第一篇：白描花鸟人物
中国画——白描 教材分析: 白描技法是我国优秀的传统艺术，也是广大专业、业余人士十分喜爱的画种。通过本节课的学习，培养学生热爱祖国传统艺术的感情，激发学生学习白描的兴趣，提高学生线描的技巧，学会用不同的线条表现对象的质感和量感。教学目标: 1.培养学生热爱祖国传统艺术的感情。2.提高学生描线的技巧。教学重点： 用毛笔线描的方法。
教学难点：用白描的方法表现人物、花鸟的技法，线条的不同运用。教学内容：
第一阶段：白描基础知识与练习（1课时）
一、定义与分类。
1、定义：白描是中国画的一种，古代称之为”白画“，是中国画中用毛笔墨线勾画对象轮廓，有时也可渲染淡墨。
2、分类：白描有单勾和复勾两种。
单勾：以线一次勾成为单勾，有用一色墨，亦有根据不同对象用浓淡两种墨勾成。用同一墨色的线勾描整幅画的叫一色单勾。用浓淡不同墨色勾成的，如用淡墨勾花，浓墨勾叶叫浓淡单勾。要求线描准确流畅、生动、笔意连贯。
复勾：复勾则光以淡墨勾成，再根据情况复勾部分或全部，其线并非依原路刻板复迭一次，其目的是为加重质感和浓淡变化，以加强所描物象的精神，使物像更具神采。复勾线必须流畅自然，否则易呆板。
二、白描的特点：
物象的形、神、光、色、体积、质感等均以线条表现，难度很大。因取舍力求单纯，对虚实、疏密关系刻意对比，故而白描有朴素简洁、概括明确，不施色彩的特点。
三、白描的发展与代表画家和作品：
白描多见于人物画和花鸟画。宋元间也有画家采用白描手法来描绘花鸟，如北宋仲仁，南宋扬无咎，元代赵孟坚，张守正等。
白描最早是做为工笔画的底稿形式存在的，是中国画造型的基础。如我国最早的卷轴画《洛神赋图》、《女史箴图》，是东晋顾恺之的传世摹本，这两幅图中的线描已由过粗拙简单发展到圆润挺秀的笔法，这种“青云浮空”、“流水行地”般的紧劲连绵的线条被誉为“春蚕吐丝”。唐代吴道子的画作笔简神全，意气豪放。他的作品《送子天王图》为白描画、水墨画的出现和发展奠定了基础。
白描发展成为独立的绘画创作形式始于宋代，各代均有杰出代表。李公麟（1049—1106），字伯时，舒州（今安徽舒城县）人，是宋代杰出的人物、鞍马、山水画家。更是把线描提高到一个新的水平，其传世的白描作品有《维摩诘演教图》、《五马图》等。此外，还有宋代武宗元的《八十七神仙图》、元代张渥的《九歌图》、明代陈洪绶的《西厢记-窥简》、《屈子行吟图》、《水浒叶子》、清代任伯年的《三友图》等等，都是难得的白描杰作。丁云鹏（1547～?）明代画家。字南羽，号圣华居士，安徽休宁人。卒年不详，天启五年（1625）尚在作《白马驭经图》，瓒子，詹景凤门人。书法钟、王。画善白描人物、山水、佛像，无不精妙。白描酷似李公麟，丝发之间而眉睫意态毕具，非笔端有神通者不能也。供奉内廷十余年。与董其昌、詹景凤诸人交游，故流传作品多有董其昌、陈继儒等人的题赞。董其昌赠以印章，曰毫生馆。其得意之作，尝一用之。
仇英 约1498年（一说约1509年）—1552年在世，字实父，号十洲，汉族，江苏太仓人。后移居吴县。擅画人物，尤长仕女，既工设色，又善水墨、白描，能运用多种笔法表现不同对象，或圆转流美，或劲丽艳爽。偶作花鸟，亦明丽有致。与沈周、文征明、唐寅并称为“明四家”。夏鼎[明]苏州（今江苏苏州）人。善白描人物，亦工山水。
四、白描基础技法
1、工具、材料的选择
笔：白描的笔以尖硬瘦长的狼毫为宜，笔锋尖硬瘦长则弹性强，可以适应变化无穷的点、线的需要，所以一般多用叶筋、衣纹、红毛等几种笔。毛笔形质和大小都有不同，所产生的效果也不一样，必须多画常练使其适用。
墨：以研墨为佳，较好的墨汁如曹素功、一得阁等也可使用。纸：生纸渗水难以掌握，不宜于初学者使用，一般多用不渗水的熟纸矾宣。
2、笔法 白描多用中锋，用笔要先慢后快，收笔要慢，要疾徐有度、流畅连贯。用笔时必须心静、理明、势宽、手稳，特别是画长线时，要充分估计腕与肘所需的活动范围，并把纸理平压稳，然后屏着气聚精会神地把线画下去，当直则直，当曲则曲，当一笔画完者莫两笔完成，这样才能把线画得流畅。切忌运笔时死盯着笔，视线要宽阔，笔紧跟着线条走。
3、“十八描”
到了明嘉庆年间，邹得中总括前人丰富的创作经验，在其著作《绘画发蒙》中，提了“十八描”的说法，这十八种描法是：
1.行云流水描 2.高古游丝描 3.铁丝描4.柳叶描 5.琴弦描 6.蚂蝗描 7.混描 8.橛头钉描 9.曹衣描 10.钉头鼠尾描 11.折芦描 12.减笔描 13.战笔水纹描 14.竹叶描 15.橄榄描 16.蚯蚓描 17.枣核描 18.枯柴描。以上十八种描法是古人根据当时的服装（大都是宽袍大袖）领略出，有些是唐朝以前就可以见到，有些则是后来逐渐添加的，然而这十八描并不是包罗前人所有的描法，也有人主张简化为五种，或合并为三大类。
擅长白描人物的当代画家董梦梅先生则指出十八以线条描法的形状命名，并不妥当。他针对用笔的方法，提出了“用笔十法”，即 1.悬针笔法 2.抽丝笔法 3.自由笔法 4.铁丝笔法 5.来无影去无踪（双尖笔法）6.连接比法 7.拖拉笔法 8.擅斗笔法 9.跳跃笔法 10.倒插笔法。以上董梦梅先生细分的十种用笔方法，有些也适用于白描花鸟画中。
中国白描有着高度的艺术表现力笔独立的审美功能，经过历代画家的创作积累，有关线条的技法名称繁多，分类细致，如画衣纹的“十八描”、“曹衣出水”、“吴带当风”等，就形象地概括了白描的艺术表现力与感染力。
五、白描示范
示范各种描法，“十八描”。
在白描画中，线条的优劣是一幅画成败的主要关键。白描画运笔宜以中锋为主，用笔的压度和速度要均匀，钩出的笔线要有“外柔内刚”的效果，力量要涵蓄在内，不宜显露于外；缺乏涵蓄的笔墨，不耐久看。锋芒过多、力量外露都容易表现出一种霸悍的气象，有时会减低某些花卉、禽鸟的美感，故白描画的线条要“寓刚建于婀娜中”。
六、学生练习
直线的练习：横线、竖线、斜线 曲线的练习：弧线、波浪线、圆 单个花头线条的练习
七、作业要求
各类线条的练习一张毛边纸，单个花头的练习一张毛边纸。
第二阶段：花卉白描临摹（4课时）
一、白描花卉的“临摹”其含义：
“临”——是照着原作描画。“摹”——用薄纸蒙在原作上面描画。临摹的意义：绘画的临摹主要是指对某一美术作品进行描绘。临摹是学习绘画技巧的一种方法，主要是学习前人的技法和经验。我国传统绘画的学习方法，就是从临摹入手，再逐步过渡到写生，即所谓“师古人”和“师造化”。在临摹中研究、分析、揣摩画家创作的意图和表现技巧。
