中世纪审美文化的特征

第一篇：中世纪审美文化的特征

中世纪审美文化的特征

关键词：中世纪

审美文化

特征

哥特式建筑

基督教

亚眠主大教堂

巴黎圣母院

内容提要：以哥特式建筑为例，分析阐述中世纪审美文化的特征

引言：中世纪被好多人称为所谓的黑暗时代。这一时期的特点是经常进行战争，实际上没有城市生活，大部分的罗马文明遭到了破坏，古希腊和古罗马审美文化在这之前也告一段落。同时中世纪对我们来说也是很神秘的，但就是因为有了这些现存的而且非常完整的哥特式教堂，我们便可以对其审美文化有一个详尽的认识。

中世纪，是欧洲历史上的一个时代，由西罗马帝国灭亡开始计算，直到文艺复兴时期之后，资本主义抬头的时期为止。“中世纪”一词是从15世纪后期的人文主义者开始使用的。这个时期的欧洲没有一个强有力的政权来统治。封建割据带来频繁的战争，造成科技和生产力发展停滞，人民生活在毫无希望的痛苦中，所以中世纪或者中世纪的早期在欧美普遍称作“黑暗时代”，传统上认为这是欧洲文明史上发展比较缓慢的时期。

中世纪从公元5世纪到14世纪之一千年里，西方的审美文化发生了深刻的变化：以神为本的基督教审美文化取代了人神游戏而受制于命运的古希腊审美文化。基督教在中世纪的政治，经济等各个领域都起着难以估计的作用，也使得这一时期的的审美文化受到了基督教的深刻影响。中世纪审美文化最重要的表现形式是建筑，圣画，圣乐，文学等。其中教堂建筑成为中世纪审美文化的核心载体，中世纪审美文化最主要的审美范型。

中世纪教堂建筑主要有拜占庭式，罗马式和哥特式建筑三种。前两者都出现在中世纪的前期和中期。拜占庭式建筑在结构上开启了中世纪宗教建筑的先河，而罗马式建筑从某种意义上来说是与镶嵌艺术无法分开的，正是由于前两者的出现，在中世纪的中后期终于出现了哥特式建筑，这一建筑充分结合了拜占庭式建筑和罗马式建筑的特点，在加上自己的建筑风格，终于形成了哥特式建筑。中世纪教堂建筑是当时审美文化的核心载体，而哥特式建筑又是中世纪教堂建筑特点的最集中体现者，因此准确的说哥特式建筑才是中世纪审美文化特征的最根本的审美范型！

哥特式有人专指建筑，哥特式雕刻最初附属于建筑，公元13世纪后与建筑分离；哥特式绘画巅峰在公元14—15世纪。

哥特式教堂建筑在艺术造型上的特点：首先在体量和高度上创造了新纪录，从教堂中厅的高度看，德国的科隆中厅高达48米；从教堂的钟塔高度看德国的乌尔姆市教堂高达161米。其次是形体向上的动势十分强烈，轻灵的垂直线直贯全身。不论是墙和塔都是越往上分划越细，装饰越多，也越玲珑，而且顶上都有锋利的、直刺苍穹的小尖顶。不仅所有的顶是尖的，而且建筑局部和细节的上端也都是尖的，整个教堂处处充满向上的冲力。这种以高、直、尖 和具有强烈向上动势为特征的造型风格是教会的弃绝尘寰的宗教思想的体现，也是城市显示其强大向上蓬勃生机的精神反映如果说罗马式以其坚厚、敦实、不可动摇的形体来显示教会的权威，哥特式建筑形式上带有复古继承传统的意味，那么哥特式则以蛮族的粗犷奔放、灵巧、上升的力量体现教会的神圣精神。它的直升的线条，奇突的空间推移，透过彩色玻璃窗的色彩斑斓的光线和各式各样轻巧玲珑的雕刻的装饰，综合地造成一个“非人间”的境界，给人以神秘感。有人说罗马建筑是地上的宫殿，哥特建筑则是天堂里的神宫。哥特式教堂结构变化，造成一种火焰式的冲力，把人们的意念带向“天国”，成功地体现了宗教观念，人们的视觉和情绪随着向上升华的尖塔，有一种接近上帝和天堂的感觉。从审美的层面看，罗马式建筑较宽大雄浑，但显得闭关自守，而哥特式建筑表现出一种人的意念的冲动，它不再是纯粹的宗教建筑物，也不再是军事堡垒，而是城市的文化标志，标明在最黑暗的中世纪获得一点有限的自由，人们会发现一丝现实世界的阳光透进了黑暗的中世纪。与哥特建筑一起应运而生的是优美的彩色玻璃窗画。这种画也成为不识字信徒们的圣经。圆形的玫瑰窗象征天堂，各式圣者登上了色彩绚丽的玻璃窗，酷似丰富多彩的舞台画面。当人们走近教堂不仅产生对天国的神幻感，也产生装饰美感。由于它是玻璃画能依靠光线的穿透而生艳，以其光色的奇妙而引人入胜哥特式雕塑是教堂建筑不可缺少的装饰，它的人物形象开始保持独立的空间地位，追求三度空间的立体造型，力求符合真实的形象，追求自然生动的塑造，使人体逐渐丰满起来，衣褶也随之有了结构的变化，使人感到衣服里面是实在的人体。雕像不再是人的外形的模似，而是有血有肉的人了。

