外美史教案4

第一篇：外美史教案4

2008-3-25 第四课

第二章

神权下的艺术世界

----中世纪艺术

第一节

早期基督教艺术(公元2世纪~5世纪)

基督教与佛教、伊斯兰教并列的世界三大宗教之一。崇奉耶稣为救世主。分为许多派系，包括罗马公教（在中国亦称天主教）、正教(亦称东正教)、新教（在中国通称基督教或耶稣教）三大派系和其他一些较小派系。各派系内部亦常分成一些派别或宗派。起源于 1世纪巴勒斯坦地区，相传为犹太的拿撒勒人耶稣所创立。信奉者称耶稣为基督（希腊文Christos,转译自希伯来文māshiah，汉译弥赛亚，意为受膏者, 原意指上帝敷以圣膏油而派立来复兴以色列国的救世主）。最初为犹太教一下层派别。1～2世纪间逐步同犹太教分裂，成为新的宗教。基督教一词最初见于 2世纪初安提阿的伊纳爵《致马格尼西亚教会书》，指区别于犹太教、崇奉基督为主的新教派。此后传及地中海东部沿岸各地。4 世纪成为罗马帝国国教。中世纪时在欧洲占统治地位，是欧洲封建制度的重要支柱。11世纪分裂为罗马公教和东正教。16世纪宗教改革运动中，新教又从罗马公教中分裂出来，出现了路德宗（亦称信义宗）、归正宗（亦称加尔文宗）和安立甘宗（亦称圣公宗）三大新教主流派；后又陆续分化出其他许多宗派。以后，基督教各派系逐渐传遍世界各大洲，对欧美各国历史、文化有深远影响。

严格地讲，“早期基督教艺术”不是指一种风格，而是指教会分裂之前这段时间（约公元后最初五个世纪）内与基督教相关的全部艺术品。

雕刻

与绘画和建筑相比，雕刻在早期基督教艺术中处于次要地位。《圣经》中反对雕像的禁令在限制大型偶像（即非基督教神庙中供奉的偶像）方面更为苛刻。为了避免偶像崇拜，宗教雕刻不得做成与真人等身大小，因而很早就出现了一种反大型的趋向：一反希腊罗马雕刻追求空间感和规模宏大的特点而向浮薄的小型浮雕和花边状表面装饰发展。最早的基督教雕刻作品是从3世纪中期开始为教会中的重要人物制作的大理石石棺。君士坦丁时代以前，大多数石棺装饰同墓窟壁画一样题材有限（诸如好牧人，约拿和鲸鱼的故事），但是它们沿用了非基督教石棺装饰的框架。直到一个世纪以后，题材和形式的范围才大大拓展。

朱尼乌斯·巴苏斯石棺

这一阶段最重要的例子是精雕细刻的朱尼乌斯·巴苏斯石棺。朱尼乌斯·巴苏斯是一位罗马执政官，死于公元359年。石棺雕有柱廊的正面分为10个方框，混合着《旧约》和《新约》中的场景。上一排（从左到右）是：以撒的牺牲；圣彼得被囚；基督在圣彼得和圣保罗之间升座；基督在彼拉多面前受审（占两格）；底下一排是：乔布受难；堕落；基督进入耶路撒冷；狮窟中的但以理；圣保罗殉难。现代人可能觉得这些题材的选择有点奇怪，但它却是典型的早期基督教思维方式，它强调的是基督的神性而非人性，因此对他的苦难与死亡只是稍加暗示：他以一个留着长发的年轻哲学家形象出现在彼拉多面前，向他阐释真理（注意画中的书卷）；两个门徒殉难亦被描绘成同样审慎的非暴力形态。中间两幅献给圣王基督：作为宇宙的统治者，他高居于苍穹之上；作为人间的救主，他凯旋进入耶路撒冷。犯下原罪的亚当和夏娃代表着唯有上帝才能赦免的人类所负的罪恶；以撒的牺牲则是《旧约》中基督殉难的先兆；而乔布、但以理和约拿都隐含着相同的喻义——他们增进了人类获救的希望。

与半个世纪以前君士坦丁凯旋门上那种反古典风格的饰带相比，朱尼乌斯·巴苏斯石棺显然颇具古典意味。深凹的壁龛中的雕像流露出一种试图恢复希腊传统雕刻至尊庄严的意向。玩偶状躯干、硕大的头颅、怪诞的平静、抑郁的气氛以及对激情动作的渴求显示出它与君士坦丁风格的某种亲近。事件和人物不再叙述自己的感情或经历，而意在表达一种把他们融合在一起所形成的崇高的象征意义。

古典主义

从4世纪中叶到6世纪初，这种古典化倾向在早期基督教雕刻中成为一种复古现象，其原因众说纷纭。一方面，这一时期非基督教仍有许多重要信徒，他们捍卫并促进了这种复兴；另一方面，新的基督徒（如朱尼乌斯·巴苏斯，他直到死前不久才受洗礼）还保持着对传统价值标准、艺术观念和其它特质的强烈感情。许多教会的重要领袖都主张基督教与古典文化传统的融汇和交流，而东西罗马帝国也始终意识到了它们与前基督教时代不可分割的联系，因而它们常常成为推动复古运动的主要力量。无论其根源如何，古典主义在这一转型时期都具有重要的价值：它保留了形式宝库和审美观念，并将之传承到后世；而离开了古典主义，这些遗产将丧失殆尽，无可挽回。

双联牙板

有一类物品真正传承了这一传统，它们是牙板或其它昂贵材料制成的小型浮雕，其艺术价值远胜于尺寸大小。这些物品都是出于私人收藏和小范围欣赏的目的而制作的，通常反映了收藏者的品味，体现了一种国家或教会主持的大型官方作品中所难以企及的优雅的审美感受。一块悬挂式双联板的右页，可能刻于390－400年间，其时正值罗马两个显贵家族尼可马基和西姆马基联姻之际。画中保守的外观不仅反映在非基督教主题上（巴科斯的女祭司与其助手在朱比特的祭坛前），而且反映在与奥古斯都时代一脉相承的构图上。乍看上去，很容易错认为它是一件较早的作品，但慢慢地会发现一些细微的空间处理上的不协调，比如女祭司的右脚压在画框上。这说明它是在没有充分理解的情况下，小心翼翼地按照古代作品复制的。更为意味深长的是，这种异教的主题并未妨碍它几个世纪以后用作圣者的神龛，其冷峻周密的处理在中世纪仍有一种特殊的吸引力。

第二幅牙板于公元500年后不久完成于东罗马帝国，它反映出古典主义已经成为基督教内容的主要载体。庄严的天使长刻有异常清晰的衣纹，显然是希腊罗马艺术中生翼的胜利女神的后裔。然而，他所显示的力量并非来自人间，他亦并非立足于尘世。他背后的壁龛完全丧失了立体感，壁龛对他而言仅仅具有象征和装饰意义，因而他看起来仿佛是在翱翔而不是站立（注意脚在石阶上的位置）。正是这种通过古典的和谐形式所表达的非现实的特质，使他具有如此强烈的感染力。

尽管教会反对大型雕像，但至少在一定时期内它却得到了国家的支持。皇帝、执政官和高级官吏依然承续旧习，直到查士丁尼时代晚期还在公共场所树立自己的雕像，有的甚至还要晚（8世纪末仍有记载）。从4世纪下半叶到5世纪初，又出现了复古的倾向，即前君士坦丁形式的复兴和对个性表现的兴趣的复苏。约450年起，对外在形似的追求逐渐转向对饱含精神理念的形象的塑造，这些形象有时也栩栩如生，但却逐渐变得越来越没有个性。时光流转，千年飞逝，然而再也没有出现希腊罗马时期那样的雕像。

埃弗苏斯的欧罗庇乌斯是这一发展过程中的显著例证。它是此类雕像中最令人难忘的典型，使人想起普罗蒂诺斯怪诞而悲哀的面容，以及君士坦丁大帝面具般的硕大头颅，但二者与欧罗庇乌斯的极度单薄相比都还有些粗壮的实感。这张脸沉迷于幻境，仿佛一个隐居的圣者，事实上它更像一个幽灵而不是一个有血有肉的生物。雕刻家刻意避免产生坚硬的感觉，因而面部的主要轮廓仅用细细的边线和浅浅的刻线勾勒而成。平滑的曲线突出了瘦长的椭圆型头部，增加了它抽象、脱俗的特征。在此，不仅个性而且人体本身已不再具有现世的感觉。随着这一转变的完成，希腊立体雕刻传统走到了尽头。

二、拜占庭艺术（公元5世纪~公元15世纪）

与文学显明的古典特色不同，拜占庭艺术几乎完全摸煞了古代希腊艺术家那种现实主义与自然主义的创作个性，宗教观念与东方神秘主义思想支配了艺术的创作。这种情况在7世纪后得到了普及。在当时的拜占庭，艺术不是让人欣赏的，而是表现抽象精神和神圣情感的工具；观众不能用美来评价一件拜占庭艺术品，而是要看它让你感受到了多少上帝的恩泽与威严。古典艺术的遗产仅仅存在于提供成熟的创作技法，并且这种技法还必须为了宗教的需要而改变。因而，在拜占庭艺术中，抽象比真实更重要，神秘比自然更重要，色彩比造型更重要。这些特点在拜占庭绘画中特别明显地表现出来。

在绘画之中，最具拜占庭特色的是镶嵌画。这种艺术出现于古希腊，普及于罗马帝国时期，而拜占庭艺术家将之发展到了最高水平。其制作方法是将红、白、紫、蓝、黄、灰等各色石子及彩色玻璃切割成形状各异的小块，压镶在灰泥或石膏的表面，背景空白之处用金片填充，从而显示出一种无与伦比的奇光异彩。在拜占庭镶嵌画中，圣母子与皇帝的形象是最主要的体裁，反映出了拜占庭社会中专制之下教俗合一的特色。意大利圣维塔利教堂的《查士丁尼大帝及随从》和《皇后西奥多拉及随从》是当今保存最完好的拜占庭镶嵌画名作，描绘了皇帝和皇后手捧贡品朝拜的情形。由于采取了平面描写和对称图的处理方法，运动着的行列让人看来是静止的，从而形成了仪式般的场面。五颜六色的石子、金块在灯光照耀下交相辉映，并随着观者位置的移动而发出明暗不同的光泽，营造出了一种净人心灵的神秘气氛。在这种气氛中，帝王皇后深遂有神的目光，凝视着每一双与他对视的眼睛，极具慑人心魄的精神力量。

镶嵌画固然华贵，但制作成本极其昂贵，而壁画与模板画制作简单，化费较少，因此在拜占庭绘画中同样占据一席之地。13世纪拜占庭帝国走向衰落后，这种绘画占据了主要地位。壁画与模版画的主要题材是圣像画，作品强调传神而不重视象形，注重寓意而不要求真实，大量使用线条来表达神学含义，色彩的使用主要集中在富含宗教色彩的金黄、深蓝、大红上。颇有意味的是，拜占庭圣像画上的耶稣形象并不是先前意大利所崇拜的卷发、无须的年轻人模样，而是像典型的东方人（主要指巴勒斯坦和叙利亚一带）那样留有胡须、面容瘦削，长发在当中分开，这种形象后来被整个基督教界所采用。还有一些作品反映了上帝惩恶扬善的重大场面，如现存圣凯瑟琳修道院的一幅12世纪的“升天”图中，修士们充满热情地挤满了一架通往天堂的梯子，上帝在尽头迎接着抵达的幸存者，有些人却禁不住诱惑，从梯子上掉下来，被磨鬼拖走了。壁画是让人瞻仰的，因此森严神秘是必须的，而在深藏于书的插图绘画中，拜占庭人除了反映宗教体裁，还难得地表现出了日常生活的生动情景，如《农民纳税》、《牛犁》、《聚餐》等。在《聚餐》中，不仅人们高兴的大朵块颐，就连狗儿也抬起两爪，焦急地等侍着主人的施舍。在神秘沉重的拜占庭艺术中，这可谓是一朵悄悄绽放而又生气盎然的雏菊。

在谈及拜占庭艺术时，人们往往首先想到的是圣索菲亚大教堂。它座落在君士坦丁堡东部的山丘之上，占地近万平方米，远远望去，似是由大小不等的圆球组成的金字塔。原来，建筑师们在方形墙体的四个角上修建了户间壁，由它们支撑着四个圆穹，在圆穹之上再架上大圆顶，宏伟壮观。不过，大教堂外部的装饰相当粗糙，保存着砖石与填料的原样，但当你步入教堂内部时，你就会为那金碧辉煌的装饰而瞪目结舌。五颜六色的大理石、精雕细琢的石刻、华丽无比的镶嵌工艺都给你以震撼的感受。教堂的穹顶高60米，直径33米，40个采光窗宛光环环挠于穹顶周围，使得教堂在白天的任何时侯都会得到日光的照耀，同时也顺应了光从天上来的神学要求。这座由查士丁尼一世下令修建的教堂是拜占庭建筑艺术的卓越代表。拜占庭人巧妙地将罗马的拱形建筑和古希腊的柱廊相结合，建造了以十字架平面和半球形穹顶为特点的教堂建筑。这种建筑加以拜占庭特有的精雕细琢，既体现了世俗帝王荣耀的业绩与显赫的权威，又蕴含了深刻的宗教色彩，因而在世界建筑史上独树一帜。在巴尔干半岛、意大利、俄罗斯等地，这种教堂建筑随处可见，我国哈尔滨市的圣索非亚教堂也是这种建筑的代表之一。

拜占庭人的精雕细琢运用于手工艺品制作中，产生了大量的艺术珍品，种类涉及丝绸、象牙雕刻、金银制品、珠宝装饰等。丝绸属于拜占庭帝国顶尖贵重商品之列，其生产与销售都由国家严格控制。其中上品绵缎图案复杂，由金银丝与丝线混纺而成。这些锦缎被做成帘子、家具套、圣坛罩布和礼服，甚至成为赠送给外国君主的礼物，查理大帝下葬时穿的寿衣就是由拜占庭锦缎缝制而成。起源于罗马帝国时代的象牙雕刻在这一时期到达了相当高的水平，高超的镂空技术和复杂的花边设计得到应用，巧妙的布局与细微的雕琢更是表现了拜占庭艺术中难得的美感。此外，拜占庭的金银制品与珠宝首饰、器具等也充分显示了工匠们鬼斧神工的技艺。著名的帕拉多霍祭坛组雕是这一系列技艺的组合之宝，它高约2米，宽183.5米，由金子、珠宝和景泰蓝制成，流光溢彩、令人眩目。

拜占庭音乐原本受古典表演艺术的影响极大，唱歌跳舞在宫廷仪式与公共娱乐活动中都是不可缺少的项目，拜占庭的弦乐乐器也主要是从古希腊的里拉发展而来。但随着基督教影响的扩大，禁欲主义成为社会伦理的主要内容，歌舞被严格禁止，唯有教会音乐作为信徒向上帝吐露心声的形式被保留并发展了下来。当圣乐团演奏时，信众发自内心的高唱圣歌，但节奏感并不强烈，只是给人一种吟诗的感觉。赞美诗是拜占庭教会音乐中最有特点的部分，其中一种分节歌坎塔卡恩（kontakion）是根据《圣经》的词配写的；另一种则采用了叙利亚或巴勒斯坦的曲调，并配以“诗篇”的短句。后来，这些赞美诗演变为独立的音乐形式，对西方音乐艺术产生了深刻的影响。

三、早期中古艺术（公元5世纪~10世纪）

公元五世纪，来自北方、东方的汪达尔人、日耳曼人等游牧民族部落，大规模迁徙到罗马帝国核心地区，最终导致了西罗马帝国的灭亡。由于这些民族尚处于原始公社的生产水平，经济文化远落后于罗马，故被称为“蛮族”。在这个时期，欧洲进入一个政治动荡，战事频繁，民族迁徙，宗教蔓延，经济停滞的漫长年代，欧洲人也把这段时期称为“黑暗时期”。在这段时期里，西方文明的步伐向前迈得很慢，美术同样没有多大发展。

从另一个角度来说，“蛮族”的入侵推动了历史的前进，他们摧毁了罗马高度发达但已渐趋衰败的奴隶制度，最终确立了封建制度在欧洲的地位，特别是在文化意识和艺术创造上为欧洲输入了新鲜血液。