二、工笔花鸟画白描线条的要求
勾线在工笔花鸟画中是很重要的一步。运用毛笔勾线，对线条有很严格的要求。白描勾勒不是用细线沿着花叶轮廓去“描”，而是用书法中讲究的用笔法“写”出形象。工笔白描不只是讲究工细，更重要的是追求线条的力感、快感，所谓“工细兼力”反对纤细柔软的线条。勾线之初，先练习使用中锋，避免侧锋，走在线条一侧的即为侧锋。中锋线条圆润浑厚，饱满而富于弹性，结实而有力感；侧锋勾划出来的线条是扁平的易出飞白。
花卉中的花瓣，叶片都是薄片状的，宜用中锋勾勒，侧锋只有在皱擦树石时才宜运用。开始练习勾勒时，很容易出现侧锋，特别在线条转弯的地方，因为毛笔虽然是圆锥形的，但是当拉开线条以后，笔锋即成为一刀锋，转弯时必须提笔，并轻转笔管扭转方向，象写篆书一样，使笔锋平行圆转过来，才能保持中锋；如果转弯时笔尖不提，发压着纸面硬拐，这时笔毛便产生折叠，象写隶书一样，出现折笔，在画面上即表现为侧锋。
线条产生力感的关键在笔锋与纸面的摩擦。有的人勾线为了细，不敢用力，勾出的线条是浮滑在纸面上的，是不符合要求的。勾线时要把笔按下去，使笔锋对纸面有一个压力，同时又要遮住毛笔，向上有一个提力，两力平衡再用力一个拖的力量行笔。只压不提就是“抹”，容易出现侧锋败笔，只提不压就是“飘”，线条滑而无力，用线切忌“撩”、“挑”、“滑”。
为了使笔锋与纸面产生摩擦，勾每一条线都必须有起笔、行笔、收笔三个动作：
1、起笔藏锋：如起笔欲向右行，先向左藏锋顿笔，然后再向右行，这叫与右先左，反之，则欲左先右。
2、行笔：行笔要稳，速度要慢，对纸面压力要均匀。
3、收笔回锋：每逢收笔都须向来的方向收回，所谓“天往不回”、“天垂不缩”，使线的结尾含蓄有力。以上讲的都是锻炼勾线的力感和快感，同时还要注意练习各种笔墨变化：如中锋与侧锋、顺锋与逆锋，以及顿挫、转折、连断、粗细、方圆、疾徐、光毛、虚实等用笔的变化，再加上浓淡、干湿等墨色的变化，达到白描用线在形式美感方面的要求。
三、白描线条与花卉形象的结合
1、勾线起笔顺序 为不蹭脏画面，一般白描勾勒大致要从上到下，从左到右顺序勾下来。
2、如何表现结构之前后关系 当两条线相遇，一线在前压住另一条线，即为前压后。
3、边缘线与折面线的处理 花叶的轮廓线大致可分为两类不同的线条：一种是叶片和花瓣转折时产生的折面线和花叶的主筋。另一种是叶片、花瓣的边缘线要用顿挫、起伏、有粗细、连断等多种变化的笔触，以表现花叶曲折丰富的变化。这两种线条既有对比，又要统一，既表现了花叶转折变化的多姿，又要有线条本身的节奏和韵律
4、线条的浓密粗细 白描花卉不用色彩，只靠用笔墨的变化表现花卉的质感。做画时一般用淡墨和较细的线勾花瓣，以重墨和较粗的线，勾叶、茎、花萼等。花丝用中或淡墨，花药则用最焦浓的墨。色彩深及厚硬的地方用线粗重、方硬，色彩浅及薄嫩的地方用线轻细圆柔。
5、白描花头的用笔及注意事项
（1）牡丹、梅花、山茶的花瓣一般从花瓣基部起笔。荷花、菊花、百合等花瓣可从尖端起笔。玉兰、月季等花瓣厚硬，勾线应挺拔有力；牡丹芍药等花瓣勾线可用细线颤笔，用笔潇洒些。（2）花头外轮廓要有参差、圆缺之变化。
（3）花筋的处理：花筋不明显的不勾花筋，如梅花、海棠等。花筋明显的必须勾好，如辛夷、牡丹、杜鹃等。
（4）花蕊是勾点：花蕊一般放到最后，并精心点好。花丝要勾的细而有力；花药一点成型。
6、白描勾叶的各种变化及注意事项
勾叶：勾叶多从柄起笔，由粗而细向尖端勾去。叶的尖端三线交界处要求错开，这样勾出来的线生动有变化。
7、茎枝与树本的勾勒与皴擦
（1）嫩枝的勾勒：出枝的节间略为膨大，中间注意两条线平行，一般用中墨。
（2）木本枝干的勾勒：一般木本枝干干裂粗糙，起伏不规则，除勾勒外主要是皴和擦，“皴”是有形象的笔触，可以必须树皮的纹裂和起伏；“擦”是用干笔侧锋碎涂以强化树干的粗糙感或蓬松感。
四、白描花卉示范
五、学生练习
六、作业要求：每人本阶段完成4幅花卉白描作品。
要求：笔法准确，线条起、行、收要有章法，中锋行笔，转折起收有藏锋。花头用淡墨描绘，叶、枝用浓墨描绘。作品精致，美观。
第三阶段：白描人物画临摹（4课时）
一、历代白描人物画欣赏
1、《龙凤人物图》，画面主要位置绘一侧身而立的女子，身着长袍，头梳长髻，双手合掌作祈祷状，她的上方绘一龙一凤，凤头上昂，振翼奋爪，呈奋起状，龙双足曲伸，势若扶摇直上，此画造型生动，比例匀称，以墨线勾勒，用笔流畅，线描纹饰经过精心处理，曲直配合适当。
2、《烈女仁智图》顾恺之的人物画强调传神，注重点睛，其笔迹紧劲连绵，如春蚕吐丝，行云流水，通称为“高古游丝描”。
3、《捣连图》唐张萱，唐代人物画，在中国绘画史上占有重要地位，张萱正是以擅长画贵族妇女而著称的人物画家，此画描绘宫中妇女制作丝绢的劳动场面。
4、《朝元图》，永乐宫壁画中的线描艺术是古代线描艺术中的奇葩，画师用简练，流畅的线条刻画了众多的人物形象。
5、明代陈洪绶擅长白描，在他的众多作品中，《水浒叶子》流传最广，另有《西厢记-窥简》等。《水浒叶子》是陈洪绶二十八岁时，花费四个月所作的另一组版画精品。陈洪绶在这套《水浒叶子》中，栩栩如生地刻画了从宋江至徐宁凡四十位水浒英雄人物。
二、白描人物画的线条要点
1、《水浒叶子》的线条特点：陈洪绶大量运用锐利的方笔直拐，线条的转折与变化十分强烈，能恰到好处地顺应衣纹的走向，交代人物的动势。线条均较短促，起笔略重，收笔略轻，清劲有力。
2、《朝元图》线条特点：作品中线条运用传承了唐宋线条的典型风格，又传承了道释人物的传统表现，线条表现丰富，变化多样。壁画中的人物、器具、祥云、法器等等，都以纯墨线勾勒，中锋用笔绘制，线条流畅沉着，笔法劲健，笔笔准确，衣带上的细长线条，是刚劲而畅顺地一笔而成，找不到修改的痕迹，线条的“一波三折”行笔过程也体现出了它的自然含蓄、藏而不露。
白描人物画笔法要点：
起笔藏锋：如起笔欲向右行，先向左藏锋顿笔，然后再向右行，这叫与右先左，反之，则欲左先右。
行笔中锋：行笔要稳，速度要慢，对纸面压力要均匀。
