第一篇：高中声乐教学实践论文 Microsoft Word 文档
高中声乐教学实践论文
桂林光华学校 江北斗
作为高中音乐老师，担负着学生声乐启蒙的重任，万丈高楼平地起，启蒙老师起码得保证不让学生输在起跑线上，下面是我多年高中音乐教学中的一些独到见解。
一、将声乐与物理学横向联系
1.声音是由振动产生的，产生振动的物体材料多种多样，材料不同音色也不同，振动再引起共鸣，共鸣体的型状也直接关系到声音的质量。传统的“三种唱法”往往会让初学唱歌者误解，大多数初学者首先把自己划个牢笼——我要唱美声？民族？通俗？没有想到自己发声的材料怎么样，共鸣腔怎么样，一味追求唱什么，没有想到自己适合唱什么。一支竹制的乐器要唱出铜管的声音请问能做得到吗？一支小号想唱出大提琴的声音又怎么去做呢？所以，学声乐要结合自己的实际，在老师的指导下了解好自己的实际情况，如：发音材料——声带宽窄厚薄和位置的深浅，共鸣腔——喉管口腔及鼻腔的形状，之后才能判断并确定自己适合美声？民族？还是通俗，并在选歌上扬长避短，充分发挥自己的长处，唱出自如、流畅、美丽、动听的歌，千万不能去造“声音”。
2.通过简单的物理实验找出声音不好的原因。其一用纸卷一个纸筒靠在嘴上朗诵和拿开纸筒朗诵有啥区别呢？当然用上纸筒声音好得多，究其原因得出：声音浅管子短就不好听，管子变长声音就变好。其二用小号试验，小号的声音就是嘴唇振动的声音，单听嘴唇振动的声音尖锐刺耳不好听，嘴唇上加上一个号嘴就会变得稍微好听，再把号嘴插入小号就特别悦耳动听。学习唱歌的过程就是把自己把你的发音管变得越来越长的过程，但唱歌不可能把管子向空中向外延长，那就只能从自身解决往里面变长。3.凸透镜的原理。大家都知道，太阳照射大地，总不会平白无故的让森林和
房子随便就着火燃烧吧，但如果用一块凸透镜将阳光集中在一点，很快就会着火。我们唱歌声音没有穿透力，唱不了高音，就相当于阳光不会自然，如果将声音像凸透镜控制阳光一样集中在一条线上沿着后咽壁往上冲，声音的效果一定会好得没法想象。
二、正确地使用力量。
1.足底呼吸法。唱歌肯定要使用力量，如何恰到好处地使用力量呢？我们知道肺是用来呼吸的，平时的呼吸不需要多大的气息，也就感觉不出呼吸所用的力量，单靠肺的力量也完全能够呼吸，一旦进行强力运动，如快速跑步、演奏吹管乐、歌唱等就会觉得气息严重不够，需要加大呼吸的强度和频率。加大呼吸的强度和频率需要力量，这么大的力量如果全由肺完成，肺不被累成肺病才怪呢？因此，我们必须学会一种科学的用力方法——足底呼吸法。具体做法是：呼气时用脚趾抓地，吸气时脚趾放松，再抓地呼出，再放松吸气，循环往复。你只要反复去做，就会发现肺部用力越来越少，气息越来越充足，跑步越来越轻松。运用在歌唱中，脚趾放松吸气，脚趾抓地唱歌，再放松吸气，再抓地唱歌。这样你一定会发现唱歌时肺部、脖子、越来越轻松，同时你歌唱的管子也越来越长，音色越来越美。其实这种呼吸法和博大精深的中国功夫呼吸法完全一样。也和声乐理论中的丹田呼吸法、腹式呼吸法同出一辙，只不过是更加形象、更加容易理解而已。
2.让脖子完全放松。如果学会了脚底用力的方法，就要用思维把所有的力量都放到脚底，让脖子全部松弛下来，要松弛到什么程度呢，要松弛到不用枕头平躺床上睡着了的程度。这样才能让你的歌唱发音管越来越长，脖子稍一用力，肌肉就会把管子卡住，这时再发声就相当于自己跟自己过不去，也好比一手推门一手拉门，门打不开却白费力。脖子放松了，歌声在在脚底的控制下缓缓涌出，像泉水、像清风，沁人心脾。
3.作用力与反作用力。作用力和反作用力永远同时存在，相互作用，互相依存，脚底的力量从脚趾开始往上传递，同时必须有一种反作用力向下运动，两者
