第一篇：六、艺术作品典型和意境
六、艺术作品典型和意境
对于艺术作品来讲，典型和意境是十分重要的两个问题。一般来讲，典型重再现，意境重表现；典型重写实，意境重抒情；典型重描绘鲜明的人物形象，意境重抒发艺术家的内心世界。
以再现为主的各门艺术，如：戏曲、电影、电视剧等常常侧重于在作品中塑造典型；
以表现为主的各门艺术，如：抒情诗、山水画、音乐、建筑、书法等，常常侧重于在作品中创造意境。
（一）、典型
典型是艺术作品中塑造得成功的人物形象。
简言之，所谓典型，或称典型人物、典型性格、典型形象。
还有一种广义的解释认为：典型应当包括典型人物、典型事件、典型环境等。不管怎样，典型的核心是塑造鲜明生动的人物形象，这一点是大家所公认的。典型：冈察洛夫《奥勃洛摩夫》
典型的人物形象，确实是优秀的艺术作品中的显著特征。 绘画中典型的人物形象
古今中外，优秀的文艺作品曾经塑造了一系列不朽的典型人物，给人留下了难忘的印象。那么，什么是典型人物呢？
所谓典型人物是指通过鲜明独特的个性、能充分地表现一定阶级、阶层、集团或社会生活某些本质方面的具有独特审美价值和艺术魅力的人物形象。
罗中立《父亲》
文学中典型的人物形象 《红楼梦》为什么具有永久的艺术魅力？就是因为它成功地塑造了众多个性鲜明的典型形象。这些人物有血有肉，活灵活现，各人有各自不同的言谈举止、音容笑貌谁和谁也不可互相混淆。贾宝玉、林黛玉、薛宝钗、王熙凤等自不必说，就是同母所生的尤二姐和尤三姐，个性也截然不同，前者软弱，后者刚烈。连大大小小的使女丫头，也无一不各具独特的个性。
艺术典型是普遍性和特殊性的统一。任何艺术典型，都是在鲜明生动的个体中体现出广泛普遍的共性，在独一无二的个别形象中体现出有普遍性的某些规律。
《阿q正传》
阿Q质朴愚昧而又圆滑无赖，率真任性而又正统卫道，自尊自大而又自轻自贱，争强好胜而又忍辱屈从，狭隘保守而又盲目趋时，排斥异端而又向往革命，憎恶权势而又趋炎附势，蛮横霸道而又懦弱卑怯，敏感禁忌而又麻木健忘，不满现状而又安于现状。
他纠集了这些复杂的性格，用精神胜利法来获得自我满足。
阿Q是中国国民性的一个代表，是在典型环境下产生的典型人物。
《哈姆雷特》
生存还是毁灭，这是个问题 To be ,or not to be :this is the question 优柔寡断是哈姆雷特的主要性格特征。这代表了当时欧洲知识分子的普遍心态，因此，哈姆雷特的性格千百年来为人们所钟爱。
艺术典型不仅在个性中体现出共性，在特殊中体现出普遍性，而且也能在现象中体现本质，在偶然中体现必然来。
在具有个性的典型人物形象的塑造中，应当体现出具有一定社会内容和社会意义的必然规律。典型人物作为个人来讲，他的遭遇、经历、命运、性格、行为等等可能具有偶然性，具有不可重复性，但是，在他的这种偶然性中，又常常体现出特定的社会生活与历史发展必然性。（祥林嫂、葛朗台）
《祝福》祥林嫂
（二）、意
境
“意境”是中国古典美学传统的一个重要范畴.中国古诗词、画、文、书法、音乐、建筑、戏曲都十分重视意境。已经就是一书中情景交融的境界；使人的心灵和自然融合的产物；是中国艺术的最高层次。
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六、艺术作品典型和意境
《诗经》
惜我往矣，杨柳依依。今我来思，雨雪霏霏。陶渊明东晋
采菊东篱下，悠然见南山。