收笔回锋：每逢收笔都须向来的方向收回，所谓“天往不回”、“天垂不缩”，使线的结尾含蓄有力。以上讲的都是锻炼勾线的力感和快感，同时还要注意练习各种笔墨变化：如中锋与侧锋、顺锋与逆锋，以及顿挫、转折、连断、粗细、方圆、疾徐、光毛、虚实等用笔的变化，再加上浓淡、干湿等墨色的变化，达到白描用线在形式美感方面的要求。
三、《水浒叶子》的临摹
四、其他人物白描的临摹
五、学生练习
六、作业要求：
1、每人自选白描人物的范稿进行临摹，每人4张，视难易而定。
2、作业要求：注重线条质量，突出人物的神态，神形兼备。第四阶段： 写生花卉白描（1课时）
一、写生步骤 1.花卉的构造。
花卉种类众多，结构大致相似，有花、叶、枝，花的结构有花冠、花蕊（雌蕊、雄蕊）、萼片、托叶，叶有托叶、叶柄、叶片。2.写生的方法。
在写生时，要注意观察花的形态，研究了解它的生长规律、组织结构及形象特征。在表现形式上，要进行剪裁、取舍、夸张和改造，从而达到神形兼备的效果。由于写生的目的不同，对画写生的要求也各有侧重。我们重点是画出白描，所以侧重对花卉生长结构的描绘和交待，同时，注意大的疏密关系、穿插处理。3.写生步骤：
（1）选择理想角度，大致安排花、枝、叶在画面上的位置。（2）画出花、叶子的基本形。由里及外，从最前面最完整的一片花瓣开始画，然后一片压一片完成。（3）在了解生长规律的基础上，分出花瓣的层次关系。（4）用肯定的线条按前后层次分组画出花瓣及叶子的组合，结构交待要清楚，深入细节地描绘，进一步完成画面。
二、教师示范
三、综合练习活动: 1.让学生欣赏，加强印象。
2.学生开始观察写生，实作练习。以折枝为形式写生，每人画一枝。3.教师就第一阶段写生之资料，给学生适当的建议。
四、作业要求：
1、根据实物花卉进行写生，方法正确，构图美观，形态生动，结构准确、取舍得当。
2、整理写生作品，提练线条，完成一张白描作品。
考查方案：
根据学生每次作业的数量和质量进行评价，给出平时分。按60%计入总分。对最后写生创作的白描作品进行评分，按40%计入总分
第二篇：白描花鸟人物教案
中国工笔画
发表日期：2004年12月3日【编辑录入：松果】
沿着古丝绸之路，去寻觅早已企盼的梦想。在世界冰山之父--穆斯塔格峰脚下，仰望那篮得不能再篮的天空，白得不能再白的白雪，激动的泪水从眼眶中汨汨流出，我深深感到了人类始祖的神秘与庄严。前面的村落是勤劳、纯朴的塔吉克民族。这一切仿佛应是一个世纪前的色调，没有半点浮华的味道。离开善良的新疆人，我们进入了神秘而古老的甘南藏区。虽然同行的是一群无神论者，但大家还是无比虔诚的朝拜了拉卜楞寺里的**，捧回了圣洁的哈达 …… 那，是一次心灵净化之旅。
艺术源于生活，只有在生活中提炼出来的才是有生命力的艺术。凭着西行中这点近乎幼稚的体会，我选择了工笔画作为我走进艺术殿堂的切入点。把我在写生途中的感动、震撼，原本地记录下来！
经过不断的学习和完善，在深入的绘画过程中，我发现我已经深深的爱上了工笔画。为了给今后的学习创作打好基础，我对工笔画理论进行了认真的研究，在参照大量史料以及作品赏析后，总结了几点自己的想法和工笔画创作中的一些体会。
中国工笔画有着非常悠久的过去。回顾它的源头，可上溯到战国的帛画。在历经了唐、宋的辉煌与繁荣之后，又随着文人画的兴起，走入了千年的沉寂。虽代有才人，多以匠人而论。二十世纪以来，工笔画开始复苏，工笔画真正迅猛的发展是在二十世纪八十年代。现代工笔画的复兴即体现了中国古典艺术传统的不断延续，也体现了新时代中国画艺术的一种革新、新生和希望。做为一种古老而又年轻的艺术表现形式，之所以能够复兴是因为它具有许多宝贵的品质。中国画 必将走向现代，它除了应保持它特有的宝贵品质外，还要具有时代性。
面对当代工笔画坛的繁荣景象，所有关心、关注工笔画发展的人，尤其是立志于从事工笔画研究与创作的人更要积极投身其中，对其艺术特性、形式语言、美学风格，做一些尝试性的探讨。恰逢改革开放的新时代，艺术创作迎来了一个宽松的，相对自由的大气侯，随着各种新工具、新材料、新观念和其他艺术门类的引入和借鉴，工笔画形成了一个多元的格局。面对向前涌动的大潮，我渴望尽一点自己微薄之力，希望可以起到推波助澜的作用。
遵从尚意重型的造型原则 还原线的独立表现性
中国画从总体发展来看，是写意的艺术。虽然工笔画注重形似，但是并非西方自然主义的写实。中国画的造型观念是意象造型，工笔画虽然重形似，但也逃脱不了意象造型的观念。这种 “ 意象 ” 的造型观强调主观的表现，但对于中国工笔画来说 “ 形 ” 则具有更为独立的意义。由于它固有的形式特征，轻视了 “ 形 ” 的价值就失去了它的艺术语言的特色。但是，如果只重 “ 形似 ” 也必然走向自然主义的摹仿。中国艺术旨在表现人的主体精神，中国绘画把这种主体精神称之为 “ 意 ” 或 “ 心 ”，故有 “ 写意 ”、“ 写心 ”、“ 写情 ” 诸说。从表面来看，中国工笔画无论是人物画，还是花鸟画，乃至一些山水画的形象造型都是力求形似的。但这并不是对自然的描摹，而是综合了主观与客观的意象。石涛就有 “ 搜尽奇峰打草稿 ” 的主张。不要说宇宙山川之变，即是同一花草仅从自然属性来看，他们的精神也是各不相同的。
从自然的 “ 形 ” 到主观的 “ 意 ”，这一过程体现了中国画在表现上的主观原则。那么在中国工笔画中怎样处理 “ 形 ” 和 “ 意 ” 的关系呢？首先在工笔画中，“ 形 ” 有着重要的地位，工笔画是以形写意，没有 “ 形 ” 的工细，就不能达到 “ 意 ” 的高远。也就是说工笔画是用 “ 尽其精微 ” 的手段来达到 “ 意境高远 ” 的主旨。工笔画的 “ 形 ” 与 “ 意 ” 是手段与目的的关系。然而，手段要行之有效，才能达到目的。如何要求、理解工笔画中的 “ 形似 ”，以达到 “ 尚意 ” 的目的呢？在表现手法上来看，要求工致细腻，并不是自然主义追求的摹仿再现，而是从客观物象中提炼加工、重新组合，而得到的意象。允许在把握对象内在精神的基础上，进行一定程度的夸张变形，只不过是用精细的手法来表现罢了。今天，西方写实主义的造型原则已经被人们普遍了解和掌握。所以在工笔画的学习中，往往会出现这样的误区--把工笔画的工致细腻理解为自然主义的描摹，往往追求形象的惟妙惟肖。这样做的结果削弱了中国画独特的形式语言，越画越不象中国画。无论调动任何绘画处理手段，如何在虚实造境上做文章，都只是把人引入乏味的自然 “ 实景 ” 当中。这时不要忘记，中国画立形的手段是线。没有线的独立存在，哪里会象中国画呢？中国画的用线历经上千年的锤炼，加之毛笔和墨这种特殊的工具，使线本身的表现力变化万千，无比丰富。只有把具有抽象美意趣的线条与造型的形态完美地结合在一起，使线的表现力更加自由的表现出来，把主观的 “ 情 ”、意象的 “ 形 ”、表现的 “ 线 ” 三者完美的结合起来，才是中国工笔画追求的境界。无论是人物还是花鸟，把线这种富于独特表现力与形式美的表现手段退化为单纯的技术性操作，使线只具备描摹轮廓的意义，线本身的表现性与审美价值便丧失殆尽，这无疑是舍本逐末的做法。线、形、意达到完美的统一，取神得形，以线立形，以形达意，正确处理好三者的关系，是把握中国工笔画精神的关键所在。
