浅 谈 古 典 芭 蕾 的 审 美 特 征1 - 副本

第一篇：浅 谈 古 典 芭 蕾 的 审 美 特 征1 - 副本

浅 谈 古 典 芭 蕾 的 审 美 特 征

芭蕾的历史最早的起源可追溯到欧洲17世纪文艺复兴鼎盛时期的意大利宫廷，在18世纪的法国得到极大发展舞蹈风格日臻完美，在19世纪的末期，在俄罗斯进入最繁荣的时期，古典芭蕾正是民间经沿袭宫廷芭蕾的各种技法与表现方式,在将近400年的时间里不断地改变和革新，最终在在19世纪形成的新流派芭蕾舞，至今已成为世界各国都努力发展的一种艺术形式。

古典芭蕾舞的形成经历了不同的风格时期，按照舞蹈风格分类主要可分为浪漫派和古典派，浪漫派在十七八世纪风靡一时，主要代表作为舞剧《吉赛尔》，而古典派则在19世纪达到了古典芭蕾发展史的黄金时期，这一时期的代表作是至今仍为芭蕾舞经典的《天鹅湖》，两者较明显的差别在于舞者所穿的舞衣之不同,古典派的舞衣为纱质的短裙，舞鞋质地较软;而浪漫派的舞裙长及膝与踝之间,舞鞋为硬式,便于舞者跐立，因此，古典派的舞蹈风格更加符合人体结构，能够在更大程度上发挥舞者姿态的美感，这也是古典派较之浪漫派风格更为成熟的原因之一。

除此之外,古典芭蕾动作又可分为快舞与慢舞。快舞最大特色是跳跃与旋转,专指男舞者与女舞者随著迅速的音乐踊舞的舞蹈的舞蹈活泼迅速而华丽。慢舞中舞者以缓慢的动作,或以单脚支立平衡身体,构成优雅曲线之舞步与舞姿，这种舞蹈充满了纤细的美感。古典芭蕾舞是很规范的艺术，具有这些独特的审美特征，芭蕾是一门富有魅力、让人心旷神怡的艺术。它的高雅与美妙，那优雅的舞姿，轻巧跳跃，和连续不断的脚尖旋转常常把人带人梦幻般的艺术境界。传统的古典芭蕾的技术是建立在外开、伸展、绷直的基础上的，它包括5种脚的位置和3个基本舞姿，以及各种旋转、击腿和脚尖。了解这几点对我们欣赏古典芭蕾有很大的帮助，专业芭蕾舞者常常把它归纳为“开、绷、直、立、轻、准、稳、美”8个方面。“开、绷、直、立”4大美学原则是欣赏芭蕾最基本的审美标准;而“轻、准、稳、美”是在“开、绷、直、立”的基础上的更高要求，需要演员具有高超的技术素质和艺术修养，是每个芭蕾舞演员的基本要求，也是演员需要付出大量的汗水才能掌握的技术。而我们则主要讨论“开，绷，准，稳，美”这五大要素。

“开”就是指舞者不分男女，均需肩、胸、胯、膝、躁5大关节部位左右对称的外开，特别是两脚向外180度展开，最大限度延长舞蹈者的肢体线条，扩大舞蹈动作的运动范围，增强艺术表现力，同时也增强身体的平衡能力和运动的灵活性。著名舞蹈评论家珍妮•科恩指出:“芭蕾的古典风格是以脚的五个位置为基础的动作。这5个位置中表现出外开的本质是指两腿以髓关节处向外旋转。表演时，在舞台这样的有限的空间内炫耀和张扬贵族的气派。”贵族气度不仅是芭蕾四百年历史内涵的重要体现，也是审美标准的重要组成部分，通过系统的科学的训练使身体达到非职业舞者所不能的境界，使身体理想化、职业化。

“绷”是指舞者跺部脚背的绷直。绷直的训练主要是通过名为“Battement”的练习法，以及在各种跳跃程中下肢收紧，脚跟、脚掌、脚尖依次推地向高空跳起，使身体线条延长。以“Battement”训练法为例，动作时脚跟推动脚背、脚尖向外擦出，一直到脚趾尖擦到最远的点，脚趾尖勾向脚心，同时仍然保持延伸的美感，其动作要领要求舞者的脚尖好像要穿破地板继续延伸似的。芭蕾是一种线条性的动态艺术，只有各部位的绷直才能使观众有延长肢体线条的视觉冲击感，只有通过“绷”才能在有限的空间内使肢体的末端具有放射性，使舞姿更加舒展。芭蕾曾在一段时期内追求“空灵“，舞者要想有使舞姿轻盈飘逸的艺术魅力，必须通过绷才能使肌肉收紧，产生上升的动势。

“准”是指准确完成每个动作和舞姿的规格要求，使动作运动路线和位置准确。舞蹈者五位脚起跳在空中保持良好的舞姿后，落地时还准确地落在五位上。在古典芭蕾中这一点显得格外重要，即使技术含量再高的动作，也要表现得准确无误，否则古典芭蕾的动作规范会变形，也就会失去光彩。

“稳”是指动作要做得不仅准确而且稳健、扎实，芭蕾中有许多双人舞的托举动作，需要男女演员默契，不要动作故意做得惊险，让观众提心吊胆观看，另外，做旋转动作时要求演员保持良好的稳定性，结束时要使舞姿准确地、稳稳地停在一个点上，再加上音乐的渲染，作品的艺术表现力才会更加出色。

“美”，古典芭蕾舞和其它舞蹈一样也是一种观赏性极强的视觉艺术，需要一举一动都有美感，芭蕾舞对美的要求是极高的，被誉为“流动的音乐、活动的雕塑”，它受时间的限制，也受空间的影响，舞蹈家们通过发现美，运用美的舞蹈形式反映美的生活，而观众通过对舞蹈美的感知进行想像创造，从而在情感上引起共鸣。

古典芭蕾的动作姿势具有由内向外发展，符合几何构图比例的特点。芭蕾动作的感觉是离心的、星射的，古典芭蕾的动作姿势符合几何构图。用几何构图的抽象线条来设计动作姿势，是以古希腊文明为源头的西方舞蹈文化的一个重要特征。以前我们有一个误解，认为西方舞蹈强调人为的形式，而东方舞蹈则顺从自然的形式。事实上，在西方舞蹈形式的纯粹抽象中追求的“黄金分割比”是最自然的。古希腊人认为数学的原理是一切事物的原理，舞蹈动作作为人体的“运动”也具有数学意义的平衡。

总之，鉴赏古典芭蕾还需要我们不断地提高自己的艺术修养和艺术素质，多看精彩的芭蕾舞演出。任何一门艺术形式都不是高深莫测的，因为一切艺术都是人民创造的，来源于民间生活并反映生活。我们只要静下心来，就能在舞蹈作品所展现的意境中，体味其情趣，享受其美感。

第二篇：古典芭蕾教学法（范文）

绪论

第一章 概述

一、教学方法在教学中的重要性

二、动作技术教学的几个重要环节

三、关节的柔韧性和应用方向

四、外开性

五、肌肉的伸展

六、稳定性

七、舞蹈运动中的发力

八、课堂的安排 第二章 基本概念

一、身体的方向位置

二、脚的位置（Positions des pieds波西雄德皮耶）

三、立（半）脚尖Releve（雷勒韦）

四、手臂的位置

五、舞姿

六、向外和向内（en dehors和an dedans）

七、扶把（Exercices a la barre）第三章 蹲（plie普利埃）

一、半蹲Demi—plie（德米普利埃）

二、深蹲Grand—plie（格朗普利埃）

第四章 脚的打开和收回（Battement巴特芒）

一、Battements tendu（巴特芒唐究）擦地

二、Battement tendu jete（巴特芒唐究热泰）小踢腿

三、Grand battement jete（格朗巴特芒热泰）大踢腿

四、Battement jete balance（巴特芒热泰巴朗塞）带身体摆动的踢腿

五、Pointe（普安特）点地

六、Pointe tendu（普安特唐究）绷脚点地

七、Battement jete pointe（巴特芒热泰普安特）小踢腿点地

八、Grand battement jete pointe（格朗巴特芒热泰普安特）大踢腿点地

九、Battement frappe（巴特芒弗拉佩）击打

十、Petit battement sur le cou—de—pied（珀蒂巴特芒絮勒库一德一皮耶）连续的击打

十一、Battement battu（巴特芒巴丘）连续的击打

十二、Battement fondu（巴特芒丰究）单腿蹲

十三、Battement soutenu（巴特芒苏特纽）

十四、Battement developpe（巴特芒代弗洛佩）吸伸腿

十五、Battement releve lent（巴特芒雷勒韦朗）腿的直起向上

十六、Battement developpe tombe（巴特芒代弗洛佩通贝）倒落重心

十七、Battement divise en quarts（巴特芒蒂外斯昂卡特尔）带四分之一的碾转

第五章 腿的环动

第六章 换脚舞步和手臂动作的组合 第七章 连接动作和辅助动作 第八章 跳跃 第九章 击打 第十章 转圈

第十一章 舞姿上的转身 第十二章 足尖 附录

教学大纲 后记 致谢

主要参考书目

第三篇：如何欣赏古典芭蕾

芭蕾，起源于14世纪的意大利，发展于15世纪的法国，浪漫主义的芭蕾更是以纯熟的技巧和如梦如幻的场景在法国达到了它的鼎盛时期，浪漫主义芭蕾变得更加富有诗意，在欧洲，出现了一股“白色芭蕾”的旋风。