亚眠主大教堂是哥特式风格成熟期的代表作，该教堂从里到外，到处是精美的雕刻物品，正门的雕塑是《最后的审判》，北门雕塑的是殉道者，南门雕塑的是圣母生平。这一组组雕像被称为“亚眠圣经”，是雕刻中的精品。林林总总，多达四千多枚。因为这些木雕石刻生动地再现了圣经中的几百个故事，这在当时，对于中世纪那些众多、且不识字的教徒来说，是一套真正的活生生的圣经。

亚眠主教堂内部有巨大的空间，晦暗的光照，狭长的中厅，在烛光中闪闪烁烁的祭坛和耶稣受难像，使人同外在世界真正地被隔绝了——人返归自己和上帝。首先是巨大的空间，这是人一进入教堂感觉到的。在自然界中，几乎所有空间都是人为自己创造的，那里，人是绝对的主宰，但是教堂却是为了另一种存在创造的，人在这里不仅不是主宰，而且是地地道道的被主宰者，人的骄傲心理得到了清洗，并开始学会以谦卑和敬虔的眼光看待周围世界。从彩色玻璃窗透进来的光照不仅是晦暗的，而且是神秘的、扑朔迷离和捉摸不定的。自然界没有这种光照，人们不可能将它与自然界任何东西相比较，这就迫使人返回到内心，从奇妙的体验中去玩味它的意义。但是，只有通过狭长的中厅及其两端的华丽的祭坛的引导，才能使心灵从迷惘中摆脱出来，找到自己的归宿。人在受难的基督身上发现了自己，认识了自己，于是人们再也不想返回外在自然中去了。

中世纪的审美文化的核心是基督教审美文化，基督教的文化重精神生活而轻物质生活，把人生的幸福寄托在精神的天国里，在天国里追求人的完整性，丰富性，完满性和来世的自由，而在这一时期哥特式教堂建筑的出现也就成自然而然的事情了，在这里人们追求自己的信仰，希望能够超越现实得到永恒。

中世纪被好多人称为所谓的黑暗时代。这一时期的特点是经常进行战争，实际上没有城市生活，大部分的罗马文明遭到了破坏，古希腊和古罗马审美文化在这之前也告一段落。同时中世纪对我们来说也是很神秘的，但就是因为有了这些现存的而且非常完整的哥特式教堂，我们便可以对其审美文化有了一个详尽的认识。

参考文献：《审美文化导论》余虹主编

《美学历程》李泽厚

《西方美学史》朱光潜

第二篇：体育舞蹈文化的审美特征探析

体育舞蹈文化的审美特征探析

摘 要：体育舞蹈的发展与传播为人们的物质文化生活?Ю戳撕芏嗬秩ぃ?也将我国舞蹈文化建设引向更高的层次。本文针对体育舞蹈文化的审美特征展开研究，通过对体育舞蹈文化的内涵、文化起源以及特征等方面进行分析，来探讨体育舞蹈文化的审美特征，提高体育舞蹈文化的审美价值。

关键词：体育；舞蹈；审美；特征

一、引言

体育舞蹈具有较强的生命力与感染力，其历经漫长的发展，成为当今人们生活中不可缺少的重要娱乐部分。在人际交往、提升健康等方便发挥着重要作用。对体育舞蹈文化的审美特征展开研究，是提升该舞蹈社会地位，培养人们对其产生正确价值观的重要途径，也是推广体育舞蹈的根本举措。

二、概述体育舞蹈

舞蹈的定义严格来讲应分为两方面，即狭义的定义与广义的定义。通常而言，所有形式的舞步均能够称之为舞蹈，舞蹈包含了人们日常生活中的各种形态，包括富有神秘色彩的东方舞、热情洋溢的街舞、恰恰、探戈等都能够称为舞蹈。狭义而言，人们所进行的舞蹈活动可根据其在每个时期的流行式以及功能的差异，将舞蹈称为艺术。当前，社会对舞蹈的区分为大众娱乐型与专业比赛型两种，表现了我国人们对舞蹈的重视，以及国家对专业舞蹈型人才的关注，其中大众型的舞蹈的主要目的在于减轻人们内心的压力，以身心愉悦为基本目的。而专业型舞蹈则以创作出更优秀的舞蹈作品为基本目的，因此该种类型对音乐、环境等均具有较高的要求。本文所研究的体育舞蹈属于专业范畴，与体育项目相结合，采用双人或集体的形式开展健身活动，其中包含具有竞技表演价值的体育运动。从社会角度而言，体育舞蹈兼具娱乐与竞技双重价值，不仅能够提升人们的审美能力，还能提升人们的身体素质。

三、体育舞蹈起源与分类

体育舞蹈也被称为国际标准舞，源自英国，于欧美盛行，是当前较为流行的竞技性舞蹈。体育舞蹈可分为两大类，以摩登舞与拉丁舞为主。摩登舞主要源自欧洲的宫廷贵族，而拉丁舞源自拉丁美洲的民族舞。二者在漫长的岁月长河中，慢慢形成了各自的风格与技术体系。起初，拉丁舞以及音乐是人们的日常生活中表现喜悦的方式，而随着其功能的演变与岁月的磨炼，其逐渐演变成人们表达爱慕的肢体语言。在1924年，英国皇家舞蹈协会将各种舞蹈进行了研究，并对其进行规范与美化，将所有类型舞蹈归纳为体育舞蹈。拉丁舞主要包括恰恰、伦巴、桑巴、斗牛，而摩登舞主要包括华尔兹、狐步、探戈、快步、维也纳华尔兹。以下将对各种类型的舞蹈进行分别介绍。

