舞蹈动律在声乐教学中的意义

第一篇：舞蹈动律在声乐教学中的意义

舞蹈律动在声乐教学中的意义

聂跃军

内容摘要：舞蹈有形而无声，音乐有声而无形。在声乐教学中将舞蹈律动与歌曲特性进行有机融合，声乐教学课堂就不会抽象，表现形式会因视觉和听觉的相互作用而丰富，身体律动与声音相结合会因表现更为直观而具体，教学效果会因声音表现的具象化而提高。本文以舞蹈动作为切入点来诠释身体律动对声乐教学的作用和意义。

关 键 词：舞蹈动律 声乐教学 作用与意义

舞蹈属于视觉艺术，有形而无声；声乐属于听觉艺术，有声而无形，但同样凭借自身肢体和器官的作为表现手段和表现工具，来表达人类的思想感情。在声乐教学中如果能够恰当借用舞蹈肢体语汇来表现或诠释抽象的声音感觉，必将对声乐教学起到促进作用，将舞蹈律动与歌曲特性进行有机融合，声乐教学课堂就不会抽象，表现形式会因视觉和听觉的相互相成而更为丰富，教学效果会因声音表现的具象化而提高。故此，在声乐教学中恰当借助舞蹈律动的直观表现形式，将会对教学效果起到促进作用，将舞蹈律动融入声乐教学对推进教学改革必然具有积极的意义。

一、舞蹈律动对声乐教学可起到辅助作用

舞蹈是视觉艺术，舞蹈是以肢体作为表现工具，在动静流动之间形成无穷尽的造型变化，以此作为表达思想感情的一种艺术形式。舞蹈动律是肢体语言的基础，它根据思想情态和音乐节奏而发生潜意识的、反复的肢体运动，从而形成有规律的动作模式。

声乐是听觉艺术，声乐是用人声唱出的带有语言的音乐，也称为艺术歌唱。声乐是运用艺术化的歌唱语言与科学化的艺术嗓音相结合,塑造出鲜明生动,悦耳动听的听觉形象,来表现语意高度凝炼的歌词以及典型化、情感化的旋律音调,借以抒发思想感情并进行二度创作的一门音乐表演艺术。

（一）将舞蹈动律纳入声乐教学便于学生更能准确把握演唱作品风格特点。要准确表现一个艺术作品，首先就需要了解这个作品的创作环境、民族类型、风

格特色等作品背景。由于舞蹈的动作造型直观表现的特性，不同风格的作品必定有不同的动作体现。教师在讲解作品背景时除了语言表达之外，适当再加上肢体动作。就如：对于表现蒙古族的歌曲作品，就要清楚这是一个草原上的马背民族，在让学生想象那种身处辽阔大草原上纵马奔腾的感觉时，所产生的自然而然的，又具有明显民族风格特点的身体律动，让那种辽阔心境和纵马驰骋的情景，在身体律动和歌曲演唱中

（二）将舞蹈动律纳入声乐教学可将抽象的听觉感觉转换为直观的动作感觉。在声乐教学中除了语言讲解、示范模仿之外，在纳入舞蹈肢体动作和风格特点韵律的内容，适当将舞蹈动律与歌曲韵律相结合，从直观视觉方面进行展示和表现，促使学生便于进一步把握表现作品内涵。

舞蹈和声乐同样运用身体作为表现工具，来塑造视听艺术形象，表达思想感情。在声乐教学中老师们往往会专注于单一听觉方面的要求，而忽略肢体律动对声音表现的所能产生辅助作用，致使教学手段及方式方法的一定程度上存在局限性。

二、舞蹈律动对声乐教学具有强化感情表达的作用

歌唱的本质是人类思想情感的表现，它以歌声为主要手段，表达人的内心情感，演唱者通过运用熟练的发声技巧，以真挚的情感、优美的声音生动地表达声乐作品的思想内容来感染对象，引起感情共鸣。在古代唱论中就非常注重对情感的要求。清《乐府传声》中写道：“唱曲之法，不但声之宜讲，而得之情尤重。……唱者不得其情，则邪正不分，悲喜无别。即声音绝妙，而与曲词相背，不但不能动人，反令听者索然无味矣。”文中指出，唱曲一定要唱情，否则即使声音再美妙也不会让听者感动。所以没有情感的演唱，即使有好的声音条件和高超的发声技巧，也会使人感到这只是在卖弄声音和技巧而已。要想把“歌”唱好的关键还是要以情带声，“情真歌亦美，音美情更真”。

作为一种艺术表现形式的声乐演唱，是由“声”与“情”的高度融合来体现艺术审美感情的。“声”与“情”在艺术表现中作为统一的表现整体，其中“情”是起主要作用的，“声”是传情的手段，也是传情的保证。脱离开“声”与“情”的内在联系，孤立强调某一方面，将很难达到理想的歌唱艺术效果。由此可见，正确把握歌曲演唱中的情感表达，是歌唱的源泉和基础，是声乐教学的重中之重。

“言之不足，故嗟叹之。嗟叹之不足，故手之舞之，足之蹈之也。”歌和舞都是人类生产生活发展过程中感情表现的产物。在声乐教学中有意识地将舞蹈动律融入歌唱表演中，会促使学生尽快身体力行地投入作品、感受作品，从而准确表现作品。

由于舞蹈肢体运动造型的特性，在动作运动变化的同时，使人很自然地就会融入某种感情状态中。艺术家在表演时，舞蹈律动一旦与音乐动律相结合，进而逐渐统一和谐，这时情感状态自然会融入其中，在自我投入的体验和表现的同时，也感染了听众，这样的演唱就是最成功的。

然而我们的教学对象----大学生们，毕竟他们的经历和体验太少，要真正理解歌曲意境内涵是有很多障碍，要去表现一些深度的作品还是有一定困难的。不过相信通过舞蹈风格特点律动的融入，学生在身体律动中演唱必定能更好的表现作品情感和风格特色。所以舞蹈律动对声乐教学必定会起到情感表达的作用。

