艺术作品的分析过程

第一篇：艺术作品的分析过程

2艺术作品分析艺术创作过程

艺术创作是人类为自身审美需要而进行的精神生产活动，是一种独立的、纯粹的、高级形态的审美创造活动。艺术创作以社会生活为源泉，但并不是简单地复制生活现象，实质上是一种特殊的审美创造。它是人类的高级精神生产，是一种审美创造活动。艺术创作是一个艰苦的推敲过程它包含了丰富的心理与情感活动。一般说来，艺术创作过程可以分为艺术体验、艺术构思和艺术传达三个阶段。这三个阶段环环相扣，相互渗透，相辅相成。

1.艺术体验是指艺术家对生活的感受、观察和思考，是生活在心灵里的积淀。艺术体验常常伴随着强烈的情感活动。它是艺术创作的基础，是艺术创作过程中 在艺术创作过程中我们不是被动的而是主动的。社会生活是艺术创作的逻辑起点，我们要进行创作就要深入生活。积累生活素材。如果没有生活的原材料，我们是不可能凭空加工生产出艺术作品的。

现代画家黄宾虹前期师法古人，后来转而师法自然，画风为之一变：由清楚到不清楚，由规则到不规则，画面趋向于黑。这种转变来自他对自然的艺术体验。据宋人郭若虚在《图画见闻志》中的记载，唐代画家吴道子在裴将军的剑舞中得到一次深刻的艺术体验，从而完成了一生中最为得意的作品。

艺术史上的诸多事例表明，艺术体验是艺术创作的关键。没有艺术体验就不可能创作出成功的艺术作品。

2.艺术构思是指在艺术体验的基础上，艺术家对生活素材进行加工、提炼、组合，形成艺术形象的过程。在这一过程之中，想象和情感具有特别重要的地位和作用。如果用一句话来概括：艺术构思活动就是在艺术家脑中形成主客体统一的审美意象。这是艺术创作过程的重要组成部分。

艺术构思是一项复杂的精神活动有的艺术构思完成于刹那之间，如诗、绘画、音乐中的一些即兴之作；有的艺术构思则需要漫长的一生。如歌德的《浮士德》，从1770年到1831年，他耗费了长达60年的时间才完成这部巨著。不管所用的时间长短，艺术家们都在寻找完美的形式，赋予艺术体验一种形式结构。艺术表现是指在艺术体验和艺术构思的基础上，艺术家借助一定的物质材料和艺术语言运用艺术方法和艺术技巧，将构思成熟的艺术形象转化为艺术作品。艺术传达是艺术创作过程的最后完成阶段。齐白石的《六虾图》这个画虾的过程，要做到用笔随心，要有境界。看似容易，实则极难。要做到胸有成竹的境界。正是从艺术体验、艺术构思到艺术传达的完整过程。这也是从生活真实到艺术真实的过程和写照。

艺术创作不仅有着独特的心理活动的特点。而且还有着与其他人类社会实践活动、科学研究不同的思维方式。在艺术创作过程中，艺术家要以形象思维为主体，同时还需要综合地运用抽象思维和灵感。使之构成有机辩证关系。有效的统一。使艺术创造活动有机的进行与发展。

艺术家应该具备哪些修养和能力

法国作曲家、印象派音乐创始人德彪西十岁就进人巴黎音乐学院学习钢琴和音乐理论，毕业后受聘为俄国梅克夫人家庭的音乐教师，结识了作曲家穆索尔斯基和鲍罗廷等人，深受俄国文化的熏陶和影响，尤其是他回国后在巴黎与法国象征派诗人马拉美等人及印象派画家交往密切，并于 1889 年在巴黎博览会上接触到爪哇等地的东方音乐，深受东方文化的感染和启发，从此在创造过程中逐渐开创了印象派音乐，打破了许多传统音乐技法的禁区，尝试在音乐中表现感觉世界中万物色彩变幻的效果，终于创立了现代音乐的一大流派。这个例子充分证明了艺术家深厚的学识文化修养，无不来自于勤奋的学习，艰苦的探索和不懈的实践。我认为这种学习包括学习和借鉴前人的经验，也包括学习和借鉴同时代本国和外国艺术家的经验，还包括学习和借鉴其他姊妹艺术的经验，更包括学习哲学、历史、美学、文学、伦理学、心理学、社会学和自然科学多方面的广博知识，对于艺术家的个人修养有重要影响。艺术是人文社会科学的一类，艺术家在创造作品时，能够从整体上提高创造的境界，将自己的创作潜力更为有效的发挥出来。