华尔兹是摩登舞项目之一，其具有优美的旋律，节奏为3/4的中慢拍，通过膝、踝、足底的动作，将身体不断升降、倾斜、摆荡等舞步的移动，使身体连绵起伏，舞姿华丽且典雅。探戈的舞步时快时慢，带有强烈的节奏，舞步抑扬顿挫，非常有力。而身体无起伏变化，表情较为严肃，时而左顾右盼。狐步舞也被称为福克斯。舞曲抒情流畅，身体升降起伏，舞步流畅、步幅较大，行若流水。据说是模仿狐狸走路的习惯进而创作。快步舞较为轻快，跳跃感较强，舞步组合有跳步、滑步等。伦巴则以胯部摆动为主要方式，将重心由一只脚过渡到另一只脚，舒展优美，婀娜多姿。恰恰舞为胯部在每小节来回摆动六次，舞曲热情洋溢，频率较快，诙谐风趣。桑巴舞的舞曲较为欢快热烈，身体前后摇摆，呈现游走的形态，流动性较大，且动律感较强。其源自热情奔放的巴西，也是巴西一年一度的狂欢节中主要的舞蹈。斗牛舞的音乐较为高昂，具有鲜明的西班牙特点。其舞步流动性较大，其源自法国，由西班牙斗牛场面而创作。牛仔舞是拉丁舞项目之一，其旋律较为欢快，且跳跃强烈。其源自美国，是美国西部牛仔所创作的踢踏舞，在50年代时所流行的爵士乐，使该类型舞蹈的更加完善，但风格仍旧保持了美国西部牛仔的基本特点。

四、体育舞蹈文化的审美特征

（一）体育舞蹈的基本特点

1.动作规范

体育舞蹈以技术为基本，所有动作都较为规范，其以人体的动作与姿态表达思想感情，以人作为媒介将内心世界进行展露。体育舞蹈的规范性主要表现在三个方面。其一，脚法较为规范，拉丁舞以芭蕾舞技术为体系，需要舞者将脚背绷直，而摩登舞则需要舞者将脚跟、脚掌、踝关节以及膝关节等部分完美过渡。其二，在架型来看，由于舞蹈风格的不同，拉丁舞以及摩登舞的架型各有风格，且在男女伴舞的架型中也有所差异。摩登舞要求男女均需要保持固定姿态，在舞蹈过程中女士需要给人以典雅大方、准确、漂亮的感觉，而自由奔放的拉丁舞则要求男女伴舞时，都以自由的姿态展现其灵活的美。其三，舞蹈动作的基本组合而言，体育舞蹈种类众多，且每个舞种的基本动作都有所差异。在摩登舞的双人配合中，要求无肢体接触，且双人都要掌握熟练的技术，有效的粘合度。即便舞蹈类型存在较大差异，但教练与裁判的评判标准都保证了舞蹈的专业性。

2.艺术观赏

体育舞蹈将体育与艺术相结合，既表现了自身的魅力，也将舞蹈的韵味与风格完美展现，使观众能够在欣赏中升华自我，净化心灵。体育舞蹈以运动为基础，能够达到强身健体的根本目的，而艺术则以美为主要表现方式，满足人们的审美需求，不需要考虑其价值与功能性。自从体育舞蹈出现以后，极大地扩大了艺术空间，使体育舞蹈兼具观赏性与功能性，其被称为一种真正的艺术。因此，这也正是体育舞蹈与体育运动项目的差别。

3.广泛的参与

体育舞蹈能够提升人们的身体素质，并为社会主义精神文明建设作出巨大贡献，能够帮助舞者锻炼完美的体型，愉悦身心。我国参加体育舞蹈的人不在少数，且体育舞蹈不受年龄的限制，只要参与者对其产生兴趣，喜爱该舞蹈便能够参加。同时，体育舞蹈与体育运动项目不同，其不需要参与者突破自身极限来完成动作，也与舞蹈有所差别，对参与者无较为苛刻的要求。因此，无论肤色、种族等差别，都能够参加。

（二）体育舞蹈的审美内容

体育舞蹈的审美内容主要有身体美、运动美、精神美等几个方面组成。

1.身体美

体育舞蹈要求运动员的身体呈现舞蹈的美，且该种美由生理与心理共同体现。身体美能够通过人体的身体素质展现出来，例如体型、微笑、姿态和柔韧等几个方面均是审美要素。身体美离不开身体素质以及形态的支持，在体育舞蹈中充满生命力的美。男运动员身体健壮、修长，而女运动员则具有优美的曲线，与阳刚之身达成互补，充分显现出和谐统一的身体美。在舞蹈过程中，运动员所表现出的力量、速度以及耐力等，都要求其有较好的身体素质，通过运动员强大的爆发力与速度，完成托举以及旋转等动作，将强大的生命力之美展现出来。另一方面，参赛的体育运动员需要拥有赏心悦目的形态，因此，形体美也是身体美中的重组成部分。

2.运动美

运动员在参赛过程中，将体育舞蹈生命与思维以动作进行阐释，其中包括以下几个方面。

第一，技术美。在运动构成中，体育舞蹈需要将所有动作都符合评判标准，且必须符合力学原理与生理条件。在完成基本动作的过程中，需要将最合理、最优美的动作表现出来，这便是技术美。

