第一篇：《速度在音乐中的表现意义》教学案例
《速度在音乐中的表现意义》教学案例
——增强学生节奏感，培养学生音乐赏析能力
设计理念
“兴趣是最好的老师”这是一句至理名言。本课力图使学生了解音乐的速度与音乐所表达的情绪、情感密切的关系。通过师生间相互的交流合作，利用学生的兴趣，使学生了解到同一首歌曲或乐曲如果使用了不同的速度来进行演奏（演唱），就会塑造不同的音乐形象，它所表达的情绪、情感也会有很大的区别，甚至是天壤之别。
活动目标
1、节奏训练，从游戏开始，让学生自然而然地感受节奏。
2、欣赏朝鲜歌剧《卖花姑娘》中的片段《春天年年到人间》，利用四三拍速度的变化，体会了解情绪的改变以及它与速度的关系。
3、了解速度的概念，分析不同情感所适合使用的不同速度。
活动准备
1、把全班分成三个小组。
2、课前请同学们看一部电影的片段——冯小刚导演的《大腕》。
活动过程
一、游戏导入·活跃气氛·节奏训练
“今天老师跟大家做个游戏，如果一拍一个字，那么我们拍手叫李明，应该怎样拍啊？”（同学们可以打出”ｘｘ”的节奏。）“如果我们一起叫王亚楠，大家说应该怎么拍啊？”（同学们会打出两种节奏，前十六和后十六。教师做示范，由同学们判断。）“大家做的很好，如果用拍手的方式叫上官文慧又应该怎么拍呢？”（同学们又会很积极的打出“ｘｘｘｘ”的节奏。用同样方法做另外两种节奏反复训练，使学生在不自觉的情况下，可以用耳朵辨别三种不同节奏型。）“接下来同学们跟老师一起去‘打人’吧，我们先来‘打’李明，当然是用拍手的方法，大家要在心里非常平稳地默念他的名字，注意一定要平稳不能忽快忽慢，好吗？我们一起打三遍。”（用同样的方法训练另外两种节奏型，使学生平稳的掌握三种节奏型，按照课前分好的三个组，每一组打一种节奏型，也可以先从两种节奏入手，把两种节奏训练好，再加入第三种节奏，最终成功地形成三声部的和声。）
二、播放范例·组织交流·掌握理论
1、播放电影《大腕》的一个片段，是男主角为拉广告赞助将哀乐进行曲改变了速度，变为欢乐进行曲。课堂气氛立刻变得很活跃，播放片段过程中不时有同学看后哈哈大笑。“看完之后，可以说出这首曲子你熟悉吗？”很多人摇头。此时播放原版的哀乐，同学们发出一片惊叹之声。（加深速度的重要性的印象）
2、“歌剧在世界上哪个国家最著名？对，意大利。那么，中国的歌剧有哪些？同学们知道吗？”（《洪湖赤卫队》《白毛女》《江姐》《党的女儿》等）“今天给大家介绍一部朝鲜歌剧《卖花姑娘》，其中有一首《春天年年到人间》的插曲，请看课本的第21页。在你们的眼中，春天是什么样的呀？”（鲜花盛开的、万紫千红的、朝气蓬勃的等）“总之是美丽的春天，下面我们倾听这首《春天年年到人间》，一起来感受一下，这首作品里的春天是什么样的。”（播放歌曲，听起来竟然是悲伤的、辛酸的。）此时介绍背景——这部歌剧的故事情节是在描述朝鲜被日本帝国主义侵占时期，哲勇一家不幸的遭遇，主要刻画了女主人花妮上街卖花的形象。春天是美的，但这首歌里的春天是悲伤的，但如果老师这样演唱，大家来听一下效果有什么不同。”（教师将原来的中三变成快三演唱，）老师改变了歌曲本身的速度，连作品的原意也改变了，不悲伤，反而很欢快。总结——三拍子的强弱规律有着旋转、摇曳的律动，天生就有舞蹈的性质，对于表现一些轻巧、优美、诙谐、田园、安详的气氛和情感是比较理想的选择。但是，同样都是三拍子，只是改变速度就把一首作品完全改变了，同一首歌曲或乐曲，如果使用不同的速度来进行演奏（演唱），就会有不同的音乐形象，它所表达的情绪、情感也会有很大的区别，甚至是天壤之别。所以，我们无论在演奏（唱）任何音乐作品时，都要仔细看清楚乐曲的速度要求，不但要注意基本速度，还要注意变化的速度，切不可掉以轻心，将音乐的速度随意改变，而引起音乐形象和情绪的扭曲。尊重作者真实的创作意图是我们进行音乐演绎的基本依据，只有按照作品的要求进行演奏（唱），才能获得良好的演出效果。其实，速度就是音进行的快慢，说得更确切些，就是节拍单位律动的频率。速度在音乐中的意义是非常重大的，因为各个音乐形象的特点都是或多或少与进行的一定速度相关，为了表现不同的情感和场面，需要配合不同的速度和力度，才能完整地塑出准确的音乐形象。”（同学们纷纷点头表示赞同。）