碰撞而发出金玉之声。这种反作用力从何而来呢？就像人喝下一口水顺着喉管往下流直达丹田（肚脐)下方，那么这种反作用力也是在思维的引导下像喝水一样往下往下再往下，一路走来把喉管全部打开，在丹田处与脚底的力量碰撞，歌声由此而产生。这样你歌唱的管子变长了，脖子也放松了.如果不谈唱歌的感情投入，吐字等方面，单从物理现象理解，你把唱歌就当成每唱一句就是有一口水流到丹田与脚底力量产生对抗。
4.爬山虎的原理。爬山虎是一种藤蔓植物，藤是软的，可是他能爬上很高的楼房，什么原因呢？因为它巧用力量，紧紧地贴着墙壁往事爬。离开了墙壁，尽管它拼尽全力去昂头往上，最高始终不过一两尺。唱歌也一样，要想让歌声挺拔有力，高音通畅，也得学学爬山虎，大脑在想象与控制中，将声音紧贴咽腔后壁往上冲，就会觉得非常轻松，歌声也会变得挺拔并充满活力。
5.躺着练歌也是一种好方法。平躺在床上，四肢伸直，不用枕头，这种状态下，你就全身放松了。再试着唱歌，慢慢感受是怎么用力的，站起来也像睡着一样，用同样的方法练习，也能找到正确的歌唱方法。
三、把人当成一件乐器。
1.嗓门大的、粗犷的、宏亮的.就好比是一根直径较大的竹子，只能制成曲笛（如C调、低音G调), 只能是好的“美声”料子.嗓门不大，但优美、细腻、抒情、嘹亮的则好比是一支直径较小的竹子，只能制成梆笛（如F调。小G调），是民歌料子。大G调的竹笛永远也不会吹出小G调的效果，小G调也永远吹不出大G调的声音。人也一样，不同的是乐器固定死了，人可是活的，肌肉可以通过正确的控制产生一些变化，高音是通过肌肉控制，将歌唱的管子整体缩小而获得。要做到能正确、科学的发声并利用好嗓音这件乐器表现音乐，了解嗓音生理结构和发声原理是前提。人的发声器大体由声带（含假声带）、胸腔、喉腔、咽腔、口腔、鼻腔、头腔构成。简单的发声原理是：声带在气体的冲击下产生振动，然后声带振动发出声音，经过胸腔、咽腔、喉腔、口腔、鼻腔、头腔的共鸣，便发
出响亮和动听的声音。音质、音色和演唱能力，都是由共鸣腔体调节出的不同结果。
2、比较好的音箱，起码得有三个扬声器——低音、中音、高音，如果只有低音扬声器，声音沉闷压抑，如果只有高音扬声器，声音尖锐刺耳，只有当高中低三个扬声器同时发声才会得到理想的悦耳的声音。歌唱者也不妨把自己当成一个好的音箱，胸腔咽腔共鸣是低音扬声器，头腔鼻腔共鸣是高音扬声器,喉腔口腔共鸣是中音扬声器，如果三个扬声器都有共鸣，歌声一定美妙。
3，如果二胡没有下面的圆筒，或圆筒是实心的，如果吉他没有那个箱子，或把箱子外面堵住，你可想象声音的后果吗？共鸣箱的打开是多么重要啊。要做到充分打开和自如调节共鸣腔体，必须经过严格、正规的训练，上述所说的用力方法是最为重要，用力的方法如果错了，不但打不开，还会因为肌肉的紧张，共鸣腔越来越小。当然还有很多其他方面，如：人的情绪、心理和其他肌肉、器官的积极配合、协调。喉结的位置在哪，路线如何，软腭在不同音高时的状态，舌根、舌头的运动，下巴如何运动，怎样张嘴，人的身体如何配合等都关系到声音的好坏。
四、音乐与圆。
1.宇宙万事万物都是由圆组成的，大到星系，小到分子原子，一些物体表面看来不是圆，但它的分子都是圆。那么我们的歌声要想好听，首先得让人感觉到圆润，只有圆润才会悦耳。怪不得所有的乐器都充满着圆和圆弧。
2.既然人就是一件乐器，当然得形成很多的圆——圆圆的喉腔、圆圆的口腔、圆圆的咽腔、圆弧的胸腔和鼻腔以及圆润婉转的歌声。喉腔和咽腔打开了自然会是圆的，口腔呢?掀开不一定是圆，舌头与上腭要组成一个圆，舌根与喉腔得连接成为圆弧，小舌要提起形成圆弧以便产生圆弧型的头腔共鸣，口腔变圆不能让下巴往下拉和用力，只能将上腭像打开盖子一样往上掀开，下巴一旦往下拉，喉咙就会被卡住，圆就无法形成，自己唱着吃亏，别人听着刺耳。
