艺术作品赏析（共5篇）

第一篇：艺术作品赏析

《艺术作品赏析》期末复习题

一、填空

1、艺术美学不仅要掌握各门艺术的共性，而且要掌握各种艺术的。

2、体现了古希腊建筑艺术的最高成就，为后人树立了“不可企及的典范”。

3、中国园林与欧洲园林相比较，前者可称为自然式，后者可称为。

4、在雕塑的方圆结合中，我国往往以方为主，而

5、霍去病墓的一组石群雕，绝妙地体现了天人合一的哲学思想，我们可以将其相应的审美观点笼统地称为“”。

6、“、、”是工艺美术创作设计的原则。

7、舞剧《丝路花雨》的艺术特色，可以用和舞蹈新来概括。

8、戏曲熔歌、舞及其它艺术形式为一炉，以、为表演的艺术手段。

9、静物摄影可分为的和

二、单项选择题

1、苏轼“诗画本一律，天工与清新”的名句表明，美学知识的（）是相对的。

A、共同性B、完整性C、特殊性D、排他性

2、山西应县释迦塔是一座（）。

A、密檐式砖塔B、楼阁式砖塔C、楼阁式木塔D、密檐式木塔

3、雕塑杰作（）被认为是希腊爱神、美神和生殖之神的偶像。

A、维纽伦的维纳斯B、美隆地区的维纳斯

C、“地中海”女坐像D、布朗古希的《丽达》

4、我国最著名的“瓷都”是（）。

A、浙江龙泉B、江西景德镇C、河南禹县D、河北曲阳

5、在（）艺术中，动作语言和音乐语言共同承担着同样的表现任务。

A、舞蹈B、戏剧C、戏曲D、电影

6、“咬字就如猫抓老鼠，不一下子抓死，既要抓住，又要保存活的。”是（）对自己“依字行腔”的形象化说明。

A、梅兰芳B、程砚秋C、荀慧生D、尚小云

7、再现性艺术的代表是()。

A、电影和建筑B、建筑和音乐C、绘画和雕塑D、舞蹈和电影

8、表现性艺术要表现的情感是一种()。

A.、具体的情感B、永恒的情感C、热烈的情感D、抽象的情感

三、判断题

1、艺术中美的属性能不能作用于与它接触的人们，关键是看审美主体有无审美能力。（）

2、建筑的群体组合也可以说是环境艺术的一个重要方面。（）

3、乌桐的《伏尔泰像》是市民反侵略的象征。（）

4、网师园是苏州著名的皇家园林。（）

5、既有形可见，又流动持续，这便是舞与诗、乐的主要区别。（）

6、摄影全景范围的大小总是与主体对象有关，是与主体对象的大小相对而确定的。（）

7、学会从画面和声音去感受一部影片，是电影欣赏的入门。（）

8、青衣多扮演性格明快活泼或放荡的青年女性。()

9、艺术欣赏在本质上是对审美对象的提高。（）

四、简答题

1、简述戏剧中独白与旁白的特点及其区别。

2、简要说明电影摄影艺术中大致有几种造型手段?

五、分析题

对比欧洲园林、阿拉伯园林，谈谈中国园林艺术的自然美与人文美。

艺术作品赏析试题答案

一、填空

1、个性

2、雅典帕提侬神庙

3、几何式

4、希腊

5、天趣

6、适用经济美观

7、题材新立意新构思新

8、唱做念打

9、观赏性寓意性情节性

二、单项选择题

1、C2、C3、B4、B5、A6、B7、C8、D

三、判断题

1、对

2、对

3、错

4、错

5、对

6、对

7、对

8、错

9、错

四、简答题

1、独白和旁白是戏剧“台词”的两种不同形式。独白指剧中人物孤身独处时直接对观众倾诉内心隐秘或披露内心矛盾； 而旁白则指剧中人物的主体与其他人物对话之间插入的自语，其主要功能也在于揭示人物内心的隐秘，有时也用于评价对方的言行。（参见《艺术赏析概要》第156——157页）

2、简要说明电影摄影艺术中大致有几种造型手段。

(1)光线表现手段；(2)色彩表现手段；(3)光学表现手段；(4)动向表现手段。

五、分析题

要点提示：

中国园林：“自然式”————诗情画意、崇尚自然，步移景异；

西方园林：“几何式”————构图布局均衡匀称、井然有序，崇尚人工美；

中国园林艺术的自然美与人文美：

(1)利用自然美：用水池、假山、花草、树木营造自然环境；讲究亭、台、楼、阁、廊、榭建筑形

式美，与自然环境协调；

(2)采用楹联、匾额、碑刻、书画题记等，营造文化氛围；

(3)含蓄深沉、平易精微，风景美、艺术美、文化美融为一体。

叙述。

(参见教材28—30页)