三、拓展加强·知识抢答·深化主题
3、“好的，下面让我们来分析一下，不同情绪所要求的速度，大家说说在我们身边都有哪些情感啊？”（同学们踊跃发言，课堂气氛很活跃，‘热烈、欢快、活泼、欢庆、愉快、快活、高兴„„’）“如果情绪本身就有一种向上、愉悦，使人振奋的因素，大家说应该是什么速度啊？”（它就要求速度要稍快，以表达高兴的情绪；）“那么，沉痛、悲伤、忧郁、沉重、肃穆、回忆、柔和、悲痛、平静„„等等情感呢？”（它种情绪就要求速度要稍慢，以体现压抑的情绪；）“还有一些情绪，如温柔、抒情、舒展、甜美、优雅、如歌的、诙谐、赞颂、亲切、流畅„„，”（这些情绪就适宜使用中等速度来表现）；“所以如果将一首欢快乐曲的速度放慢两倍来演奏，那么它就会失去欢快的情绪而变得深沉，或是忧郁、悲伤；同样，如果将一首缓慢、沉重的哀乐用加快两倍的的速度来演奏，那么它就不再悲痛，而是变得跳跃、欢快，与原来的情绪截然相反。”
4、趁热打铁——知识抢答（1）、下列描述正确的有：（ABCD）
A.欢快的情绪一般用较快速的音乐表现。B.慢速的音乐用来表达沉重、悲伤的情绪。
C.演奏音乐一定要依照作者的原速度进行，否则就会面目全非。
D.速度与力度一样是表现音乐情感的重要手段。（2）、下列描述正确的是：（ACD）
A.作曲家标记出的力度、速度变化，在演奏中要尽可能保持原样。B.在演唱歌曲时，虚词要唱重，实词要唱轻。C.切分节奏要突出切分音的重音。D.在演唱歌曲时，要突出重点词。
今天老师跟大家做了节奏的训练，同时还介绍了一首《春天年年到人间》的歌曲，还与同学们共同分析了不同情感与速度的关系，当我们在日常生活中遇到不同情感时，也希望同学们可以利用这节课的知识，欣赏不同节奏的音乐来调节我们的心情，今天的课就到这里，下课！
案例评述
本活动设计把游戏和电影片段引入课堂教学，同学们由课前影片的欣赏开始，在笑声中感受到了速度与情感的变化，课堂教学教师采用奥尔夫教学法对节奏的进行训练，并利用生活中的小事例做节奏的训练，并非打节奏就是教师打一遍，学生机械的学打，使学生在游戏中，自然掌握三种不同的节奏型。整个过程始终以学生为主体，兴趣是盎然的，学生充满了学习积极性，较好地体现了新课程“让学生在体验知识的形成、发展过程中，主动获取知识”的理念。
第二篇：速度在音乐中的表现意义[模版]
速度在音乐中的表现意义
音乐的速度与音乐所表达的情绪、情感有密切的关系，我们用来形容情感、情绪的词句，如热烈、欢快、活泼、欢庆、愉快、快活、高兴……等等，这种情绪本身就有一种向上、愉悦，使人振奋的因素，它就要求速度要稍快，以表达高兴的情绪;而沉痛、悲伤、忧郁、沉重、肃穆、回忆、柔和、悲痛、平静……等等，它种情绪就要求速度要稍慢，以体现压抑的情绪;还有一些情绪，如温柔、抒情、舒展、甜美、优雅、如歌的、诙谐、赞颂、亲切、流畅……等等，这些情绪就适宜使用中等速度来表现。
同一首歌曲或乐曲，如果使用不同的速度来进行演奏(演唱)，就会有不同的音乐形象，它所表达的情绪、情感也会有很大的区别，甚至是天壤之别。如圣·桑的《动物狂欢节》中的许多音乐形象就是他将别人的音乐作品主题进行速度上(也有在音色上、音区上、节拍上、节奏上、调式上、和声及配器等方面)的变化，从而产生了新的音乐主题，形成了与原作截然不同的音乐形象。
试想，如果将一首欢快乐曲的速度放慢两倍来演奏，那么它就会失去欢快的情绪而变得深沉，或是忧郁、悲伤;同样，如果将一首缓慢、沉重的哀乐用加快两倍的的速度来演奏，那么它就不再悲痛，而是变得跳跃、欢快，与原来的情绪截然相反。