17世纪下半叶，芭蕾舞被引入俄国，使芭蕾有了更大的发展和改进。《天鹅湖》《睡美人》等优秀舞剧孕育而生，为通往20世纪的舞蹈桥梁，奠定了基础。

经历了19世纪末的变革洗礼，当代芭蕾再次触摸着我们纯净的心灵。脚尖舞技术的创造，为我们编织出童话般的梦想，踏上芭蕾之路，感受芭蕾的内涵，中央芭蕾舞团团长赵汝蘅女士将引领我们一同畅游古典芭蕾的历史，现场展示芭蕾的独特魅力。

全文

朋友们大家好，欢迎来到文学馆，在一般的欣赏者眼里，西洋的歌剧和芭蕾舞，属于高贵的艺术，似乎只在艺术的象牙塔里遥不可及，但我想真正的走进它、欣赏它并不难，今天，我们请来了著名舞蹈家、中央芭蕾舞团团长赵汝蘅女士，大家先欢迎，她今天带给我们的演讲题目是《如何欣赏古典芭蕾》，至少是告诉我们如何走进欣赏古典芭蕾这一门艺术，其实，欣赏任何一门艺术，都像艺术本身一样，是一门艺术，一门学问，就是欣赏的艺术，欣赏的学问，那么下面我们鼓掌欢迎赵团长给我们演讲。

今天呢，我讲我的第一部分，简单地介绍一下古典芭蕾和现代芭蕾的历史和现在芭蕾的情况，文艺复兴是从15世纪下半叶开始的，当时是这样讲的，文艺复兴归根到底是创新，在文艺复兴运动的推动下，西欧各国的文学艺术，都得到了不同程度的发展，这一点，在芭蕾艺术方面，也完全一样，意大利和法国，在芭蕾形成的初期，形成了一个奠基的作用，那么芭蕾呢，这个字呢是BALLET，它呢就译成芭蕾，那么这个字呢，其实来源于法国的这个名词，那么实际上这个词，当时就是把它叫做舞蹈，就是说和那个Dance一个意思，芭蕾意思就是舞蹈，也就是说，凡与肢体动作和姿态表现的一些故事的情节，或者是一些情绪的舞蹈呢，都可以称之为芭蕾，也就可以称之为舞剧。

当时意大利最为著名的是1489年在托尔纳的，由贵族举办的一个”席间芭蕾”，那是最早的了，就是说在宴会中间穿插的，有一些舞蹈的表演，当时这些都是那些上层的贵族们，他们的一种歌舞表演，然后他的出场歌舞表演呢，往往是和这个宴会的内容相匹配的，比如说这个时候正好是猪肉端上桌的时候，那么他们就表演一个就是狩猎舞，如果端到鱼上桌的时候，他们就表演一种就是说，鱼的舞蹈，那么随着意大利宫廷的联姻以及文化交流，席间的歌舞就传入了法国，当时这种演出形式，盛行一时，其实，当时最雄伟的应该算做1581年的，《皇后的喜剧芭蕾》，这个是最早的一部芭蕾，这个芭蕾长达五个小时，它当时这个芭蕾，兼有音乐舞蹈，诗歌朗诵，和杂耍，就是杂技表演，是在巴黎卢浮宫的小波旁宫正厅演出的，这个，还有一些史记的记载，其中舞蹈只占了四分之一部分，为什么说它是喜剧芭蕾，就是把一些戏剧性的，喜剧性的东西和舞蹈，结合在一起了，这次演出，由于它具有戏剧性的雏形和一些人物形象，完全是一个三幕的故事，所以又有说明书留下来了，所以被一些史学家称为第一部芭蕾，就叫《皇后的喜剧芭蕾》。

那么从那个时候起，人们就开始用芭蕾这个词，来称呼当时新的歌舞演出的形式，然而，萌芽阶段的芭蕾远远不是，我们今天所理解的这种意义上的芭蕾，而只是当时是一个综合形式的表演，我不知道在座的，大家看过没看过我们的《大红灯笼高高挂》，也是也一点综合形式了，所以有的时候历史，是在不断地轮换着这么走的，那么芭蕾艺术的真正形成，是在路易十四，路易十四执政的法国宫廷，路易十四本人他的线条也不错，他自己很喜欢跳舞，因此在他的大力倡导下，芭蕾开始兴旺起来了，这个时候，在他的倡导下，1661年的时候，皇家音乐学院就成立了，到了1713年巴黎舞蹈学校的成立，都使得芭蕾舞团的专业队伍最终形成了，这个就是说当时这个先驱，不断就是提高了古典芭蕾艺术的水平，为前浪漫主义芭蕾兴起做好了准备。

当时路易十四下令一些院士们讨论舞蹈的问题，就设计和改进舞蹈手段，遵照路易十四国王的意志，当时的博尚带领着院士们在卢浮宫附近的，一个木剑酒馆里，每个月开一次会，那么他们挑选和收集一些，舞蹈的动作、花样和队形，按照宫廷当时那种审美观把它分类，然后定名，这些舞蹈动作待一会儿我会给大家表演的，因为它就是一直在不断地改造中，延续至今，成为我们古典芭蕾的一个术语，比如说，打开，那么包括手的位置，手的七个位置，脚的五个位，这个都是当时皇家舞蹈学院制定的，最早呢，这个芭蕾舞实际上是男的跳的，就是说女主角的东西都是男的跳，那么1681年的时候，有四名演员以拉·封登，第一批的四个女演员，她们就开始标志着芭蕾，女的进入了芭蕾的领域，那么为了进一步提高芭蕾的专业水平呢，刚才我讲的1731年巴黎成立了舞蹈学校，那么他们就选拔优秀的学生，对他们实行免费的教育，这个时候呢，就是说9岁到13岁的孩子，就被挑入了舞蹈学校，实际上我们现在挑演员，我们学生也是从9岁到12岁这个年龄段开始。

那么18世纪的法国芭蕾的审美理想是在古典主义和启蒙主义的直接影响下形成的，他们奉行艺术一定要模仿自然，凡是由自然创造的东西，没有不正确的原则呢，所以艺术既要根据自然又要超越自然，所以艺术的美是一种理想的美，18、19世纪之交，在欧洲和北美兴起一股新的文艺思潮，就是浪漫主义运动，那么浪漫主义芭蕾是整个浪漫主义运动的一部分，浪漫主义芭蕾变得富有诗意，而且更直接，更深刻地诉诸于观众的感情，这种诗意更浓的舞蹈风格呢，之所以能够蓬勃的发展，应该说功劳归功于我们女演员的脚尖舞，就说由于女演员立起了脚尖使她迅速的有了改进。

当时的代表人物是塔里奥尼，塔里奥尼父女俩都是从事芭蕾舞的，那么他们两个人对芭蕾舞起了最初的奠定作用，塔里奥尼的父亲是一个编舞，当时他编了一个特别有名的舞剧，叫《仙女》，就是我们芭蕾舞团也演出过这个节目，这个节目完全是塔里奥尼的父亲为她来创作的，到了1836年曾经在塔里奥尼的《仙女》中主演男主角詹姆斯，这个丹麦的舞蹈家，叫奥古斯特·布农维尔，他就把这个舞剧搬到了丹麦的哥本哈根剧院，之后，从此之后，通过他加入了很多男的舞蹈，就形成了丹麦的学派，叫布农维尔学派，那么布农维尔学派的代表作也是《仙女》，现在我们延用下来的就是这个节目，后来这个版本流传到全世界各地，就成为各个剧团的一个保留节目，在芭蕾舞史上很多人称塔里奥尼是一个，第一个穿脚尖鞋的人，也许说她是发明脚尖鞋的人，当时她把脚尖立起来了，很多人会问脚尖鞋是木头的，很多人都问我们这个问题，我可以告诉大家脚尖鞋不是木头的，就是用一层布一层胶，但是它有一个鞋旋，就是根据每个人的脚旋的鞋旋，然后，一层布一层胶，一层布一层胶，把它粘起来的，但是这个脚尖鞋想立起来，真是要很多年的工夫，那么当时她把脚尖立起来了，而且成功的塑造了仙女那种飘柔的形象，所以当时的脚尖舞蹈成为了，女舞蹈家表演不可缺少的一部分，也就是说，芭蕾舞是从头到脚，真正整整的从手指间、头顶到脚指间，就说你要看就看它一个完美，在与此同时，她还发明了她的服装，她的服装呢就说叫塔里奥尼的舞裙，这个裙子是用丝绸和好多层纱做成的，应该说像一口吊钟或者像一个灯罩一样，而且外型特别的美，而且她的上身到了这儿是特别细的腰，然后呢能够露出脖子，露出她的胳膊，然后她挡住了她的膝盖，就小腿，然后非常简单的装饰，胸前有一朵小花，当时席卷整个欧洲，把它称为白色芭蕾，很美的一种白色芭蕾，待会儿大家可以看到《吉赛尔》也是同样，那么下边我就介绍一下《吉赛尔》呢，也是当时的一个重要的一个作品。

