匠、木匠、模塑工，由此他逐步爱上了美术。父亲虽不同意，但姐姐却很支持他，以自己微薄的工钱供他学习，因此罗丹得以进入巴黎一所专门培养工艺美术技工的图画与数学学校学画，但不久便因买不起油画颜料而转入雕塑班，并成为当时著名动物雕塑家巴耶的学生。三年的学习使他打下良好的传统雕塑基础，但他三年报考巴黎美院而不中，一个主考官给他的评价是：“此生毫无才能，继续报考，纯系浪费。”这给他很大的打击，但更大的打击还是姐姐的过世。从此他心灰意冷，便进入一家修道院出家了。有幸的是，修道院院长埃马尔神父发现了他的才能，便鼓励他继续从事艺术创作，还在修道院内专门为他安排了一间画室。为了表达对神父的感激之情，罗丹为神父做了一件胸像，从这件胸像中已可以看出罗丹的不同凡响之处了。

《欧米艾尔》实际上是罗丹对从前的一个模特儿、一个老年的意大利女人所作的敏锐研究中得到的灵感，通过畸形、丑陋的形体，表达了对生命的强烈悲哀和绝望。罗丹以极写实的手法，记录了老年人身上一切不忍目睹的肉体形态。但是罗丹绝不是仅仅为了再现老年人丑陋的肉体，而是用无与伦比的丑陋形态，象征人贪欲的结局，即对人因追求享乐而犯下的“罪恶”及其堕落的报应和惩罚。这在资本主义金钱竞争、享乐造成灾难的年代，无疑是一种反思，是用丑陋的肉体形象对当代人类行为的反思，也是对人的悲剧命运的反思。这种丑陋衰败的结局展示人类追求享乐的代价。因此，《欧米艾尔》这个人体雕塑越是丑陋，越是表现出作者对人类深沉的同情，体现出人类追求享乐的巨大代价。而越是丑得真实、丑得可信，越是具有较大的现实意义。罗丹用其丑无比的肉体形象，表现了当代人的罪恶、堕落、痛苦、绝望，也表现了作者对当代人的批判、同情、歌颂。艾普色姆的赛马（油画，92厘米×122.5厘米，1821年，巴黎卢浮宫藏）热里柯（法国）

热里柯（Jean Louis Theodore Gericault，1791—1824）生于卢昂一个律师的家里，幼年即随家迁往巴黎。热里柯在19岁时进入格兰的画室，格兰认为他具有非凡的才华。热里柯早期的作品即己表现出他的大度和热情。由于自小喜爱骑马，以后他成为画马的能手。他在1816—1817年去意大利时，迷恋上米开朗基罗和意大利巴洛克画家的作品。热里柯到达罗马后，不是一头扎进美术馆里，而是在街头发现自己的生活：人民广场正在举行一年一度的罗马狂欢节，一群无鞍马选手准备参赛，这是些青年农民。鼎沸的人群勉强闪出一条极窄的通道，让狂奔的观者攀缘在房子和教堂上，为赛马手呐喊助兴。这幕旋风般令人亢奋的群情与盛况，激起了画家的兴趣。热里柯当场画了许多与马有关的速写。这一幅《艾普色姆的赛马》反映了他这一时期的倾向，是热里柯去英国访问（1820—1822）期间完成的。他把从意大利获得的题材，经过出国游览考察所得，酝酿成了这一幅赛马题材作品。从历史的角度看，热里柯的英国之行具有重要意义，因为以马为主题的一系列后期创作，是他从英国返回后确立的。热里柯于1824年不幸在一次偶然的坠马中受伤去世，年仅33岁。

作为浪漫主义的先驱，热里柯向浪漫主义和现代倾向迈出了关键性的一步，他率先向文艺复兴的传统发起了总攻，这就是结束文艺复兴以来一直延续的对视觉真实的再现，这种再现一直使得艺术家处于相当被动的地位。而从浪漫主义开始（甚至也包括新古典主义某些极端的探索），艺术的个性化、艺术家的能动地位和艺术自身的价值体现逐步具有了主导意义，现实只是成为艺术和艺术家独立发展的参考，艺术的意义超过了现实的意义，或者说艺术家的现实观发生了变化。热里柯在这里不是再现他的所见，而是把他的所见情绪化地表现出来，代表了浪漫主义的特征。雄视（中国画）潘天寿

潘天寿（1897—1971），原名天授，字大颐，号寿者，晚年常署颐者、雷婆头峰寿者，浙江宁海县冠庄人，是中国现代最杰出的中国画家和美术教育家之一。1915年潘天寿考入浙江第一师范，是李叔同和经享颐的学生。1923年任上海民国女子工校和上海美专国画系教师，开始研究中国画，并与吴昌硕交往密切，得到吴昌硕的称赞。1928年受林风眠之聘任西湖国立艺术院国画系主任、教授。1944年后任校长。潘天寿精于写意花鸟，兼作山水画、人物画，又擅长书法、篆刻，特别是“指画”。他对中国绘画史和绘画理论也有很深的研究和独到的见解。他的花鸟画别开生面、独树一帜，不论构图、用笔都追求雄强豪壮的气势，这不仅是他正直、倔强性格的写照，也是近代中国集体人格的反映。这幅《雄视》是他的代表作之一，表现了潘天寿在构图和主题处理上追求奇崛、险峻和险中求稳的艺术特征。正是由于潘天寿的杰出艺术成就，因而和吴昌硕、齐白石、黄宾虹一起被誉为“现代四大家”。春雪（中国画，69.5厘米×138厘米，1984年）吴冠中

《春雪》体现了吴冠中的一贯艺术追求，但在他的同类作品中此画又是较为抒情的一幅。尽管此画尺寸较大，但仍给人一气呵成的感觉。画面上似乎只有几块大片的墨色，间以墨点和墨线，少数地方用了一些色彩，但奇怪的是，一个巍峨秀丽的雪山就出现在我们面前。点、线、面等语言要素被作者运用得机巧而灵动，充分发挥了中国画的语言特征，体现出中国画的形式美和艺术美，给人以艺术的享受。

老国王（油画，76.8厘米×54厘米，1916—1917，匹兹堡卡内基学院藏）卢奥（法国）

乔治?卢奥（1871—1958）出生于细木工家庭，原是法国象征派画家莫罗的学生。莫罗死后，他曾被任命为陈列莫罗作品的美术馆馆长，与野兽派画家志同道合。

卢奥的作品充满宗教情感，他憎恶法国社会道德的腐败，经常在出入巴黎地方法院时，看到一些“失去上帝恩宠的人们”，因而在他的画上增加了色衰的妓女、落网的歹徒和冷酷的法官等形象。

这一幅《老国王》，体现出彩色玻璃窗画的特色。颜色很厚重，黑色勾轮廓，体现出油画特有的艺术美和形式美特征。老国王的侧面形象显得很忧伤，不像国王，倒像个苦难者的化身，与基督受难像差不多。这幅画约创作于1916—1917年，在两次世界大战期间，卢奥反复修改了这幅画，借以寄托画家对苦难人民的同情。他在自己的回忆录中写道：“我是荒原里受苦难人的沉默的朋友。我是永恒苦难的常青藤，它攀缘在这被弃的墙上，墙内是反叛的人们藏着的罪恶与善行。作为基督徒，我相信钉在十字架上的耶稣。”

向正方形致敬（油画，120.7厘米×120.7厘米，1959年，纽约古根海姆博物馆藏）阿尔伯斯（美国）

约瑟夫?阿尔伯斯（1988—1976）生于德国波特罗普，32岁时进入包豪斯学院做学生，以后留校任教。1933年希特勒关闭包豪斯时，他是这个学院最早移居美国的教师之一。在美国，他成为宣扬包豪斯设计革命和设计手段新观念的最有影响的人物之一。他在北卡罗琳那开设的著名的黑山学院成为传播他的思想的主要阵地，也成为美国先锋派艺术家荟萃和获取灵感的大本营。

阿尔伯斯在理论和实践上对色彩知觉结构进行的详尽研究由其教学和作品传播开来，并对美国的抽象艺术产生了重要的影响。1950—1960年他离开黑山学院来到耶鲁大学成为建筑和设计系主任。这一时期开始了他著名的油画和正方形系列画，并都起名《向正方形致敬》。这组作品使他在抽象减少和视错觉的探索上达到一系列的高峰。其实，早在瓦萨雷利和巴黎的视觉艺术探索小组之前，阿尔伯斯就已经创造出了一种动力知觉绘画，他的这种创造使包豪斯构成派变成一种更有活力的抽象艺术。他于1959年开始的《向正方形致敬》系列，使他近乎绘制性地重复着他早先就已经开始的尽管不是很明确的主题，这就是用不同色调和比例以及不同变体的相叠的正方形色块，它使得埋藏在复杂视觉体验中的个人心理和丰富的情感内容受到前所未有的重视。夜巡（油画，365厘米×438厘米，1642年，阿姆斯特丹美术馆藏）伦勃朗（荷兰）

伦勃朗（1606—1669）是荷兰大画家，不仅是杰出的油画家，而且是著名的铜版画家。他在肖像画、风俗画、风景画等方面都有很深的造诣，从而使他在美术史上享有崇高的地位。

伦勃朗出生在莱顿一个磨坊主家庭，受过较好的教育，并进过大学，但不久离校学画。21岁时已掌握了油画和铜版画的基本功，开始形成自己的风格。他在家乡开画室并接受定货。1631年离开家乡定居在荷兰最大的城市阿姆斯特丹，很快就成为当地著名的肖像画家。1634年他的爱妻病逝，后又因伦勃朗和女仆结合，引起亲属们的强烈不满，以致诋毁他的声誉，霸占他的财产，最后终使伦勃朗陷于困境不得不搬到贫民区居住。但伦勃朗在艺术上并没有停步，相反，由于生活的坎坷使他更深刻地去观察和理解社会，艺术视野更为广阔，使他的艺术达到了顶峰。在他完成晚年著名的代表作《呢布业同业工会理事》后，他的继妻和他惟一的儿子相继离开人间。1669年10月4日，这位最杰出的荷兰画家也终于在极端贫困中与世长辞。虽然他的遗物只有画具和破旧的衣衫，但是他却给人类留下了一大批极其珍贵的艺术遗产（600幅油画、1300幅版画和2000幅左右的素描和速写）。

在伦勃朗的大量作品中，肖像画占了很大的比重，仅他的自画像，目前保存的估计总数在60～100幅之间。他的绘画风格，突出地表现在主要利用光线来塑造形体、表现空间和突出重点，画面明暗对比强烈，虚实结合，层次丰富，气韵生动，后人称之为伦勃朗式的明暗画法。

《夜巡》是伦勃朗创作盛期的重要代表作。它是荷兰首都阿姆斯特丹民兵总部定制的一幅群像肖像画。关于这一作品，过去流传的说法是：当此画的定制者看到完成了的作品时很不满意，因为画中只突出了几个主要人物，不少人被画在不够显眼的位置，他们要求画家修改此画，结果遭到伦勃朗的拒绝。定画者为此向法院提出控告，伦勃朗败诉，他从此成为不受欢迎的画家。他后半生的贫困生活也与《夜巡》一画有关。近几十年来，经过许多国家专家的考证，证明上述说法并不可靠，乃是伦勃朗死后一些传记作家，为了渲染所谓天才人物生前往往不能为人所理解而制造出来的。事实上，《夜巡》一画最后仍为定制者所接受，伦勃朗也得到了事先议定的报酬。

不管怎么说，从这一作品本身来讲，这一群像肖像画是富有创造性的。画家采用了接近戏剧舞台效果的表现手法，安排了一群民兵正接到命令准备集合出发去执行任务的情节，并有节奏地处理这些民兵们。民兵的负责人宁?科克正在集合队伍，所以在画面上处于突出的地位，并好像正与他的部下边谈着话边向观众走来。其他民兵，有的在击鼓，有的挑着旗，有的擦枪筒，有的举长枪，呈现出各种各样的举止神态，但都统一到准备集合出发这一情节上来。整个画面明暗对比强烈，但又极富层次感，构成一幅富有战斗性的构图，充分体现了伦勃朗独特的艺术风格。应当说明的是，此画原来画的时间是白天，由于此画被后人涂上了过厚的光油层，加上长时间的岁月侵蚀和空气污染，以致画面变暗，好像是画的夜景。大约从1800年开始，此画的名称一直被误传为《夜巡》。空间中连续性的形式（雕塑，高110.5厘米，1913年，纽约现代艺术博物馆藏）波丘尼（意大利）

翁贝托?波丘尼（1882—1916）是一位博览群书、才华横溢的艺术家，也是未来派的重要理论家和灵魂，未来主义的两次宣言——“未来主义绘画技巧宣言”和“雕塑宣言”均出自他之手。他倡导艺术家应积极投身于现代科技文明，在艺术中努力表现这些成就，鼓动艺术家去捕捉现代生活中的运动、生命和速度。在波丘尼的心目中，运动感的表现是艺术中的首要问题，因此他的作品总是充满着动感。波丘尼是未来派最有才华的艺术家，可惜他在艺术上没有得到充分发展，当一战爆发时他自愿入伍，1916年他正值年富力强之时战死于意大利前线，年仅34岁。

波丘尼努力将运动的过程在《空间中连续性的形式》这件雕塑上表现出来，即把时间这一因素引入到造型艺术中，为此他创作了这件作品。这是一个快速行进中的人物全身像，但这个形象并没有五官和双臂，艺术家将这个人的每个运动步骤联系起来，创造出一个新的充满运动感的现代机械形象。它带有写意的特点，尽管没有完整的五官，也没有双手，并非一个真实的人体，但我们仍然能从它的动态感觉到一种力量速度，它在人的视觉上造成的是一个快速行进中的人物印象。空间设计 里特维特(荷兰)在20世纪初的荷兰，风格派运动回应了阿姆斯特丹学派优雅的雕塑般的艺术风格，只关注艺术的客观性，他们拒绝使用物体的自然形态，而是尝试由直线、三原色以及黑、白、灰组成的抽象艺术语言。蒙德里安是风格派的创始成员之一，他的绘画获得了普通的承认。在建筑上，直线和平面互相穿插，提示我们建筑代表着空间的连续性而不是封闭的边界。

最清楚地表现风格派特征的建筑，是由里特维特(1888—1964)于1924年与他的客户——室内设计师斯劳德夫人共同设计，位于乌德勒布市的一座住宅。该建筑坐落于城郊的一片开阔地中，就像是一幅三维的小型蒙德里安式绘画，似一件摆设多于一座可居住的建筑。建筑形式表达清晰但却手法轻灵，各部分都是由面与线构成，表现得若隐若现、难以捉摸，使得这座建筑本身就是一种对空间的体验。

荷矛者（雕塑，高198厘米，公元前5世纪，罗马时期复制品，那不勒斯考古美术馆藏）伯留克莱托斯（希腊）

伯留克莱托斯是公元前5世纪古希腊最著名的雕塑家之一，擅长表现青年运动员的形象，所用材料都是青铜。据说他还写了一本论述人体比例的著作《法式》。可惜他的原作均已不存。这里的《荷矛者》被塑造成一个体格健壮、充满朝气的青年战士的形象，体现了古希腊人在希波战争胜利后对英勇保卫国家的战士们的崇敬心情。同时，它也是作者长期研究人体比例的验证。他认为最理想的人体比例，即头与全身的比例为1：7，以肚脐附近为重心划分的上下身比例为黄金分割的近似值5：8，身体重心的垂直线落于右脚之上。整座雕像以均衡的动作形成统一的构成，显得极其完美和谐。

米洛斯的阿芙洛蒂特（雕塑，高202厘米，公元前1世纪，巴黎卢浮宫博物馆藏，古希腊)

这座发现于爱琴海米洛斯岛的山洞中的雕像，是希腊化时期的作品。阿芙洛蒂特的罗马名字是维纳斯。这位美与爱之女神，在希腊和罗马神话中，已成为全部女性美的代表和体现者。从公元前4世纪的著名雕刻家普拉克西特以来，无数雕刻家都在千姿百态的女裸体像上，热情歌颂这位体现着女性的温柔、美丽和永恒青春的女神。但是，至今留给人们印象最为深刻，使人感到十分亲切，既貌美婀娜、体态万方，又庄重典雅的裸体女神雕像，就要算这座米洛斯的阿芙洛蒂特了。尽管她双臂残缺，但那雕刻得栩栩如生、解剖无懈可击的躯体，仍然给人以完整的美感，以至于后世很多为她复原双臂的雕刻家的复制品，都在原作面前黯然失色。这座雕像可供四面欣赏，无论从哪个角度看，都有某种统一而富于变化的美。女神的面部具有希腊妇女的典型特征——直鼻、椭圆脸、窄额和丰满的下巴。这正好说明希腊的神，是希腊人按照他们自己的模样来创造的。她那安详自信的眼神和稍露微笑的嘴唇，给人以矜持而富有智慧的感觉，毫无纤巧娇柔、顾影自怜的造作神态。她使人们了解到两千多年前希腊人的审美观：力求外在美和精神美的统一。丰腴饱满的躯体和端正大方的容貌，体现着青春、健美和充沛的生命力，体现着内在的教养和美德。这一切取决于雕刻家浑厚朴实而不追求纤巧细腻，但同时显示出人体动态中丰富的变化和含蓄的美感。第7课——分析理解美术作品的创作意图

（一）教学目标本课讲述的艺术家的创作意图是理解美术作品的必要环节。在前面讲述的几课中由于学生接触到的一些内容，例如美术的语言、艺术美和形式美等，还是比较抽象的，对于学生来说在理解上还有不少困难，所以，本课的教学目的主要是为了打破学生美术神秘的观念，使学生认识到，任何艺术家的创作都不是任意的，而是表达了艺术家的某种意图，这种意图可能是针对现实的，也可能是针对艺术的，而且无论是针对什么，它们都与艺术家所生存的社会和文化情境有着密切的关系。我们从对艺术家的生存和成长环境中就可以找到艺术家创作美术作品的意图，进而帮助我们理解美术作品。

（二）内容结构本课主要包括四个部分。

第一部分讲述的是法国雕塑家罗丹创作他的著名作品《巴尔扎克》的故事，试图以此说明美术作品的产生不是任意的，而是体现了艺术家的某种创作意图。对艺术家创作意图的认识，是理解美术作品的重要一环。

第二部分“艺术家的创作意图来自哪里？”主要是为了让学生打破艺术神秘的观念。这是一般人在没有或很少接触艺术之前常常有的一种想法，打破艺术神秘的观念将有助于学生与艺术产生亲密的接触。所以这里说，“艺术家和我们一样都是一个普通的劳动者，只不过他们的产品是艺术，他们使用的手段是视觉语言。„„他们是以艺术的或视觉的眼光来看待世界的。”并举了毕加索用生活中常见的自行车把和车座创作了《牛头》的例子。

第三部分“影响艺术家创作意图的因素有哪些？”主要是从现实和艺术两个方面来说的，也就是说，任何艺术家的创作都必然是在受到现实和艺术两个方面因素的触动后有感而发的，这也就是艺术创作的针对性。在现实方面，这种针对性表明艺术家试图对某些具体问题阐述自己的观点，而在艺术方面则可能是为了阐明自己的独特主张。这两方面的意图都有可能使艺术家创作出丰富多彩的艺术品。但要注意的是，这两方面的意图既有可能是分离的——存在于不同的作品之中，也有可能是重合的——同时存在于一件作品之中，或者是在同一件作品中有不同的侧重。接着说明的是影响艺术家创作意图的因素，它也包括两个方面：特定社会和文化环境。这里要说的是艺术家成长的环境。按照马克思主义存在决定意识的观点，艺术家创作意图的形成不可能是无缘无故的，必定受到其所生存和成长的特定的社会与文化环境的影响，所以对艺术家的社会与文化环境以及艺术家的个性、知识水平和家庭、爱情等方面情况的了解，都有助于我们对艺术家的创作意图的理解，从而使我们更好地理解美术作品本身。

第四部分“艺术家的意图是如何体现的？”主要是从美术作品的三大分类——具象艺术、意象艺术和抽象艺术的角度分别讲述艺术家意图的不同呈现方式。具象艺术举的是董希文的《开国大典》的例子。这个例子说明，具象艺术体现意图在过程上必须首先收集形象，创造出典型的艺术形象，然后构成一个完整的故事情节，并营造出故事展开的典型环境；在方式上，则通过具体人物、道具、环境等的塑造，使故事情节更具真实性和可读性。意象艺术举的是汉画像石《荆轲刺秦王》和法国印象派画家莫奈的《卢昂大教堂》的例子。前者说明，意象艺术尽管也可以有一个故事情节，但不是通过具体可辨的真实形象，而只通过整体气氛的渲染就可以传达出艺术家的创作意图；而后者则说明，意象艺术还可以通过对艺术家感觉的表现来传达他的某种意图。抽象艺术由于前面有很多例子，所以这里举的是俄国艺术家塔特林的建筑构成作品《第三国际纪念碑》的例子。它表明，抽象艺术体现艺术家创作意图的方式主要是借助美术的形式语言本身及其构成关系。由于观念艺术在当代越来越重要，所以这里还特别对观念艺术表达艺术家意图的方式给予了简单说明。这里举的是法国艺术家杜尚的《L.H.O.O.Q》的例子，它说明了艺术手段对观念艺术实现意图的重要性。中国艺术家徐冰的《析世鉴》在这里仅作为理解观念艺术实现意图的参照。

（三）教学的重点与难点

本课教学的重点是要让学生认识并理解艺术家的创作并不神秘，而是都表现了艺术家的某种创作意图，而这种意图又都具有其现实的依据。同时，不同的美术类型表现意图的方式也是不同的。

本课教学难点，主要是要分清艺术家的创作意图与美术品的内容和形式之间的关系。这里所说的“意图”并非专门指美术作品的内容方面，还包括了它的艺术方面。也就是说，艺术家选择什么样的题材和内容表明了艺术家创作的意图，但同时艺术家选择什么样的表现形式也表明了艺术家创作的意图，这就是艺术家在创作上的针对性。另一方面，艺术家选择什么样的题材（内容）和形式（语言）又是具有现实和文化上的依据的，它涉及到艺术家的生存和成长环境等方面。不同的艺术家由于其生存和成长环境的不同，其创作意图也就会有很大差异，这一切就构成了艺术家创作意图的复杂性。要讲清并让学生理解这几个方面的关系会有一定的困难。课文中对这几个方面的关系有所陈述，教师还需有更清晰的理解才能讲好本课。

二、教学内容资料

（一）作品分析

巴尔扎克（雕塑，300厘米×120厘米×120厘米，1898年，日本神奈川县雕刻美术馆藏）罗丹（法国）

这尊《巴尔扎克》铜像是罗丹受法国文学协会的委托创作的。罗丹通过阅读大量巴尔扎克的作品，研究有关这位作家的个性和举止容貌的资料，做了七个姿态各异的草稿，但都不能令他满意。经过长时间的琢磨和思考，他终于找到了表现这位大文豪的灵感，最后选择了巴尔扎克在深夜写作的间隙时间独自踱步时的情景与神态。

在作品中，巴尔扎克像头显得稍大，头发蓬松，身材健壮，身上裹着一件睡袍，显得简洁凝练，富有整体感，从而突出了巴尔扎克那雄狮般充满智慧的头脑。作家彻夜未眠，凝神思索，似乎忘记了周围的一切，任凭思绪在想象的世界里驰骋。这尊略微有点儿夸张的真实形象，包含着一个文学天才的丰富智慧、深蕴的洞察力和对社会生活作出的广泛的判断力、理解力。作品的初稿完成时，雕像还有一双抓着睡袍的手。罗丹的学生布尔德尔看见这件雕塑时，对这双塑造精湛的手大为赞赏。当他离去后，罗丹毫不犹豫地去掉了这双手。因为这双完美的手把雕塑的主体——头和身体的魅力都削弱了。

《巴尔扎克》花费了罗丹5年的心血，却未被作协采纳，还遭到来自各方的粗暴攻击，有的尖刻的批评者甚至把这尊雕像说成是“麻袋里装着的癞蛤蟆”。他容忍了这种粗暴的议论与不公正的评价，将这件作品放在自己的别墅花园里，它陪伴罗丹度过了一生中最后的日子。罗丹去世后《巴尔扎克》才得到人们的承认，后来这尊不朽的铜像被安置在巴黎街头供人瞻仰。这尊雕像真正使罗丹超越了传统，达到更大的自由，从而跨入了现代的行列。

西斯廷教堂天顶画（湿壁画，3654厘米×1314厘米，1508—1512，梵蒂冈西斯廷教堂藏）米开朗基罗（意大利）

米开朗基罗（1475—1564）是文艺复兴时期意大利最杰出的雕刻家、画家、建筑师。雕刻方面的著名代表作有《大卫》、《摩西》等，绘画方面的重要代表作有《西斯廷教堂天顶画》、《西斯廷教堂祭坛画》等，建筑方面的代表作有圣罗伦佐教堂图书馆、罗马圣彼得大教堂的圆顶等。其中《西斯廷教堂天顶画》是米开朗基罗在绘画创作方面的杰作。它分布在该教堂整个长方形大厅的屋顶。整个屋顶长36.54米，宽13.14米,平面达480平方米，但由于屋顶是券拱形结构，画面略呈曲形，实际面积达500平方米，乃是美术史上最大的壁画之一。

提出由米开朗基罗来完成西斯廷教堂天顶画的任务，原来是出于心怀嫉妒的建筑师布拉曼特（1444—1514）的主意，他企图以此使缺乏绘画创作经验的米开朗基罗当众出丑，达到贬低米开朗基罗的目的。所以，当教皇执意要米开朗基罗担当这一创作任务时，他确实感到很为难，但意志坚强的米开朗基罗还是勇敢地接受了这一挑战性的创作任务。他将最初的无比悲愤的心情很快转化为创作的激情，谢绝助手协作，独自一人站在18米高的脚手架上作画，经过四年的极其艰苦的劳动，终于出色地完成了这一宏大的创作任务。