所以，我们无论在演奏(唱)任何音乐作品时，都要仔细看清楚乐曲的速度要求，不但要注意基本速度，还要注意变化的速度，切不可掉以轻心，将音乐的速度随意改变，而引起音乐形象和情绪的扭曲。尊重作者真实的创作意图是我们进行音乐演绎的基本依据，只有按照作品的要求进行演奏(唱)，才能获得良好的演出效果。
第三篇：《速度在音乐中的表现意义》教学案例分析
《速度在音乐中的表现意义》教学案例分析
设计理念
“兴趣是最好的老师”这是一句至理名言。本教学活动设计力图使学生了解音乐的速度与音乐所表达的情绪、情感密切的关系。通过师生间相互的交流合作，利用学生的兴趣，使学生了解同一首歌曲或乐曲，如果使用不同的速度来进行演奏（演唱），就会塑造不同的音乐形象，它所表达的情绪、情感也会有很大的区别，甚至是天壤之别。
活动目标
1、节奏训练，让学生感受节奏的魅力。
2、欣赏朝鲜歌剧《卖花姑娘》的《春天年年到人间》，利用四三拍速度的变化，体会了解情绪与速度的关系。
3、了解速度的概念，分析不同情感所使用的不同速度。
活动准备
1、把全班分成三个小组。
2、课前请同学们看一部电影冯小刚导演的《大腕》。
活动过程
一、游戏导入.活跃气氛.节奏训练
“同学们，今天老师跟大家做个游戏，如果一拍一个字，那么我们拍手叫李明，应该怎样拍啊？”（同学们可以打出”ｘｘ”的节奏。）“如果我们一起叫王亚楠，大家说应该怎么拍啊？”（同学们会打出两种节奏，教师做示范，由同学们判断，“ｘｘｘ”“ｘｘｘ”同学们会选第一种。）“大家做的很好，如果用拍手的方式叫上官文慧又应该怎么拍呢？”（同学们又会很积极的打出“ｘｘｘｘ”的节奏。）（老师打ｘｘｘ的节奏）“请叫这个名字的同学举手，好的，三个字名字的同学反应很快。”（用同样方法做另外两种节奏反复训练，使学生在不自觉的情况下，可以用耳朵辨别三种不同节奏型。）“接下来同学们跟老师一起去„打人'吧，我们先来„打'李明，当然是用拍手的方法，大家要在心里非常平稳地默念他的名字，注意一定要平稳不能忽快忽慢，好吗？我们一起打三遍。”（同样方法训练另外两种节奏型，使学生平稳的掌握三种节奏型，按照课前分好的三个组，每一组打一种节奏型，也可以先从两种节奏入手，把两种节奏训练好，在加入第三种节奏，最终形成三声部的和声。）
二、播放范例.组织交流.掌握理论
1、“同学们课前老师让大家看一部名叫《大腕》的电影，同学们都看了吗？有什么感想呀？”“老师，影片特别搞笑，有一段......”（同学们马上交流起不同片段）“今天老师给大家带来了电影的一个片段，大家想不想一起看一下呀？”（课堂气氛很活跃，为同学们播放片段，是男主角为拉广告赞助将哀乐进行曲改变了速度，变为欢乐进行曲，同学们看后哈哈大笑。）
2、“好，同学们，老师要问答大家，歌剧在世界上哪个国家最著名？”（同学们回答：„美国、意大利等等'）“对，意大利的歌剧最著名，那么，中国的歌剧有哪些？同学们知道吗？”（《洪湖赤卫队》《白毛女》《江姐》《党的女儿》等）“很好，同学们的知识很丰富，今天给大家介绍一部朝鲜歌剧《卖花姑娘》，其中有一首《春天年年到人间》的插曲，在我们课本的第21页。同学们你们的眼中春天是什么样的呀？”（鲜花盛开的、万紫千红的、朝气蓬勃的等）“对，是美丽的春天，下面我们倾听一首《春天年年到人间》，一起感受这首作品里的春天是什么样的。”（播放歌曲，同学们认真倾听是悲伤的、辛酸的）“是的，这部歌剧的故事情节是在描述朝鲜被日本帝国主义侵占时期，哲勇一家不幸的遭遇，刻画女主人花妮上街卖花的形象。春天是美的，但这首歌里的春天是悲伤的，同学们如果老师这样演唱，大家来听一下。”（教师将原来的中三变成快三演唱，）“如果老师这样唱大家觉得对吗？”（同学们说不对，老师改变了歌曲本身的速度，连作品的原意也改变了，不悲伤，反而很欢快）。“是的，三拍子的强弱规律有着旋转、摇曳的律动，天生就有舞蹈的性质，表现一些轻巧、优美、诙谐、田园、安详的气氛和情感是比较理想的选择。