那么早期呢，它是两幕，第一幕是吉赛尔发疯的场面，吉赛尔是一个农村姑娘，它是根据德国的一个民间的，诗人的一个诗改编的，我们当时到广州演出的时候，很多人说是不是讲的一个吉普塞姑娘的事情，其实不是这样，它是因为我们直译过来，把它叫《吉赛尔》，那么实际上是一个农村的姑娘，爱上了一个伪装的伯爵，到乡村里打猎，那么实际上这个伯爵已经有了未婚妻，当她知道这个事情以后她就发疯，因为她自己有心脏病就死去了，但是到了第二幕就是说，当时，他们是用还有一个幽灵的一个诗，就等于所有当结婚前被男子骗了的女的死了以后，她们到夜里都出来跳舞，然后谁经过这片森林，就会被跳舞致死，那么第二幕就是全部都是一个女孩，那么这个时候就说有大段大段的舞蹈，待一会儿我们给大家表演的，就是在第二幕这个虚幻的舞蹈，那么在这个同时，发明了很多的哑剧，我记得在我们演出《吉赛尔》的时候，我们曾经在台前做过一些解释，因为有很多哑剧手势，比如说当时的人们就说把她送入教堂死了的人，会把双手给她放在胸前，我们当时的编舞，就把吉赛尔非常美化，这个鬼出来的时候，她手一直是在这儿，把手放在胸前，等于把手放在这儿，一直放在这儿，这个就是一个鬼的象征，那么同时呢，当时有很多比如说，爱，或者我结婚了，就是点着那个结婚的手，或者说我喜欢跳舞，在头上这个就是跳舞，就当时，在这个舞蹈里头，有很多的哑剧，比如说，我昨天晚上做梦了，就是这些都是一些，当时就形成的一些哑剧，那么在我们演出前给大家一讲解，大家就觉得，就全都看懂了，觉得很有意思了，因为很多人跟我说，我不去看舞蹈，也不说话，怪憋得慌的，那么当然我觉得如果讲明白了，你觉得可以从中体会它的味道了。

我下边就讲一下俄罗斯芭蕾和俄罗斯。

17世纪的下半叶，俄国使臣在西欧见到了，芭蕾演出特别地欣赏，然后呢他们就把芭蕾引到了俄国，由于芭蕾不用台词，又有音乐，又有舞蹈，又有哑剧，那么通俗易懂，很快就传播开了，到了彼得大帝执政的末年，俄国贵族社会，已经完全掌握了欧洲的舞会舞蹈，把它引进了上流社会的一种，时髦的一种艺术形式，到了1738年的5月4号正式的，成立了俄罗斯的第一座舞蹈学校，那么当时呢，叫皇家舞蹈学校，就是说现在以瓦冈诺娃命名的，圣彼得堡的芭蕾舞学院的前身，那么除了当时他们本民族的编导之外，就说当时在欧洲之间的交流，19世纪的中下叶还有一批法国的舞蹈家呢，应邀到俄国来工作，应该说呢对当时俄罗斯芭蕾舞学派形成和发展，起了很大作用的人，他们有刚才我讲过的塔里奥尼父女，还有呢，可能大家比较熟悉的彼季帕，我提这个彼季帕的名字，他是一个俄罗斯芭蕾的奠基人，这次我们到美国，6月份参加美国的密西西比州的杰克逊的比赛的时候，每天不断地用这些个古典芭蕾来比赛，报幕者每天都是说编导彼季帕，有一天那一天全是现代舞的比赛，那么那一天说，他特别报幕，观众都笑了，他说今天彼季帕不跟我们在一起，就说明彼季帕创作了多少有名的东西，变成芭蕾舞比赛必须要演的一些个东西。

下边我介绍一下《睡美人》，因为大家都会熟悉《睡美人》的来历和柴可夫斯基，彼季帕为作曲家编写了，《睡美人》的结构计划，用我们编导的术语来说，就是时间长度表，比如说我希望你这段舞蹈，给我编三分钟，那段舞蹈编五分钟，然后通过这个来展开舞剧的情节和人物，那么其中这些个小节数也好，拍子也好，速度也好，柴可夫斯基都根据这个计划写出来音乐，然后呢，彼季帕又根据他的音乐来编这个舞蹈的场面，这个计划为以后的《睡美人》，这样的一个舞剧，一直保留到现在，音乐和舞蹈有机的结合，奠定了特别扎实的基础，而且就是说，彼季帕特别重视这次合作，而且他特别地重视音乐家柴可夫斯基，所以就说，他通过这一次谈及了我们芭蕾舞，应该说芭蕾和音乐是绝对不可分的，那么我下面再介绍另外一部大家熟悉的作品，也是柴可夫斯基的三大部作品，就是《睡美人》，《天鹅湖》，还有《胡桃夹子》。

下面我介绍一下《天鹅湖》，柴可夫斯基最早写了一部舞剧《天鹅湖》，是在1876年写的，由于当时一个奥地利的编导呢，他不太理解这个柴可夫斯基音乐，民族风格的实质，所以在1877年的2月20号，在莫斯科大剧院首演的时候，惨遭失败，大概很多人也许根本不知道《天鹅湖》最开始惨遭失败，伤透了柴可夫斯基的心，他甚至表示，我以后再也不写舞剧音乐了，这部天才的舞蹈音乐，长期得不到应有的舞台重视，一直到1894，圣彼得堡马林斯基剧院，才重新想起这个作品，决心排演的第二幕，现在大家一提《天鹅湖》就是四小天鹅，那就是第二幕整个都是穿白裙子，作为纪念已经去世的作曲家一周年的一个部分，当时是谁创作了这么优秀的作品呢，是伊凡诺夫，伊凡诺夫在俄罗斯是一个继彼季帕、福金二位之后，一个很著名的一个编导，所以以后在看我们保留剧目中，你们也会发现这个人的名字，那么伊凡诺夫，他在编第二幕的时候，大获成功，而且他特别塑造了天鹅，就是天鹅胳膊的这个形象，而且呢，传达了主人公的思想感情，同时，柴可夫斯基的交响音乐，也被编导启发出音乐的内涵，而且，做了一个交响乐的舞蹈处理，当时，当然观众比1877年的大有长进了，所以，对“老柴”的音乐也有了比较深刻地理解，这不能不说是当时观众和编导在一起，使得柴可夫斯基的音乐获得巨大的成功，在这一个成功的实验下，1895年的1月15号，圣彼得堡马林斯基剧院，就公演了《天鹅湖》的全剧，这一次是由两个人编的，一幕和三幕是由彼季帕编的，二幕和四幕是由伊凡诺夫编的，那么这样的话，当时设计了典型的白天鹅的动作就是它的胳膊，这个胳膊就是《天鹅湖》的胳膊的动作，因为我也演过，所以我们从小就练这个胳膊，怎么想，像一个鹅，怎么把肩膀打开，如果说，伊凡诺夫和彼季帕有什么不同的话，就说他已经属于另外一种音乐艺术家，他对于声音、颜色、动作都有不同的认识，而且他不认为光是古典芭蕾，是惟一一种表现形式的，在当时，柴可夫斯基，契诃夫这样的人，他们都在一起来追求芭蕾艺术的完整，使得通往了20世纪的舞蹈桥梁，奠定了很多的基础，同时俄罗斯的芭蕾舞学派，还吸收了意大利、法国和丹麦，如果说芭蕾舞比较著名的四大学派，就是意大利的切凯第学派、丹麦的布农维尔学派、法国学派、俄罗斯学派，我们是俄罗斯的体系的。