第二篇：中西方绘画艺术作品比较赏析

中西方绘画艺术作品比较赏析

——《富春山居图》与《向日葵》

作者：周莹珺

高一（6）班

内容摘要：在美术的发展史上，中西方拥有着自己引以为傲的绘画艺术，它们思想内涵不同，它们作画原料、技巧不同。但当它们相互碰撞时，一种化学反应产生了，它们相互交融，一起进步与革新！

关键词：中国小墨画，西方油画原料，绘画技巧，碰撞与融合，梵高与《向日葵》，黄公望与《富春山居图》。

一、中西方不同的绘画技术

（一）黄公望与《富春山居图》

元代画家黄公望，字子久，号一峰，大痴道人，常熟人。擅长画山水，多描写江南自然景物，以小墨，浅降风格为主，与吴镇、王蒙、赵孟頫并称“元四家”。他云游四方，以诗画自娱。并且曾以卖卜为生。因为生活的坎坷，寒暖自知，他所画的画一致地有两种风格，一为浅降色，山头多岩石，笔势雄伟；另一为小墨，皱纹较少，笔意简远逸迈。在黄公望晚年时定居在今天的富阳市内，他情钟于富春山水。79岁的高龄也未能阻止他终日不辞幸劳地奔波，观察那烟云变幻之奇，领略江山之壮阔。炉火纯青的技法夹杂着生活，倾注了大约七年的心血，一幅富春江一带秋初景色，由平面向纵深展宽，真实亲切。世人说：“清水出芙蓉，天然去雕饰”之妙，后世誉为“画中之兰亭”。明朝末年富春山居图传到吴洪裕的手中，吴洪裕极为喜爱，每天乐不思蜀的临摹。甚至在临死前下令说要焚烧此画作为陪葬。幸运的是，吴洪裕的侄子及时将其从火中抢出，但此时的画已被烧成一大一小两半，前段较小称作“剩山图”，后段较长，称作“无用师卷”。

（二）梵高与《向日葵》

梵高，荷兰后印象派画家，出生于新牧师家庭，今名为文森特·威廉·梵高，深深地影响了二十世纪的艺术，是后印象主义的先驱。1890年7月份的时候，因为受到精神病的困扰，割掉了自己的左耳，后来又在法国瓦兹河开枪自杀，那时他37岁，一位天才的画家便向着天堂上去了。他死前的两年，也是他35岁时，梵高从巴黎来到了阿尔勒，一个法国南部的小城。《向日葵》就从那蕴育出来，其画面像闪烁着熊熊的火焰，满怀炽热的激情令运动感充斥每一个细胞，色彩的对比也是单纯强烈的，温度就像跃跃欲试喷出的岩浆。梵高笔下的向日葵不仅仅的临摹下来的职务，而是注入了、生命热情与希望，带有原始冲动的生命体。当然，一幅作品受到的主观，客观决定因素很多，因而他作品中也包含着深刻的悲剧意识，强烈的个性和在形式上独特新颖，他远远地走到了时代的前沿。那时难以被人所接受，可当环境改变，物是人非时，他达到实实在在的现实，促使了表现主意的诞生，甚至他直接影响了法国的野兽主义，德国的表现主义，以至于20实际出现的抒情抽象肖像。

二、不同的绘画技术、特点，影响与特点。

（一）掬一捧烟雨，会缓缓地流进心底

小墨画顾名思义是由小墨画出的画，也称国画。其有要素三个：一是单纯性、二是象征性、三是自然性。用中国特制的烟墨构成的小墨画成为中国画的一个画种，而墨作为其主要原料，也是颇为讲究。以清水的多少引为浓墨、淡墨、干墨、湿墨、焦墨五墨，画出不同浓淡层次，别有一番韵味称为“墨韵”，从而形成以小墨为主的一种绘画形式。水墨画也拥有着自己独具一格的特点。借南朝谢赫的《古画品录》评论：小墨画讲究“气韵生动”，不拘泥于物体的外表，更多于是抒发主观上的情趣。讲究“以型写神”，骨法用笔—平、园、留、重、变。可以说是西方艺术的再现手法。后来进阶时的小墨画，也有毛笔花鸟画，色彩缤纷，有时也便称为彩墨画。