但是，同样都是三拍子，改变速度就把一首作品完全改变了，同一首歌曲或乐曲，如果使用不同的速度来进行演奏（演唱），就会有不同的音乐形象，它所表达的情绪、情感也会有很大的区别，甚至是天壤之别。所以，我们无论在演奏（唱）任何音乐作品时，都要仔细看清楚乐曲的速度要求，不但要注意基本速度，还要注意变化的速度，切不可掉以轻心，将音乐的速度随意改变，而引起音乐形象和情绪的扭曲。尊重作者真实的创作意图是我们进行音乐演绎的基本依据，只有按照作品的要求进行演奏（唱），才能获得良好的演出效果。同学们速度就是音进行的快慢，说得更确切些，就是节拍单位律动的频率。速度在音乐中的意义是非常重大的，因为各个音乐形象的特点都是或多或少与进行的一定速度相关，为了表现不同的情感和场面，需要配合不同的速度和力度，才能完整地塑出准确的音乐形象。”（同学们纷纷点头表示赞同。）
三、拓展加强.知识抢答.深化主题
3、“好的，同学们下面让我们来分析一下，不同情绪所要的速度，大家说在我们身边都有哪些情感啊？”（同学们踊跃发言，课堂气氛很活跃，„热烈、欢快、活泼、欢庆、愉快、快活、高兴……'）“如果情绪本身就有一种向上、愉悦，使人振奋的因素，大家说因该是什么速度啊？”（它就要求速度要稍快，以表达高兴的情绪；）“那么，沉痛、悲伤、忧郁、沉重、肃穆、回忆、柔和、悲痛、平静……等等情感呢？”（它种情绪就要求速度要稍慢，以体现压抑的情绪；）“还有一些情绪，如温柔、抒情、舒展、甜美、优雅、如歌的、诙谐、赞颂、亲切、流畅……，”（这些情绪就适宜使用中等速度来表现）；“所以如果将一首欢快乐曲的速度放慢两倍来演奏，那么它就会失去欢快的情绪而变得深沉，或是忧郁、悲伤；同样，如果将一首缓慢、沉重的哀乐用加快两倍的的速度来演奏，那么它就不再悲痛，而是变得跳跃、欢快，与原来的情绪截然相反。”
4、“下面让我们进行一场知识抢答比赛，我们有三组同学，大家听到题目之后先商量一下，然后每组派一名代表，看哪个队可以又快又准确的回答问题，问题是多选题必须答对所有答案才算获胜，下面是第一个问题：
（1）、下列描述正确的有：（ABCD）
A.欢快的情绪一般用较快速的音乐表现。
B.慢速的音乐用来表达沉重、悲伤的情绪。
C.演奏音乐一定要依照作者的原速度进行，否则就会面目全非。
D.速度与力度一样是表现音乐情感的重要手段。
（2）、下列描述正确的是：（ACD）
A.作曲家标记出的力度、速度变化，在演奏中要尽可能保持原样。
B.在演唱歌曲时，虚词要唱重，实词要唱轻。
C.切分节奏要突出切分音的重音。
D.在演唱歌曲时，要突出重点词。
同学们都能够积极抢答问题很好，看来同学们也已经掌握了速度与情感的变化，今天老师跟大家做了节奏的训练，同时还介绍了一首《春天年年到人间》的歌曲，还与同学们共同分析了不同情感与速度的关系，当我们在日常生活中遇到不同情感时，也希望同学们可以利用这节课的知识，欣赏不同节奏的音乐来调节我们的心情，今天的课到这里，下课！” 案例评述
本活动设计把游戏和电影片段引入课堂教学，同学们由课前影片的欣赏开始，在笑声中感受到了速度与情感的变化，课堂教学教师采用奥尔夫教学法对节奏的进行训练，并利用生活中的小事例做节奏的训练，并非打节奏就是教师打一遍，学生机械的学打，使学生在游戏中，自然掌握三种不同的节奏型。整个过程始终以学生为主体，兴趣是盎然的，学生充满了学习积极性，较好地体现了新课程“让学生在体验知识的形成、发展过程中，主动获取知识”的理念。
第四篇：在音乐欣赏中感悟、想象、表现音乐
在音乐欣赏中感悟、想象、表现音乐
马克思曾经说过：“对于不懂音乐的耳朵，最美的音乐也没有意义。”由此可见，如果学生缺乏必要的音乐欣赏能力，音乐的美感就不能为学生所感觉，音乐本身也会黯然失色。那么，如何在音乐欣赏中感受音乐、想象音乐、表现音乐呢？下面谈谈我在音乐欣赏教学中的一些做法。