三、舞蹈律动对声乐教学可起到丰富课堂内容的作用

兴趣是最好的老师。知识本身是很有吸引力的，然而，一些呆板教学方式却往往会激发学生与生俱来的或者是潜意识里就存在的逆反心理，这是当今大学在课程教学过程中所普遍存在的问题。作为声乐专业的课堂教学，艺术科目的性质本身本应具有很强的吸引力，然而，传统教学方式、呆板的教学方法、单一的教学内容，让本来身体嗓音条件一般，对专业知识积累浅薄的这类学生对专业丧失信心。

“台上三分钟，台下十年功。”每一个作品的成熟演唱，在学习阶段必定会经过无数次的重复，无数的重复是枯燥的，枯燥的学习过程在与单一的教学方法邂逅时，会给本来对艺术缺乏执着追求的当代大学生产生浮躁心理，让声乐教学的严谨要求面临着更多的挑战。有人说“天才是无数次重复而产生的可能结果”。要吸引学生有兴趣并真正投入到这种“无数次重复”的学习过程中，更何况需面对所有学生，其难度可想而知。解决唯有一法：即改变教学方法，拓展教学内容，丰富教学课堂。

舞蹈和声乐虽然同样利用身体条件作为表现工具，但又有视觉和听觉的区别，如果我们能够将其二者有机结合，不但能拓展声乐教学内容，又能丰富声乐课堂。改变和创新是促进教学效果、提高教学质量唯一途径，也是学校教育改革 3 的主导思想。

声乐教学一旦融入了舞蹈的律动元素，以歌伴舞、以舞伴歌、边歌边舞，歌和舞相互作用，声音与肢体的整体或局部的造型及律动，所形成的由里到外的、立体的、完整的一种表现形态。将造型艺术、试听感觉、节奏律动等等相关的知识贯穿在作品表现这一目标上，教学课堂将不再单一和呆板。身体律动与动作造型在一定程度能够弥补学生声音把握的欠缺，让其找到演唱的自信，提高学习的兴趣，在大大丰富了课堂内容的同时，学生由被动学习转变为主动参与，学生们在融洽且快乐的气氛中学习到更多的专业知识。

四、舞蹈律动对推动声乐教学的发展和研究具有现实意义

舞蹈律动是根据音乐节奏的跳动，有规律的运动。这种规律又包括艺术心理的感情运动规律和艺术心理的审美规律。从理论定义的角度出发，虽然声乐是音乐与语言相结合的一种艺术形式，但从表现和使用的功能角度来看，我们在表现作品时不可能只单一给对象声音感受，就从字面解释“演唱”二字，演是首位，唱居次之，合二为一，故为演唱。表演和歌唱是统一体，表演涵括了内在情感和外在表现，由里至外、由外至里，声音和动作、节奏和律动均是演唱成功与否的关键，同时也是声乐教学中不可缺少的要素之一。声乐教学并非是独立存在个体，他需要更多知识的支撑，舞蹈律动也是其中最直接的构成部分。

随着艺术专业分科愈趋细化，声乐专业也存在盲目强调“专业” 教学的状况，然而，面对日益普及的大众化艺术教育的社会需求，我们是否应该再次重新审视我们的声乐教学，我们传统的教学计划、教学大纲、教学方法及教学目标。总之，从舞蹈律动的角度出发来推动声乐教学改革，只是艺术教学改革的很微小的一方面。但从教学改革的根本出发点上我们还有许多命题需要面对，许多实际问题还需深入的探讨和研究，但不容否认的是，舞蹈律动与声乐教学相互所能产生的积极作用是不容质疑事实，其现实意义也就明显其中了。舞蹈律动在声乐教学的意义作为一个命题单独提出的目的，只是以期起到抛砖引玉之作用。要真正推进声乐教学改革和科学发展，还需要声乐教学的所有参与者不懈的探索和总结，让舞蹈与音乐以及其他学科真正相融相依、相辅相成，各种艺术元素的完美结合给人类带来更多的艺术享受。

参考文献：

（1）吕艺生 《舞蹈学导论》上海音乐出版社 2003.9（2）江心《舞蹈知识100问》华乐出版社 2001.7（3）隆荫培 徐尔充《舞蹈艺术概论》上海音乐出版社1979.4（4）

第二篇：略论音乐分析在声乐教学中的意义

略论音乐分析在声乐教学中的意义

摘要：在声乐教学中，教师把主要的精力都放在声音本身上，而常常忽略对所演唱的作品本身的分析。由于声音处理的依据是建立在对作品的分析理解之上的，因此只关注声音本身的声乐教学会使演唱的整体结构缺乏逻辑性。声乐教学中的音乐分析有自己特定的要求、内容与方法。其总体目的是通过分析把握音乐作品的结构脉络与层次，使演唱有理可依，有规可循。从而获得更好的教学与演唱效果。

关 键 词：声乐教学；音乐分析；结构分析；风格分析

中图分类号：J 616 文献标识码：A 文章编号：1004-2172（2008）02

在声乐教学中，教师通常都特别注意歌唱技术的训练。大多数学习者也抱有这样一种观点，那就是有一副好嗓子和一些音乐才能就是唱好一首歌曲的全部。但声乐教与学的最终目的不是能发出几个漂亮的高音这样简单，最根本的衡量标准是对音乐作品的诠释能力。因此，演唱者必须对音乐作品有一个完整深入的理解，并以此作为声音处理的依据，这样才有可能释放作品本身所蕴涵的音乐内容，较高质量地完成二度创作。因此，在声乐教学中，对所演唱的作品的分析的深度对演唱的质量有着直接的影响。如果忽视对作品本身的分析，就使声乐演唱缺乏整体感，声音的处理缺乏逻辑，使整体的演唱效果缺乏扣人心弦的艺术魅力。因此在声乐教学中，重视对所演唱作品的音乐分析不仅是必要的更是必需的。

一、音乐分析在声乐教学中的必要性

一提起对演唱作品进行分析，声乐教育者可能首先想到的是对歌曲或演唱作品的歌词声韵进行分析。这当然是演唱歌曲所必需的，但我们还需要知道这首歌曲的结构、分句、风格，咏叹调在剧情发展过程中的地位等问题。光有好的声音是演唱的基础，但如果对作品本身的问题没有很好的分析研究，就容易使音乐的整体缺乏立体感、层次感和结构感。音乐是时间的艺术，它不像美术、建筑等艺术，结构是存在于时间过程之中的，如果对音乐作品的内部结构和外部关系没有进行比较深入的分析研究，那么演唱的整体效果就很难构成一个完美的空间结构。从这个意义上来说，音乐分析对于声乐演唱和声乐教学具有重要的意义。从另一个方面来说，在声乐教学中强调对作品的音乐分析可以提高学生应对新作品的能力。因为演唱中的声音处理必须建立在对作品的分析上。古人云：“授人以鱼不如授人以渔”。教会学生处理歌曲可以避免学生毕业后只会演唱教师指导过的作品的现象，从本质上提高声乐教学的质量。