（二）蒙一层亚麻，染些油味的颜色

油画是以用快干性的植物油调合颜料，在亚麻布，纸板或木板上进行制画的一个画种，它凭借颜料的遮盖力和透明性能较充分地表现描绘对象，色彩丰富，立体质感强。成为了西洋画的主要画种之一。其实油画的前身是15世纪以前的蛋彩画，后来经尼德兰画家杨·凡·艾克进行了改良，由此他也被称为“油画之父”。油画逐渐成为西方绘画史中的主体绘画方式，就如同中国的小墨画一般。19世纪后期，由于科技的发展，用油调制的颜料，取而代之地被为丙烯颜料等高科技的工具。油画的遍及也随之伴着各种各样的派别出现，比如说：浪漫主义籍里柯的《梅杜萨之筏》；现实主义米勒的《拾穗》；后印象主义梵高的《向日葵》等等，甚至还扩及到后来的抽象画派。而挫、拍、揉、线、扫、跺、拉、擦、仰、砌、划、点、乱、涂、摆也是油画中贯用的作画技巧。

三、不同绘画碰撞和交融

从古至今，西方与东方的思想与文明都因为经济的发展不同而有所差异，它波及至各个领域，工业、声乐、绘画都是如此。千年的文化愧宝。清代时期，油画作为西方绘画艺术的代表传入中国，两种截然不同的艺术由此碰撞，发生了不一样地化学反应。不同的技巧，不同的绘画颜料，不同的精神文画相互交融与仰仗。西方崇尚那种诗，书画集于一体的儒雅气息。东方崇尚那种富有各式色彩，画色鲜明的绘画艺术。后来，戊戌变法之后，中国许多青年学者先后赴英国、法国等西方国家学习油画，其中不就有后世知名的徐悲鸿、关良、胡一川等人。而西方也开始用中国的小墨作为油画的底料，用墨色来勾勒绘画。这便是淡妆浓抹总相宜吧。

第三篇：艺术作品分析

达芬·奇绘画作品《最后的晚餐》分析

《最后的晚餐》是基督教新约圣经记载的最重要的事件之一，几乎被所有宗教画家描绘过。但在达芬·奇为米兰格雷契寺院食堂画《最后的晚餐》之前，所有的画家对画面艺术形象处理都有一个共同的特点：那就是把犹大与众门徒分隔开，画在餐桌的对面，处在孤立被审判的位置上。这是因为画家们对人的内心复杂情感无法表现，从形象上难以区别善恶。由于达芬奇对人的形象和心理作过深入的观察和研究，能从人物的动作、姿态、表情中洞察人物微妙的心理活动并表现出来。

画家选择的瞬间情节是耶稣得知自己已被弟子犹大出卖，差弟子彼得通知在愈越节的晚上与众弟子聚餐，目的并非吃饭，而是当众揭露叛徒。当耶稣入座后即席说了一句：“你们中间有一个人出卖了我。”说完此话，引起在座的众弟子一阵骚动，每个人对这句话都作出了符合自己个性的反映：有的向老师表白自己的忠诚；有的大感不惑要求追查是谁；有的向长者询问，整个场面陷于不安之中。过去的画家无法表现这一复杂的场面和弟子们各不相同的内心精神活动，唯芬奇从现实生活中对各种不同个性人物的观察，获得不同的个性形象，于是在画中塑造了各不相同的人物形象，观赏者可以从自己的生活经验出发，对画中人作出不同的心理分析。

画家描绘的弟子们的心理和情态，在现实生活中都可以找到相似的模特儿，可是叛变者的形象是很难画的。达芬奇为塑造犹大的形象已停笔几天，他常站在画前沉思。当时请芬奇作画是按时付酬金的，后几天不动笔使院长十分恼火，并打算扣芬奇的工资。院长将想法通过总管告诉芬奇，芬奇说了停笔的原因。总管虽能理解，但扣工资非他本意，而是承院长旨意。这时芬奇转首看看院长，立即表示可以很快完成犹大的形象，如果实在找不到犹大的模特儿，就把院长的头像画成犹大，总管会意地笑了。后来米兰大公来看芬奇已完成的画，一见坐在犹大位置上的是院长，他笑了，并说：我也收到修士们的指控，说他克扣修士们的薪金，他和犹大是一个样的，就让他永远地坐在这里吧。大公对芬奇说：“他对你不公平，你巧妙地报复了他。”芬奇之所以用院长作模特儿，并非完全是出于个人的报复，而是发现院长和犹大都很贪婪金钱，他们在本质上是一致的。所以犹大是作为贪财、叛卖、邪恶的典型而进入芬奇的作品的。

这幅在格雷契寺院食堂墙壁上的宏大画面，严整、均衡，而富于变化，无论从构思的完美、情节的紧凑，人物形象的典型塑造以及表现手法的纯熟上都堪称画家艺术的代表。它也是人类最优秀的绘画作品之一，由于它的问世而使达芬奇名扬世界。