唐代的时候司空图，在他的《二十四诗品》中将诗歌分成二十四种品格，在书中集中讨论了“象外之象，景外之景”。也就是对“意境”深层次的元素进行了探讨，提出了“意境”的几个主要元素：“情、景、虚、实”，这是“意境” 最主要的元素。
到了清代理论家王国维正式提出了“境界说”，这是对艺术诞生以来一次深入地总结，也是成功地总结。提出了“境界” 应包括“情感” 和“景物”两方面。
现代理论家宗白华对“意境”有进行了进一步的升华，他说艺术家的心灵映射万象，“意境”是“情景交融，虚实相生”。这是中国艺术的最高层次。
1.虚实相生，以有形见无形。也就是说通过具体的艺术形象让人联想而产生情、神、意的体味和感悟，即“不尽之意”。
中国传统绘画中的留白而言，也属于一种虚实相生的“意境”之美。当我们在观赏中国传统绘画尤其是宋元以来的文人画时，经常会看到画面中很大一片空间不着一色，一片空旷的景色，这并不是画家的大意忽略，而是反映了中国传统哲学精神及旧文人典型的审美情趣。南宋马远《寒江独钓图》
此画以及其简练而苍劲的笔墨，创造出一种萧瑟惨淡的意境，画中的大片空白更增加了悲凉的氛围，这就是中国画善于利用留白，使得无画处皆成妙境。
八大山人的画，不是作为谋生手段，不作名利的阶梯，只是自己穷愁抑郁的自我表现。他创造的艺术形象虽然十分孤傲冷寂，却是他真情实感的自然流露。八大山人《荷花水鸟图》 2.情景结合
具有“以景寓情”的“深邃之感情”美。须知，“意境”之“意”，主要指渗透于“境”中之情，这情来源于对客观现实生活的体验，但又不等于生活中的一般感情，而是艺术家在对客观现实生活深刻体验的基础上，借助一定的审美意象抒发和表现的“景中之情”，有即情理统一的审美感情。人
闲
桂
花
落
（王
维）泪眼问花花不语
（欧阳修）
用艺术家的感情来看待自然，自然也就具有了感情
中国艺术家从来注重“意境”的创造，尤其是体现中国艺术意境的书法、诗词、山水画。唐
张旭书法
中西绘画对比《蒙特枫丹的回忆》
中国的国画也是意境的突出体现，国画中画松、梅、竹、菊实际上都是代表了中国文人、艺术家的品质、胸怀、节操。
《天池石壁 》黄公望 元代
“意境” 是中国艺术的最高境界； “典型” 则是西方艺术的理想状态。
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六、艺术作品典型和意境
第二篇：艺术作品中的意境和典型都是艺术创作的高层次形象
艺术作品中的意境和典型都是艺术创作的高层次形象，也是最富于审美价值的艺术形象和境界。毕加索曾说过：“艺术是时代的索引，任何一个时代的特殊感情都会诱导出与这些 意境一致的艺术形式。”意境是人对自己，对自己与周围世界关系 的一种主观态度和评价，它与人的需要、欲望和理想密切相关，具有强烈的主观倾向性。意境在审美心理活 动中，一方面，诱发各种心理因素积极参与创造活动，另一方面，融入其他各个环节的心理活动中，使整个 创作活动都感染上意境的色彩。意境指文艺作品或自然景象中所表现出来的情调和境界。端木蕻良 《关山月的艺术》：“画梅花的，很少能闯出 林和靖 式的梅花品格，总是强调暗香疏影这般意境。”