二、声乐教学中音乐分析的内容

声乐教学中的音乐分析与作曲理论研究中的音乐分析不完全相同。在声乐教学中，音乐分析主要是与声乐的空间结构构建相关的。主要包括以下几个方面的内容：

（一）、结构分析

说起结构分析，人们首先会想到曲式分析。在声乐教学中，曲式分析虽然也是必然的，但它的要求却截然不同。比如当分析一首歌曲是三段式时，它就对声音的形象处理提供了依据和要求。因为在再现三段式中，第三段从音乐形态上来看与第一段相同，但其音乐意义却不同。再现段不是第一段的静止重复，而是音乐发展的一个新的阶段，再加上速度、伴奏等方面的因素，会在声音的色彩、亮度、力度、演唱的情绪方面产生不同的要求。如果对三段式没有这样一个逻辑性的认识，演唱者就会机械地处理首尾相同的两段，这样显然不利于很好地诠释作品。对音乐段落内部结构的分析也对作品的演唱有很大的影响。比如乐段内各乐句的关系、乐句的起迄等等，都对声音的形象有直接的影响。我们经常会看到有些演唱者在处理两个或多个相同的乐句时的呆板或缺乏逻辑。如果对乐曲进行比较深入的分析，对这样几个相同的乐句就可能采用更加合理的变化处理。再比如在许多歌词的结构和旋律的结构不一致的地方，只有经过细心的分析才可能正确断句。而这些细节对声音的表现力有着直接的影响。结构分析还包括更广泛的内容，在演唱组歌、套曲、清唱剧、歌剧作品中的选段时，这一点就十分重要。比如一段歌剧的咏叹调，你只分析咏叹调本身的结构是远远不够的，还必需分析整部歌剧的结构及情节发展的脉络，然后分析所演唱的咏叹调在这一过程中的阶段，咏叹调主人公在整个人物关系结构网中所处的位置等等。比如马勒的《大地之歌》第一乐章是一首歌咏人世悲愁的男高音饮酒歌，歌词源自李白的《悲歌行》。马勒改写的歌词为：“金杯中的美酒且不要饮，先让我来唱歌，请你倾听!我歌唱惊心动魄的忧愁之歌。当忧患临近，灵魂的花同里野草丛生，欢乐的歌已沉寂不可闻。生和死都是一片幽瞑!”。毫无疑问，“悲”是该段音乐的主要情绪。但作为一部大型音乐作品的第一首，无论从整体结构不是上从情感结构上来看，其悲都不能达到顶点，因此，在处理这一段的悲时就会获得比较好的把握。当然，从内容上来分析，这段歌词虽有因孤独而形成的悲，但也有诗人一种曲高和寡、知音难觅的意思，还有一点看破红尘，向往宁静的意思在里面。但从整体结构上来把握是保证情绪演绎恰如其分的重要保证。结构分析对声乐演唱质量的影响是间接和潜在的，但却是完美的演唱所必需的。声乐教师在处理歌曲时，当技术问题解决后，对歌曲演唱整体的处理主要放在结构上，比如乐段的情绪及不同乐段之间的对比；每个乐句的走向、各乐句之间的关系与衔接等等。此外，结构分析还可能涉及到作品的音色布局、力度逻辑、高潮起落等因素。

（二）、风格分析

不同的音乐作品总给人造成某些不同的听觉与情感体验，任何作品都会在呈示的过程中以某种特定的风格特征呈现。作为演唱者，一个重要的表现目的是忠实作品的自身风格。人们常说某某人演唱的味道很对，这很大程度上是说演唱的风格把握得很准确。如果说结构分析关注的往往是作品内部的组织逻辑，那么风格分析总是关注作品与外部世界的关系。这一点对于声乐教学和演唱有着特别重要的意义。因为演唱最本质的属性是演唱者和欣赏者之间的一种信息流通活动。著名未来学学者托夫勒在他的《科学和变化》一文中曾说过：“在当代西方文明中得到最高发展的技巧之一就是拆零，即把问题分解成尽可能小的一些部分。我们非常擅长此技，以致我们竞时常忘记把这些细部重新装到一起。” 结构分析方法就是“拆零”，也就是将一首音乐作品的分解成乐段、乐句、乐节等等进行演唱的处理。而风格分析则是对音乐作品的整体面貌进行分析研究。我们知道，任何一部音乐作品的音乐语言的组织、音乐风格的形成，必然有其外部联系，具体表现在以下几个方面：第一，总是和作曲家个人的世界观、艺术观、艺术趣味，以及音乐语言创造方面的天赋相联系；第二，总是和作品产生的社会生活背景、其他文化艺术形式及美学思潮的演变相联系。影响音乐作品风格的外部因素非常多，作为声乐教学中的风格分析没有必要做到如此全面，主要应从以下几个具体的方面加以分析：

1、确定作品的时代风格。比如是古典的、浪漫的还是现代的；

2、确定作品的地域风格；

3、作品整体的调式风格。比如要确定其调式风格是民族的还是西洋的、是哪个民族的；

4、钢琴伴奏的和声风格。分析它是传统功能和声还是现代的非功能和声。

5、旋律结构风格。比如旋律音程的特点、变化音的特征、分句的特点、装饰音的规律等等。

（三）、背景分析

这一部分在目前的声乐教学中应该说是做得比较好的。所谓背景分析就分析与音乐作品间接相关的历史人文背景。这一点对于大型作品特别是歌剧的演唱有十分重要的意义。比如要了解歌剧作品的作曲家，因为作曲家的生平蕴含着复杂的人生经历，许多伟大的作品都是作曲家在命运之路上艰难地跋涉时的情感产物；了解歌剧产生的时代背景以及当时演出时的盛况；分析角色主要的唱段；唱段表现的戏剧情节、感情冲突和环境氛围等等。这样的分析可以使演唱具有一种历史感，可以在对作品背景了解的基础上使演唱者产生理性的情感共鸣，从而获得更好的演唱效果。