下面，我就简单地讲一讲，20世纪初，就是有一个特别有名的人，叫谢尔盖·巴甫洛维奇·佳吉列夫，当年1905年，佳吉列夫带着很多优秀的艺术家到国外演出，这是一个历史的创举，推动了俄国艺术到国外，当天，就是参加晚上盛会，有雕塑家罗丹，作曲家拉威尔还有舞蹈家邓肯等等，很多很多的社会名流和艺术家，直到1929年佳吉列夫去世，他所得到的评论，他的俄罗斯的演出记，对全世界的芭蕾艺术，都产生了不能低估的影响，之后大批的美术家、戏剧家、作曲家，都跟他的舞团合作，包括年轻时期的毕加索，给他们设计服装，德彪西、拉威尔等等，作曲等等。后来，就是说他，他培养了很多很多的学生，很多很多的名人，其中有美籍俄裔的芭蕾编导大师，当时在他的舞团里又当演员又当编导的，就是乔治·巴兰钦，我提到的人都跟我们芭蕾舞团的保留剧目有关系的，乔治·巴兰钦是美国纽约芭蕾舞团的奠基人，在佳吉列夫去世以后，他就到了美国，他建立了美国舞蹈学校，独树一帜的创立了他交响芭蕾的学派。另外一个人物，就是安娜·巴甫洛娃，她是1881年生，1931年死，我讲安娜·巴甫洛娃，大家都知道有一个圣·桑的曲子，大提琴的《天鹅》，那么安娜·巴甫洛娃演了很多很多的东西，但是给大家印象最深的就是《天鹅之死》，有很多人认为《天鹅之死》是《天鹅湖》里的一部分，其实这是完全两回事。

那我就把这个《天鹅》就讲一下，1907年的一个晚会上，她被邀请去演《天鹅湖》的双人舞，也是一个小的晚会，结果她男舞伴临时缺席了，那么这个时候呢，青年的编舞家福金，因为他一直就迷恋着圣·桑一个曲子，叫《动物狂欢节》其中有一段是《天鹅》，他特别迷恋他的音乐，结果当场他就说，这样吧我帮你编一段吧，然后他就开始给巴甫洛娃编舞，然后巴甫洛娃就在后边跟着他跳，然后巴甫洛娃再跳，他在旁边就帮助她修改，结果没想到，这个即兴的创作就变成了世界的杰作，其实只用了几分钟，就把这个东西编了，所以大家如果今后谈到《天鹅之死》，实际上是来自圣·桑的大提琴曲《天鹅》，这个《天鹅》是在《动物狂欢节》取材的，而且是一个即兴编的一个作品，结果它就变成了一个传世之作，我记得当年，英国著名的舞蹈家玛戈·芳婷到我们剧团来说，她都不敢演这个剧目，因为这个剧目是一个很有表现力的剧目，从天鹅受伤到垂死，有的人叫《垂死的天鹅》，所以我因此说，音乐和舞蹈，音乐是舞蹈的灵魂，那么，魂要附体，就要附到我们舞蹈演员的身体上，用她们的肢体来表现，舞蹈是一辈子跟音乐是不可分割的。

那么下边我就请我们的演员给大家讲一下，我们怎么选材，我们怎么训练，讲一点一些个使大家能够活跃一点气氛。

宋潇潇是我们一个年轻的演员，但是今天我带她就像带一个我们当时选小孩一样，我们会到小学里去看，说先看一下，我们首先比如我们在全国招生，那么我们就会看，先看脸形了，肯定是尖尖的脸形，就是瓜子脸，那么看她是不是比较瘦，然后呢，我们再把她挑出来，挑出来我们先把她的裤子撩起来，看看她腿形是不是O形，就是这样的形状，脚长得好不好，膝盖长得好不好，然后我们再看她的条件，所以在我们选演员的时候呢，我们首先要看她身体的比例是不是，对不对，那我给大家做一个演示，我们选演员，是应该说，这个颈椎是最突出的，大家可以摸到你后边，最突出的那个颈椎，从这个颈椎开始，然后，把头抬起来，然后我们量到她的臀线，现在她是62公分，然后我们从臀线，往下量，我量到62公分之后，我再量她到底下，现在她的腿长，长过上身18公分，那么我们要求最基础的不能少于12公分，就是说你的腿长，大家明白我说的了，我用上面和下面量以后呢，她的腿长，我们不能够少于12公分，在当我们看到她的这个条件以后，我们就要看她的开度，因为芭蕾舞要先看脚，我现在从脚说起来，脚我们不能是平足，而且脚指头要长得比较齐，随便一个人您可以把鞋脱下来，是您的脚背也这么高吗，这不是训练的，这是她妈妈给她的，这个脚背，看见了，看见了脚背了吗，就是说漂亮和立脚尖，就是一直到脚指间，很尖很漂亮，然后我们就要对小孩，让她们蹲，每个小孩呢，开始蹲的时候，一定就撅着屁股蹲，我们告诉她你就直蹲，在她往下蹲的时候，你蹲，再往下，当她抬起来以后，我们来试试她是不是还有余地，那么就是说她很开，大家看到，是膝盖对着脚尖的，这些东西全是自然，很多人说考学校之前，我先让我的孩子压压腿吧，完全不用，这些东西都是自然的，然后我们就要看她的软度，来掰一掰她是不是很软，你别使劲，看看是不是还有韧性，好像硬了一点，然后我们要看她的旁腿是不是很好，来这样，然后呢，要放松的情况下，看看是不是有韧性，那么下边呢，我把另外一个男孩子请过来，给大家演示一下怎么进行开始的课堂训练的。

那么现在，我先给大家讲芭蕾舞最基础的五个位置，一位 这个是一位，就是一字，二位 这是二位，三位四位，看得见吗，五位，两个脚并在一块，然后，要练一点韧带的东西，柔的东西，你们一个方向，做一个，用半脚尖做，这个时候呢，他就不是全脚在地上，开始用脚推起来，半脚尖，半脚尖是立脚尖的前提，同时可以把你的每一个脊椎都能拉直，那么你们一个方向只做一个，走，一开的往前，半脚尖到头，三，脚背到头，五六 手，大家可以看到，这个动作，来你不要下来，那么我们要求的是手指尖，脖子一直到脚指尖，所以它美就美在一个完整性。

我们要有双人舞的训练，双人舞的训练，主要是男的把位和女的互相帮助，那么大家说这么沉的女孩，怎么举得起来呢，我们先让他举一个，好，还重了一点，举女孩要配合男孩的是什么呢，就是说女孩一定要蹲的同时，跟男孩配上那个的力气就举起来了，而不是说是干举，也有是干举的，比如说要靠男孩的蹲，膝盖的力量，这个股四头肌的力量，腰的力量，手的力量来举，宋潇潇对你不放心，还要扶着你，走，好。

在这些个托举、抛举甚至于扔，比如说你们做一个小鱼，往下，很多这些个专业的动作，但是如果女的不提，女的分量太重的话，男的也不愿意举她们，这是一个互相默契配合，那么在这里，女的男的最要注意他们配合转圈，这个转圈一定要女的自己收紧，男的把位要好，我们现在让他们练一次，因为他们两个没有合过，今天就是特别在大家这儿出一下丑，也可能，来做两个三个，第一次两个，头，两个，好，第二次转，三个，一二三，大家记住，可以看到男的对女的，看芭蕾舞一般都看女的，看芭蕾舞一般都看上面，其实脚下和手上的工夫是特别值得看的，这一点呢，将来大家熟悉了再看的时候，可能就要注意那个男的手是不是在哆嗦。好，我们特别感谢他们俩给大家做一个简单地演示。

下面，就给大家表演一段在国际芭蕾舞比赛指定的节目之一，《吉赛尔》第二幕，幽灵和她喜欢的伯爵阿尔伯特的双人舞，这段双人舞，是主要表现这个女孩子，她在死去以后，还怀念着她喜爱的人，她请求森林这个鬼王能够原谅她，最后她用她的爱帮助她所爱的人跳到黎明。当太阳升起的时候，她把她所爱的人拯救了。

感谢武海燕、张尧为大家表演这个节目，好这个谢幕呢，就让他们特别地满足，其实他们每次都希望观众给他们这样的掌声，他们就行屈膝礼，表示对大家的感谢，所以这次咱们反一下，你们感谢大家，再请大家给你们鼓一次掌。

有问题的朋友，举手咱们再向赵团长或者向舞蹈演员提问。

赵团长您好，去年，我非常有幸欣赏了《大红灯笼高高挂》，我当时为那种舞美，还有它最后凄美的场景彻底折服了，我当时留下了眼泪，然后我有一个问题，但是有一点我特别不明白，中间有一段是他们打麻将那一段，我其实看完了之后，我当时那种感觉，我觉得那是一个败笔，虽然我不是专业的，但是我觉得，它整个毁掉了整个芭蕾舞剧，给我的那种感觉，因为它始终在凄美的基调上进行的一个东西，但是那一段突然特别嘈杂，特别乱，你们为了强调在平和当中，一种突出的激情呢，还是什么东西，所以我想请您解释一下，谢谢。