3.一些形容歌声的词语如：歌声绕梁、绕梁三日、余音袅袅、歌声婉转等等，这些都与圆、与旋转有关，说明美妙的歌声是旋转的、是圆的，旋转的力量是无穷大的、最具穿透力的。由此，我们可以假想自己的丹田有一台永不生锈的发动机，在不停地旋转不停地歌唱，吸气就是给它加油，你不是在用嘴巴歌唱，也不是在用喉咙歌唱，而是你用发动机来诉说你的心声，歌声穿过长空，传到每一个人的耳朵。
五、歌唱时的一些感觉。
1.练习唱歌时只要出现喉咙不适（如发痒，发干，发痛），一定是方法出了问题，必须马上停下来，然后想一想自己的哪些方面做错了，修正之后再练。如果方法正确，越唱喉咙会越湿润。连续歌唱下来，只觉得有点累，而没有感觉喉咙不适一定是好的。
2.唱歌时如果发现自己是在记歌词、想音准、节拍，或在想自己的方法，起码可以肯定唱得不是很理想。用力、用气的方法练到习惯成自然才好，歌唱是向人们诉说心里的话，或讲一个动人的故事，让大家一起感动。
3.舞蹈是用肢体讲故事，让大家感动，唱歌是用歌唱的语言及少量肢体语言讲故事，当然面部表情也非常重要，这要平时经常练习两边笑肌及眉宇的灵活，才能很好地配合你心里的故事，歌唱时感觉到了自己眉飞色舞就好。
4.如果发现自己是在模仿别人的歌声在唱歌，一定不会唱出好的歌来。适合自己的便可以借鉴，但不可模仿，每个人有每个人的特点。著名的歌唱家没有一个声音是相同的。
六、人人都需歌学唱。
1.学好唱歌的方法有益健康。学会了唱歌的方法就等于有了更好的呼吸方法，用于医学上可以治疗慢性咽喉炎，肺活量增强了，肺得到了很好的保护，有利于提高全民族的身体素质。
2.学唱歌并不是人人去争当歌唱家，国家也不需要那么多歌唱家，可以成为
优秀的音乐工作者可以，为广大人民提供丰富的精神粮食，可以担任合格的音乐老师，让科学的歌唱方法一代代相传并不断发展。
3.如果全民族都用歌唱般声音讲话，世界就会变得多么美好。特别是广大的人们教师由于长时间的教学，很多都患了咽喉炎，正确歌唱歌唱方法不但可以让喉咙不患咽喉炎，还能逐渐治疗慢性咽喉炎、支气管炎及肺部的一些毛病。
第二篇：浅析高中声乐教学
浅析高中声乐教学
音乐新课程标准指出：普通高中音乐课程在提高全体学生音乐素养的同时，还要为具有音乐特长、对音乐有特殊爱好的学生提供个性发展的机会和空间，满足不同层次学生发展的需要。声乐教学是一项技能实践的学科，它关系到声音艺术的发展和声乐人才的培养。因为人与人各不相同，同一方法，不能适宜每一个人，不同的人演唱起来听着似乎毛病相同，但根源则不一样，因此要因材而教，辨症施医。在声乐教学中，面对学生各种不同的特点情况，我们要采取大量不同的启发用语，诱导学生积极地感受，帮助学生理解心理活动的状态及生理肌肉动作机能，建立正确的发声观念，深刻体会到指导要具有简明、形象易懂、容易掌握感受的特点，使整个声乐教学形象生动，充满活力。
一、正确的歌唱姿势
声乐界有句常用语：“姿势是呼吸的源泉，呼吸是发声的源泉。”形象地说明了姿势对唱歌者的重要性：歌要想唱得好，就一定要有正确的唱歌姿势。姿势的正确与否是直接关系到发声时各个器官配合的协调姿势，姿势正确了，发声的各部位就能正常工作，而不正确的姿势，则往往带来不正确的声音。另一方面，一首歌曲的思想感情不仅要用歌声来表达，同时还要通过形体和动作表演来塑造各类任务的艺术形象，而端正的姿势，正是形体和动作表演不可缺少的重要条件。一般来说，正确的唱歌姿势要达到以下几点要求。
1.身体自然直立，保持自然放松，放松绝不是松垮、瘫痪，它呈现一种积极向上的状态，也就是精神饱满。
2.头部保持于眼睛向前平视稍高的位置，嘴巴张开，放松下颚，切忌咬紧牙关。胸部自然挺起，两肩略下后一点，小腹收缩，两臂自然下垂，全身要有一种积极运动的状态。
3.两脚一前一后稍分开，前脚着力、身体的重心要平稳，重量落在双脚上。
4.面部，眼神要自然生动，眉、眼、嘴是五宫中的重要部位，眼睛是心灵的窗户，因此在演唱中眼睛切记应张大一些，不要眯起眼睛，虚着唱歌。