在这段“黑暗时期”的五百年时间里，除拜占庭帝国沿着罗马美术的线索，揉进了大量东方艺术的养料，又有一定程度的发展，欧洲其它各地的美术面貌大致包括三个发方面的内容：

一、迁徙者的美术；

二、各地乡土人的民间美术；

三、陆续传到各地的基督教美术。

公元四世纪，欧洲东部遭到匈奴人的袭击，引起被称为蛮族的日耳曼人的民族大迁徙，蛮族也包括高卢人和斯拉夫人。首先是生活在黑海北岸的日耳曼人的一支哥特人在匈奴威力下的西迁，引发持续二百多年的欧洲各“蛮族”的民族大迁徙运动。所以迁徙者的美术便包括两个方面的内容：一是现有匈奴带来的含有中亚和波斯因素的纯东方风格的美术，这种风格在哥特人中产生了影响；二是哥特人在迁徙的过程中，又把这含有东方风格的本民族的美术带到了各地。由于作为日耳曼语族的哥特人是德国人的祖先和主体民族，其美术内容有多为动物的几何纹样，有被称作“德国动物风格”。这种风格不像古希腊那样写实具象，多用线条组成的半抽象图案，相当夸张且含有极浓厚的抽象因素。

在“黑暗时期”出现的这种风格说明了一个转变：即古希腊罗马的写实性美术，因民族大迁徙的交流及基督教的传播，而使西方美术逐渐脱离了写实传统，直到文艺复兴时代，才从更高的层次上回到写实主义的道路。

到公元八世纪，当年的蛮族已成为横行欧洲大陆的封建领主，法兰克国王查理曼历经数十年战争，把西欧大部分地区统一起来，终于建立了加洛林王超，在罗马接受册封，成为西罗马帝国灭亡后300余年西欧第一个皇帝。

查理曼的理想是恢复昔日罗马的繁盛，在文化上恢复罗马的传统。他召集了一批文人学者在首都阿琛收集整理古籍，让艺术家仿照古典样式进行创作，以宫廷为中心形成了复兴古典文化的潮流，历史上称为“加洛林文艺复兴”。当着艺复兴是短暂的，而且仅限于宫廷艺术，只是对拜占庭美术的临摹和仿造，至今保存下来的也很少。

阿琛王宫是查理曼时代最重要的建筑工程，为了体现复古的愿望，王宫教堂的设计以拉文纳的圣维他耳教堂为蓝本，平面布局和结构基本上保持了圣维他耳的特点，但更偏重于统一性和整体性，显得庄重严肃。

查理曼死后，加洛林帝国随之完结，但“文艺复兴”的印象依然延续，特别是在号称“神圣罗马帝国”奥托王朝，继承了加洛林的传统，并发展出一种肃穆宏大的风格。

四、罗马式美术（公元10世纪——12世纪）

十世纪以后，西欧经济水平提高，封建制度稳固，作为社会精神支柱的教会势力也与贵族力量并行发展，特别是修道院制度更为完备。十字军东征和大规模的传教活动扩充了教会的势力和影响。对圣人遗物的崇拜想起了到各地朝圣的热潮。经济的发展和宗教的狂热实行的教堂和修道院层出不穷。

罗马式美术又叫仿罗马美术。在查理曼时代便排除许多人去罗马学艺，模仿罗马的建筑来修建教堂，为了追求更加壮观的效果，这些建筑普遍采用类似古罗马时代的纪念碑式雕刻来装饰教堂，因此，这个时代的风格被称为“罗马式”。

罗马式教堂把巴西利卡式的木架结构改成石架屋顶，这样既防火有牢固，并用卷拱顶形式以减轻屋顶对墙面的压力。外观很象封建堡垒，墙厚、窗小，前后配置塔楼。几乎所有欧洲国家都建有这类罗马式教堂，向法国的圣塞尔南教堂、英国的杜勒姆主教堂、法国的圣基列阿达教堂都是典型的罗马式建筑，而最典型的莫过于意大利的比萨达教堂建筑群，其中包括著名的比萨斜塔。

罗马式教堂与拜占庭美术不同，镶嵌画减少了，主要是壁画和玻璃画，人物多是正面律的。忽视人体的比例与空间，注重调子和谐，色彩明净及装饰意味。无论是壁画或是雕刻，人物造型都是拉长了的小头长躯，面无表情，动态死板，气氛森严，因宗教的强大压力而在内容上与技法上千遍一律，缺乏创造性。

五、哥特式美术（公元12世纪——15世纪）

意大利文艺复兴的学者把十二、十三世纪到他们时代之间的艺术成为“哥特式”（“哥特式”一词原从哥特族而出，古人以之形容一切野蛮、陈旧、丑恶的东西。）他们认为那都是“蛮族人”哥特人所为。事实上，这种艺术可以说与哥特人没有多大关系。

由于经院哲学的高度理性化，要求对交易的解释和形象再现必须遵循雅各的规则和秩序，作为教堂主要装饰的一些艺术形式必须依循固定程式的布局，同时装饰雕刻在此时期也呈现出越来越多的独立化倾向，表现手法也越来越写实，逐步摆脱建筑结构的局限，自觉地模仿自然形象，特别是追求感情的表现，形成了所谓“哥特式现实主义”。为文艺复兴的到来奠定了一定的基础。

哥特式教堂即兼有理性与神性的双重特性，又有宗教与世俗的双重精神，受到僧侣与市民的双方支持，使它于十二、十三世纪盛行欧洲各地。

光、高、数这三要素在基督教中是至关重要的。光是与神灵之光相关联的；高则能与天堂联系在一起；不同的数又包含有不同的宗教教义，如一是代表上帝的数字，三与三位一体有关，七是上帝创造万物的时间，也有七德七罪之说，十二是基督的十二个门徒，十三时最后的晚餐出现的数字„„等等。哥特时期的建筑师要在自己的教堂设计中综合体现“光”、“高”、“数”这三个因素所代表的不同涵义，这就是为什么哥特式教堂盖得不仅高大，而且窗户开得很多，结构十分复杂的思想原因之一。从社会的原因来看，教堂除了举行宗教仪式，也常常是国家和城市举行庆典的场所，要求能容纳更多的人，能体现国家与民族强盛向上的思想和愿望，所以也希望把教堂盖得高大、宽敞、明亮。

哥特式教堂不仅是中世纪江苏的最高成就，也是中世纪美术的最高体现。巴黎圣母院是哥特式美术中的代表作品，它不仅作为当时最重要的宗教活动中心，而且也以建筑上的高超水平而饮誉欧洲。还有法国的夏特尔大教堂也是著名的哥特式建筑。

第二节 伊斯兰教艺术

伊斯兰教是与佛教和基督教并列的世界三大宗教。公元七世纪初诞生于阿拉伯半岛。它是由伊斯兰教的先知穆罕默德所创，目前世界上有10亿多信徒，他们大多分布在阿拉伯国家，以及中非、北非、中亚、西亚、东南亚和印度、巴基斯坦、中国；有些国家还以伊斯兰教为国教。

伊斯兰教诞生于阿拉伯半岛的社会大变动时期。四方割据，战乱频繁。内忧外患，危机重重。在宗教信仰上，原始宗教盛行，人们崇拜自然物体，并且各个部落都有自己的神，同时，犹太教和基督教也开始向半岛传播，但它们的学说并不适合这种形势。因此实现半岛的和平统一和社会安宁是阿拉伯社会的出路。这时候先知穆罕默德出现了，他以“安拉是唯一的真神”为口号，提出禁止高利贷，“施舍济贫”“和平安宁”等主张，反映了当时社会的要求。伊斯兰教就是在这样一个转折的时刻诞生的。

伊斯兰教认为除了安拉再没有神，反对信多神、拜偶像，伊斯兰，是阿拉伯语的音译，本意“顺从”。顺从安拉旨意的人，即“顺从者”，阿拉伯语叫“穆斯林”，是伊斯兰教徒的通称。在中国，穆斯林也称安拉为“胡大”或“真主”。穆斯林都相信穆罕默德是“先知”，是“安拉的使者”，是奉安拉之命向人类传布伊斯兰教的。伊斯兰教的历史，从穆罕默德开始传教之年算起，至今已有近一千四百多年历史，全世界的伊斯兰教徒，分布在九十多个国家和地区，但不论在什么地方，穆斯林之间都互称兄弟，或叫“朵斯梯”，彼此见面出“色俩目”，或简称道“色兰”，以示问候。色俩目或色兰，阿拉伯语意作“安色俩目尔来库姆”，即“愿安拉赐给你平安”，回答时说“瓦尔来库姆色俩目”，意思是“愿安拉也赐给你安宁”。

从公元七世纪初直到十七世纪，在伊斯兰的名义下，以阿拉伯半岛为中心，曾经建立了伍麦叶王朝、阿拔斯王朝、印度莫沃尔王朝、土耳其奥斯曼帝国等一系列大大小小的王朝帝国；随着时代变迁，这些盛极一时的王朝都已成为历史陈迹，但是，作为世界性宗教的“伊斯兰教”却始终没有陨落；它从一个民族的宗教成为一个帝国的精神源泉，尔后又成为一种宗教、文化、政治的力量，一种人们的生活方式，并且在世界范围内不断的发展着。

流派

逊尼派 全称“逊奈和大众派”,被认为是伊斯兰教的正统派,人数约占全世界穆斯林的90%,中国的穆斯林大部分属于此派。

什叶派 什叶派是与逊尼派、哈瓦利吉派、穆尔吉埃派并称为早期伊斯兰的四大政治派别别。“什叶”的意思为“党人”、“派别”。该派以拥护穆罕默德的堂弟、女婿阿里及其后裔担任穆斯林的首领-伊玛目为其主要特征。目前全世界约有什叶派穆斯林8000万人。主要分部在伊朗、伊拉克、巴基斯坦、印度、土耳其、阿富汗、黎巴嫩、沙特阿拉伯、也门、巴林等地区。

圣地和节日

1、三大圣地：麦加，卖地那，耶路撒冷。

2、主要节日有开斋节（伊斯兰教历10月1日），古尔邦节（伊斯兰教历12月10日）,圣纪（穆罕默德诞辰教历3月12日）。

伊斯兰教认为建筑是一切美术品中最持久的，而宗教建筑是美术的最高成就。“札玛尔”，清真寺的圆顶，代表着神的完美。伊斯兰建筑独具特色的是穹庐顶和拱券顶以及两个主要装饰，宗教建筑和世俗建筑共有的“帕提”和钟乳饰。“帕提”是一个拱形门厅。钟乳饰是墙和拱顶之间具有装饰性的过渡部分。伊斯兰建筑上的这种结构起源于古代巴比伦，它们很早就运用穹庐形结构于坟墓，运用拱举顶结构于宫殿、寺庙。到了萨珊王朝时期，这种建筑形式在伊斯兰建筑中占了统治地位。作为一种富有特征的形式，弯庐和拱形已经被认为是萨珊建筑的典型。在印度的阿旃陀、中国的龟兹石窟建筑中也有这种穹庐顶和拱券顶窟形，这可能是受伊斯兰文化的影响。

反对偶像崇拜，认为表现人或动物的形象，是对真主所独享特权的侵犯和亵渎，因此在清真寺既找不到人和动物的画像，也没有以宗教情节为内容的雕像。在伊斯兰教里，真主被理解成一种摆脱一切尘世成分的纯粹的精神，他不具备人类的、类人的特性，也不可能被描绘出来。认为只有思辨力量是人类认识真主和世界的一种最高的能力，因此，一切失掉物质和感性外壳的抽象概念是知识的最高形式，这从理论上证实伊斯兰教禁忌的合理性。神的意愿、趋于抽象化的思辩的升华和绝对化，与人的种种欲望和世俗享受的斗争，明显地限制艺术在正统的伊斯兰教世界中存在，或者它们至少要求艺术十分明确地改变自己形象的、感性的、情感的本质。“伊斯兰教的这种宗教一哲学的思考，结果向着有利于抽象一思辩的哲学和美学发展。艺术成为伊斯兰教结构里的某种东西，这种东西永远滞留在抽象几何图案或植物图案的一些合乎规范的永恒不变的情节中，在阿拉伯花纹和阿拉伯连体字的奇怪而夸张的交错形状中，在大君主们的墓志铭和清真寺山墙上的格言中。”（E．T．雅科伏列夫《艺术与世界宗教》17l页）

伊斯兰教的审美一艺术的原则与近东、中亚、高加索和北非的许多民族、部族的生活方式和艺术思维所具备的某些特征相吻合，这些民族和部族的艺术思维持征，是深刻的装饰感、华美感、节奏感，注重装饰图形与平面的综合统一感。由于宗教的禁忌，雕塑、绘画艺术在伊斯兰世界从未象在其它文化中那样得到充分发展。也许是游牧生活环境，而对日用物品的相对兴趣，促使伊斯兰工艺美术展现出独一无二的造型艺术价值。伊斯兰教装饰艺术中三大形式：富有生命力的植物图案、几何图形和书法文字被普遍地用于建筑物、彩饰画、地毯还有陶瓷器皿。

在一些伊斯兰国家中，陶器是艺术表现最高形式之一，他们在各种陶瓷器物上都采用装饰形式，甚至把建筑物的外观变成五彩缤纷的花朵和绿叶中穿插着铭文的奇异花园。萨珊波斯帝国时期，伊朗人在绘画中用莲花状的圆盘来代表太阳，用带八个尖角的一圆圈来代表星星，早在阿契美尼德的波斯帝国和安息王朝就有用兔或鹰代表月亮，用马代表太阳。这使我们想到龟兹石窟和敦煌壁画中的那些日月星辰图和极富装饰感的藻并画，特别是“三兔飞天藻井”。而那些在空中飞行、手中托着花盘和宝盘、几乎都是用飘动的披巾和带子装饰起来的飞天也是来源于波斯艺术。马里奥．布塞格里《中亚绘画》说：“用飘动着的飞巾来对衣饰作逼真的处理以及那长长的纤细的手，这种特征是属于伊朗艺术的。”而云冈大佛络腋上的连珠纹，则是波斯萨珊朝常用的装饰纹饰。

早在公元7、8世纪，伊斯兰教艺术的这种装饰性传统经由波斯、埃及、北非传入西由牙，影响了整个欧洲艺术。英国学者贡布里奇曾说：这要归功于穆罕默德使我们了解了东方精美的图案和丰富的色彩，它使艺术摆脱了受真实世界形体的束缚，而进入梦幻似的色彩与线条的境界

伊斯兰教艺术促进了抽象化的装饰纹样在教会建筑及有关美术装饰中的广泛运用和发展。伊斯兰建筑装饰和工艺美术中形成了一种被称为阿拉伯纹样的图案装饰体系。它大量使用几何纹、植物纹、文字纹等可以无限连续的纹样，形成变化无穷、色彩华丽、光影变幻的装饰效果。高度发挥图案的象征性和装饰性，成为伊斯兰教美术的一大特色。

伊斯兰教信仰的中心来源是古兰经。古兰经被认为是神对先知的启示的总结，它的神圣性导致穆斯林们认为凡用阿拉伯书写的古兰经文都是神圣的。他们以虔诚的心情用阿拉伯文字抄写经文，在书法上发挥才能，创造了多种阿拉伯书体，其中以库菲和纳斯黑二体最为常

用。阿拉伯书法成为伊斯兰世界有独创性的、十分复杂的艺术形式。书法在建筑装饰、工艺美术和书籍装帧上与各种纹样或画面相结合，是一种变化多端、富于表现力的艺术手段。

伊斯兰教美术中禁止人物和动物形象的主要后果，是遏制了宗教具象图形艺术的发展。

伊斯兰教艺术由信仰伊斯兰教并按照伊斯兰教教义生活的人们发展的美术，也称穆斯林美术。伊斯兰教在其发展过程中建立起政教合一的国家，在其传播过程中吸收了不同种族、不同地区的人们参加并发展了一种以伊斯兰信仰为主导的生活方式和综合的整体文化。伊斯兰一词，可以用来指一种宗教，一种国家或一种文化。作为伊斯兰文化的一部分的伊斯兰教美术，其范围和性质是由被称为伊斯兰的这种现象的历史所决定的。

概况 伊斯兰教于 7世纪初兴起于阿拉伯半岛。穆罕默德及其信徒于移居叶斯里卜（麦地那）期间(622～631)发展了伊斯兰教，建立了宗教、政治、军事、经济相结合的社团和制度,建立起政教合一国家的基础。630年，穆罕默德返回麦加并进而基本上实现了阿拉伯半岛的统一632年,穆罕默德去世他的后继者哈里发在“为安拉之道而战”的口号下，发挥其军、政、教结合的优势，开始了阿拉伯人的对外扩张，在 4位大哈里发时期(632～661)，击溃拜占庭军队，攻占叙利亚、巴勒斯坦等地,东击萨珊王朝而亡之,西进占领埃及、利比亚。在随后的伍麦叶王朝时期(661～750)，阿拉伯帝国最后形成，其势力东到中亚和印度河流域,西达非洲北部,进占西班牙。伊斯兰教在其出世的100多年间,以军、政、教结合的形式所征服的亚洲和非洲地区,除个别地区外,今天依然保持其优势。