第二，创新美。在体育舞蹈编排中，需要人们不断创新舞蹈动作，将人们生活方式与文化修养不断融合在其中，为人们呈现出具有新鲜感的舞蹈动作。运动员若是想要在比赛中赢得较好的成绩，就必须抓住裁判的眼光与观众的欣赏，编排出较为新颖的舞步，进而提升观众与裁判的兴趣。

第三，动与静的美。在体育舞蹈中，需要将造型与舞姿相联合，遵循快舞慢跳，或慢舞快跳的基本原则，使运动员将身体落在柔软的氛围中。我国某著名戏剧艺术家曾说，舞蹈就是活动的雕刻。可见，体育舞蹈将动态与静态美完美展现，并做到了完美结合。

第四，风格美。在体育舞蹈中，运动员需要将思想觉悟与道德修养等综合意识通过身体展现出来，体育舞蹈需要按照美的归路，利用身体的舞姿以及体态之变化等手段进行展示。其中包含高度形式化与风格化的身体动作，进而与审美者达成共识，得到满足。

（三）体育舞蹈的审美特征

1.体育舞蹈的审美形式

审美形式中主要包含结构与表现形式，是人们在长期的实践中创造出来的，也是运动员本身的力量形式，将场景、服装、音乐等通过一定的规律，如整齐、节奏、韵律等形式呈现出审美特性。其必须依照一定的规律进行组合才能具有审美特性。形式美的规律多种多样，规整是美、整齐是美、参差不齐也是美。

2.整齐划一

整齐的、有规律的在体育舞蹈中被称为形式美的基本法则，是人们出于自身需要，将其转变为整齐的牢固心理倾向。例如，芭蕾舞剧中的天鹅湖，四只小天鹅整齐、活泼、灵巧、表现出天鹅的灵性，以及神秘的空灵感。由于整齐划一具有严格的要求，因此在集体表演中常表现为服装样式统一，颜色统一以及空间排练等方面均需要保持统一。

3.比例均衡

该审美内容主要包含事物的部分与整体、部分与部分之间的恰当关系。在体育舞蹈中，音乐的节奏、强弱的安排等均需要保持均衡的比例。其在艺术内容方面进行表达，给人以均等的美感。就运动均衡于舞蹈而言，使舞蹈更加立体，由此也更具美感。

4.节奏韵律

音乐相对而言是单一的也是统一的，其将众多纷杂因素与舞蹈相结合，进而将不协调的转变为协调的关系。节奏是体育舞蹈最基本的表现方式，优美动听的音乐加之和谐舞蹈，将编排出富有感染力与表现力的舞步。

五、结语

?w育舞蹈文化的审美特征具有重要意义，其需要从众多角度去评判，并深入研究，进而完善体育舞蹈在美学价值与社会价值中的突出贡献，满足人们对体育舞蹈的需求，以及帮助人们建立正确的价值取向。

参考文献：

[1]于君.体育舞蹈礼仪的文化性与审美特征[J].当代体育科技，2015（20）.[2]王勇.浅析体育教学中的审美教育[J].体育教学，2014（8）.[3]司丽艳.体育舞蹈文化的审美特征与价值取向[J].西昌学院学报：自然科学版，2013（3）.

第三篇：毕加索审美特征

现代造型艺术欣赏论文

姓名：潘文强 学号：151000213 班级：10级建筑2班 指导老师：陈方达

浅谈毕加索绘画的审美艺术特征

摘要：本文主要介绍毕加索不同时期的不同艺术特征和他在哪个时期对世界艺术的影响。、关键词：毕加索

艺术特征

绘画

正文：毕加索是西班牙画家、雕塑家。法国共产党党员。是现代艺术(立体派)的创始人，西方现代派绘画的主要代表。他是西班牙人，自幼有非凡的艺术才能，他的父亲是个美术教师，又曾在美术学院接受过比较严格的绘画训练，具有坚实的造型能力。

毕加索是一位真正的天才。20世纪正是属于毕加索的世纪。他在这个多变的世纪之始从西班牙来到当时的世界艺术之都巴黎，开始他一生辉煌艺术的发现之旅。在20世纪，没有一位艺术家能像毕加索一样，画风多变而人尽皆知。毕加索的盛名，不仅因他成名甚早和《亚威农的少女》、《格尔尼卡》等传世杰作，更因他丰沛的创造力和多姿多彩的生活，他留下了大量多层面的艺术作品。毕加索完成的作品统计约多达六万到八万件，在绘画、素描之外，也包括雕刻、陶器、版画、舞台服装等造型表现。在毕加索1973年过世之后，世界各大美术馆不断推出有关他的各类不同性质的回顾展，有关毕加索的话题不断，而且常常带有新的论点，仿佛他还活在人间。

毕加索绘画的主要趋势是丰富的造型手段，即空间、色彩与线的运用。

30岁以后毕加索进入一个又一个不安分的探索时期，他的作品和他的生活一样没有丝毫的统一，连续和稳定。他没有固定的主意，而且花样繁多，或激昂或狂躁，或可亲或可憎，或诚挚或装假，变化无常不可捉摸，但他永远忠于的是——自由。世界上从来没有一位画家像毕加索那样以惊人的坦诚之心和天真无邪的创造力，以完全彻底的自由任意重造世界，随心所欲地行使他的威力。他不要规定，不要偏见，什么都不要，又什么都想要去创造。他在艺术历程上没有规律可循，从自然主义到表现主义，从古典主义到浪漫主义，然后又回到现实主义。从具象到抽象，来来去去，他反对一切束缚和宇宙间所有神圣的看法，只有绝对自由才适合他。