因为《大红灯笼高高挂》演出以来，听到各种各样不同的意见，我觉得都是非常善意的，因为一个作品出来，比如就像柴可夫斯基《天鹅湖》，都能够惨败，所以我觉得在创新和改革的过程中，会碰到很多问题，所以我首先感谢你的意见，那么关于麻将舞里，《大红灯笼高高挂》里的第二幕里头，有京剧舞、有麻将舞，有很多不同的意见，有些人认为麻将舞简直好的要命，有些人认为糟的要命，说心里话我自己也不是特别地满意，那么这段是根据故事情节，现在就说在我们编舞的过程中，就是用这个形式服从内容，因为当时在写剧本的时候，这个是讲到一个阔家的人家，他是怎么渡过他的春夏秋冬，这家人家里，他要请戏班子来唱戏，然后他要打麻将，通过这样一个戏剧情节的交代，交代两个主人翁，就是三太太和京剧演员之间的恋情，所以，就加入了打麻将，那么在打麻将这个问题上我们确实跟导演讨论过很多次，比如说用说话和讲到15世纪的时候，当时有音乐，有说话，有朗诵，我们当时打麻将的时候，开始是打麻将了，先叫，然后所有人台上就乱成一团，嚷嚷，特别高兴，打麻将然后把桌子摆上，我们麻将的音乐你知道用什么东西代表麻将的音乐，你知道吗，算盘，这个作曲家用的咱们最老的算盘，哗一摇，就是麻将声音开始，打麻将，这段舞蹈的设计实际上是现代舞的设计手法，所以你会觉得，从二胡，和京剧的音乐，一下转到了算盘，麻将的声音和算盘珠子的声音，和现代舞的匹配，感觉是两种截然不同的，那么也是一个比较反差的，所以我想呢这是我们作为第一版留下的这么一个东西，那么至于我们和导演不断的在探索将来怎么能够融合的大家能够接受，那么这一点了，我将要把你的意见带回去给我们的剧组，给我们的导演，给我们的音乐作曲，谢谢你。

听赵团长的讲课，介绍了芭蕾简短的发展的历史，并且也看到了我们非常优秀的演员的表演，那么我觉着中国的芭蕾艺术是非常有希望的，那么赵团长在演讲当中强调了一点，非常的好，就说艺术的美是一种永恒的美是一种理想的美，那么一个没有艺术精神的民族，我想是没有希望的，那么一个很好的使我们亲近艺术的方法是什么呢，就是让艺术走进大众，所以今天呢我们也是把赵团长请来，给我们大家做了一场非常好的亲和的演讲，让我们走进芭蕾，学会至少是一个入门，将来怎么样欣赏芭蕾，这样优美而高贵的艺术，使它进入你的艺术灵魂，我想你的艺术气质也就有了。最后，我们向赵团长和中芭的演员表示诚挚的谢意，并且我还有一个祝愿，祝愿中芭团在赵团长的带领下，在艺术上层楼更上，为祖国争光，谢谢。

第四篇：古典芭蕾文档4（范文）

古典芭蕾

古典芭蕾的历史约有五百年,是沿袭宫廷芭蕾的各种技法与表现方式,虽经过了不断地改变和革新，在19世纪形成的新流派芭蕾舞

它给人的基本印象是:

1.女舞者穿著有裙子的舞衣。

2.一般都采用童话传说或神话等的故事题材为情节。

3.音乐多是舞曲甚至名曲,尤其是柴科夫斯基的芭蕾舞剧组曲。

4.男舞者很多时辅助女舞者作出漂亮的技巧动作。

事实上,古典芭蕾尚有浪漫派与古典派的区分。前者专指十九世纪的舞剧，如《天鹅湖》。后者为十七十八世纪的舞剧《吉赛尔》。两者较明显的差别在于舞者所穿的舞衣之不同,古典派的舞衣为纱质的短裙,称为classical tutu[1],舞鞋质地较软;而浪漫派的舞裙长及膝与踝之间,称为romantic tutu[2],舞鞋为硬式,便于舞者跐立。

除此之外,古典芭蕾依动作又可分为快舞与慢舞。快舞孕育于意大利,最大特色是跳跃与旋转,专指男舞者与女舞者随著迅速的音乐踊舞的舞蹈,所有活泼迅速而华丽的舞蹈均属之。慢舞孕育于法国,是法国舞蹈的最大特征,舞者以缓慢的动作,或以单脚支立平衡身体,构成优雅曲线之舞步与舞姿等均称为慢舞,这种舞蹈充满了纤细的美感。

在古典芭蕾舞剧中,通常以慢舞来表现男女的情爱场面,如天鹅湖中的第二幕公主与王子的双人慢舞。慢舞基本上是属于女性的舞蹈,而男舞者只是支扶女舞者的陪衬而已,对于女舞者来说,无非是一个呈现其舞艺与优美曲线的大好机会,而此时表现身体的平衡更显得格外重要。

如今快舞与慢舞虽以交互使用,但仍可视其强调的程度,来分辨意大利派的华丽与法国的浪漫气质。

——中央芭蕾舞团赵汝蘅团长在文学馆演讲

演讲主持人傅光明研究员开场时说，在一般大众眼里，西洋的歌剧和芭蕾舞都是高贵的艺术，似乎只在遥不可及的艺术象牙塔里。但要真正走近并欣赏它并不难。不过欣赏一门艺术，正像艺术本身一样，也是一门艺术，一门学问，就是欣赏的艺术，欣赏的学问。今天我为大家请来了中央芭蕾舞团的赵汝蘅团长，演讲“如何欣赏古典芭蕾”，就是要告诉我们如何走近芭蕾舞。随后，赵团长开始了演讲。

文艺复兴运动在15世纪下半叶首先从意大利开始，芭蕾舞就是在复兴了的古希腊文明基础上产生的。当时的意大利被分割为大大小小的城邦，每个城邦都有一位君主，这些君主为了向其他城邦炫耀自己的实力与财富，还在宴会上举办歌舞活动。歌舞一般在宴会进行中开始，因此，舞蹈学者们把这种歌舞称为“席间芭蕾”。芭蕾一词来自法语，它是用音乐、舞蹈和哑剧的手法来表演戏剧情节。最早的芭蕾演出在1489年，仅在上层社会进行，这种“席间芭蕾”是舞蹈动作与宴会菜肴内容相结合的舞蹈，比如端猪肉上桌，就跳狩猎舞；端鱼菜上桌就跳捕鱼舞。后来不断扩大表演内容与形式，成为包括朗诵、歌唱、乐器演奏等多种形式的舞蹈艺术。

这种意大利的“席间芭蕾”随后传入法国并进一步得到了发展，其中以《王后的喜剧芭蕾》为代表，表演者为王室贵族成员，表演内容为古希腊神话故事，如女妖与太阳神阿波罗及其他众神的搏斗，女妖无论怎样神通广大，最后必然服从于法国国王。随着历史的发展，到了法国国王路易十四执政时期芭蕾艺术才真正形成。路易十四是一位具有舞蹈天赋的国王，他以绝妙的舞姿、非凡的气度饰演了人们虔诚崇拜的太阳神的形象。路易十四不仅个人喜爱舞蹈，而且还明智地认识到舞蹈的教育作用，召开会议搜集和规范了芭蕾动作，培养女演员以取代宫廷贵妇人。1672年成立了皇家芭蕾舞院，对意大利传统喜剧进行了重新改装，以一定节奏的诗歌朗诵作为舞蹈的音乐旋律，再用这条旋律主线把个人舞蹈片断串起来，初步形成一部独立的芭蕾舞剧艺术。1785年成立了芭蕾舞学校，芭蕾舞的教学以摹仿自然到超越自然为指导思想。芭蕾舞采用了几何图形及对称等不同队形编排舞蹈；丰富了手臂与躯干的舞姿及跳、转等形体；规范了芭蕾舞动作原则和各种脚位，使芭蕾舞得到进一步的发展。

1842年在芭蕾舞剧院演出了浪漫的芭蕾舞剧《吉赛尔》，在这之前的1836年把女神搬到的丹麦稍加改进后，定名为《仙女》在剧院演出很受欢迎。在这部舞剧里，女芭蕾演员立起了脚尖，并且身着半透明的白色薄纱舞裙，形成了仙女飘游的形象。此外，还设计了“飞行”、“大跳”等优雅舞姿造型。

《吉赛尔》这部舞剧与《仙女》结构大体差不多，它表现了一位天真纯洁的农家少女爱上了乔装农民的青年伯爵，少女吉赛尔如何上了贵族青年的感情圈套，最后发疯而死，死后痴情不改，又舍身帮助危难之中的贵族青年的故事。舞蹈编导在《吉赛尔》舞剧中展示了两个世界：一个是人间；一个是神幻世界。