伊斯兰教的迅速传播与阿拉伯帝国的扩张，为吸收东西方各族文化，形成和发展伊斯兰文化提供了条件。作为伊斯兰文化的组成部分的美术也有一个形成和发展的过程。伊斯兰美术中不仅有闪族──阿拉伯人的艺术传统，而且吸收了希腊、罗马、基督教美术因素和伊朗以及西亚、中亚各族的艺术成分伊斯兰-阿拉伯世界所处的东西方贸易和文化艺术交流的中介地位，使它得以更广泛地吸取东西方文化艺术。伊斯兰美术在其发展过程中，由于多种成分的吸收并与不同地区的特点结合而呈现出多样性。

伊斯兰教信仰的核心是绝对的一神论，即对唯一真主安拉的顺从。神是唯一的创造者是它的主要信念。伊斯兰教反对崇拜偶像,始见于古兰经,而穆斯林神学家则进一步认为表现活物是对神的创造者的特权的侵犯。从10世纪起,逊尼派和什叶派神学家都谴责在公共场所,特别是在宗教建筑物上塑造或描绘人和动物。禁止对人和动物的造型表现，主要在宗教美术中被严格遵守，只有极个别的例外；在世俗艺术和作为书籍插图的细密画中并不执行这一禁止；在日常生活用品的装饰中，如陶瓷、金工器物和纺织品，也允许人和动物形象的使用。总之，这种禁止并没有法律效力，可以按照情况加以解释。例如在伊朗，有牢固的民族绘画传统，甚至还有宗教题材的具象绘画。在阿拉伯国家和土耳其此禁较严。14世纪以后，在这些国家里，即使在实用的工艺美术上，对活物的描绘也很少见。20世纪初，伊斯兰政府鉴于现代生活趋势，调整了对图像的态度，正式宣布，伊斯兰教只禁止绘制圣像和偶像。

伊斯兰教美术中禁止人物和动物形象的主要后果，是遏制了宗教具象图形艺术的发展，但另一方面，却又促进了抽象化的装饰纹样在教会建筑及有关美术装饰中的广泛运用和发展。伊斯兰建筑装饰和工艺美术中形成了一种被称为阿拉伯纹样的图案装饰体系。它大量使用几何纹、植物纹、文字纹等可以无限连续的纹样，形成变化无穷、色彩华丽、光影变幻的装饰效果。高度发挥图案的象征性和装饰性，成为伊斯兰教美术的一大特色。

伊斯兰教信仰的中心来源是古兰经。古兰经被认为是神对先知的启示的总结，它的神圣性导致穆斯林们认为凡用阿拉伯书写的古兰经文都是神圣的。他们以虔诚的心情用阿拉伯文字抄写经文，在书法上发挥才能，创造了多种阿拉伯书体，其中以库菲和纳斯黑二体最为常用。阿拉伯书法成为伊斯兰世界有独创性的、十分复杂的艺术形式。书法在建筑装饰、工艺美术和书籍装帧上与各种纹样或画面相结合，是一种变化多端、富于表现力的艺术手段。

伊斯兰信仰对美术的影响和伊斯兰教美术共同特征的形成有一个过程。而伊斯兰教美术的发展变化，又与先后在各地区掌权的王朝、教派和各族的活动有关。由于有些历史情况不明，实物和文字资料短缺不全，考古发掘尚待进行或尚待总结，对伊斯兰教美术的研究还有不少问题尚待解决。伊斯兰教美术，作为一门学科，在中国和国际上都还是一门尚待发展的新学科。

分期 伊斯兰教美术的历史，粗略地可以分为早、中、晚3个时期。

① 早期，主要指伍麦叶王朝(661～750)和阿拔斯王朝前期（750～约1000）这是伊斯兰教美术逐渐形成主导的新的审美趣味并结合功能的要求在形式和风格上有所创造的时期。伊斯兰教兴起之初，即将成为伊斯兰世界者的古代闪族后裔的阿拉伯人，由于其大多数还过着游牧生活，文化艺术发展尚未完备，但闪族人的思想影响和富于文学性的阿拉伯语言以及便于纹样化的文字，已经是伊斯兰文化艺术发展的重要因素了。建都于大马士革的伍麦叶王朝时期是伊斯兰教美术早期发展的重要阶段。伊斯兰教美术最初的发展正是以大马士革为中心的，但希腊-拜占庭美术的影响强烈而明显。之后,阿拔斯王朝建新都于巴格达和萨马拉，东方的、伊朗的美术影响增强。在阿斯朝哈里发们的鼓励下，一种新的风格迅速发展起来。早期伊斯兰教美术的形式和风格就是以上述每个地区为中心向四方传播并和当地的条件、材料相适应，造成相当多样的变化。阿拉伯帝国的政治统一延续不长，从9世纪起,继大马士革之后的巴格达文化优势已开始先后受到后起的其他政治文化中心如西班牙后伍麦叶王朝（7561031）首都科尔多瓦和伊朗东北部的萨曼王朝(874～999)首都布哈拉的挑战了。萨曼王朝兴起于中亚河中地区，奖励学术文艺，兴建清真寺、宫殿和陵墓,继承萨珊王朝艺术传统,开展美术活动，发展了具有特色的艺术风格。10世纪中期，信奉什叶派教义的白益王朝(935～1055)兴起于伊朗西部,进军巴格达，控制中央哈里发，也同样提倡文化艺术，兴建清真寺、图书馆等公共建筑，发展工艺手工业。969年,法蒂玛王朝(9091171)开始在开罗营建什叶派反哈里发统治的新都，兴建清真寺和大学,提高了开罗的独立竞争的地位,同时在建筑设计、装饰纹样和绘画题材方面有所改创。什叶派对圣者的尊敬导致了若干地区圣者陵墓的修建，甚至也可能是人物形象在宗教艺术中出现的原因之一。10世纪以后的伊斯兰世界,实际上由许多有共同审美趣味,彼此保持联系而又有一定独立性的地方王国或自治城市所组成。阿拔斯王朝哈里发的中央权力衰微，仅存其名。

② 中期(约1000～约1500)，主要是突厥人和蒙古人的先后西进为伊斯兰世界带来新的文化艺术因素的时期。从11世纪起，在东边,加兹尼王朝(977～1186)的马哈茂德(998～1030)仿效萨曼王朝，美化其首都,提倡文艺，兴建清真寺和经学院，把加兹尼发展成一个文化中心。随后，出自乌古斯的塞尔柱突厥人从中亚开始西进，击败加兹尼王朝,灭白益王朝,占领伊朗和两河，控制阿拔斯朝哈里发,成立塞尔柱苏丹国(1058),先后以梅尔甫,伊斯法罕为首都。塞尔柱王朝统治时期，在一定程度上是封建经济与商业和平发展上升时期，是伊斯兰世界的一个富裕强大时期。马里克沙赫统治时期(1072～1092)，伊朗迅速地在政治上和文化上上升到突出地位。城市里行会手工业者队伍扩大，建筑和各门工艺美术有显著发展，手抄本插图逐渐成为重要美术部门。在西边，有立国于摩洛哥和西班牙南部的王朝(1056～1148)以及阿尔摩哈德王朝(1130～1269)出于反对偶像的深厚感情，其清真寺极为朴素严谨。其后是在格兰纳大修建了华丽的艾勒汉卜拉宫的奈斯尔王朝（1232～1492）。它于1492年在基督教军队的进攻中灭亡。伊斯兰在西班牙的统治从此告终。但在此之前，安纳托利亚和巴尔汗、克里木、中亚的大部，印度北部和部分东非则成为新的伊斯兰范围。

继法蒂玛王朝和阿尤布王朝(1171～1250)之后统治埃及和叙利亚的马木路克王朝(1250～1517)，由于遏制了蒙古人的西进，击退了十字军的进攻并且扶立哈里发而成为阿拉伯世界的主要支柱。当时，开罗是一个重要的政治和文化中心，埃及和叙利亚是富裕的商业兴盛地区。清真寺、经学院和陵墓等建筑物遗存较多，工艺美术制品技术高度完善，艺术上创造性不强。

13世纪中期，蒙古人的西进,摧垮了塞尔柱王国,推翻了阿拔斯哈里发王朝，在西亚建立起伊尔汗国（1260～1353）。伊尔汗国的成立，增进了伊朗和中国的文化交流，其结果在两国的艺术史上显然可见，伊朗在陶瓷、纺织和绘画方面获益尤多。合赞汗(1295～1304)以伊斯兰教为国教,修建首都大不里士,立清真寺、经学院、天象台、图书馆等公共建筑。伊尔汗国在分裂中为兴起于河中地区的帖木尔所灭。帖木尔在攻占巴格达后，以伊朗为主要地区建立帖木尔帝国(1369～1500)，征集各地工匠，经营首都撒马尔罕，重视文艺美术，使之发展成伊斯兰文化的一个中心。这期间，中亚道路开通，伊朗和远东的联系恢复，中国影响川流而来，引起审美趣味的变化。在赫拉特和撒马尔罕发展起来的被称为帖木尔文艺复兴的艺术和文艺运动，后来从呼罗珊向伊朗西部传播，滋润了17世纪萨非王朝的艺术繁荣。

总之，随着一些新的政治和文化中心的出现，这一前后50年左右的时期，是伊斯兰教美术进一步多样发展的时期。

③ 晚期(约1500～)，伊斯兰教美术主要是以3个帝国为中心，继承先前的艺术传统,分别发展了既有共同点，又有各自特点的晚期形式和风格。在西边是以伊斯坦布尔为首都的奥斯曼帝国(1453～1923)。在16世纪，那里的建筑家们把当地的基督教建筑传统和10世纪以来的圆顶结构的伊斯兰传统结合起来，形成了以锡南的作品为代表的集中式圆顶建筑新风格。工艺美术生产繁荣，地毯和陶瓷比较突出,细密画受伊朗影响,但也有自己的特点。在伊朗,以什叶派为国教的萨菲王朝(1502～1736)在美术方面继续有所发展建树,以建筑和绘画最为突出，细密画空前繁荣，以塔赫马斯普(1524～1576)和阿拔斯大帝(1588～1629)统治时期为最盛。阿拔斯大帝在首都伊斯法罕兴建了公共建筑和宫殿的组合群，其遗存至今者属于伊斯兰最美的建筑之列。在东边，帖木尔的后裔在印度建立了莫卧儿帝国(1526～1857)。其陵墓建筑和细密画也有突出成就，形成一种伊朗和印度的混合风格。

建筑 在伊斯兰政教合一的统治下，建筑有巨大的进步。除宫殿外，出现了清真寺、光塔、经学院、教派修院、市场、驿馆等新型建筑物。穆斯林们以数学和审美感觉为依据，发展了一种以抽象图案为基础的建筑装饰艺术。伊斯兰教美术的特征，主要表现在宗教建筑上。

清真寺最初的规划及设施极其简单：一块围起来的地方，一面正墙，初面向耶路撒冷,后改为面向麦加,正墙一边设柱廊以遮阳光，院中设一行沐浴礼的水池。后来，又增加了圣龛，位于正墙正中,以正示麦加方向,圣龛右边设讲经坛，供讲经和领导祈祷之用；一个或数个光塔,从其上召喊信徒进行祈祷。这些设施,成为各地修建清真寺的必要组成部分。最初的清真寺无一遗存。随着伊斯兰教的传播和成功,在清真寺的建筑和装饰上,发展了壮丽的趣味，取代了起初的简单纯朴。

早期清真寺建筑的一个主要形式为定向的多柱式大厅。这种形式是由正墙一边的可以向前，向左右扩展的柱廊演变而来的。为了突出圣龛，把它前面的一间加高并加圆顶，是为正厅。圆顶象征上帝和天堂并增加了建筑的恢宏气势；正厅平面为正方形，上升形成立方体以象征 4种元素。立方体与圆顶的结合可以说为伊斯兰教提供了一个完美的象征，可视世界与不可视世界，人世与天堂的统一。圆顶与拱并非伊斯兰建筑的发明，但却给予了空前的发展和变化。圆顶几乎成为整个伊斯兰世界清真寺的标志──从印度、中亚、伊朗、两河、土耳其、埃及到西班牙均可看到，只有个别地区少见。

现存最早的伊斯兰教会建筑之一的耶路撒冷圆顶圣石庙(688～692)，实际上是一个圣殿。其建筑基本形制是追求立方与圆顶结合的突出的例子。由立方旋转而成的八角形体与圆顶之间所达致的平衡，在以后的世纪中，罕有能超过它的。这种集中式形制不仅在以后清真寺正厅圆顶上有其投影,而且为后来陵墓主体建筑所采用,影响深远。

[耶路撒冷圆顶圣石庙] 圆顶圣石庙系伍麦叶王朝初年建筑，正当伊斯兰教美术形成的时期，所用玻璃镶嵌装饰乃沿袭基督教艺术的传统，装饰图案的母题分别来自萨珊，拜占庭及当地。但在建筑下部的大理石板上却已有抽象几何形纹饰的朴素开端。这类纹饰在后来就趋于繁复多变，令人眼花缭乱了。至于其略尖的圆项和整个建筑物上与之呼应的尖拱，则可能从萨珊王朝宫殿的有尖的筒形拱顶上得到启发。尖拱与圆拱相比更为灵活，因为它几乎可以按任何比例加以设计。尖拱传入欧洲，在11世纪末被罗马式建筑所采用，在哥特式时期成为拱的标准形状。正是凭借着尖拱，哥特式教堂建筑才得以上升到那样的高度。

伊斯兰建筑从古代借用的不仅是圆顶和尖拱，还有柱和柱头。清真寺的光塔则受防守塔楼、灯塔或山顶高台（如萨马拉大清真寺的螺旋式光塔）的启发。各种成分，尽管来源不同，但在伊斯兰建筑中经过变化却得到新的而又同质的综合。

8世纪初,在伍麦叶哈里发瓦利德一世统治时期(705～715)建立的 3个大清真寺：麦地那先知清真寺(705～709)、大马士革大清真寺(705～715)和耶路撒冷阿格萨清真寺（704～715）,成为伊斯兰世界清真寺的3个原型，其平面规划及格式被广泛采用，直到12世纪后，有的地区还继续仿效。

大马士革大清真寺可称规模巨大的早期伊斯兰建筑（157×100米），其所在原为设有碉堡和围墙的罗马神殿，后改为基督教教堂。瓦利德下令拆毁围墙内的一切，利用其石块、柱和柱头，修建了一个平面为横长方形的清真寺，南边为正墙及由两排圆柱和一排方柱支撑的进深三间的祈祷厅，有交叉角道通向圣龛,其上为圆顶,其他三边均为连拱廊，庭院宽敞，气势恢宏。柱廊上方壁面饰以拜占庭型大理石镶板和由房屋和多种树木组成的玻璃镶嵌画，取古典幻景式风格，以精细的拜占庭技术制成，画面华丽、欢快，富于想像。它们不仅是早期伊斯兰美术的光辉成就，而且也是世界上最令人喜爱的镶嵌装饰之一。此寺用教堂四方塔楼作为光塔，为现今所知最早者。

8～10世纪,多柱式传统主导着清真寺建筑。西班牙科尔多瓦大清真寺(始建于786)和突尼斯凯鲁万大清真寺(836～866)可以认为是古典的早期伊斯兰型式的代表。萨马拉的两处现已毁坏了的巨大的清真寺建筑是早期两河多柱式的例子。

由后伍麦叶王朝在西班牙科尔多瓦建立的大清真寺是伊斯兰建筑辉煌成就之一，其出现表示伊斯兰建筑家已充分发展了一种新的宗教建筑型式,即用砖或石头,方墩或圆柱、方的间架或长的中殿，平顶或拱顶，建造出多柱式大厅并配以有柱廊的庭院。圣龛前加圆顶的正厅标示正对麦加方向。为了增加建筑的高度，建筑师把拱分成更小的单位，创造了两层附加在柱子上的马蹄形拱并安排成富于装饰性的花样，圆顶上的拱也形成类似的效果，以减缓多柱式建筑的单调。突出建筑物的整体装饰效果成为伊斯兰建筑的特征。这一特征由于重用灰墁雕花和石雕、砖花砌筑、彩釉砖瓦（琉璃砖瓦贴面）和镶嵌装饰而得到加强。

中亚和伊朗对建筑装饰和另有特点的清真寺、经学院建筑的发展做出了贡献。

布哈拉萨曼王室陵墓(892～907)是伊斯兰早期墓葬建筑的杰作，同时也是中亚，特别是粟特一带的高超的砖花砌筑装饰技术的最早的例子。塞尔柱人的西进把这种技术向西传播，以后广泛流行。