第二篇：艺术作品的含义即形成过程

艺术作品的含义即形成过程

艺术是艺术家通过艺术媒介、经过艺术体验和艺术构思创造出来的艺术产品。是艺术生产的成果或产品，它是艺术家运用一定的物质媒介和艺术语言，通过艺术构思和艺术创作，将头脑中形成的主客体统一的审美意象物态化，创造出来的审美鉴赏的对象

艺术作品的内容是指艺术作品的题材、主题、细节、情节、情感等要素的总和。一方面，艺术创造着寻求润泽心灵的文化产物创造的意向和行为的实现，促成了艺术 作品的形成或产生。另一方面，艺术创造者寻求意图放置的意向与行为的实现，促成了艺术作品的形成或产生。艺术作品的特征

首先，“艺术作品必须是艺术家刻意创造的作品，它看上去必须具有审美性”或审艺性。其次，艺术作品必须是表现了艺术学科部分元素或艺术模糊元素的艺术家刻意转换的作品.最后，艺术作品必须是陈述表现了独创性或首创性艺术内涵或艺术边界拓展的独特性和个性化作品。

第三篇：艺术作品分析

达芬·奇绘画作品《最后的晚餐》分析

《最后的晚餐》是基督教新约圣经记载的最重要的事件之一，几乎被所有宗教画家描绘过。但在达芬·奇为米兰格雷契寺院食堂画《最后的晚餐》之前，所有的画家对画面艺术形象处理都有一个共同的特点：那就是把犹大与众门徒分隔开，画在餐桌的对面，处在孤立被审判的位置上。这是因为画家们对人的内心复杂情感无法表现，从形象上难以区别善恶。由于达芬奇对人的形象和心理作过深入的观察和研究，能从人物的动作、姿态、表情中洞察人物微妙的心理活动并表现出来。

画家选择的瞬间情节是耶稣得知自己已被弟子犹大出卖，差弟子彼得通知在愈越节的晚上与众弟子聚餐，目的并非吃饭，而是当众揭露叛徒。当耶稣入座后即席说了一句：“你们中间有一个人出卖了我。”说完此话，引起在座的众弟子一阵骚动，每个人对这句话都作出了符合自己个性的反映：有的向老师表白自己的忠诚；有的大感不惑要求追查是谁；有的向长者询问，整个场面陷于不安之中。过去的画家无法表现这一复杂的场面和弟子们各不相同的内心精神活动，唯芬奇从现实生活中对各种不同个性人物的观察，获得不同的个性形象，于是在画中塑造了各不相同的人物形象，观赏者可以从自己的生活经验出发，对画中人作出不同的心理分析。

画家描绘的弟子们的心理和情态，在现实生活中都可以找到相似的模特儿，可是叛变者的形象是很难画的。达芬奇为塑造犹大的形象已停笔几天，他常站在画前沉思。当时请芬奇作画是按时付酬金的，后几天不动笔使院长十分恼火，并打算扣芬奇的工资。院长将想法通过总管告诉芬奇，芬奇说了停笔的原因。总管虽能理解，但扣工资非他本意，而是承院长旨意。这时芬奇转首看看院长，立即表示可以很快完成犹大的形象，如果实在找不到犹大的模特儿，就把院长的头像画成犹大，总管会意地笑了。后来米兰大公来看芬奇已完成的画，一见坐在犹大位置上的是院长，他笑了，并说：我也收到修士们的指控，说他克扣修士们的薪金，他和犹大是一个样的，就让他永远地坐在这里吧。大公对芬奇说：“他对你不公平，你巧妙地报复了他。”芬奇之所以用院长作模特儿，并非完全是出于个人的报复，而是发现院长和犹大都很贪婪金钱，他们在本质上是一致的。所以犹大是作为贪财、叛卖、邪恶的典型而进入芬奇的作品的。