歌颂的主题是真、善、美。《吉赛尔》在今天仍然是世界各国芭蕾舞剧院的保留节目。我国的中央芭蕾团、辽宁芭蕾舞团都曾演出过这部舞剧，今天演吉赛尔的演员吴海燕不久以前在国际大赛中获得二次金奖。

在俄国沙皇彼得大帝末期的17世纪，芭蕾舞在俄国兴起，至苏联时期，芭蕾舞得到很大发展。作曲家柴可夫斯基、舞剧编导伊凡诺夫、彼季帕、舞蹈家巴甫洛娃、乌兰诺娃等把芭蕾舞艺术推向了世界高峰，创作了闻名于世的《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》。《天鹅湖》是一部古典题材的芭蕾舞，它是在1876年由大作曲家柴可夫斯基最早写作的一部舞剧，曾遭失败，直到1894年才被认可。《天鹅湖》的剧情大致是：王子齐格菲为寻找心中的未婚妻，与朋友们来到密林深处，在美丽的天鹅中间发现了他所爱慕的少女形象，后受魔法的蒙敝把黑天鹅当成白天鹅。王子醒悟后与白天鹅们一起，与恶魔进行了拼斗。最后他们以青年人纯洁真挚的爱情力量战胜了恶魔，天鹅们恢复了人形，变成了美丽的公主。这部舞剧的第二幕写得很成功，舞蹈场面是用交响乐处理的，全剧的成功也是柴可夫斯基、伊万诺夫、彼季帕合作的成功。舞剧还吸收了丹麦、法国舞剧的优越之处。《天鹅湖》是一部久演不衰的芭蕾舞剧，它继承了浪漫主义芭蕾的传统，但又对传统浪漫进行了一些革新改造，为20世纪的舞蹈发展奠定了基础。

彼季帕是前苏联芭蕾舞剧的奠基人，她创造了许多优秀的芭蕾节目，著名的古典神话题材的芭蕾舞《睡美人》就是由彼季帕编舞的。这是一部皆大欢喜、惩恶扬善的歌颂真善美的舞剧，不仅剧情完整而且舞蹈丰富多彩，最后是公主与王子的古典双人舞，使舞剧达到高潮而结束。这部舞剧久演不衰，至今还上

演在世界各地的舞台上。彼季帕和他的弟子还编导了著名童话芭蕾舞剧《胡桃夹子》。彼季帕作为苏联专家曾来我国，指导我国的芭蕾舞事业。1954年我国芭蕾舞团成立，刚成立时我们一片空白，教师的教材，全部是由前苏联提供的，彼季帕对中国的芭蕾舞的发展起过奠基作用。我们所熟悉的苏联著名舞蹈家乌兰诺娃也曾来我国，指导中国的芭蕾舞艺术。

1905年以加利列支为首集中了许多芭蕾舞编导、演员，还创作了许多芭蕾舞剧目，而后巴甫洛娃演出了《天鹅之死》，其配角是临时找来的，结果演出一举成功，使得芭蕾舞剧《天鹅之死》成了名作。俄国芭蕾舞团在英国巡回演出之后，英国芭蕾舞出现了新面貌，巴甫洛娃成立了舞蹈学校后，为英国的芭蕾舞剧团输送了舞蹈人才。英国麦克米伦改编了许多旧时作品成为新作，由俄国引过去进行演出，同时芭蕾舞在法国、丹麦、德国以至美国等都有一定的发展。

20世纪70年代以后芭蕾艺术进入当代芭蕾的探索阶段。于是在世界芭蕾舞台上出现了古典芭蕾、现代芭蕾、层出不穷的现代芭蕾的百花争艳的局面。

下面以芭蕾舞演员宋萧萧女士为例谈一谈芭蕾舞演员的遴选，首先脸形要瘦，呈瓜籽型；身材，由颈骨往下到臀线应短于腿长；脚，不能平足，脚背应能拱起；腿，双足长呈一线蹲下使膝盖与脚尖成一线；双臂伸直应等于身高。（此后上来一位男性舞蹈演员）现在请他们为大家演示芭蕾舞基本动作。赵团长还告诉听众，芭蕾舞演员的严格训练过程。

赵团长请女芭蕾舞演员吴海燕、男芭蕾舞演员张尧登台表演芭蕾舞剧《吉赛尔》片断，他们的优美舞姿、精彩表演赢得了一阵掌声。赵团长介绍说：两位演员都来自北京，吴海燕获得二次芭蕾舞金奖；而张尧获得二等奖。

赵团长说：选拔一位芭蕾舞演员很不容易，他们的训练严格而又艰苦，演出也十分辛苦，而他们的收入少工资低。为了我国的芭蕾舞事业我们还要讲奉献精神。

傅先生最后说，正像赵汝蘅团长讲到的，艺术的美是一种理想的美，一种永恒的美。亲近艺术，就会自然远离庸俗。素质教育应该从一点一滴做起。我们中国有如此优秀的芭蕾舞演员，相信中央芭蕾舞团在赵团长的领导下，会在艺术上层楼更上，多为祖国增光。（文字记录、整理：孙成松、薛连通）

一般认为，1581年10月25日在巴黎卢浮宫小波旁厅演出的《皇后喜剧芭蕾》是芭蕾史上的第一部舞剧。到1895年在彼得堡首次以四幕剧的完整形式上演《天鹅湖》之际，古典芭蕾已风行了三百余年之久。《天鹅湖》的问世，标志着古典芭蕾的完全成熟。古典芭蕾在其历史演进中所沉淀的形态要素，在《天鹅湖》中得到了完美的呈现。以至于到今天“白天鹅”都仍是“古典芭蕾”的象征。

《皇后喜剧芭蕾》是芭蕾史上的第一部舞剧。作品取材于公元前9世纪古希腊诗人霍格洛斯的叙事诗。它以女妖希尔瑟为中心人物，穿插了《旧约圣经》的部分故事及罗马、希腊的神话。舞剧共分为两大部分：

一、乘坐一轮马车出场的12名水妖扮成女王及贵妇人，在二重唱的歌声中，与12名少年婆娑起舞。突然，响起了女妖希尔瑟敲击手杖的声音，全场顿时蒙受了定身术。幸得天神降临解脱了众人，姑娘们又开始舞蹈。希尔瑟再次施展巫术，竟把天神诱入她的地盘。在这里，许多渴望爱情的青年被变成了狮、象、鹿、狗等各种动物。

二、8位森林之神在4名水妖旁，吹奏起颂扬婚姻之神的乐曲向人们致意。少女奥比斯和全体受难者来到希尔瑟的魔窟，向众神求助并得到了解除魔法的允诺。智慧女神米纳尔娃乘着巨蛇拖拉的凯旋车来到，在6人合唱中向国王宣誓。此时雷电轰鸣，罗马主神在空中出现，希尔瑟被雷电击中而溃逃，森林之神的触角撞毁了希尔瑟的魔殿。最后，被解救的人们在波旁宫大厅绕行，感谢国王的恩典。征服过许多天神的希尔瑟也只得向国王屈服。

据说，这出芭蕾的演出耗资600万法朗，相当于拿破仑打一场滑铁庐战役的军费，其目的在于通过庆贺乔维士公爵与芙苔蒙皇妹的婚姻典礼来炫耀法兰西的富裕和强大。这使得芭蕾艺术从一问世便带有浓重的“贵族性”特征，也由此决定了芭蕾艺术的“豪华包装”的特征。讲述什么故事并不重要，关键是如何去讲，能不能豪华地、辉煌地去讲。这出巨作是由波若瓦叶完成的，作为宫廷的音乐总监，他使这一巨作不仅有一整套舞蹈表演，而且还有序曲、合唱曲、咏叹调、朗诵调等相当篇幅的器乐和声乐；说它是芭蕾，其实更接近喜歌剧，但毕竟由于舞蹈、音乐、歌唱和朗诵的全一而使以往迎宾大典中的“马队芭蕾”、宴享聚餐中的“席间芭蕾”具有了“演剧性”。正是其内容贯穿的“演剧性”使之被确认为芭蕾史的发端。

其他艺术要求人付出仅仅一半能力——不是肉体的能力就是心灵的能力；可是舞蹈艺术要两者兼备——舞者表演既是智力的活动，也是体力的活动„„舞者必须在一切方面都无懈可击，他的表演必须是一个和谐的整体，在对称和比例上