意境蕴涵着中华民族的审美观念，其美学思想贯穿于中国文学艺术的整个历史过程，并体现在每个具体的艺术领域。书法艺术的意境是书法艺术作品的灵魂，它使作品氤氲着灵虚之气，其特征表现为：语言寓意的模糊性、审美时空的无限性、格调审美的超逸性。简逸玄淡而饱蕴张力的线条，是意境创造的基础，旷达空灵的构图是意境创造的关键。书家具有与“道”冥合的天人合一的人生境界，才能使作品意境天成，而达到天籁自鸣的自然之境。佛道哲学思想对意境论的形成起了重要的作用。道家所阐述的“道”的最高境界和玄妙的特征及“言不尽意”的思辨性，给文学艺术家审美创造以深刻的启迪，为意境理论的产生和发展奠定了哲学基础。道家的哲学思想形成了中国的艺术精神，开辟了中国的审美之路。印度佛教的输入及中国禅宗哲学的兴起，对中国文学艺术理论的建构与发展起了极其重要的作用。野，并直接导致了意境论的诞生。
意境论萌发于魏晋，形成于唐，宋至清代得到了发展和完善。意境论蕴涵着中华民族的审美观念，它贯穿于中国文学艺术的整个历史过程，并体现在每个具体的艺术领域。书法艺术将其丰富的审美内涵熔铸在精湛的笔墨线条之中，使作品韵味无穷，意境深邃。
书法艺术是中华民族特有的一种传统艺术形式，它以艺术化了的汉字形象来表现人的气质、品格和情操，从而达到美的境界。书家将自己的诗意憧憬、情感意绪倾注在笔墨之中，通过线条的枯润浓淡和结体章法的虚实相生、起伏迭宕来表现自己的审美趣味及书法艺术的意境之美。书法艺术的意境美是书法作品的总体审美意向和审美氛围，氤氲荡漾着一股灵虚之气，是书法艺术的灵魂。它使作品超越有限的形质，而进入一种无限的境界之中。1.语言寓意的模糊性如孙过庭所说：“夫心之所达，不易尽于名言；言之所通，尚难形于纸墨”。2.审美时空的无限性。书法作品中的结体章法，是以笔墨点线巧妙地分割纸面的空白，使有墨处呈现出牵丝、仰俯、向背、疏密、长短、参差等变化之美；空白处浩渺无际，荡漾着一股灵虚之气，蕴涵着无穷的意象，这虚象即“象外之象”，使作品超越有限的形质，而进入一种无限的境界之中，它提供给欣赏者的是自由想象和驰骋情感的心理空间。
3.格调审美的超逸性。作为书家独抒性灵的书法艺术，其作品中的笔墨意象是书家人格的缩影，它从书家心源中流淌出来并浸染着书家的审美情趣及道德情操。书家的“人品既已高矣，气韵不得不高，气韵既已高矣，生动不得不至，所谓神之又神而能精焉”。
著名美术指导叶锦添，在他的作品中我们常常会看到东方美和中国元素的应用。《无极》是叶锦添是他寻求的东西方糅合转化的创作形式，尝试用新的方法，展现传统精神。且不谈该片的思想内涵与人物性格，单就视觉造型效果方面，堪称奇观。特别是满神与倾城的造型，兼具东方神秘和西方浪漫的美感。满神的服装、发型飘逸夸张，具有超现实的希腊神话质感，但服装的门襟、发饰运用的却是中国传统的元素，以大写意的方式表达东方的传统文化。王妃倾城的造型以唐朝丝质宫服为主，那件被讽刺为“风筝”的纯白羽衣，则直接脱胎于西方的天使形象。
《无极》的场面制作既具备好莱坞的震撼视觉效果，又不乏中国山水画意境的疏朗开阔。无论是童年倾城第一次遇到满神时的“镜花水月”，还是光明和倾城上演爱情乌托邦的“海棠精舍”，都让人印象深刻。陈凯歌形容说：“时间似乎停滞了，只有月色，海棠花，一潭湖水，一切太美了。”
艺术家通过个性化和本质化所创造出来的，既能反映现实生活的某些本质和规律，又具有鲜明独特的个性特征，既表现出一定时代人们的审美理想，又表现出艺术家自己独有的审美感受的艺术形象。
艺术典型是实际生活的真实反映，但又比普通的实际生活更高、更鲜明，更有集中性，更带普遍性，从而更富有审美价值。艺术作品中的一般人物形象都具有某种程度的个性化和概括化相统一的特点，而典型形象则