尽精微 致广大
由于工笔画的工具材料与形式技巧的特性，形成工笔画在表现上对 “ 细节 ” 的观注。尽其精微，而至远境，这也正是与水墨写意画相比而呈现的一个特点。工具材料的特性，也为工笔画的表现细节，提供了足够的可能性。
同样的自然外物在表面看来，是没有什么差异的，但是在不同的艺术家的眼睛里，在艺术家不同的精神状态下却又是千差万别的。可见，艺术家都在用眼睛来发现、寻找能激发创作灵感的自然外物，被常人所忽视的 “ 细节 ”。没有细节真实的发现，对艺术表现而言，自然之物也不过徒有其 “ 形 ” 而失其 “ 真 ” 了，“ 真 ” 是体现艺术要求的。荆浩曾提出： “ 似者得其形，真者气质俱盛。” 如果说 “ 质 ” 是指形体之根本，那么我认为要抓住这一根本，就要基于对自然的深刻体会和观察上。可见，对于细节的发现与表现，正是对于自然本质的把握与认知。这与中国绘画的 “ 意象造型 ” 是相吻合的。艺术家经过对于客观自然认识与体验而捕捉到的体现自然本质的细节，这种 “ 细节 ” 的发现是经过了艺术家主观精神的提炼与加工的。这种 “ 细节 ” 是具有主观色彩的，是主观对于自然的选择。这绝不是对现象的一般感受，它体现着理性的光辉。荆浩在描绘太行山的松树时就有 “ 因惊其异，遍而赏之，明日携笔复就写之，凡数万本，方如其真 ” 的深
刻体验。从 “ 惊其异 ” 到 “ 遍赏之 ”，再到 “ 复写之 ”，直到 “ 凡数万本 ”，而后才达到 “ 如其真 ” 的境界。而这里的 “ 真 ”，正是经过反复认识，所捕捉到的生动 “ 细节 ”。对于工笔画来说，这种 “ 细节 ” 的意义就更有价值了。这一点我们可以从宋代的花鸟画中得到印证，如果这些作品失去对某些细节的描绘，可以想见，其艺术魅力也就不复存在了。由此可见，对 “ 细节 ” 的发现与把握，对于工笔画来说，具有独特价值。而获得这些细节则是如荆浩画太行之松一样，不仅要观察，而且要实地写生。通过写生，抓住最具有本质意义的细节。
通过对于自然的观察，不断培养我们对艺术的感受力和对自然的知觉能力。“ 触目横斜千万朵，赏心只有三两枝 ”，在宋人的折枝花卉小品中可以看到赏心的 “ 三两枝 ”，但是这赏心的 “ 三两枝 ” 仅是一般的提炼与选择吗？当然不是。这是从 “ 触目横斜千万朵 ” 中发现的 “ 细节 ”，是能够体现画家主观精神与情感的 “ 三两枝 ”。把握不住这可以赏心的 “ 三两枝 ”，那满目繁华又有何用呢？对于 “ 细节 ” 的理解不正确，往往会坠入技巧与单纯描摹的泥潭。傅雷也曾经在《傅雷家书》中这样说到： “ 凡是一天到晚闹技巧的就是艺术工匠而不是艺术家，一个人跳不出这一关，一辈子休想梦见艺术。艺术是目的，技巧是手段。只注重手段的人必然会忘记他的目的。” 可见只有发现别人不能发现和把握的细节，才能具有天才的个性。因为这细节之中首先是个性情感的表露。失去画家独有心境，失去感觉，失去 “ 细节 ”，艺术是多么的苍白。意境的表达
工笔画是长于抒情的。往往借助联想与想象构筑充满感情色彩的诗境。追求画外情、画外意。所以诗意性的内涵成为工笔画的内在意蕴。细腻幽雅的抒情特质，充满着诗意情趣，洋溢着对于自然生命和生活的深情。工笔画由于对细节的关注，在追求 “ 似 ” 与 “ 真 ” 的前提下，要求以可视可感的艺术语言表现对象的生命特质，创造出情景交融、意兴充实的诗意。
传统文人画注重诗、书、画、印在形式上的完美统一。往往通过画中的题诗与跋语来深化作者的精神表现，引发观者的想象，熔诗、画于一炉。而工笔画更注重画中的可视形态来引发人们对于诗意的联想。戴熙说： “ 画在有笔墨处，画之妙在无笔墨处。” 既说明了诗与画的不同特质，同时又阐释出诗、画的同一性。
工笔画是以实写虚。以具象的实景写虚景虚境。而诗则由虚景虚象写实情实境。写意画可以表达诗意性的境界，那么工笔画是不是就是无诗意和境界呢？唐代周 ? 的《簪花仕女图》、《挥扇仕女图》，张萱的《捣练图》、《虢国夫人游春图》描绘的是现实生活的画卷，张择端的《清明上河图》、王希孟的《千里江山图》这样史诗般宏大场面，这些作品同样不仅具有描写性，更重抒情性。张萱和周 ? 的作品弥漫着一丝淡淡的忧愁和朦胧的哀伤情绪，从中可以体会到一种独特的美，一种 “ 甜美的忧郁 ”。透过这种 “ 甜美的忧郁 ” 其中包含着一层猜不透的诗意。
从工笔画的诗意性境界，可以窥探到影响这种境界的原因则是东方哲学观念和审美取向。这种沉默的品格使东方艺术具有一种幽幽的诗情。这诗情中的底蕴是无限的。从宋人的工笔花鸟小品可以看到东方人对于自然的关注，其中蕴积的情感完全溶入了自然的一草一木之中。这是一种静默的诗情，体现出静默的雄辩的内在力量。所以只有中国才有 “ 无丝之弦 ”、“ 无声之乐 ”，这样的虚空与静默，用语言用理性都无以表达，任何语言都显的软弱无力，而只有用整个身心去体悟。由此可知，中国绘画是会意的，只用眼睛
去看是远远不够的，视觉的形态终归是有限的。诗能够最深刻的表达全部丰满的精神内在意蕴（黑格尔），对于长于抒情的工笔画来说，又何尝不是如此呢？由此看来诗意性的境界是中国画的灵魂，这也正是对于中国绘画的本质上的认同与把握。
以上是对工笔画在传统精神上的认识与把握。80 年代以后，中国历史进入新时期。中国画坛也出现了新的面貌，在社会改革开放的大潮下，西方文化艺术涌入国门，文艺界一度对传统文化进行反思，然后，又重新加以认识和再发现。经过相当长时期的拘泥和封闭，又经过一度困惑和徘徊，终于敞开了艺术视野，张开了思想的羽翼。工笔画的振兴正是在这种文化背景下展开的。