最初，米开朗基罗对这一壁画的设计是比较简单的，只是在屋顶四周画些基督教的先知和圣徒，中央则以图案作装饰。后来经过反复考虑，才决定以这一教堂宏伟的建筑结构作框边，把整个长方形大厅的屋顶划成中央和周围两大部分，并以中央为主，全部绘以基督教的宗教故事和人物形象。其中宗教故事取材于基督教的“创世纪”之说，即所谓上帝创造世界的故事，故西斯廷教堂天顶画也称为《创世纪》壁画。按照基督教“创世纪”的传说，上帝创造世界是在6天完成的:第1天是分开宇宙中的光暗;第2天是把水分成了天上的水和地下的水;第3天创造了陆地和各种植物；第4天创造了日、月和星辰；第5天创造鸟类与鱼类；第6天创造各种兽类以及男人和女人。米开朗基罗创作的天顶画则在这基础上增加了“亚当、夏娃被逐出乐园”、“洪水”等情节。根据整个屋顶的平面划分，分别绘制了名为《神分光暗》、《创造日月草木》、《神分水陆》、《创造亚当》、《创造夏娃》、《诱惑与逐出乐园》、《诺亚献祭》、《洪水》、《诺亚醉酒》等9幅大型宗教故事画。周围建筑框边的拱间壁面画了12位男女先知，四角画摩西、大卫等故事，在建筑构件上面和间隙处还画有各种青少年形象。整个壁画中形体鲜明的人物形象共有343个之多，大部分比真人还大，可谓规模宏大、气象万千。壁画公开展出后举世公认为空前绝后之作。由于米开朗基罗长达四年之久的高空仰面作画，他的颈项僵直，以至看书看信均须置头顶仰视，其劳动之艰苦可想而知。

壁画中的许多人物虽多系宗教人物，但他们都不是基督教所宣扬的逆来顺受的奴仆和罪人，而是体态健康，具有强烈的意志与力量，显示了米开朗基罗是用人文主义思想来表现这些宗教人物的，寄托了他一贯追求的对英雄人物的崇敬和理想。所以，这一作品与其说是表现虚幻的上帝创造世界的传说，倒不如说是米开朗基罗对宗教传说的再创造。牛头（雕塑，高41厘米，1943年，巴黎路易?雷里美术馆藏）毕加索（西班牙）

除了绘画外，毕加索还从事多种艺术活动。约从1940年起，他在波伊斯盖鲁普时期产生了新的灵感。他从捡到的骨头、石子等物上获得艺术启发。他利用这些废物作了些小型雕刻，或在上面刻出古典式侧面像。雕塑《牛头》就是那时期的代表作品。《牛头》用的材料全是现成物品，即一个自行车座和一个车把。这些现成品到了他的手里便激发了他的想像力，他巧妙地构思了这一尊“公牛”。他的朋友迈克尔?累利斯看后不无玩笑地对他说：“那还不够，应该能够拿起一块大木头就发现它是一只鸟儿。”并为这件新作向他道贺。这就是后来具有广泛影响的“ready make”（现成品）雕塑，毕加索是这种艺术的先驱者。生日（油画，81厘米×100厘米，1915年，圣彼得堡俄罗斯博物馆藏）夏加尔（俄国）

马尔克?夏加尔（1887—1985），西方现代派著名代表人物，出生在白俄罗斯维捷布斯克的一个贫困的犹太人家庭，父亲既是农民又是手艺人。夏加尔很早就不顾父母的反对，立志要当画家。最初在维捷布斯克美术学校学习，后又进入当时俄国新艺术中心的贝德尔斯洛格美术学校。但是，徒有其表的学校教育使他失望。当他了解到当时法国的现代主义绘画后，就于1910年第一次来到了巴黎。这对他的艺术具有决定性的影响。第一次世界大战爆发后，他回到了祖国。十月革命后，苏联政府曾一度让他担任政府的主管艺术的职务，但由于他不能适应当时的创作环境，1922年又来到了巴黎，从此一直生活在这里并加入了法国籍，最终成为西方现代派美术中富有独特艺术个性的著名画家。他的绘画作品早期受立体主义影响，以后喜欢表现幻想，富有想像力，具有梦幻的特点。

《生日》是他最典型的作品。画上描绘他在结婚前一次与他的女友贝拉相会的印象。那天夏加尔生日，贝拉拿着鲜花，步履轻盈地走进画室，他便立即跃起，飞到半空中，转过头来吻她。人物飘飘欲仙，构思颇具幽默感，表达了画家愉快的心情和对美好爱情的赞美。

愚公移山（中国画，1940年）徐悲鸿

1940年，正是抗日战争进入最艰苦的阶段。这时徐悲鸿正在印度访问，在印度大文豪泰戈尔的引荐下，徐悲鸿拜访了印度圣雄甘地，并在印度的圣蒂尼克坦和加尔各答先后举办画展。画展由泰戈尔撰写序言，取得了很大的成功。4月，徐悲鸿喜闻国内传来鄂北大捷，非常高兴，他感到只有团结起来，共同奋斗，积小胜为大胜，才能最后打败日本帝国主义，取得抗日战争的最后胜利。为此，他以中国传统故事“愚公移山”为素材，重新创作了一件作品，以表达他的这种思想，就是这幅《愚公移山》。这个故事说，古代有个叫愚公的人，他家门前有两座大山——王屋和太行挡住了去路，为了方便，愚公就准备把这两座山挖掉。可有个叫智叟的人却说，这样两座大山，你一辈子也挖不掉，算了吧。但愚公并不气馁，他说，我挖不掉不要紧，还有我的儿子，儿子之后还有孙子，子子孙孙挖下去，一定能够成功。从这个众所周知的故事就可以明确看出徐悲鸿创作此作品的用意了。离婚诉（版画，1943年）古元

古元（1919—），广东中山县人。1938年去延安，先入陕北公学，课余参加校美术组的活动，结业后被派往鲁迅艺术学院美术系学习，创作了《开荒》、《播种》、《秋收》、《骆驼队》等作品。1940年夏毕业后到延安县川口区碾庄乡担任文书，生活在解放区的农民中间，与农民群众打成一片，以黑白木刻积极反映当地农民的生活。这段时间的锻炼对他以后艺术的发展具有重要影响，除锻炼了他面对生活的创作能力外，更重要的是培养了他质朴的艺术作风和对民族、民间艺术的热爱和理解。就是在这个时期古元创作出了他的一批重要作品，如《运草》、《羊群》、《冬学》、《选民登记》等。这些作品奠定了古元基本艺术风格，即朴实、自然，在单纯、平易之中包含着很高的艺术技巧。因此，当徐悲鸿1942年10月15日在重庆“全国双十木刻展览会”上看到古元的作品的时候，立刻称赞他是“卓绝之天才”、“中国共产党之大艺术家”，是“延安画派”和解放区版画的杰出代表。新中国成立后，他除了继续从事版画创作和美术教育以外，还创作水彩画，并一直担任中国美术界的领导职务，是中国现代最著名的版画家之一。丛竹图（中国画）郑燮（清）

郑燮（1693—1765）字克柔，号板桥，江苏兴化人。曾做过山东范县、潍县的小县令，因主动为人民申请赈济救灾而被罢官，以后定居扬州，卖画为生。他能诗善画，一生喜欢画兰花和竹子，尤以画竹著名，是富有革新精神的“扬州画派”（俗称“扬州八怪”）的杰出代表。这幅《丛竹图》是他的代表作之一。此画写一丛墨竹，老干新篁，浓淡相间，重叠错落，疏密有致，劲拔挺秀，老嫩分明。又自作长题于竹枝之间，别有一番情趣。从这自题中知道此画作于乾隆二十八年（1763年），此时画家已71岁，是他逝世前两年的力作。

怒吼吧，中国（版画，1935年）李桦

李桦（1907—1994）广东番禺人，1926年由广州市立美术学校毕业后留校任教。1930年赴日留学，“九?一八”事变后，愤而返国。1934年与学生赖少其等一起在广州创办“现代版画会”，是中国新兴版画运动的老战士、杰出的版画家和卓越的美术教育家。李桦早年木刻探索风格具有多样性。最早吸收了宋元山水画特色、用水印手拓法创作的《春郊小景集》受到鲁迅的高度赞扬，认为具有“东方的美”、“的确很好”、“足够与日本现代有名的木刻家争先”。后来李桦在鲁迅影响下开始吸收德国画风，其中最具代表性的就是《怒吼吧，中国》。这幅包孕着民族魂的力作，概括了中华民族在帝国主义的欺凌和压迫下挣扎、觉醒并起而反抗的精神力量：被缚的巨人，铁骨铮铮，正欲拿起匕首，斩断绳索；他大声怒吼，要挣脱束缚，站立起来，投入战斗。这幅小小的木刻有似战鼓，唤起了千百万劳苦大众，在当时具有广泛的影响力和号召力。李桦为中国美术事业的发展和繁荣，做出了重要贡献。开国大典（油画，230厘米×405厘米，1952—1953，中国国家博物馆藏）董希文

董希文（1914—1973），浙江绍兴人。先后就读于苏州美专、国立杭州艺专等校。1943年任国立敦煌艺术研究所副研究员，1946年任教于国立北平艺专。新中国成立后，任中央美术学院教授，是我国当代著名的油画家和美术教育家。油画《开国大典》，是他著名的代表作。他曾亲身参加过1949年10月1日的开国大典，他把自己的切身感受倾注于作品之中。作品的可贵之处，在于它并不是照相式地复原当时的情景，而是根据自己的深切感受，对真实的情景作了必要的强调和删减，特别是大胆地把国家领导人集中在画面的左侧，同时衬以一排顶天立地的大红柱子。画面的右侧集中表现宏大的游行队伍和辽阔的天空，从而突出了开国大典的盛况和宏伟的气势。此外，画家为了适应这一特定题材的需要，借鉴了我国传统民间艺术和中国传统的工笔重彩画法，强调色调的单纯与强烈的对比，从而增强了这一具有历史意义的节日气氛。红地毯、红灯笼、红柱子、红旗与蓝天、绿树相呼应；黄色的菊花与金灿灿的灯穗相呼应，使人感到既富丽堂皇又热烈亲切。

应当指出的是，由于历史的原因，此画曾被修改过三次，直到党的十一届三中全会后，才恢复了原貌，但此时董希文已逝世，由他的学生、著名油画家靳尚谊等完成了复原任务。

荆轲刺秦王（画像石，山东嘉祥县武梁祠，184厘米×140厘米，东汉，山东嘉祥县文物保管所藏）

这是山东嘉祥县武梁祠名为《西王母历史故事车骑画像石》中的一小部分。这块画像石的画面共有五层，第一层（即顶部）刻画神坛上的西王母；第二层自右至左依次刻画伏羲、女娲、祝诵、神农、黄帝、颛顼、帝尧、帝舜、夏禹及夏桀等帝王图像；第三层自右至左刻画曾母投杼、闵子骞御车等历史故事；第四层自右起刻画曹子劫桓、荆轲刺秦王等故事；第五层刻画行驶的一列车骑。课文图版中的一段即描绘“荆轲刺秦王”的情节。

荆轲是战国末年齐国人，因受燕国太子丹的赏识而被奉为上宾。太子丹为解救燕国被秦灭亡的危险，派荆轲出使秦国，借贡献燕国督亢地区的地图和送上秦国叛将樊於期的首级之名，行刺秦王。画像石上描绘的就是这一事件最动人心魄的场面：当秦王接见荆轲时，荆轲献上地图，在藏于地图中的匕首即将显露之际，一把抓住秦王的袖子，将匕首刺向秦王。但未刺中，秦王急忙躲闪，慌乱中连自己身上所佩的长剑也来不及拔出来，而秦王左右的官员也因秦王明令任何人不得带兵器上殿，只得以衣袖扑打刺客。在这危急之际，御医夏无且急中生智以药囊掷中荆轲，使秦王有机会拔出长剑砍断荆轲左腿。这时荆轲只得拼命将匕首向秦王掷去，结果只击中了殿中的铜柱。从殿外赶来的卫兵最后将荆轲和他的随从当场杀死。画面上荆轲与秦王两个主要人物（左侧为荆轲，右侧为秦王）的形象都十分传神，匕首穿透铜柱的细节描写，显然是一种艺术夸张，既渲染了荆轲掷出匕首时所迸发出的力量，又突出了这一场生死搏斗的激烈紧张气氛。

卢昂大教堂（油画，107厘米×73厘米，1894年，巴黎印象派美术馆藏）莫奈（法国）

莫奈（Claude Monet，1840—1926）生于巴黎，但他父亲与人在海边小城阿弗尔开设了一家杂货店，所以莫奈在那里度过了他的青少年时代。莫奈自小就厌恶学校，于是他常以各种人物的漫画像来打发时光。到他15岁时，这些随意的漫画像已誉满小城了。这引起了当地一个叫布丹的画家的注意，虽然少年莫奈傲气十足，但布丹还是主动告诫他要学习“用油画和素描来画风景”，表现自然的本来面目。布丹是一个受巴比松画家影响的优秀的风景画家，布丹的告诫和他用笔潇洒的作品给莫奈以深刻影响。当他1859年来到巴黎时，才真正认识到自己的无知，但布丹“研究自然”的告诫又使他拒绝了进学院学习，而是流连于青年画家、博物馆和自然之间，偶尔去某个私人学校画些人体。1862年在父亲的压迫下才进了格莱尔的画室，在此结识了巴齐依、雷诺阿和西斯莱，他们在莫奈的影响下也开始走出画室。

在室外明媚的光线下，他们的调色板开始明亮起来，但是莫奈很快发现其实这些色彩也不是恒定不变的，它仍在光和空气密度的作用下发生各种变化，甚至形体也是如此。莫奈在他著名的《印象?日出》一画中开始表现出了这种研究的结果：一切形体与色彩都被笼罩于早晨朦胧的大气之中而失去了它们明确的特性。但是这还不能使莫奈满意，他要画出光的具体的变化，而且要使色彩变得明亮起来，于是他开始研究水、研究水的反光，他把这些反光画得坚实而凝重，于是我们第一次看到，反光在绘画作品中开始发挥作用。因为在莫奈的作品中，反光已不再是像以往那样用以表现形体，而是成了与受光同样重要的整体构成的一部分。这一点十分重要，因为对反光的强调打乱了传统绘画的秩序感，相互平等的色彩并列要求观者用自己的眼睛在一定的距离上主动去调合画面，对形体进行新的组合，这使观众成了绘画创作中的一个积极因素。因此，对画面形的破坏使得艺术本身的问题变得纯粹而突出起来，而观众的参与又为画面增加了新的维度。正是有了莫奈（或印象派）的探索才使西方绘画走向了20世纪的野兽派和立体派，它成为我们理解野兽派和立体派的桥梁。但我们同时又必须认识到，莫奈和印象派的这种发展仍是基于库尔贝的现实主义的真实观，只不过印象主义的真实观已发生了变化，在某种程度上它更接近于自然的真实。

正是对这种新的真实观的不懈追求和探索，使他越来越迷恋于对空气和光的研究，他企图以自己的画笔在同一地点的同一题材上捕捉空气与光的不同变化，以达到真实再现自然的目的，这就产生了他的《圣拉扎尔火车站》、《草垛》、《卢昂大教堂》和《睡莲》等著名的系列作品。《卢昂大教堂》更体现了莫奈企图真实地捕捉现实的愿望。他在同一地点同时展开数张画布，每块画布只在同一时间画上10到15分钟，每天同一时刻在相同的光线下工作，直到完成，这样每一组画像一个完整的乐章一样构成一个整体。《卢昂大教堂》在1893年共画了20幅。这些作品完全成了色彩的交响——物体的结构都消失在这种交响之中。值得注意的是，由于强调了色彩近乎纯色的同时并置，已使画面变成了色点之间的闪烁，不过只有到了新印象主义时，纯色点的并置才更纯粹起来。析世鉴（装置，局部）徐冰

徐冰是中国当代著名艺术家，毕业于中央美术学院版画系。1988年曾在北京中国美术馆举办了首次个人展览，立刻引起了轰动，受到美术界和批评界的广泛关注。特别是他的大型作品《析世鉴》更是众说纷纭，在美术界引起了一场争论，褒贬不一，被称为“徐冰现象”。在这件作品中，他以版画刻制的语言方式进行印刷，以此追求和返回到版画最初的本质，但同时又把这些“印刷品”置于空间和环境之中，营造出一个多维的艺术空间，从而使作品进入观念的综合表达而非语言的单一表现——这里既有版画的语言，也与雕塑和建筑相关，但更表达了作者对“版画”的本质和概念拓展问题的关注，以及传统文化与当代文化、传统艺术与当代艺术的关系。L.H.O.O.Q（纸上铅笔，19厘米×12.7厘米，1919年，纽约私人收藏）杜尚（法国）

杜尚（1887—1968）的早期作品受立体派和未来派的影响，创作出了这类风格的最著名的作品《走下楼梯的裸女》。在取得意料不到的巨大成功之后，杜尚又开始了向其他领域的探索。在杜尚看来，现代艺术已和传统艺术完全不同，艺术品不再是什么特殊的事物，而就是一件物品而已，其理由就像他所说的那样，“因为艺术家使用的一管管颜料都是机器制造出来的，都是现成的产品，所以我们必须断定，世界上所有的绘画作品都是‘现成物的辅助品’。”所以，“我想揭示艺术和‘现成物的辅助品’之间的矛盾，便想象了一种‘互惠的现成品’：可以把一幅伦勃朗的画拿来当烫衣板！”正是这样的思想使他在1913年就创作了一件把自行车轮倒过来的可以旋转的作品。他认为艺术创作的关键就在于“发现”，在于从日常人们习惯了的但又不在意的事物中“发现”艺术的存在。这种观念十分重要，它对以后的观念艺术、波普艺术、装置艺术、行为艺术、活动艺术、废品艺术等都有不同程度的影响。这里的《L.H.O.O.Q》（又称《有胡须的蒙娜丽莎》）是杜尚现成品艺术的又一重要代表作。在此之前，他于1917年曾把一个小便池直接拿到展览会上，并题上“R.MUTT”，以《泉》为名展出。这次他采用了同样的手法，但这次他使用的是一个平面的印刷品，他在世界闻名的达?芬奇的《蒙娜丽莎》印刷品上画上胡须，并命名为“L.H.O.O.Q”而成为他自己的作品。其意图是多方面的：既是对人们普遍审美观的嘲讽，又是对传统艺术的反叛；既是颠覆了传统的艺术观，又重新解释了艺术与现实的关系。第8课——美术作品的意义与价值判断

（一）教学目标从理论上说，任何美术作品一旦产生就不再属于艺术家，而是属于整个社会或观众，所以不同的美术作品在不同的社会和观众眼里就会有意义和价值上的差异。我们在上一课里已经讲述了理解艺术家创作意图的重要性，本课要说明的是，艺术家的创作意图只是我们理解美术作品的一个方面，而不是惟一的，或者说它可以为我们理解美术作品提供某种参照，美术作品还需要我们观众给予我们自己的解释。因此，本课的教学目的在于使学生认识到，美术作品的意义和价值既有绝对的一面，也有相对的一面。主动参与是美术鉴赏的前提和保证，只有这样，我们才能提高美术鉴赏的能力，培养审美的眼睛。

（二）内容结构本课主要包括四个部分。

第一部分是从中国古代画家马远和夏圭的故事开始讲起的。作为引子，这个部分指出了他们在中国美术史上的贡献，但明代皇帝却给出了不同的解释，由此说明美术鉴赏不仅要了解艺术家的意图，还有一个观众对其意义和价值的判断问题。

第二部分“美术作品的时代性与地域性”，讲述的是美术作品的意义和价值与其产生的时代和地域之间的关系，即它的产生受到了当时的时代和地域的限制，对它的理解也与其时代和地域密切相关。这里主要举了罗中立的《父亲》这个例子。这一点可以结合前一课讲述的艺术家的创作意图来理解。

第三部分“如何判断美术作品的意义和价值?”以西方历史上不同时期三位雕塑家创作的三个《大卫》为例，进一步说明美术作品的意义和价值与时代和地域之间的关系，由此指出美术作品的意义和价值有绝对的一面也有相对的一面。这里还提出了艺术创新的问题，主要是从理解美术作品的意义和价值的完整性方面说的，由于这个问题更为复杂，所以就没有展开，只作为教学中的参考。

第四部分“如何看待美术作品意义与价值判断上的分歧?”是接着上面所说美术作品的意义和价值的相对的一面引出的问题。这个部分着重强调的是个人感受和判断的重要性，并给出了判断美术作品的意义和价值的不同的角度和方法。这些角度和方法告诉我们，美术作品的意义和价值不是一成不变的，而是可以有各种理解的层面，每一个层面都是美术作品的意义和价值的一部分，这种解释对于学生参与美术鉴赏的主动性具有积极的意义。但同时也指出，尽管具有这些不同的角度和方法，但美术作品本身仍然是我们进行意义和价值判断的基础。

（三）教学的重点与难点本课教学的重点有两个方面：1.使学生了解美术作品的意义与价值与时代性和地域性有着密切的关系，即无论这种意义和价值的形成还是美术作品产生意义和价值的能力与范围都受到了其所处时代和地域的限制；2.使学生了解对美术作品的意义和价值的判断可以有不同的角度，即可以从不同的角度来看待和理解美术作品的意义与价值。

本课教学的难点在于，美术作品的意义和价值既有其绝对的一面又有其相对的一面，要准确判断一件美术作品的意义和价值就涉及到多方面的因素，在教学中要能精确地把握它们之间的关系并不容易，这是在教学中需要注意的。另外，判断美术作品的意义和价值的多种角度又容易使学生产生错觉，以为美术作品可以任意理解，这是错误的，需要教师在教学中注意给予纠正。

二、教学内容资料

（一）作品分析 晓雪山行图（中国画）马远（宋）

马远祖籍河中（今山西省永济县），生于杭州，字遥父，号钦山。他出生于绘画世家，到他已是第四代。他在光宗、宁宗、理宗朝任画院祗侯、待诏。和祖上一样，马远山水、人物、花鸟、杂画兼能，是一位全才画家，在画坛独步一时。而成就最高、影响最大的，则是他的山水画，人称“马一角”，是因为他绘画的构图往往将实景置于画面的一角。然而除了一角的特写，他也有全景山水，而且还充分发挥他全才的优势，其作品时而花鸟、山水结合，时而人物、山水结合，时而人物、花鸟、山水结合，极其丰富多变。

渔笛清幽（中国画）夏圭（宋）

画史上历来都是“马夏”并称的，因为他们的画风的确十分相近。所不同之处在于：马远矜贵些，夏圭率性些；马远画得紧一些，夏圭松野一些；另外，夏圭用墨更淋漓些。

夏圭略晚于马远，钱塘人，在宁宗、理宗朝为画院待诏。他的年辈虽晚，声誉却不低，御前画院十人，夏圭居其一，与前辈名家苏汉臣、林椿、李迪、马远等享受同等待遇。他早年的山水较多李唐痕迹，中年以后渐渐形成自己的风格。在布局上，他爱将景物集中于一边，或下半边或左右侧，表现迷茫飘渺的空间意趣，人称“夏半边”。晚年的风格更加简练豪纵。正如董其昌指出的，夏圭还吸收了米家山水的墨法，他爱用泼墨湿晕，再秃笔焦墨点染。笔法灵活多变，点、短线、小斧劈皴、大斧劈皴相间使用，使浓淡隐约，云气微茫。

父亲（油画，240厘米×160厘米，1980年，中国美术馆藏）罗中立

罗中立（1948—），四川壁山县人。1964年考入四川美术学院附中，毕业后，在四川大巴山生活了10年。1978年考入四川美术学院，在学习期间创作了油画《父亲》。他根据多年来在四川山区劳动、生活的感受，借鉴了西方现代派美术照相写实主义的手法，用巨幅领袖像的形式，刻画了一个勤劳、朴实、善良而又贫穷的老农形象。他那古铜色的脸、长期的艰苦岁月造成的那条条车辙似的皱纹、柴耙似的双手以及缺牙的嘴巴，无不饱含着画家深沉的情感和对造成这一现实的深刻反思，从而激发起人们对现实，特别是对广大农民命运的深切关注。正因为如此，这一作品公开展出后，立即引起了社会的强烈反响，是新中国成立以来影响最大的美术作品之一。

最后的晚餐（油画，365厘米×568厘米，1592—1594年，威尼斯圣乔尔乔?马乔列小教堂藏）丁托列托（意大利）

丁托列托（1518—1594）被视为晚期文艺复兴的样式主义画家。“丁托列托”并非他的本名，因为他出身染匠之家，故得此绰号（意为染色者）。他是一位雄心勃勃的人，扬言要把提香的色彩和米开朗基罗的形体结合起来，成为最伟大的艺术大师。为了取得独特的艺术效果，他在创作中总是选取别人很少采用的角度和构图，追求宏伟的气魄、强烈的戏剧性和突出的光感，忽视人物内在气质和性格的刻画，主要从画面效果出发。

《最后的晚餐》这个传统的圣经题材，在不同时期有很多画家都画过，丁托列托本人就先后画过七八幅之多。早期丁托列托的一幅《最后的晚餐》，作于1547年，现藏威尼斯圣塔—玛库奥拉小教堂内。但以1565—1594年期间完成的三幅最为著名（第一幅在圣特罗瓦佐教堂，第二幅在圣洛可公会，第三幅即此幅）。就其构思的独特性来说，这幅画比所有其他几幅都要大胆。在这里，虽然仍然采用倒挂飞旋的人体动作，画面还是那样充满着强烈的神话色彩，但耶稣与12门徒之间的关系，却极有节奏感。富有运动感的斜角线构图、强烈的明暗对比法，给人以强烈的视觉和心理上的印象。席上的12个人物被耶稣的一句话——“你们中间有一个人要出卖我”惊扰得神色慌张、表现不一的动态，加上左上角那种奇幻的天光与云雾相绕的光源，使这个场面具有一种神话般的舞台效果。