[萨马拉玛塔瓦基尔大清真寺遗址] 塞尔柱人称雄的时代，在伊朗发展了平面图为正方形、四周围以柱廊、每边正中各有一向庭院敞开的高大的祈祷厅的清真寺或经学院建筑。祈祷厅的拱顶由一种拱肋构架所支撑。14世纪时，建筑装饰从灰墁雕花和砖花砌筑发展到内外大量使用彩釉砖瓦帖面。始建于10世纪，1088～1089年全面重建，以后又多次修建的伊斯法罕大清真寺（星期五清真寺）是这种建筑形式和装饰的最主要的例子。其后，帖木尔为纪念其妻而在撒马尔罕建造的比比·哈娜姆清真寺(1399～1404)也很有代表性，是中亚伊斯兰建筑的最高成就，可惜部分倾坍。至于撒马尔罕的帖木尔陵墓(1404)则是帖木尔帝国集中式纪念性建筑的代表，是伊斯兰世界著名陵墓之一。帖木尔帝国时代的建筑物上大量使用彩釉砖瓦贴面，几乎盖覆内外一切表面，包括圆顶和光塔，流光溢彩，极为华丽。

14～15世纪,埃及受中亚河中地区和伊朗的影响,集中式形制流行，出现了由清真寺、经学院、陵墓组合在一起的建筑开罗苏丹哈桑清真寺-经学院(1356～1362)，采用伊朗式祈祷厅，是伊斯兰世界少数优美的四祈祷厅经学院之一。

集中式圆顶建筑，特别是大清真寺建筑组合，在16世纪奥斯曼帝国有突出的发展。在这些建筑上，一切都从属于宏伟的中央圆顶，围绕在近旁的半圆顶和小圆顶逐层下降并缩小，对称树立的细长有尖的光塔构成布局的框架，四周庭院的开阔空间使它和别的建筑分开，整体清晰而有逻辑性。锡南晚年设计的伊斯坦布尔苏莱曼大清真寺(1550～1557)可以作为一例。[伊斯法罕四十柱厅] 伊斯兰宫殿建筑，早期遗存很少，且多毁坏。伍麦叶时期有在杰里科附近里尔伯·阿尔·马芙加宫殿，安曼附近穆夏达宫殿以及库赛尔·阿姆拉宫(724～748)和帕尔半拉东北的哈伊尔堡（约728）等;阿拔斯时期有巴格达的阿拔斯宫和萨马拉的宫殿等。较完整的宫殿建筑属于晚期，如始建于1465～1478年间的伊斯坦布尔的托普卡珀宫殿群，萨菲王朝阿拔斯大帝在伊斯法罕兴建的宫殿群如四十柱厅，阿里·卡普宫（约1598）等。西班牙奈斯尔王朝于14世纪期间在格兰纳大修建的艾勒汉卜拉宫（红宫）,是仅存的中期宫殿,以装饰富丽，设计精巧著称。

雕塑和绘画 大型圆雕和大型具象绘画在伊斯兰世界未得充分发展。早期宫殿装饰中有灰墁雕刻人物，甚至有哈里发的塑像（黑尔伯·阿尔·马芙加宫）；中期有现藏意大利比萨墓地供焚香用的大型铸铜格里丰（11世纪）和西班牙格兰纳大的艾勒汉卜拉宫狮廷喷水池的雕刻石狮（约1354）。在工艺美术中，小型圆雕及浮雕甚多。

大型具象绘画，为有人物的壁画和镶嵌画，见之于早期宫殿（8～10世纪）。17世纪,萨菲王朝在伊斯法罕修建的宫殿中也饰有假想的历史场面或其他人物壁画和陶瓷片壁画，多采取细密画风格，可能出自细密画家之手,有的为欧洲画家作品,则西方风格明显。人物画在陶瓷器纹样上常见，风格多样。伊斯兰世界在绘画方面的成就主要表现在作为书籍插图的细密画上。细密画是在阿巴斯时期随着造纸和抄书业的兴起而得到发展的。虽说埃及、两河和伊朗都是有书籍装帧传统的地区，但在细密画的绘制上，成就最突出、影响最大的，应数伊朗。伊朗过去习称波斯，故其细密画以波斯细密画而闻名于世。

[黑尔伯·阿尔·玛芙加宫灰墁雕刻人像] 工艺美术 为供应宫廷、清真寺、王公、富商和大众的日用以及对外贸易的需要，工艺美术品的生产成为伊斯兰教美术的一个重要部门。它们的作者多为无名的工匠，但工艺制作却力求精美。阿拉伯纹样在工艺品上得到广泛的使用。

[伊斯法罕四十柱厅壁画：《情人》] 陶瓷，特别是釉陶，是伊斯兰装饰艺术的重要方式，在埃及、两河、伊朗和中亚地区等地均有生产。伊斯兰陶瓷，一方面继承当地悠久传统，另一方面则常受中国瓷器的影响。早期伊斯兰陶器罕见。大马士革博物馆藏一青绿碱性釉水罐，上有库菲体字，被定为 8世纪产品。此为现知伊斯兰陶器的一个较早的实例。对中国陶瓷技术的吸取和产品的仿制，促进了阿拔斯时期及其后伊斯兰陶瓷的发展,如制成了仿唐三彩的多彩釉陶器,发展了多彩刻线纹陶器以及白釉陶器等。闪光釉陶器是伊斯兰陶瓷的一大成就,可能是在两河或埃及最早出现的,后来在伊朗和西班牙都进行烧制新颖的陶瓷图案则于9～10世纪出现在伊朗东部和河中地区。在撒马尔罕陶器的阿弗拉西亚勃组中，首先在单色的地子上使用了黑色或红色的库菲体题字，获得良好效果。在内沙布尔出土的陶器中，有以强烈的色彩和简化的形状画的人物、动物或植物的组合图案。

10世纪以后，伊朗制陶业蓬勃发展，出现了新的制陶中心和品种，如以花鸟纹为特征的萨里彩绘陶器、阿莫勒的白地划花陶器等。

11世纪中期开始的塞尔柱时期，制陶受中国宋瓷的影响，有进一步发展，作风洗练，开始使用透明釉，青釉增多,品种丰富多样,有青釉、白釉、青白釉等单色陶器。器形和装饰也有新的发展，增加了青釉黑刻花、青白釉蓝彩、刻花、透雕、玲珑、贴花等装饰手法；器物品种增多，形式多变，有灯具、神龛、注壶等，供建筑内外装饰用的彩釉面砖、瓦片，大量生产，为此后宗教和世俗建筑的鲜明华丽增色不少。[库菲体文字纹边陶瓷盘] 12世纪以后，多彩陶器增多。继加彩陶器之后，12～13世纪出现了彩绘陶器，其上有以多种彩料描绘的人物、动物、花卉等图案，画面以人物为主，题材多取自菲尔多西的《列王记》。当时画家多兼事书籍插图和陶器的彩绘。从陶器上可以看到同时期的细密画法，其中不乏笔致精美之作。其产地限于刊伊、卡善、萨维等地，制作时期限于13世纪前半，作品数量不多。大约在同一时期，出现了在青釉或白釉下描绘黑色或蓝色纹样的釉下彩陶器，后来，逐渐成为伊斯兰陶器的主流。

蒙古人西进并在西亚建立起伊尔汗国。工艺美术盛行仿效中国风格，出现了青金石型陶器，彩绘华丽，曾在卡善、萨维、索丹纳巴德制造。在卡善等地生产的釉下彩绘陶器，以黑和青绿或蓝描绘鸟兽和花草的组合纹样，与同时期在设拉子绘制的好以花草作背景的细密画相呼应。帖木尔帝国时期出现了一种仿中国青花的釉下蓝彩陶器。萨非王朝阿拔斯大帝曾招聘中国工匠，提高制陶技术,出现了半陶半瓷的制品。库巴奇彩绘陶器,描绘人物、动物和花卉，具有明显的伊朗风格。奥斯曼帝国的陶瓷，也显示出受中国瓷器的影响，在晚期陶瓷中有一定代表性。

伊斯兰玻璃工艺堪与其陶瓷工艺媲美。珐琅彩饰玻璃器最为出名,其现知最早作品为8世纪末埃及产品。但12～14世纪的叙利亚在这类工艺方面尤为出色，所产大酒杯,凸纹珐琅彩饰的灯和瓶行销欧洲,颇受欢迎并引起仿制。其工艺最精美者见之于清真寺的灯。制作者在其上施展各种技巧，发挥阿拉伯纹样变化多端的装饰趣味。两河地区有萨珊时代玻璃镌刻的传统，但伊斯兰时代早期作品罕见。1987年4月,在中国陕西省扶风县法门寺塔基地宫出土的刻花蓝琉璃盘和刻花描金蓝琉璃盘，制作年代下限为874年，应是9世纪中期作品，其上刻花，刀法自然，线条生动，富于感情,不拘于刻板的工整,显然出自有创造性的工匠艺人之手。它们作为早期伊斯兰玻璃刻花艺术的实例,补充了这方面存世作品之不足,是早期伊斯兰美术的一次重要发现。

在纺织方面，伊斯兰世界也创造了一些品种，如大马士革的锦缎以“大马士克”知名，摩苏尔的产品被叫做摩苏林那，纬起绒织物因埃及福斯塔特而得名，塔夫绸则出自伊朗。伊斯兰丝绸做成的十字褡和法衣，为欧洲基督教教士所穿着，其上饰有阿拉伯纹样和文字条带。它们常出现在欧洲的宗教题材的绘画上。伊朗的织物上可以看到细密画上的人物。细密画家有时还特意为丝绸和地毯设计图样。16世纪大不里士的画家苏丹·穆罕默德就是一例。

早期伊斯兰地毯仅有残片遗存。来自中亚的塞尔柱突厥人对发展地毯织造有所贡献。现存地毯大多为16世纪以后的制品，以奥斯曼土耳其和萨非伊朗的产品最有名，纹样各有特色，结法有土耳其的戈尔德兹结和伊朗的色纳结之别。地毯常按其图案题材分类，有庭园、花卉、团花、动物、狩猎、瓶壶等纹，祈祷用小地毯则多丝织并常用圣龛纹。

此外，工艺的严格标准也表现在法蒂玛埃及的青铜器、大马士革和托列多的刀剑、塞尔柱时期两河的镶嵌金工、埃及的木器雕花以及西班牙和西西里岛的象牙雕刻上。

第三节 佛教艺术

狮子岩壁画

斯里兰卡佛教艺术遗迹。位于东部海岸。因巨石形如雄狮而名。绘制于5世纪末。当时的国王迦斯叶波一世为避宫廷内讧，来此营建宫室，兴造佛塔。壁画位于1968英尺高的狮形岩面上，现存西崖南端离地面15英尺高的凹形地势中。有A处长26英尺，绘有5人；B处长41英尺，绘有17人。均为女性，如同真人般大小。另有C、D两处各残存所绘一人。人物两人一组，一持花，一托盘，掩映在祥云中，犹如天女散女。散花女戴宝冠，饰臂钏，佩胸链，纤腰盈握，修短合度，服饰薄如蝉翼，有优美的写实感。以手拈花的姿势无比典雅，表现出对佛教的极度虔诚。手法简洁，色泽鲜艳，其风格明显受到印度阿旃陀第二期壁画的影响。（印度尼西亚 婆罗浮屠

现今世界最大之佛塔遗迹在印度尼西亚，这就是建于８世纪的婆罗浮屠佛塔。它还是南半球最宏伟的古迹，世界闻名的石刻艺术宝库，东方五大奇迹之一，并素有“印尼的金字塔”之称。

“婆罗浮屠”，就是建在丘陵上的寺庙的意思。它大约建于公元 778年，长宽各123 米，高42 米，动用了几十万名石材切割工、搬运工以及木匠，费时五十至七十年才建成，是世界上最大的佛教遗址。随着15世纪当地居民改信伊斯兰教，婆罗浮屠旺盛的香火日渐衰竭。后因火山爆发而遭堙没。直到十九世纪初，人们才从茂盛的热带丛林中把这座宏伟的佛塔清理出来。1973年，婆罗浮屠佛塔得到了联合国教科文组织的资助，开始了大规模的修复工程。

婆罗浮屠佛塔是由100万块火山岩一块块巨石垒起来的十层佛塔，可分为塔底、塔身和顶部三大部分。塔底呈方形，周长达120米。塔墙高4米，下面的基石亦高达1.5米，宽3米；塔身共五层平台，愈往上愈小。第一层平台离地面边缘约7米，其余每层平台依次收缩2米。塔顶由三个圆台组成，每个圆台都有一圈钟形舍利塔环绕，共计72座。在这同一圆心的三圈舍利塔中央，是佛塔本身的半球形圆顶，离地面35米。

全塔共有姿态各异的佛像505尊，分别置入佛龛和塔顶的舍利塔中。舍利塔中的佛像是被塔身罩住的，只能从塔孔看到，相传如能用手从石块之间的孔中摸到佛像的手，便会为摸者带来好运，到这里后，不妨一试，看看是否能得到好运。

婆罗浮屠浮雕艺术也极为杰出，其中，塔底四面墙内有160幅浮雕，而塔身墙上、栏杆上均饰有浮雕，在全长2500米的范围里，共计有1300幅叙事浮雕，1212幅装饰浮雕。第一层走廓的正墙上，描绘了佛陀从降生到涅的全部过程。第二、三、四层的浮雕描绘胜财到处参访、寻求人生真谛的情节。佛陀、菩萨往往与动物飞鸟、舞女乐师、渔民猎人杂处，国王、武士和战争也都是经常表现的题材。尤其突出的是艺术家能在布满小孔及微粒的火长石上较好地表现出人体肌肤的柔润感，使得人物栩栩如生。

仰光大金塔(Mahamuni Pagoda of Rangoon)缅甸著名佛塔。又称瑞光大金塔。位于缅甸仰光市丁固达拉山岗。始建于公元前。据佛教传说，释迦牟尼成佛后，为报答缅人曾赠蜜糕为食而回赠了八根头发。佛发被迎回缅甸，忽显神力自空中降下金砖，于是众人拾起金砖砌塔。实际为砖塔，经两千余年间的修缮、扩建，方成今日规模。主塔高112米，四周环墙，开南北东西四处入口。南门为主要入口，现备有电梯供游人使用。登70余级大理石阶梯，抵达大塔台基平面。台基四角各有一座小型石塔，中间为大塔本身。主塔上端以纯金箔贴面，顶端镶有5448颗钻石和2000颗宝石。塔尖悬挂宝铃，风吹铃响，壮观悦耳。

第二篇：外美史复习纲要

一，埃及美术

古王国美术（前2686——前2181）•（1）建筑 金字塔

王朝初期―马斯塔巴‖ •

萨卡拉金字塔

古王国盛期

吉萨金字塔群 胡夫金字塔（最大的塔）——胡福

• 金字塔

改为石窟陵墓

门图普太享殿

• 方尖碑

代表

谢努塞尔特一世（最有名的方尖碑）二，古希腊美术

瓶画：东方风格，黑绘风格（阿喀琉斯与埃阿斯玩骰子），红绘风格。

• 古希腊的黄金时期 • 建筑：雅典卫城建筑群 • 雕刻：早期：米隆 掷铁饼者

盛期：菲狄亚斯

雅典卫城建筑群

波留克列特斯

《法则》1:7 持矛者

• 罗马成就即是建筑上的成就

• 圣索菲亚大教堂和帕台农神庙和罗马成神庙并称三大建筑杰作

• 一、文艺复兴的概念图

• 文艺复兴是指14——16世纪欧洲历史上最伟大的一次思想文化运动。其愿意是―在古典规范的影响下，艺术和文学的复兴‖。

它以佛罗伦萨为中心，掀起了一场崇尚科学、发掘古希腊文化、探求自然真谛的热潮，其中心点是怀疑与批判神学思想的人文主义精神。要求解放思想，动摇宗教戒律的禁锢，主张个性自由。

• 文艺复兴的特点：

1、美术的内容形式题材“人文主义” •

2、雕塑具有人性

3、绘画上有了透视，架上绘画已经产生 •

4、肖像画兴起 • 三杰及成就: 达.芬奇 •

米开朗基罗 •

拉斐尔 • 威尼斯画派 • 扬凡。埃克

• 15 16世纪 博斯《愚人船》《干草年》 • 16世纪 老彼德 勃鲁盖尔

• 卡拉瓦乔

意大利现实主义绘画主要创始人 •

• 巴洛克艺术特点: • 巴洛克是17世纪广为流传的一种艺术风格。它的名称由来，说法不一。原意是不圆的珠子，奇特、古怪或推论上错误的含义，当时含有贬义。是18世纪古典主义艺术理论家对于上一个世纪 的一种艺术风格的称呼。