这幅在格雷契寺院食堂墙壁上的宏大画面，严整、均衡，而富于变化，无论从构思的完美、情节的紧凑，人物形象的典型塑造以及表现手法的纯熟上都堪称画家艺术的代表。它也是人类最优秀的绘画作品之一，由于它的问世而使达芬奇名扬世界。

第四篇：书法艺术作品欣赏

书法欣赏要点《书法艺术作品欣赏[导读]

学习书法可以陶冶人们的情操，它既是一门学问也是一门艺术

书法的书写方法主要可以有以下几种，描摹，临写，背临，创作 2010年04月02日

整理：书法欣赏要点

（一）(2008-02-29 13:36:43)

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标签： 杂谈分类：音乐艺术

单位的电脑还没好利索，没法一下子上很多图，只好把中国书法发展史的学习暂时搁一搁，分享一些书法欣赏的理念。

中国人和其他深受汉文化影响的民族，都十分钟情于黑白世界：首尾相交的太极图中的两条鱼，其一黑，其一白；风靡世界的中国围棋，有黑子，有白子；……书法的白纸、黑字，构成迷人的世界；加上优美的诗文、红红的印章，一幅书法佳作，它融入的是诗书画印，从而成为一个综合艺术的天地，让欣赏者畅游其中，各有所得。

流传的书体主要有真、草、隶、篆；细分有大篆、小篆、隶书、楷书、行楷、行书、行草、草书、大草（或曰狂草）等。史籀有大篆，李斯创小篆，程邈成隶书，王羲之大成隶、楷、行、草、因他的书体在书法史上贡献最大，最有实用价值，同时也最具审美价值，所以被后人称为“书圣”。如今能见到的最早的书法作品真迹，当为西晋陆机的《平复贴》，王羲之的书法真迹，近代人谁也没有见过，只见碑、贴、摹本传世。在王羲之以后，中国书法发展史上出现了不少名家，像熟知的“颜、柳、欧、褚”，“张旭、怀素”，宋四家“苏、黄、米、蔡”，“赵孟頫、鲜于枢”，“文征明、詹景凤、祝枝山、董其昌”等等。

南朝书家王僧虔在《笔意赞》中说：“书之妙道，神采为上，形质次之，兼之者方可绍于古人”。强调以形写神，形神兼备。

一般地说，“形”包括点画线条(xiantiao)以及由此而产生的书法空间结构；指字的结体，外观，布局，留白等。质是指作品的用笔技巧，线条(xiantiao)只量，墨色变化等，形质是实的方面。神韵是指作品神采，韵味，情趣等，这是虚的方面。

（一）书法的点画线条

书法的点画线条具有无限的表现力，它本身抽象，所构成的书法形象也无所确指，却要把全部美的特质包容其中。这样，对书法的点画线条就提出了特殊的要求。要求具有力量感、节奏感和立体感。高质量的线条包括厚实（立体感），圆润，力度，藏露等。而要有这样的效果，就要求书写者必须学会以中锋为主的用笔方法。我国古代对书法的线条质量有过一些很精彩的比喻，其中“锥画沙”指的是笔管必须与纸平面垂直，使笔端锋正；“印印泥”指的是在宣纸上留下的墨迹，向线条两边渗透的宽度应该大致相等，使线条圆润，“屋漏痕”指的是书写的墨迹有堆积的感觉，使线条厚实，力透纸背。“折钗股”指的是笔画在折转时应该干净利落，斩钉截铁。“壁坼纹”是指线条必须有力度感，苍劲老辣。我们在看字时，应该看看他的线条是否有上述感觉。

欣赏书写用笔美。众所周知，毛笔是与钢笔、圆珠笔等硬笔大不相同的软笔。东汉蔡邕论书法说：“唯笔软则奇怪生焉。”毛笔的毫接触纸面的角度、轻重、缓急，加上其蘸墨的浓淡、多寡，使写出的作品各具面目。也正是因为使用这神奇的软笔，历代书法家都相当讲究用笔的美。美的用笔，其最基本的要求就是“骨肉相称”；既不能肉肥如猪，也不能骨瘦如柴。无论点画光洁、圆润、明媚、或者苍茫、刚劲、轻柔，它都应给欣赏者以美的质感——一种“立体”的、“刻”在纸上的美感。而失败的、不美的用笔，则使点画重浊、浮华、扁薄、黯淡，了无生气，毫无美感可言。不过，中国书法的欣赏讲究“中