画家别出心裁地把这顿“最后的晚餐”，摆设成呈透视纵向的角度，观者似乎就站在门口或场面一侧的高处来观看，一切人物的动作都是成组的、繁忙的、富有叙事性的。据意大利美术史家瓦萨里评价丁托列托的画说：“他不只是工作速度快，他的作品残留下粗犷的笔触，使人看不出他的画是否已经完成。”这决不是说，他的画有许多技法上的粗糙，而是他用笔触追索光与运动感的结果。他偏爱用暖色系的色调，只是他的暖色不追求艳丽，暖色中的明暗是为了加强人物的心理因素。这种画风后来也曾被19世纪的法国印象派所赏识，他们临摹他的画法来吸收这种光影的表现效果。

最后的晚餐（壁画，484厘米×880厘米，1495—1497年，米兰圣玛利亚?德拉格拉齐耶修道院藏）达?芬奇（意大利）

列奥纳多?达?芬奇（1452—1519）是文艺复兴时期意大利最杰出的画家、科学家和发明家。他一生完成的绘画作品不多，但几乎件件都是不朽之作。他的作品自始至终具有鲜明的个人风格，并善于使艺术创作和科学探索结合起来，深沉、含蓄、富于理性。他晚年潜心科学研究，死后留下大量笔记手稿及草图，从物理、数学以至生理解剖，几乎无所不包。他的技术发明也遍及民用、军事、工程、机械各方面。因此恩格斯称赞他：“不仅是大画家，而且也是大数学家、力学家和工程师，他在物理学的各种不同部门中都有重要的发现。”

壁画《最后的晚餐》是达?芬奇为米兰圣玛利亚?德拉格拉齐耶修道院饭厅而创作的。它不是一般的灰面湿壁画，而是掺用了一些油彩，所以有的美术史书籍中不称它为壁画，而是标为“油性蛋剂颜料”。由于这是一种不成熟的新的尝试，所以原画在16世纪时就已逐渐退色霉坏，加上后人保存不善，现在已很模糊。目前有关方面正试图以现代科技加以修复，但进展缓慢。

《最后的晚餐》取材于基督教圣经中耶稣被他的12个门徒之一的犹大出卖的传说。因耶稣在耶路撒冷被捕前，与他的圣徒共进了最后一次晚餐而得名。这类题材的宗教画从中世纪到文艺复兴时期，不断有人创作，且形成了一套程式化的表现手法。达?芬奇的这一作品则以它独到的匠心、卓越的构图、深刻的人物心理描写而成为不朽的杰作。达?芬奇在这一作品中，紧紧抓住耶稣在与12门徒共进晚餐时，突然说出“你们当中有一个人要出卖我”以后，众门徒顿时显出各种不同神态的这个极富表现力的瞬间，着重刻画了各个人物的内心世界，表达了画家对善与恶、美与丑、崇高与卑鄙的鲜明爱憎，进而对人物的微妙的心理描写达到了空前的高度。全画的构图十分完美：横幅的画面以耶稣为中心，组成严格对称的构图。12个门徒之间彼此具有紧密的联系和各种不同的姿态，显得丰富而统一。此外，在画面空间与背景的处理上，用透视法画出了深远的空间。所有这些，使这一作品成为举世闻名的杰作。

大卫（青铜雕塑，高126厘米，1443—1444年，佛罗伦萨国立美术馆藏）多纳太罗（意大利）

多纳太罗（1386—1466）是文艺复兴初期意大利最杰出的雕塑家、现实主义美术的重要开拓者之一。《大卫》是他重要的作品，也是文艺复兴时期第一个全裸的人体雕刻。它标志着希腊、罗马的人体美术传统又得到了恢复。来自《圣经》传说中的大卫这一形象，是欧洲文艺复兴时期美术家经常表现的题材。传说古代犹太人的国王大卫，在少年时就以甩石绝技击杀了巨人歌利亚，因而闻名。多纳太罗的这一《大卫》，正是表现少年大卫杀死人后，用脚踩在巨人首级上，流露出胜利的喜悦和自豪的情景。大卫的形象，不仅人体比例准确，而且体态优美、线条流畅，表现了多纳太罗塑造人体的高度技巧。大卫（雕塑，高250厘米，1501—1504年，佛罗伦萨美术学院藏）米开朗基罗（意大利）

米开朗基罗是继达?芬奇之后，又一位文艺复兴盛期的巨匠，他少年时代就进了著名的“美第奇花园”，在那里接受了艺术训练，并接触到大量收藏在那儿的古代艺术珍品。他不像达?芬奇那样充满科学精神和哲理思考，而是执著地追求在艺术中体现人的精神、人的力量。他的艺术风格宏伟，感情强烈，带有浓重的悲剧色彩。

米开朗基罗的《大卫》是一个气魄宏伟的年轻巨人，他镇定地站在那里，左手紧握搭在肩上的投石器，头部昂然抬起，警惕地盯视着敌人，眉宇之间充满了必胜的信心。雕塑家用这个几乎静止的姿势，有力地传达出临战前的高度紧张气氛以及那蕴蓄在大卫体内的巨大力量。

大卫（雕塑，1623—1624年）贝尼尼（意大利）

贝尼尼（1598—1680）出生于那不勒斯，是一位伟大的雕塑家和建筑家，是17世纪意大利最著名的巴洛克艺术家。贝尼尼从小聪颖过人、心灵手巧，8岁就开始雕刻作品，很早就展示了他的才能，赢得了声誉。大理石在他的凿子下，似乎变得像泥一样柔软可塑。他的雕塑热情奔放、动作性强，有旋风般的力量，非常富于运动感和戏剧性。

贝尼尼的《大卫》是一个正在艰苦搏斗的大卫，似乎更具生活的真实性。他的大卫更像是一个身处逆境、坚忍不拔的斗士。在这种状态下，艺术家得以表现人体旋风般的运动和人物激越的感情。而运动感则是巴洛克艺术的核心题材。艰苦岁月（雕塑，高100厘米，1957年，中国革命军事博物馆藏）潘鹤

潘鹤（1925—），广州市人。广州美术学院雕塑系教授。1940年开始从事艺术活动。1957年为中国革命军事博物馆创作了他的代表作《艰苦岁月》。在这件作品中，潘鹤真实地再现了万里长征那个“艰苦岁月”里红军的形象和精神风貌：残破的军帽，褴褛的军衣，裸露的脚丫，艰难的生活留下的粗壮的胸骨，如钢棍的手指上一支古色的长笛，干裂的嘴唇轻贴笛孔，快活地吹奏着悠扬的乐曲；脸上的粗皮舒展开来，嘴角露着会心的微笑，额上如壑的深沟中贮存着艰苦岁月里结成的苦难——这是潘鹤的雕塑《艰苦岁月》里老战士的形象。而一个满脸稚气的小红军战士则蜷缩在他的身旁，一手抱着长枪，一手托着下颌，聆听着那美妙的笛声，微笑而遐想的目光向上伸展，放逐于无限的长空，憧憬着未来的理想。这个形象已超越了个别性，而成为一个时代的精神象征。吹笛少年（油画，161厘米×97厘米，1866年，巴黎印象派美术馆藏）马奈（法国）

马奈（1832—1883）生于巴黎一个大资产阶级家庭。其父是法官，因此受过良好的教育。他自视甚高，看不惯一切保守落后的东西，追求进步和革命。但马奈又没有库尔贝那样的彻底革命精神，而仍有所保留，这一点也反映在他以后的艺术中。他并不是一开始就从事艺术，其父母起初希望他学法律或入海军学校，他却两考不中，于是到一艘船上当了见习水手。在一次前往巴西的航海旅行中，他深深为大自然的美丽所吸引，回国后他就说服双亲，于1850年进入古典画家库退尔的画室作了学生。当他1856年离开库退尔画室时已是一个具有扎实的传统功夫的画家了，他1861年首次展出于沙龙的《弹吉它的人》和《马奈夫妇像》已显示出这一点。不过马奈更对当代画家的作品感兴趣，尤其库尔贝作品大胆的真实性和巴比松画家的外光效果，于是他也突发奇想画了他的第一幅室外画《退勒里宫的花园音乐会》。不过马奈除了像印象派那样考虑光之外，更注重画的内部结构与色彩的结合上，他在这方面的研究只有到高更尤其塞尚之后才为人重视。

马奈的画以其手法的自由和赋予色彩的地位，为未来拉开了序幕。他曾对日本浮世绘艺术形式产生浓厚的兴趣，也非常喜欢中国和日本版画色彩上的概括性和形象的平面性，并在他的作品中寻找对比色。《吹笛少年》就是一例。这是一幅没有阴影、立体表现和深度的画，由于轮廓制造了前缩效果，人物仍有三度空间感。马奈扬弃了自乔托以来将平面转化为绘画空间的方法，背景的灰色和人物一样坚实，似乎如果人物从画面走出来，背景会出现一个类似在模板上穿上的洞。为了加强画面的平面性，人物是在哪个地平线上，似乎已经不重要了，说他是浮在空中也行，目的全在于这个形象的平面的鲜明印象。吹笛女（雕塑，1904年）布岱尔（法国）

布岱尔（又译作布尔德尔，1861—1944）是罗丹的学生，也是一位继承罗丹的创造精神、把雕塑艺术进一步拓展并引向现代艺术的艺术家。他既承袭了古典雕塑的传统，又力求发挥雕塑语言的长处，摆脱罗丹过分注重文学性的特点，寻求新的表现手法。布岱尔的作品充满力量感，雕塑语言含蓄、深沉。如果说罗丹终结了一个注重写实和心理刻画的雕塑时代，那么布岱尔则开始了一个重视雕塑空间表现力和力度感的时代。他那雄伟、概括的雕塑开创了一代新风。洛神赋图卷（绢本设色，27.1厘米×572.8厘米，北京故宫博物院藏）顾恺之（东晋）

此卷以三国时代曹植（192—232）的名篇《洛神赋》为题材，用具体生动的形象完整地表现了赋的内容，也体现了这一历史时期新兴文艺理论中重视感情生活的要求。

作者逐节描绘故事的内容，开始部分是曹植带着随从到了洛水之滨凝神张望，仿佛看到了洛神（亦即甄氏）仙裳飘飘，凌波而来。其后是他们互赠礼物，洛神和她的同伴们在空中或水上自在地游玩。这时风神使风停止，河神命波浪平静，水神在击鼓，创世神女娲也在唱歌，曹植和洛神乘着驾六龙的“云车”出游，一叙衷肠。最后曹植在渡洛水的舟中思慕不已，离岸乘车远去时还回头张望，无限依恋。

此卷主要人物在不同场景中反复出现而形象富于变化。作为人物背景的山石树木，同时起到了分隔并联系统一长卷中不同段落的作用，保持了构图的完整。画中的洛神衣带飘逸，动态委婉从容，目光凝注，表现了关切、迟疑的神情。曹植的形象具有贵族诗人风度，同时也表现了惆怅思恋的精神状态。画的设色艳丽明快，富于诗意的美。该画对人物心理刻画的成功及擅于表达情感内容的精深造诣，反映了这一时期中国绘画的新发展。

《洛神赋图卷》首见元朝王恽《书画目录》及汤《画鉴》记载，继见明代矛维《南阳名画表》。在宋代摹本颇多，现共存三卷，但以此卷最为完整。

梦（油画，204.5厘米×298.5厘米，1910年，纽约现代艺术博物馆藏）卢梭（法国）

亨利?卢梭（1844—1910）是一个自学成才的画家，父亲是工人，母亲出身农民。亨利?卢梭青年时在军中服役了四年，结识了去过墨西哥的士兵，他们讲起的异国风情，使他十分向往。1868年他定居巴黎。1870年又参加了普法战争，退伍后在巴黎当了一名税关雇员，因受骗失职而被解雇，只得在酒馆以演奏来糊口。他也参加绘画活动，但未经训练，所绘作品技巧拙朴。这种不事做作的“拙味”被当时著名诗人阿波里奈尔所赏识，并为他写文章推荐，从此，他在画坛上获得了一定声誉。后经表现主义艺术家的鼓励，他保持这种率真的描绘事物的方法，并在题材中杂以某种神秘主义，使他的艺术独具一格。

《梦》展现的是一种幻想中的原始森林。画面上有一些奇怪的兽类和少见的热带植物，除了阔叶丛林以外，还有美丽的兰花、热带所见的水果等。这是一个未有人迹的原始丛林，可是在这样不可想象的环境里，有一裸体女人横卧在一张不可思议的华丽沙发中。中间一个皮肤黝黑的人，在面对观众的方向吹起他的长笛，一头狮子在树丛里向外窥探着。这一切不是真实的存在，时令和环境都是违反常理的。它是一个梦境，一个画家头脑中的怪异的梦境，极富抒情味，也极富装饰味。

《梦》具有一定的表现主义成分，因为画上集中的事物——处女地、狮子、漂亮的禽鸟、可怕的美国野牛、惨淡的孤月、黑皮肤的吹笛手以及畸形的裸女等，只表露了画家的童稚般的想像力，由于它妙趣横生，受到很多人的赞赏。一位评论家风趣地说：“他的天才胜过了天真，他应该被奉为20世纪艺术的开拓者。”

一条街道的忧郁和神秘（油画，87厘米×71厘米，1914年，美国康涅狄格州新坎南私人收藏）基里柯（意大利）

乔尔乔?德?基里柯（1888—1978）出生于希腊，父母亲是意大利人。早年在雅典学素描，后又在雅典工艺学院学了四年绘画。父亲去世后，全家迁居慕尼黑，到慕尼黑后，基里柯继续就读于美术学院。在德国接触了勃克林的影响。基里柯还热衷于克里姆特、克林格尔、阿尔弗累德?库宾等画家的风格。

他在德国阅读了尼采的哲学，对叔本华的著作也发生过兴趣。尼采对表象以外事物含义的探究以及他在文学上描写意大利都灵那些拱形建筑物所构成的空荡的广场的散文，给基里柯留下了极其深刻的印象。这一幅《一条街道的忧郁和神秘》是这种形而上绘画的典型例子。

画上的透视深景极富感染力。右边有一大片被深褐色和灰色带拱顶的建筑物遮挡的阴影，左边是一条低矮的白色连拱廊，长长地伸展开去。天空阴沉，街上却十分明亮。这时，从左角出现一个孤独的滚铁球的小女孩，她的影子似从画外拖入。前面又有一幽灵般的影子，长长地拖在明亮的街道上。这一切既不合逻辑，又显得非常恐怖。在那片阴影中，有一辆老式火车空车厢，车门敞开着，令人费解，给观者平添困扰。就时间上判断，似像深秋的午后，可是这座城市广场空无一人。商市停歇，颇有城市末日之嫌。基里柯承认这幅画来自尼采对意大利城市广场的描绘的启迪，它恍若梦境，时间表现也在深秋，因为在那个季节意大利的太阳变得低了，阴影比夏天更长。

巴黎街景（油画，105.1厘米×152.1厘米，1972年）埃斯蒂斯（美国）

埃斯蒂斯（Richard Estes，1936—）是20世纪60年代末兴起于美国的超级写实主义（又称“高度写实主义”或“照相写实主义”）的主要代表之一。这种艺术是对西方20世纪50年代以来个性化表现泛滥倾向的反叛，即以摄影为蓝本，极尽模仿之能事，以避免艺术中的个性。这种作法并不新鲜，因为库尔贝就曾以摄影为蓝本画风景。但不同的是，超级写实主义是用幻灯机把照片直接投射到画布上，然后极为精细地描摹下来。结果，照片的任何细节都得到精确的再现，与照片无任何区别，只是这种原大的景物经过这样的模仿以后就产生了奇异的视觉效果，它不仅抑制了艺术家的个性，也让观众不得不被动地接受它——你越是想把它视为真实的东西它就越是与你产生距离。埃斯蒂斯的《巴黎街景》就很好地说明了这一点。他在这幅作品中除真实描绘每一个物体的细节外，还用墙面上镜子的反射来增加这种视觉上的真实性。然而画家的真正意图却是告诉人们，我们看到的真实都是虚幻的，即使如此真实地描绘它仍然不过是一幅画。

第9课 形神兼备 迁想妙得——中国古代绘画撷英

(一)教学目标通过本课教学，使学生对中国古代绘画从原始时期的岩画、陶器绘画到山水、花鸟画、人物画高峰期的代表性作品，延续到清代绘画的艺术风格和特点有所认识，了解中国源远流长的传统文化艺术。课本选取历代各时期代表性作品进行介绍，力争达到使学生开阔视野，陶冶情操，提高基本的艺术素质和欣赏绘画的能力。(二)内容结构本课内容为中国古代绘画欣赏，选择其中具有代表性的作品进行评析，对中国古代绘画七千年左右的发展历程作了简要介绍，了解了中国古代绘画的历史及其不同的艺术风格和中国古代绘画的艺术传统。整个课文分成以下11个自然段落： 第1段主要介绍我国最古老的独幅帛画《龙凤仕女图》和《人物御龙图》，以及新石器时代黑山岩画《猛虎捕食图》和石斧纹《彩陶缸绘鹳鱼》，又涉及到西汉马王堆楚墓帛画。通过选取的中国早期艺术作品，了解中国画基本形态确立时期的绘画水平和艺术风貌。

第2段对敦煌莫高窟壁画在画面布局、人物造型、线描勾勒、赋彩设色等方面进行分析。敦煌莫高窟壁画作为人类珍贵的文化遗产，其内容极其丰富，规模宏大，在一定程度上反映了社会生活，体现了中国古代艺术风格的传承演变和中西艺术交流融会的历程。文中选取北魏时期壁画《鹿王本生图》和唐代《张议潮统军出行图》、西魏《五百强盗成佛壁画》等作品来了解敦煌壁画的艺术之精湛。

第3段分析唐代画家阎立本的两幅作品《古帝王图卷?晋武帝司马炎》和《步辇图》，前幅描绘的是晋武帝司马炎作为封建帝王的威严神态和非凡的气度。《步辇图》则描绘了唐太宗李世民接见吐蕃使臣禄东赞的情景，忠实地表现了唐代中央政权与边远民族的友好交往。另外选用汉代《宴饮画像砖》、北齐《仪卫出行墓室壁画》和东晋时期顾恺之的《女史箴图》，通过汉代、北齐、东晋、唐代这四个历史阶段的人物作品赏析，说明它们不同的艺术风格和艺术特点。

第4段分析唐代时期传为韩的作品《文苑图》。画中人物刻画细致入微，动态各异，形神兼备，生动地表现了古代文人吟诵诗文时的专注神态。宋代李唐的《采薇图》画的是商末伯夷、叔齐不食周粟，在首阳山采薇代食的故事。作品人物生动传神，寓意深远。元代山西永乐宫壁画《朝元图》、元代刘贯道《消夏图》以及明代陈洪绶版画《西厢记插图》，以不同艺术创作手法展现出丰富的艺术风貌。

第5段分析明代曾鲸《张卿子像》，在传统肖像画“墨骨”和“传神”的基础上融合西洋画法，创造了更重墨染和体积感的“凹凸法”。重视人物的神情、体态和性格的表现，体现出画家非凡的观察能力。清代黄慎《渔翁渔归图》介绍水墨大写意人物，画面人物动态生动，富于生活情趣。明代唐寅《孟蜀宫妓图》、清代罗聘《丁敬像》和高其佩的指墨《杂画册之一》也各具特色和很高的艺术造诣。

第6段介绍宋代山水画不同风格的艺术特色，范宽的《溪山行旅图》真实地描绘出北方山水的雄伟之美及磅礴的气势。其他的作品如郭熙的《早春图》、米友仁的《潇湘奇观图》及佚名所作《深堂琴趣图》。宋代的山水画不仅有全景式雄伟山水画，又有引人入胜的幽情美趣的小品山水。另外米友仁的作品运用简笔淡墨，表现了烟云迷的意趣。

第7段着重了解元代著名画家倪瓒中年时期的代表作品《六君子图》和宋代马远《踏歌图轴》，另外选取了宋代夏圭的《雪堂客话图》和元代画家黄公望的《富春山居图》，说明古代山水画在创造意境方面的主要特色。中国古代绘画在运用空白上的独到之外，淋漓尽致地体现了画家崇尚平淡天真的审美理想。

第8段着重讲石涛的山水画作品《淮扬洁秋图》之“变古代为我法”和独具个性风格的艺术创作，以及提出“借古以开今”、“笔墨当随时代”的创造性理论。龚贤的《溪山无尽图卷》峰回溪曲，气势雄伟壮观，既有高远、深远之境，又山远水长，使人有溪山无尽之感。另有明代沈周《庐山高图》、周臣的《雪村访友图》、清代弘仁《松鹤清泉图》及髡残《松岩楼阁图》等不同艺术追求和表现方式的作品。

第9段主要分析宋徽宗赵佶的《芙蓉锦鸡图》和宋人作品花鸟画《白头丛竹图》，同时赏析唐宋时期的其他作品，如唐代韩的《五牛图》和佚名画家的《秋葵图》。宋代是古代花鸟画空前发展并取得重大成就的时期，注意观察生活形象，体物入微，精工逼真，是这一时期的艺术特点。宋人不仅花鸟形象达到精微传神，而且从中表现对生活的热情与理想，把自然属性与道德品格相联系，使精密不苟的工笔花鸟画达到了新的艺术高度。

第10段着重介绍徐渭的《墨葡萄图轴》，介绍文人画家在诗、书、画方面的追求及讲究气韵的审美标准以及超越自然景观的文化精神，造就新的艺术情趣。另外介绍了王冕的《墨梅图》、李方膺《竹石图》和郑板桥的《荆棘丛兰图》等几位具有创新意义的代表性画家作品，他们在创作中的独特见解和敢于创新的积极意义，以及对中国文化传统的深刻理解，表达了艺术家的个性与情怀。第11段写意花画作品重点介绍朱耷的极具个性语言和不拘成法的作品《荷石水禽图》及恽寿平的清新雅丽、追求平淡天真的作品《锦石秋花图》，金农的笔墨朴秀、巧拙互用的花鸟册页《花果册之一》及边寿民的色调清雅、境界清寂的作品《芦雁图册之一》，显示出中国花鸟艺术的多样性和不同的艺术特点。

本课图版大幅作品16幅，附加一些其他小幅作品。课本中作重点分析的是敦煌莫高窟壁画《鹿王本生图》、宋代范宽山水画作品《溪山行旅图》，人物画是明代曾鲸的《张卿子像》及清代画家朱耷的《荷石水禽图》。(三)教学的重点与难点

本课的教学重点，是让学生对我国悠久的文化传统和绘画艺术作基本的了解和认识。课文中介绍了中国古代绘画的基本发展脉络和演变以及多种风貌的艺术风格，比较全面地选取了帛画、壁画、砖画、纸本、绢本等不同材质及工笔、写意、人物、山水，花鸟等不同风格、不同时期的代表性作品。

首先介绍中国早期绘画艺术，如仰韶文化与马家窑文化的彩陶图案，是我国先民为世界艺术宝库做出的卓越贡献；长沙楚墓出土的两幅旌幡性质的帛画，探讨了先秦绘画面貌、艺术特点和战国时代楚国奇伟诡谲的艺术风格。

其次以敦煌莫高窟壁画作品研究和了解佛教艺术发展脉络。莫高窟隋唐壁画与前代最明显的区别，是创造了具有鲜明时代特色的独特的经变画样式。通过宋徽宗赵佶的作品理解世俗美术的发展和宫廷绘画的繁荣，使绘画题材更加广泛、风格多样。对唐宋时期人物和山水画的分析和欣赏，则要求教师讲课时结合图例作品的不同艺术特征，在理解艺术发展现律的基础之上，进行较深入的讲解和赏析，另外也可增加唐宋时期其他具有代表性意义的画家作品来加强学生的艺术感知能力。

第三，中国古代绘画所强调的笔墨韵味和书性的表现要求，追求气韵的审美标准以及超越视觉表象的文化精神。

中国文人画带有文人情趣，反映了中国传统哲学思想和文化底蕴。中国绘画中的“笔墨”，代表了具有中国文化传统和内蕴丰富的民族文化情结，提倡通过干、湿、浓、淡等笔墨变化，使中国画获得广阔的想象空间。要分析倪瓒的《六君子图》和徐渭的《墨葡萄图轴》这些作品的艺术特点，及朱耷和石涛等具有强烈个性的绘画，了解诗、书、画、印等在中国画中的重要地位以及笔墨的丰富表现力和具有特殊文化意蕴的精神象征。

本课的教学难点主要有三个方面：一是涵盖面比较广，中国古代绘画历经几千年的发展过程，而课文由于篇幅所限制，无法详细地进行介绍。本课向学生介绍了中国古代绘画历史悠久的艺术作品，普及中国美术史基本知识以及中国古代绘画的发展演变，阐述美术同政治、经济、文化、宗教等相关因素的结合。二是提高艺术审美欣赏能力，以欣赏不同时期的绘画风格和特点，引导学生认知能力的提高。三是对中国传统优秀文化在中国古代绘画中的体现，特别是从早期帛画、壁画到后期的文人画各时期的艺术风格介绍，使学生能够比较全面地了解中国传统文化的深厚底蕴。