毫无缺点而且贯穿始终。毕达哥拉斯是古希腊著名数学家，说舞蹈可隐约见到毕达哥拉斯的学说，正是指通过舞者的数列关系呈现出几何图形的潜在要求。《皇后喜剧芭蕾》对几何形态的强调与追求，其实是初民部落舞蹈的一个基本要求——在单一动律、简单舞步运作中的丰富的构图变化。由于《皇后喜剧芭蕾》作为芭蕾史上第一出剧作产生的影响，使“舞径”（即舞者的舞台调度线和位置图）成为芭蕾编导技术的一个重要方面；在早期的芭蕾创作中，甚至要求编导先学习几何学而后才进入舞蹈编排，这也使得“舞径”成为芭蕾作品形式美感的一个重要方面。

《吉赛尔》是一部取材于德国诗人海涅《德国冬日的故事》的舞剧，于1840年6月28日首演于巴黎。舞剧共分为两幕，场景分别是莱茵河畔的乡村和寂静的林中坟地，剧情集中表现着吉赛尔与阿尔伯特的生死之恋。第一幕表现的是“生死恋”：在欢庆葡萄丰收的节日里，纯情少女吉赛尔与乔装成农民的公爵阿尔伯特一见钟情，吉赛尔因此拒绝了山林守护人希莱里昂的求爱。外出狩猎的亲王和女儿巴季尔来此小憩，吉赛尔母女殷勤招待，贵族小姐巴季尔以项链回报。当吉赛尔为之欣然起舞时，希莱里昂拿着阿尔伯特的衣服和佩剑，当从揭开了阿尔伯特的贵族身份。吉赛尔闻知阿尔伯特早已与巴季尔定亲后，疯狂地起舞并将佩剑刺进自己的胸膛。阿尔伯特追悔莫及，竭力表白，吉赛尔表示宽恕后瞑目长逝。第二幕表现的是“死之恋”：山林中守护人希莱里昂在吉赛尔墓前悲伤不已。夜色降临，伙伴们因惧怕传说中的“维丽茜女鬼”（婚前被情人遗弃的少女的怨魂）出现而匆匆离去。一群头罩面纱的白影掠过舞台，这是鬼王米尔达与众女鬼阴森的舞蹈，米尔达从墓碑中引来吉赛尔的怨魂加入“维丽茜女鬼”的行列。阿尔伯特在坟地前供奉花束悼祭亡灵，多情的吉赛尔的幽灵与他若即若离地互诉衷肠。

若隐若现的众女鬼站成一列斜线，挡住希莱里昂的去路并将他排入湖中，然后又将阿尔伯特站在十字架下，鬼王米尔达见魔法失当，恼怒地命吉赛尔与阿尔伯特无休止的舞蹈，舞蹈终使阿尔伯特心力交瘁晕倒在地。黎明来临，吉赛尔与众女鬼被召回坟墓，幸免一死的阿尔伯特沉浸在无限的痛惜中。

19世纪30年代至70年代是芭蕾史上最辉煌的年代。由菲利普?塔里奥尼创作的《仙女》、奥古斯特?布农维尔创作的《拿波里》、圣?莱翁创作的《葛佩莉娅》及前述米尔?佩罗创作的《吉赛尔》为当时的芭蕾营造了金碧辉煌的宫殿。与这一时期的芭蕾创作相比，以前的芭蕾都成了“蓬荜草庐”；而此后的芭蕾也将在其“辉煌宫殿”中久久留连。芭蕾史家称这一时期为“浪漫芭蕾”时代，又依当时芭蕾的特殊风貌将其昵称为“白裙芭蕾”，在所有“白裙芭蕾”的作品中，《吉赛尔》是登峰造极之作。当时的女舞星，都向往着扮演吉赛尔；这一角色，就像当时的男剧星都向往着扮演哈姆雷特一样；因为这一角色使舞者面临表演技能和舞蹈技巧两个方面的严峻挑战。《吉赛尔》不是第一部“白裙芭蕾”，但它将《仙女中所确立的新的芭蕾审美原则加以巩固并大有发展。相对于“哑剧芭蕾”而言，“白裙芭蕾”强调超现实主义的表现方法，仙女、幽灵、海王、木偶都“浪漫地”出现在舞台上。由于这种“浪漫”气息，白色薄纱裙替代了“哑剧芭蕾”中的日常服装而成为主要的芭蕾舞服，甚至影响到今天。这也是“白裙芭蕾”得名的由来。

从古典芭蕾形态要素分析的视角来看，我们称“白裙芭蕾”为芭蕾的“立体形态”，这当然是指它区别于早期注重几何造型的平面形态。我们知道，芭蕾舞者最显见的身体形态特征是外开与挺直，前者据说源于贵族们侧身击剑的体态，而后者则受到足尖舞的影响。足尖舞作为芭蕾女舞者不可缺少的技能之一，是由

玛丽?塔里奥妮在《仙女》的表演中确立的。足尖舞的确立，促使芭蕾舞者从“舞径”的单纯表现中摆脱出来向空中发展；所谓“立体”是指身体直立状态中的多种舞姿造型得到关注，并为日后的双人扶持、托举及空中腾跃奠定了良好的基础。从根本上说，芭蕾的“立体形态”也是受几何图形观念制约的，只不过是把平面舞台上“舞径”的几何造型转换为立体舞者之舞姿的几何图形——与早期芭蕾注重舞步的开发不同，“白裙芭蕾”注重的是舞姿的设计；在种种舞姿由手、腿与躯干构成的图形中，往往也体现出某些几何图形的规则。特别值得一提的是，由于足尖舞在平衡上的困难，芭蕾双人舞应运而生并迅速发展，以至成为芭蕾总体构成中不可或缺的因素；双人舞的发生与发展还使芭蕾的“立体形态”——即舞者之舞姿的设计洞开了新的天地。在芭蕾总体构成的基本要素中，诸要素是历史演进中逐步沉积下来的。芭蕾“几何形态”对舞群与舞径的强调、芭蕾“哑剧形态”对哑剧的强调、芭蕾“立体形态”对双人舞和舞系的强调等都是如此。舞群（CorpsdebBallet）的舞蹈是以位置的变化见长的，通常是分组的舞者在舞台按几何图形与设置的调度舞蹈。因此对于舞群而言，舞径（Chemin）占有十分重要的地位。舞径即是舞群确定位置和变化调度的线路图，古典芭蕾早期的舞谱。当芭蕾开始强调通过哑剧来刻划性格之时，舞径自身的表现隐退了；在哑剧（Mimique）对于情节描述的进程中，许多哑剧表达的程式出现。以“我见过一位年轻美貌的小姐在此跳舞”为例，舞者以手贴胸表示“我”，右手食指从右眼指到左眼表示“看见过”，然后指地表示“在此”，在脸前从额至鄂绕划一圈表示“美貌”，右手从左肩摸到左是表示“美丽的裙装”。

《天鹅湖》1895年1月27日首演于俄罗斯彼得堡，是一部取材于德国中世纪民间童话的舞剧。《天鹅湖》主体部分共有四幕，另有序幕和尾声，这种结构

方式几乎已成了许多大型舞剧的套路。序幕中，主要是略述魔王罗德巴尔特将公主奥吉塔变成白天鹅，由此而导出一个令人唏嘘慨叹的爱情故事。第一幕述说的是王子齐格弗里德在成年之日的欢庆舞蹈中，由于母后告知将为他举办选妃舞会而郁闷不乐，于是持弓尾随一群掠过晴空的天鹅而去。第二幕的场景是森林湖畔，王子正搭箭张弓欲射，此时被变为天鹅的奥吉塔向他倾诉悲哀，王子决心要以纯真的爱情战胜魔王，帮助奥吉塔重返人形；同时约奥吉塔来参加自己的选妃舞会。第三幕便是王子的选妃舞会。魔王让自己的女儿变成奥吉塔的模样——即黑天鹅奥吉莉雅。在奥吉莉雅的诱惑挑逗之下，王子渐渐堕入陷阱。正当王子起誓娶奥吉莉雅之时，白天鹅奥吉塔在窗外次过，悟到自己受骗的王子扑出宫门而重返森林湖畔。第四幕的森林湖畔，奥吉塔为负心的王子准备一死了之，王子赶来表白并请求宽恕；魔王此时亦来与王子展开殊死搏斗，但爱情的力量终于战胜的邪恶。于是便有了尾声：王子与奥吉塔迎着晨曦共庆新生„„