一、在音乐欣赏中感悟音乐
音乐欣赏教学就是让学生听赏各式各类的音乐作品，整个教学过程就是一个对音乐的感悟过程。在对音乐的感悟中，通过教师的引导，来培养学生的音乐感受力，其中包括对音乐要素的感受力、对音乐风格的感受力及对音乐情境意象的感受力等。在培养这些感受力的同时，使学生的人格情操得以陶冶。
例如《口哨与小狗》，乐曲用模拟手法使音乐产生直观听觉形象。在欣赏作品时，我看到很多学生和着那诙谐、活泼的音乐旋律，随心所欲地摇晃着脑袋，扭动着身体，一副顽皮、神气的样子，自己仿佛就是音乐中的小主人，吹着欢快的口哨，心爱的小狗在其身边摇着尾巴，跳来跳去。我不禁为学生的音乐感受力所感动。
音乐欣赏不应该只把学生拘泥于室内的学习，应当让他们回归生活，走进自然，在大自然中体味音乐的存在。比如：课外郊游时，带领同学们在森林里漫步，树叶沙沙作响，小溪欢快地流淌，鸟儿放声歌唱，这不就是大自然演奏出的美妙乐曲吗？在不知不觉中，同学们都随着这美妙的自然音响哼唱起来，曲调清新、自然、淳朴，他们感受到了音乐的存在，生活的美好，脸上露出了幸福的微笑。
二、在音乐欣赏中想象音乐
爱因斯坦说过：“想象力比知识更重要。想象力推动世界，是知识进化的源泉。”少年儿童的想象力是一把开启心灵的钥匙，通过它可以使灵感得到创造性的发挥。因此，作为素质教育的音乐欣赏教学，必须舍弃一些单调、枯燥、令学生感到厌烦的内容和模式，必须是使受教育者在良好的心态、轻松的气氛和愉快的环境中潜移默化地实施的。
如在欣赏《丰收之歌》前，我先让学生想象一下秋天的景色，接着播放丰收景象的flash，学生们看到了田野上庄稼都已成熟了，人们在忙着收割，果园里甜美的水果挂满枝头，人们正在忙着采摘，一片丰收喜悦的景象。学生仿佛置身其间，感受到成熟果实的香味，脸上也露出了像秋天一样的灿烂笑容，并且加深了对歌曲内容的理解。然后再次欣赏歌曲时，学生们很快地进入歌曲的意境之中，愉快地进入歌曲听赏，并试着用打击乐器随歌声进行伴奏，进一步体验秋天丰收的喜悦。
三、在音乐欣赏中表现音乐
小学生，特别是低年级的学生，他们天生活泼、好玩好动、好奇心强、想象力丰富。而他们对音乐的感受总是通过各种动作表现出来。要提高音乐课的教学质量，应根据儿童好动、好游戏的心理特点，把少儿的音乐欣赏与游戏、舞蹈有机结合起来，把抽象的音乐欣赏转化成生动有趣的游戏、舞蹈，使之形象化、具体化，让少儿通过自身的活动，把听、视、触等各种感觉活动和运动、唱歌、表演、游戏、舞蹈等结合起来，从而把他们从座位的束缚中解放出来，让他们既动口、动手、动脚，也要动脑，蹦蹦跳跳地进入音乐世界，在轻松愉快的气氛中获得音乐知识和技能，培养思维能力，同时也受到美的熏陶。
“音乐是舞蹈的灵魂。”音乐与表演是密不可分的，通过有声有色的表演能够更好地表现歌曲中的内容。比如《快乐的诺苏》是根据彝族民间音乐改编的弹拨乐合奏曲。在欣赏教学前，我先让学生听着音乐，说说自己所了解到的知识，并及时对学生进行表扬和鼓励。接着播放一些彝族歌舞给学生看，激发学生喜爱彝族音乐和歌舞的情感。然后让学生穿着彝族服装，戴上头饰，扮演成“彝族小朋友”，跟着音乐跳起欢乐的舞蹈。游戏表演进行的顺利而愉快，课堂气氛非常活跃。在分组表演后，同学们很快掌握了这首欢快热烈而又轻松活泼的民族乐曲。一次，我让学生们一边欣赏《我是人民的小骑兵》，一边编排舞蹈动作，全班几十个人编了几十个小舞蹈，尽管有的大同小异，有的动作也欠优美，但我还是表扬和鼓励了他们，因为这毕竟是他们的心血，他们自己的“作品”。作为教师要精心地耕耘和栽培，让孩子们幼小心灵中播下的创作种子得以生根、开花、结果。
现代课堂教学论认为，在课堂上学生是学习的主体，主动参与、合作探究、勇于创作是创新教育的真谛。我在音乐欣赏教学中，千方百计地把学生学习的主动性、积极性调动起来，把较多的时间和空间留给学生去感悟、去想像、去表现，创设一个海阔凭鱼跃，天高任鸟飞的学习环境，让他们在艺术探索和大胆实践中，具备“敢为人先”的创新精神，激发学生在“音乐王国”中做“自由天使”，让学生真正成为音乐创作的探索者，在广阔的艺术道路上漫游！