二、教学内容资料

龙凤仕女图、人物御龙图(帛画，战国)《龙凤仕女图》，1949年2月出土于长沙陈家大山楚墓，质地为平汝绢，高31厘米，宽22.5厘米，画面是一侧身向左、细腰长裙、合掌祝祷状的贵族妇女，在腾龙舞凤的接引下，向天国飞升的景象。此幅帛画是古代葬仪中使用的旌幡，画中反映了当时楚国普遍流行的死后升天的主观意识及作者丰富的联想空间，令人叹为观止。这幅画以毛笔绘成，画法为线条勾勒兼平涂着色，构图主次分明，造型十分生动。

《人物御龙图》，1973年5月出土于长沙子弹库楚墓，细绢地，高37.5厘米，宽28厘米，画面正中画一危冠长袍、蓄有胡须、神情潇洒、侧身拥剑的贵族中年男子，头顶华盖，驾驭舟形巨龙向天国飞升的景象。龙尾企立一鹤，龙身下画一尾鲤鱼，表示龙正在天河中行进。

帛画上端缝裹细竹篾，并系丝绳，其用途无疑是葬仪中的旌幡(或称铭旌)；画里的男女人像，肯定都是墓主人的肖像。从中可见战国肖像画具有如下特点：人物皆作正侧面的立像，通过衣冠服饰表现其身份；比例匀称，仪态肃穆；勾线流利挺拔，设色采用平涂与渲染兼用的方法，格调庄重典雅。

长沙左家公山和信阳楚墓还出土有毛笔，用上好的兔毫制成，与现今使用的毛笔大致相同，提供了战国绘画工具的实物资料。敦煌地处河西走廊西端，是古代关中通往西域的咽喉。前秦建元二年(366年)，一位名叫乐的沙门经过此地，似乎觉得鸣沙山在一片金光中化出千佛之状，遂发愿在这绿洲之畔修造洞窟。此后数年，洞窟开凿和寺院的兴建日盛，形成了11个朝代不断修造而成的艺术宝库——敦煌莫高窟。

莫高窟至今尚存492个洞窟，保存着历代塑像2400余身，壁画约4.5万平方米，成为我国最重要的一处石窟寺。洞窟内的壁画、雕塑主要是北朝、隋、唐、宋、西夏、元代的作品。莫高窟现存十六国、北魏、西魏、北周等洞窟36个。窟型有三类：一类是中心柱窟，平面长方形，后部设中心方柱，前面多为人字坡顶，中心柱四面开龛造像；第二类是平面方型覆斗顶窟，正面开一大龛塑像；第三类是主室两侧开僧房的禅窟，主室正壁开龛塑像。这些洞窟完整地保存了壁画、建筑和雕塑，成为后人研究和了解佛教艺术发展脉络的宝贵遗产。作为人类珍贵的文化瑰宝，敦煌莫高窟已被联合国教科文组织列入“世界文化遗产”名录。

莫高窟北朝窟内壁画一般于四壁上层及顶部画平、飞天及天宫伎乐，下层为药叉等，中部除千佛外主要画说法、本生和因缘故事。南北朝时期，中原混乱，民众生活于苦难之中，而佛教宣扬苦海轮回，当世忍辱，求得累世成佛的思想为民众所接受，因此壁画中盛行本生、本缘故事画。本生是巴利文的意译，表现释迦所述前世因缘故事，常以前生为国王、王子、婆罗门、商人以及弱小动物的遭遇为比喻，突出施舍、仁义等思想，宣扬忍辱牺牲、舍己为人的苦行。鹿王本生图(壁画)敦煌莫高窟257窟(北魏)敦煌莫高窟257窟北魏壁画《鹿王本生图》是根据《佛说九色鹿经》而绘制的本生故事。描绘释迦前生为九色鹿，曾救溺水人，其后在国王悬赏捉拿九色鹿时，溺水人贪赏告发九色鹿的行在，由于见利忘义的行为，溺水人最终受到应有的报应。这幅画将故事情节分别以连续画幅的形式连接在长带形的构图里，将故事展开的情节自左右两边向中间发展，把鹿王向国王倾诉溺水人背信弃义的事件高峰放在构图的中心，构思十分巧妙。其中车马等画法和形象都有汉代美术的明显影响。这幅壁画的人物造型运用了具有立体感的西域式凹凸法，也就是用赭石色晕染明暗关系。画面线描流畅自如、遒劲有力，整幅作品色彩浓重自然，富于装饰之美。这种早期的连环画式构图发展得十分自由，尚未形成固定的格式，因此在欣赏时显得自然流畅。步辇图(中国画，局部)阎立本(唐)阎立本(?—673)，雍州万年人，其父阎毗及兄阎立德均是才华出众的营造学家和画家。阎立本同样有着杰出的绘画才能和技艺，曾继其兄为工部尚书，总章元年(668年)做了右相，成为极受重视的宫廷画家。他工于写真，尤擅故事画，取材多是贵族、官宦以及宫廷历史事件。张彦远评价称：“阎(立本)则六法该备，万象不失。”《步辇图》描绘了贞观十五年(641年)唐太宗下嫁文成公主与吐蕃王松赞干布的联姻事件。画幅右面是坐在步辇上的唐太宗，被九名肩抬步辇和掌扇的宫女簇拥着，画幅左面是身着小团花衣、拱手致意的禄东赞，他被典礼官引见给太宗皇帝。禄东赞及其随从的举止、相貌特征有着强烈的高原民族特色，容貌神情恰当地刻画出禄东赞睿智聪颖而又谦和的性格特征。唐太宗的形象表现则更为成功，在深沉谦和的外表中流露出雄才大略的非凡气度。这幅作品忠实地表现了唐代中央政权与边远民族的友好交往，至今仍然有着重要的历史价值；同时人物形象和性格特征的成功塑造也表达出肖像画创作的成就。从这件作品可以了解阎立本的技巧特征——健劲的线描加以深沉的设色，人物动态较为拘谨而重面部特征的刻画。这些都反映了对传统的继承和发展。古帝王图卷?晋武帝司马炎(中国画)传阎立本(唐)《古帝王图卷?晋武帝司马炎》作者通过西汉至隋之间13个皇帝及其侍从的形象，以不同的精神状貌，来揭示他们的内心世界、性格特征和政治作为。画家在创作前，对人物都进行深入研究，考据史实，并行严密的构思。图中的晋武帝被作者刻画为双目炯炯、神色威严、有雄才大略和非凡气度的开国之君，人物刻画精微尽致而又真实可信。在艺术风格上，有明显的六朝余韵，与顾恺之等人的绘画，似有一定的继承关系。文苑图(中国画)传韩(唐)韩(723—787)宋太冲，长安人。位处高官，曾出任浙江东西两道节度使及荆湖洪鄂等道节度使等要职，德宗朝官至宰相，封晋国公。在绘画题材上，特别喜爱牲畜和农家风俗，许多作品都对劳动生活进行热情歌颂，如《村舍图》、《丰稔图》、《田家风俗图》等，表现了“抚摩两浙不用兵，画里农家乐太平”的情趣。韩在政事之暇攻研书画，书得张旭笔法，画追求真实感，“颇得形似”，“曲尽其美”。北京故宫博物院藏有他的《五牛图》一卷，是迄今所见最早的纸本画。用简练粗壮的笔调，勾勒出牛的不同形态特征。全图墨彩结合，依结构及毛色变化渲染，色调沉稳，造型准确，质感、立体感极强。

这幅《文苑图》由宋徽宗赵佶上题“韩文苑图”，虽有争议，但从风格和笔法上来看，此作与韩的艺术风格极其契合。《文苑图》中画者以松树、石案为背景，着重对人物情态作细致刻画，他们姿态各异或握笔托腮遐思，或抚松冥想，或展卷凝眸、相互推敲切磋，颇为传神。人物线条组合有序，色彩和谐，形神兼备，生动地表现了古代文人吟诵诗文时的专注神态。《文苑图》作者另传为五代的周文矩。

周文矩是五代南唐画家，句容(今属江苏)人。后主李煜任命他为翰林待诏。擅于画工笔人物，尤其擅画仕女，多以宫廷贵族生活为题材。画风接近唐代周而更趋纤细，多用曲折颤动的“战笔”表现衣纹，明代张丑说他“纤笔瘦硬战制，全从后主李煜书法中得来。所画仕女，不施朱傅粉，镂金佩玉，以饰为工”。

这幅画虽由宋徽宗赵佶题为“韩文苑图”，但据今人考证，此图作者并非唐代画家韩。美国大都会博物馆藏周文矩所作《琉璃堂人物画》的宋代摹本为之提供了有力的证据。该摹本为分成两组的画卷，前段画三个文人与一个僧人对坐论辩，后半部则与这幅《文苑图》相同。由此推断原题有误，真正的作者应该是周文矩。采薇图(中国画，局部)李唐(宋)李唐(约1048—1130)，字古，河阳三城(今河南孟县)人。早年以卖画为生，50多岁入宣和画院，南渡后在绍兴画院复职待诏。他是正式使北宋山水画体转变为南宋山水画体的第一人。另外李唐的人物画也有突出的成就，以《采薇图》最有代表性。该图描绘商纣时期的伯夷、叔齐，因商亡而“不食周粟”，在首阳山采薇充饥，终于饿死的故事。就史实本身而言，武王伐纣是顺乎历史潮流的正义行动，伯夷、叔齐的消极抗争并无进步意义。但李唐所表现的却是另一个主题思想，即借此歌颂了有政治气节和民族气节的典型形象，体现出在亡国与分裂的局势下宁死不妥协的精神品质。画面充满严峻和忧愤的情调。石壁流泉，苍松古藤，气氛阴沉冷森。幽僻深山的自然环境，衬托出人物的性格和情感，伯夷、叔齐二人席地对坐，面容清癯，须发蓬乱，目光沉滞而凝注，表情平和坚定，反映了悲愤不屈的气概。李唐开创的新画风，为刘松年、马远、夏圭等人所继承，成为南宋山水、人物的主要画派和院派画风的典范，也是南宋最具代表性的画家之一。渔翁渔归图(中国画)黄慎(清)黄慎(1687—1768)，字恭寿，又字懋恭，号瘿瓢。福建宁化人，久寓扬州。年轻时随上官周学习工笔人物，有深厚的写实和线描的能力。他作画既注重形似，又狂逸不羁。书法学唐代怀素，写得一手精熟的草字。画人物常用倏忽往复、满纸飞动的狂草笔法，以表现疏狂豪放的情怀。常常借助酒力，“一瓯辄醉，醉则兴发，濡发舐纸，顷刻飒飒。”(《瘿瓢山人小传》)动人之迹，亦往往出于酒酣兴至之时、逡巡须臾之间。在“扬州画派”诸家中，黄慎的画路是最宽的，人物、山水、花鸟俱佳，尤其人物画笔墨效果热烈奔放、活泼多姿。《渔翁渔归图》画一渔翁身背鱼篓，手拈鱼钩，钩上挂一小鱼，笑容可掬，面向渔妇，似述家常；而渔妇则回首目对老翁，聆听其述。整幅作品形象生动，富于生活情趣。人物衣纹作铁线描，或连勾带染，挺劲放纵；以草书之笔入画，笔姿放纵，风格豪放又自创新意。张卿子像(中国画，局部)曾鲸(明)曾鲸(1568—1650)，字波臣，福建莆田人，长期侨居南京。曾鲸创墨骨画法，以淡墨勾定轮廓五官，施墨略染后，再赋色彩，“每图一像，烘染数十层，必匠心而后止”。在人物形象的刻画上，不光注重表现人物的外貌特征，而且深入揭示人物的精神气质。《张卿子像》画的是当时著名医学家兼诗人的张卿子肖像。人物面带微笑，手拈长髯，似迎面走来，神情端庄和善、温文尔雅，特别注重面部的细腻刻画，富有体积感；而衣纹用笔简洁，人物比例适度，体态自然。画面虽没有背景，却着重于人物的精神气质。深堂琴趣图(中国画)佚名(宋)宋代流行的小景山水在全景式雄伟山水画外又别开新境。它以引人入胜的幽情美趣、水边沙岸、柳溪野趣等富有诗意的小景见长。多为卷册小幅，清丽可喜，深得文人骚客欣赏。此幅《深堂琴趣图》虽不知何人所作，但从画面中可看出画风严谨不苟，水墨设色兼工，皆精而不冗，洗练而有情致。画幅虽小而神气迥出，表现悠远的空间及浓郁的诗意。溪山行旅图(中国画)范宽(五代)范宽，活动于北宋早期，为人处世宽厚疏放。他画山水初学荆浩及李成，已甚精妙，既而悟觉到“前人之法，未尝不近取诸物，吾与其师于人者，未若师诸物也。吾与其师于物者，未若师诸心”。于是深入自然山川，长期居留于太华、终南诸山中，观察体验云烟惨淡、风月阴霁等在不同自然气候下山水的形态变化，创造了与李成迥然不同的壮美景色，又擅画雪景。范宽的《溪山行旅图》以峻伟屹立的大山、一泻千尺的飞瀑、路边淙淙溪水及山路上的驴队行旅为对象，真实地画出北方山川的壮美，使人如身临其境。他所画的崇山峻岭，往往以顶天立地的章法突出雄伟壮观的气势，又用碎而坚实的笔墨皴出富有质感的山石，山麓画以丛生的密林，成功地刻画出北方关陕地区“山峦浑厚，势状雄强”的特色，被誉为“得山之骨”，“与山传神”。踏歌图轴(中国画)马远(宋)马远，字钦山，号遥父，山西永济人，光、宁二朝画院待诏。曾祖马贲、祖父马兴祖、兄马逵及儿子马麟都做过宫廷画家。马远山水、人物、花鸟兼长，山水继承李唐开创的画风又有新的创造，画面简略，全景不多，喜用焦墨作树石，笔势锋利严整、方硬有力。画山苍老洒脱，往往是危崖峭壁、瘦骨嶙峋；画树秀拔多姿，在枝梢处见精神，有“拖枝马远”之称。他的人物和花鸟有一个显著的特点，就是与山水紧密结合，把人物和花鸟经营在优美的山水环境中，加强了主题的生动性和诗的意境。《踏歌图轴》是一幅表现江南民情风俗的山水画。图中危峰屏立、竹树掩映，溪流回转的山根田垅之上，几个农民正在踏歌起舞，享受着丰收的欢乐。整个画面呈现出一个清旷秀劲的艺术风格，展现了一片平凡而清丽动人的景象，分外精彩动人。六君子图(中国画)倪瓒(元)倪瓒(1301—1374)，字元镇，号云林，江苏无锡人。其家为江南巨富，筑有园林轩阁，蓄藏古器物及书画名迹，交纳江南文人，读书作画，生活优越安适。元末农民起义爆发，他疏散家财遁入太湖，“扁舟箬笠，往来湖泖间”，过着飘泊流浪的生活，达二十余年。他是元代山水画最著名的代表人物之一，与黄公望、王蒙、吴镇合称“元四家”。所画山水主要表现太湖一带风光，近处坡树木，远山伏卧，中间大片汪洋湖水，看似简单而意境清幽深远、荒寒萧索。景中多不画人，带有孤独寂寞的感情色彩。他在画法上吸取荆、关、董、巨之长而加以融会，擅以干笔淡墨，画出明洁清幽的秋景，十分耐人玩味。

《六君子图》是倪瓒中年时的作品，作三段式平远构图：近景处坡陀上有六棵树，中隔大片湖水，画上端有一叠远山；以渴笔画山石树木，山石作折带，皴间用披麻皴，树木颇具姿态，景物不多而充满深秋时凄凉静寂气氛。画上有黄公望等人的题诗，其中黄公望有“居然相对六君子，正直特立无偏颇。”所谓六君子，也就是画中的六棵树。古人指出这六棵树为松、柏、樟、楠、槐、榆。画家为这些树木写照，另有寓意，黄公望的题诗已点明。倪瓒的作品笔墨松秀简淡，绝少有设色者，甚至连图章也不用，画中多长题，作楷书，力求朴素清雅，其画风在元明两代中也是别具特色的。淮扬洁秋图(中国画)石涛(清)石涛(1641—1707)，原名朱若极，法名原济，字石涛，号苦瓜和尚、大涤子等，广西全州人。明代宗室，入清之后为避祸，选择出家为僧。石涛早年云游四方，先后到过湖北、安徽等地，40岁后往来于南京、扬州，50岁前后居京津三载，晚年定居扬州。他是清初最富独创的画家，山水、花鸟、人物均有很高的成就。他的山水不宗一家，戛戛独造，景色郁勃新奇，构图新颖自然，笔墨纵肆潇洒，意境生气奕奕，充满了昂扬的激情和旺盛的活力，作品面貌千变万化。石涛的《苦瓜和尚画语录》，以“一画”的命题把山水画理论提高到哲理的高度，主张“借笔墨写天地万物而陶泳乎我”和“借古以开今”，影响尤为深远。石涛的艺术独出心裁，张扬个性，其灿烂自由的艺术精神不仅开启了“扬州八怪”的创新之风，而且对近现代画坛产生了深刻的影响。《淮扬洁秋图》画的是淮扬秋景，河曲弯弯，坡岸转折，芦荻丛生，城郭、屋宇、四野冈丘，组织成错落有致、层次分明的画面。作者以特有的“拖泥带水皴”，连皴带擦，干湿、浓淡，逆顺并用，描绘一幅清秋景致。河面水平如镜，一老翁泛舟其间，又增加了几分超然尘外之感。其笔墨雄健，淋漓酣畅，构图新奇，独具风貌。溪山无尽图卷(中国画，局部)龚贤(清)龚贤(1619—1689)，字半千，江苏昆山人，流寓南京。明亡之后，隐居不仕，以卖画课徒为生。诗法于董源、巨然，而主张“我师造物”。所画山水，布境奇而安，丘壑多实景，意境宁静深邃、生机勃发。这幅作品笔墨娴熟，皴染浑厚，细密工整，层次分明。构图、经营苦其匠心。峰回溪曲，既水远山长，又有高远、深远之境，使人有溪山无尽之感。宋代花鸟画家和作品 两宋是古代花鸟画空前发展并取得重大成就的时期，宫廷中装堂饰壁务求华美，使花鸟画在贵族美术中占有重要地位。社会上中上阶层的需求及工艺装饰，也促使了花鸟画的发展和活跃，涌现出大量技巧高超的名手，仅见于文献记载的就达一百余人。图中《榴枝黄鸟图》、《秋葵图》和《白头丛竹图》都是宋代富有浓郁诗意的工笔花鸟作品。宋代花鸟画家继五代之后，仍坚持身临自然、深入观察花鸟情态，作为创作构思的基础，技巧上有多方面的创造。宋人不仅花鸟形象达到精微传神，而且从中表现对生活的热情与理想，把自然属性与道德品格相联系，使精密不苟的工笔花鸟攀上新的高峰。芙蓉锦鸡图(中国画)赵佶(宋)北宋的建立结束了五代十国的纷争局面，有利于经济文化的发展。首都汴京(今开封)，画家云集、名家如林，是继唐代长安、洛阳之后的又一古代绘画中心。中原一带绘画成就突出，并与辽金地区形成艺术交流，但江南一些地方绘画也有一定实力。1127年宋室南迁，绘画的重心又转移到杭州。

宋代绘画与社会各阶层都保持着相当密切的联系。贵族、文人士大夫及商人、市民等对绘画多方面的需求，特别是世俗美术的发展和宫廷绘画的繁荣，使绘画题材更加广泛，风格多样。画家们注意观察生活形象及精微生动地塑造形象，画风严谨，精密不苟，技巧上有不少新创造。

宋徽宗赵佶(1082—1135)作为皇帝是昏庸无能的，听任佞臣无休止地建造豪华的宫室园圃，设花石纲，对内搜刮无度，对辽金侵扰屈辱求和，最后导致“靖康之变”。但他酷爱和重视绘画，大力扩充画院，兴办画学，搜罗、鉴定宫廷藏画，编《宣和画谱》。画院内一时人才济济，成为古代宫廷绘画最为兴盛的时期。

赵佶在诗词书画方面都有较好的修养。书法学薛稷，行笔坚挺劲美，称为“瘦金书”。他即位前为端王时，即与王诜来往，又与吴元瑜等研讨书画，尤擅花鸟。其花鸟画，重视写实，体物入微，精工逼真，主张构思要不落陈套。现今所见传为他的作品多数为细腻柔丽的典型宫廷花鸟画，如《杏花鹦鹉图》、《竹雀图》、《瑞鹤图》、《腊梅山禽图》、《芙蓉锦鸡图》等。

《芙蓉锦鸡图》描绘了锦鸡落在芙蓉枝头，压得花枝下垂摇摆，锦鸡扭头凝神注目飞蝶，神态逼真，栩栩如生。画面渲染精妙，色泽鲜艳。鸟、飞蝶、花枝安排疏密有致，锦鸡刻画精致入微，动态生动自然，再配上别具一格的“瘦金书”题字，十分和谐统一。作品寓意明确，体现了传统祝福的意思。画面展现了赵佶所倡导的观察物象要细致入微、写实表现要精准传神、画面构成要有诗的意蕴的美学思想。

榴枝黄鸟图(中国画)佚名(宋)《榴枝黄鸟图》所绘鸟的羽毛、喙、爪精细逼真，画面赋彩鲜润，造型准确，追求生趣。事幅作品描绘极其工整细丽，渲染精妙，体现出画家深入观察花鸟的情态达到精微传神的程度，融注了对自然界的独特审美情怀。墨葡萄图轴(中国画，北京故宫博物院藏)徐渭(明)徐渭(1521—1593)，字文长，号天池，晚号青藤，浙江山阴(今绍兴)人。他出身于低级官吏家庭，自幼聪颖，多才多艺，但屡遭不幸，一生坎坷：庶出、幼孤、入赘、八次科举落第、痛恨严嵩而被严嵩党羽所用、多年牢狱生涯、数番自杀未遂、晚景潦倒凄凉，可谓怀绝世之资而遭遇不偶，有济世才华而无以施展。因此他对社会的种种不平怀有切肤之痛，形成了狂傲不羁的个性。同时，他修养广博，诗文书画无所不能，尤擅狂草，精通民间戏曲，并深受以个性解放为实质的新思潮的影响，故在写意花鸟画创作中能够空诸依傍、别开户牖。他的花鸟画兼收吴门派与林良写意花鸟之长而不为所束，大胆变革，极具创造力。徐渭把中国写意花鸟画推向了能够强烈抒写内心情感的极高境界，把在生宣纸上充分发挥并随意控制笔墨的表现力提高到前所未有的水平，成为中国写意花鸟画发展中的里程碑。他的这幅《墨葡萄图轴》，描写了无人摘采的野葡萄隐现于如点点泪痕般的黑叶中，表达了题诗所言“笔底明珠无处卖，闲抛闲掷野藤中”的抑郁牢骚与愤懑不平的情感。所画葡萄及藤叶，纷披低垂，用笔恣纵，水墨淋漓，随意挥洒，不拘形似。徐渭以狂草般的笔法纵情挥酒，泼墨淋漓，在“似与不似之间”的花木形象中，着眼于生韵的体现，将普通的物象赋予强烈的主观情感，直抒愤世疾俗、激荡难平之情，给作品以震撼人心的艺术感染力，使其具有磅礴奇崛的气势和雄肆豪放的格调。荷石水禽图(中国画)朱耷(清)朱耷(1626—1705)，谱名朱统，号雪个、个山、人屋、八大山人等。江西南昌人。他为明代宗室，国破家亡后出家为僧。朱耷的艺术比常人带有更强烈的感情色彩和复杂的精神内涵，其内心深处的难言之痛与愤懑抑郁，均借助笔墨而抒发出来，以极具个性的奇简冷逸的风格，强烈地抒发了遗民之情。其作品中拟人化的鱼鸟、险怪空灵的构图、简约含蓄而充满孤独幽愤感情的笔墨，在内容与形式上已臻于高度统一。此画以墨笔画湖石临塘，疏荷斜挂，两只小鸭或昂首仰望，或缩颈独立，意境空灵，余味无穷。荷叶画法奔放自如，墨色浓淡相间，并富有层次感。他的画构图简约，水墨淋漓，运笔豪放中有温雅，不拘成法，自成一家，臻文人画最高典范，也因此对后世艺术家影响极大。锦石秋花图(中国画)恽寿平(清)恽寿平(1633—1690)，初名格，字寿平，后以字行，改字正叔，号南田，江苏常州人。他幼年随父兄抗清，失败后隐居卖画。他中年后专攻花卉，创为没骨画法，这种画法不采用墨笔勾勒轮廓然后敷色的传统画法，而是以色彩直接渲染，粉笔带脂，点染并用。恽寿平的画风清新雅丽、淡冶秀美，于绚烂中求平淡天真，表现了“清如水碧，洁如霜露”、“天仙化人”般理想化的美好境界。猛虎捕食图(黑山岩面)新石器时代 中国不但是世界上最早有文字记载岩画的国家，也是世界上岩画遗迹最丰富的国家之一。可能是由于中原地区岩画遗迹破坏较大，目前发现的岩画所在地点几乎都属于古代的边远地区，产生于华夏族以外的少数民族之手。岩画的内容涉及当时社会生活的各个方面，如狩猎、放牧、祭祀、神灵、动物、舞蹈、战争、房屋、车辆、生殖、手印、脚印、图案、符号，堪称原始社会的百科全书。北方草原地带的岩画以动物、狩猎、放牧内容为主，而西南地区岩画则以人物及人的活动内容为主，东部、东南、西南沿海地带的岩画则以祭祀巫术内容最为突出。这幅岩画则是甘肃黑山岩画，北方草原原始部族岩画的作者是巫师兼猎人，对动物有敏锐的观察力，风格比较写实，追求逼肖物象。画面上的动物多处于急剧的动态之中，奔跑跳跃，动作形态简约而生动。不论是写实风格还是抽象风格的岩画，画面形象都是经过高度提炼的、极其单纯的，也是平面性的。由于岩画画在巨大的崖面上，画面边界感几乎没有，作者安排形象有充分自由，因此画面的空间处理也显得随心所欲，基本是平面布置，并