毕加索是位多产画家，据统计，他的作品总计近37000件，包括：油画1885幅，素描7089幅，版画20000幅，平版画6121幅。毕加索的一生辉煌之至，他是有史以来第一个活着亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。在1999年12月法国一家报纸进行的一次民意调查中，他以40％的高票当选为20世纪最伟大的十位画家之首。对于作品，毕加索说：“我的每一幅画中都装有我的血，这就是我的画的含义。”全世界前10名最高拍卖价的画作里面，毕加索的作品就占据4幅。

毕加索一生中画法和风格几经变化。也许是对人世无常的敏感与早熟，加上家境不佳，毕加索早期的作品风格充满了早熟的忧郁。早期画近似表现派的主题；在求学期间，毕加索努力地研习学院派的技巧和传统的主题，而产生了象《第一次圣餐式》这样以宗教题材为描绘对象的作品。德加的柔和的色调，与罗特列克所追逐的上流社会的题材，也是毕加索早年学习的对象。在《嘉列特磨坊》、《喝苦艾酒的女人》等画作中，总看到用罗特列克手法经营着浮动的声光魅影，暧昧地流动着款款哀伤。毕加索十四岁那年与父母移居巴塞罗那，见识了当地的新艺术与思想，然而正当他跃跃欲试之际，却碰上当时西班牙殖民地战争失利，政治激烈的变动导致人民一幕幕悲惨的景象；身为重镇的巴塞罗那更是首当其冲。也许是这种兴奋与绝望的双重刺激，使得毕加索潜意识里孕育着蓝色时期的忧郁动力。迁至巴黎的毕加索，既落泊又贫穷，住进了一处怪异而破旧的住所“洗衣船”，这里当时是一些流浪艺术家的聚会所。也正是在此时，芳华十七的奥丽薇在一个飘雨的日子，翩然走进了毕加索的生命中。于是爱情的滋润与甜美软化了他这颗本已对生命固执颓丧的心灵，笔下沉沦痛苦的蓝色，也开始有了跳跃的情绪。细细缓缓地燃烧掉旧有的悲伤，此时整个画风膨胀着幸福的温存与情感归属的喜悦。玫瑰红时期的作品，人物表情虽依然冷漠，却已注重和谐的美感与细微人性的关注。整体除了色彩的丰富性外，已由先前蓝色时期那种无望的深渊中抽离。摒弃先前贫病交迫的悲哀、缺乏生命力的象征，取而代之的，是对人生百态充满兴趣、关注及信心。在《穿衬衣的女子》中，一袭若隐若现的薄纱衬衣，轻柔地勾勒着自黑暗中涌现的侗体，坚定的延伸，流露出年轻女子的傲慢与自信。鬼魅般地流动着纤细隐约的美感。整体气氛的传达幽柔细致，使得神秘的躯体在氤氲中垂怜着病态美；拼贴艺术形成的主因，源于毕加索急欲突破空间的限制，而神来一笔的产物。实际上拼贴并非首创于毕加索，在19世纪的民俗工艺中就已经存在，但却是毕加索将之引至画面上，而脱离工艺的地位。首张拼贴作品《藤椅上的静物》与1913年的《吉他》，都是以拼贴手法实现立体主义的最佳诠释。

毕加索1908—1911年“分析立体主义”时期的绘画，进一步显示了对于客观再现的忽视。这一时期他笔下的物象，无论是静物、风景还是人物，都被彻底分解了，使观者对其不甚了了。虽然每幅画都有标题，但人们很难从中找到与标题有关的物象。那些被分解了的形体与背景相互交融，使整个画面布满以各种垂直、倾斜及水平的线所交织而成的形态各异的块面。在这种复杂的网络结构中，形象只是慢慢地浮现，可即刻间便又消解在纷繁的块面中。色彩的作用在这里已被降到最低程度。画上似乎仅有一些单调的黑、白、灰及棕色。实际上，画家所要表现的只是线与线、形与形所组成的结构，以及由这种结构所发射出的张力。

后期画注目于原始艺术，简化形象。1915-1920年，画风一度转入写实。1930年又明显的倾向于超现实主义。第二次世界大战时，毕加索作油画《格尔尼卡》抗议德、意法西斯对西班牙北部小镇格尔尼卡进行狂轰滥炸。这幅画是毕加索最著名的一幅以立体主义、现实主义和超现实主义手法相结合的抽象画，剧烈变形、扭曲和夸张的笔触以及几何彩块堆积、造型抽象，表现了痛苦、受难和兽性，表达了毕加索多种复杂的情感。晚期制作了大量的雕塑、版画和陶器等，亦有杰出的成就。毕加索从十九世纪末从事艺术活动，一直持续到二十世纪七十年代，毕加索是整个二十世纪最具有影响力的现代派画家。毕加索的作品对现代西方艺术流派有着很大的影响。