• 巴洛克艺术产生于16世纪下半期，盛行在17世纪，进入18世纪，除北欧和中欧地区外，它逐渐衰落。• 巴洛克被宗教利用，服务教会。•

1、具有豪华的特色。•

2、浓郁的浪漫主义色彩。

3、富有激情性，反映作者内心情感世界。

4、具有运动感，与文艺复兴时期相比更重视空间感。•

5、它的表现语言具有综合性。•

6、具有浓厚的宗教色彩。

• 委拉斯贵支（Diego de Velazquez,1599～1660），• 特点：民主思想和高超的写实能力，主张表现平民生活扑素的美。

塞维利亚时期（1617——1622）《卖水的人》、《煮蛋的老妇人》 • 宫廷服务时期（1623——1629）： • 《酒神巴库斯》、《腓力蒲四世像》

• 光与色时期（1631——1648）《布列达的投降》

• 成熟时期与晚年时代：《教皇英诺森十世肖像》 《宫娥》、《纺织女》 •

圣德列萨祭坛

雕刻的顶峰 提埃波罗

威尼斯最有影响的画家之一

荷兰：代表画家：伦勃朗：时间

国家

代表作

夜巡创作时间 罗可可艺术18世纪前半期

大卫1749—1854

新古典主义旗手

借里柯1791---1824 浪漫主义先驱画笔凝重，时代感情

德拉克洛瓦斯

法国浪漫主义真正的奠基人

法国印象主义（论述）

印象主义在19世纪60年代至19世纪70年代以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒是反对陈陈相因的古典画派和沉湎在中世纪骑士文学面陷入矫揉造作的浪漫主义。印象主义吸收了柯罗、巴比松画派以及库尔贝写实主义的营养，在现代科学技术的启发下，注重在绘画中对外光的研究和表现。印象主义画家提倡户外写生，直接描绘在阳光下的物象，从而摒弃了从16世纪以来变化甚妙的褐色调子，并根据画家自己眼睛的观察和直接感受，表现微妙的色彩变化。在这方面印象主义画家还从荷兰小画派、西班牙画家委拉斯贵支、英国画家特纳和康斯太勃尔等人那里接受了有益的经验

从印象主义开始，欧洲的画家们试图使绘画摆脱文学的影响，更多地注意绘画语言本身。在印象主义内部存在着两种类型的画家群，一是以莫奈为代表，一是以德加为代表。前者偏重于色彩的表现力，后者仍对古典素描造型有所迷恋。当然也有画家介于两种类型中间。

那是在19世纪60年代，一群有着探索和创新精精神的青年人，对保守的官方沙龙压制青年的创造精神深感不满，他们团结在富有探新勇气的马奈周围，形成一个与官方沙龙相对立的集团。这些画家不定期地在巴黎的盖尔波瓦餐馆、新雅典餐馆以及巴齐耶与雷诺德的共同画室里会晤，并到塞纳河畔直接对景写生。经常参加聚会的画家有莫奈、雷诺阿、毕沙罗、巴齐耶、塞尚等，评论家有杜瑞和利维拉，资助这个聚会的有画商杜朗-耶鲁。1874年4月，这群青年画家在巴黎卡普辛大街借用摄影师那达尔的工作室举办展览，他们自尓为“无名的画家、雕塑家和版画家协会”。参加展览的有莫奈、雷诺阿、毕沙罗、西斯莱、德加、塞尚、莫里索、基约曼等人。在展品中，莫奈的油画《印象日出》的标题被一位保守的记者路易勒鲁瓦在文章中借用作为嘲讽。尓这次展览是“印象主义画家的展览会”，印象主义由此得名。印象主义画展从1874年到1886年共举行了8次。印象主义一词由此得名

印象主义是一个松散的艺术社团，它没有明确的纲领，艺术有集合在一起，仅仅因为画风比较一致，便于共同举办画展。参加展览的艺术家有的仅在一段时间内迷恋印象主义画风，后来则另有追求，有的在绘画风格上曾多次变化反复，此外，参与的画家水平也不尽一致 名词解释：立体主义：是现代主义艺术的旗帜，有无止境的探索精神形体的美，追求形式的排列组合所产生的美感，他否定了从一个视点观察事物和表现事物的传统方法，把三度空间的画面归结成平面的、两度空间的画面、明暗是、光线空气、氛围表现了趣味让位于直接曲

线所构成的轮廓、块面堆积与交错的趣味和情调，不从一个视点看事物，把不同的视点所观察和理解的形诉诸于画面，从而表现出时间的持绪性

毕加索：年代：

达达主义：20世纪初杜尚：《泉》1887 –1968

超现实主义：深受弗洛伊德理论的影响，致力于探讨人类先验层面上的潜意识，试图突破符合逻辑与实际的现实观念，把现实主义与本能，潜意识和梦的经验相糅合，以达到一种绝对的超现实的情境，这种不受理性和道德观念束缚的美学观念，促使艺术家们用不同的手法来表现原始的冲动，促使自由和荒诞意象的释放。波普艺术： 安迪-沃霍尔：美国

波普艺术

作品 哈得逊画派

科尔创始人

代表画家 鲁本斯

世界美术巨匠 凡代克：

天才肖像画家

第三篇：4美7册教案

小学四年级第7册美术教案

第1课 四季的色彩

第一课时

(一)教学内容与目标 l显性内容与目标

应知：通过欣赏、分析艺术作品，能够认识到不同季节的色彩变化，及不同色彩给人带来的不同感受。

应会：认识该课中介绍的四位画家，在教师的指导下，对其作品进行初步分析，并写出短文，以表达对画而的认识与感受。

2、隐性内容与目标

(1)通过本课欣赏，认识多种艺术表现形式，了解东西方不同的文化。(2)感受大自然的魅力，培养学生观察大自然、热爱大自然的能力和情感。(二)教学重点与难点

重点：认识四季的色彩，能正确表达自己对艺术作品的感受。难点：用写短文的方法，表达个人对艺术作品的感受。课前准备

l教师设计《四季的色彩》课件，音像结合，图文并茂。

2学生搜集在不同季节拍摄的照片或相关资料，并和家人聊一聊对不同季节的感受。导入；

1请看，我给大家带来了什么?(课件出示四季图片)2问题：

(I)你看到了什么?(2)听到了什么?(3)又想到了什么?(请学生回答)3自学：打开书第2页选择你最喜欢的季节，试着用“这是季，是 的季节。”来形容它。

4全班交流：你对最喜欢的季节有哪些美好的记忆或感受？ 5出示课题：四季的色彩 新授

I、欣赏。

(I)出示教材中的四幅画。

(2)问题：说说四幅作品有什么相同之处与不同之处? 2．分组活动。

(1)要求：选择你最喜欢的一幅画，由组长带领分组欣赏。

(2)学生根据要求．在问题的引导下展开小组合作学习．教师指导。反馈

l反馈。(以小组形式)(1)《早春之路》(日本画)东山魁夷(日本)①画面体现了什么绘画风格?(写实性、装饰性)②画家主要运用了哪些色彩表现春天？

③写一篇短文来表达你从这幅作品中看到了什么?又感受到什么?(请参考书上第2页对这幅图的提示。)④你还想了解什么？(2)《夏》列维坦(俄国)①画家运用了怎样的笔触来表现画面?(细碎、完整)小知识：笔触是画家在再现或表现自然和生活时运用的各种笔痕。②画面主要使用了哪些颜色? ④用短文表达欣赏这幅作品之后的所见、所闻、所感。(请参考书上第2页对这幅图的提示。)(3)《金秋》(中国画)林风眠

①画面用色有什么特点?(淡雅、浓重)②树林在阳光照耀下呈现什么色彩’

③给你带来哪些秋天的感受？试用短文表达。(请参考书上第2页对这幅图的提示。)(4)《冬猎》(油画)勃鲁盖尔(尼德兰)①你从画面中看到了什么?(风景、人物、动物、植物)说一说。②观察作品的色彩，你有哪些体会？

③你能感受到哪些冬天特有的美丽?用一篇短文表达出来。(请参考书上第3页对这幅图的提示。)教师总结：虽然冬季将一切事物归于沉寂，但是却预示着春天的来l晦。四季的色彩是丰富的，有无限象征意义，四季的更替又是一种自然现象，它们之间是互相孕育、不断积累、循环往复的。问：通过这节课的学习大家有什么收获? 希望同学们学会运用艺术的服光和美术的语言来观察、表达艺术作品和大自然带给我们的感受。

第二课时

教学内容；四季的色彩（练习课）

教学要求； 使学生根据课文中的四季图片描绘观察，联想家乡的四季景色，描绘出家乡四季景色的图画。

教学过程；

1、学生介绍上节课 所学内容

2、教师强调绘画的基本方法

3、布置作业（出示图片）

4、教师巡视指导

5、纠正学生绘画中的错误

6、本节课小结

7、收缴作业

第2课生活中的暖色

第一课时

一)教学内容与目标 1显性内容与目标 应知：暖色的色彩特点和所表达的感受。应会：能画一幅以暖色为主的画。2隐性内容与目标

了解暖色知识，体验暖色带来的感受．提高学生色彩审美感受能力。(二)教学重点与难点

重点：通过本课学习让学生了解生活中的暖色，初步掌握暖色基本知识，并能根据观察或回忆表现生活中以暖色为主的景象。难点：以暖色为主的画中冷暖的搭配和感受。(三)学习材料

教师：色卡、暖色为主的图片、教学课件《生活中的暖色》、学生优秀作业、绘画用具„•

学生：暖色为主的图片、绘画用具。布置课前准备内容：

1准备2～3张以暖色为主的图片。2你认为暖色给人什么样的感受？ 3你喜欢冷色还是暖色?为什么? 组织教学

出示色卡，将暖色与冷色分开。学生选择区分冷色与暖色。认识暖色，了解暖色特点：对比中产生冷暖。

播放教学课件《生活中的暖色》。你发现生活中、自然界中哪有暖色?什么场合使用暖色？

组织学生研究活动：1分析自已带的图片中哪些是暖色。2暧色画中的少部分冷色起什么作用？

3．介绍一幅画的名称、也．彩以及给你的感受。小组活动：

分析自己带的图片中哪些是暖色。暖色画中的少部分冷色起什么作用。介绍一幅画的名称、色彩以及自己的感受。艺术实践

分析名家名作《红色的房间》表现方法，谈谈给你的感受。仿照马蒂斯《红色的房间》，选用与其不同的暖色改画一幅作晶。

第二课时

教学内容；课生活中的暖色（练习课）

教学要求；了解暖色知识，体验暖色带来的感受．提高学生色彩审美感受能力。能画一幅以暖色为主的画。

教学过程；

1、学生介绍上节课 所学内容

2、教师强调绘画的基本方法

3、布置作业（出示图片）

4、教师巡视指导

5、纠正学生绘画中的错误

6、本节课小结

7、收缴作业

第3课生活中的冷色

第一课时

(一)教学内容与目标 l显性内容与目标

应知：冷色的色彩特点和所表达的感受。应会：能运用冷色点染的方法画一幅风景画。2．隐性内容与目标

了解冷色知识，体验冷色带来的感受，提高学生色彩审美感受能力。（二)教学重点与难点

重点：通过本课学习让学生了解生活中的冷色．初步掌握冷色基本知识，并能以冷色为主运用点染的方法画一幅风景画。难点：运用点染的方法画一幅风景画。(三)学习材料

教师：色卡、冷色为主的图片、教学课件《生活中的冷色》、学生优秀作业、绘画用具

学生：冷色为主的图片、绘画用具。布置课前准备：收集表现水的图片。组织教学

欣赏书中图片《水》。组织研究活动；

冷色卡中再分析偏冷和偏暖色。举例说明对比关系。欣赏冷色表现水的图片，淡一谈冷色给你的感受。分析、交流活动。

冷色给人的感受：清爽、宁静、安详、庄重、高雅、朴素 讲授新课

演示运用冷色表现水波纹方法：

将冷色滴洒在盆水中，(不要搅匀)趁色彩没有完全散开，将生宣纸覆盖在水面上．浸透轻拿出即可呈现自然水纹。艺术实践

组织学生以四人小组为单位，准备好水盆、颜料、生宣纸 小组合作完成作业。

第二课时

教学内容；课生活中的冷色（练习课）

教学要求；了解冷色知识，体验冷色带来的感受，提高学生色彩审美感受能力，能运用冷色点染的方法画一幅风景画。

教学过程；

1、学生介绍上节课 所学内容

2、教师强调绘画的基本方法

3、布置作业（出示图片）

4、教师巡视指导

5、纠正学生绘画中的错误

6、本节课小结；展示评价l组织小组展示作业。2组织评价作业。给自己的画起个名字，介绍自己的画中最得意之处。

7、收缴作业

第4课快乐的人

第一课时

(一)教学内容与目标 1显性内容与目标

应知：通过本课学习．使学生了解可以应用于线造型的各种各样的媒材，发现线材的美感并进行艺术创造。

应会：了解线材的基本制作方法。2隐性内容与目标

培养学生关注生活的习惯，培养学生的集体合作精神和勇于创新的精神。(二)教学重点与难点

重点：结合生活实际，引导学生研究身边各种各样的线材，通过对身边线材的搜集、整理和组织，进行不同人物动态的造型。难点：人物动态夸张、生动及线材连接点的处理。(三)学习材料

各类线材，如不同颜色的铝线、铜线等，质地较硬的线材如粗铁丝不适合学生使用；辅助材料及工具，如大号螺丝、圆锥形瓶子等，尖嘴钳子。激情引趣；

让学生听一段节奏轻松欢快的音乐，伴着音乐欣赏不同风格的歌舞表演。听到这样的音乐，你是不是觉得浑身都想动起来？这样的音乐给你什么样的感觉？你觉得什么样的动作最能表现这段音乐? 欣赏书上名家作品：

它欢乐的动作和真实的人一样吗?哪里不一样？为什么？ 动感雕塑的艺术特色主要体现在哪里?

分析、研究材中学生作品：你喜欢哪—件？为什么？什么样的人是快乐的? 你打算运用怎样的造型突出表现快乐? 欣赏书中作品，看看他们如何用线材表现快乐的动感？你觉得哪里的造型是难点？和同学交流一下。技法指导；

根据个人的喜好与力度情况，选择适合的线材进行表现。教师就出现的问题进行有制对性．的指导。

有些东西(螺丝钉、铅笔、曲别针等)不属于线材，你觉得它们像什么？能够与线材有机地配合使用吗?启发了你哪些想？ 创作实践

提出作业要求：

个人独立创作或与别人合作完成有快乐动态的人物雕塑造型。

第二课时

教学内容；课快乐的人（练习课）教学要求；使学生了解可以应用于线造型的各种各样的媒材，了解线材的基本制作方法。

教学过程；

1、学生介绍上节课 所学内容

2、教师强调绘画的基本方法

3、布置作业（出示图片）

4、教师巡视指导

5、纠正学生绘画中的错误

6、本节课小结

7、收缴作业

第5课自行车局部写生

第一课时

(一)教学内容与目标 1显性内容与目标

通过学习了解自行车的基本结构，学习线造型的表现方法，培养学生的观察能 力和线造型能力。2隐性内容与目标

引导学生在小组学习探究中，相互交流，培养学生的合作、探究意识。通过学习活动，培养学生对美术学习的兴趣以及认真细致的观察习惯。(二)教学重点与难点

重点：了解自行车的基本结构，学习线造型的表现方法。难点：如何用线精细地表现自行车。

(三)学习材料；白行车、图画纸、彩笔等。

组织教学；探究式学习活动 提问：

l自行车主要由哪几部分组成？各部分的线有什么不同? 车把、车轮、车身、车上的线条有许多变化，比如，车条是直线、车筐是交叉线、链子上是曲线„

2谁能到黑板上画出自行车的某一部分？ 组织同学们猜一猜是哪部分。

教师用线演示自行车局部写生方法，引导学生观察线的变化和衔接等。学生观察、学习用线写生的方法。

小组讨论：你认为教材上的学生作业哪些部分画得好？对你有什么启发?组际之间进行交流。学生动手实践

第二课时

教学内容；自行车局部写生（练习课）

教学要求；通过学习了解自行车的基本结构，学习线造型的表现方法，能简单的绘制图画。

教学过程；

1、学生介绍上节课 所学内容

2、教师强调绘画的基本方法

3、布置作业（出示图片）

4、教师巡视指导

5、纠正学生绘画中的错误

6、本节课小结

7、收缴作业

第6课 猜猜我是谁

第一课时

(一)教学内容与目标 1显性内容与目标

通过学习，发现、表现背面人物头部的美感，进一步学习写生及线造型的方法，培养学生的观察能力、线造型能力及画面的组织能力。2隐性内容与目标

引导学生在小组学习探究中，相互交流，培养学生的合作、探究意识。通过学习活动，培养学生对美术学习的兴趣以及认真细致的观察习惯。(二)教学重点与难点

重点：学会捕捉背面人物头部的特征，能用线描写生的方法表现出来。难点：如何用线表现人物头部的特征。组织教学；探究式学习活动

讨论：展示儿位本班同学背而头像，请同学们猜一猜是谁。(教师课前用数码相机照好。)板书课题。

提问：你为什么能猜出来刚才的几位同学呢? 板书：头型、发型、头饰、服装。

引导学生分析、感悟画家是如何通过背面人物表现人的内心情感的。引导学生欣赏教材中小朋友的作品。提问：你喜欢哪幅?为什么? 小组讨论：

赏析《克里斯蒂娜的世界》、《盂蜀宫伎图》。赏析《未来世界》，时论：画上的小朋发在干什么？怎么看出来的？ 利用教材上的学生作业．说一说自己喜欢哪幅，为什么。与教师一起分析头发的走向及线条的组织。边观察教师的示范边思考。