无远近透视。彩陶缸绘鹳鱼(石斧纹)新石器时代

中国新石器时代的绘画艺术，主要体现在彩陶的装饰纹样上。以质朴明快、绚丽多彩为特色的仰韶文化与马家窑文化的彩陶图案，是我国先民为世界艺术宝库做出的卓越贡献。此外，大汶口文化、红山文化、昙石山文化及凤鼻头文化，也都有一定数量的彩陶。由于时间和地域的不同，仰韶文化的彩陶器形与纹饰，可区分为数种类型，其中以半坡类型和庙底沟类型的彩陶，艺术成就最为杰出。河南临汝阎村出土的《彩陶缸绘鹳鱼》属于庙底沟类型的彩陶。图像简洁醒目，画面右侧那柄装饰考究而带徽记的石斧，无疑是古代的权力棒。画面记录了鹳氏族兼并鱼氏族的重大历史事件。五百强盗成佛壁画 敦煌莫高窟285窟(西魏)敦煌莫高窟285窟《五百强盗成佛》壁画是罕见的题材，在横向的构图中画了五百强盗造反遭到官兵镇压，受到剜眼酷刑后被放逐山林，后受释迦拯救皈依佛教而双眼复明的故事。画中的人均是当时的装束，手执兵刃的起义者与骑马披甲的官兵作战，以及受刑后痛哭呼号之状颇为感人，不啻为现实社会苦难的真实写照。

北朝壁画常以红、白、蓝、绿等浓烈的原色为基调，给人以庄重深沉的感受。张议潮统军出行图 敦煌莫高窟156窟壁画(唐)莫高窟隋唐壁画与前代最明显的区别，是创造了具有鲜明时代特色的独特的经变画样式。这时出现的经变画种类繁多，场面宏大，色彩瑰丽典雅。无论是人物造型、绘制技巧、画面场景的营造都达到空前的水平。晚唐156窟《张议潮统军出行图》是一幅反映敦煌历史的画面。吐蕃曾长期占领敦煌，张议潮于848年收复沙州(即敦煌)，奉表归朝，其后被敕封为河西节度使。为此而开凿的156窟，特绘有长幅的张议潮及夫人宋氏出行图。画为横卷形式，前面鼓吹，再画武骑、文骑，并有乐舞，张议潮着红袍骑白马位于画面中部，其后是军队骑从等。这一宏大场面的结构组织、情节动作以及细腻的描绘都显露出高超的绘画能力。联系到邓县彩色画像砖墓的出行图、娄墓出行和归来图、初盛唐李贤墓出行图以及《虢国夫人游春图》等，便可以看出这类绘画发展的线索和不同的处理形式。这些作品用线准确流畅，着色浓丽，人物刻画传神，反映出唐代人物画的时代风格面貌。女史箴图(中国画，局部)顾恺之(东晋)顾恺之(约346—407)，字长康，小字虎头，生于晋陵无阳(今属江苏省)。出身于贵族，与上层社会名流桓温、桓玄等过以甚密，晚年曾仕散骑常侍。他是东晋最伟大的一位画家，也是早期的绘画理论家。

顾恺之的绘画注重表现人物精神面貌，尤其重视眼神的描绘。据记载，他作画数年不点眼睛，人问其原因，他回答：“四体妍本无关于妙处，传神写照，正在阿堵中。”认为绘画中人物形体的美丑对绘画的意义不是最紧要的，而传神写照的关键是描绘眼睛。同时他也擅于以绘画艺术的语言来着意刻画对象的心理特征与精神风貌。《女史箴图》是依西晋张华的文学作品《女史箴》而画，共九段，内容是讲解劝诫宫中妇女的一些封建道德规范。画家通过对当时宫中贵族妇女的生活描写，展露出她们的神采。图卷中的一系列动人的形象，注重用线来造型。线条以连绵不断、悠缓自然的形式体现出节奏感，线的力度略有控制，正如“春蚕吐丝”、“春云浮空、流水行地”一样。顾恺之已将自战国以来形成的“高古游丝描”发展到了完美 无缺的境地。西厢记插图(版画)陈洪绶(明)陈洪绶(1598—1652)，字章侯，号老莲，浙江诸暨人。他少负奇才，屡试不中，放意于书画，成为职业画家。一度入宫供奉，后厌于酬奉，慨然赋归，在从事卷轴画创作与版画创稿方面，驰骋奇才，卓有建树。入清以后，则心怀亡国之痛，改号悔迟，卖画为生。他的绘画，早年师法蓝瑛，取法李公麟，并上溯晋唐，融会贯通，形成了独特的风格。他的《发图轴》所画人物造型夸张传神，衣纹运笔清圆细劲、转折有度。人物形象，面容奇古，形体伟岸，衣纹排叠遒劲，出神入化，设色水石并用，以艳衬雅。尤擅“易圆以方，易整以散”的装饰手法，具有丰富的想像力和超乎时辈的装饰意匠。此图是《西厢记》中的一幅插图，描写了莺莺偷看情人来信的娇羞与专注，也表现了不愿惊动她的红娘的调皮与细心。两个人物栩栩如生，比例适度，体态自然。线条疏密得当，情景交融，深刻揭示了人物的内心世界。孟蜀宫妓图(中国画，局部)唐寅(明)唐寅(1470—1523)，字子畏，另字伯虎，晚号六如居士，江苏吴县(今苏州)人。年少便才华横溢，自称“江南第一风流才子”。29岁中“解元”，后因科案受累被黜，颓放潦倒，遂着意于诗文书画，在艺术上施展了自己的才能。他在绘画方面精于山水、人物、仕女，兼画花鸟、竹石，并能熟练地掌握多种方法，能收能放，工写俱佳，是一位全面多能的画家。这幅《孟蜀宫妓图》工整巧丽，动态生动自如，形象娴婉而秀美。唐寅的作品结合生活观察，能出新意而不落俗套。丁敬像(中国画，局部)罗聘(清)罗聘(1733—1799)，字夫，号两峰，又号花之寺僧，原籍安徽歙县人。金农的弟子。善画山水、人物、花卉、佛像。笔情古逸，无不臻妙，深得金农神味。为“扬川八怪”之一。此画丁敬倚仗坐石，头颈伸得特别长，造型夸张，“怪”中见美，拙中含趣。丁敬工诗书、精刻印，开创“浙派”篆刻艺术之先河。罗聘为其造像，造意新奇，构境别致，巧拙互用，耐人寻味。杂画册之一(中国画)高其佩(清)高其佩(1672—1734)，字韦之，号且圆，辽宁铁岭人。一生官运亨通，仕至刑部右侍郎。自幼习画，指画技法经高其佩的大胆实践，成为有独立审美价值的艺术形式。以指作画与用笔作画大相异趣，手指不像笔那样能贮墨，必须时蘸时画，故线条短促、时连时断，常出现一些特殊的意外效果。生、拙、涩、毛，浑朴率真，变化莫测。此画册共十幅，此为其之一幅，构图简略，指墨功夫深厚。人物造型夸张生动，意趣盎然。早春图(中国画)郭熙(宋)北宋前期山水画家极注意观察自然，师法造化，艺术上多遵循李成传统，经过一百余年的发展，在实践及理论上又有新的提高。郭熙突出代表了这一时期的成就。

郭熙，字淳夫，温县(今河南温县)人。好游历，画山水本无师承，后取法李成而技艺猛进。仁宗、英宗时已享盛名，神宗时他被召入宫廷，任画院艺学，后升翰林待诏直长，哲宗时仍在，享年八十余年。郭熙虽是李成画派，但能博采众长，对山川自然有着敏锐的感受，描绘出云烟出没、峰峦隐显之态。早年他的风格细致秀美，晚年落笔益壮，技巧熟练，构思敏捷，能于“高堂素壁，放手作长松巨木，回溪断崖，岩岫绝，峰峦秀起，云烟变灭霭之间，千变万状”。他重视意境，无论高山峻岭、长图大障，还是平远小景，取景布置都富有新意。其中《早春图》敏锐地画出冬去春来、大地复苏的细致变化，山间雾气浮动、阳光和煦，穿插以行旅待渡等活动，传达出欣欣向荣的感情。

郭熙的山水画主张，经其子郭思整理成《林泉高致》，全书共分山水训、画意、画诀、画题、画格拾遗、画记六篇。画论中还论及如何创造生动优美的意境，多方面谈到山水形象及章法结构、笔墨技巧，其中如“三远”、“春山淡冶而如笑，夏山苍翠而如滴，秋山明净而如妆，冬山惨淡而如睡”等，都是很精彩的论述。郭熙的《林泉高致》的出现标志着山水画理论已进入成熟阶段。潇湘奇观图(中国画，局部)米友仁(宋)北宋山水画在表现雄伟的全景式山水外，还出现了富有抒情诗意和文人情趣的小景山水。

米友仁(1086—1165)，字元晖，高宗时官至工部侍郎、敷文阁学士。其父米芾为宋代著名的书画大家，父子二人皆以书画著名，并精鉴赏。米芾诗文书画以不蹈前人为标榜，认为山水画“古今相师，少有出尘格”，他借鉴了董源的山水画法，又根据对江南山水的亲身感受，以水墨挥洒、点染表现烟雨，掩映树木，信笔作画而不求工细。米友仁画山水亦“点滴烟云，草草而成”，自题为“墨戏”。此幅《潇湘奇观图》墨气淋漓，以落茄(即墨点)表现江南烟雨景色的山水，不求修饰，崇尚天真，充分表现了文人士大夫的审美情趣，与北宋流行的李成、范宽画雄峻山川迥然不同，而别开生面。米氏以前，山水画皆崇尚传神地描绘自然山川景物，米氏父子则运用简笔淡墨，表现烟云溟的意趣。古人谓山水画“至两米而画法大变，盖意过于形”。这一新画风不仅在水墨山水技巧上有所贡献，也开创了文人画的新局面。米芾的山水画真迹已不存，米友仁有《潇湘奇观图》、《云山得意图》等传世。雪堂客话图(中国画)夏圭(宋)夏圭，字禹玉，钱塘(今浙江杭州)人，宁宗及理宗时为画院待诏。由于北宋时期上层贵族及社会上对山水画的爱好，后期的山水画已具有众多的风格和情趣，技巧的翻新、优美意境的追求，一个新的变化正在酝酿之中。至南宋时期进入一个新的天地，代表人物是南宋四

家——李唐、刘松年、马远、夏圭。

夏圭用笔苍老，水墨淋漓，点人物笔简神全，寥寥数笔而神态迥出。这幅《雪堂客话图》以简洁的画面表现了恬淡秀美的雪景，疏密开合，景物变化丰富而又简约，毫无繁冗之感，以精练的画面和巧妙的构图，描绘出诗一般的境界。马远、夏圭山水由于大胆剪裁，突破全景程式而画边角之景，因而被称为“马一角”、“夏半边”。马、夏的边角之景是艺术上的高度提炼，把富有感情色彩的景物加以突出，使画面情景交融，富有浓郁诗意，是对传统山水画的发展和丰富。富春山居图(中国画)黄公望(元)黄公望(1269—1354)，字子久，号大痴道人，江苏常熟人。黄公望聪颖好学，青年时即博通经史，但他生于宋元交替的混乱时期，后因牵累入狱，此挫折使他深感世事险恶，出狱后即加入全真教成为一名道士，自号大痴道人。先后在松江、苏州、杭州等地卖卜传道，晚年又移居浙江富春山中，并经常云游四方，参与诗文雅集，彼此以诗文书画相酬答。他精通词曲，性格豪放，传世的绘画诗文作品也大多创作于此一时期。

黄公望隐遁山林以书画为寄托，但却取得相当高的成就。他在元四家中年岁最长，曾受到赵孟的指授，艺术思想也得其影响。绘画上主要取法五代北宋荆浩、董源等人的山水画法，加以融化吸收。以水墨或浅绛色作画，淡墨干皴，苍润浑厚。《富春山居图》为横卷，长达两丈，以苍润精炼的笔墨和优美动人的意境描绘浙江富阳、桐庐一带的山容水貌，及富春江上的旖旎风光。此卷应友人郑无用之请而绘，每兴之所至用点染挥毫，前后断续酝酿数年始完成，没有过多地拘泥于物象表面的细微描画，而是着重把握住山水的整体风貌，以活脱潇洒的笔墨抒发作者的主观意趣。卷中江水平静，峰峦起伏，点缀丛林亭舍，疏密相间，吸收董、巨画法而更加简括，显示出较深的笔墨功力，为黄氏经意之作。雪村访友图(中国画)周臣(明)周臣，字子卿，号东村，江苏吴县人。山水人物追宋人，尤其得到李唐的山水画精髓，在艺术成就上造诣非常之高，唐寅和仇英都出自他的门下。他的作品擅用硬毫细笔，坚劲沉着，严谨中透露出灵秀之气，形成潇洒、清劲的格调。此幅作品笔墨爽劲峭利，风景，疏密浓淡，块面切割随手拈来，颇能随物象的向背虚实起巧妙的节奏变化，反映出士大夫寄情山水、志耽林泉的诗情雅趣。庐山高图(中国画)沈周(明)沈周(1427—1509)，字启南，号石田，江苏常州人。出身于世代文人之家，祖、父均善诗画。其艺术成就主要表现在水墨山水方面，技法出入于董、巨及元四家，也学马远、夏圭。题材多写江南山川和园林景物。《庐山高图》画面布局繁密谨严，用笔厚重凝练、古朴天真。此画清新雅致，颇具韵意，体现出画家的性情和修养。

松壑清泉图(中国画)弘仁(清)弘仁(1610—1663)，原名江韬，字六奇，明亡后出家为僧，法名弘仁，字无智，号渐江，安徽歙县人。他的作品大量地以黄山和齐云山为母题，将山水实境升华为超脱了现实世界的理想化的境象，给人一种远离现世的“山外山”之感，隐晦地传达出画家的遗民意识。所画山水笔墨简洁洗练，善用折带皴及干笔渴墨，意境静穆幽寂、空灵松秀，丘壑严整奇崛，林木富于真实感，格调空逸冷静。

松岩楼阁图 髡残(清)髡残(1612—1673)，俗姓刘，法名髡残，字介丘，号石等，湖南常德人。因喜研读佛经，终致放弃举业，落发为僧。出家后，云游江南异地，并长住南京寺院之中，是一位遗民意识十分强烈的画僧。髡残的作品洋溢着蓬勃的生机，展现了大自然与个人精神世界不受拘羁的旺盛活力。他的此幅作品笔墨苍率厚重，以浓点短线及致密而又松动的用笔，表现郁茂森秀、苍茫壮阔的气象。风格雄奇磊落、朴茂粗豪，随意挥洒，体现了髡残独具个性风格的审美意趣。

墨梅图(中国画)王冕(元)王冕(1287—1359)，字元章，号老村、石山农，浙江诸暨(今浙江绍兴)人。出身农家，勤学苦读。年轻时曾参加进士考试，不中，遂绝意仕途。画梅继承杨补之法，一般人画梅多强调枝干细瘦、花朵微疏，王冕则塑造繁花满枝的梅树形象。他善书法，能诗文，兼长治印，常在诗文中流露出对社会现实黑暗腐败的不满。元末时隐居于九里山以卖画为生。此画作倒挂梅，枝条茂密，前后错落。枝头缀满繁密的梅花，清气袭人，深得梅花清韵。干枝挺劲有力，梅花分布富有韵律感，劲健而充满生命力的枝条和水墨勾勒的繁花，极富生意，别开生面。

五牛图(中国画，局部)韩(唐)北京故宫博物院藏有韩《五牛图》一卷，是迄今所见最早的纸本画。用简练粗壮的笔调，勾勒出牛的不同形色体态。角度有正有侧，毛色斑纹各个不同，或直立，或前行，或舐腹，或鸣叫，或觅食，形象茁壮朴实、神气毕现，无不充满活力生机。全图墨彩结合，依据结构和毛色变化进行渲染，色调深稳谐和，造型准确，整幅作品无论质感和立体感都极强。韩擅于对关键部位进行精心的刻画，尤其是眼睛，可谓描模尽致精谨，将耕牛憨朴、温顺、耐劳的性格生动地表现了出来，此作品不愧被后人尊封为古代畜兽画中的上乘之作。

竹石图(中国画)李方膺(清)李方膺(1695—1755)字虬仲，号晴江、抑园等，江苏南通人。仕途坎坷，罢官后寄居南京项氏惜园，穷老无依，以卖画为生。李方膺善画松、竹、梅、兰及诸小品创作，他极力主张直接向生活学习，创造自己的风格。画中题诗常流露出孤傲牢骚情绪：“天生懒骨无如我，画到梅花便不同；最爱新枝长且直，不知屈曲向东风。”可以看出，他在艺术上的不肯随人俯仰和创立自己风格的追求。此幅《竹石图》以秃笔画竹叶，似在风雨中摇动，连石头都顺着风势倾斜，画中竹作狂风舞动之势，极具视觉冲击力。他曾自题诗云：“画史从来不画风，我于难处夺天工。请看尺幅潇潇竹，满耳丁冬万玉空。”用画表现风势，李方膺作了成功的尝试，不愧为“扬州八怪”的代表画家。

荆棘丛兰图(中国画)郑燮(清)郑燮(1693—1765)，字克柔，号板桥，江苏兴化人。他是“康熙秀才，雍正举人，乾隆进士”，50岁始出任山东范县令，后调雍县做县官。亲政爱民，得罪了上级，罢官后来扬州以卖画为生。他擅长三绝，尤长墨竹，多植于“纸窗、粉壁日光、月影中”，又经过了从“眼前之竹”到“胸中之竹”再到“手中之竹”的艺术化。这幅《荆棘丛兰图》意境隽永，笔墨朴秀，造意新奇，构境别致，耐人寻味。选择历代文人常用的“四君子”题材中的兰表达清风劲节的品格，寄托自己的志向。对于前人的学习，他主张“学一半，撇一半”，“自探灵苗”，不泥古人。郑燮因此在诗书画方面均自成一家，对近现代画坛产生了较大的影响。

芦雁图册之一(中国画)边寿民(清)边寿民(1684—1752)，原名维祺，字寿民，后以字行，更字颐公，号渐僧，江苏淮安人。他的作品笔意苍浑奇逸，形象生动，别有风致。画面两只芦雁嬉游，笔简意周，意境萧疏。芦雁形态生动自然，笔法苍润，墨中带赭，色调清雅，境界清寂。

花果册之二(中国画)金农(清)金农(1687—1764)，字寿门，号冬心，别名甚多，浙江仁和人。久居扬州，被举博学鸿词，考试落榜而返，在扬州鬻字卖画，兼售古董，为“扬州八怪”之一。他的作品造意新奇，构境别致，笔墨朴秀，巧拙互用，耐人寻味。此作品意境隽永，古朴稚拙，有生活情趣，在造型上有一种巧整的优美感。

第10课 人类生活的真实再现——外国古代绘画撷英

（一）教学目标通过本课的教学，使学生对外国古代绘画的主要类别、发展概况、突出成就，以及不同民族绘画的主要特点有基本的了解，并领会各民族绘画形式的差异及其与审美观念的联系；能够比较、分析外国古代绘画重要作品的风格、特点及时代特征，认识到外国古代绘画的丰富多彩是世界文化多样性的生动体现。最终达到使学生开阔艺术视野，增长见识，陶冶情操、提高艺术素养和审美感知能力的目标。

（二）内容结构本课由以下四节组成：

第一节，简要介绍了人类最早的绘画——欧洲旧石器时代晚期的洞窟壁画，图示西班牙阿尔塔米拉洞窟壁画《野牛》，使学生对人类早期绘画的基本面貌有所了解。

第二节，对古埃及壁画的基本特征、独特的人物造型样式作简要介绍，图示《三个乐女》及《宴乐图》，并指出古代两河、爱琴海等地区的绘画与古埃及壁画的联系。图示《朝贡者》一画，使学生对此有所认识。

第三节，在本课所占比重最大。重点介绍了以下三方面内容：1.意大利文艺复兴盛期绘画；2.17世纪荷兰绘画；3.17、18世纪西班牙绘画；4.19世纪法国绘画。

第一部分，首先概述了古希腊、古罗马、中世纪绘画的特征，以便通过比较加深对文艺复兴绘画的认识。意大利文艺复兴绘画列举了波提切利、达?芬奇、拉斐尔的作品，着重分析了《草地上的圣母》。

第二部分，突出荷兰画派在风俗画、风景、静物画方面的成就，列举了维米尔的《倒牛奶的女仆》，使学生领会荷兰风俗画与静物画的特点，并图示风景画《埃克河边的磨坊》及伦勃朗、鲁本斯、哈尔斯的肖像画，引起学生对这几位大师艺术的关注。

第三部分，重点论述了西班牙绘画大师委拉斯凯兹和哥雅的艺术，分析了《纺织女》、《1808年5月3日的枪杀》两幅画的艺术特色，并辅以委拉斯凯兹的《大宫女》和哥雅的《自画像》、《着衣的玛哈》，使学生能加深对两位画家绘画艺术的认识。第四部分，首先对19世纪法国绘画发展概况作了简要的介绍，使学生对其有宏观的把握；其次分析了德拉克洛瓦的《自由引导人民》和杜米埃的《三等车厢》，使学生通过比较，领会浪漫主义与现实主义绘画的差异，并图示达维特的《马拉之死》、安格尔的《泉》、莫奈的《印象?日出》、马奈的《草地上的午餐》等，以便学生领略19世纪法国绘画的不同风貌。

第四节，其他地区的绘画，介绍了印度佛教石窟壁画和日本浮世绘版画，图示并分析了印度的《持莲花菩萨》和日本的《三美人图》两幅作品，使学生了解东方绘画的基本面貌和不同的民族特色。

（三）教学的重点与难点本课教学的重点：通过对不同民族、不同时期、不同风格的绘画作品的分析、比较，使学生加深对外国古代绘画的了解，认识外国绘画的丰富性与多样性。

本课教学难点：领会古代不同民族绘画形式上的差异及其与现实生活、宗教、审美观念的联系。

二、教学内容资料

（一）作品分析

野牛(阿尔塔米拉洞窟壁画，旧石器时代晚期，西班牙)此画位于阿尔塔米拉洞窟的侧洞，即顶部绘有18头牛的“公牛大厅”。此画准确地表现了野牛的结构和动态，用线条描绘基本绘画轮廓，并加晕染，表明旧石器时代的欧洲先民已掌握了绘画的基本技法，能够表现具有写实风格的动物形象，体现了原始人独特的艺术表现力。画的线条是采用原始的毛笔勾勒的，色彩的表现是用平涂和喷绘（即口含颜料通过骨管吹到画面相应的部位，能产生浓淡变化，以表现出体积感）的方法。

三个乐女壁画，公元前1390年，绘于底比斯52号墓（阿蒙神祭司、王族纳克特墓中）古埃及

这是反映古埃及人现实生活的壁画《宴乐图》的局部，描绘的是三个乐女演奏乐器的情形。画面左侧的乐女在弹竖琴，中间的裸体乐女正拨动诗琴，右侧的乐女吹双笛。乐女们的造型虽然依照埃及艺术独特的正面律的样式表现，但是仍生动地描绘出乐女们不同的动态、神情，突出少女身材的修长、优雅，彼此呼应，耐人寻味。乐女的肤色为黄褐色，与白色的裙子、深蓝色的头发及各式饰物相配，既对比鲜明，又和谐统一。

正面律是古埃及浮雕和绘画保持了3000年不变的造型规范，即表现人物形象，头部为正侧面，而眼睛是正面的；肩部及上半身是正面的，下肢则是正侧面的。此画中的裸体乐女身休扭转，重心放在一只脚上，突破了画人物下肢必须用正侧面的传统手法，因而使乐女的体态显得更加轻盈活泼。

埃及绘画构图多采用水平线分割画面，画面布局较满，很少留有空白。《宴乐图》的构图即反映了埃及绘画构图及造型特点。

唱歌的天使与圣母子(油画，1477年，直径135厘米，德国柏林国立美术馆藏)波提切利(意大利)

圆形画面上六位天使手捧赞美诗，簇拥着圣母子，在歌唱。画面中心的圣母神情庄重、安详，圣婴天真、可爱，画面洋溢着温柔、祥和的气息。此画是波提切利创作的一系列圣母子作品之一，体现了意大利文艺复兴时期绘画在继承古希腊、古罗马写实主义传统的同时，弘扬人文主义精神，在表现基督教题材的作品中融入了现实生活中人的情感，通过圣母子一类的绘画，表达人间的亲情与爱，不同于中世纪圣像画突出的是神的至高无上、传达神秘的宗教气氛。

波提切利（1445—1510），是意大利文艺复兴早期佛罗伦萨画派的著名画家。他的作品既具有写实性，又富于装饰韵味，代表作是《春》和《维纳斯的诞生》。所绘女性形象，体态修长、优雅，表情透露出淡淡的忧郁与迷惘。此画中的圣母也不例外。圆形画是由波提切利的老师利皮（1406—1469年）首创的，波提切利充分运用这一新的画幅形式，创作了大量主要适于私人供奉的圣母像。

岩间圣母(油画，1483—1485年，长197.5厘米，宽123厘米，法国巴黎卢浮宫藏)达?芬奇(意大利)

这是意大利文艺复兴盛期绘画大师达?芬奇的代表作品。作者描绘的圣母子及小约翰母子身处于大自然的岩石洞穴间。人物形象真实感人，年轻母亲的温柔、秀美与儿童的纯真可爱，被表现得无懈可击；背景的描绘也十分真实、妥贴，对人物形象起到很好的烘托作用。作者探索性地运用明暗对比法，画面中的大部分物象处于暗部，光线照在人物的主要部位，女子的面部、手和儿童的裸体分外突出，体积感与空间感增强，明暗对比鲜明，使画面具有独特的艺术感染力，引人入胜。