歌曲是音乐和文学的结合，对作品的文学分析也是必不可少的。每一位诠释歌曲的音乐家的目标都是要反映和再创作曲家从歌词自身所激发出的最初的冲动。歌词赋予歌曲以色彩。歌曲的颜色，歌词的意象，必须被歌者通过内心的幻想画在每一个细节上，这样音乐作品内在的特性、情绪和精神才有可能被反映在演唱者再创作所营造的气氛当中。而要完成这些，就必须对歌词进行深入的内容分析，而不是仅仅关注它们的读音、声韵、开口闭口等因素。每一首歌曲都包含着歌者所营造的一种情绪和一种气氛。每一首歌都有一种情绪和一种气氛。拿现在已知的著名的中国作品来讲，已涉及唐诗宋词中的诸多作家，元代及明清的诗词作者，以及近现代的刘半农、徐志摩、田汉、光未然等作家。外国歌曲、清唱剧和各剧种所涉及的体裁有诗、剧本、小说、神话、史诗等。涉及的作家从英国的莎士比亚到法国的戈帝埃、魏尔伦，从德国的歌德、席勒、海涅到俄国的普希金、托尔斯泰，还有《圣经》中的故事、赞美诗、经文歌等也都进入了声乐文献。这就要求我们的声乐老师不能仅仅满足于把歌词的正确读音教给学生，不要对文歌词的作者、时代、社会背景有一个比较全面的了解，具有这样才有能力给学生讲清楚，才能使学生了解作品所在的整个时代风格，从而更加准确地把握表现作品的分寸。

三、声乐教学中音乐分析的步骤

在声乐教学中，对所演唱的作品进行分析可以依据以下步骤进行：

（一）、背景分析

包括作曲的时代、风格、技法特点；作品的创作时代、地点；作品产生时代的文化思潮；作品在音乐史上及作曲家本人创作中的地位；歌词分析。

（二）、结构分析

包括作品的曲式；内部的段、句、节之间的划分与关系；句势与走向；如果是歌剧等大型作品，还应分析整体的戏剧结构及音乐结构，以及戏剧结构与音乐结构的重合与交错；高潮的酝酿形成等等。

（三）、风格分析

主要包括时代风格；作曲家风格；体裁风格；调式风格；和声风格；旋律风格等等。

当然，这些分析并不一定要以严格的先后顺序进行。但是老师应该设立一个明确的分析步骤，养成一个良好的教学习惯。这样做可以使声乐教学更加科学化。因为声乐教学往往建立在个人体验基础上的教学法或者建立在直接模仿基础上的教学方法。这些教学法应当说是有其合理的部分的，比如不少歌唱大师在讲述其歌唱方法时，主要就是描述其个人的内在体验，而许多老师也一直使用模仿的教学方法。不可否认，这样的教学方法不乏成功的例子，但它同时是一种非常容易误导学生的感性教学法，其成功率和失败率相差无几。而步骤化的教学模式可以在兼顾因材施教的前提上保持教学的稳定性，提高声乐教学的质量。

四、声乐教学中音乐分析的意义

在声乐教学中注重对所演唱作品的音乐分析有着重要的意义，主要体现在以下几点：

第一，在声乐教学中，教师经常会把主要的精力都放在声音本身上，而常会忽略对所演唱的作品本身的分析。由于声音处理的依据和基础要建立在对作品的分析理解之上，因此只关注声音本身的声乐教学会使演唱的整体结构缺乏逻辑性。因此，只有把声音处理置于音乐分析的基础之上，才能使歌曲的演唱处理富于逻辑。

第二，如前所述，声乐教学中的经验式教学方法容易使教学过程变得随意，这样的方式不利于声乐教学的科学化。

最后，注重声乐教学中的音乐分析，可以使教师从更多的方面去启发学生高质量地完成作品的诠释。但更为重要的是通过这样的教学可以使学习获得一种可持续的音乐作品处理方法，避免学生毕业后只会演唱教师指导过的作品的现象。从而提高声乐教学质量。

当然，声乐教学是一个系统工程，强调声乐教学中音乐分析的地位并不是要否认技能技巧训练的重要性。而是要在声音训练的基础上加强理论学习，以达到提高学生整体素质，获得良好教学效果的目的。理论知识修养是源泉，科学实践锻炼是关键，在实践中不断提升学生对理论的理解及兴趣，使学生的认识从局部到整体，从感性到理性，使他们有理可依，有规可循。

责任编辑：陈达波

参考文献：

[1]邹本初.歌唱学――沈湘歌唱学体系研究[M].北京：人民音乐出版社，2000,6.[2]李维渤.西洋声乐发展概略[M].广州：世界图书出版公司，1999.[3]邹长海.歌唱心理学[M].广州：广东教育出版，1993,5.[4]彭莉佳.嗓音的科学训练与保健[M].上海：上海音乐出版社，2005,1.

第三篇：学前教育声乐教学的意义

学前教育声乐教学的意义

音乐教育可以让我们了解孩子的内心世界，音乐教育的的学习中，学习音乐不会让孩子成为一种负担或功利，而是全心身地投入到音乐的无限世界中来，用他们肢体、语言、乐器自由等方式表达抒发内心世界。当音乐成为孩子自身的需求，孩子对乐理、乐感、表演、演奏以及语言文化的掌握自然轻松快速，而且根深蒂固。

一、音乐教育具有的创造性，有利于幼儿创造性的发展

幼儿的思想因为还尚未受到社会的影响而定型，他们对音乐具有天然的感知度与创造性。在看到一幅图画后，他们可以根据自己的理解用音乐去表达，通过简单的乐器去演奏，使孩子也从事艺术家的工作，用音乐去挖掘、去创作、去发挥想像力。当没有乐器时，他们能用手、脚、筷子、报纸等代替音乐进行演奏，充分体现对乐器的创造性。音乐教育同时强调了创造精神是可以塑造的，例如孩子会去模仿不同的声音，用肢体随意的拍打或弹奏，尤其是一群孩子聚在一起，一部动人的交响乐本能的自然的就在孩子们中诞生了。音乐的即兴创作性又为孩子的发展增添的创新性。有时我们放一段音乐，用图画来表示我们听到的音乐图景，比如当听到流水的声音时宝宝可能线，也可能画的是他们最新欢的动物，也可能什么都没有，这时我们就培养了孩子对感知到的东西的图像表达能力。即让孩子开开心心的参加了音乐活动，有提高了孩子的理解力与表达力。