第四篇：艺术作品与审美（共）

思考题

巴洛克艺术的特征是什么？代表雕塑家和画家。荷兰画派产生的原因？并列举代表画家。洛可可艺术的特征是什么？

1贝尼尼是意大利雕塑家、建筑家，巴洛克艺术的主要代表人物之一。

吉安罗伦佐·贝尼尼《祭坛华盖》罗马圣彼得教堂1624-1633年、《极乐忘我的圣特雷萨》 特点：巴罗克风格强调紧张、亢奋、激扬的情绪，它一改文艺复兴的平和匀称，而显得动感十足甚至骚乱不安。综合手段的运用。充满繁缛装饰、富丽堂皇、气势宏大、富于动感。

2荷兰画派——市民艺术的崛起

肖像画：哈尔斯Frans Hala（1581-1666）：荷兰画派的奠基人。伦勃朗 Rembrandt Van Rijn（1606-1669）：荷兰伟大的画家，也是艺术史上伟大的画家。风俗画：维米尔 风景画：霍贝玛 静物画：考尔夫

3洛可可艺术有意回避在巴罗克中得到充分强调的宏大、庄重乃至压抑的体量感，同时也淡化了利用强透视的画面制造深度空间的错觉式手法。洛可可风格则以一种女性的柔媚而令人陶醉。

思考题

19世纪印象主义艺术发展的两个推动力及产生的作用。印象主义绘画的特点及其影响。

后印象主义画家对现代艺术的影响。达盖尔照相法

立体主义 1.摄影术：便携式的照相机和快拍的出现帮助人们发现了偶然的奖项和意外的角度富有的魅力；另一方面摄影术接手了绘画的记录功能。艺术家不得不去探索摄影术无法仿效的领域。日本彩色版画：日本版画主题选取广受大众欢迎，采取非正统的观点加以创作，且颜色与形式都极鲜明活泼。成为19世纪欧洲艺术家抛弃传统的催化剂，将他们从古典艺术大师的权威中解放出来，并寻求新的艺术理念与观察方式。

印象主义艺术特点：

印象派注重在绘画中对自然光与色彩的探索、研究和表现。

印象派画家倡导户外写生，直接描绘在阳光下的物象，并根据画家自己眼睛的观察和直接的感受（瞬间的印象），表现微妙的色彩变化。印象派绘画在构图上通过画面的不完整感，追求画面的鲜活与真实感。影响：

后印象主义(Post—Impressionism)主要是指塞尚、凡·高、高更的艺术观念和艺术创造。重视形和构成形的线条、色块和体、面。强调抒发自我感受，表现主观感情和情绪。内心化和个性化是最大的创作特色。影响： 由于艺术家们不断地探索，新的艺术思想和艺术形式相继呈现。现代艺术正是萌芽于这种对现存艺术的不满和执着的探索中。

凡·高的探索导向主要是在德国引起反响的表现主义； 高更的探索则导向各种形式的原始主义；

塞尚的探索最后导向起源于法国的立体主义。

达盖尔：法国风景画家，早年创办“西洋镜”而闻名。达盖尔摄影术（daguerreotype process）1839年获得专利，被认为是摄影诞生的标志。（使用镀银的铜板，故也称为银版照相法。）

立体主义；20世纪初西方现代艺术史上的一种艺术流派，由毕加索和勃拉克开创。它放弃从一个角度对物体进行描绘的方法，而把物体从几个角度重叠在一起，呈现立体或几何体。形成碎裂、解析、重新组合的形式。

思考：

为什么将古希腊和古罗马的艺术成为欧洲艺术的基石？ 古希腊艺术的主要特征是什么？

古罗马艺术的表现手法与古希腊艺术相比有什么区别？ 古代希腊的艺术：伟大的觉醒

“古风时期”古风早期雕塑、绘画中仍保留着原始的“几何形风格”

古风时期稍后的阶段，雕刻家开始赋予雕像面部一种生气，在雕像嘴角总可以看见一丝恬静的“微笑”；通过细致的观察和对传统的尊崇，将自然主义与理想主义进行独特的结合。希腊艺术的伟大革命：自然形状和“短缩法”的发明 出现了深度空间与立体造型的表象 “古典时期”盛期的古典文化以雅典为中心。雅典卫城代表了古希腊建筑和雕塑的最高成就。这一时期的雕像作品，追求理想人体的完美比例。摆脱束缚，保持清楚的布局，表现出单纯和谐之美.类型化的形象与具体的形象之间取得了新的巧妙的平衡。