毕加索是个不断变化艺术手法的探求者，印象派、后期印象派、野兽的艺术手法都被他汲取改选为自己的风格。他的才能在于，他的各种变异风格中，都保持自己粗犷刚劲的个性，而且在各种手法的使用中，都能达到内部的统一与和谐。他有过登峰造极的境界，他的作品不论是陶瓷、版画、雕刻都如童稚般的游戏。在他一生中，从来没有特定的老师，也没有特定的子弟，但凡是在二十世纪活跃的画家，没有一个人能将毕加索打开的前进道路完全迂回而进。

毕加索的成就是非常值得我们每一个对艺术有着报负之心者学习的，他也曾说过：“我不怕死，死亡时一种美。我所怕的是久病不能工作，那是时间的浪费。”是的，毕加索的一生确实没有浪费时间。

毕加索一生以一个先行者的伟大创造和探索，也为20世纪的艺术掀开了新的一页，他的实践和创造的艺术观念给所有的艺术方面注入了新的活力。作品涵盖艺术全部的过去，预见艺术的未来，他早期的绘画朴实无华易于理解，充满学院式风格，而且不断地去临摹前辈大师的名作和借鉴民族特色的民间艺术，后来试图以塞尚曾分析过的方式重新塑造艺术的世界，他解放了艺术，使我们对艺术有了更深刻地了解，并影响了整个20 世纪西方现代史。

第四篇：浅谈中国戏曲的审美特征

浅谈中国戏曲的审美特征

一、概观中国戏曲

戏曲是中华民族的传统艺术。“戏曲”一词通常指五四新文化运动之前的传统戏剧。它最早见于宋元之间文人刘壎《水云村稿》的《词人吴用章传》：“至咸淳，永嘉戏曲出，泼少年化之而后淫哇盛、正音歇”。元代多称之为“词曲”、“杂剧”，明清多谓之为“传奇”。现在所称的戏曲由文学、音乐、舞蹈、美术、武术、杂技以及表演艺术各种因素综合而成的。我国各民族地区的戏曲剧种约有三百六十多种，传统剧目数以万计。尤以京剧流行最广，遍及全国。

王国维在《戏曲考原》中说到：“戏曲者，谓以歌舞演故事也”。这句话直接点名了戏曲的两方面的特征：文学性和艺术性。戏曲所讲述的是一个相对完整的故事，而不同于歌唱、书法、舞蹈，更注重的是艺术本身的美感，然而戏曲并非同“口技者”一般再单纯的平铺一个故事，它采用的方式是“歌舞”，正是这种特殊的形式使得中国戏曲也备受国际的关注。

二、中国戏曲中的内容美 戏曲的文学性和艺术性，即戏曲的故事内容和表现形式是戏曲区别于其他表演艺术的杰出之处。戏曲的表演是以反映生活，塑造人物，表达感情为目的的，它要求真和美的统一。另一方面，戏曲表演虽然强调生活的依据，但它的表演毕竟是夸张的、写意的，它要靠启发观众对现实生活的联想和想像，才能收到预期的艺术效果。因此在欣赏古代戏曲的时候，我们要把心放在古代去感受封建社会不同于今时的悲欢离合。

以下以本人喜欢的戏曲《西厢记》和《牡丹亭》为例说明戏曲中内容蕴含的美。

《西厢记》，是王实甫描写的封建社会青年男女争取婚姻自主的故事。从“惊艳”、“联吟”到“赖婚”，充分表现了崔莺莺对爱情的渴望。但她出身于名门望，受到封建礼教的熏陶和束缚，因此，又有“闹简”、“赖简”等曲折和反复。在“听琴”、“佳期”、“长亭”几折戏中她终于走上了叛逆的道路，为作品增添了浓厚的喜剧色彩。全剧以争取婚姻自主与恪守“父母之命”的矛盾为主线，以崔莺莺、张珙和红娘三人之间的误会和冲突为副线，互相交织，有节奏地展开，时张时弛，时动时静，时喜时悲，时聚时散，挥洒自如，色彩斑斓。它那“愿天下有情的都成了眷属”的主题思想和个性鲜明、栩栩如生的艺术形象，都具有强大的艺术魅力，能给人以强烈的感染。

汤显祖的《牡丹亭》同样一部爱情剧。少女杜丽娘长期深居闺阁中，接受封建伦理道德的熏陶，但仍免不了思春之情，梦中与书生柳梦梅幽会，后因情而死，死后与柳梦梅结婚，并最终还魂复生，与柳在人间结成夫妇。剧本通过杜丽娘和柳梦梅生死不渝的爱情，歌颂了男女青年在追求自由幸福的爱情生活上所作的不屈不挠的斗争，表达了挣脱封建牢笼、粉碎宋明理学枷锁，追求个性解放、向往理想生活的朦胧愿望。从内容来说，《牡丹亭》表现的是古老的“爱欲与文明的冲突”这一主题。《牡丹亭》在思想上与《西厢记》有类似之处，但是，《西厢记》是先情后欲，《牡丹亭》则是先欲后情；《西厢记》描述的是情感的自然发展，更多的是表达“愿普天下有情的都成了眷属”的美好愿望，而《牡丹亭》则特别突出了情（欲）与理（礼）的冲突，强调了情的客观性与合理性。这种不同，是时代的差异造成的。

三、中国戏曲中的形式美

戏曲象一本历史留给我们的典籍，精彩的人物造型就是它美丽的包装，吸引着众多远离京剧的人们走近它，关注它。德国古典哲学家黑格尔曾说：“艺术家之所以为艺术家，全在于他认识到真实，而且把真实放到正确的形式里，供我们观照，打动我们的情感。”