二、音乐教育因其丰富的形式，有利于幼儿综合能力的养成

音乐教育以其丰富的形式，使孩子们摆脱传统的琴凳琴弦的束缚，也不再是被动的聆听，让孩子轻松的进入创造与表达的音乐学习阶段，使孩子不再一味的被动固化学习，更多的自己去创造演绎。合唱可以让他们早早的学会在群体中与人协调合作，通过各种不同的活动可以让孩子们学会服从，培养领导力与被领导等技能。在玩的过程之中既感知了音乐，又增强了人与人之间的情感沟通，增强合作意识与协调能力。

三、幼儿音乐教育促进幼儿的发展的同时有利于促进社会性的发展

幼儿音乐教育作为启蒙教育的形式之一，直接或间接影响着未来孩子的成长轨迹。梁启超说”少年智则国智，少年富则国富，少年强则国强，少年独立则国独立，少年自由则国自由，少年进步则国进步，少年胜于欧洲则国胜于欧洲，少年雄于地球则国雄于地球。”由此可见，幼儿的健康思想的养成对于未来在人生中所扮演的角色起着关键的作用。我们需要对音乐教育的作用引起重视。以一种开放的，个性化的教育模式吸引孩子主动自主的去学习，充分发挥孩子的想象力与创造力，从要我学到我要学的转变。同时也让老师从单纯的教育中解脱出来，让其不再只是单纯的授业者，一味的传授，同时也让其成为参与者，引导与接受孩子的创造。

综上所述，利用音乐的娱乐性参与性的特点引导音乐教育在幼儿阶段的学习。在学习与生活中，充分的把音乐教育融入于愉快的音乐体验、音乐表达与音乐创造之中，学得愉快，学有所得。让幼儿在愉快的、活泼的、健康的、富有艺术性的、创造性等特点的教育活动中接受教育，让音乐教育在一种寓教于娱乐之中的氛围下成为幼儿教育实施的有效手段，促进幼儿身心健康全面发展，丰富精神生活，使性格活泼开朗。同时使德、智、体、美等方面同时受到教育。（本文作者：张红革 单位：北华大学师范分院学前教育系）

第四篇：辩证法在声乐教学中的心得体会

摘要：做任何事情都要把握好度，只有这样才能符合事物的规律，取得应有的效果，声乐教学也不例外，同样得遵循事物的规律把握好度，辨证法在声乐教学中起着重要的作用

关键词：辨证法；声乐教学

简单的说，辨证法的意思就是我们看问题不能只看它的一面，应当全面地看问题；同时也不能走极端，过犹不及，更不应该看问题绝对化，孰不知，福祸相依，好与坏是是事物的两面，适度则好，过了则坏。其实真理与谬误往往只有一步之遥，有利的条件中藏有不利的因素，不利的条件中有好的因素，全靠我们怎样去看，怎样去调配，事物是对立统一的，也即是它的辨证性。辨证法贯穿在声乐教学的多个方面，主要体现在：

一、声乐演唱中

首先，一个歌手上台演唱，你的步伐就体现着辨证性，你饿步伐应该适度，既不能太快也不能太慢，走的太快会给人准备不充分、慌乱的感觉；走的太慢，会让人觉得拖沓不积极，所以，应当适度，让人感到自信热情即可。

还比如鞠躬，同样也是不能鞠太深，太深让人觉得你在讨好观众，亦不能太过浅太随便，这样会显得你目中无人，不把观众放在眼里，你不尊重观众，他们也不会尊重你，这样良好的交流就不存在了，所以，我们的歌者在台上应当不卑不亢，谦恭有礼。

在声乐演唱中，不能太过紧张，以致满头大汗、忘词、声音紧绷、止调、破音：也不能太松，心不在焉，过门完了还未进，或节奏错乱，给人以昏昏欲睡之感。应当不急不躁、有条不紊，做到积极地放松。亦不能情绪太过激动，这样有时声音不易控制，音形会走样，音高也会不准。情绪太松又不能把观众带入情境中，因此，这也体现着辩证法。

二、在发音过程中

在我们的周围，我们听到过多声乐的理论，他们或有理或无理，但都往往自成一家、不可攻破。在我们的耳边也听到过各种声音，或尖或粗，或暗或虚。为什么我们的声音大都市至于完满，我想更多的是因其追求片面、某一点、某一个局部而无整体所致。

比如有的同学，声音太白，没有共鸣，高音或是上不去，或是干瘪，这就是用声带过多所致，这应该要加进共鸣，以求平衡。另外，有的同学，中低音区用真声，到高区也得有真声，辩证用嗓，不得不用，也不是滥用，而是巧用，巧妙地与腔的共鸣和气息结合起来，达到辩证统一。

推而广之。发音不仅仅是嗓子的事，而是全身的参与，蝗个身体都是发音器官，都是共鸣箱。发音的过程，这样才能做到松弛自然。该用的用，不该用的不用，用对了全对，用错了全错。

三、在呼吸应用中

呼吸是歌唱得动力，没有呼吸的支持，歌唱就无法进行下去。关于呼吸，有很多提法，但都一致认为解决了呼吸，就解决了歌唱。关于呼吸的理论，总结起来一共有三种说法，即胸式呼吸、腹式呼吸、胸腹式呼吸。有的人用腹式呼吸过多，结果是造成喉咙的紧张，然后是声音的紧张，嗓子负荷的加重，从而造成对嗓子的损坏。有的人用腹式呼吸过多，但又吸得过深过僵，吸得太死，缺乏流动。因此，我们主张胸腹式连合呼吸，以腹式呼吸为主，单纯的用某一种呼吸是错误的，在保证用小腹的前提下，但要应用起来方便、自然。