5.演唱时可根据歌曲的内在情感赋予适当动作，但动作要简练大方，切忌矫揉造作，画蛇添足。坐唱的姿势与站立时的要求一样，但要注意腰部挺直而不僵硬，也不要靠在椅背上，注意臀部不要坐满整个凳子，两脚自然弯曲，不能翘腿坐，也不能两腿交叉叠起。
二、对于歌唱共鸣的认识
歌唱的共鸣从生理结构上分类，即胸腔、咽腔、口腔、鼻腔等腔体产生共振，通过各腔体的适当调节，使声音扩展美化，在发生共鸣时，各个腔体是联合出现的，声音发出后，首先在咽喉腔发生共鸣，并立即向上，（口腔、鼻腔）向下（胸腔）的共鸣腔体传导，例如，发高声区的声音时，鼻腔共鸣为主，其它共鸣为辅，也就是在不同的声区，侧重的共鸣腔有所不同，但不论发哪个音区的声音，咽喉腔总是处于主导地位。在运用共鸣的教学中，首先让学生将共鸣腔体打开，体会声音充实，必须坚持训练获得，下面谈几点共鸣训练中的教学体会：
1.正确的呼吸和混合共鸣密切相关。呼吸是歌唱发声的动力和基础，发声的准确，音质的优美及歌曲情感的表达都与呼吸密切相连，如果呼吸不正确，会使喉部肌肉僵紧，使共鸣腔体失去作用，造成声音单薄，缺乏弹力，所以只有正确的歌唱呼吸方法，才能协调各发声器官，形成最佳状态。
2.口腔、喉腔的开度要适中。口腔的开合程度应该根据读音的要求和音高的变化而定，开得过大，声音僵硬而不灵活，开得小，构不成口腔共鸣状态，影响声音的传出;喉腔的打开程度和发声效果与共鸣关系相连，不论唱什么，音高、喉咙开度一样，状态一致，发出的声音就不完美。因此喉腔、口腔的打开还要适度。
3.舌在最佳歌唱中的正确状态。舌的状态好坏直接影响着共鸣的效果，例如，发“啊”字，舌身放平，舌尖自然抵着下牙齿，想象在唱歌状态中适松弛自然，口有流唾液感，同时下巴配合放松，使声音舒适悦耳发出。
三、歌唱技巧的表现手法
一个好的演唱者，不仅要把对生活的理解表现出来，把作品的内容、思想、情感表现出来，而且每首歌曲都凝聚着作曲家的强烈思想感情，作曲家的深情厚意蕴藏在每一个音符中，要把作者的话通过歌唱形式叙述出来，领会作者的全面构思，很好地表达作品的艺术形象。
1.声乐的二度创作。在音乐艺术的创造活动中，音乐创作，即作词、作曲是第一个创造过程，称为一度创作。音乐表演，是第二个创造过程，如果说一度创作称为盖房子，那么二度创作就是房子的装修，也是演唱者所能够征服观众的重要手段。二度创作绝不是任意、自由和无限制的，它有一个原则和范围。这个原则和范围也就是一度创作和二度创作之间维系的一种辩证统一关系的纽带。因此，二度创作的首要原则就是：必须在一度创作规定内容主体的范围内活动，即不能离弦走板，歪曲内容和作者的基调，违背作者当初创作的初衷。分析作品作者的思想观点、歌曲的思想内容。
分析一首歌曲，要透过外在的表象，分析歌曲中的精髓，理解歌词本身所蕴含的思想内容，领会作者在歌曲中究竟表现什么？比如，《江姐》主题歌《红梅赞》的实质是红梅象征着江姐，表现她外柔内刚，坚贞不屈的性格特点。节奏舒缓又充满激情，歌词中荡漾着对严冬怒放红梅的赞美，旋律优美，增添了一种昂然向上的气势，给人一种生机勃勃的充满希望的激烈感受。
2.歌唱技巧的处理。研究歌曲的曲式分段分句，各段之间的速度，强弱对比，力度进行与变化，找出全曲的高潮，如《江汩水》歌曲以低沉缓慢的音调，倾吐绵绵不断的愁思，突然出现了一个：“1”|6.5---，歌曲进入第二乐句、第三乐句、第四乐句表现了一位旧中国妇女由于丈夫被官府抓去服苦役，劳累致死而作的悲愤的控诉。那么在演唱时就要从每一句的唱词，刚柔、连断、快慢及音色、语气语调中有所表达，使这部分旋律节奏顿挫、断后即连，仿佛是悲痛欲绝的抽泣之声将歌曲引人深入，完全投进在凄切压抑的歌唱意境之中，以达到歌曲的完善。
另外，我还在声乐教学中，注意培养他们的意志、信心与品质及学习中不可缺少的诸多因素。