年代工笔画的振兴不仅表现为工笔画家人才辈出，工笔画家队伍已成浩荡之势，而且更重要的是当代工笔画正以全新的姿态展现在画坛上。它已不在为传统的成法样式所束缚，并且以开放的包容性向油画、水彩、水粉、版画、以及工艺设计汲取营养，它还向日本的浮世绘，欧美的印象派，以及现代派借鉴，向民间木版年画，民间民族装饰图案借鉴，用以充实自身。
在工具和材料方面，也不仅仅限于熟宣、绢帛，皮纸、亚麻布等也渐渐被人采用。在色彩的运用方面，不仅仅限于原来仅有的几种石色和植物色，还开发出多达数十种乃至更多的高温结晶颜料。重彩画乃至岩彩画正逐渐被更多的人认识和掌握。
在题材方面，人物也不仅限于神话人物和历史故事，而是转向现代的人物，展现现代人的生活。花鸟、山水题材也有所扩展，民居、城市景观、静物等等都纳入画中。
当代工笔画的新异和突出成就，重要在于风格、样式、手法、表现形式的拓展于创新。无论是古老的勾勒加渲染的传统风格，平面表现的装饰性趣味，还是来自西方的写实主义手法，或是扑朔迷离的梦幻般的意境，或者稚拙朴实的民间画风，以及强烈的现代样式……都溶入当代工笔画中。
从当今繁荣的工笔画坛可以看出，工笔画的重新崛起，不是传统工笔画简单的延续与复古。而是在相应文化背景下对工笔画的重大开拓与革新。因而具有较强的时代性。中国工笔画要走向现代，不能够把传统精神与现代语言对立起来。中国画的 “ 意象造型 ” 的原则，对造境诗意般的追求都是具有浓厚东方色彩的。应该对其进行有效的把握和继承，使之与现代题材相结合，创造出有东方意蕴的现代作品，使工笔画获得新的发展，适应历史发展的需求
工笔人物画课教学大纲
一、学目的和教学原则：
通过本课程的教学，使学生深入了解人物画的优秀传统和专业特征及其在中国绘画中的重要地位。具备较强的欣赏能力和实践能力。为今后创作适应新时代需要的工笔人物画作品打下良好的基础。
本课程的教学本着“古为今用，洋为中用”的原则，由简及繁循序渐进的教学程序，注意白描，淡彩、重彩相结合，作品欣赏，临摹写生和教师示范相结合的教学方式。教学重点以培养生正确使用和较为熟练地掌握工笔人物画的观察觉方法和表现法为主，并在此基础上，逐步学习吸收外来技法，探索新的表现技法，在继承传统的同时全面培养学生的专业能力。
本课程的教学还应根据教学进度，在强调严谨写实，讲究科学造型以期达到以形写神，形神兼备的基础上，对学生作启发式教学指导，因材施教，即要求统一步调，又不拘泥一格，从而培养学生独立思考，创造性学习的能力。
二、教学安排
本课程共授课288学时，分为白描临摹、白描半身着衣写生；白描全身着衣写生；重彩（含谈彩，下同）临摹、重彩半身写生；重彩全身写生，重彩全身人体写生等五个单元。
1、白描临摹、白描着衣写生单元（第一学年下学期）64学时
教学要求
A、了解线描人物画的发展概况及其专业特征、地位。
B、初步掌握以线造型的基本方法。写生时要强调注意人物形体结构，比例动态的准确生动，观察对象要从整体着眼，同时还要细致深入，注意人物内在的结构关系，对关键部分的结构解剖更应观察细致（如人的头部五官、手、足等）注意构图布局。
C、线的组织应注意疏密聚散，虚实强弱等变化，理解线条的组织过程即是艺术加工的过程，既要忠实于对象，又不能自然主义地死抄对象，要强调取舍概括。
D、勾线要注意线的质感、量感，如人的肌肤、须发与衣服等用线的不同，老年人与青年人皮肤的用线差异。
E、模特儿的服装可安排民族和现代服装，适当配置一些道具，加强学生的组织能力。
作业内容
A、临摹《水浒叶子》等古代名作，一周 作业2张
B、头像、半身像写生 一周 作业2张
C、妇女 一周 作业1张
D、男青年 一周 作业1张
2、重彩临摹半身着衣写生单元（二年级下学期）64学时
教学要求
A、了解工笔重（淡）彩人物画的渊源，风格流派，演变过程，及其作用和地位。
B、在巩固工笔白描的基础上，运用传统渲染的方式塑造形体。
C、初步了解传统用色规律，掌握基础技法性能工具特点。及反映客观物体的质、量特征的能力。作业内容
A、临摹《永乐宫壁画》等传统优秀作品及现代优秀工笔人物画作品。一周 作业1张
B、头像写生 一周 作业1张
C、半身女像写生 二周 作业2张
3、重彩全身着衣写生单元（三年级上学期）96学时
教学要求
A、进一步熟悉工笔淡彩、重彩人物画的工具性能和技法规律，提高学生的欣赏能力和鉴别能力。
B、要法语学生较为准生动地运用工笔重（谈）彩人物画的方式、方法反映客观物体的质、量感。
C、允许学生在一定程度上发挥个性追求，培养学生具有深入传统，又能发扬传统的能力。作业内容
A、全身女像写生 二周 作业1张
B、全身男像写生 二周 作业1张
C、全身女像写生 二周 作业1张
4、重彩全身人体写生单元（四年级上学期）64学时
教学要求
A、较为熟练地掌握工笔淡彩、工笔重彩人物画的观察方法和表现方法。
B、在上述基础上充分的发挥学生的主观能动性和个性特点，使之了解外来技法对充实传统工笔人物画及在个性追求方面的重要性。
C、进一步了解人体结构运动与外部衣饰的关系，探索人体美在中国工笔画中的表现形式。作业内容 A、女人或男人体四周 作业2张
第三篇：中国画白描花鸟写生研究中国画白描花鸟写生研究
中国画白描花鸟写生研究中国画白描花鸟写生研究
白描写生是中国画认识生活收集绘画素材的主要方法，又是中国画锻炼造型能力和写实技巧的主要手段。白描，在古代传统的绘画里，叫做“粉本”,作用于绘画的基础。现代绘画以素描、色彩、构成作为美术的基础原理概念,中国画的白描在现代绘画的造型中也是素描的其中一种，而且是独特的表现形式。白描写生，更成为现代花鸟画学习的必经途径。白描，这种特有的线条造型，是作者通过写生的审美观察，分析研究对象的物理、物情、物态，选择适合作者审美意象的特征，经过推敲、提炼、取舍、概括，从生活的素材到构图的经营等等一系列艺术实践才能完成的。下面，我们分四点要素对白描花鸟写生作进一步的分析。.cn
一、审美观察
中国的花鸟画艺术，内涵着深厚的民族文化底蕴。梅、兰、菊、竹类植物，象征中国文人“君子”的品德。花鸟咏春、草木敷荣陶冶人们对美好事物的向往。大自然花鸟世界的蓬勃生机，正是热爱生命，热爱自然人们心灵的回归。因此，捕捉有感于自我审美的花鸟形象，是写生的前提。
“疏枝横玉瘦，小萼点珠光，一朵忽先变，百花随后香”（陈亮《梅花》），“丛菊两开他日泪，孤舟一系故园心”（杜甫《秋兴》），“韵绝香仍绝，花清月未清，天仙不行地，且借水为名”