正是这种严格的循规蹈矩和愈变化与规矩之中二者所达到的平衡，使得希腊艺术在后来各个世纪里博得了巨大的赞美。

在建筑中强调单纯与清晰的结构 在绘画中着重视觉表象

在雕刻中专注于表现理想化男性裸体 古代罗马的艺术：天下的征服者

希腊化文化的特征

希腊一体化与地方多元性相结合；

消极没落的个人主义与眼界开阔的世界主义相并存；

希腊化艺术表现了这一时期的“激情与壮丽”，突出了新的历史条件下人与现实的冲突； 希腊化文化中包含有东方文化因素

古典艺术中心灵与肉体充分和谐发展的完整的人的形象分裂了：一方面是威严雄强的超人，另一方面体现世俗情趣的普通人。

形象的特别庞大，形象的超人威力，情绪的夸张，暴风雨一般的动态。

古罗马：力图以所创作的肖像传达具体人独特的相貌与气质，即逼真又不平凡。古希腊：肖像的刻画不是具体人物，而是如哲学家、演说家这样一些人物类型，从没有追求因人而异的酷似肖像。

思考题：

如何理解中世纪的基督教艺术？

与古希腊栩栩如生、让人愉悦的艺术相比中世纪的艺术是一种冰冷的倒退吗？ 拜占庭艺术的特征是什么？

贡布里希称“罗马式”教堂表现出一种战斗的基督教的姿态，而“哥特式”教堂则表现出胜利的基督教的荣耀，请问你如何理解？

“中世纪”一词史文艺复兴时期意大利学者首先使用的，崇拜古典和文艺复兴文化的学者们，常把这段时期成为“黑暗的一千年”，他们认为古希腊、古罗马的古典文化被销毁损坏之后，一直到文艺复兴使得古典传统再度复兴的一千多年，文明史间断了，处于两个文明时代之间的愚昧、野蛮的“黑暗时代”。

美术史上指公元4世纪——13世纪，西方文明史上指5——13世纪）。

事实上这段时期是西欧近代国家诞生的时期，也是各民族的语言和文化形成的时期。

埃及人在画他们知道确实存在的东西； 希腊人在画他们看见的东西；

而在中世纪，艺术家还懂得在画中他感觉到的东西。

拜占庭绘画艺术

以小块彩色玻璃片制作的大型墙面镶嵌画是早期基督教艺术一个独树一帜的创造。

镶嵌画的特色：装饰的、平面样式化，不表现实体及空间感，色彩的明度与饱和度都很高，具有一定的抽象性，充满了象征主义

“拜占庭艺术”不仅仅是对东罗马帝国艺术的称谓，同时也指一种样式，即君士坦丁堡的宫廷艺术样式。

“拜占庭艺术，在早期基督教艺术的背景下产生，一方面继承了希腊文明的遗产，另一方面又受到古代东方文化传统的强烈影响，形成了自己独特的个性与特色。

拜占庭的艺术一方面严格遵循传统形象模式；另一方面创造性的复兴了东方古老艺术的庄严与宏伟。富有装饰性和具有神圣的宗教寓意。

哥特式 轻盈剔透，优雅曼妙，欲动欲飞，垂直方向的线条统领着所有的细节，整个建筑呈现强烈的上升之势。

哥特式雕塑家是用一种新的精神对待他的工作。那些雕塑 不仅仅是象征神圣并且庄严地提示道德的真理，而且每一

个人物都是一个真正独立的形象，富有独特的灵魂。

罗马式 坚实厚重，沉静矜持，宽阔平稳，但不免有沉闷笨重之感，强调水平方向的稳定感和砌体本身的体积感

思考题

你如何理解文艺复兴艺术的特色？

文艺复兴初期绘画在对现实世界真实的征服过程中意大利和以尼德兰为代表的北方地区分别采用了什么样的表现方法？你如何理解这两种不同的表现方法？

如何理解拉斐尔的绘画作品标志着意大利美术达到了和谐完美的境界？ 文艺复兴时期美术： 文艺复兴，是新兴资产阶级针对在中世纪被宗教所扼杀的古代希腊罗马以人为本的科学文化走向复兴而掀起的一场意识形态领域的革命。