总之，通过实践表明，长期坚持、反复揣摩是提高歌唱修养，获得歌唱手法的重要途径。
参考文献：
1.徐青如，崔春荣.声乐教程.山东文艺出版社，2010（2）.2.沈湘.声乐教学艺术[M].上海音乐出版社，1998（10）.3.李娜，李天义.走出目前高中声乐教学中的“误区”[J].电影评介，2010（22）.4.沈湘着，李晋伟整理.沈湘声乐教学艺术[M].上海：上海音乐出版社，1998.（责编 金 东）
第三篇：高校声乐教学应用与实践论文
高校声乐教学是高等教育范畴的重要组成部分，并且占据极大的分量。声乐艺术是一门实践性技术性都非常强劲的学科，它要求学生不仅需要掌握教师讲授的理论知识还需要具备创新能力以及综合能力。随着我国社会的迅速发展，高校声乐为了不与时代脱轨，就必须抛弃传统旧观念的教学方式，对高校声乐进行改革和创新刻不容缓。
一、高校声乐的教学现状
(一)声乐教师专业水平有待提升。声乐是一门技术性学科，其实用性极强，因此教师的专业水平在平时教学中起着决定性的作用。只有专业水平过硬的教师才能培养出真实的声乐人才型学生，除此之外，高校声乐教师还需要具备良好的教学能力、先进的教学理念。但是实现生活中，部分高校的声乐教师缺乏专业水平，根本无法满足声乐教学水准，对学生学习并无实质的作用，难以达成教学目标。
(二)教学模式比较落后。就目前来讲，我国教育事业不断飞速发展，但是部分高校声乐教学依旧存在传统的灌输式老旧教学方式，课堂氛围压抑，学生学习状态低迷，学习效率低下。导致课堂出现教师教教师的、学生玩学生的，仿佛教师是为了教学而教学、学生是为了上课而上课。极大程度上影响了学生思维培训，所以搭建活跃热闹积极的课堂气氛尤为重要。
(三)欠缺基本理论教学。目前高校声乐教学中，由于教师忽略了基本理论教学的重要性，太过于注重专业知识的讲解，导致学生理论知识薄弱，对专业知识吸收缓慢，学习效率低下。这是极其错误的教学方式，应当引起重视，无论哪门课程基础理论知识都是尤为重要，只有以此为基础才能更好的对后续的教学知识进行吸收，俗话说：万丈高楼平地起，就是这个道理。
二、创新视角下的高校声乐应用与实践
(一)创新教育理念，提升教师专业水准及教学水平。由于我国受传统教学影响深远，传统教学模式存在极为强劲的束缚性，不利于学生学习，在创新教育形势下，高校应当创新教育理念，建立不仅同教育发展形式相符而且具有价值的良性理念。并且将这一理念实施到教育中，促进人才培养目标最优化的实现。与此同时，教师作为创新声乐教学的关键性重点，高校理应定期组织声乐教师进行培训，时刻将声乐教师的专业水平维持在国际前端，并且促进声乐教师对新型教育的学习，保证教师具有过硬的专业素质水平，同时也能采用新的教学方法和理念提升教学质量，还可以有效的促进创新教学的进程。此外，声乐教师的个人魅力也是提升教学质量的一大重要因素。在日常生活中我们不难发现，如果某一门专业课程的授课教师人格魅力四射时，该门课程的教学质量往往高的不行，反之就差的不行。故此对于声乐教师的个人魅力提升也显得尤为重要，教师在平时课程中多与学生交流，以身作则，得到学生的认可这对教学有积极的帮助作用。
(二)创新教学模式，尊重学生地位，改善课堂氛围。由于传统声乐教学方式的欠缺，极度影响了师生之间的关系，致使学生学习兴趣低下，学习质量差。所以对于教学模式的创新刻不容缓。在实际教学课程中，教师应当尊重学生合体差异，由于每个学生的理解吸收能力和身体条件大不相同，教师在制定教学方案的时候需要将这些因素都考虑进去，选择合适的教学方案，以此激发学生的学习兴趣和潜在能力。相比传统的声乐教学方式，创新的灵活教学模式不仅可以活跃课堂气氛、丰富课程内容，还可以有效的激发学生的学习积极性，提高教学质量。不过在实施过程中，教师需要把握课堂尺度，尊重学生的地位，课堂上尽量以学生主体，鼓励学生多交流，提升师生之间的默契度。声乐是一门实用性艺术科学，课堂上可以以教师为引导，学生为主导，对声乐作品进行赏析、评价，让学生在欣赏的过程中建立声乐基础，还可以激发兴趣爱好，从而更好达到课程教学目标。