达?芬奇曾画过两幅《岩间圣母》，此画在先，另一幅作于1495—1506年。两幅画面构图、背景、人物形态大致相同，细部处理有别，后绘的一幅画中圣母、圣婴及小约翰头上的光环消失了。它们是作者在绘画上不懈探索、苦心经营的艺术结晶。

草地上的圣母(油画，1504年，长113厘米，宽66厘米，奥地利维也纳艺术史博物馆藏)拉斐尔(意大利)

此画是拉斐尔最擅于描绘的圣母子题材的一系列作品之一，集中体现了作者绘画技艺的完美，也反映了文艺复兴盛期绘画大师的高超水平。作者对圣母、圣婴及小约翰的描绘不仅仅是对年轻女性和儿童形象的真实再现，而且寄予他本人及文艺复兴盛期意大利人的审美理想。作者笔下的圣母子既与中世纪圣像画的风格判然有别，也不同于早期文艺复兴画家的创作。他描绘的圣母不乏文艺复兴时代圣母像的美丽、庄重与尊贵，而又显得恬静、温和，更加亲切感人。拉斐尔是在借鉴达?芬奇及其他前辈画家的表现手法的基础上，创造性地描绘了面目一新、感人至深的圣母形象。这是画家努力探索的结果，也源自其天性的敏锐、温柔、平和。

埃克河边的磨坊(油画，1670年，长101厘米，宽82.9厘米，荷兰阿姆斯特丹克吉列斯博物馆)雷斯达尔(荷兰)

欧洲风景画在17世纪从人物画中独立出来，荷兰画家在这方面做出了显著的贡献。荷兰画派中有不少专门从事风景画创作的画家，雷斯达尔（1628—1682）便是其中的佼佼者。他擅长描绘荷兰的自然景色、田园风光等。他笔下的森林、溪流、风车、帆船等往往具有特殊的感染力。这幅风景画是雷斯达尔的代表作，也体现了荷兰风景画的风格。作者满腔热情而又细致入微地描绘荷兰特有的风车磨坊的迷人景色。大风车与远处的建筑、河面的帆船及前景的芦苇等构成了一幅和谐的画面，天空的阴云和不平静的水面预示着将要发生的变化，引人遐想，令人回味。画面中面积最大的部分是天空，空间辽阔而不单调，云层的形态、色彩被描绘得十分丰富，充分体现了画家对自然景色的悉心观察和非凡的表现力。

倒牛奶的女仆(油画，1658年，长45.4厘米,宽41厘米，荷兰阿姆斯特丹列吉克斯博物馆藏)维米尔(荷兰)

维米尔（1632—1675）是荷兰画派的风俗画大师。他将画笔伸向荷兰市民生活的多个方面，擅长描绘平凡、琐碎的生活细节，从而揭示生活中朴素、和谐、静谧的美。其画风细腻，多描绘室内景，对光与色彩的表现有独到之处。

此画是荷兰风俗画的优秀代表，作者选取的是普通民众生活中最寻常的倒牛奶的细节，并加以描绘，除了准确地表现女仆的形象外，还不厌其烦地刻画了桌上摆放的及墙上挂的各类物品，将不同物品的色彩、质感表现得无懈可击，恰到好处地描绘出窗外射进室内的光线的柔和、温暖。此画对细节的完美处理，可以与同时期荷兰静物画大师的作品相媲美，集中体现了荷兰风俗画与静物画两方面的成就。

这类风俗画主要是满足荷兰市民阶层的需求，画幅尺寸不大，内容贴近生活，适于普通居民室内陈设。

纺织女(油画，1657年，长289厘米，宽220厘米，西班牙马德里普拉多博物馆藏)委拉斯凯兹(西班牙)

《纺织女》，又名《帕拉斯与阿拉喀涅》，是画家晚年的力作。描绘的是皇家织造厂织女的劳动情景。画面前景光线昏暗，五位织女正在紧张地工作，左边的老年女工在纺纱，她身后的年轻女工正拢起厚重的帷幕，似乎与老妇人说话。画面正中逆光下的女工正收拾地上零乱的物品。画面右边的女工是画家着力表现的对象，一位正将装着线团的篮子放下，一位正从织机上解下线团，光线照在这位白衣绿裙的青年女工背部，健壮而匀称的身体得到完美的表现。五位女工有老有少，暗示着皇家纺织厂的女工们将青春与生命都消耗在这昏暗的纺织作坊中。

画面正中的背景是内室中三位贵妇在欣赏壁毯，壁毯图案表现的是罗马神话故事：帕拉斯（智慧女神雅典娜的别称）嫉妒擅长织绣的少女阿拉喀涅，与其比赛败北后，一怒之下，施法术将她变为蜘蛛，罚其终生织绣不息。将背景中壁毯的故事与前景中的织女联系在一起，更能体会到画家创作这幅作品的深意。委拉斯凯兹身为皇家织造厂的艺术总监，对织女们的生活相当了解，这也是他创作出如此感人的作品的原因。

画家在构图上的巧妙处理，对不同光线下人物及各种物品的悉心描绘，更为画面增色，耐人寻味。1808年5月3日的枪杀(油画，1814年，长345厘米，宽266厘米，西班牙普拉多博物馆藏)哥雅(西班牙)作者表现的是1808 年5月3日法国入侵者枪杀西班牙起义者的真实事件。画面中起义者处于强光之下，其视死如归的大无畏气概与逆光中的刽子手的残暴形成鲜明对照。画家不仅真实地记录了夜幕下的惨烈与罪恶，而且使之具有强烈的戏剧效果，产生撼人心魄的力量。这种非同以往的创作手法和表现形式，对此后的欧洲浪漫主义艺术产生了重要影响。

作者还创作了与此画内容紧密相联的《1808年5月2日的起义》。

马拉之死(油画，1793年，长162厘米，宽125厘米，比利时皇家美术博物馆藏)达维特(法国)

达维特（1748—1825）是18世纪后半叶至19世纪初期，法国新古典主义绘画的杰出代表，被誉为法兰西近代画派的复兴者。他的创作既体现了对古典主义艺术的追随，又紧扣时代脉膊，在多方面显示出非凡的艺术才能。

此画是作者在法国大革命期间创作的具有重要历史意义的肖像画。马拉是法国资产阶级革命的雅各宾党领导人之一，因身染湿疹，常在浴缸中水疗。女保皇党分子夏洛蒂以向马拉申请救济为名，潜入其浴室，用匕首将马拉刺死在浴缸中。作者在马拉濒死前到达事发处，目睹了这一惨景，后应公众请求，完成了这幅杰作。画面构图单纯、简洁。作者运用明暗对比手法，使形象具有纪念碑式的立体感，产生了悲剧的感染力。

自由引导人民(油画，1830年，长325厘米，宽260厘米，法国巴黎卢浮宫藏)德拉克洛瓦(法国)这是法国浪漫主义绘画大师德拉克洛瓦的代表作，取材于1930年的法国“七月革命”。当时法国波旁王朝倒行逆施，无视人民民主权利，激起法国人民的极大愤慨，在巴黎爆发了市民革命。德拉克洛瓦在这幅画中，描绘象征着正义与自由的“女神”一手执大革命时代的三色旗，一手执枪立于最高处，引导人民奋勇向前。整幅作品充满热情、动感，令人激昂、振奋，充分显示了浪漫主义绘画的特点。它将以写实手法表现的起义者与以浪漫手法表现的自由女神相结合，具有开拓的意义。

此画能够具有很强的艺术感染力，还在于作者在作品表现形式上的匠心独运：一是成为整个金字塔形构图顶端的三色旗，其上半部分冲出画面，这就加强了整个画面人群前进的动势；二是前景中的横尸与前进的起义者也形成强烈对比；三是画面色彩鲜明，主色调是由红、白、蓝三种颜色决定的，这也正是法国国旗的颜色。德拉克洛瓦非常巧妙地使用了这些色彩，将它们几乎融合在空气之中，使画面充满了耀眼的光辉。

三等车厢(油画，1864年，宽65厘米，长90厘米，美国纽约大都会博物馆藏)杜米埃(法国)19世纪法国现实主义绘画大师杜米埃（1808—1879），如同擅于描绘农村生活的画家米勒（1814—1875）一样，把画笔伸向生活在社会中下层的普通民众。米勒热情讴歌了农民生活，深刻揭示农民的内心世界；而杜米埃则生动地反映了城市生活，入木三分地刻画出各阶层市民的精神面貌。他的笔锋犀利，大胆取舍，形象概括，个性鲜明。《三等车厢》就是画家反映现实生活的众多力作中的一幅。作者仅勾勒出人物的基本轮廓，暗部略施薄色，就把当时法国社会生活的一幕准确地表现出来，不仅使人了解到下层民众的真实生活状态，而且令人感受到他们的内心活动。

杜米埃还创作过一幅名为《高级车厢》的作品，画中绅士、贵妇的面貌也表现得十分传神，与此画相对照，可以更进一步地感受到画家慧眼独具、出手不凡。

印象?日出(油画，1872年，长65厘米，宽50厘米，法国巴黎马尔莫丹美术馆藏)莫奈(法国)

莫奈（1840—1926），是法国印象主义画派的领袖人物。印象主义一词即因此画而得名。画家在这里描绘的是勒阿佛尔港口一个多雾的早晨风景。海水在晨曦笼罩下显得极为丰富多彩，雾气中的小船显得模糊不清。整个画面给人以梦幻般的视觉印象，仿佛是光线与色彩的交响。

持莲花菩萨(壁画，阿旃陀石窟第1窟，约580年)印度

印度佛教艺术宝库阿旃陀石窟，有“印度的敦煌”之称，约半数石窟绘有壁画，描绘佛教故事、人物等，反映了印度社会风情和审美观念，享誉世界。其壁画分为两期，前期约作于公元前2世纪—公元2世纪；后期约作于公元450至650年间。第1窟壁画是阿旃陀后期壁画中保存最好的壁画之一，《持莲花菩萨》是其中最精彩的部分，位于此窟内部后壁佛龛的前室左壁。

菩萨体态丰满、身体扭转，曲线结构明显，具有女性化的特征。这是印度艺术中人物造型常见的形式，较为肉感，体现的是世俗的审美趣味；而菩萨的表情却是超凡脱俗的，悲天悯人，与佛教精神相吻合。画家巧妙地将二者融为一体。作者还运用对比的手法突出主题，菩萨的肤色浅淡，身边是肤色黝黑的公主，周围持拂坐者、爱侣、孔雀、棕榈、山石等，色彩斑斓，构成纷乱扰攘、繁密幽深的背景，很好地烘托出菩萨的处乱不惊、静思冥想的出尘之姿。

三美人图(浮世绘版画)喜多川哥磨(日本)

喜多川哥磨（1753—1806）是日本浮世绘的杰出代表，擅长美人画。多采用特写式的布局，即头部占据画面的大部分空间，着重描绘美人的面部特征，这种形式的美人画被称作“大首绘”。《三美人图》是喜多川哥磨“大首绘”式的美人画代表作，突出体现了其绘画作风细致、华丽，具有浓厚装饰意味。画中的三美人均纤眉、细眼、小口，是当时日本美人画中典型的美人形象，反映了日本市民阶层的审美趣味。

日本浮世绘版画受中国明清时期民间版画的影响，二者技艺上有相通之处，均以线勾勒形象，平涂设色，体现了东方绘画的特点。

朝贡者(壁画，公元前18世纪)古巴比伦

两河流域先民早在公元前4000年就已在造型艺术方面有所建树。其在漫长的历史进程中，浮雕与绘画中人物形象的处理有着与埃及人相近的特点，即采用正面律，人物的比例大小也与身份地位相关，只是在一些细部表现上有所不同。此画中的朝贡者头部即为正侧面，而眼睛却是正面形态，但其发型和胡须的样式区别于埃及人。这有力地说明古代两河流域与尼罗河流域的不同民族在艺术上曾有过交流。

三名参加泛雅典运动会的赛跑者(陶瓶装饰画，公元前6世纪)希腊

时至今日，希腊绘画踪迹难觅，其曾经有过的辉煌只能从陶器装饰上窥知一二。这幅装饰画采用高度简洁、概括的手法表现了运动员奔跑的姿态，从一个侧面反映了希腊早期绘画的面貌。

宝座上的圣母子(圣像画，约1280年作)意大利

圣像画是欧洲中世纪盛行的基督教绘画，主要表现耶酥基督、圣母玛利亚等基督教圣像，陈设在教堂、修道院及家庭内供基督教信徒礼拜。其表现形式较为刻板，不重在描绘人的自然形态，而着力突出神的庄重、威严。这幅圣像画即体现了中世纪圣像画的特征，小耶酥的头部还加上光环，以表明其不同凡俗的宗教身份。

达?芬奇自画像(素描，作于1512—1515年)达?芬奇(意大利)

这是画家晚年所绘的素描自画像，简洁、流畅的线条与局部体现明暗关系的块面结合得恰到好处，显示了这位伟大艺术家的高贵气质与内在的精神力量。他智慧的目光仿佛要洞悉世间的一切奥秘。这幅自画像是达?芬奇的传神写照，也是人类肖像中不可多得的杰作。

戴金盔的男子(油画，1650—1655年，长67.5厘米，宽51.5厘米，德国柏林名画馆藏)伦勃朗(荷兰)伦勃朗（1606—1669）是17世纪荷兰画派最伟大的画家，他对欧洲油画的发展做出了巨大贡献。他的创作题材十分广泛，在肖像画上的表现最为突出。他善于在肖像画中揭示人物的内心世界，多运用强烈的明暗对比法绘画，画风严谨、细腻。此画鲜明地体现了伦勃朗的肖像画风格，准确刻画了中年男子沉稳、刚毅的面貌，头盔上的光亮与处于暗部的面庞形成对比，金属的光泽与质感被描绘得淋漓尽致，显示出画家出色的绘画功力。

苏珊娜?芙尔曼像(油画，1631—1632年，长79厘米，宽54厘米，英国伦敦国立画廊藏)鲁本斯(佛兰德斯)

鲁本斯（1577—1640）是17世纪佛兰德斯（今比利时及其周边地区）画派的杰出代表，也是欧洲17世纪画坛上最伟大的天才画家。他往往以对比鲜明、饱满热情的色彩描绘人体、肖像、风景等，画面动感强烈，气势宏大，极具艺术感染力。代表作有《劫夺柳西波斯的女儿》、《玛丽?美第奇的生平》等。

此画是鲁本斯肖像画的代表作，描绘的是他第二个妻子海伦?芙尔曼的姐姐。作者充满热情而又细致入微地刻画了这位年轻女子的美丽容貌和生动的表情，肌肤的细腻与服饰的华丽均得到完美的表现，令人赏心悦目。

吉普赛女郎(油画，1625年，长58.1厘米,宽52厘米,法国巴黎卢浮宫藏)哈尔斯(荷兰)

哈尔斯（约1581—1666）是17世纪荷兰画派最出色的肖像画家。他在肖像画中描绘了荷兰社会各阶层的人物，对下层社会的普通市民的表现最为传神，善于捕捉人物的瞬间表情，传达人物的内心活动，色调鲜明，笔触轻快。这幅肖像画生动地体现了哈尔斯肖像画作风，是欧洲肖像画史上不可多得的作品。

大宫女(油画，1656年，长323.1厘米，宽280.4厘米，西班牙马德里普拉多博物馆藏)委拉斯凯兹(西班牙)

委拉斯凯兹（1600—1660）是17世纪西班牙最著名的绘画大师。他的绘画具有强烈的现实主义作风，擅于描绘西班牙社会不同阶层的人，上至国王、下至侏儒都被他表现得恰如其分、个性鲜明。

《大宫女》又名《宫娥》，是委拉斯凯兹在担任宫廷画师期间创作的，是一幅生动的宫廷风俗画。表现小公主玛格丽特在宫女们的簇拥下来到王宫内，画家正在为国王、王后画像。画中美丽的小公主好像正向父母展示她的新衣裙。她右边的宫女正跪着给她献茶点，左边的宫女在向国王和王后行礼。画面人物众多、各具特色。画家通过描绘这一宫廷生活细节，既表现了皇家气派，又传达出浓厚的生活情趣，在构图和光的表现方面也有独到之处，因而使作品具有感人的艺术魅力。自画像(油画，1815年，长46厘米，宽35厘米，西班牙普拉多博物馆藏)哥雅(西班牙)

哥雅（1746—1828）是西班牙继委拉斯凯兹之后最著名的绘画大师，是欧洲浪漫主义艺术的先驱。他的创作题材广泛，形式多样，不拘一格，均根植于西班牙艺术沃土，具有鲜明的个性。

这幅自画像真实地描绘了画家的神情状貌，也揭示出他的个性和内心世界。

着衣的玛哈(油画，1797年，长190厘米，宽95厘米，西班牙马德里普拉多博物馆藏)哥雅(西班牙)

玛哈是西班牙普通市民或手工业者的称呼。画中的年轻女子白衣贴体，披黑色外套，束玫瑰色宽腰带，画面色调明快和谐，女性的身体特征得到充分显示。此前作者曾画过一幅《裸体的玛哈》，意在挑战西班牙宗教裁判所严禁表现裸体的禁令。两幅画构图、造型完全相同，区别仅在于是否着衣。

泉(油画，1856年，长164厘米，宽82厘米，法国巴黎卢浮宫藏)安格尔(法国)

这幅作品是法国新古典主义画家安格尔的代表作，集中体现了新古典主义绘画的特点，即继承古希腊、古罗马及文艺复兴以来的古典主义艺术传统，造型严谨，作风细腻，表现现实与理想相结合的单纯、高贵、优雅的美。画中少女的人体具有古希腊美神雕像的特征，丰满匀称，身体微微呈S形扭曲，前屈一膝，扭腰站立，重心放在一只脚上，形态稳定而不僵硬，静中有动；神情庄重、安详，具有较强的艺术感染力。

草地上的午餐(油画，1863年，长270厘米，宽211厘米，法国巴黎印象派美术馆藏)马奈(法国)

马奈（1832—1883），是法国印象主义画派的重要代表，在印象主义这个名词尚未出现的1863年之前，作者就创作了这幅具有印象主义绘画风格的作品。画面描绘的是草地上着衣绅士及裸体女子野餐的情景。画家重在表现外光下色彩的丰富变化，同时也带有向世俗礼教挑战的意味。

凯风快晴(浮世绘版画，1830年)葛饰北斋(日本)

葛饰北斋（1760—1849）是日本浮世绘后期最著名的画家，他的创作题材广泛，技艺全面，在风景画方面有出色表现。此画是他晚年创作的组画《富士三十六景之一》。作者运用装饰性的手法表现晴日富士山的美丽景象，色彩明快，格调清新，别开生面。

第11课 感受中国古代恢宏的雕塑群——中国古代陵墓雕塑和宗教雕塑

(一)教学目标通过本课的教学，使学生了解中国古代雕塑群的杰出代表及其艺术特征，从而掌握分析和鉴赏中国古代陵墓雕塑和宗教雕塑作品的艺术风貌，并能运用其中的艺术手法做一些小型雕塑创作。

(二)内容结构本课的教学内容通过对中国古代有代表性的雕塑组群作品进行具体详尽的介绍，分析它们的艺术特点，使学生掌握鉴赏中国古代雕塑作品的基本方法。全课文分为以下五个部分：

第一部分是概述。总结中国古代雕塑中的陵墓雕塑和宗教雕塑两大类的定义、成因及其艺术风貌。

第二部分的标题是“世界上最大型的雕塑群”。介绍史无前例的秦始皇陵兵马俑雕塑群，特别对其“致广大，尽精微”的写实艺术手法加以鉴赏。

第三部分的标题是“汉代最杰出的石雕群”。其中具体分析西汉霍去病墓石雕群中的《伏虎》和《立马》石雕作品，特别强调霍墓石雕群整体写意的艺术风格。

第四部分的标题是“我国最著名的石窟寺雕塑群”。这部分内容又分为四个小部分：第1部分是介绍敦煌石窟，举例说明敦煌石窟雕塑的世俗化审美倾向；第2部分是介绍云冈石窟，特别对其第20石窟佛进行分析和鉴赏；第3部分是介绍龙门石窟，将其造像的艺术风格与云冈进行比较，着重以龙门奉先寺卢舍那佛龛雕塑为例，说明龙门石窟雕塑艺术进一步民族化的特征；第4部分是介绍麦积山石窟，举例说明石窟造像中的泥彩塑像的特点。

第五部分的标题是“伫立千年的一群美丽少女”。这部分是介绍宋代山西太原晋祠圣母殿中的彩塑侍女群，举例说明其富于现实主义精神的艺术感染力。

(三)教学的重点与难点本课的教学重点是让学生了解中国古代两大类雕塑(陵墓雕塑和宗教雕塑)及其艺术特征，特别是对其中的优秀代表作品能加以分析和鉴赏。

本课的难点是第四部分的四大著名的石窟寺雕塑群，其内容涉及较广，艺术风格的比较也较为微妙，其中还有一些专业名词。

二、教学内容资料(一)作品分析

跃马(霍去病墓石雕，汉)《跃马》石雕体积与真马相似，马高145厘米，长240厘米。从石雕的形貌可以想象，汉代雕刻家为了克服雕刻工具上的局限，特意从深山岩石中挑选到与自己想表现的跃马题材相近的天然石块，作象形雕刻处理。从对马的习性观察和体会中把握马的神态，利用原石块的相似状态，以简要概括的手法，雕刻出一匹矫健壮实的马腾起的瞬间形象。其稍侧的头部、倔强的眼神以及口鼻的处理自然到位，表现出马在跃起时的雄强博大的生命力。马的四肢部分用浮雕形式处理以及保留在前腿间与脖颈相连接的自然石材都大大加强了跃马整体的力度。作者灵活运用了圆雕、浮雕和线刻相结合的手法，使作品中的线与面、粗与细、繁与简的对比关系配合得恰到好处，表现出霍去病墓石雕雄厚浑朴的气魄，显示了汉代雕刻家在构思和创作中的才智。

野猪(霍去病墓石雕，汉)《野猪》也是霍去病墓石雕群中艺术性较强的作品。雕刻者首先对野猪进行了反复的观察，在熟悉了野猪的习性和形象的基础上，特意选取了一块棱角较多，并且和一般野猪形体相近的岩石块来着手雕刻。除了对主要的头部略加刻画，身躯和四肢仅仅雕出了大致的轮廓。正是这样的处理，突出了头部，一只习惯伏卧在隐蔽处的野猪的神态就已出现在我们面前，尤其是那两只小而锐利的眼睛，给人以深刻的印象。汉代雕刻家化顽石为活的生命的卓越才能让人叹服不已。

马踏飞燕(汉)1969年在甘肃武威出土的一座东汉墓中，发现了青铜雕铸的俑马群。其中轰动世界的一件奔马雕塑，高34.5厘米，长45厘米，头部微侧，三足腾空，尾巴扬起，呈驰骋飞奔状，我们仿佛能听到马的嘶鸣。为了衬托出奔马的飞速，雕塑者巧妙地运用了象征性的手法，把奔马踏地的一足踩在一只飞燕的身上，真是令人叫绝!这件雕塑反映了创作者超凡的艺术想像力和高超精湛的制作技巧，是东汉雕塑艺术中的瑰宝。

龙门石窟奉先寺卢舍那佛龛(唐)卢舍那佛龛佛身通光座高17.14米，加上背光火焰纹顶端高度差不多有20米。佛龛东西进深约38.7米，南北宽约33.5米。佛龛的整体设计独具匠心，坐落在龙门西山南部的半山腰，使得雕像群居高临下，人们需爬上一段山路之后才能见到佛像，从环境上就能增加人们的崇敬感，环境起到了渲染气氛的作用。

卢舍那佛龛雕像群共有主像卢舍那佛、菩萨、弟子、天王、力士九尊雕像。佛龛雕像群在布局组合上是突出中央主尊卢舍那佛。卢舍那佛是释迦牟尼的报身佛，卢舍那意为智慧广大、光明普照。主尊通高17.14米，头高达4米，耳长1.9米，头上有波状发髻。头部微向前倾，两目俯视，形成居高临下的势态，加强了礼拜者的崇敬感。整体姿态安详庄重，面部丰满圆润；双眉修长，弯如新月；目广长，目光慈祥，鼻直宽厚；口唇纤美，嘴角微露笑意，表达出一种宁静的心境，给人亲切、崇高、庄严、睿智的感觉，体现了神性与人性在艺术上的完美结合。

卢舍那佛龛正壁与两侧壁既有主从的对比，也有动静的对照。菩萨文静矜持，阿难虔诚质朴，天王沉着威武，金刚力士刚毅雄强。主尊坐像形体最高最大，其他都是立势，矮于主尊。整体构图呈半圆形，主尊位于半圆直径的中心，形成众星拱月的艺术效果。主尊左边迦叶已残破，右边阿难除双手损坏，头身足都保存完好，通高10米，外貌英俊而温顺，恭身侍立于八角束腰仰复莲座上，五官清秀、匀称，显得文静、聪敏并且朴实笃厚。其衣纹流畅，体态自然。二胁侍菩萨身光座通高13米，比本尊矮但比二弟子高，形成构图上的起伏变化。左边菩萨立于八角形后座上，面部圆润丰颐，双目略为俯视，重颐，颈部有三环纹，头戴华丽的宝冠，腰部饰有精美的缨络。体态婀娜，端庄秀丽。右边的菩萨服饰基本相同，立于仰复束腰莲座上。脸形略显长方，肩宽颈短，神情动作稍带男性刚劲之美。二天王、二力士通高10米左右，矮于主尊和菩萨，但与二弟子一样高，在整体半圆布局上又形成起伏变化。天王的表情显得威严，力士则露出暴烈之色。