庸”，用时髦的话说就是讲究“辩证法”：雄强刚健过头，则失之粗野；迅疾爽利过分，则失之生犷；轻快柔和过度，则失之软媚……

有的毛笔字，从纸的正面看有字，从纸的背面看无字，说明写字人行笔无力不能力透纸背。有的毛笔字，从纸的背后看笔划断续，说明写字人行笔用力不均匀。如“大”字，从纸背后看，起笔处是点，收笔处是点，交叉处是点，整个字的背面是6个点，这就是行笔用力不均匀所致。

1、力量感

点画线条的力量感是线条美的要素之一。它是一种比喻，指点画线条在人心中唤起的力的感觉。早在汉代，蔡邕《九势》就对点画线条作出了专门的研究，指出“藏头护尾，力在字中”，“令笔心常在点画中行”，“点画势尽，力收之”。要求点画要深藏圭角，有往必收，有始有终，便于展示力度。需要注意的是，我们强调藏头护尾，不露圭角，并不是说可以忽略中间行笔。中间行笔必须取涩势中锋，以使点画线条浑圆淳和，温而不柔，力含其中。但是，点画线条的起止并非都是深藏圭角不露锋芒的(大篆、小篆均须藏锋)。书法中往往根据需要藏露结合，尤其在行草书中，千变万化。欣赏时，既要注意起止的承接和呼应，又要注意中段是否浮滑轻薄。

2、节奏感

节奏本指音乐中音符有规律的高低、强弱、长短的变化。书法由于在创作过程中运笔用力大小以及速度快慢不同，产生了轻重、粗细、长短、大小等不同形态的有规律的交替变化，使书法的点画线条产生了节奏。汉字的笔画长短、大小不等，更加强了书法中点画线条的节奏感。一般而言，静态的书体(如篆书、隶书、楷书)节奏感较弱，动态的书体(行书、草书)节奏感较强，变化也较为丰富。

3、立体感

立体感是中锋用笔的结果。中锋写出的笔画，“映日视之，画之中心，有一缕浓墨，正当其中，至于折处，亦当中无有偏侧。”这样，点画线条才能饱满圆实，浑厚圆润。因而，中锋用笔历来很受重视。但是，我们不能发现，在书法创作中侧锋用笔也随处可见。除小篆以外，其他书体都离不开侧锋。尤其是在行草书中，侧锋作为中锋的补充和陪衬，更是随处可见。

（二）书法的空间结构

书法的点画线条在遵循汉字的形体和笔顺原则的前提下交叉组合，分割空间，形成书法的空间结构。空间结构包括单字的结体、整行的行气和整体的布局三部分。

1、单字的结体

单字的结体包括工稳，正欹，呼应，向背，疏密，均衡，长短，肥瘦等，要求整齐平正，长短合度，疏密均衡。这样，才能在乎正的基础上注意正欹朽生，错综变化，形象自然，于平正中见险绝，险绝中求趣味。

2、整行的行气

书法作品中字与字上下(或前后)相连，形成“连缀”，要求上下承接，呼应连贯。楷书、隶书、篆书等静态书体虽然字字独立，但笔断而意连。行书、草书等动态书体可字字连贯，游丝牵引。此外，整行的行气还应注意大小变化、欹正呼应、虚实对比，以及由此而产生的节奏感。这样，才能使行气自然连贯，血脉畅通。

好的书法作品中每个字的间架结构和字与字之间的结构仿佛都有音乐的韵律。

3、整体的布局

书法作品中集点成字、连字成行、集行成章，构成了点画线条对空间的切割，并由此构成了书法作品的整体布局。要求字与字、行与行之间疏密得宜，计白当黑；平整均衡，欹正相生；参差错落，变化多姿。其中楷书、隶书、篆书等静态书体以平正均衡为主；行书、草书等动态书体变化错综，起伏跌宕。