文艺复兴时期是继希腊、罗马后欧洲文化史上的第二个高峰。

文艺复兴的指导思想是人文主义，提倡世俗的 “人”为中心，肯定“人”是现实生活的创造者和享受者。

他们提倡“人性”来反对教会的“神性”，提倡“人权”来反对中世纪的“神权”，用“人道”来反对替封建制度辩护的“神道”。

透视学和解剖学为文艺复兴美术造型的两大支柱。

文艺复兴发端于意大利的佛罗伦萨，后逐渐传播到欧洲其他国家。

意大利文艺复兴可分为初期、盛期和晚期。初期以佛罗伦萨为中心，自乔托始到波提切利止；盛期主要以达·芬奇，米开朗基罗和拉斐尔的艺术成就为标志；晚期则以提香为代表的威尼斯画派著称。

15世纪初：征服真实之意大利

美第奇家族

建筑家 菲利波·布鲁内莱斯基 成就：设计并完成佛罗伦萨大教堂 发明了“透视法” 马萨乔 代表作：圣玛丽亚诺韦拉教堂壁画《三位一体》。雕塑家 多纳泰罗 他对雕刻艺术的整个态度表现出完全新颖的思想，他用对自然的生动观察取代前辈的优雅的精致。

他成功地调和了新成就和旧传统（哥特式传统）的艺术思想。代表作品 ：《圣乔治》、《大卫》 15世纪初：征服真实之尼德兰 尼 德 兰 艺 术

凡·艾克兄弟代表作品《根特祭坛画》《阿尔诺菲尼夫妇像》 扬·凡·艾克Jan Van Eyck被认为是油画的发明者。（从中世纪的蛋胶颜料到油画颜料的转变）

征服真实的方法 布鲁莱斯基那一派的佛罗伦萨艺术名家已经发展成功一种方法：从直线透视的框架入手，运用他们的解剖知识和短缩法去构成人体，把自然表现在画面中几乎具有科学的精确性。

凡·艾克则是耐心地在细节上再增添细节，直到整个画面变得像镜子般地反映可见世界为止，让人感到真实。

15世纪后期：传统与创新

画家 波提切利 代表作品《维纳斯的诞生》、《春》。他的作品体现了美丽与和谐，人物特具妩媚和神秘的面貌，被成为“波提切利的妩媚”。

意大利盛期文艺复兴16世纪特点：

1、规模宏大

2、精神与肉体的完美统一

3、对自然环境描写的重视

4、人才济济

5、艺术理论的发展

6、各地方流派的发展

文艺复兴三杰

莱奥纳多·达·芬奇 《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》等。理性的、科学的、含蓄的 米开朗基罗·博纳罗蒂艺术特点：大气磅礴、魁伟强壮、洋溢着雄伟的悲剧意境和气氛。罗马西斯廷教堂天顶壁画

拉斐尔·桑齐奥 圣母像系列 艺术风格：优雅的、和谐的、高度完美的艺术，把文艺复兴的艺术成果经典化。

文 艺 复 兴——威尼斯画派 代表：提 香

名词解释： 拜占庭艺术：

巴洛克艺术：“巴罗克”，指的是17世纪起源于罗马，具有丰富宗教情感、动感多里、充满繁缛装饰的艺术，它流行于意大利，而从意大利又传遍全欧。

洛可可艺术：洛可可，18世纪在法国兴起，流行于欧洲的建筑、绘画等艺术风格。立体主义：20世纪初西方现代艺术史上的一种艺术流派，由毕加索和勃拉克开创。它放弃从一个角度对物体进行描绘的方法，而把物体从几个角度重叠在一起，呈现立体或几何体。形成碎裂、解析、重新组合的形式。

达盖尔照相法：又被称为银版照相法，是利用镀有碘化银的钢板在暗箱里进行曝光，然后以水银蒸汽进行显影，再以普通食盐定影，得到的实际上是一个金属负像，但十分清晰而且可以永久保存。

正面律：就是指表现人物时，头部为正侧面，眼为正面，肩为正面，腰部以下为正侧面。运用以上的表现手法对人物的形象进行处理，是为了使人的形象特征更加突出和完整，这也是埃及绘画追求完整性的体现。

短缩法：用缩减所画对象尺寸的透视法手段来描绘与画面呈一定角度的对象的方法。观者会自动地把该人体或物体复原成正确的比例。

第五篇：书法艺术作品欣赏

书法欣赏要点《书法艺术作品欣赏[导读]

学习书法可以陶冶人们的情操，它既是一门学问也是一门艺术

书法的书写方法主要可以有以下几种，描摹，临写，背临，创作 2010年04月02日

整理：书法欣赏要点

（一）(2008-02-29 13:36:43)