教师请一位女同学到前面做模特，师生分析头发的走向，演示如何用线进行写生。提醒学生要表现出头部的形体，一些线条应为弧线，并注意其方向的变化。学生动手实践

第二课时

教学内容；猜猜我是谁（练习课）

教学要求；学会捕捉背面人物头部的特征，能用线描写生的方法表现出来。能简单的绘制图画。

教学过程；

1、学生介绍上节课 所学内容

2、教师强调绘画的基本方法

3、布置作业（出示图片）

4、教师巡视指导

5、纠正学生绘画中的错误

6、本节课小结

7、收缴作业

第7课 有趣的属相

第一课时

(一)教学内容与目标 1．显性内容与目标

应知：了解十二生肖的相关知识以及邮票的一般常识。

应会：用线描、彩色笔、水粉、剪贴、剪纸等技法设计、绘制邮票。2隐形内容与目标

(l)在欣赏与十二生肖相关的艺术作品中，了解我国特有的民间艺术文化，培养学生热爱民族艺术的情感和踏实、认真的工作态度。

(2)在创作设计邮票的过程中提高学生的设计能力，培养学生的探究精神和创新意识。

(3)在欣赏生肖动物作品中，引导学生了解租国独特的民族艺术，增强民旅自豪感。

(二)教学重点与难点

教学重点：引导学生关注中国民间艺术文化，尝试在方寸之间表现、感受设计之美。

教学难点：激发学生的想像力，创新表现，培养学生的创新思维。(三)学习材料；铅笔、彩色水笔、水粉色、毛笔、卡片纸、笔洗。教学活动；课前准备

l自制有关生肖动物邮票、工艺作品、民间美术作品课件。2民间工艺品实物一组。3．生肖邮票学生作品一组。

4．剪好齿孔的多种形状、尺寸各异的空白邮票，剪好外形的一组生肖动物、面值、中国邮票字样。讲授新课

展示课件，提出问题：能说出邮票是由哪几部分组成的吗? 分组研究、讨论，结合生括经验及查找资料，观察实物，说出自己对问题的理解。研究十二生肖邮票，你能发现系列成套邮票设计中有哪些相同之处? 探究学习

出示空白邮票、文字、面值、生肖动物图案，提出问题：这一组资料，哪些组合后更适合、更具美感? 用大小不等、形状各异的空白邮票与生肖图案、文字、面值拼摆组合，得出结论： 1．生肖图案应充满画面的绝大部分。

2面值文字应突出，系列邮票文字应一致。

3它的附属资料如印章纪年、汉语拼音等也应统一。4底色、边框也应成系列。学生创新实践

提出要求：1先进行十二生肖系列邮票的设计。2完成一枚有创意的生肖邮票。

第二课时

教学内容；

有趣的属相（练习课）

教学要求；用线描、彩色笔、水粉、剪贴、剪纸等技法设计、绘制邮票。能简单的绘制图画。

教学过程；

1、学生介绍上节课 所学内容

2、教师强调绘画的基本方法

3、布置作业（出示图片）

4、教师巡视指导

5、纠正学生绘画中的错误

6、本节课小结

7、收缴作业

第8课 棋牌乐——棋篇

第一课时

(一)教学内容与目标 1.显性内容与目标

通过观察和分析棋的组成部分、棋的制作方法，让学生有目的地设计自己的棋，培养学生的创造能力、设计能力以及相互协作能力。2．隐性内容与目标

引导学生通过分析强化学生的设汁意识，激发学生对美术学习活动的兴趣。(二)教学重点与难点

重点：让学生有目的地设计一副棋，通过设计和制作得到快乐。

难点：棋的制作、材料的合理使用以 及设计是否美观、大方和实用。(三)学习材料

图画纸、彩色打印纸、水彩笔、油画棒、剪刀、胶棒以及可以利用的废弃物。组织教学； 导人新课；

提问：同学们下过飞行棋吗？这种棋怎么下？好玩吗？对棋的组成进行分析 问：一副飞行棋由哪几个部分组成?棋面上有什么？(如说明．画面„)分组研究

让学生以小组为单位分析以下几类问题：

l书上的图片里．你最喜欢哪一副棋?它的主题是什么?哪儿最有特点? 2就一副棋说说它的制作步骤。如果你制作这副棋会注意什么?

3、说说棋子的制作方法和步骤。如果是你的话，你还能做成什么样的棋子？ 以小组为单位分析不同的问题。总结回答。

分析书上的作品。组际交流。

讨论与分清同学们以小组为单位，先看课本第16页的问题，根据问题设计本组的棋，然后明确每个人的分工。课后展示

让学生说说本组的设计最有特点的地方和最成功的地方。还有哪些地方需要改进，另外有什么教训需要吸取。

第二课时

教学内容；棋牌乐——棋篇

（练习课）

教学要求；通过观察和分析棋的组成部分、棋的制作方法，让学生有目的地设计自己的棋。能简单的绘制图画。

教学过程；

1、学生介绍上节课 所学内容

2、教师强调绘画的基本方法

3、布置作业（出示图片）

4、教师巡视指导

5、纠正学生绘画中的错误

6、本节课小结

7、收缴作业

第9课 棋牌乐——牌篇

第一课时

(一)教学内容与目标 1显性内容与目标

通过观察和分析牌的组成部分及牌的制作方法，让学生有目的地设计自己的牌；培养学生的创造能力、设计能力以及相互的协作能力。2隐性内容与目标

引导学生通过分析强化学生的设计意识，培养对美术学习活动的兴趣及热爱生活的情感。

(二)教学重点与难点

重点：牌的设计制作和玩的方法。

难点：牌的设计制作方法、材料的使用合理以及设计是否美观、大方和实用。(三)学习材料

图画纸、彩色打印纸、水彩笔、油画棒、剪刀、胶棒以及可以利用的废弃物。组织教学；分组研究

让学生以小组为单位分析以下几类问题：

1．书上的图片里，你最喜欢哪一副牌?哪儿最有特点? 2就一副牌说说它的制作步骤。如果你制作这副牌会注意什么? 3．你们组成员认为你们可以用什么用具制作“牌”?用什么方法制作更新颖、美观? 讨论与分工；

请同学们以小组为单位先看课本第18页的小组讨论问题，根据问题明确每个人的分工。

(每人设计两套四个字母的牌。)例如：blke，gme，(教师辅导，学生制作)课后展示

让学生说说本组同学谁的设计最有特点，谁的设计最好看，还有哪些地方需要改进，另外有什么教训需要吸取。

第二课时

教学内容； 棋牌乐——牌篇（练习课）

教学要求；通过观察和分析牌的组成部分及牌的制作方法，让学生有目的地设计自己的牌； 能简单的绘制图画。

教学过程；

1、学生介绍上节课 所学内容

2、教师强调绘画的基本方法

3、布置作业（出示图片）

4、教师巡视指导

5、纠正学生绘画中的错误

6、本节课小结

7、收缴作业

第10课 生活与艺术中的花

第一课时

教学内容与目标 l显性内容与目标 应知：

(1)通过本课学习，学生应了觯生活中一些常见花的造型特点及寓意。(2)认识中外不同艺术表现方法及不同表现形式表现出的花的特点。应会：

(1)能比较中外作品，评述萁相同处和不同处，从中感悟艺术家在作品中寄托的情感。

(2)能将学到的知识运用到生活中，用花美化生活。2隐性内容与目标

(1)通过本课学习，使学生对大自然更加关注，学会发现大自然的美，学习用美装扮生活，用美的环境提高生活质齄。

(2)通过欣赏，发现中国传统绘l画、建筑、工艺品中花优美的造型，培养学生珍视民族文化的情感。(四)教学重点与难点

l教学重点(1)认然界中的花与艺术中的花的关系。(2)学习运用花美化生活。2教学难点

(1)对比中西方作品．从不同的文化背景认识艺术家们不同的表现方法。(2)理解、感悟绘画作品中艺术家的思想情感。(五)学习材料；花的图片、资料等。

导入：

认识各种各样的花；展示课前收集花卉的资料。介绍自己喜欢的花的名称、特点及表达的寓意。

(闻一闻花香)带来鲜花的同学边介绍边将鲜花插在花瓶中，组成美丽的瓶花。请学生淡自已此时的心情。讲授新课： L、了解西方绘画的表现方法 观看课件：《蓝花瓶》塞尚(法国)(1)对比实物瓶花，观察并了解静物画的表现形式。(2)分析画面构图及色彩的美感。观看课件：《银莲花》杜菲(法国)具体分析：(学习观察细节)1)生动的花瓣。(2)带有花朵图案的花瓶。(3)整合画面的桌布。

2了解中国绘画的表现方法

观看课件：对比《写生玉簪》和《露气》两幅作品。

具体分析两幅画的不同绘画风格：(1)工整、细腻(2)大气、豪放 3尝试并对比中西方绘画的不同特点 小组合作探究：

中国画和西画在花的表现形式上有什么不同?对照书中作品谈谈自己的观点。(组长记录大家的发言。)小组间进行汇报。学生进行评述

观看《粉彩百花圈瓶》(清)学生从不同角度谈自己的感受。(花的造型、线条的运用、做工的精细等。)再次感受花在生话中的应用

谈一谈自己身边哪些地方是运用花进行装饰的?怎样装饰的？ 出示书中第21页房间布置图片。

出问题：你想在这个房间里挂哪幅画？说一说你的想法。

第二课时

教学内容；生活与艺术中的花（练习课）教学要求；认识中外不同艺术表现方法及不同表现形式表现出的花的特点。能简单的绘制图画。

教学过程；

1、学生介绍上节课 所学内容

2、教师强调绘画的基本方法

3、布置作业（出示图片）

4、教师巡视指导

5、纠正学生绘画中的错误

6、本节课小结

7、收缴作业

第11课 画水果 第一课时

教学内容与目标 1．显性内容与目标

应知：初步了解中国画的艺术形式，感受、体验中国画用笔、用墨和用色的基本方法和艺术特色。

应会：尝试采用中国画干湿、浓淡的画法，表现一组水果静物。2．隐性内容与目标

使学生了解祖国优秀的传统艺术，从而提高民族自豪感和自信心，培养学生热爱生活的情感。(四)教学重点与难点

重点：通过对作品的欣赏、分析，以及教师的演示和师生互动，调动学生学习的主动性；感受、体验中国画用笔、用墨和用色的基本方法和艺术特色。难点：如何用浓、淡、于、湿表现物象的特征，以及画面的构图。(五)学习材料；毛笔、墨、中国画颜料、宣纸、调色盘、各种水果等。

L、组织教学 2引入新课

(I)展示出不同表现方法的水果绘画作品。提出问题：

这几幅作品有哪些地方是相同的，有哪些是不同的? 今天我们就学习用中国画的方法来画水果。2)出示课题：画水果。3．新授课

(1)学生分组欣赏。

① 用国画的方法表现水果与用其他绘画方法表现水果有什么不一样？ ②尝试着用纸笔画一画。提出问题：

A尝试用笔：中锋、侧锋。B尝试用色：浓、淡、干、湿。(2)教师可在学生初次探究的基础上做示范。

(3)请个别学生示范，其他学生看书欣赏其他学生的美术作业。（4）打开书，欣赏。

①看草莓、葡萄的步骤图，研究其画法。(学生临摹画法。)②欣赏学生作业。

(解决画面的构图问题。)4．学生作业(老师指导)作业要求：(1)先临摹；(2)创作完成一组水果静物。5．小结

第二课时

教学内容；画水果（练习课）

教学要求；尝试采用中国画干湿、浓淡的画法，表现一组水果静物。能简单的绘制图画。

教学过程；

1、学生介绍上节课 所学内容

2、教师强调绘画的基本方法

3、布置作业（出示图片）

4、教师巡视指导

5、纠正学生绘画中的错误

6、本节课小结

7、收缴作业

第12课 娇艳的花

第一课时

教学内容与目标 1显性内容与目标

应知：了解表现花卉的一些基本知识，初步掌握花卉的基本画法，感受、体验中国画用笔、用墨和用色的特点。

应会：能大胆地运用作画工具和方法，表达色彩的变化效果，尝试用中国画的方法表现形象生动的花卉形象。2隐性内容与目标

通过对中国画花卉的学习，进一步认识写意花卉的形式美感，激发学生热爱民族艺术的意识，培养学生关注生活、热爱生活的情感，引导学生在情感体验中提高观察能力和表现能力。(四)教学重点与难点

重点：通过对作品的欣赏和分析，以及教师的演示和师生互动，调动学生学习的主动性，感受、体验中国画用笔、用墨和用色的基本方法和艺术特色。

难点：引导学生体验和感受颜色的浓淡关系，特别是水分的干湿对表现物象的作用．在实践练习的基础上，大胆地进行创作。

(五)学习材料；毛笔、墨、中国画颜料、宣纸、调色盘、各种花的图片或鲜花等。在教室里陈设不同品种的鲜花。

l组织教学

2引入新课

看到教室里陈设的鲜花，同学们会想到今天的学习内容一定会和什么有关系? 出示课题：娇艳的花： 3新授课

(1)提出问题：

①谁认识这些花儿．并叫得出它们的名字？

②你们还认识其他的花儿吗?请你把它们介绍给大家。③鲜花再艳，也有捅谢的时候．什么花儿会永不凋谢?(2)展示中国画花卉。提出问题：

①猜猜它是用什么绘画工具画的，(展示文房四宝)②用这种绘画工具绘制的画叫什么画？ ③作者是如何表现花朵娇艳的？ 提出问题：

①怎样用笔、蘸色才能表现出花卉的特点? ② 水分的多少与画面的效粜有关系吗?(3)教师示范。

(4)打开书，联系老师示范的过程，你认为书上的作业哪些地方运用了和老师一样的方法？

(5)展示花卉作品。

提出问题：这些作品哪一幅你更喜欢?为什么? 4学生作业

作业要求：(1)以小组为单位，临摹老师提供的范画。(2)选择自己喜欢的花儿进行表现。

第二课时

教学内容；娇艳的花（练习课）

教学要求；能大胆地运用作画工具和方法，表达色彩的变化效果，尝试用中国画的方法表现形象生动的花卉形象。能简单的绘制图画。

教学过程；

1、学生介绍上节课 所学内容

2、教师强调绘画的基本方法

3、布置作业（出示图片）

4、教师巡视指导

5、纠正学生绘画中的错误

6、本节课小结

7、收缴作业

第13课

多姿多彩的靠垫

第一课时

教学内容与目标

1、显性内容与目标

应知：了解设计靠垫应从审美、实用和文化等方面进行。

应会：能用剥称式或自己喜爱的纹样设汁、制作美观、实用的靠垫。

2、隐性内容与目标

(1)在探究、讨论中了解设计的基本知识和方法，发展创新意识和刨盐能力。(2)提高对生活物品和环境的关注，激发美化生活的愿望。(3)培养学生的审美能力和语言表达能力。

(4)培养学生做事耐心、细致、认真、踏实的精神。教学重点：靠垫的设计是以功能要求为前提的，还要关注除实用之外的审美和文化。

教学难点：靠垫作品的新颖、创新、构思巧妙。

学习工具：剪刀、胶水。材料：较硬的卡片纸、水粉也、毛笔或彩色水笔等。教学过程：

一、实物导人、揭示课题

1、课前师生准备一组靠垫实物，发到各小组。

研究：用途、形状、色彩、图案。

2、揭示课题。

二、师生研讨学习活动

1、布置学生研究、分析教材。轴对称和中心对称有什么不同?

2、设计靠垫用什么形状、纹样、色彩比较好?

3、你喜欢什么图案纹样？打算如何进行色彩搭配？采用哪种骨式?