作为一种综合艺术，戏剧融化了多种艺术的表现手段，它们在综合体中直接的、外在的表现是：文学，主要指剧本；造型艺术，主要指布景、灯光、道具、服装、化妆；音乐，主要指戏剧演出中的音响、插曲、配乐等，在戏曲、歌剧中，还包括曲调、演唱等；舞蹈，主要指舞剧、戏曲艺术中包含的舞蹈成分，在话剧中转化为演员的表演艺术——动作艺术。戏剧中的多种艺术因素分别起着不同的作用，它们在综合整体中的地位不是对等的。在戏剧综合体中，演员的表演艺术居于中心、主导地位，它是戏剧艺术的本体。表演艺术的手段——形体动作和台词，是戏剧艺术的基本手段。其他艺术因素，都被本体所融化。剧本是戏剧演出的基础，它作为一种文学形式，虽然可以像小说那样供人阅读，但它的基本价值在于可演性，不能演出的剧本，不是好的戏剧作品。戏剧演出中的音乐成分，无论是插曲、配乐还是音响，其价值主要在于对演员塑造舞台形象的协同作用。戏剧演出中的造型艺术成分，如布景、灯光、道具、服装、化妆，也是从不同的角度为演员塑造舞台形象起特定辅助作用的。以演员表演艺术为本体，对多种艺术成分进行吸收与融化，构成了戏剧艺术的外在形态。

（一）戏曲脸谱的形式美。

脸谱是一种中国戏曲内独有的、在舞台演出中使用的化妆造型艺术。这种脸部化妆主要用于净和丑。它在形式、色彩和类型上有一定的格式。内行的观众从脸谱上就可以分辨出这个角色是英雄还是坏人，聪明还是愚蠢，受人爱戴还是使人厌恶。戏曲脸谱是在漫长的岁月里随着戏曲的孕育成熟，逐渐形成并以谱式的方法相对固定下来。从戏剧内容看，它是性格化的；从美术形式看，它是图案式的。它简单得说是用于人物外貌包装的一种形式，内在上它还包含了人物的性格、身份、经历等丰富的内涵。不仅从型上匠心独具，而且含蓄不乏直观得向观众揭开了接下来登台戏曲的故事内容。

黑格尔说过，象征符号“是一种在外表形状上就已可暗示要表达的那种思想内容的符号”。脸谱主要突出人物的性格特征具有“寓褒贬，别善恶”的艺术功能，它根据不同人物的性格、身份、善恶组合成许多不同类型的谱式，每一张脸谱又由众多的分谱组成，使舞台上出现千差万别的社会众生相。每张脸谱，不管表现的是正面人物还是反面人物，都是美的创造物。如：后羿的脸上勾画了九个太阳的形象，以说明他曾用箭射下九个太阳。郑子明年轻时为救人曾被猩猩抓伤脸，故勾成不对称的歪脸。脸谱中每种设色都具有特定的象征意义，这与我们民族的文化传统、生活习惯密切相关，红色表示赤胆忠心，紫色表示智勇刚义，黄色表示武将骁勇善战、残暴，表示文士内有心计，绿色表示侠骨义肠、性格暴躁，蓝色表示刚直勇猛、桀骜不驯，黑色表示忠耿正直，白色表示阴险奸诈，粉红色表示年迈气衰的忠勇老者，互灰色表示老年枭雄，金、银色多用于神、佛、鬼怪，象征虚幻之感。

中国观众从剧场欣赏完演出以后，对勾画脸谱的人物印象鲜明深刻，京剧中的孙悟空、窦尔墩、张飞、包拯的脸谱，在现实生活中找不到，在历史上也不存在，但观众宁可相信京剧中这些勾脸的形象实有其人。这正是京剧艺术的魅力，其中很大程度上是借助了脸谱的的手段，是脸谱美，为京剧中那些活生生的形象

锦上添花。

（二）戏曲服饰的形式美

俗话说“佛靠金装，人靠衣装”。人还得三分长相七分打扮呢，京剧作为一门艺术自然不能光有好看的脸谱造型，服装的美化也是绝不能少的。整体来说京剧戏装依剧样式不同而分蟒、靠、褶、跛、衣五大类的戏装，以及翎子、盔帽、靠旗、狐尾等精致的衣饰。在所有这些服装饰物中都蕴含了中华民族的趣味和爱好。传统的纹饰图案更为服饰锦上添花，龙凤虎豹，花草鱼鸟，以及诸如“万字不到头”、“五福捧寿”等，都成为一种共同的语言和观众交流。在色彩上，京剧服饰往往搭配强烈的纯对比色，原本很难在同一环境里“和平共处”的大红、明黄、天蓝、翠绿、淡粉、亮紫，由于同时又广泛运用了中性色黑、白和金属色金、银而有机和谐地糅合成一体。传统京剧服饰在强烈对比中找到了用以达到美的境界的路，各种反差被民族性潜移默化地归拢到一起，形成一种东方的、民族的，既花团锦簇又协调统一的整体美。