在雕刻处理上，主尊规整圆浑；二弟子线条简练流畅；二菩萨衣饰华丽，线条繁复，层次丰富；天王力士甲胄整肃，体形块面分明，肌肉暴突，功势较强。

晋祠圣母殿彩塑侍女(宋)在圣母殿中塑有圣母及42个侍从像，除主像及少数的女官和侍童外，其余都是些执司不同，年龄、体态各异的中青年侍女彩塑，共33尊。她们手持日常用品，各守其职。体态优美，从细微的表情顾盼中透出侍女们不同的气质风范，虽然是等距离站立但丝毫不显呆板。宋代雕塑者把这些出身社会底层的人物活生生地塑造出来，这样高超的艺术表现手法，只有通过对生活的深刻观察和体会才能获得。

这组侍女彩塑不仅注意避免人物形态和服饰的雷同，并且在执司、动作和年龄等方面，都是参差配合、相互谐调，显出丰富多彩的艺术效果，非常有感染力。侍女们有的捧着奁盒，有的拈着供花，有的在俯首浅笑中玩弄着手帕„„她们含情欲语的神态和秀外慧中的气质表现得淋漓尽致，在服饰装扮上也各具特色，富有浓厚的生活气息。这些侍女彩塑是我国现存的宋代雕塑中的珍贵遗产，同时反映出宋代造型艺术倾向于世俗化和现实化的发展。第12课 现实与理想的凝结——外国雕塑撷英

（一）教学目标通过本课的教学，使学生对外国雕塑的主要类别、发展概况、突出成就以及不同民族雕塑的主要特点有所了解；领会不同地域雕塑在表现形式及审美观念上的差异；能够比较、分析，进而识别外国重要雕塑作品的风格、特点及时代特征，认识到不同地域的雕塑形态各异、自成一体，与其特定的地理环境、宗教，社会生活等密切相关，它是人类精神生活的具体反映；最终达到使学生开阔艺术视野，增长见识，陶冶情操，提高艺术素养和审美感知能力的目标。

（二）内容结构本课由以下五节组成：

第一节，简要介绍了古埃及雕塑的重要特征，指出它与宗教的密切联系，具体分析了《拉霍特普王子及王妃像》的艺术特色。第二节，概述了古代两河流域、古印度雕塑的主要成就及特点。以浮雕《受伤的狮子》为例说明亚述王朝在动物雕刻方面的出色表现。古代印度雕刻列举了佛教造像的成功范例犍陀罗佛像，具体分析了《哈达佛陀头像》和《王子菩萨像》的艺术特色。

第三节，以古希腊雕刻名作《萨莫色雷斯的胜利女神》和《拉奥孔》为例，阐明古希腊雕塑的审美特征。选入的其他作品目的在于体现古希腊雕塑形式的多样与内涵的丰富。

第四节，围绕意大利文艺复兴盛期雕刻大师米开朗基罗的作品《摩西》、《哀悼基督》，论述文艺复兴雕刻的时代特征，使学生领会米开朗基罗艺术的巨大魅力。

第五节，首先概述了文艺复兴之后西方雕塑的发展状况，然后具体分析了意大利雕刻家贝尼尼的名作《阿波罗与达芙妮》，指出雕塑内容与形式的完美结合，使学生通过比较，领会贝尼尼与米开朗基罗雕塑艺术的不同风格、特点。

（三）教学的重点与难点本课教学的重点：使学生对外国雕塑的重要作品及其特点有基本的了解，能够识别不同地域、不同风格的重要雕塑作品，加深对世界艺术多样性的理解。

本课教学的难点：使学生领会不同民族雕塑与特定的宗教、审美观念、生活习俗的联系。

二、教学内容资料

（一）作品分析

萨夫拉狮身人面像(石灰石，公元前2860—前2565)埃及

在埃及古王国第四王朝，金字塔建筑艺术达到了顶峰，不仅建筑规模雄伟，而且在金字塔周围出现了以整块巨石雕成的狮身人面像。守护在胡夫之子萨夫拉金字塔旁的狮身人面像，高达20米，长57米，仅头部就有6米高。这尊狮身人面像是埃及现存最大、最著名的狮身人面像，已成为埃及古老文明的象征。

埃及狮身人面像的面部，是按照法老的真实形象雕刻的，而它的身体则被塑造成一只伏地而卧的狮子。古埃及人将狮子作为神祗供奉，它与法老形象结合而形成的狮身人面像，是古埃及法老在人世间拥有至高无上权力的象征。在造型上，它一方面表现出人面部形象的真实，另一方面又突出其崇高与威严。这尊狮身人面像庞大的形体，更增强了雕像的视觉冲击力。它原本有作为法老身份、地位标志的巨大的胡须，却被入侵埃及的法国拿破仑军队用炮轰下后掠走，现藏于大英博物馆。

拉霍特普王子及王妃像(石灰岩，高122厘米，公元前2650年，埃及博物馆藏)埃及

这是古埃及王国第四王朝拉霍特普王子及其妻诺夫勒特的雕像。其为石灰岩质，外表涂色，王子着红棕色，王妃着淡黄色。两者皆正面端坐，王子上身赤裸，十分健壮，右手握拳置于胸前，左手握拳放于左膝上外侧，两腿并拢自然垂下，结实的脸庞上两只眼睛炯炯有神。王妃右手自然置于前胸，薄薄的衣裙显露出丰满的体态，两腿并拢自然垂下，紧身的裙摆也随之自然下垂。古埃及雕塑家对人物面部刻画十分细致生动，王妃端庄、安详，王子刚毅、智慧，反映了二者不同的性格和心理特征。

古埃及圆雕在表现法老、王子一类上层人物形象时往往采用这种刻板的端坐或直立姿态，重在表现正面，尤其是脸部的特征，而对身体其他部分的塑造则相对简略。它不是重在表现视觉中的人的真实面貌，而是表达埃及人观念中的形象，雕像的姿态、表情、头饰、胡须等，均与人的身份、地位高低直接相关。男人的肤色深，女人的肤色浅，也是古埃及雕塑一成不变的显著特征。

受伤的狮子(公元前669—前626年间，英国不列颠博物馆藏)亚述

在古代两河地区，亚述王朝雕刻艺术成就最为突出，建筑装饰雕刻十分发达，建筑墙面上饰以表现战争、狩猎题材的系列浮雕，其中对动物形象的塑造最为精彩。亚述雕刻家不仅准确地刻画动物的自然形态，而且生动地表现出其强悍的生命张力，具有感人的精神力量，反映出勇猛、善战的亚述人的精神气质。这件浮雕对受伤的狮子形象的艺术处理，有力地说明了这一点。它已成为人类雕刻艺术史上表现动物形象最杰出的范例。

哈达佛陀头像(砂岩，4—5世纪，1920年阿富汗哈达佛寺遗址出土，阿富汗喀布尔博物馆藏)印度

哈达位于今阿富汗贾拉拉巴德东南，是犍陀罗艺术的两大中心之一。这尊出土于哈达的佛陀头像，不仅明显带有希腊、罗马神像的面貌特征，而且富于希腊古典主义艺术的高贵、单纯、静穆的气质，鲜明地体现了犍陀罗佛像与希腊、罗马艺术的密切联系，因此有“东方阿波罗”的美称。然而它并非希腊神像的翻版，其眼帘低垂、沉思冥想的表情，以及顶髻的波浪式卷发、眉间表示白毫相的圆点，均打上了佛教的印记，显示出东方艺术的韵味。王子菩萨像(砂岩，2世纪中叶，法国巴黎吉美博物馆藏)印度

这尊菩萨像表现的是释迦牟尼出家前身为太子时的形象。菩萨面部带有印度与欧洲混血儿的特征，容貌俊秀，英姿勃发，与希腊阿波罗神像有几分相像，表明其与希腊雕刻艺术的密切联系；其服饰华贵，尤其是头部和胸前的饰物十分奢华，雕刻细致，显示其特殊的身份地位，增强了雕像的装饰效果，体现了古印度本土艺术特征。这尊雕像可以看作是印度贵霜王朝风度翩翩的王子形象的真实写照，只不过为他加上了头光，表示出他非同凡俗的佛教身份。它也是犍陀罗雕刻家将希腊与印度艺术相融合结出的硕果。克尼多斯的阿芙洛蒂特(大理石，公元前350年，高214厘米，意大利罗马梵蒂冈博物馆藏)普拉克西特列斯(希腊)普拉克西特列斯是古希腊最早塑造女性人体雕像的艺术家。他曾同时创作了两尊爱神阿芙洛蒂特的雕像，一着衣，一裸体。克尼多斯岛得到的是裸体爱神像，当时即引起了很大的反响。原作未能传世，目前所见的这尊雕像是罗马时代的仿制品。

普拉克西特列斯塑造的爱神阿芙洛蒂特正准备下海沐浴，体态丰满，姿容秀丽，一手拎衣，一足稍抬起，身体的重心落在一只脚上，全身呈S形起伏变化。作者对女性人体优美的曲线和肌肤细腻的质感的表现，令人叹服。他塑造的完美的爱神形象对后世的女性人体艺术产生了深远的影响，也成为无数艺术家效仿的典范。

萨莫色雷斯的胜利女神(大理石，高 328厘米，公元前 2世纪左右，法国巴黎卢浮宫藏)希腊

这件作品因1863年出土于爱琴海北部的萨莫色雷斯小岛而得名。这件雕像是由百余断片经过4年的精心修复而成。虽然它缺头无臂，但仍被作为古希腊雕刻不可多得的珍品。据考证，这件胜利女神像是小亚细亚的统治者德梅特里奥斯一世为纪念一次海战的胜利而创作的。此像原立于萨莫色雷斯岛海边的悬崖上，胜利女神面向大海，站在船头（据出土的一只断手推断，女神的一手向前伸展），张开双翅，给人以飞翔感。薄衣贴体，显示出充满青春气息的女性人体美，衣纹处理富于节奏与韵律，增强了雕像的动感。此像既具有纪念性雕刻的庄严与雄伟，又体现了古希腊雕刻现实与理想相结合的审美追求。

拉奥孔(大理石，公元前1世纪末，意大利罗马梵蒂冈博物馆藏)希腊

这组雕像1506年出土于意大利罗马城。据记载，它是由罗得岛的三位雕刻家哈桑德罗斯、波利多鲁斯和阿典诺多鲁斯创作的，表现的是希腊神话中的悲剧人物拉奥孔及其儿子被两条巨蟒缠绕咬噬的悲壮情景。群雕突出中心人物拉奥孔，他在群雕中所占比例最大，他的两个儿子分置左右，形成近似金字塔形的稳定结构。作者巧妙地通过人物的不同动作、表情表现这个悲剧发生过程中人物的情感变化。拉奥孔左侧的儿子刚刚被咬欲挣脱时的惊恐，已被重创仍在极力挣扎的拉奥孔的痛苦，以及其右侧被咬噬得奄奄一息的儿子的无奈，均得到了生动的刻画，给人精神的震撼。作者在创造悲剧气氛的同时，还着力表现男性人体的力与美，躯体的强健、肌肉的发达及紧张感均被准确地传达出来。

这组雕像是古希腊后期雕刻的杰出代表。这时期的雕刻与此前主要表现年轻男女人体的和谐、优美的作品相比，形式上更富于变化，题材进一步拓展，在对悲剧性主题的表现方面得到生动体现。

垂死的奴隶(大理石，1513—1516年，高229厘米，法国巴黎卢浮宫藏)米开朗基罗(意大利)

这件作品与《被缚的奴隶》是米开朗基罗为教皇朱理二世创作的纪念性雕像，虽然是未完成的作品，但已充分显示了作者雕刻技艺的完美。奴隶的姿态及其形体的转折，传达出其全部的内心活动，表现了这个被征服者在经受了巨大痛苦之后的松驰与平静，死亡的悲哀已转化为使灵魂解脱的祥和。坚硬的大理石被雕琢得细腻光洁，令人感受到肌肤的质感，仿佛能触摸到人体的脉搏。

摩西(大理石，1513—1515年，高235厘米，梵蒂冈圣彼得大教堂藏)米开朗基罗(意大利)

这尊雕像和两尊著名的奴隶像都是为当时的教皇朱理二世陵墓雕刻的，是米开朗基罗原计划创作的数十尊雕像中很少的一部分，由于教皇改弦更张，命他去绘制西斯廷教堂天顶画而使这项庞大的工程未能完成。但仅看这尊雕像已不难想见米开朗基罗的创作热情。

作者以超过常人的尺度、比例塑造了摩西这位具有伟人气概的先知、领袖。雕像除了按照圣经的记载表现摩西的非凡之处（如头上两角、右手执十诫等）具有宗教的象征意义外，还寄托着米开朗基罗个人的情感与探索。摩西坚定而深邃的目光令人不可抗拒，其强壮的臂膀、宽阔的躯体仿佛坚不可摧，整座雕像无不显示出作者天才的创造力与超人的气魄，也反映了意大利文艺复兴盛期坚持真理、追求正义的时代精神。

阿波罗与达芙妮(大理石，高243厘米,1622—1625年，意大利罗马波尔盖寒美术馆藏)贝尼尼(意大利)

这是意大利最杰出的雕刻家、建筑师、戏剧家、画家贝尼尼（1598—1680）在雕塑创作方面的代表作之一。贝尼尼一生创作了许多著名的雕刻作品，在思想的深度和气魄的宏伟方面，虽不如他的前辈米开朗基罗，但他以无与伦比的精湛技巧，创造了一系列栩栩如生而又充满想像力的作品。根据希腊神话题材创作的石雕《阿波罗与达芙妮》就突出地反映了贝尼尼在雕刻艺术方面的造诣。

阿波罗是希腊神话中的太阳神。在西方古典雕塑中，阿波罗代表了男性形体美的理想，正如美与爱的女神阿芙洛蒂特（罗马神中称“维纳斯”）代表了女性形体美的理想。据希腊神话，由于小爱神丘比特的恶作剧，他把能带来爱情的金箭射中了阿波罗，同时又把拒绝爱情的铅箭射中了河神的女儿、水中仙女达芙妮。因此阿波罗爱上了达芙妮，对她紧追不舍，达芙妮则千方百计地回避阿波罗。有一次，苦苦追求达芙妮的阿波罗快要追到达芙妮时，达芙妮请求她的父亲：一旦她被阿波罗追着，就立刻将她变成一棵月桂树。贝尼尼的《阿波罗与达芙妮》就是表现阿波罗已经追上并且左手已触及到达芙妮，而达芙妮开始变成月桂树的那一极富戏剧性的瞬间。从这一瞬间，人们可以想象出它的前因后果。特别是达芙妮的头发和双手已开始变成月桂树的树叶，她的一条左腿开始变成月桂树的树干。阿波罗与达芙妮的形体被表现得真实生动而又优美，尤其是整个雕像既有强烈的运动感，又给人以稳定感，收到了静中有动、动静结合的艺术效果，充分地体现了贝尼尼在表现运动和戏剧效果方面的精湛技艺。

马赛曲(大理石，1833—1836年，高1270厘米，宽600厘米，装饰于法国巴黎大凯旋门)吕德(法国)

吕德（1784—1855）是19世纪法国浪漫主义雕刻家。这组高浮雕是他的代表作，原名《1792年义勇军出征》，表现1792年在法国反抗普鲁士、奥地利等国的战争中，马赛的一支义勇军高唱军歌开赴巴黎参加战斗的情景。巴黎市民称马赛义勇军所唱的军歌为马赛曲，1795年这首军歌被定为法国国歌。吕德的这件作品也被简称为《马赛曲》。

作者运用浪漫主义手法表现历史事件，将象征自由与正义的女神与现实中的马赛义勇军战士处理在一组雕像中，与德拉克洛瓦的《自由引导人民》一画的表现手法相同。女神雄踞浮雕上部，张开双翅，右手执剑，振臂高呼，引导着下方前进的队伍。整组雕像群情激昂，上下呼应，动感强烈，极具艺术感染力。作者在雕像细部处理上十分严谨周密，人物面貌、动态不一，错落有致，产生鲜明的节奏与韵律感，与前进的主题相吻合；浮雕中心高举帽子的中年战士的手臂，既与女神的动作相呼应，又使浮雕上下两层贯通，结构更加紧密，整体感增强。

拉美西斯二世法老像(石灰岩，像高21米，公元前1260年)埃及

此雕塑位于埃及阿布辛贝勒，是古埃及新王国第十九王朝法老拉美西斯二世石窟神庙雕刻，由四尊与山体相连的法老拉美西斯二世坐像构成。端坐的法老神态庄严，形体巨大，给人以强烈的视觉震撼。其身边的小型雕像是法老的王后、王子和公主，埃及雕像根据人的地位高低决定比例大小，由此可见一斑。

图特摩斯三世法老像(灰玄武岩，公元前1450年作，像高90.5厘米，埃及卢克索，埃及艺术馆藏)图特摩斯三世是埃及最负盛名的法老之一，也是埃及历史上拥有最大版图的君王，他给后人留下了很多雕像。这座雕像上身被打磨得细腻光滑，形体异常柔和，短裙绉褶被表现得富于韵律和装饰感，容貌端庄优美，体现了埃及雕刻写实性与装饰性相结合的作风。汉漠拉比法典石碑(黑色玄武岩，高2.25米，作于公元前1792—前1750年间，法国巴黎卢浮宫藏)古巴比伦

这座石碑是1901年在伊朗的苏萨出土的，其下部刻有密密麻麻的楔形文字，上部刻有人形浮雕。楔形文字破译后，确认为古巴比伦国王汉谟拉比颁布的法典，共有282条款，这是迄今所知世界上最早的一部法典。据专家考证，这件古巴比伦汉谟拉比时代的遗物，后来为波斯人所得，被作为战利品带回了波斯。

该碑上部浮雕，右面侧坐者为太阳神沙马什，右手伸出握着权杖，站在左侧的汉谟拉比王右臂向上弯举，右手掌心向左，似正在接受神的赐予，象征着国王的司法权力为神所授。这组浮雕人物形象单纯、凝重，突出体现法典的神圣、庄严。

人首翼牛像(公元前8世纪，法国巴黎卢浮宫藏)亚述

这是两河流域亚述王朝城门守护神拉马苏像。这组雕像原立于城门两侧，最具特色的是将武士的头部与长着禽鸟翅膀的公牛集于一体，圆雕与高浮雕结合，从斜侧面可以看到五条牛腿，满足了不同角度欣赏的需要，且具有强烈的装饰效果，充分体现了亚述雕刻家的艺术创造力。

萨尔纳特狮子柱头(磨光楚纳尔砂石，约公元前242—前232年，高2.13米，1904年印度萨尔纳特出土，印度萨尔纳特博物馆藏)

萨尔纳特是佛教圣地，旧译鹿野苑，位于印度北方邦圣城瓦拉西东北约6.4公里。唐代高僧玄奘在印度游学时曾在“鹿野伽蓝”见过一根阿育王石柱。《大唐西域记》说该石柱“高七十余尺，石含玉润，鉴照映彻”。1904年这根石柱被人发现，原通高约12.8米，发现时柱身已断成5截，柱头已脱离柱身。柱头顶端是四只巨大的背对背的连体雄狮，中间圆盘的浮雕饰带上分别交错雕刻着大象、马、瘤牛、狮子四只圣兽和四个法轮，下方是钟形垂莲柱颈。原先柱顶的四只狮子的肩头还承托一直径83厘米的大法轮，已残损。在佛教中法轮是佛法的象征，这根石柱的树立是为了纪念佛陀在鹿野苑初转法轮，即佛法初传。1950年这一柱头被选作印度共和国的国徽图案。

雅典娜头像(大理石，元前490—前430年)希腊

雅典娜是希腊神话中智慧与手艺之神、女战神。她的出生十分奇特，是从其父亲宙斯的头颅中崩出的，是希腊神话中具有父性特征的女神，后成为雅典城的保护神。这尊雅典娜头像是罗马时代的复制品，但很好地传达了女神的神韵，容貌端庄、秀丽而不失内在的刚毅与智慧，与人们心目中完美的雅典娜女神形象相吻合，是受到普遍喜爱的希腊雕刻名作。

赫格索墓碑(大理石，约公元前400年，高149厘米，希腊雅典考古博物馆藏)希腊

这座墓碑1870年在雅典的一个墓地出土，是现存墓碑雕刻中最著名的作品。坐在椅子上的赫格索正从女仆打开的首饰箱中挑选着什么，形象优雅，神态宁静、平和，温柔动人，正如法国雕刻家罗丹所言：“上面没有什么东西能令人想到死亡，已故的女子尚在人间，好像还和人们一起生活。”（《罗丹艺术论》）

赫尔墨斯与小酒神(大理石，公元前350—前330年，高213厘米，希腊奥林匹亚考古博物馆藏)普拉克西特列斯(希腊)

普拉克西特列斯是希腊古典主义后期最著名的雕刻大师，他的人体雕刻作风细腻柔和，富于生活气息。这尊雕像是1877年在奥林匹亚赫拉神庙遗址出土的，表现的是宙斯的传信使者赫尔墨斯护送小酒神狄俄尼索斯，途中靠在一树桩上稍事休息的情景。其右手已损坏，据考证，原本其右手拿着一串葡萄在逗引小酒神。作者塑造的赫尔墨斯体态修长，富于曲线趣味，容貌秀美，表情轻松、诙谐，鲜明地体现了这位雕刻大师的艺术风貌。

圣母子(陶瓷浮雕，1470—1480年)委罗基奥(意大利)

委罗基奥（1435—1488年）是15世纪后半叶意大利著名的青铜雕刻家，在绘画和陶瓷雕塑方面也有很高造诣。他还是意大利文艺复兴的杰出代表达?芬奇的老师。

这件《圣母子》是委罗基奥陶瓷雕塑的代表作，其人物造型与表现形式与同时期的圣母子题材的绘画有相通之处，体现了委罗基奥浮雕艺术水平，也从一个侧面反映了当时意大利雕塑的面貌。

哀悼基督(大理石，1498—1499年，高175厘米，意大利罗马梵蒂冈圣彼得大教堂藏)米开朗基罗(意大利)

这是雕刻大师米开朗基罗年仅 25岁时完成的巨作。作者以金字塔形的构图按照真人比例大小塑造了哀伤的圣母玛利亚和被抱着的耶稣基督的尸体，圣母高贵的沉思表情和耶稣犹如在梦乡中的安详，感人至深。从面部五官到衣服的绉褶，每一细节都得到准确的刻画，无论从任何角度观看都显得非常完美。

伏尔泰坐像(大理石，1781年，立于法国巴黎喜剧院休息大厅)乌东(法国)

乌东（1741—1828）是18世纪末—19世纪初法国最杰出的肖像雕塑家。他所塑造的法国启蒙主义学者伏尔泰像，形神兼备。雕刻家既表现了伏尔泰年迈体弱的生理特征，又传达出这位思想家内在的气质，使人感受到其单薄的躯体内蕴藏着巨大的精神力量。

思(大理石，1886年，高74厘米，法国巴黎罗丹美术馆藏)罗丹(法国)

这是19世纪后半叶—20世纪初法国著名雕刻家罗丹（1840—1917）为他的女弟子卡缪（亦译作克罗黛尔）作的头像。作者表现了处于深思状态时的少女容貌的端庄、美丽，通过“心灵之窗”揭示了她内心的复杂情感。罗丹与她彼此相爱，但罗丹又不忍与原来长期共患难的女友分手，这样给她带来的伤痛可想而知。她究竟在想什么？留给观者无限的想象空间，正是这件雕刻的魅力所在。

第13课 新艺术的实验——西方现代艺术

（一）教学目标

在对各种类型美术作品的鉴赏知识有了大致了解之后，本课主要是为以上学习内容提供一个关于西方现代艺术的背景知识。因此，本课的目的就是围绕本课的主题——“个人主义与形式主义的汇合”，对西方现代艺术作一个概括的历史性梳理，使学生对所学的美术鉴赏的主要内容之一——西方现代艺术，有一个整体的了解和把握，并让他们知道，西方现代艺术的发生和发展是与西方的历史情境密切相关的，它与中国的现代艺术完全不同，这些对于学生鉴赏具体的作品也是有帮助的。

（二）内容结构

本课由四大部分组成。

第一部分首先对“现代艺术”这个概念给出一个时间上的界定，即本课学习的是哪个阶段发生的事情，然后指出在这个阶段发生的西方“现代艺术”是一种与其传统艺术完全不同的东西，因而被理论家称为“现代性的断裂”。

第二部分“西方艺术是怎样向现代转化的？其动力是什么？”具体解释了西方艺术发生“现代性的断裂”的原因和过程。西方艺术向现代转化的原因和过程当然非常复杂，但这里只是把握住了艺术上的一个关节点，就是否定古典主义的客观主义自然反映论，而提倡艺术家的主观表现，这样就带出了西方现代艺术的本质特性——个人主义与形式主义的汇合，这也是本课的主题，西方各种现代艺术流派由此而产生。

促成这种转变的动力源这里列举了四点：1.摄影的发明——这可以视为西方艺术转变的内部原因。因为摄影的发明从根本上动摇了西方传统艺术古典—写实艺术的根基，从而使美术产生了自我意识；2.现代大工业的发展——这是西方艺术向现代转化的外部原因。因为现代大工业的发展带来的是社会的分工和对自我的重视，它孕育了整个社会的个人主义和创新意识；3.宗教的衰落——宗教情感在西方社会中具有至高无上的地位，但在现代大工业的社会中人的情感日益现实化，由此造成人的现实理想与终极理想之间的矛盾，表现在艺术中就是其物质性的加强和精神性的失落；4.哲学的影响——从19世纪末开始，许多西方哲学家都极力提倡个人意识和精神的重要价值，反对以往的工具理性思想，使人们从深层上看到了社会转型的必然。当然，其动力源还不仅有这些，我们还可以举出更多的方面，但这四点概括的是四个主要方面——艺术、社会、宗教和思想。这是从西方艺术和社会发展的总的过程来说的。