事实上，歌唱呼吸只是生活呼吸的扩大化，任何违背于生活呼吸的理论、方法都是错误的。我们生活中的呼吸就很自然，歌唱也是这样我们说话是多么的自然，唱歌也是这样的。所以呼吸最后达到的境界也应该是好用、自然，同理，艺术的最高境界也应该是自然，任何做作的、不舒服的动作都是错误的，要靠小腹的支持，但又不能过头。

四、在教学过程中

每个老师都想出成绩，每个学生都想进步飞快。然而，路还得一步一步地走，因此，如何在双方的相互配合中体现辩证法，取得教学的效果这是至关重要的。

教师没有必要布置太多的曲目给学生，以期于让他突飞猛进。事实上，还不如求少而求精。更不应该猛练其高音，使之做不到准确，而伤害喉咙。学生亦不能急躁，每天的练习时间也不能过长，不要只想唱大作品，而不是去唱小作品。只有把小作品唱好，把基础打好，把中低音区练好，才能有望继续提高。

总之，何谓声乐教学的辩证法，就是既反保守又反冒进，要在综合平稳中前进，声乐的教学就是这样，只有慢慢来，切中要害，追求自然平衡、整体，切不可追求片面。稳扎稳打、步步为营，才能真正取得提高、进步。

第五篇：浅谈朗诵在声乐教学中的作用

目 录

一、前言...............................................................1

二、朗诵与声乐辩证关系.................................................1

（一）朗诵与声乐...................................................1

（二）胸腹式呼吸方法对声乐与朗诵的作用.............................1

（三）吐字归音到字正腔圆...........................................2

三、朗诵在声乐教学中的作用.............................................3

（一）朗诵有助于平稳气息...........................................3

（二）朗诵有助于练声...............................................4

（三）朗诵有助于正音...............................................4

（四）朗诵有助于理解作品的内涵.....................................5 参考文献...............................................................5

浅谈朗诵在声乐教学中的作用

一、前言

声乐从古至今就一直流传于世的文人雅士共享的文化，而在声乐中什么最重要呢？不是曲子也不是歌词而是语言，语言又怎么会成为了最重要的灵魂所在之处？从我们了解的声乐上来分析，声乐的表现形式又可以分为两种，一种是声乐演唱，另一种是器乐演唱，顾名思义，器乐演唱就是通过乐器发出一些有节奏律动性较强的声响，来达到让人赏心悦耳的目的，这也是最初声乐产生的所在，而随着器乐的逐渐发展，声乐也由此而产生。相对于器乐演唱而言，声乐演唱有别于器乐演唱单调的弹奏方式，在加入弹奏的同时通过语言来表达了音乐里面特有的情感，舒发了观众的感情，让观众能够更好的体会到歌词其中的含义。然而作为一个专业的声乐者，真正的把感情容入到声乐中，就成了我们的重要问题所在，而怎样才可以帮助我们情感的表达呢？我们就可以通过朗诵来练习，朗诵和声乐共同之处，就在于可以把自己的情感融入其中，并且朗诵也和声乐类一样有一定的律动性。对于声乐专业而言，朗诵也是平时不可或缺的练习。

二、朗诵与声乐辩证关系

（一）朗诵与声乐

有很多著名的歌唱家说过歌唱就是朗诵，要想唱歌好就要朗诵好，而这样的定义从何而来呢？为什么歌唱又和朗诵相似呢？我们不仅会疑问，首先，我们所了解的歌唱和朗诵无疑都是发生在语言的基础上的，语言是人类和一切事物交流情感的最基本的工具，而没有语言就没有声乐。一个好的歌唱者一定要有一个美妙动听的声音，而美妙动听的声音则是可以通过后天的训练练习出来的，平时我们可以通过各种语言来练习发声。同样的无论是声乐还是朗诵都是离不开声音的，所以要想训练出动听的歌声，首先要训练出悦耳的声音。训练出动听的声音就要让我们平时的勤加练习了，控制住自己的声调，把握住自己说话的语速，久而久之，勤加练习养成习惯了就成了自己身体不可剥离所在了。而声乐和朗诵的共鸣之处正在于，朗诵好一篇文章或者诗歌需要在声音上有一定的注意，同时要有感情，有境界的发自内心的才能朗诵好一篇文章，而声乐也是这样，他是朗诵的延伸，只要掌握好情感，掌握好抑扬顿挫，加之节奏的产生就是我们所熟悉的声乐了。

无论是声乐还是朗诵，必不可少的就是声音的练习，一首歌好听不好听完全取决于演唱者的声音能不能产生共鸣，能不能够让观众魂牵梦绕，一篇令人赏心的文章朗诵者的声音无疑也是能不能吸引读者，能不能让文章听起来更加激情回荡的重要所在之处。从上述两点我们可以恰好的帮声乐和朗诵联系在一起，无论是声乐还是朗诵声音都是最为重要的所在之处。那么怎样的声音才能打动人呢？这个就要通过我们平时的练习了，我们可以先练习声音的声线，洪亮清晰悦耳的声线无疑是最让人魂牵梦绕的，我们可以先通过朗诵来练习自己的声线，然后再融入到声乐中来达到可以让声乐更加专业的练习中。

（二）胸腹式呼吸方法对声乐与朗诵的作用

无论是唱歌还是朗诵时的呼吸都是最为重要的，正确的呼吸可以让唱歌和朗诵时的声线更加的顺畅，也可以让听众更加的悦耳，而怎样的呼吸才是最正确的呢？唱歌和朗诵有别于我们日常说话，不是想呼吸就可以呼吸，不想呼吸就可以不呼吸，呼吸的同时也要注意技巧。要想让感情到位，适时的停顿才是最重要的，而作为一个声乐者就在呼吸上就必须讲究技巧了，为了让整个歌曲里感情到位，停顿到位，更有节奏和律动感，在每个字和每个段的呼吸处理上都十分重要，也要到位，这样才不至于让人听上去不舒适，而朗诵和声乐的相似之处也就在于呼吸上面一定要保持该断则断，该不断则不断，在这样的情况下我们一般会选择胸腹式呼吸来调整。朗诵跟声乐比起来也是一样要重点处理说话的呼吸，也要保持该断则断，同时语句的抑扬顿挫也要更加注重，在语速上面我们也要着重控制，轻重的尚好处理无疑是一个专业的朗诵者要掌握的最重要的地方。而怎样可以轻重适中，那么呼吸也就成了就重要之处。胸腹式呼吸无疑是让人发出的声音更加的悦耳，更加的冲击听众的感官。而这样的发声更会让朗诵者和声乐者声音更加浑厚圆润，所以在呼吸上面我们也可以认为两者是相通的。