（杨万里《水仙花》），“能白更能黄，无人亦自芳，寸心原不大，容得许多香”（明•张羽《兰花》）。中国的古代诗歌，“诗中有画”、中国的传统绘画，“画中有诗”。“诗画本一律”是中国传统绘画理念所认同的。因此，写生形象的捕捉，首先是花鸟形象诗意和情态的捕捉。“低昂枝上雀，摇荡花间语”（苏轼《书鄢陵王主簿所画折枝》）、“蔼蔼花蕊乱，飞飞蜂蝶多”（杜甫绝句），在这些动人情意的诗句中，我们眼前仿佛出现一幅幅美丽的画面。当我们收集素材，进入写生的状态，审美的情意，要贯注始终。因此，提高文学和审美的修养，对花鸟画的取材大有裨益。
写生开始时可以放长时间细心观察花鸟的细微处，对花的花苞、花萼、花冠、花蕊、小枝、大枝的具体形态和生长规律，鸟的嘴，爪的显著特点，软毛飞羽的区别，以及雌雄构造和色泽的异同，都要深入地体验观察。因此，观察体验生活，是远比绘画的时间要长得多。生活中的动植物种类千变万化，想全都画下来是不可能，要分类研究，认识各类花树的特点和规律。我们知道，地球上动物都是依赖植物生存的。一个花鸟画家，应该有植物学的知识，才能更好地借助自然界的动植物来表达情感。花鸟写生，了解植物的物理、物情、物态，才能去理解写生的对象，选择写生的对象。.cn
二、植物的物理、物情、物态的分别：
1、物理：指的是植物生长规律和组织结构。
植物分草本、藤本、灌木和乔木。花卉有一年生，籽种的草木和多年生宿根的草木；有灌木丛生的本木和乔木，亚乔木；有缠绕茎的藤本和攀缘茎的藤本。花冠也有各种不同的形态，种类繁多，各有各的长法。
例如百合、大丽花、牡丹花和兰蕙每年都会枯萎。可这些植物以其贮存养料的地下器官根部继续生存，下一个生长季节来临时，再度破土生长发育开出花来。.cn乔木大都是树，开花结果的多属亚乔木。
乔木也可以分两个不同类型：长绿树和落叶树。
长绿树最有名的是松树和冷杉、柏树，四季长青。长绿树的叶并非原封不动，永远留在枝上，这类树几乎整年不断生长出新叶代替旧的，因此它们的树枝上总是保持着绿叶的生长。很多人都见过秋天里落叶树夺目色彩构成美丽的图画，如凤凰树、枫树。
灌木：丛生的矮小树木，如茶树、酸枣树、野玫瑰、杜鹃花等。
藤本：落叶蔓生木本植物，如紫藤；常绿木本植物，如白藤、茎细长，柔软而坚韧，俗称“藤子”。还有，我们常见的葡萄、黄瓜、丝瓜等瓜蔓。
竹子是南方四季常青的乔木。其生长规律：是从笋内抽出新篁，竹未出笋时就有节，出笋后竹干竹枝向上往高里发展，不再往粗长。新篁长高后放叶，先从一组叶的后边舒展，向前叶展开，名为新竹。竹干出土后长到七节以上才发枝，枝左右互生，每节生两枝，到梢头则每节生一枝。枝上生叶，竹类品种繁多，有一组五叶，七叶以至十几片叶的不等，但总是在小节互生的奇数叶。
2、物情：指的是植物的生活习性。
有的植物不怕严寒能御霜，凌风，傲雪，如松、竹、梅、菊、芙蓉等，在中国传统审美观念上赋予它们坚贞不屈的品格象征。松、梅的枝干不怕雪压霜欺，所以苍老，形如虬龙，写生要表现出它的性格特征。梅花欢喜漫天雪，能在寒冷的风雪中迎春，它的枝干不似桃杏，是以45度角直角开出。古人说，画梅要写女字，其意是枝干遇风雪而多转折的意思。芙蓉在霜前盛开，有抗拒风霜的脾气，古人题芙蓉为“拒霜”。菊花则比芙蓉更迟开，已降严霜还能吐出鲜艳的花朵，古人题菊花为“御霜”。竹子中通外直，节节向上，有欣欣向荣的气质。兰花，较多生长在深山老林，不与群芳争光，叶子和花朵的长势潇洒自如，人们称兰花为君子风度。也把梅、兰、竹、菊喻为“四君子”，以它们的风度和气节，象征中国文人“君子”的高雅品格。.cn
有的植物既怕冷怕热，如牡丹、芍药是春天开放的复瓣大花，花瓣大而薄，它在早晨阳光初曦时开放，到晚上日落收拢，中午天热时花瓣就蔫了，这两种花上午7点至11点，下午3点至5点最好看。
荷花怕热，早上开、中午闭，次日开，再闭，第三天凋谢。牡丹、芍药、荷花开时，都是由花蕊逐渐向外松开，合拢时从花心向内收拢，外边的瓣子逐渐往内收，所以画半开花是上午初开的，还是下午已收拢的，懂花的人一看就知道。
又如剑花和昙花开花时间最短，夜深人静时开，花期约一小时，故又有“昙花一现”的称号。
木芙蓉的花早上开时白色的，但到下午就转为粉红色。锦葵科另有几个品种也能开变色的花。故古人有“未从看花先起早”之说。什么花都在早晨精神最好，朝露未退，晨光初曦，花叶枝挺带露凝香。赏花人是在这种状态下闻到花的香味。我们要表现朝气蓬勃、欣欣向荣的花朵，就得先感受到花的芬芳，感受到花的姿态优美，方能动情，方能画出美的图画，让观者视觉引起感情的共鸣，达到画中较高的艺术感染力。
“春落英，秋落朵”。这是春花和夏秋花不同的性格。春天开的花残时是落瓣；夏秋开的花（如扶桑、芙蓉）不是掉瓣，是落朵。
向阳性：植物都要吸收阳光，所以枝都有向阳性，即便是垂压的枝头，也要向上才是活枝。叶子正面向上，吸收靠阳光制造叶绿素供植物生长。故古人说：“无风翻叶不需多”。枝多抱体，一般花树均四周向内向上长，以钻天杨树抱体最典型，雀爪枝向外向上，如马缨花枝，龙爪枝例外向下扣，故人工可以利用向阳性培植悬崖菊。
3、物态：指植物的形态和特征
植物的品种繁多，千姿万态。如红棉树，由于它的树身高大，花朵红艳，人们赞它为英雄花，我们画时，要把它高入云端的气魄表现出来。有的花朵大，枝叶茂盛，如牡丹、芍药，要画得富丽堂皇。有的清香俊秀，如兰花、水仙要画出它们玲珑秀逸的风姿。有的花向上朝天，如玉兰、辛夷，则要画出它们昂首的英姿。有的花下垂风趣，如秋海棠，倒挂金钟等，则要画出它们柔嫩的花柄垂而不蔫，迎风招展，姿态翩翩。画果树，要画出累累压枝，水分充足，丰满，丰收的境界。
特征：花和花、叶与叶，都有它们的共性，但又有它们的各自的特点，如迎春和连翘、梅花和杏花都是早春时所开，不长叶而在枝上开花，它们的形象颜色都相似，但仔细观察又各有其特点。诸如此类的桃花与樱花、梨花与海棠。
叶子形状也很多，如掌状叶，一般是一叶分五叉，不仔细观察容易公式化，要注意掌状叶的特点变化。
叶子一般规律是左右对称，但也有些叶不是对称的。有些叶子叉向前，有的分叉却向后伸，如马蹄莲和慈姑的叶，后两叉的方向却向后，它们的叶柄长法各不相同，叶筋也各有特点。