三、创作实践活动，教师巡视辅导。

四、作业展示评价；帮助学生分析、归纳，提高审美能力。

五、小结拓展

如何实施自己设计的靠垫作品?选择什么材料?

拍照、保存资料。

第二课时

教学内容；多姿多彩的靠垫（练习课）

教学要求；能用剥称式或自己喜爱的纹样设汁、制作美观、实用的靠垫。能简单的绘制图画。

教学过程；

1、学生介绍上节课 所学内容

2、教师强调绘画的基本方法

3、布置作业（出示图片）

4、教师巡视指导

5、纠正学生绘画中的错误

6、本节课小结

7、收缴作业

第14课

生活日用品的联想

第一课时

教学内容与目标：

1、显性内容与目标

应知：了解生活日用品因其用途不同而造型各异，感受丰富的联想和大胆的表现带给我们的乐趣。

应会：能根据生活日常用品的不同外形展开联想，并通过动手表现、装饰，使其形象生动有趣。

2、隐性内容与目标

通过用自己喜欢的方式表现对生活日用品的联想，使学生更J川关注生活、热爱生活，培养富于联想、敢于想象、勇于实践的创新精神和健康的审美情趣。教学重点：通过剥生活用品的联想。认识到丰富的联想和大胆的表现，能给我们的生活带来无穷的乐趣，从而激发学生的创造热情。

教学难点：引导学生对生活用品产生联想，并把自己的联想表达出来。学习材料：有关生活日用品、课件、各种工具和材料。教学过程：

一、组织教学

请学生把自己从家里带来的生活用品摆放到桌面上来。

二、引入新课

1、桌面上摆放的东西和我们这节课有什么联系？

2、出示课题： 生活日用品的联想。

三、讲授新课(l)提出问题：“联想”这个词怎么理解?(2)展示用勺子装饰成的小人。提出问题：这个小作者是怎样通过联想完成这件小装饰品的？

(3)打开书，提出问题，分组讨论：

①欣赏书上的作业，分析作者是怎样认真观察展开联想的。②书上的作品都用了哪些方法进行装饰的？ ③他们的美术作品哪些方面值得你学习和借鉴? ④仔细观察自己带来的生活用品，你能联想到什么，讲给大家。

四、学生作业，作业要求：(1)认真观察自己带来的生活日用品。(2)大胆地展开联想。(3)用自己喜欢的方法进行装饰，使其成为一件可观赏的小饰物。(4)可以独立完成，也可以自由结合来完成。

五、小结

第二课时

教学内容；生活日用品的联想（练习课）

教学要求；能根据生活日常用品的不同外形展开联想，并通过动手表现、装饰，使其形象生动有趣。能简单的绘制图画。

教学过程；

1、学生介绍上节课 所学内容

2、教师强调绘画的基本方法

3、布置作业（出示图片）

4、教师巡视指导

5、纠正学生绘画中的错误

6、本节课小结

7、收缴作业

第15课

我们的现在和将来

第一课时

教学内容与目标

1、显性内容与目标

应知：创新思维与创作的关系。

应会：运用多种方法，大胆想像创新表现。

2、隐性内容与目标

运用创新思维进行创新表现，做有理想有抱负的一代新人。

教学重点：运用思维训练方法，激发创新表现，采用多种方法表现自己在未来世界中取得的成就。

教学难点：构图方法、画面的整体感。学习材料

教师：教学课件、不同年龄性别人物图片、学生优秀作业、绘画用具„

学生：绘画用具。教学过程：

一、组织教学

安排好学习小组，提上课要求。

二、讲授新课

1、出示课题——我们的现在和将来。

2、分析课题，针对题目想一想我们要画什么内容? 教师引导发言：“我的现在与将来”

3、组织小组讨论： 谈一谈你的现在，想像一下将来。

三、组织研究

1、“将来”意味着什么?

2、书中学生作品是怎样表现“将来”的?

3、你准备怎样表现自己的“将来”?

四、艺术实践

1、欣赏作品。

2、分析构图方法。

五、辅导学生完成作业。展示人物参考图片。

六、展示作业

组织学生讲解评价作业，作品的创新表现在哪儿。

第二课时

教学内容；我们的现在和将来（练习课）教学要求；采用多种方法表现自己在未来世界中取得的成就。能简单的绘制图画。

教学过程；

1、学生介绍上节课 所学内容

2、教师强调绘画的基本方法

3、布置作业（出示图片）

4、教师巡视指导

5、纠正学生绘画中的错误

6、本节课小结

7、收缴作业

第16课

亲亲密密一家子

第一课时

教学内容与目标

1、显性内容与目标

应知：通过本课学习，了解掌握粉印版画这一表现形式。

应会：能通过仔细的观察回忆，表现一家子亲亲密密的生活场景，了解粉印吹塑纸版画的表现风格。

2、隐性内容与目标

通过创作表现一家子的亲密场景，激发学生的爱心，培养丰富的情感世界。教学重点：运用粉印版画的形式，表现一家子亲亲密密的场景。教学难点：具体情节的表现、颜料水分的掌握。

学习材料：吹塑纸、彩纸或黑卡纸、水粉色、水粉笔、调色盘、笔洗、彩笔、铅笔、夹子等。

学习用具：吹塑纸、彩纸或黑卡纸、水粉色、水粉笔、调色盘、笔洗、彩笔、铅笔、夹子等.教学过程：

一、导入新课 学生交流；你的家是个小家庭还是个大家庭?家里都有谁?和你最亲近的人是谁?

二、欣赏联想

引导学生欣赏种树图片：你觉得这一家是什么人? 他们在做什么?你从哪里感受到他们的亲密? 你最喜欢和谁在一起?做什么?和家人在一起时，让你觉得最甜蜜、最温暖的时候是什么时候?那时候你们是什么样的动作和表情呢?

三、分析探究

以小组为单位．每组分析一张粉印版画实物作品：

这幅作品从哪方面表现了家人的亲情?

摸一摸，看一看，你知道它是用什么方法创作出来的吗?

尝试印一笔颜色，你遇到了什么问题?(一般情况下，学生容易遇到的问题是颜色水分大，影响色彩效果。)

四、技法示范

通过直观演示交流，解决技法问题：

1、刻版中容易出现哪问题。

2、印制中夹子的重要性。

3、色彩中水分的掌握。

五、创造实践

提出作业要求： 回忆家庭中动人的时刻，表现一家子亲亲密密的情景。

六、交流展示

组织学生交流、展示。

第二课时

教学内容；亲亲密密一家子（练习课）

教学要求；能通过仔细的观察回忆，表现一家子亲亲密密的生活场景，了解粉印吹塑纸版画的表现风格。能简单的绘制图画。

教学过程；

1、学生介绍上节课 所学内容

2、教师强调绘画的基本方法

3、布置作业（出示图片）

4、教师巡视指导

5、纠正学生绘画中的错误

6、本节课小结

7、收缴作业

第17课

泥玩具

第一课时

教学内容与目标

1、显性内容与目标

应知：通过本课教学，体会中国民问泥塑玩具的天真质朴之美，了解泥玩具的塑造型特点．探究手工捏塑成型的制作技巧，尝试制作不同造型的泥塑玩具。

应会：学会手捏成型技法，制作造型可爱的泥玩具。

2、隐性内容与目标

通过捏绘泥塑玩具，了解祖国民间艺术的独特魅力。激发学生的民族自豪感，引发学生的创作欲望．培养学生的观察能力、动手能力和审美能力。

教学重点：学习手捏成型的制作技法，了解中国民间艺术的缤纷特色与文化内涵．引导学生通过观察思考，尝试仿照民问艺人的风格进行创作。

教学难点：泥塑玩具的造型设计及捏塑技巧，着色时民间装饰味的体现。

学习材料；教师用具：泥玩具、实物投影仪、陶泥、颜料、民间泥塑玩具资料的课件。学生用具：网上或书中搜寻的民间泥塑玩具图片资料、陶泥、颜料等。教学过程：

一、激情引趣；小时候，你玩过哪些玩具？

二、资料交流

中国是一个农业大国，我们的祖辈面朝黄土背朝天，日出而作日落而息，你们想了解我们的祖先童年最喜爱的泥玩具吗？

四、分析探究。

1、引导学生以组为单位，分工合作，分析探究。

2、分析比较：

我国民问泥玩具主要表现哪些题材?各地的泥玩具有什么不同特色?它们的造型都夸张了哪里？又概括了哪里？它们的色彩有哪些特技法学习？

3、教师展示一组作品，引导学生分析：在这一组作品中，你能找到哪些我们以前学过的技法？

4、仔细观察细节的表现，如羊角、小驴的尾巴、帽翅等小装饰，运用了哪些技巧。

五、造型训练

提出作业要求： 模仿民间玩具的造型和色彩，创造一个可爱的泥玩具。

六、教师巡视辅导，注意加强个性辅导，以点带面。

七、展示评价；展示学生作品，组织学生评价。

1、你喜爱的作品抓住丁形象的哪些主要特征?

2、从民间玩具的造型语言中你受到了哪些启发，怎样运用到你的作品中的?

3、你的作品又有了哪些创新?

八、课后拓展

第二课时

教学内容；泥玩具（练习课）

教学要求；学会手捏成型技法，制作造型可爱的泥玩具。能简单的绘制图画。

教学过程；

1、学生介绍上节课 所学内容

2、教师强调绘画的基本方法

3、布置作业（出示图片）

4、教师巡视指导

5、纠正学生绘画中的错误

6、本节课小结

7、收缴作业

第18课

漂浮 第一课时

教学内容与目标

1、显性内容与目标

应知：通过本课学习，学生初步探索有关浮力的知识，并能根据身边的废旧材料进行有创意的设计。

应会：结合绘画、粘贴、插接等不同造型手法，以及漂浮的科学道理，利用生活中的废旧物品实现自己的艺术创想。

2、隐性内容与目标

通过本课学习，培养学生将艺术创造与科学研究完美结合的意识，以及发现问题、分析问题、解决问题的能力，激发他们热爱生活、关注生活的美好情感。教学重点：启发学生探究简单的浮力知识，并结合身边废旧物品进行有创意的设计与制作。

教学难点：在制作漂浮物时，创新地使用材料，制作方法精细。教学过程：

一、游戏导人

游戏l：发给学生每人一支吸管，提出游戏要求：你能想到几种令吸管在水中漂浮起来的方法?

游戏2：抢答——如果给你一把吸管，让它们漂浮在水面上．设想一下都可能有哪些不同的造型？

二、思考反馈

吸管为什么可以漂浮?铁很重，为什么轮船却能漂浮在海上？

三、信息交流

组织学生进行信息交流。

哪位科学家最早发现了浮力？你知道有哪些关于浮力的小故事吗?

四、合作探究

组织学生分组探究：(材料：铁、纸、不同造型的盒子、木片、泡沫、毛笔等。)

在我们身边，还有哪些材料可以漂浮?

看一看：书中同学作品给了你哪些启发?

试一试：运用折、剪、卷、组合等不同手段，你能用手边的材料组织什么样的漂浮物的造型?

讲一讲：你能设想一下它的功能及装饰吗？

五、探索实践 提出作业要求：利用身边的废旧材料，制作一个能浮在水面上的新颖美观的玩具。

第二课时

教学内容；漂浮（练习课）

教学要求；结合绘画、粘贴、插接等不同造型手法，以及漂浮的科学道理，利用生活中的废旧物品实现自己的艺术创想。能简单的绘制图画。

教学过程；

1、学生介绍上节课 所学内容

2、教师强调绘画的基本方法

3、布置作业（出示图片）

4、教师巡视指导

5、纠正学生绘画中的错误

6、本节课小结

7、收缴作业

第19课

电脑美术——神奇的画笔

第一课时

教学内容与目标：

感受电脑绘画的独特魅力，特别是由于运用了数字化技术而产生的独特而神奇的绘画处理方法。学习运用电脑绘画与自己独特的观察与想象有机结合，运用纸面绘画作品达不到、非常费力才能达到或需要较高技能技巧才能达到的绘画效果．提高艺术创作表现能力，为锻炼和培养学生敏锐的观察能力和丰富的想像能力打下良好的基础。教学重点：

本课的重点是让学生在充分认识和理解电脑绘画中的“笔”与普通的绘画中的笔的本质区别，并且能利用电脑绘画的画中的独特笔工具进行自由创作。本课的难点是如何在画面中合理地运用画笔工具表现形象和自己独特的构思。学习材料

相关的电脑硬件设备和适合本年级学生使用的电脑绘画软件。如不具备应用电脑美术创作的条件，也可进行另类拓展，采用先欣赏然后讨论如何用现有其他工具和材料达到“神奇”的效果，如用指画、实物蘸色、水溶、扎染等多种方式，重在锻炼学生的拓展思维表现能力。教学过程：

一、感受电脑绘画笔工具有“神奇”性

通过欣赏相同表现内容但表现手法不同的美术作品，认识不同的美术表现方法对美术作品的影响，由此引出电脑绘画笔工具的“神奇”之处。

二、体验电脑绘画笔工具的独特魅力

通过上机操作，让学生体验电脑绘画笔工具的表现特色。此时应以体验为主，不应过分追求完整的画面表现。

三、创作构思

结合自己对电脑绘画笔工具特点的感受、体验、认识，考虑如何在自己的创作中发挥它们的“神奇”作用。

四、创作作品

根据自己的创意，结合自己的认识和理解进行创作。关键是如何在作品中体现电脑绘画笔工具的“神奇”之处。

五、教学评价

通过网络或分组欣赏同学作品，鼓励一些同学介绍自己的作品，如作者允许，同学之间可以结合自已的理解相互修改作品。

第二课时

教学内容；电脑美术——神奇的画笔（练习课）

教学要求；通过上机操作，让学生体验电脑绘画笔工具的表现特色。此时应以体验为主，不应过分追求完整的画面表现。能简单的绘制图画。

教学过程；

1、学生介绍上节课 所学内容

2、教师强调绘画的基本方法

3、布置作业（出示图片）

4、教师巡视指导

5、纠正学生绘画中的错误

6、本节课小结

7、收缴作业

第20课；剪纸中的阳刻和阴刻

教学目标

1、引导学生基本了解剪纸的特点。

2、初步掌握剪纸的设计制作过程。

3、激发激发对民间艺术的热爱，培养学生对美术的持久兴趣。教学重点；了解我国民间剪纸艺术的历史文化和相关知识。教学难点；认识和学习阴刻和阳刻的特征和制作方法。课前准备：

1、收集各种剪纸作品。

2、准备彩纸、剪刀等制作工具和材料。教学过程

一、导入

1、出示剪纸作品，简单介绍我国民间剪纸艺术。

2、出示色纸，这张色纸怎样才能变成有趣美丽的剪纸作品呢？

二、新授

1、示范剪纸的方法，提出注意线条要互相连接，不可断开。

2、出示“阴刻”和“阳刻”的剪纸作品，探讨不同的地方和制作特点。

三、练习

学生练习“阴刻”和“阳刻”。

四、小结

第四篇：外美名词解释

洞窟壁画：指旧石器时期分布于法国南部和西班牙北部地区的洞穴壁画。这些壁画以表现动物为主要内容，手法写实、线条简练、形象生动，有简单的明暗描绘你，色彩多呈黑红色、黑褐色。风格自然粗犷，现实了较高的写实能力。洞窑艺术最具代表性的是西班牙北部的阿尔塔米拉洞和法国南部的拉斯科洞。

阿尔塔米拉洞：旧石器时代位于西班牙北部山区的一座长约300米的大洞。著名的史前壁画位于主洞顶部。此洞壁长约14米，宽约9米，绘有20余只栩栩如生的史前动物形象、包括野牛、野猪、母鹿、马和狼。他们姿态生动自然，或奔跑，或静立，或倒地。其中最著名的是“受伤的野牛”这一形象。

金字塔：埃及古王国时期法老的陵墓建筑。它们高低不一，在风沙烈日下度过近5000年，象征着古埃及人的精神和审美观念。经过时代变化，最后演变成如今我们所见的四棱锥形的金字塔陵墓，其主要代表是三大金字塔,包括库夫金字塔、哈佛拉金字塔、门考乌拉金字塔。

库夫金字塔：埃及古王国时期有名的三大金字塔之一。塔高146.6米，底边长233米，用巨大石灰石堆砌而成，约用了230余万块石方。塔内有国王和王妃的墓室，始终揩油同塔外接通的小孔道，着大概是让法老灵魂自由出入的通道。其三角形的稳定结构，沉重的实质材料显示法老至高无上的权威，在人的心里上造成永恒的震慑感。