要求高度个性化和高度概括化的统一。它既不是类型，又不是个性。其所反映的共性，可以是某一阶级、阶层的某些阶级性，也可以是超越了阶级性的某种社会普遍性，体现了一定时代的社会关系的某些本质。
吴宇森导演的《英雄本色》，让小马哥的形象深入人心。风衣+墨镜+双枪+牙签的“小马哥”经典造型；用美钞点烟，用啤酒浇腿，在枫林阁双枪复仇，十步杀一人，千里不留行，“虽万千人，吾往矣”的英雄气概让无数人为之心动。这部影片开创了香港“优雅”的黑帮片时代。小马哥的形象是个性与共性的高度统一，吴宇森用典型化的方法，创造出来的具有栩栩如生的鲜明个性并体现出普遍意义的典型形象。小马哥的形象深深地影响了一代人。
第三篇：结合浪漫主义艺术作品谈浪漫主义典型的特点
结合浪漫主义艺术作品谈浪漫主义典型的特点
浪漫主义典型特点也是有：一典型人物，二典型特点，三典型环境。但浪漫主义三个典型特点对于现实主义的三个典型特点来说在表现形式和手段方面有所不同。其一：注重表现神奇性；其二：在对三个典型特点处理主观、客观的时候比较追求主观情感的强烈表现性；其三：在表现符号上追求幻象、奇特、夸张。
就像《自由引导人民》这幅著名的作品，是德拉克罗瓦最具有浪漫主义色彩的作品之一。画家以奔放的热情歌颂了这次工人、小资产阶级和知识分子参加的革命运动。高举三色旗的象征自由神的妇女形象在这里突出地体现了浪漫主义特征。她健康、有力、坚决、美丽而朴素，正领导着工人、知识分子的革命队伍奋勇前进。强烈的光影所形成的戏剧性效果，与丰富而炽烈的色彩和充满着动力的构图形成了一种强烈、紧张、激昂的气氛，使得这幅画具有生动活跃的激动人心的力量。
画面采取了顶天立地的构图形式。倒在地上的尸体、战斗的勇士以及高举法国三色国旗的女子，构成一个稳定又蕴藏动势的三角形。他们身后都是一往无前的战士。典型环境是周围硝烟弥漫，远处的建筑是巴黎市中心的标志——巴黎圣母院。谁都可以看出，这是一个热火朝天的战斗场面，战死的人、受伤的人、冲锋的人，全都表现得精确逼真，令人如同身临其境看到现场一样。不过，通过典型环境难免有观众会问，为什么现实中会出现这样一位袒胸露怀的女子形象呢？这就要谈到德拉克洛瓦的浪漫气质了，他将神话中的自由女神与浴血奋战的人民安排到一起，她长着希腊雕塑般的轮廓，穿着朴素古典的衣着，与周围身穿现代服装的男士们相比，她更像一个抽象的人，代表着最高的精神与意义。画面中的女子正是把浪漫主义典型人的特征发挥到了极致。画上展示的巷战场面，是画家在上百幅“七月革命”街垒战的草图的基础上定稿的画面。图中的典型人物：是那位在硝烟中一手高擎三色旗，一手提枪，奋勇当先，正在召唤群众前进的青年姑娘，既是起义参加者的真实写照，又是自由女神的象征。典型人物旁边的少年鼓手正挥动着手枪，急速向前奔跑。另一边头戴高帽的大学生正意志坚定地注视着前方。他身后有两个工人挥舞着尖刀，表情刚毅，显示出愤怒的神色。还有在他们后面还有许多起义群众。前景右侧有两名政府军的士兵倒毙在地上，左侧躺着一位为自由而献身的起义者。一名受了重伤的青年工人正抬头仰望，期待着自由的来临。他的上衣、露出来的一角衬衣和腰带正好是三色旗的颜色。这些典型细节更加突出了在刻画典型人物时的幻象、奇特、夸张。也表达出作者在对于画面典型人物刻画时为追求主观情感的强烈表现性。
所以浪漫主义三个典型特点是不太追求特定历史时期真实的历史状况的。更多的是注重神奇性和主观情感的强烈表现。在符号运用上追求幻象、奇特、夸张。