(三)创新课程体系及内容，培养学生学习声乐能力。声乐作为一项实践性与技术性要求都非常高的艺术学科，这些特性决定了声乐课程必须遵守科学合理、创新性、特色型等原则。在课程体系的设计时，教师可以将声乐设为80%，艺术设为20%，这样可以有效的培养学生的声乐艺术性，与此同时教师还需要注重基础理论知识的教导，传授与课程内容相近的理论知识，作为学生后续学习专业知识的基础。此外教师在平日授课中还需要借助艺术指导来培养自主学习声乐的能力。
三、结束语
综上所述，声乐教学为了与时俱进就必须改变传统声乐教学，创新教学课程以及内容，循序渐进改善学习环境，激发学生的自主学习能力以及学习兴趣，提升教学质量，将学生培养成适用性综合型声乐人才，这便是创新视角下高校声乐的应用于实践。
参考文献：
[1]冯志东.创新视角下的高校声乐教学探讨[J].黄河之声，2017(12)：39.[2]黄春媛.传统文化在高校多元化声乐教学中的创新性研究——以跨界演唱教学改革为例[J].肇庆学院学报，2017(6)：84-87.[3]朱燕宁.基于创新人才培养视角下的声乐教学改革研究[J].大众文艺，2017(6)：238.[4]吴静寅.普通高校声乐教学改革思考——评《声乐教育学》[J].高教探索，2017(11)：后插1-后插2.[5]曹鹏.刍议高校现代声乐教学的新模式[J].音乐创作，2017(4)：177-178.
第四篇：中美声乐教学比较探讨论文
一、歌唱前的热身运动
笔者在美国学习期间，师从西俄勒冈大学声乐教授凯文·哈儿皮（KevinC.Helppie）博士，他是美国国家声乐教育联盟及华盛顿合唱指挥组织的成员,在西俄勒冈大学任教多年，有着丰富的声乐教学经验。在每次上课之前，他都会带领学生一起做一套热身运动，从头颈部运动到肩部运动，再到腰部腿部至全身，并在热身运动的过程中穿插气息的练习。例如在做双臂画圈的运动过程中，当双臂伸展于头顶时保持吃惊的吸气状态，稍事停顿后，在伴随着“斯”的发音中慢慢放下双臂，也可以保持发音让双臂在身体两侧多次摆动，以加强肺活量的练习。这看似简单的一套唱前热身动作，使笔者受益匪浅并深受启发，它不仅活动了喉部的肌肉，也充分调动了全身的肌肉，让这些肌肉都积极的参与到歌唱的运动当中，整个人不再是单独的喉部发音，而是整部歌唱机器的运转。尤其在寒冷的冬天，热身运动的作用更是显而易见。而在我国的声乐课堂中很少有唱前的热身运动，如果能将此项训练加入到我们的声乐课堂中，让学生通过热身运动充分调动起歌唱的肌肉，这将对解决声音僵化的问题有很大帮助。
二、练声曲和歌曲的选择
在美国，很多声乐老师都有自己特有的练声曲。他们有从著名声乐练声曲中摘取的，也有自己创作改编的，有大线条的练习，也有无声的练习，有多字母的练习，还有带英文歌词的快速级进旋律的练习等等，练声曲的花样很多，并且针对不同声部都有很多相对应的练声曲。在凯文·哈儿皮博士的声乐课堂上，他专门把自己的所有练声曲装订成小册子发给学生，要求学生背会与自己声部相适应的练声曲。同时他认为只有充分活动好嗓子才能更好的进行歌唱，所以在上课过程中，练声曲和歌曲往往占有同等的时间和分量。而在歌曲的选择上，美国的老师则希望学生演唱更多的艺术歌曲，这对年轻学生建立正确歌唱状态有很好的帮助。艺术内涵深厚的艺术歌曲对学生提高音乐修养也有着至关重要的作用。我们国内的声乐课堂在练声曲上往往过于单一和随意，大部分的重心都放在了歌曲演唱上，弱化了练声曲的功效，如果加强练声曲的开发和练习，让学生在练声曲中体会到更多的声乐技巧，想必对我们的演唱会带来更大的帮助。另外在曲目的选择上，我们的师生也喜欢以大的作品来显示歌唱的能力，学习的功利性较强，对艺术歌曲的学习和演唱上耐心不够，这是我们国内声乐教学上容易出现的问题。