正面律：古埃及雕刻遵循的程式。头、胸、腿总朝向前方的姿态，这种正面律程式在埃及逾千年不变。其代表是有名的哈佛拉坐像。

米洛斯的阿芙洛蒂特:古代希腊化时期希腊本土的雕刻，即今天人们所称的“维纳斯雕像”以“残缺美”著称。高2.04米，上身裸露，下半身披着衣裙，面部有希腊雕像典型特征，体型健壮丰满，呈“古典歇站式”。她那没有多余表情的面部在端庄中透露崇高和含蓄，这种庄重和谐的格调正式希腊人追求的理想美。高贵的单纯，静穆的伟大！

佛罗伦萨画派：十五世纪意大利众多画派之一。佛罗伦萨是当时意大利最先进城市，人文主义思想在此得到发展。艺术家让艺术同科学研究结合起来，研究人体解剖结构，研究科学的透视法和明暗法，探讨各种造型艺术的技法理论，追求艺术的科学性。其代表艺术大师为“小三杰”等。

威尼斯画派：15世纪末至16世纪上半叶长生于意大利威尼斯城的一个会话派别。艺术内容方面，常用宗教题材描绘华丽盛大的场面和自由欢快的生活，作品充满世俗气息和享乐情调，喜欢表现富于感官美感的女性人体、名人肖像、美丽自然风光。艺术形式方面，则种种对色彩的描绘和研究，作品色彩更加丰富绚丽。代表艺术家有乔尔乔尼、提香等。

达芬奇：欧洲文艺复兴盛期大师中第一位巨人，著名的人文主义者，天才多面手。不仅是画家。而是集工程、机械、数学、建筑于一身的巨匠。在所研究的领域几乎都作出了重要贡献。创立了“明暗法”，“薄雾法”，出版了《绘画论》，美术著作有“蒙娜.丽莎”和“最后的晚餐”。蒙娜丽莎：欧洲文艺复兴盛期由达芬奇在佛罗伦萨城完成的一副油画杰作。在呈三角形的构图中蒙娜丽莎的头和双手既优美又突出。背景有欺负的山峦和平原，空旷而深远。画面光线柔和，蒙娜丽莎形影交融，脸上一双眼睛似乎若有所思，嘴角一抹淡淡的微笑。称之为“神秘的微笑”、“永恒的微笑”。画家对人物心理和情感恰如其分描写给人留下永远难忘的深刻印象。此作品表达了作者对人的歌颂和赞美，集中体现了盛期文艺复兴人们的审美理想和艺术成就。成为一副名扬天下的艺术杰作。

米开朗基罗;欧洲文艺复兴盛期的大师，是画家、雕刻家、建筑家、是人。他过人的精力、雄心勃勃的创作，深邃的思想，无所畏惧的性格，令同时代人难以理解的作品，使他成为西方艺术史上第一位具有浪漫气质的超越时代的艺术大师。他的代表作有西斯廷天顶画“创造亚当”、石雕“大卫像”

大卫：19世纪法国大革命时代政府官方画家，在政治上扮演过重要的角色，其作品构图平衡理智，人物造型严谨，油画技巧纯熟，善于处理戏剧性的人物动态和场面。画中常用卡拉瓦乔式的光线突出主题主体人物。但是他的人物姿态不免有些呆板和做作的痕迹。其代表作品有“马拉之死”、“荷拉斯兄弟之誓”等。作品大都都赞颂共和，鼓吹革命。

《大卫》：15~16世纪意大利盛期文艺复兴时期米开朗基罗29岁时完成的雕塑。其姿态采用古代歇站式，雕成了战斗前的紧张状态整座雕像经过高度概括和提炼，沉静中充满动力，表现不通过寻常的英雄气概，体现了所有男性的美，纸巾许多院校里仍以大卫为写生多像，影响深厚。

卡拉瓦乔主义：16世纪末17世纪初以意大利画家卡拉瓦乔为代表的一种写实主义风格。题材内容为吧神圣的宗教题材用下层人民真实想象加以表现。表现手法为大胆地处理光线，用光塑造形象。构图布局上以突出戏剧性主题为重要手段。着对17世纪欧洲绘画有深远的影响。

毕加索：20世纪最具有创造精神，切享有巨大声誉和威望的艺术家。立体派的代表人物。他对艺术最大的贡献可以说是在艺术风格和手法方面永无止的开拓。他总是进行各种新风格和新手法的尝试和探索，在艺术发展上独辟蹊径。他还在陶瓷、雕塑领域也有所成就。代表作有“亚威农少女”、三围音乐师”“镜前的少女“等。

亚威农少女：20立体派画家毕加索所画。画面描绘了5位半抽象的裸体少女和一组景物。画面一切都是扁平的、分割的、丑陋的，它让人看起来就像一堆支离破碎的玻璃。画家在这副画中打破过去一切传统，具有一种新的统一感。这幅画成为立体派产生的标志，是现代绘画空间概念的开始。格尔尼卡

塞尚：19世纪法国后印象派画家。他把结构视为表现一切物体的根本，并放弃一切传统法则，从零开始作画。他作画首先关注对象的结构和构图的均衡，使用稚拙的技巧，拉长变形的手法，他的作品既粗放结实、朴实稚拙，又显得沉稳冷峻。代表作有“有苹果的静物”、“两个玩牌的人”等。

梵高：19世纪后印象派画家，荷兰人，生命短暂但成就极高。他性格内向，但内心充满热情。他采用强烈鲜明的色彩、清晰的点、旋转运动的线状笔触以及夸张变形的形象来作画。他关注的不是再现对象，而是表达个人感受情感。他的画充满激情和生命力。代表作有“向日葵”、“星空”、“吃土豆的人”等。巴洛克风格：17世纪不同于神奇文艺复兴的一种艺术风格。它气势雄伟，富丽堂皇，对比强烈；注重光线和色彩的应用和表现；强调激情、运动感和戏剧性效果；力图融建筑、雕刻、绘画为一体，产生一种心理动荡的神秘气氛。成为17世纪欧洲的主要艺术风格。

洛可可风格：18世纪路易十五时期流行于法国、德国和奥地利等国的一种艺术风格。一种高度技巧性的装饰艺术，表现为纤巧、华丽、繁琐和精美，多采用S形和螺旋形的曲线，追求视觉快感和舒适实用，并有排斥和贬低精神内容的倾向的艺术风格。

拉斐尔前派：19世纪中叶产生于英国的一个画派。其画家认为要改革艺术，就必须回到拉斐尔之前的时代，那种有明快色彩、丰富细节和漂亮自然风光的绘画艺术，创造一种风格清新、技巧淳朴和感情真挚的艺术。代表人物有亨特、罗塞蒂等。

巡回展览画派：1863年，14位圣彼得堡美术学院学生要求毕业创作自由命题，不遵循学院传统规定，遭拒绝。于是离开学院组成了“巡回展览协会”。代表人物有克拉姆斯柯依、米索耶道夫等。

超现实主义：20世纪盛行于欧洲的文学艺术流派，手达达派影响产生，在视觉艺术领域影响深远。是当时流行的一种美学思潮。致力于探索人类的潜意识心理，尝试将现实观念与本能、潜意识及梦境的经验相融合。追求原始冲动和意念的自由释放。代表画家有米罗、达利。

波普艺术：20世纪60年代末兴起的一种以波普文化为基础的艺术，60年代在欧洲和美国广为流行。艺术家借助于通俗的、流行性的大众传媒，采用绘画、装置、拼贴、丝网印刷、现成品堆积等手段进行创作。展现出可光的、不带任何感情色彩的、无明显含义的、有事业带一点戏谑意味的味道。代表艺术家有老申伯格、沃荷尔等。

野兽派：20世纪初具有开拓性的第一个现代流派。其作品大多有狂放的色彩、夸张变形的形象和一种令人吃惊的冲击力，具有法国特色的表现性艺术。代表画家有马蒂斯、弗拉芒克等。

米勒：法国19世纪中叶著名的农民画家，以法国农民生活为主要题材。米勒的性格温和，一生大半在孤寂中度过。其作品表现出安贫知足和伤感的情调。他一真诚情感和朴实造型描绘他所熟悉生活，追求表现人类善良的本性，他的作品具有永恒的魅力。代表作有“拾穗者”、“晚钟”等。

拾穗者：19世纪法国现实主义艺术农民画家米勒最著名的一幅作品。画中描绘三位农夫在收割后的麦地上捡拾麦穗的场面。画面没有戏剧事件，三位农妇身体结实浑圆，在这造型简洁的、粗物身上，让人感受到一种自然可信的风貌。画面构图随意，地平线搞，给人平静平稳印象。农妇动作错落有致，画面富有节奏感和变化，让人体会到出圃有自然的深刻意义。

伦勃朗：17世纪荷兰最杰出的艺术大师。是油画家、铜版画家。在风俗画、肖像画、风景画都有所造诣。他的作品吧自己所见的真实和质朴放在首位，其中有深邃、伟大之处。在优化激发方面表现在对光的概括强调和多次完成的厚堆画激发方法。他一生勤奋创作，为后世留下数百件铜版画、油画，上千张速写、素描。代表作有“吉普赛女郎“、”微笑的骑士“等。鲁本斯:17世纪法兰德斯最伟大的艺术家。被称为巴洛克大师。其绘画使用大胆色彩、强烈的明暗，勃发生命力的形象，对19世纪的波浪注意艺术有着深远影响。其代表作品有：“劫夺吕西普的女儿”、“上十字架”、“爱之园”、“下十字架”等。

维拉斯开支：17世纪西班牙第一流画家，也是欧洲画坛屈指可数的画家之一。他采用一次完成法画画，早期描绘下层人民生活，后被聘为宫廷画师。用笔流畅、含蓄，色彩既瑰丽响亮，又显得典雅沉稳，在沉静中透露盛期。画风严谨、造型结实，句有冷静、客观的写实特征。“教皇英诺森十世肖像”、“宫娥”等。

安格尔：19世纪上半叶法国画家，新古典主义的继承者。强调历史题材的绘画，最擅长肖像画。对于线条和素描关系细心研究，追求永恒、纯粹地美。他的素描技法、肖像技法、油画技法都相当纯熟。著名作品有“泉”、“大宫女”“贝尔坦先生像”等。

莫奈：19世纪法国印象派最有代表性人物，此派创始人之一。人称“大自然的歌手”莫奈主张到户外对景写生，扑捉色彩变化，一迅速的笔触直接实用颜料，加强画面的色彩氛围感。他忽视形的塑造，在作品素材选择上加强变化。代表作有“日出.印象”、“阿让特伊大桥”等。莫奈的这些认识和创造对新风格形成和发展起了重要作用。

日出印象：19世纪法国印象主义画家莫奈所画。作品描绘的是莫奈家乡勒阿弗尔海港的日出景象。清晨海面上雾气弥漫，太阳在淡蓝色水气中升起，一直小船在海面上正划向港口。这种清新的感觉通过画家对光和色彩的把握征服了观众，让人难以忘怀。---

第五篇：外法史读后感

姓名：王进

学号：0811401096

班级：08级2班

伯尔曼《法律与革命—西方法律传统的形成》读后感“法律必须被敬仰，否则它将形同虚设。”

-----伯尔曼

美国著名的理论法学家哈罗德.J.伯尔曼的名著《法律与革命———西方法律传统的形成》讲述了从 11 世纪末至 13 世纪末的西方在西罗马帝国的废墟上重建法律的这一段历史。本书共分为两大部分，第一部分叫做教皇革命与教会法，第二部分是西方世俗法律制度的形成。作者从西欧中世纪 1075 年格列高利七世教皇革命入手，运用实证主义的历史考察法，全面而系统地考察了教皇革命与西方近代法律体系产生的原因，论述了基督教信仰和教会在西方近代法律体系形成中的重大作用。

在导论中，作者首先指出这是一本关于历史的书，一本有关“西方的”、“法律的”、“传统”和“革命”的书。伯尔曼指出：“西方是不能借助罗盘找到的”，他认为西方是具有强烈时间性的文化方面的词，并且给西方下了个定义；“西方不是指古希腊、古罗马和以色列民族，而是指转而吸收古希腊、古罗马和希伯来典籍并以会使原作者感到惊异的方式对他们予以改造的西方诸民族。”这个定义使我更深刻的理解了平时挂在嘴上的西方一词。

法律代表秩序，是一种静的力量；而革命代表变革，是一种动的力量。法律维护着秩序的合法性，而革命，尤其是暴力革命则以一种非法形式爆发出来，并破坏旧秩序。二者似乎冰火不容。

但是当作者引领我们回顾历史，不禁会惊异地发现，不但生命起源于一次大爆炸，法律传统也是在一次革命中得以形成。格列高利七世革命借上帝之名将完整的社会分为精神和世俗两个世界，统治权也被重铸为精神和世俗两把剑。正是这种撕裂，一方面使西欧原本分裂的趋向再次加重，另一方面却又通过这道撕开的口将各种社会力量释放出来，创造了中世纪的璀璨文明。这些文明中最富有长远意义的则无疑是西方的法律传统。这种传统最突出的特征就是“在同一社会内部各种司法管辖权和各种法律体系的共存和竞争。正是这种司法管辖权和法律体系的多元性使法律的最高权威成为必要和变得可能。”同时，在世俗世界内部，由于王权与教权的斗争为更多社会力量的发展留出了必要空间。封建法、庄园法、商法、城市法在彼此竞争中建立起一种平衡。在这种既有对峙又有借鉴的多种法律体系中充满张力，使传统与革命之间没有彻底决裂。封建法、庄园法以自然经济为基础，而商法、城市法则是商品经济发展的产物。王室法的权威曾长期被这四种法体削弱，同时也从后者中汲取养料。两种经济模式共存于世并彼此找到了自己在法律上的表达，使得步入自由资本主义乃至垄断资本主义的西方社会的许多法律特征都可以追溯到遥远的中世纪甚至古罗马时期。这样，法律如同有了生命，而革命既是打击亦是雨露。传统就在这种法律的“沿”与“革”中生生不息。

在尾论部分，作者总结了自己的观点，11 世纪末到 13 世纪末教皇改革这次全面的巨变产生的西方法律传统，西方历史上的数次伟大革命成为西方法律传统的源头活水。伯尔曼教授的旁征博引以及不同法律制度之间的比较，让我们折服。

关于西方法律传统中的神学起源。科学是智，哲学是慧，宗教是灵。它们既

是人类精神发展的三个方向，又是衡量人类文明成就的三大指标。以为宗教最大的作用是让人们有爱心又所敬畏，一个人即使不信任任何宗教，也要有爱心，不可狂妄。

作者在这部巨著中向世人展示了他独特的法律史观。我想可能是知识背景不够的缘故，对于教皇格列高利的改革的描述，始终不能很好的理解，而这恰恰是这本书的精华部分，煞是汗颜，希望以后重读这部分式有所长进。

欧洲人对法律的依赖与信任，是与基督教信仰密不可分的。法律体系的出现本身就有很大一部分是基督教的功劳，这也是本书第一部中一直讨论的内容。出于上帝对他们精神领域的掌控，他们宁可相信法律——这样一个诸多原则来自于神学的制度——能够成为他们最终的救济渠道。那么这种信任，在东方是否存在呢？答案是不的。由于对“罪”的神学解读，使西方人在做事时有一道德底线，即为死后考虑，为最后的审判考虑，这令其恶能得到限制。而我们的这种限制已经磨灭了。对于只把法律当作实现自己利益，保护自己权利的工具的国人来说，并不存在对法律精神上的信仰和传统，那么如何从本民族的精神出发，寻找一条结合的道路，而不产生排斥，真是非常复杂的一个问题。这时想起伯尔曼在《法律与宗教》中说过的那句已成为法律“流行语”的话：“法律必须被敬仰，否则它将形同虚设。”

西方法律与革命的关系类似于西方科学与革命的关系，存在着辩证的紧张和互动关系，每一次社会革命总能引发法律的进展。而中国尽管朝代更迭频繁，其变化却局限在从较早时代承袭下来的基本结构内，法律的专制精神无根本改观，当然亦无走上法治之路的可能。

冷静而不冷漠、理智但不理想、渐进而非激进地推动中国法治进程，才是中国法治的现实路径。

阅读《法律与革命》让我获得的更多是心灵上的震撼，伯尔曼教授花费 40 年心血写的这本书得到了许多赞扬，这对他来说都不为过。他在序言中即表明了他要以广阔的眼光来研究法律，因为“过于狭隘的法律观点防碍了其它学者有效的研究法律”，并对他的研究表示了谦虚的态度。合上书本，似乎能看到一位头发斑白的老人在人类历史的长河中孜孜不倦追寻法律、正义、自由的身影，这不禁让人肃然起敬。“人类不能以自己的无知为荣。”伯尔曼教授的声音掷地有声，值得我们深思。