“真、草、隶、篆”，每种字体都有自己的行笔的法则。行笔法则变了，字体也跟着有所变化，也许新的、更好的、具有审美性的字体就产生了。我们赏析一幅书法的好坏一定要从每一笔的起笔、行笔、收笔去看，看起笔是否有力，行笔用力是否均匀流畅，在写点、横、折、竖、勾、撇、捺、提等笔划

时，是否符合这种字体的行笔法则，这些行笔法则都是前辈大书法家千锤百炼出来的。每个大书法家在行笔都有不同，但万变不离其宗的是其写的每一笔划都有功力，都有审美价值。书法家在行笔上没有功力、没有审美价值的笔划叫“败笔”。所以书法家不可不以前人好的行笔法则为学习基础，练好书法行笔中每一笔的基本功。

（三）书法的神采意味

神采本指人面部的神气和光采。书法中的神采是指点画线条及其结构组合中透出的精神、格调、气质、情趣和意味的统称。“神采为上，形质次之，兼之者方可绍于古人”。说明神采高于“形质”(点画线条及其结构布局的形态和外观)，形质是神采赖以存在的前提和基础；因此，书法艺术神采的实质是点画线条及其空间组合的总体和谐。追求神采，抒写性灵始终是书法家孜孜以求的最高境界。

书法中神采的获得，一方面依赖于创作技巧的精熟，这是前提和基础；另一方面，只有创作心态恬淡自如，创作中心手双畅，物我两忘，才能写出真情至性，融进自己的知识修养和审美趣味。

字乃抽象的画，好的书法作品充分展示着画的意境。书法中内涵的势态包括大气还是小气，是潇洒、飘逸还是拘谨，是格调高雅还是低俗，是厚重还是轻浮等等。王羲之的字潇洒飘逸，颜真卿的字厚重，文征明的字格调高雅。总之，书法作品所涵盖的丰富语言，从某一角度来说，应是书法家人格的写照。

第五篇：蒙娜丽莎,父亲艺术作品评析

罗中立的油画《父亲》刻画了一位典型中国老农父亲的形象。油画中老人脸上沟壑似的皱纹，深陷的眼睛露出了凄楚，迷茫又带着恳切的目光，像是在缅怀过去又像是在期待未来，让人感受到目光中的质朴与善良。干裂焦灼的嘴唇似被风干许久，仅剩下一颗门牙的嘴里不知饱尝多少酸甜苦辣，布满伤痕的大手捧着一个破旧的粗瓷碗在喝水，黝黑的皮肤不知经过多少日晒留下多少汗水。稀疏的胡须还有那象征着悲剧色彩的苦命痣无不打上了他艰苦劳动生活悲剧的烙印。还有他耳上夹的圆珠笔，让人感到心酸，同时更加体现出这是一个虽饱经沧桑却对生活充满希望期待的老农父亲形象。

《蒙娜丽莎的微笑》是意大利著名画家达芬奇创作于1504年左右，法国巴黎卢浮宫的镇馆之宝。它是直接画在白杨木上的，此画面积不大，长约77厘米宽53厘米。

是一副享有盛誉的肖像画杰作，代表达芬奇最高艺术成就，成功的塑造了资本主义时期一位城市资产阶级妇女形象。画中人物坐姿优雅笑容神秘，背景山水幽深。画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合。对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位，也特别着重掌握精妙与含蓄的辩证关系，把这些部位画的若影若现没有明确的界限。从而使蒙娜丽莎的微笑有种神秘莫测的千古奇韵，被不少美术史家称为“神秘微笑”。

达芬奇在人文主义思想下，着重表现人的感情。在构图上，以正面的胸像构图，透点略微上升，形成金字塔形，蒙娜丽莎就显得更端庄稳重。另外蒙娜丽莎的双手柔嫩，精确，丰满，展示了她的温柔，及身份和阶级地位，显示出达芬奇的精湛画技，和他观察自然的敏锐。画中左边地平线比右边低，蒙娜丽莎左边看上去比右边略低。