第五篇：略论音乐分析在声乐教学中的意义
略论音乐分析在声乐教学中的意义
摘要：在声乐教学中，教师把主要的精力都放在声音本身上，而常常忽略对所演唱的作品本身的分析。由于声音处理的依据是建立在对作品的分析理解之上的，因此只关注声音本身的声乐教学会使演唱的整体结构缺乏逻辑性。声乐教学中的音乐分析有自己特定的要求、内容与方法。其总体目的是通过分析把握音乐作品的结构脉络与层次，使演唱有理可依，有规可循。从而获得更好的教学与演唱效果。
关 键 词：声乐教学；音乐分析；结构分析；风格分析
中图分类号：J 616 文献标识码：A 文章编号：1004-2172（2008）02
在声乐教学中，教师通常都特别注意歌唱技术的训练。大多数学习者也抱有这样一种观点，那就是有一副好嗓子和一些音乐才能就是唱好一首歌曲的全部。但声乐教与学的最终目的不是能发出几个漂亮的高音这样简单，最根本的衡量标准是对音乐作品的诠释能力。因此，演唱者必须对音乐作品有一个完整深入的理解，并以此作为声音处理的依据，这样才有可能释放作品本身所蕴涵的音乐内容，较高质量地完成二度创作。因此，在声乐教学中，对所演唱的作品的分析的深度对演唱的质量有着直接的影响。如果忽视对作品本身的分析，就使声乐演唱缺乏整体感，声音的处理缺乏逻辑，使整体的演唱效果缺乏扣人心弦的艺术魅力。因此在声乐教学中，重视对所演唱作品的音乐分析不仅是必要的更是必需的。
一、音乐分析在声乐教学中的必要性
一提起对演唱作品进行分析，声乐教育者可能首先想到的是对歌曲或演唱作品的歌词声韵进行分析。这当然是演唱歌曲所必需的，但我们还需要知道这首歌曲的结构、分句、风格，咏叹调在剧情发展过程中的地位等问题。光有好的声音是演唱的基础，但如果对作品本身的问题没有很好的分析研究，就容易使音乐的整体缺乏立体感、层次感和结构感。音乐是时间的艺术，它不像美术、建筑等艺术，结构是存在于时间过程之中的，如果对音乐作品的内部结构和外部关系没有进行比较深入的分析研究，那么演唱的整体效果就很难构成一个完美的空间结构。从这个意义上来说，音乐分析对于声乐演唱和声乐教学具有重要的意义。从另一个方面来说，在声乐教学中强调对作品的音乐分析可以提高学生应对新作品的能力。因为演唱中的声音处理必须建立在对作品的分析上。古人云：“授人以鱼不如授人以渔”。教会学生处理歌曲可以避免学生毕业后只会演唱教师指导过的作品的现象，从本质上提高声乐教学的质量。
二、声乐教学中音乐分析的内容
声乐教学中的音乐分析与作曲理论研究中的音乐分析不完全相同。在声乐教学中，音乐分析主要是与声乐的空间结构构建相关的。主要包括以下几个方面的内容：
（一）、结构分析
说起结构分析，人们首先会想到曲式分析。在声乐教学中，曲式分析虽然也是必然的，但它的要求却截然不同。比如当分析一首歌曲是三段式时，它就对声音的形象处理提供了依据和要求。因为在再现三段式中，第三段从音乐形态上来看与第一段相同，但其音乐意义却不同。再现段不是第一段的静止重复，而是音乐发展的一个新的阶段，再加上速度、伴奏等方面的因素，会在声音的色彩、亮度、力度、演唱的情绪方面产生不同的要求。如果对三段式没有这样一个逻辑性的认识，演唱者就会机械地处理首尾相同的两段，这样显然不利于很好地诠释作品。对音乐段落内部结构的分析也对作品的演唱有很大的影响。比如乐段内各乐句的关系、乐句的起迄等等，都对声音的形象有直接的影响。我们经常会看到有些演唱者在处理两个或多个相同的乐句时的呆板或缺乏逻辑。如果对乐曲进行比较深入的分析，对这样几个相同的乐句就可能采用更加合理的变化处理。再比如在许多歌词的结构和旋律的结构不一致的地方，只有经过细心的分析才可能正确断句。而这些细节对声音的表现力有着直接的影响。