转载

标签： 杂谈分类：音乐艺术

单位的电脑还没好利索，没法一下子上很多图，只好把中国书法发展史的学习暂时搁一搁，分享一些书法欣赏的理念。

中国人和其他深受汉文化影响的民族，都十分钟情于黑白世界：首尾相交的太极图中的两条鱼，其一黑，其一白；风靡世界的中国围棋，有黑子，有白子；……书法的白纸、黑字，构成迷人的世界；加上优美的诗文、红红的印章，一幅书法佳作，它融入的是诗书画印，从而成为一个综合艺术的天地，让欣赏者畅游其中，各有所得。

流传的书体主要有真、草、隶、篆；细分有大篆、小篆、隶书、楷书、行楷、行书、行草、草书、大草（或曰狂草）等。史籀有大篆，李斯创小篆，程邈成隶书，王羲之大成隶、楷、行、草、因他的书体在书法史上贡献最大，最有实用价值，同时也最具审美价值，所以被后人称为“书圣”。如今能见到的最早的书法作品真迹，当为西晋陆机的《平复贴》，王羲之的书法真迹，近代人谁也没有见过，只见碑、贴、摹本传世。在王羲之以后，中国书法发展史上出现了不少名家，像熟知的“颜、柳、欧、褚”，“张旭、怀素”，宋四家“苏、黄、米、蔡”，“赵孟頫、鲜于枢”，“文征明、詹景凤、祝枝山、董其昌”等等。

南朝书家王僧虔在《笔意赞》中说：“书之妙道，神采为上，形质次之，兼之者方可绍于古人”。强调以形写神，形神兼备。

一般地说，“形”包括点画线条(xiantiao)以及由此而产生的书法空间结构；指字的结体，外观，布局，留白等。质是指作品的用笔技巧，线条(xiantiao)只量，墨色变化等，形质是实的方面。神韵是指作品神采，韵味，情趣等，这是虚的方面。

（一）书法的点画线条

书法的点画线条具有无限的表现力，它本身抽象，所构成的书法形象也无所确指，却要把全部美的特质包容其中。这样，对书法的点画线条就提出了特殊的要求。要求具有力量感、节奏感和立体感。高质量的线条包括厚实（立体感），圆润，力度，藏露等。而要有这样的效果，就要求书写者必须学会以中锋为主的用笔方法。我国古代对书法的线条质量有过一些很精彩的比喻，其中“锥画沙”指的是笔管必须与纸平面垂直，使笔端锋正；“印印泥”指的是在宣纸上留下的墨迹，向线条两边渗透的宽度应该大致相等，使线条圆润，“屋漏痕”指的是书写的墨迹有堆积的感觉，使线条厚实，力透纸背。“折钗股”指的是笔画在折转时应该干净利落，斩钉截铁。“壁坼纹”是指线条必须有力度感，苍劲老辣。我们在看字时，应该看看他的线条是否有上述感觉。

欣赏书写用笔美。众所周知，毛笔是与钢笔、圆珠笔等硬笔大不相同的软笔。东汉蔡邕论书法说：“唯笔软则奇怪生焉。”毛笔的毫接触纸面的角度、轻重、缓急，加上其蘸墨的浓淡、多寡，使写出的作品各具面目。也正是因为使用这神奇的软笔，历代书法家都相当讲究用笔的美。美的用笔，其最基本的要求就是“骨肉相称”；既不能肉肥如猪，也不能骨瘦如柴。无论点画光洁、圆润、明媚、或者苍茫、刚劲、轻柔，它都应给欣赏者以美的质感——一种“立体”的、“刻”在纸上的美感。而失败的、不美的用笔，则使点画重浊、浮华、扁薄、黯淡，了无生气，毫无美感可言。不过，中国书法的欣赏讲究“中

庸”，用时髦的话说就是讲究“辩证法”：雄强刚健过头，则失之粗野；迅疾爽利过分，则失之生犷；轻快柔和过度，则失之软媚……

有的毛笔字，从纸的正面看有字，从纸的背面看无字，说明写字人行笔无力不能力透纸背。有的毛笔字，从纸的背后看笔划断续，说明写字人行笔用力不均匀。如“大”字，从纸背后看，起笔处是点，收笔处是点，交叉处是点，整个字的背面是6个点，这就是行笔用力不均匀所致。

1、力量感

点画线条的力量感是线条美的要素之一。它是一种比喻，指点画线条在人心中唤起的力的感觉。早在汉代，蔡邕《九势》就对点画线条作出了专门的研究，指出“藏头护尾，力在字中”，“令笔心常在点画中行”，“点画势尽，力收之”。要求点画要深藏圭角，有往必收，有始有终，便于展示力度。需要注意的是，我们强调藏头护尾，不露圭角，并不是说可以忽略中间行笔。中间行笔必须取涩势中锋，以使点画线条浑圆淳和，温而不柔，力含其中。但是，点画线条的起止并非都是深藏圭角不露锋芒的(大篆、小篆均须藏锋)。书法中往往根据需要藏露结合，尤其在行草书中，千变万化。欣赏时，既要注意起止的承接和呼应，又要注意中段是否浮滑轻薄。