懂得一些植物学的知识，对我们写生之前很有帮助，我们在分析研究植物的时候，可以看出它的生长规律，组织结构，性格和特征，才不会被表面现象和偶然现象所迷惑，从而更好地认识对象，感受对象，把生活中的形象，提炼，概括成艺术形象。
三、写生要领
写生之前多看古今名作，学习其表现方法和构图方法，有体会，然后再到生活中去，发现对象美的所在。用学过的表现方法来启发自己的写生能力，但不能用他人的框框去硬套生活，要尊重自己的感受。
画什么花都要选择好入画的角度，有的花长得较畸形，不典型，不适宜入画。好花，不是任何角度都好，要在花丛中多转，多看，然后坐下来画。有的花宜于仰视，有的花宜于俯视。比如下垂的花应该仰视，才不会垂头发蔫象倒挂钟，如秋海棠。玉兰、荷花则宜于俯视，才能看见它美丽的花蕊（一般人看花都看看花蕊），倘画荷花采取平视，花瓣左右上下平伸则不美，如俯视看见小莲蓬的上面，花瓣变化就多了。还有的花宜正面和八、九分面去画。喇叭状的花不宜正面画，因正面画不出筒状的深度，采用七、八分侧面容易画出它的筒状来。写生要先选择花卉对象的大轮廓，然后由近及远，由前至后，一个瓣一个瓣地认真画，画完后检查每瓣是否能结蒂连心，倘归心不好就要擦掉重改。要注意搜集三手材料及记录颜色。
1、先把一枝花由花到枝，叶，梗全面认真地画下来，即能认识它的生长规律又做了造型的练习。
2、搜集各种花头的正面、侧面、背面、花苞、叶子的不同形象，左右前后的各种不同姿态，作为整理创作的备用资料，在构图时根据需要采用。
3、画缩小的各种大势，用速写方法可以在较短时间内搜集不少构图支架，结合上述两手材料，可以创作出各种不同的构图，在画时要记录颜色，各用文字记录一些生长规律。写生基础上，必须训练速写的技法，取其整体造型，大的动势，要求在短时间内完成。如鸟的动态，用快的笔速，捕捉于一瞬间。锻炼在片刻短暂时间内，观察自然界里花树、翎毛、草虫的造型色彩和把握它们的动态神情，风韵意趣的能力。鸟的飞鸣食宿，花树在风晴雨露中不同的姿态，都应以速写的方法记录其形象动势，通过瞬间的观察记忆，迅速画出其主要点线，捕捉形神本质。注意整体，舍掉细节，分析动态，抓取典型。下笔要肯定，要从复杂的动势中提炼出重要的线，并注意各动态的连贯性。要在当时的环境中启发构图、掌握特征，四面取形，就地取材。速写训练比写生难，必须经过勤炼，否则就不能得心应手。练习过程中，逐步由静到动，由慢到快，循序渐进地锻炼把握形象主要特征的能力。
默写是要求记忆，实际上，写生的速写已经包含默写的成分。速写要低头画，在短时间内离开自然形象，意味着已经在进行默写。默写有两种，包括在临摹中运用和在写生中运用。临摹中的默写是当一幅画临过以后，再默写一张，变更其姿态，把临摹中得到的理解，潜移默化运用到创作中去。写生中的默写，充分利用写生中得来的印象和临摹中得来的技巧，加入主观创造，重构画面。因此，默写是接近创作的。
记忆和默写，又是中国画创作方法的优秀传统，只停留在写生基础上还不能完全进入创作，中国画家多是凭着记忆来作画的。画家记忆中的形象是经过加工，比自然生活的形象更
典型生动。这些形象，不但对象的形神，还包含作者的情理。记忆和默写的方法在中国画创作中是不能忽视。
总之，写生、速写、默写三者的作用有分工，有阶段，目的不同作用也有异。写生是精微记录，速写是动势姿态的记录，默写既是临摹和写生的辅助手段，又是创作的重要方法。通过观察、分析、记忆、写生、速写、默写等不同方法熟悉生活，把握繁复的花鸟形象和多变的花鸟动态，做到闭目如在目前，下笔如在腕底。没有认识的深度就没有表达生活的内在精神和表达自己感受的深度。
四、写生花鸟构图
构图是将生活中通过写生收集的素材，经过提炼加工组织成独立的画面。否则，素材和习作就不能形成比较完整的艺术作品。有了从生活搜罗的大量素材，同时又对其生长规律和习性有了一定认识，然后是对这些素材进行认真分析研究，看它是否代表其特性的典型姿态，看它是否具有既统一又变化的入画角度，再进行大胆心细的提炼取舍。最好在写生时就注意“就地构图”，如果写生对象姿态主要部分很合理想，次要部分尚有欠缺，可以就地取材，从别处移植部分理想的替换。中国画技法上最显著的特点，是不受时间空间限制的构图法，所谓“散点透视法”。作者可以根据构图的需要，移步变易地由高及下、由远及近就地取舍，不受限制。用此法构图，既对对象的物理物情有实地了解，又能主动地把这些具有构图形态的素材，用构图法则进行反复的推敲，使其更典型和富有艺术感。这样创作出来的白描作品，有生机勃勃、丰富多彩、生动灵活的情趣和意韵。
构图法则几点：（略）
白描花鸟写生，从审美观察，植物的物理、物情、物态的理解和感受，到捕捉花鸟写生的形态、方法、要领，是花鸟写生必须具备的绘画意识。这些意识，可以由浅入深，可以从局部到整体，整体到局部。无论是折枝花鸟小品，还是繁复大型的创作素材；无论是工笔花鸟，还是写意花鸟；白描花鸟写生实践的意识，都将是启发我们对大自然生动、活泼审美意象的开发。对现代中国花鸟画更贴近生活，更深入地表现艺术家对时代气息的把握，个人风格的发掘，起到直接的奠基和“骨格”的作用。
第四篇：白描小结
白描小结
白描是纯用墨线来描绘对象的一种中国画技法。因以单线勾勒塑造景物,不用色彩渲染故称白描,白描画是线的艺术的最高体现。学习白描课程，有助于我们深入的了解造型，学会删繁就简，提炼与再塑造。经过2个星期的白描课程，我们对白描有了初步的认识和体会，下面对课程进行几点小结。
白描就是单纯用线条来表现的艺术手法，线条的粗细、长短、取值、轻重缓急都有它所表达的特殊意义。需要注意的是白描注重一气呵成，专业语言就是注重风神气韵。白描给人最大的感觉也就是特点就是朴素简洁、概括明确。简单的线条也要能看出画面的层次。
为了能在之后的写生中准确勾勒线条，老师先让我们对着复印件练习了一星期。在这期间我领悟了很多：线条要流畅，一气呵成，线条的粗细不能有太大的差别等等需要注意的细节。
白描以线造型同样具有写意性。线的运用本身就来源于中国国意象思维的特有方式。线的这种写意性特征使白描的造型与生活物象的外形产生了一定的差异，却更深刻地体现了客观物象的内在美。白描的用线是一种概括、洗练而又能动的艺术语言，同样具有韵律美与节奏美。
接着是第二个星期的写生，首先在素描纸上勾勒出模特的底稿，然后再描一遍，才算大功告成。说起来简单做起来不容易，要把头发丝都勾勒的清晰可见需要十分耐心和仔细，不过这也正是白描的魅力所在。每根线条本身有控制、有规律的起笔、收笔、行笔变化的反复重现，状物传情，渗情达意的线条，才具有无穷的生命力和独特的审美情趣。