如《霸王别姬》中，霸王穿黑靠，色黑脸；虞姬穿白裙袄，俊扮粉状。这一黑一白，一壮一秀，是黑白的强烈对比，相反相成，对立又统一。又如《铡美案》中，受害者秦湘莲穿黑褶子，白孝带，蓝边饰，不尚奢华，处境令人同情：陈世美身居高位，享爱驸马待遇，穿华丽的红蟒花翅，华贵显赫。两个人物，一个着衣华丽而内心丑恶，一个朴素寒微而内心高洁，形成了强烈的反差，他们是穷与富的对比，是素与华的对比，也是善与恶的对比。这些衣饰在运用对比手法时，并非单纯孤立而是协调一致地存在。“凡是美的都是和谐的和比例适度的”，在一个绚丽多彩的场面中，传统京剧服饰既令人眼花缭乱目不暇接，又有一种协调的意蕴旋绕于其中，最终给人以美的感受。

第五篇：浅析建筑艺术的审美特征

浅析建筑艺术的审美特征

摘要:建筑艺术是按照美的规律,运用建筑艺术独特的艺术语言,使建筑形象具有文化价值和审美价值,是物质功能性与审美功能性相结合的艺术,是空间延续性和环境特定性相结合的艺术,是正面抽象性与象征表现性相结合的艺术。

关键词:建筑艺术

审美

特征

建筑艺术是按照美的规律,运用建筑艺术独特的艺术语言,使建筑形象具有文化价值和审美价值,具有象征性和形式美,体现出民族性和时代感。以其功能性特点为标准,建筑艺术可分为纪念性建筑、宫殿陵墓建筑、宗教建筑、住宅建筑、园林建筑、生产建筑等类型。从总体来说,建筑艺术与工艺美术一样,也是一种实用性与审美性相结合的艺术。

1建筑艺术是物质功能性与审美功能性相结合的艺术

建筑的目的首先是为了“用”,而不是为了“看”。即使是纪念碑、陵墓也要考虑举行纪念仪式时人流活动的具体要求。其它各类艺术,美可以是唯一目的或主要目的,而建筑却必须和实用联系在一起。建筑的实用性特点,影响着人们的审美观。即是说,建筑物对人类生活的功能好坏,往往决定着人们观感的美与丑,因而建筑的审美意义,有赖于实用意义。试想,一座华贵高大的楼房,如果风一吹就要倾倒,那么色彩无论怎么鲜艳,多姿多彩,住在这座楼房里的人也不会觉得它美。相反,如果实用功能处理得好,住起来很舒适,即使外形简单一般,也会给人以美的感受。

建筑的物质功能性另一表现在于它的耐久性。建筑是巨大的、造价可观的物质实体,一旦建成,除非地震火灾和战争破坏,它都会长期保留下去,很难被人遗忘或丢失。比如希腊的神庙、罗马的广场,还有数不清的古城市、古村镇,当初并不是为了纪念而专门建筑的,但是到了后来,却成了纪念性很强的古迹,成为人们欣赏的历史文化。

当然,建筑的实用功能性和审美功能性,在不同的建筑对象中可以各有偏重。有的审美功能比重大些,甚至占主要的地位,比如纪念碑、游乐园、陵墓等;有的比重大体相等,如商店、学校、医院等;有的比重小些,如仓库、厂房、桥梁等。但即使审美比重小的建筑在建设时也离不开一定审美观念的支配,比如前面所说的仓库、厂房、桥梁等,就要考虑合适的位置,适当的高度等,也是直线和曲线的组合,从这个意义上来说,它也具有了审美功能性。

2建筑是空间延续性和环境特定性相结合的艺术

比如,看一座坡屋顶的房子,在室外我们只看到三个面。如在室内,我们最多也只能看到它的五个面。我们要想看到全部的面,就要移动自己,才能陆续地把所有的面看完。人们就是在位置的不断变换中,也就是空间的不断延续中获得了审美感受。

正因为建筑具有空间延续性,因此,它的艺术形象永远和周围的环境融为一体,有的甚至还主要靠环境才能构成完美的形象。道理很简单,建筑物一旦建成,就不能移动,除非特殊情况,不会出现房子搬家、桥梁搬家的事,而一旦搬了家,其审美效果也随之改变。比如埃及的金字塔,必须是置于埃及这广阔无垠的沙漠中,才有永恒的性格,如果搬到了东北大森林,很难设想,那是一种什么效果。

3建筑艺术是正面抽象性与象征表现性相结合的艺术

说它是正面的,是因为建筑所反映的社会生活只能为一般的,而不可能出现什么悲剧式的,颓废式的、讽刺式的、伤感式的、漫画式的形象。就建筑形象本身而言,也分不出什么进步的或落后的,革命的或反动的。天安门过去是封建王朝的正门,今天却是国徽上的图案,是伟大祖国的象征。同时,它塑造的这个正面形象又是抽象的。是由几何形的线、面、体组成的一种物质实体,是通过空间组合、色彩、质感、体形、尺度、比例等建筑艺术语言造成的一种意境、气氛,或庄严,或活泼,或华美,或朴实,或凝重,或轻快,引起人们的共鸣与联想。正因如此,建筑艺术常用象征、隐喻、模拟等艺术手法塑造形象。比如,古希腊曾有人认为人体各部分都体现着理想的美,故而早在公元前6世纪,古希腊建筑艺术的精华--多立安柱式建筑就以粗壮狂放的线条,形象地模拟了男子挺拔雄健的体形特征。由此可见,建筑艺术的正面抽象性和象征表现性构成了它的又一审美特征。

在建筑艺术中,象征的意义也是很广泛的,可以容纳很多内容,昨天可能是象征着皇权神威,今日可以是象征着统一团结,比如前面提到的天安门就是明显的例子。