（三）吐字归音到字正腔圆

无论是唱歌还是朗诵时的呼吸都是最为重要的，正确的呼吸可以让唱歌和朗诵时的声线更加的顺畅，也可以让听众更加的悦耳，而怎样的呼吸才是最正确的呢？唱歌和朗诵有别于我们日常说话，不是想呼吸就可以呼吸，不想呼吸就可以不呼吸，呼吸的同时也要注意技巧。要想让感情到位，适时的停顿才是最重要的，而作为一个声乐者就在呼吸上就必须讲究技巧了，为了让整个歌曲里感情到位，停顿到位，更有节奏和律动感，在每个字和每个段的呼吸处理上都十分重要，也要到位，这样才不至于让人听上去不舒适，而朗诵和声乐的相似之处也就在于呼吸上面一定要保持该断则断，该不断则不断，在这样的情况下我们一般会选择胸腹式呼吸来调整。

朗诵跟声乐比起来也是一样要重点处理说话的呼吸，也要保持该断则断，同时语句的抑扬顿挫也要更加注重，在语速上面我们也要着重控制，轻重的尚好处理无疑是一个专业的朗诵者要掌握的最重要的地方。而怎样可以轻重适中，那么呼吸也就成了就重要之处。胸腹式呼吸无疑是让人发出的声音更加的悦耳，更加的冲击听众的感官。而这样的发声更会让朗诵者和声乐者声音更加浑厚圆润，所以在呼吸上面我们也可以认为两者是相通的。

曾近有著名的音乐家说过，作为一个专业的声乐者，你不仅要有一副好的嗓门同时也要拥有正确的咬字清晰。何为咬字清晰呢？就是要求每一个字都刚好到位，做为一个专业的朗诵者我们深知在全身投入感情以及控制自己呼吸的同时，我们更加的注重的是咬字的练习，要求每个字体都能清楚的表达出来，要求每个字都可以处理得很好。而作为一个专业声乐者，咬字也是相当重要的，而对于声乐者而言，咬字同时也是相当难的，因为有的音符不是一拍也不是两拍，有的甚至是延伸到十几拍，在这样的延伸中，咬字就成了比较难控制的处理之处了，一个专业的声乐者，我们要求一个字无论多长，音上面依然要保持动听圆润，无疑这也是考验一个号的声乐者的重要所在之处。所谓吐字归音，要求不能长也不能短，必须干净利索以此来保持准确。

在中国的传统戏曲中我们也最长听说的就是字正腔圆，而到底什么是字正腔圆呢，延伸到现在又怎样来诠释呢?而真正做到字正腔圆不得不说是一门艺术。中国戏曲是古时候大众消遣的重要方式，而从那个时候开始我们就将就在戏曲的演唱上面要求字正腔圆，而延展到现在，我们也会要求声乐者要做到咬字清晰，一个好的歌曲除了在情感上要赢得观众的认可共鸣以外，另外也要让听众能够明白音乐所要倾诉给观众的内在情感。而内在情感的表达并不是以乐器的形式来产生。之前我们也有说过，相比于乐器而言，语言更能得到听众的认可，所以不论是哪个国家或者哪

个名族而言，我们在学校声乐专业的时候首先会要求练习吐字，首先要求的便是咬字一定要清晰。而要练习好这一点可以通过平时发生练习时去注意这一点。真正做到这一点后就能够保持演唱时的字正腔圆了。

除了咬字以外，我们也要求字音要清晰，因为如果听众都听不清楚你在唱什么，那么又怎么可以吸引到听众呢？一首歌，只有当听众真的听明白你在唱什么以后才可以真正有兴趣的继续听下去。而要做到这一点，我们就可以借助朗诵的技巧来练习了，虽然一个朗诵得好的朗诵者不一定在声乐上能够有很好领域，但是他的声音绝对是可以吸引住听众的。朗诵的最基本功就是让练习者可以真正的利用好唇舌等五官揣摩出如何正确的咬字发音，来做到更加的悦耳。

最后，要想一首歌演唱下来让观者产生震撼，除了会如何吐字以外，既然是唱歌，那么一定要唱得动听。如果你在吐字咬字上声线上都没有问题了，那么接下来你要做的就是让自己全身心的投入到演唱中，真正理解到歌曲里每个字的含义，根据歌词中不同的语句及不同的场景，揣摩出作词作曲家的心境去演唱，那样的演唱一定是最赏心悦目的。一首完美的歌曲一定要让观众听得懂的情况下，能够心有感受，那么歌唱者声线的美感也是至关重要的，简单机械的完成演唱只是把一件事情做完，而要做好一件事情就是让别人能够感受到你的感受，只有这样才是一个成功的音乐者。

那么什么是腔圆呢？所谓腔圆字面上的意思就是口腔一定要圆润。所谓圆润就是要让观者产生共鸣，好的声乐者是能够让人产生共鸣的。发音上面的话我们一定要注意字正腔圆，线条要有美感，不能太生硬，要想做到这些，就要注意吐字发音的方式，找准最适合自己的方式，把自己的声音润色出来，达到有丰富的感情，有味道，有节奏，有高有低这样的表达才可以真正做到圆滑。

无论是传统的歌唱还是新潮的歌唱中，字正腔圆都是相铺相成的，只有做到字正，那么后者才有意义，缺一不可。而在唱歌中，除了音乐以外，歌唱也是相当重要的，只有两者都存在的时候才是歌唱。什么是字正呢?先前也有提过，字正就是一定要咬字清晰，在咬字清晰的同时也一定要深沉次的体会到每个字里行间的真正意义。而腔圆就是在吐字清楚了的情况下，在配合特殊的声线处理，来取悦听众。而声线的处理也是很重要的，一副好的嗓音也是可以通过后天来练习的，控制呼吸，控制舌唇的位子就能很好的改变自己的声线，也可以多通过平时的朗诵来练习这一点。而一首完整的歌曲，有词不行有曲也不行，只有词曲并存的时候才是最完整的。而我们多通过语言练习来理解词语中的含义，更好的来诠释歌曲的含义。为什么歌曲我们一定要用普通话来唱呢？主要是为了让听众能够听懂，听明白歌曲内容在伴以美妙的声音让观众难忘。通过上述的分析，我们不难发现声乐和朗诵是息息相关的。