第四篇：书法艺术作品欣赏
书法欣赏要点《书法艺术作品欣赏[导读]
学习书法可以陶冶人们的情操，它既是一门学问也是一门艺术
书法的书写方法主要可以有以下几种，描摹，临写，背临，创作 2010年04月02日
整理：书法欣赏要点
（一）(2008-02-29 13:36:43)
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标签： 杂谈分类：音乐艺术
单位的电脑还没好利索，没法一下子上很多图，只好把中国书法发展史的学习暂时搁一搁，分享一些书法欣赏的理念。
中国人和其他深受汉文化影响的民族，都十分钟情于黑白世界：首尾相交的太极图中的两条鱼，其一黑，其一白；风靡世界的中国围棋，有黑子，有白子；……书法的白纸、黑字，构成迷人的世界；加上优美的诗文、红红的印章，一幅书法佳作，它融入的是诗书画印，从而成为一个综合艺术的天地，让欣赏者畅游其中，各有所得。
流传的书体主要有真、草、隶、篆；细分有大篆、小篆、隶书、楷书、行楷、行书、行草、草书、大草（或曰狂草）等。史籀有大篆，李斯创小篆，程邈成隶书，王羲之大成隶、楷、行、草、因他的书体在书法史上贡献最大，最有实用价值，同时也最具审美价值，所以被后人称为“书圣”。如今能见到的最早的书法作品真迹，当为西晋陆机的《平复贴》，王羲之的书法真迹，近代人谁也没有见过，只见碑、贴、摹本传世。在王羲之以后，中国书法发展史上出现了不少名家，像熟知的“颜、柳、欧、褚”，“张旭、怀素”，宋四家“苏、黄、米、蔡”，“赵孟頫、鲜于枢”，“文征明、詹景凤、祝枝山、董其昌”等等。
南朝书家王僧虔在《笔意赞》中说：“书之妙道，神采为上，形质次之，兼之者方可绍于古人”。强调以形写神，形神兼备。
一般地说，“形”包括点画线条(xiantiao)以及由此而产生的书法空间结构；指字的结体，外观，布局，留白等。质是指作品的用笔技巧，线条(xiantiao)只量，墨色变化等，形质是实的方面。神韵是指作品神采，韵味，情趣等，这是虚的方面。
（一）书法的点画线条
书法的点画线条具有无限的表现力，它本身抽象，所构成的书法形象也无所确指，却要把全部美的特质包容其中。这样，对书法的点画线条就提出了特殊的要求。要求具有力量感、节奏感和立体感。高质量的线条包括厚实（立体感），圆润，力度，藏露等。而要有这样的效果，就要求书写者必须学会以中锋为主的用笔方法。我国古代对书法的线条质量有过一些很精彩的比喻，其中“锥画沙”指的是笔管必须与纸平面垂直，使笔端锋正；“印印泥”指的是在宣纸上留下的墨迹，向线条两边渗透的宽度应该大致相等，使线条圆润，“屋漏痕”指的是书写的墨迹有堆积的感觉，使线条厚实，力透纸背。“折钗股”指的是笔画在折转时应该干净利落，斩钉截铁。“壁坼纹”是指线条必须有力度感，苍劲老辣。我们在看字时，应该看看他的线条是否有上述感觉。
欣赏书写用笔美。众所周知，毛笔是与钢笔、圆珠笔等硬笔大不相同的软笔。东汉蔡邕论书法说：“唯笔软则奇怪生焉。”毛笔的毫接触纸面的角度、轻重、缓急，加上其蘸墨的浓淡、多寡，使写出的作品各具面目。也正是因为使用这神奇的软笔，历代书法家都相当讲究用笔的美。美的用笔，其最基本的要求就是“骨肉相称”；既不能肉肥如猪，也不能骨瘦如柴。无论点画光洁、圆润、明媚、或者苍茫、刚劲、轻柔，它都应给欣赏者以美的质感——一种“立体”的、“刻”在纸上的美感。而失败的、不美的用笔，则使点画重浊、浮华、扁薄、黯淡，了无生气，毫无美感可言。不过，中国书法的欣赏讲究“中