结构分析还包括更广泛的内容，在演唱组歌、套曲、清唱剧、歌剧作品中的选段时，这一点就十分重要。比如一段歌剧的咏叹调，你只分析咏叹调本身的结构是远远不够的，还必需分析整部歌剧的结构及情节发展的脉络，然后分析所演唱的咏叹调在这一过程中的阶段，咏叹调主人公在整个人物关系结构网中所处的位置等等。比如马勒的《大地之歌》第一乐章是一首歌咏人世悲愁的男高音饮酒歌，歌词源自李白的《悲歌行》。马勒改写的歌词为：“金杯中的美酒且不要饮，先让我来唱歌，请你倾听!我歌唱惊心动魄的忧愁之歌。当忧患临近，灵魂的花同里野草丛生，欢乐的歌已沉寂不可闻。生和死都是一片幽瞑!”。毫无疑问，“悲”是该段音乐的主要情绪。但作为一部大型音乐作品的第一首，无论从整体结构不是上从情感结构上来看，其悲都不能达到顶点，因此，在处理这一段的悲时就会获得比较好的把握。当然，从内容上来分析，这段歌词虽有因孤独而形成的悲，但也有诗人一种曲高和寡、知音难觅的意思，还有一点看破红尘，向往宁静的意思在里面。但从整体结构上来把握是保证情绪演绎恰如其分的重要保证。结构分析对声乐演唱质量的影响是间接和潜在的，但却是完美的演唱所必需的。声乐教师在处理歌曲时，当技术问题解决后，对歌曲演唱整体的处理主要放在结构上，比如乐段的情绪及不同乐段之间的对比；每个乐句的走向、各乐句之间的关系与衔接等等。此外，结构分析还可能涉及到作品的音色布局、力度逻辑、高潮起落等因素。
（二）、风格分析
不同的音乐作品总给人造成某些不同的听觉与情感体验，任何作品都会在呈示的过程中以某种特定的风格特征呈现。作为演唱者，一个重要的表现目的是忠实作品的自身风格。人们常说某某人演唱的味道很对，这很大程度上是说演唱的风格把握得很准确。如果说结构分析关注的往往是作品内部的组织逻辑，那么风格分析总是关注作品与外部世界的关系。这一点对于声乐教学和演唱有着特别重要的意义。因为演唱最本质的属性是演唱者和欣赏者之间的一种信息流通活动。著名未来学学者托夫勒在他的《科学和变化》一文中曾说过：“在当代西方文明中得到最高发展的技巧之一就是拆零，即把问题分解成尽可能小的一些部分。我们非常擅长此技，以致我们竞时常忘记把这些细部重新装到一起。” 结构分析方法就是“拆零”，也就是将一首音乐作品的分解成乐段、乐句、乐节等等进行演唱的处理。而风格分析则是对音乐作品的整体面貌进行分析研究。我们知道，任何一部音乐作品的音乐语言的组织、音乐风格的形成，必然有其外部联系，具体表现在以下几个方面：第一，总是和作曲家个人的世界观、艺术观、艺术趣味，以及音乐语言创造方面的天赋相联系；第二，总是和作品产生的社会生活背景、其他文化艺术形式及美学思潮的演变相联系。影响音乐作品风格的外部因素非常多，作为声乐教学中的风格分析没有必要做到如此全面，主要应从以下几个具体的方面加以分析：
1、确定作品的时代风格。比如是古典的、浪漫的还是现代的；
2、确定作品的地域风格；
3、作品整体的调式风格。比如要确定其调式风格是民族的还是西洋的、是哪个民族的；
4、钢琴伴奏的和声风格。分析它是传统功能和声还是现代的非功能和声。
5、旋律结构风格。比如旋律音程的特点、变化音的特征、分句的特点、装饰音的规律等等。
（三）、背景分析
这一部分在目前的声乐教学中应该说是做得比较好的。所谓背景分析就分析与音乐作品间接相关的历史人文背景。这一点对于大型作品特别是歌剧的演唱有十分重要的意义。比如要了解歌剧作品的作曲家，因为作曲家的生平蕴含着复杂的人生经历，许多伟大的作品都是作曲家在命运之路上艰难地跋涉时的情感产物；了解歌剧产生的时代背景以及当时演出时的盛况；分析角色主要的唱段；唱段表现的戏剧情节、感情冲突和环境氛围等等。这样的分析可以使演唱具有一种历史感，可以在对作品背景了解的基础上使演唱者产生理性的情感共鸣，从而获得更好的演唱效果。