第三部分“西方现代主义艺术的主要特征是什么？”主要是说可以从哪些方面辨识西方现代艺术。这里先是对“现代艺术”和“现代主义艺术”这两个概念做了简单的分辨。这是非常有必要的，因为人们一般总是把它们混为一谈，而且实际上它们也有着不同的所指。但这里不要过多地进入，只要点明即可，否则会纠缠不清，因为这两个概念从学术上说包含了非常复杂的内涵和外延，而且人们一般也是很笼统地在使用这两个词。

关于西方现代主义艺术的特征这里主要提出了四点：1.哲学化——这表明西方现代艺术与现实不再发生直接的关系，而表现出艺术自身的独立；2.理论化——哲学化与理论化不是一个概念，尽管它们之间有联系。注重理论表明现代艺术的出现和现代艺术家的努力不是偶然和盲目的，而是有明确的方向和目标的集体趋向；3.形式主义——即强调美术形式的独立性，通过形式的极端化和绝对化而提倡美术自身的独立；4.创新意识——可以说创新是任何艺术的本质，但西方现代主义艺术却把创新本身视为艺术的惟一主题。

第四部分“无止境的形式创新使艺术走到了危险的边缘”，是第三部分的自然延伸。正是因为西方现代主义艺术的极端化和不断创新的意识，使之不可避免地走到了自己的尽头，最终在20世纪60年代发出了“艺术死亡”的惊呼，艺术也因此开始走向一个新的方向——后现代艺术。

（三）教学的重点与难点

本课的教学重点主要是围绕本课的主题——“个人主义与形式主义的汇合”，具体讲述西方现代艺术产生的原因、过程、特征及其后果。特别是在课文的第三部分，即“西方现代主义美术的主要特征是什么？”教师可多着些笔墨，讲述得更充分些，因为这对于学生鉴赏西方现代主义美术作品有直接的帮助，本课教学难点存在几个方面：1.内容较多，要做到完整、准确并非易事。2.本课涉及西方的历史和哲学等方面的知识，这些知识是如何与美术的发展联系起来的，还需要下一番功夫来学习。3.本课涉及大量的美术流派，这些流派又涉及丰富、复杂的背景知识，尽管这里并不要求对每一个流派作详细分析，但对于教师也是必须掌握的，以备学生的提问。

二、教学内容资料

（一）作品分析

埃菲尔铁塔（1889年）埃菲尔（法国）

1889年，法国政府为纪念法国大革命100周年，筹备了一个大型博览会，并计划在巴黎建造一座纪念性建筑。经过公开招标，桥梁建筑师居斯塔夫?埃菲尔所设计的有300米高的透空铁塔方案从100多个设计方案中脱颖而出。铁塔自建立到建成后一直不断有反对的声音，甚至许多政治家和名人都对它表示反对，他们联名上书，称它是一座“俗不可耐的、可憎的阴影，乱七八糟的高塔”，因而要求拆除。到第一次世界大战时要求拆除的声音逐渐平息，但后来法国政府又在考虑拆除铁塔，以便用它的铁建造工厂。直到1964年此塔才被列为不得拆除的历史遗迹，并制定了修缮计划。此塔的管理公司负责人说：“铁塔不单是一座吸引游人的纪念碑，也绝不只是一架把人送上高空的机器，铁塔是铁器时代的象征„„它是用这种足以体现人对物质控制力量的原料制成的。”

的确，此塔比埃及金字塔还要高出一倍，但却只用了几个月的时间就建造成功，它标志着现代建造工艺、材料和技术的确立，是新时代的象征。从美学上说，此塔底部是四个半圆形拱，造型上既稳定又富有变化，形成一种节奏感。其上部挺拔直立，直插云霄。每当日落时分，晚霞晖映中的铁塔轻盈而矫健，显示出强烈的时代气息。如今，它已成为一个时代的标志了。大浴女（油画，127.2厘米×196.1厘米，1900—1905年，伦敦国家美术馆藏）塞尚（法国）

塞尚（Paul Cezanne，1839—1906）生于法国南部小镇埃克斯，父亲是一个后来成为银行家的帽厂厂主。塞尚在当地接受了全面的教育，并获得了学士学位，这种完整的教育是他以后勤于思索、不断研究的基础。塞尚从小就喜欢画画，但是直到1868年他父亲才最终同意他去巴黎正式学画。

1870年之前可以说是塞尚的“古典期”。这个时期的塞尚还更多的为库尔贝的现实主义——这个在当时已经成为一种“学院派”的思想所支配，并同时迷恋着德拉克洛瓦和杜米埃的艺术。然而塞尚在向他们的艺术学习的时候，却放弃了构成他们的艺术的最重要的东西——政治热情、对生活、斗争和社会问题的明确而积极的态度，因为塞尚真正关心的不是眼见的现实，而是对艺术本身的思考。这使他最终成为“画家中的画家”。在《缢死者之屋》这幅他参加第一届印象派画展的作品中，光与色的交汇表明了他对印象派艺术观的肯定。在这种交汇中，物体变得闪烁不定起来。然而他没有像莫奈那样用光把一切都吞噬掉，形体在这里仍然如此坚实而厚重，具有相当的古典绘画的力度。这幅画成为塞尚走向自己目标的开始。

塞尚密切注意印象派的发展，并给予高度评价，但他又不满足，他发现，他的那些印象派同道的作品在对新视觉的发现上，在对光与色、对形体的消融上和在这种消融所造成的三度幻觉空间中三度实体的解体上，已取得了巨大的成绩，然而正是由于这些却也造成了在绘画中排除“形”这个造型艺术之基础的结果，于是，他企图重新使古典的形回到印象派的作品之中，以“使印象派成为像博物馆的艺术一样强固的东西”。

塞尚对人物画极有兴趣，因为人物中集中了大自然中各种微妙的关系，这有助于他对真实性的研究。然而他是要把这些人物当作静物一样地不断地寻求，以找到一种最恰当、最真实的表达方式。于是他不停地修改，以至那些模特儿最后忍无可忍而逃掉。这样，他的夫人便成了他的“牺牲品”。为什么塞尚要不断地修改？他到底在找什么？他曾说过：“画画，并不意味着盲目地去复制现实，它意味着寻求诸种关系的和谐。”因此，正是这种“相互关系”才是塞尚真正关心的东西，这些关系包括：空间与平面的关系、色彩与素描的关系、形体与结构的关系、画面表现与视觉心理的关系等，具体表现为点、线、面、色之间的交汇和穿插。这是由画家经过研究和体验后发现的另一个世界，这个世界已成为独立于传统的视觉真实的另一种真实，即绘画的真实。塞尚的这一发现把自普桑、大卫、安格尔的传统直接接入了现代，他从自然中把自然的真实与绘画的真实分离开来，最终导致了以纯形式主义为基础的现代艺术的产生。

《大浴女》是塞尚晚年艺术的集大成者，充分体现了他的艺术探索和理想。在这里，风景和人体几何、综合和简化的倾向，以及多视点的处理手法已经预示了毕加索的《亚威农少女》，其整个画面的结构性和符号性特征，已具有20世纪的意义。亚威农少女（油画，245厘米×235厘米，1907年，纽约现代艺术博物馆藏）毕加索（西班牙）

巴勃罗?毕加索（Pablo Picasso，1881—1973）是一位图画教师的儿子，由于受家庭环境的熏陶，他自小就显露出绘画天分，在巴塞罗那艺术学校中颇有神童之风。19岁时他来到巴黎，在那里他通常画一些以乞丐、流浪者、江湖艺人和马戏艺人等为题材的作品，这些作品大都为表现主义者所喜爱。但是他显然没有得到满足，于是开始研究原始艺术。毕加索从亨利?马蒂斯（Henri Matisse，1869—1954）、高更（Pual Gauguin，1848—1903）的作品中学到怎样用几个简单的要素去构成一张面孔或一个物体的图像。但这跟较早的艺术家使用的简化视觉印象的方法有些不同（较早的艺术家是把自然的形状简化为平面图案，这种平面图案给人以平面感，缺乏立体感）。有没有办法既能避免这种平面性，又能使简单物体的图画不失去立体感和深度感？正是这个问题引导着毕加索返回塞尚（Paul Cezanne，1839—1906）的作品。塞尚曾在给一位青年画家的信中劝告他：“要以球形、圆锥和圆柱的观点去观察自然。”他的意思大概是：在组成图画时，应该永远不忘那些基本实体形状。但是毕加索和他的朋友们却决定遵循这个劝告的字面意思，不再宣称按照事物出现在眼前的样子去表现它们，那是难以捉摸的东西，追求它没有用处。他们不想把一个转瞬飞逝的假想印象固定在画布上，要把他们的主题画面组织得尽可能地有立体感，他们的理想目标是构成某物而不是描摹某物。

大约在1906年末，毕加索开始了一件有重大意义的作品的创作，这件作品是他的经验总结，并且标志着他未来的活动朝现代派方向发展的开端。这部作品就是《亚威农少女》。亚威农（AVIGNON）是巴塞罗那一条妓女街的名称，这幅画就是他根据那一段生活的积累酝酿而作成的。所以有人说，巴塞罗那的妓院是毕加索学美术的第一个课堂。画中呈现五个少女，或坐或站，搔首弄姿，前面小方凳上有一捧葡萄和其他水果。人物扭曲变形到几乎难以辨认，完全没有所谓体积和质感的表现，只有被粗硬的直线和微曲的弧线以及色面切割成的画面，人们只能从中依稀认出五个女人体的存在。促成这一转变的是他接受了非洲原始木雕的影响。而正是这件作品标志着立体主义的产生。

风景（油画，46厘米×54.9厘米，1905年，哥本哈根斯太滕艺术博物馆藏）马蒂斯（法国）

这是马蒂斯的一幅早期作品。在这个时期，马蒂斯还沉浸在后印象派和新印象派的笔触和色点之中。但已经可以看出，他已开始加强了丰富的色彩和笔触的质地感，并把它们推到了极限。他用多变、弯曲的粗线来勾画树木的形体，用大片的色彩来塑造空间的变化。在这里，艺术家利用对比和并置的色块，成功地完成了他要创造的一种新型绘画空间的意图。他虽然抛弃了透视，然而这幅画又不只是表面的装饰。这些只用轮廓线造型的画面是有其实际内容的，它们在空间中，凭借深度、光和空气感的幻觉，存在着、移动着。这种幻觉，完全是由色彩形状造成，而且巩固了画面的完整性。

列斯塔格的房子（油画，73厘米×59.8厘米，1908年，伯尔克美术馆藏）勃拉克（法国）

勃拉克（Georges Braque，1882—1963）的父亲和祖父都是业余画家，在他们的熏陶下勃拉克15岁时考入勒?阿弗尔美术学院，后来又到巴黎一家私人美术学校学习。勃拉克早期接受了广泛的影响，尤其是埃及和古希腊的艺术，这对他后来的艺术创造有重要作用。但他还同时欣赏当时已成定论的印象派的艺术，最后接受的是塞尚的艺术观。1907年经著名批评家阿波利奈尔介绍，勃拉克与毕加索结识，特别在他到毕加索画室看到他刚完成的大作

《亚威农少女》之后，便决心与毕加索合作，这样，他们就搬到一起作画，从而开创了立体派。

这幅作品是勃拉克到列斯塔格所作写生之一，正因为批评家路易斯?瓦塞里把他的这些作品称之为“立体”，才由此产生了立体派。在这批作品中，勃拉克打破了传统艺术的空间和透视方法，而采用塞尚的观点把对象肢解为一个个的小碎平面，传统的空间和透视在这里消失了，回到了画本身的平面上来，形成碎块与碎块之间互动的关系，这就把画本身的结构和画面上的物体直接呈现在观众面前。勃拉克曾说过，绘画绝不是再现对象，而是独立的存在。这种观点显然来自塞尚。正因此，立体派开始全面地启动了西方现代艺术的进程。

我自己——肖像风景（油画，1890年）卢梭（法国）

这里的《我自己——肖像风景》一画是卢梭开始走向成熟时期的作品。他把自己画成一个艺术家的样子，高高地站立在风景之中(但这不是一个具体的风景，而是一个抽象的风景，是卢梭对他心目中的风景的综合，这也是他成熟期所有作品的特点)，这似乎表现了卢梭对他的艺术和未来的憧憬、向往和想象。辽阔的天空增强了这种憧憬和想象的空间。

拴着链子的狗的动态（油画，91厘米×110厘米，1912年，布法罗，阿尔布莱特—诺克斯美术馆藏）巴拉（意大利）

巴拉（Giacomo Balla，1871—1958）早年在巴黎学画，主要学习的是点彩派的画法。在罗马期间结识了米兰诗人马里内蒂，并很快成为好朋友，这影响了他一生的艺术生涯。1910年，他和一批画友联名发表了《未来派绘画技术宣言》，提出用美术的武器去摧毁一切旧社会的文化习俗与秩序。他们的宣言在整个西方产生了广泛的影响。尽管未来派后来与政治产生了千丝万缕的联系，其过激的政治主张曲折地反映了当时欧洲的社会现实要求，但其主要意图还是在艺术上。它主张打碎一切即存现实的社会和艺术秩序，提倡表现飞速变化的时代动力，希望在一个画面上表现一个连续性的物象形象。这种艺术使人们对生活中的一切事物的动感和速度产生了兴趣和启发。事物在画面上被表现得像电影中的慢镜头一样，以形象的重叠和模糊性来造成动感与速度感。巴拉的《拴着链子的狗的动态》就是这样一幅作品，它只截取了生活中的一个局部——牵狗妇女的脚和她的一条狗，来表现这种新的美学观，强调狗在行走过程中的动态。这样，狗的腿的动态已不是4条腿，而是24条腿了。同时，妇女的裙子在摆动，链子也产生了晃动的感觉。这是未来派最著名的作品之一。

骚动的城市（油画，198厘米×300厘米，1910年，纽约现代艺术博物馆藏）波菊尼（意大利）

波菊尼（Umberto Boccioni，1882—1926）原在巴拉的画室学习，最初是从巴拉学习点彩派的画法，自接触了未来派的理论家和领导人马里内蒂之后就接受了他的理论，并最早把这种理论运用到绘画中。1910年，波菊尼参加了《未来派绘画技巧宣言》的起草工作，把他的思想结合到了宣言之中。这幅《骚动的城市》就典型地反映了他对未来派理论的诠释。用他的话说，这幅作品表现了“劳动、光线和运动的伟大综合”。在画面的前景出现了一匹巨大的跃动的马，占据了大半个画面，它在城市中横冲直撞、左冲右突，几乎把整个城市搅动起来，使之处于骚动之中。这匹烈马在这里具有象征意味，它象征着现代技术化的工业社会，人们在这个社会中都不得不被它的工业化进程所吸引和推动、冲击，有的在这种冲击中倒下了，有的则更为激动和兴奋，但整个画面的骚动和冲突则给人以混乱和惊恐的感觉，这也是现代社会中人的普遍感觉。

在艺术上，整个画面仍体现出点彩派对波菊尼的影响。他用细碎的笔触和色点来塑造形体和空间，用跃动的短线来勾画激烈运动的人物和物体。光线显得迷乱而有动感，在运动中散乱开来，四处散动，色彩也起伏不定，显得耀眼而令人眼花缭乱。这些都增加了画面的形式与主题的和谐。

戴发带的女孩（丝网印，1965年）利希滕斯坦（美国）

利希滕斯坦（Roy Lichtenstein，1923—）1949年在美国俄亥俄州立大学读硕士，毕业以后留校任教，此后先后在纽约州立大学奥斯威分校（1957—1960）、新泽西州不伦瑞克拉特格斯大学格拉斯学院（1960—1963）任教。自1951年起从事波普艺术创作，也曾介入抽象艺术，但没有成功，此后一直从事通俗题材的创作。

作为美国最著名的波普艺术家之一，利希滕斯坦对波普艺术所下的定义比任何美国波普艺术家都更贴切。他采用最平淡无奇的连环画或广告画作他的基本题材，然后用油画或丙烯颜料忠实地将它们放大，用色鲜艳，平涂加线描，有的还用仪器来放大。这里的《戴发带的女孩》就是用这样的方法创作出来的，其形象就来自美国日常常见的连环画。它基本没有什么特别的意思，只是美国日常生活中一个平常的人物形象。

绿色的可乐瓶（油画，209厘米×145厘米，1962年，纽约现代艺术博物馆藏）沃霍尔（美国）

沃霍尔（Andy Warhol，1930—）原是一个商业画家，在纽约有十年的商业广告工作经验。在20世纪60年代，波普艺术方兴未艾的时候，沃霍尔也开始加入进来，他的兴趣在商标和超级市场的产品，这幅《绿色的可乐瓶》就是他风格确立时期的作品。在这件作品之后，他又画了坎贝尔汤罐头、埃尔维斯?普雷斯利、伊丽莎白?泰勒、性感艳星玛丽莲?梦露等美国市民文化中的热门事物和人物。

沃霍尔的作品以其充满善意的讽刺在美国的商业社会中具有一定的社会针对性。他把凡是成为这个社会的崇拜对象的事物，或者那些最流行的东西，如世界名人、电影明星、美元、电椅、花束、竞赛场上的骚动、“蒙娜丽莎”摄影等，都作为他的表现对象和题材，在当时产生了广泛的影响甚至轰动。他的作品告诉人们，流行的大众趣味就像他的作品一样是被大批量生产和制作出来的，直到你感到厌倦为止。

第14课 百花齐放 推陈出新——中国现代美术

(一)教学目标

1.了解中国近代美术概况。

2.知道中国近代绘画、雕塑的代表性的美术家及其代表作品好在哪里。(二)内容结构

本课开篇对中国现代美术予以界定，指1919年“五四运动”起始至今的美术，主要指20世纪的中国美术。其后，课文分别介绍中国现代绘画和中国现代雕塑两大美术门类的概况、代表美术家及其代表作品。1.兼容并蓄的中国现代绘画

第1自然段：介绍中国现代绘画概况。

第2-4自然段，介绍中国画在20世纪形成两种类型，分别介绍传统型中国画和融合型中国画及其代表画家与代表作品。第5-6自然段，介绍油画的概况、代表画家及其代表作品。第7自然段，介绍“创作版画”的概况、代表画家及其代表作品。

第四篇：高一美术欣赏课教案

高一美术欣赏课教案

一、课题：第九章《连环画、漫画》

二、课型：欣赏课

三、课时安排：一节

四、教学设计：

1、教学目标：a.知识目标：通过对漫画的学习与欣赏，是学生初步了解漫画的定义、起源、类型。

b.能力目标：使学生学会如何分析作品，对优秀的作品有细致的观察以及敏锐的感受。

c.情感目标：通过对漫画的欣赏，学生的观察能力、想象能力、创新性思维能力可以得到很好的培养。

2、教学重点难点：a.教学重点：赏析作品：《阿宝两只脚凳子四只脚》、《疲劳过度症》、《大买主》，了解漫画作者与漫画所要表达的寓意。

b.教学难点：引导学生掌握不同类型的漫画，以及画家在作品中情感的抒发及表达。

3、教学方法：欣赏法与讨论法相结合。在与学生同时欣赏作品的同时，要提出一些能引发同学兴趣的问题，激发学生学习的欲望，增添课堂的活力。

4、学法指导：漫画是自由度很大的艺术形式，要想学生在短时间内掌握是有一定难度的。因此需要平时学生课外自主学习与积累。

5、教具与学具的准备：a.教具准备：教师在网上收集资料并打印图片，制作课件，阅读有关漫画的书籍。

b.学具准备：学生收集有关漫画的资料与图片。

五、教学过程：

1.导入新课：课件展示《千与千寻》的图片，提问：有哪位同学知道这幅作品的名称是什么？作者是谁呢？学生回答，教师归纳：这位同学回答的很正确，这幅作品叫《千与千寻》出自亚洲漫画家宫崎骏之手。然后详细介绍这幅作品以及作者宫崎骏。（用学生感兴趣的漫画家引入新课的学习，学生的学习欲望马上被激发。）

2.讲授新课：教师讲解：漫画的定义；漫画的起源；漫画的类型。放映课件与学生一起赏析《阿宝两只脚凳子四只脚》、《疲劳过度症》、《大买主》这三幅作品，老师分别讲解这三幅作品的作者、属于什么类型，以及寓意。教师引导学生以欣赏感受、评论交流为主线，逐步展开欣赏学习活动。最后展示一张最近老师在网上看见的一幅漫画，现在和大家一起来看一下。提问：这幅画画的是谁？属于什么类型的漫画？这幅画有哪些特点？学生回答，教师归纳，教师详细讲解这幅漫画。

3.课堂训练：让学生以自己的同桌为原型创作一幅简单的肖像漫画。创作完毕后，先是学生互评，再是教师点评。以更加有利于学生理解、欣赏漫画。

4.课堂小结：教师布置课外作业，一篇关于学习漫画的心得体会500字左右。

第五篇：高一美术 战争与和平教案

《战争与和平》教学设计

教学目标：了解美术与战争这种社会现象之间的复杂关系，包括美术作品处理战争与和平问题的不同方式，以及从中反映出来的作者的态度；了解一些有代表性的美术作品，并能根据这些作品的各种手法和细节来推断美术家的意图。教学基本思路：战争是人类历史中不断出现的大规模杀伤行为，如何正确、全面地认识战争，包括其原因、结果与影响，有助于正确人生观与价值观的形成。再现战争的美术作品都必须选择一个最具表现力的场景，把战争中最激动人心的场面表现出来。通过对与战争有关的美术作品的欣赏，引导学生寻找、发现艺术家的构思意图。

教学材料分析：本课包括三个方面的内容：

1、战争在美术作品中留下的痕迹；

2、通过美术作品对战争进行反思；

3、美术作品表现的和平观念。课时安排：1课时

课前准备：教材、多媒体课件 教学程序：

一、导入

【教师】播放911事件视频。【教师】小结。

911事件造成了许多无辜的人失去了生命，引发了美国对阿富汗的战争。历史上曾经爆发过无数战争，即使在现实社会中，仍有战争在遥远的地方进行。今天，我要和大家一起学习不同时期的艺术家怎样以不同形态的美术作品来表现战争与和平。

二、作品欣赏、分析

（一）、战争在美术作品中留下的痕迹

1、长城

【教师】这样一件中国古建筑艺术的杰作，它是怎样产生的？战争会遗留给人们什么？

2、秦始皇兵马俑

【教师】这一组大型雕刻直接再现了一支强大的军队，它为什么会出现在陵墓中？有什么特定的内涵？

3、采桑攻战宴乐铜壶

【教师】这件战国铜壶腹部上刻满了哪些形象？

水陆交战的场面与采桑、射猎、宴乐等和平景象并存，是战国时代贵族王公全部生活的真实反映。

（二）、通过美术作品对战争进行反思 【学生】分组讨论：

第一组《原子弹灾害图·水》

第二组《布雷达的投降》 第三组《内战的预言》 第四组《地道战》

【教师】对比分析：他们表现的是什么时候的战争？在表现方式上有什么特点？ 【学生】小组形成意见，相互交流。

（三）、美术作品表现的和平观念

欣赏《免胄图》、《鎏金中国大宁铜镜》、《和平鸽》以及相关摄影作品，感受人们对和平的祈盼。

三、重点分析《格尔尼卡》 【教师】介绍作品背景

格尔尼卡是西班牙北部的一个小镇，1937年4月26日，德国雇佣空军对格尔尼卡进行了持续三个小时的狂轰乱炸。当时正逢小镇集市，市民毫无防备，人们仓惶逃奔，希特勒的飞机却又低飞，跟踪并扫射逃跑的人们。居民损伤惨重，据不完全统计，1500多人被当场炸死，3/4建筑物被彻底毁灭。

侨居巴黎的毕加索得知格尔尼卡被希特勒轰炸后义愤填膺，怀着满腔爱国激情创作了宽7.76米，高3.49米的油画《格尔尼卡》。这幅画表现了画家对德军法西斯暴行强烈的愤慨。当时，德国的将军和士兵经常出入巴黎的毕加索艺术馆。有一天，在艺术馆入口处，毕加索发给每个德国军人一幅《格尔尼卡》复制品。一名德国盖世太保头目指着这幅画问毕加索：“这是您的杰作吗？”毕加索严肃地回答：“不，这是你们的杰作！” 【教师】接下来，我们就从构图、色彩、形象三个方面来分析这幅作品。【学生】回答。

构图：支离破碎、扭曲变形 色彩：黑、白、灰

形象：牛、马、灯、花、母亲、士兵、持灯女人等

【学生】上台指出各种形象所在的位置以及各种形象的象征意义。【教师】小结。

这幅画以变形的手法描绘了人们惨遭法西斯暴行的悲惨情景。画面左侧，一位悲痛欲绝的母亲怀抱被炸死的婴儿仰天哭喊；中部，一匹被刺伤的马昂头嘶鸣，据画家本人说，这匹马象征正在遭受灾难的西班牙人民；马的身下躺着一名士兵，右手握着剑，剑旁有一朵鲜花，寓意着画家对死者的悼念；再往右，一名妇女从窗子里探出身，右手举着一盏眼睛似的灯，灯光射向四周，法西斯的罪恶在灯光里暴露无遗；画面右侧，是一个女人在爆炸声中从楼上跌下的情景。她举着双手，抬头向上呼救„„这幅画用黑白灰三色绘成，所有人物或阴郁，或压抑，恐怖，痛不欲生„„给人留下一种难以摆脱的震撼。

四、创作与实践

模仿《格尔尼卡》的创作形式对911事件进行一幅美术创作。

五、教师点评、总结