三、鼓励引导为主的教学方法
美国的声乐课和中国一样，都是采用一对一的教授方式，但美国的课堂气氛相对于中国较轻松、活泼。老师在课堂上经常会讲一些非常幽默的话语，甚至模仿一些动物的叫声和形态，憨态可掬，叫人忍俊不禁；加之美国的学生因为所受教育模式的不同性格也比较放得开，不拘谨，演唱真挚率性，使整个课堂气氛非常融洽。在教学过程中，美国的声乐教师更多地是采用鼓励与赞扬的方式来对待学生的表现，无论学生唱得如何，教师首先是予以鼓励，然后再根据具体问题加以指正。这样，教师不再是课堂的主宰者和占有者，而是学生学习的引导者和激发者。他们认为一个成功的声乐教师不仅是教学生学习科学的发声技术，更重要的是如何激发学生的学习热情，开发学生的创造性思维能力，以及建立良好的学习习惯和方法，并帮助学生确立远大理想和近期目标，最大限度地帮助他们实现。中国的声乐课堂气氛较为严肃，学生也比较内敛和含蓄，加上长期以来都有师傅带徒弟、师道尊严的传统，学生要听从老师的要求，不能持怀疑的态度，所谓严师才能出高徒，当练习中出现纰漏时，总是批评在前，指正在后，鼓励不多。当然这与我国的历史传承和教育模式有关。比较两种教学方法，笔者认为各有利弊，太多的鼓励式教学并不完全适合中国学生，但教师的课堂语言幽默形象化是值得我们借鉴和学习的。
四、课程设置和综合能力的培养
美国高校在教学制度上多采用灵活的学分制，学生可以根据自己的兴趣爱好和自身的条件为自己选择课程，修满学分即可毕业，因此学生跨专业选课现象很普遍。美国西俄勒冈大学音乐系的课程设置也较为丰富，有音乐技能类课程，例如声乐技能课、钢琴技能课、合唱课、合奏课等；有音乐素质类课程，例如音乐理论基础、视唱练耳、音乐技能课等；还有一些扩展类课程，例如美国本土音乐历史、录音艺术、声乐教育学、人种音乐学、爵士乐历史等等。学生在选课上有较大的自主性，可选择两个以上的专业来学习，甚至还可以选修其他学院的课程，充分发掘自身的潜力。美国高校特别注重学生的综合能力培养，这不仅体现在课程设置和学分选修上，还为学生创造很多的实践机会。以西俄勒冈大学音乐系为例，他们在每个学期的中间都会设置几次专业技能实践音乐会，又有不定期的各类技能课程的汇报音乐会，还有一些学术交流的音乐会，让每一个学生都有上台展示的机会。包括残疾同学也有同等的机会，不仅教学和演出场所都有为残疾人设置的专用设施，当他们在舞台上表演的时候，尽管还有很多的瑕疵，但大家都给予真诚而鼓励的掌声。
在美国访学的一年期间，笔者选修了很多的课程，切身体会到了美国高校教育以学生为本的教学理念，以及宽松又严谨的教学模式，获益匪浅，从中得到了很多对声乐教学的启发。但笔者认为美国的声乐教育也存在一些弊端，比如过多地鼓励和赞扬的教学方式虽然会增加学生的自信心，但也会让学生有骄傲的情绪，不能客观地认识自己存在的问题；过于轻松自由的课堂氛围虽然会使学生没有压力地学习，但也会导致学生缺少学习的动力，教学成果不够显著。笔者认为，轻松和严格的适度结合才更有利于声乐的学习。
当今的中国飞速发展，我们的声乐教育也不断地与时俱进，和先进国家的教育水平之间的差距也在不断缩小。由于国情的不同和所受教育的差异，我们的教学也有着自己的特点和优势。为了进一步提高声乐教学水平，既要发扬我们的长处，也要将国外先进的教学理念与我国的教学特色相融合，更好地与国际接轨，把我们“民族的”真正变成为“世界的”，这将是新时代中国声乐教育值得探讨和研究的课题。
参考文献：
［1］赵梅伯.歌唱的艺术［M］.上海：上海音乐出版社，1999.［2］琼·道纳门，玛利亚·契亚切亚.完美的准备［M］.北京：人民音乐出版社，2008.