歌曲是音乐和文学的结合，对作品的文学分析也是必不可少的。每一位诠释歌曲的音乐家的目标都是要反映和再创作曲家从歌词自身所激发出的最初的冲动。歌词赋予歌曲以色彩。歌曲的颜色，歌词的意象，必须被歌者通过内心的幻想画在每一个细节上，这样音乐作品内在的特性、情绪和精神才有可能被反映在演唱者再创作所营造的气氛当中。而要完成这些，就必须对歌词进行深入的内容分析，而不是仅仅关注它们的读音、声韵、开口闭口等因素。每一首歌曲都包含着歌者所营造的一种情绪和一种气氛。每一首歌都有一种情绪和一种气氛。拿现在已知的著名的中国作品来讲，已涉及唐诗宋词中的诸多作家，元代及明清的诗词作者，以及近现代的刘半农、徐志摩、田汉、光未然等作家。外国歌曲、清唱剧和各剧种所涉及的体裁有诗、剧本、小说、神话、史诗等。涉及的作家从英国的莎士比亚到法国的戈帝埃、魏尔伦，从德国的歌德、席勒、海涅到俄国的普希金、托尔斯泰，还有《圣经》中的故事、赞美诗、经文歌等也都进入了声乐文献。这就要求我们的声乐老师不能仅仅满足于把歌词的正确读音教给学生，不要对文歌词的作者、时代、社会背景有一个比较全面的了解，具有这样才有能力给学生讲清楚，才能使学生了解作品所在的整个时代风格，从而更加准确地把握表现作品的分寸。
三、声乐教学中音乐分析的步骤
在声乐教学中，对所演唱的作品进行分析可以依据以下步骤进行：
（一）、背景分析
包括作曲的时代、风格、技法特点；作品的创作时代、地点；作品产生时代的文化思潮；作品在音乐史上及作曲家本人创作中的地位；歌词分析。
（二）、结构分析
包括作品的曲式；内部的段、句、节之间的划分与关系；句势与走向；如果是歌剧等大型作品，还应分析整体的戏剧结构及音乐结构，以及戏剧结构与音乐结构的重合与交错；高潮的酝酿形成等等。
（三）、风格分析
主要包括时代风格；作曲家风格；体裁风格；调式风格；和声风格；旋律风格等等。
当然，这些分析并不一定要以严格的先后顺序进行。但是老师应该设立一个明确的分析步骤，养成一个良好的教学习惯。这样做可以使声乐教学更加科学化。因为声乐教学往往建立在个人体验基础上的教学法或者建立在直接模仿基础上的教学方法。这些教学法应当说是有其合理的部分的，比如不少歌唱大师在讲述其歌唱方法时，主要就是描述其个人的内在体验，而许多老师也一直使用模仿的教学方法。不可否认，这样的教学方法不乏成功的例子，但它同时是一种非常容易误导学生的感性教学法，其成功率和失败率相差无几。而步骤化的教学模式可以在兼顾因材施教的前提上保持教学的稳定性，提高声乐教学的质量。
四、声乐教学中音乐分析的意义
在声乐教学中注重对所演唱作品的音乐分析有着重要的意义，主要体现在以下几点：
第一，在声乐教学中，教师经常会把主要的精力都放在声音本身上，而常会忽略对所演唱的作品本身的分析。由于声音处理的依据和基础要建立在对作品的分析理解之上，因此只关注声音本身的声乐教学会使演唱的整体结构缺乏逻辑性。因此，只有把声音处理置于音乐分析的基础之上，才能使歌曲的演唱处理富于逻辑。
第二，如前所述，声乐教学中的经验式教学方法容易使教学过程变得随意，这样的方式不利于声乐教学的科学化。
最后，注重声乐教学中的音乐分析，可以使教师从更多的方面去启发学生高质量地完成作品的诠释。但更为重要的是通过这样的教学可以使学习获得一种可持续的音乐作品处理方法，避免学生毕业后只会演唱教师指导过的作品的现象。从而提高声乐教学质量。
当然，声乐教学是一个系统工程，强调声乐教学中音乐分析的地位并不是要否认技能技巧训练的重要性。而是要在声音训练的基础上加强理论学习，以达到提高学生整体素质，获得良好教学效果的目的。理论知识修养是源泉，科学实践锻炼是关键，在实践中不断提升学生对理论的理解及兴趣，使学生的认识从局部到整体，从感性到理性，使他们有理可依，有规可循。
责任编辑：陈达波
参考文献：
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