庸”，用时髦的话说就是讲究“辩证法”：雄强刚健过头，则失之粗野；迅疾爽利过分，则失之生犷；轻快柔和过度，则失之软媚……
有的毛笔字，从纸的正面看有字，从纸的背面看无字，说明写字人行笔无力不能力透纸背。有的毛笔字，从纸的背后看笔划断续，说明写字人行笔用力不均匀。如“大”字，从纸背后看，起笔处是点，收笔处是点，交叉处是点，整个字的背面是6个点，这就是行笔用力不均匀所致。
1、力量感
点画线条的力量感是线条美的要素之一。它是一种比喻，指点画线条在人心中唤起的力的感觉。早在汉代，蔡邕《九势》就对点画线条作出了专门的研究，指出“藏头护尾，力在字中”，“令笔心常在点画中行”，“点画势尽，力收之”。要求点画要深藏圭角，有往必收，有始有终，便于展示力度。需要注意的是，我们强调藏头护尾，不露圭角，并不是说可以忽略中间行笔。中间行笔必须取涩势中锋，以使点画线条浑圆淳和，温而不柔，力含其中。但是，点画线条的起止并非都是深藏圭角不露锋芒的(大篆、小篆均须藏锋)。书法中往往根据需要藏露结合，尤其在行草书中，千变万化。欣赏时，既要注意起止的承接和呼应，又要注意中段是否浮滑轻薄。
2、节奏感
节奏本指音乐中音符有规律的高低、强弱、长短的变化。书法由于在创作过程中运笔用力大小以及速度快慢不同，产生了轻重、粗细、长短、大小等不同形态的有规律的交替变化，使书法的点画线条产生了节奏。汉字的笔画长短、大小不等，更加强了书法中点画线条的节奏感。一般而言，静态的书体(如篆书、隶书、楷书)节奏感较弱，动态的书体(行书、草书)节奏感较强，变化也较为丰富。
3、立体感
立体感是中锋用笔的结果。中锋写出的笔画，“映日视之，画之中心，有一缕浓墨，正当其中，至于折处，亦当中无有偏侧。”这样，点画线条才能饱满圆实，浑厚圆润。因而，中锋用笔历来很受重视。但是，我们不能发现，在书法创作中侧锋用笔也随处可见。除小篆以外，其他书体都离不开侧锋。尤其是在行草书中，侧锋作为中锋的补充和陪衬，更是随处可见。
（二）书法的空间结构
书法的点画线条在遵循汉字的形体和笔顺原则的前提下交叉组合，分割空间，形成书法的空间结构。空间结构包括单字的结体、整行的行气和整体的布局三部分。
1、单字的结体
单字的结体包括工稳，正欹，呼应，向背，疏密，均衡，长短，肥瘦等，要求整齐平正，长短合度，疏密均衡。这样，才能在乎正的基础上注意正欹朽生，错综变化，形象自然，于平正中见险绝，险绝中求趣味。
2、整行的行气
书法作品中字与字上下(或前后)相连，形成“连缀”，要求上下承接，呼应连贯。楷书、隶书、篆书等静态书体虽然字字独立，但笔断而意连。行书、草书等动态书体可字字连贯，游丝牵引。此外，整行的行气还应注意大小变化、欹正呼应、虚实对比，以及由此而产生的节奏感。这样，才能使行气自然连贯，血脉畅通。
好的书法作品中每个字的间架结构和字与字之间的结构仿佛都有音乐的韵律。
3、整体的布局
书法作品中集点成字、连字成行、集行成章，构成了点画线条对空间的切割，并由此构成了书法作品的整体布局。要求字与字、行与行之间疏密得宜，计白当黑；平整均衡，欹正相生；参差错落，变化多姿。其中楷书、隶书、篆书等静态书体以平正均衡为主；行书、草书等动态书体变化错综，起伏跌宕。