2、节奏感

节奏本指音乐中音符有规律的高低、强弱、长短的变化。书法由于在创作过程中运笔用力大小以及速度快慢不同，产生了轻重、粗细、长短、大小等不同形态的有规律的交替变化，使书法的点画线条产生了节奏。汉字的笔画长短、大小不等，更加强了书法中点画线条的节奏感。一般而言，静态的书体(如篆书、隶书、楷书)节奏感较弱，动态的书体(行书、草书)节奏感较强，变化也较为丰富。

3、立体感

立体感是中锋用笔的结果。中锋写出的笔画，“映日视之，画之中心，有一缕浓墨，正当其中，至于折处，亦当中无有偏侧。”这样，点画线条才能饱满圆实，浑厚圆润。因而，中锋用笔历来很受重视。但是，我们不能发现，在书法创作中侧锋用笔也随处可见。除小篆以外，其他书体都离不开侧锋。尤其是在行草书中，侧锋作为中锋的补充和陪衬，更是随处可见。

（二）书法的空间结构

书法的点画线条在遵循汉字的形体和笔顺原则的前提下交叉组合，分割空间，形成书法的空间结构。空间结构包括单字的结体、整行的行气和整体的布局三部分。

1、单字的结体

单字的结体包括工稳，正欹，呼应，向背，疏密，均衡，长短，肥瘦等，要求整齐平正，长短合度，疏密均衡。这样，才能在乎正的基础上注意正欹朽生，错综变化，形象自然，于平正中见险绝，险绝中求趣味。

2、整行的行气

书法作品中字与字上下(或前后)相连，形成“连缀”，要求上下承接，呼应连贯。楷书、隶书、篆书等静态书体虽然字字独立，但笔断而意连。行书、草书等动态书体可字字连贯，游丝牵引。此外，整行的行气还应注意大小变化、欹正呼应、虚实对比，以及由此而产生的节奏感。这样，才能使行气自然连贯，血脉畅通。

好的书法作品中每个字的间架结构和字与字之间的结构仿佛都有音乐的韵律。

3、整体的布局

书法作品中集点成字、连字成行、集行成章，构成了点画线条对空间的切割，并由此构成了书法作品的整体布局。要求字与字、行与行之间疏密得宜，计白当黑；平整均衡，欹正相生；参差错落，变化多姿。其中楷书、隶书、篆书等静态书体以平正均衡为主；行书、草书等动态书体变化错综，起伏跌宕。

“真、草、隶、篆”，每种字体都有自己的行笔的法则。行笔法则变了，字体也跟着有所变化，也许新的、更好的、具有审美性的字体就产生了。我们赏析一幅书法的好坏一定要从每一笔的起笔、行笔、收笔去看，看起笔是否有力，行笔用力是否均匀流畅，在写点、横、折、竖、勾、撇、捺、提等笔划

时，是否符合这种字体的行笔法则，这些行笔法则都是前辈大书法家千锤百炼出来的。每个大书法家在行笔都有不同，但万变不离其宗的是其写的每一笔划都有功力，都有审美价值。书法家在行笔上没有功力、没有审美价值的笔划叫“败笔”。所以书法家不可不以前人好的行笔法则为学习基础，练好书法行笔中每一笔的基本功。

（三）书法的神采意味

神采本指人面部的神气和光采。书法中的神采是指点画线条及其结构组合中透出的精神、格调、气质、情趣和意味的统称。“神采为上，形质次之，兼之者方可绍于古人”。说明神采高于“形质”(点画线条及其结构布局的形态和外观)，形质是神采赖以存在的前提和基础；因此，书法艺术神采的实质是点画线条及其空间组合的总体和谐。追求神采，抒写性灵始终是书法家孜孜以求的最高境界。

书法中神采的获得，一方面依赖于创作技巧的精熟，这是前提和基础；另一方面，只有创作心态恬淡自如，创作中心手双畅，物我两忘，才能写出真情至性，融进自己的知识修养和审美趣味。

字乃抽象的画，好的书法作品充分展示着画的意境。书法中内涵的势态包括大气还是小气，是潇洒、飘逸还是拘谨，是格调高雅还是低俗，是厚重还是轻浮等等。王羲之的字潇洒飘逸，颜真卿的字厚重，文征明的字格调高雅。总之，书法作品所涵盖的丰富语言，从某一角度来说，应是书法家人格的写照。