就某种意义而言，“白裙芭蕾”甚至“哑剧芭蕾”也都属于古典芭蕾的范畴。但由于现代芭蕾所直接面临的传统，是以彼季帕及其助手伊万诺大创作的《天鹅湖》为代表的进入程式化的芭蕾，所以把这期间的芭蕾视为“古典芭蕾”，其意义相当于“经典芭蕾”。其实，《天鹅湖》最初的版本问世于1877年3月4日，由列津格尔编导，这时正值浪漫的“白裙芭蕾”时代（19世纪30至70年代办的尾声。彼季帕与伊万诺夫的作为，是将“白裙芭蕾”的强弩之末导入一种严谨的审美规范之中，他们所创作的《天鹅湖》标志着古典芭蕾的完全成熟。这时因为《天鹅湖》不仅在总体结构上而且在双人舞的编排上都形成了严格的程式。尤其是由慢板、变奏（先女后男的独舞）和终曲组成的。专为男女主角炫耀舞技的“大型古典双人舞”程式的确立，使《天鹅湖》的编导彼季帕赢得了“古典芭蕾

之父”的美誉。

由彼季帕确立的“双人舞”的古典程式，它被人比喻为结构严谨的三个诗句构成的舞蹈诗。芭蕾双人舞，通常指女首席舞者与男首席舞者两人的舞蹈。其古典程式由慢舞（Adage）、炫示部舞（Variation）和结尾部舞（Coda）三部分组成。其中“炫示部舞”又常被“变体舞”或“变奏”。慢舞是由男女首席舞者共舞，进入炫示部舞里，作为扶助角色的男舞者先行退场，由女舞者独舞，这段是急速而明朗的快舞，与前面的慢舞正好形成强烈的对比。女舞者退场后，由男舞者登场独舞，依然是快舞。炫示部舞结束后，进入结尾部——这段双人舞蹈以男舞者为中心形成男女舞者共舞，有别于慢舞中的以女舞者为中心。在这种情形中，男舞者尽情炫耀其最快速度的舞步，他像旋风般斜走或绕行舞台，通常以令人晕眩的旋转结束。谈双人舞，不能不谈“舞系”（EnchaigelllCnl）。芭蕾的“舞系”指的是舞步的连接，是芭蕾舞蹈的构成基础。要了解“舞系”的规律，先要了解舞步的性质，即对预备舞步、起舞步、表现舞步、缓冲舞步、连结舞步、结束舞步等的了解；芭蕾舞蹈是舞系按舞步性质联结后的扩充。

根据古典芭蕾各形态要素的历史沉积，我们将芭蕾中的舞蹈分为4种不同性质的舞蹈：

1.形式舞蹈（CorPsdeBallet）。即前述“舞群”的舞蹈，这是最初始的芭蕾形态。芭蕾形成初期，舞群要遵循一定的舞径做队形变化。导致了型式舞蹈，它通常是纯队形的表现，在芭蕾早期的“几何形态”中得到强调。

2.情节舞蹈（Dances daction）。这种舞蹈主要用来表达情节，说明舞剧的故事；往往以特定的手势代替语言，以表情帮助展示剧情的发展。芭蕾的“哑剧形态”较多这类舞蹈，因此这一时期的芭蕾又称为“情节芭蕾”。

3.抒情舞蹈（Dances Variation）。这是类似双人舞变奏的纯粹舞蹈，用来表现舞剧吵的情绪、感觉、意志、气氛，是芭蕾中最主要、最具表现力的部分它最早使用于“白裙芭蕾”之中，是芭蕾“立体形态”发达的产物。

4.插舞（Divertissement）。这是芭蕾中特有的一类舞蹈表现，它多用于舞剧中的庆祝场合，与剧情的推进无关。插舞本身具有多种形式和不同性质，有些有独立情节。如《睡美人》用插舞演示“灰姑娘”、“小红帽”等民间故事；有些只是某地区风俗舞的展示，如《天鹅湖》中展示的“西班牙舞”、“恰尔达什”、“玛祖卡“等。可以认为，插舞是在古典芭蕾进入它的终结形态后的插入物。

舞蹈作为一种文化曾是许多原始民族的“文化焦点”。文化人类学研究中曾有学者不无夸张地说：“只要你跳个舞给我看，我就知道你是什么（民族的）人”。甚至在今天，许多民族还保留着自己特色鲜明的舞蹈文化传统，有的舞蹈文化还作为国家象征而得到推崇。从这个意义上来说，不了解舞蹈文化就不能说是完全了解这个世界。

有人说，舞蹈是艺术的皇冠，而芭蕾则是这皇冠上的明珠。文艺复兴时期发生于意大利的古典芭蕾，曾繁荣于法兰西，鼎盛于俄罗斯，然后点缀于欧美各国及亚、非、澳、拉美。从《皇后喜剧芭蕾》的几何形态天《天鹅湖》熔舞群、舞径、哑剧、双人舞、舞系、插舞于一炉的终结形态，古典芭蕾的确在上一世纪末完成了它自身形态建构的使命并形成了诸多的流派，如意大利派的简劲、法国派的妩媚、丹麦派的轻盈、俄罗斯派的豪放、英国派的潇洒，作为最具世界性的舞蹈艺术，古典芭蕾那科学的人体运动法则和典雅的审美风貌具有永恒的魅力。

第五篇：原创古典芭蕾舞姿训练

古典芭蕾训练

开、绷、直

一、手位，所有的舞姿动作都脱不了七个手位变化的影子。

1、一位手(图3—11)

位置：双手以手形的外侧(手刃部)顺人体髋部三角区下延，两只胳膊呈椭圆形。要求：两手手心相对，双手手指的间距为4—5指宽，双肘略往前用力(双肘不应夹住身体两侧)，双臂有“抱了个椭圆形西瓜”的感觉。

2、二位手(图3—12)位置：从一位手双手抬至胸前下为二位手。

要求：保持一位手的形态，双臂

肘端，关节带动整个手与臂缓缓抬起，至胸脐中前端停，双臂有托起一个大大的圆盘子的感觉。应注意，抬起时应以肘关节带动双臂，不能以手腕部带动双臂上抬。否则不仅会失去双臂的椭圆造型，而且会形成手指、关节的下垂，失去二位手的整体形态美。3

3、三位手(图3—13)位置：经二位手抬至前额前上端，为三位手。要求：双臂形态要求，保持好一、二位手的椭圆，同时双肩下沉，不要随着抬手使其上耸。同时注意，双手不能抬至头顶垂直位置，应以额顶的前上方为准，突出自然舒展的状态。

4、四位手(图3—14)

位置：以三位手的右手向下延至二位手位置，左手不动，形成分手形态，为四位手。要求：右手带动右臂向下时，应以手指带动手臂下行，与一位手及二位手肘关节带动上抬正相反。同时，应注意保持左手三位手的位置形态不变，不应因右手的下行而影响左手形态，造成左手的松懈下垂。在二、三、四位手及以后的手位动作中，均应保持臂膀的椭圆形态。

5、五位手(图3—15)

位置：左手依旧不动，右手臂打开行至肩膀侧前位置为五位手。要求：右手臂打开时，手指应随着呼吸有一细微自然摆动动作并带动整个手臂打开至肩旁，应有手指拨开珠帘的感觉。到位时，掌心朝向应为前下方。

6、六位手(图3—16)

位置：右手不动，左手如右手四位手动作一样下延至二位手位置。要求：六位手的过程及感觉要求同四位手。

7、七位手(图3—17)

位置：右手不动，左手如右手五位手动作一样向外打开，形成双臂打开的形态，为七位手。

要求：手臂打开的感觉及两个手臂的掌心朝向要求同五位手，双肘关节及腕部应有向前形成的一定弧度，如同抱了棵大树的感觉。同时，双肩尽量松弛，形成紧凑又松弛的自然状态。

8、还原(图3—18)

位置：其表现在七位手落至一位手的过程中，双手翻腕，下延至一位手。

要求：双手翻腕时头部应看向右手手背，目光随手背下延至一定高度时，回头目视一方向停住。翻腕时应配合一个小的呼吸再行下延，同时应双手指向外微伸，形成双臂下延过程的自然舒展。假如肘关节带动下

二、脚位，置构成了稳定或直立的基础是芭，最基本的是腿从胯部外开或旋转。

（可扶把干完成）

【图解】芭蕾舞的五个基本脚位

1、一位：双腿外开，两脚跟相对，双脚呈180度直线。肩部放松,颈部伸长,夹紧臀部.。

2、二位：双脚保持直线，向旁打开，双脚距离与肩同宽或打开一脚的距离。

3、三位：双腿外开，脚向内收回至双脚重叠，前脚跟紧贴后脚心。前脚盖住后脚的一半。

4、四位：类似于五位脚，只是前后脚间有一脚的距离，重心在中间,前脚跟与后脚趾关节成一条线。

5、五位：双脚紧紧靠在一起，脚跟对脚尖。

6、六位：脚跟起后脚尖上前与前脚尖靠拢并步

三、勾绷脚、压脚

四、蹲

十、大踢腿

五、擦地

十一、舞姿训练

六、小踢腿

十二、擦地

七、划圆

十三、小跳

八、单腿蹲

十四、小舞蹈

九、控制

波尔卡

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