最后感谢教导我们白描的老师，谢谢你老师，让我们接触到了白描这一艺术的存在，并深刻体验到中国传统艺术文化的深厚博大的意境！
第五篇：白描教案
白 描
中国白描人物画是从单纯的线条勾勒作为造型手段，借线的粗细、长短、曲直方圆、轻重缓急、虚实疏密、顿挫刚柔、浓淡干湿在造型上生动运用和有机结合，表现形体的质量感、体积感、动态感和空间感，区别于西方以色彩、明暗来表现物体的方法。这种方法称之“白描”。无论是工笔人物画还是写意人物画，他们都是以线构成，故而白描人物画不仅可以独立存在，也是中国人物画的基础。
一、白描概念
白描是中国画技法名，指单用墨色线条勾画形象而不施彩色的画法。是中国画的一种造型方式。
二、工具材料
我国传统上就统称这些工具材料：笔、墨、纸、砚为“文房四宝”。文房四宝是中国独具特色的文书工具。文房之名，起于我国历史上南北朝时期（公元420-589年），专指文人书房而言，以笔、墨、纸、砚为文房所使用，而被人们誉为“文房四宝”。四宝品类繁多，丰富多彩，其中以湖笔、徽墨、宣纸、端砚著称,至今仍享盛名。笔
中国画用笔品种繁多，如兰叶、叶筋、小红毛、衣纹、白云、鼠须等。墨 中国画用墨主要有两大类，即松烟墨和油烟墨，曹素功，红星等，纸
中国画用纸品种很多。从纸的性能上分，有熟宣纸，生宣纸，半熟纸；从品种分，有尽皮单宣、尽皮夹宣、皮纸等。另外还有各种洒金洒银纸。还有绢 砚
三、白描程式——十八描
从分析对象的体面结构入手，不仅是物象外轮廓的描绘，还要研究透视状态下物体不同角度所呈现的体面关系（即内轮廓）的变化。既要借助光线对形体结构、生长规律进行观察分析，又要排除光线对物象表面产生的明暗、阴影变化，线描造型就是要紧紧抓住物象组织结构的这一特征进行形象塑造的。线描的造型要求，就是准确地掌握住对象形体的组织结构以及在透视状态下，形体可能发生的转折、变化，这样才能准确地描绘出物体形象、体积、空间和质量的变化关系。
中国人物画中的“十八描”是中国古代人物画描绘衣服褶纹的各种描法，其描法名称，唐代之前已散见。
“十八描”是明代邹德中《绘事指蒙》、周履靖《夷门广谈》和汪坷玉的《珊瑚网画法》中所归纳的历代各派人物衣褶的表现形式，按其笔迹形状而起的名称。至清代才由王赢加上图例，即成为流传至今的“十八描”后来逐渐成为人物画线描技法教材。“十八描”是：高古游丝描，琴弦描，铁线描，行云流水描，蚂蝗描，钉头鼠尾描，撅头描，混描，曹衣描，折芦描；橄榄描，枣核描，柳叶描，竹叶描，战笔水纹描，减笔描，枯柴描，蚯蚓描。这虽是属于形式和表现手法，可还是根据不同的衣服质地或人物性格来表现的。东晋顾恺之用高古游丝描来描绘衣服褶纹，这种衣服质料是麻织品，比较挺括；唐代吴道子画得直了点，有细有粗，用兰叶描、行云流水描，画的衣服质料是丝织品，故称“吴带当风”，有飘举之状。画衣褶的各种线描，也是根据不同内容和质料进行描绘的，现代织品繁多，描法也应该不断变化和发展。
十八描解析、高古游丝描：用尖笔圆匀细弱描出，要有轻柔秀劲古逸之气合。易于表现娴静幽闲，典雅雍穆之情趣,如顾恺之的《女史箴图》。3
2、琴弦描：用中锋悬腕笔法，须留得住，心手相应而不乱，如 唐代周肪的《听琴图》等。、铁线描：用中锋圆劲之笔法描出，粗细均匀，富有纪律性，无丝毫柔张之迹，宜于表现佛陀庄严肃穆之情，所以历代宗教绘 画常取此法以用，以元代的《永乐宫壁画》等。、行云流水描：用笔如轻云舒卷、自如似水、转折柔和、流畅 不滞.、蚂蝗描：柔而不弱、无雍肿断续之迹，如梁楷《八高僧故事卷》。、钉头鼠尾描：落笔如钉之头，似有小钩，收笔则如鼠尾，一 气拖长，所谓头秃尾尖，头重尾轻，于细劲中仍见骨力。清末之三任常用此法。9 7、混描：在浓墨的衣纹线之侧，以淡墨或色彩 以衣纹复线，反之亦可在淡墨线上 以浓墨复线，以增加丰富的效果，此法古人常用。11 8、撅头描：用秃笔，坚挺拔中含有婀娜之意最异粗恶，此法宋人常用之，如梁楷《六祖图》。9、曹衣出水描：衣纹多用直笔紧束，所谓曹衣（即曹不兴）出水笔法，最要沉着，如唐代的阎立本《步辇图》。
10、折芦描：此由园笔转为方笔之法，仍须方中见园，可以隶法为之
11、柳叶描：此法用笔省轻重变化，但忌浮滑轻薄之习，唐代吴道子 常用此法，多表现天女武神长裙深浅地，衣带飘舞之风姿。
12、战笔水纹描：战战兢兢即颤也，用笔要留而不滑，停而不滞。
13、减笔描：马袁、梁楷多用此法，以少许胜人之多许，少难于多，用笔简括，一气哈成也。
14、枯柴描：如山水画中有乱柴皱，用笔以，刚中有柔，整而不乱为宜。黄慎常用此法。
15、蚯蚓描：春蛇秋蚓，以喻作书无骨之弊，然险恶太过亦不足取，当如篆书圆笔为住如周文矩《重屏会棋图》。
16、竹叶描：视芦叶为短，半叶为长，乃介于两者之间的描法，仍用金错刀书法，以中锋写之，如 李唐的《采薇图》。
17、橄榄描：用笔最忌两头有力而中间虚弱，应起驰极轻，中间极沉 着如唐人佛家正用此笔。
18、枣核描：近似橄榄描法。古人总结之十八描宜根据对象，情感灵活应用，也可单用某法，也宜两种或多种掺合融会用之。
四、线条自身的审美价值。
1、含蓄之美。笔要含蓄，要藏而不露，畅而不滑，涩而不滞。
2、气韵之美。运笔要有气势。要气脉相连，苏动坡提画诗云‘当其下笔风雨快，比所来到气已吞。’
3、力度之美。指用笔要有力度，力透纸背，如锥画沙，画家把线条 称为骨线，不能软弱无力，无法立骨。
4、节奏美和韵律美。节奏时强事弱有规律的重现，韵律是感情方向的起伏运动轨迹。线要有变化，通过用笔的提按、行顿、转折、轻重等所产生的变化形成线条的节奏美和韵律美。
5、装饰美、用在图案和纹样上的线条就起到了装饰的效果，也是我门设计同学考虑之处。
五、学生作品欣赏
作业；
1．选出十八描[课堂讲过的除外]中的两种认真体会线条的审美价值。
2．准备临稿2—5张。
参 考 书 目
《仕女白描画谱》广西美术出版社 《百花白描画稿(四)》天津杨柳青画社 《人物十八描图》清 王嬴
《中国人物画十八描》上海书画出版社 《簪花仕女图技法临摹》 《虢国夫人游春图技法临摹》
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