第五篇：声乐教学理论在实践的应用论文
长期以来，我们强调在声乐教学中实践性的训练作用，教师根据学生的声音条件来进行指导，通过不断地示范演唱和训练来提高学生的声乐水平。这样的教学方式虽有效果，但是教学效率却明显不足，甚至有的学生从感觉上找到了适合自己的方式，却无法将其表达出来，在遇到同类问题的时候却不能融会贯通。由此可见，在声乐教学中，还应当从理论与实践的交互中来实现教学的全面展开，它有着自身的规律和理论体系。贺星的《声乐教学艺术论》（2013年5月由山西人民出版社出版）即是从声乐教学的规律和理论建构出发，找到当前声乐教育的发展不足之处，在中外的声乐教育历史经验中建构和完善更科学化、艺术化的声乐教学理论，从而更好地指导我们的声乐教学实践，培养更专业化的优秀声乐人才。《声乐教学艺术论》分为上、中、下三编。上编集中于声乐人才的认识论和选才论，包括从九型人格理论观照下的声乐人才考察，提出了声音条件、音乐素质、恒心毅力等多种条件要素。中编是教论，从教师的专业素质、教师的教学思想和教师的教学设计方面来论述现代教学的相关理论基础。下编是学论，从学生的主体性、主动性和创造性方面来论述现代教学中以学生为主体的声乐教学理论。总的来说，这本书逻辑鲜明地论述了声乐教学中的规律性理论，引导声乐教师以更加理论化、专业化和科学化的方式去开展声乐教学活动，从而起到事半功倍的教学效果，培养更专业的声乐人才。
一、声乐教学理论中技法和情感在实践中的应用和融合在声乐教学中，技法和情感是两种唱法，它们互相不矛盾，但在教学中往往有所偏重。从发声的科学性技术技巧来看，技法会从声乐学生的声音条件、生理机能出发以更科学的声乐教学方式让学生更好地掌握声乐的演唱技巧。但有一些过于强调技法的教学理论则很容易将学生引导到错误的方向，忽视了歌曲的自由风格和情感表达，丧失了声乐作品中的文化意义和情感效果，无法起到情感共鸣的声乐表演效果。从情感的表达方式来看，强调情感的声乐教学理论则更多地将声乐语言、文化底蕴、故事内涵和音乐风格集中在一起，形成富有感染力的声乐风格，但同样，过于强调情感和风格，又会导致声乐教学活动不够专业化、系统化，学生在教学活动中学习效率不高，在高深的描述中找不到重点，学习进度陷入瓶颈。因此在声乐教学理论中，我们要强调技法、风格和情感在实践中的应用和完美融合，让声乐的教学和训练在专业化的同时，也不遗忘其艺术性和情感表达的一面。
二、声乐教学理论的教师主体论和学生主体论
在实践中的应用与融合在《声乐教学艺术论》中，编者将声乐教学的“教”与“学”进行论述，分别向我们展示了以教师为主体的声乐教学理论论述和以学生为主体的声乐教学理论论述。在以教师为主体的声乐教学理论中，编者强调了教师的专业素养和教学思想，只有具有专业的声乐教学素养和开放多元的教学思想，才能够更好地针对学生的声乐基础进行专业性的指导，并不被个人的声乐思维所束缚，引导学生能够以更个性化和艺术化的方式进入到声乐教学中去，提高自身的艺术感受力和表达力。在以学生为主体的声乐教学理论中，编者强调了学生的主动性和创造性，并在积极主动地尝试和训练中提高自身的声乐水平，结合自身的特色和创新思维来作出与众不同的尝试，只有这样才能在声乐艺术道路中作出成绩来。
三、声乐教学理论在实践应用和融合中的难点
声乐教学理论是一个不断更新发展的、与时俱进的教学理论，它的科学性和艺术性是相互促进和相互融合的。也就是说，它有感性的一面也有理性的一面。反映到实践应用和融合中，为了保障更好的声乐教学效果，培养更杰出的声乐人才，我们需要兼顾声乐教学理论的专业化和声乐教学实践的艺术性，在更完善的理论教学之外，给予学生更多的个性发展空间和艺术创新空间，这是重点也是难点。
总的来说，声乐教学理论是一个兼顾系统化理论和个性化情感的艺术性课堂，它需要在教师和学生的多边互动中实现理性思维和感性体验的密切结合，从而克服声乐教学理论与实践中的种种难点，实现专业性声乐教学的实践效果，提高声乐人才培养的有效性。对教师来说，如何根据声乐教学的需求和社会声乐人才培养的需求来总结声乐教学理论规律并改进声乐教学实践方案，始终是教学中的核心密钥。
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