“真、草、隶、篆”，每种字体都有自己的行笔的法则。行笔法则变了，字体也跟着有所变化，也许新的、更好的、具有审美性的字体就产生了。我们赏析一幅书法的好坏一定要从每一笔的起笔、行笔、收笔去看，看起笔是否有力，行笔用力是否均匀流畅，在写点、横、折、竖、勾、撇、捺、提等笔划
时，是否符合这种字体的行笔法则，这些行笔法则都是前辈大书法家千锤百炼出来的。每个大书法家在行笔都有不同，但万变不离其宗的是其写的每一笔划都有功力，都有审美价值。书法家在行笔上没有功力、没有审美价值的笔划叫“败笔”。所以书法家不可不以前人好的行笔法则为学习基础，练好书法行笔中每一笔的基本功。
（三）书法的神采意味
神采本指人面部的神气和光采。书法中的神采是指点画线条及其结构组合中透出的精神、格调、气质、情趣和意味的统称。“神采为上，形质次之，兼之者方可绍于古人”。说明神采高于“形质”(点画线条及其结构布局的形态和外观)，形质是神采赖以存在的前提和基础；因此，书法艺术神采的实质是点画线条及其空间组合的总体和谐。追求神采，抒写性灵始终是书法家孜孜以求的最高境界。
书法中神采的获得，一方面依赖于创作技巧的精熟，这是前提和基础；另一方面，只有创作心态恬淡自如，创作中心手双畅，物我两忘，才能写出真情至性，融进自己的知识修养和审美趣味。
字乃抽象的画，好的书法作品充分展示着画的意境。书法中内涵的势态包括大气还是小气，是潇洒、飘逸还是拘谨，是格调高雅还是低俗，是厚重还是轻浮等等。王羲之的字潇洒飘逸，颜真卿的字厚重，文征明的字格调高雅。总之，书法作品所涵盖的丰富语言，从某一角度来说，应是书法家人格的写照。
第五篇：蒙娜丽莎,父亲艺术作品评析
罗中立的油画《父亲》刻画了一位典型中国老农父亲的形象。油画中老人脸上沟壑似的皱纹，深陷的眼睛露出了凄楚，迷茫又带着恳切的目光，像是在缅怀过去又像是在期待未来，让人感受到目光中的质朴与善良。干裂焦灼的嘴唇似被风干许久，仅剩下一颗门牙的嘴里不知饱尝多少酸甜苦辣，布满伤痕的大手捧着一个破旧的粗瓷碗在喝水，黝黑的皮肤不知经过多少日晒留下多少汗水。稀疏的胡须还有那象征着悲剧色彩的苦命痣无不打上了他艰苦劳动生活悲剧的烙印。还有他耳上夹的圆珠笔，让人感到心酸，同时更加体现出这是一个虽饱经沧桑却对生活充满希望期待的老农父亲形象。
《蒙娜丽莎的微笑》是意大利著名画家达芬奇创作于1504年左右，法国巴黎卢浮宫的镇馆之宝。它是直接画在白杨木上的，此画面积不大，长约77厘米宽53厘米。
是一副享有盛誉的肖像画杰作，代表达芬奇最高艺术成就，成功的塑造了资本主义时期一位城市资产阶级妇女形象。画中人物坐姿优雅笑容神秘，背景山水幽深。画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合。对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位，也特别着重掌握精妙与含蓄的辩证关系，把这些部位画的若影若现没有明确的界限。从而使蒙娜丽莎的微笑有种神秘莫测的千古奇韵，被不少美术史家称为“神秘微笑”。
达芬奇在人文主义思想下，着重表现人的感情。在构图上，以正面的胸像构图，透点略微上升，形成金字塔形，蒙娜丽莎就显得更端庄稳重。另外蒙娜丽莎的双手柔嫩，精确，丰满，展示了她的温柔，及身份和阶级地位，显示出达芬奇的精湛画技，和他观察自然的敏锐。画中左边地平线比右边低，蒙娜丽莎左边看上去比右边略低。
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