三、朗诵在声乐教学中的作用

（一）朗诵有助于平稳气息

先前有提到过，正确的唱歌方式是胸腹式呼吸法来演唱。但是这样的方法对于初期学习声乐者而言又是比较艰难的，因为所谓胸腹呼吸就是深呼吸，我们很多声乐者会发现，平时说话很轻松也没有什么呼吸困难，说话断断续续的征兆，但是唱歌的时候就容易出现气短，接不上的征兆，那是因为我们在正常说话的时候保持了我们身体的本质，要我们遵循身体呼吸的自然原则。而声乐要求我们做到深进浅出，这就和我们自己的身体机能背道而驰了，所以学习声乐初期才会觉得很难。学习声

乐要想更好的运用到胸腹呼吸，最好的方式是可以通过朗诵来练习，因为朗诵的时候我们也会发现，一个专业的朗诵者也是通过胸腹式呼吸来打到朗诵的效果的。在很多专业老师的带领下，不少老师建议学生可以把朗诵的感觉带到唱歌中，在唱歌之前可以先朗诵一首歌曲，然后再演唱这首歌曲，以这样的模式来达到效果。因为相对于唱歌，朗诵更加接近我们平时的说话，而只有让唱歌像说话那般自然才可以真正做到胸腹呼吸法，才可以让声乐更加打动人心。经常做到这样的练习就可以正在让我们领虐到唱歌的精髓。

（二）朗诵有助于练声

为什么朗诵有助于练声呢?因为专业的声乐者一定要让自己的声腔和身体产生共鸣。而很多初学者达不到这一点，总会发生打不开喉咙，及时唱得出来也达不到最好的效果。而就算打开了喉咙也感觉是被迫打开，很偏离身体自我意识的感觉。而怎样可以让身体能够自主的控制呢?就像我们呼吸一样完全让我们产生自然的习惯不仅成了最重要的问题。平时我们可以多利用朗诵来达到这样的效果。之前也有说过，朗诵和唱歌有很多共鸣之处，无论是在呼吸还是在声线，还是在吐字上面都有很多相似之处。而要让身体和声腔共鸣朗诵也无疑成了最好的练习工具。这样的练习可以充分让我们不少声乐者摒弃了一打开喉咙就发不出声一发出声就有可能打不开喉咙的问题。朗诵时的声音相对于声乐更加简单，只是教为平时说话上面做了相应的处理和声线的延长，特别是大声朗读的时候，我们可以看到，口型和声线都和唱歌无异，而在朗诵时却能完全避免唱歌时呼吸不足还有声线短促的这些缺陷，同时也能让声音更加的悦耳动听。用朗诵的方式去唱歌，可以让我们的声音更加的自然，也可以让听众更加的觉得赏心悦耳。而只有真正的正确的运用好唱腔才可以真正的让身体产生共鸣，转换自如的唱腔，能使歌唱者更加的让观众留言往返。歌唱真正意义上就是一种运动，身体，呼吸，发声各个方面的运动，只有运动做到全身上下的完美协调才能做到最好的声乐。所以平时我们更应该加强朗诵的练习以有助于我们在声乐上的更好发展。

（三）朗诵有助于正音

当身体和声腔产生了共鸣以后，我们算是做为一个专业的声乐者更近一步了，但是这样还不全然。之前也有提过，一副好的嗓音固然是上天赐予声乐者最好的馈赠，但是如果仅仅是拥有一副好的嗓音，但是你却没有一个好的咬字的发声的话，那么依然是失败的。一个好的声乐者一定要注重词语的重要性。一个观众如果只是觉得曲子好听，那么他可能会听一遍两遍，但是如果是歌词自身的内容打动了听众的话那可能就是一辈子，就像很多70年代的老歌星一样，到现如今依然有很多歌曲被我们世代所流传。真正的字正腔圆就是要求吐字清晰，让观众真的听明白了才能领会其中的含义。所以，清晰的咬字是成为一个专业声乐的重要所在。怎样能够做到呢，那么在声乐上我们要做到收放自如，在唱歌的时候，也要做到重快准，因而，有一个完美的声线必不可少，同样要做到能够真正理解字里行间的真正内容，把所有至关重要的技巧都结合在一起是必不可少的。

怎样才能把歌词传递给观众，怎样才能让观众真正的感受到歌词里的含义，怎样能够感动观众才是精髓所在。我们可以通过朗诵来提高咬字的技巧，之前有提过，朗诵和声乐有很多共同之处，想让唱歌唱得好，练习朗诵时必不可少的。而朗诵最关键的地方就是练习咬字和吐字的关键所在，但是因为朗诵和平时的呼吸差不多，没有太大的背离身体的本能意识，所以练习朗诵比练习声乐简单得多。在这样的情况下，我们会选择通过练习朗诵来练习声乐。所谓咬字就是要做到把字唱得流动有

灵性，要咬住但是却不能太死板，不能让字里面的音符发生变化，但是要完全做到这点却不得不通过勤奋的练习，而朗诵就和唱歌一样，如果唱歌只是把每个字唱出来，把停顿的地方停顿好，保证自己的声线，那么这样的唱腔是不能得到听众的认可的，除了这些以外，还要着重于情感的投入，注重歌词的律动。怎样的朗诵者才是最优秀的，那么就是除了注重抑扬顿挫，感情的投入以外，他们会更加注重每个字的声调起伏和每个段落的口气，以及每个地方的轻重缓急，唱歌就如朗诵一样，只有把这些都做到了，那就能够成为一个优秀的声乐者。

（四）朗诵有助于理解作品的内涵

从古至今，声乐和朗诵都是文人雅士乐不思蜀的兴趣爱好，而至今，当声乐和朗诵已成为很多专业人士能够在自己领域闯出一片天气的衡量所在。声乐是什么呢？对于声乐初学者而言可能还会有疑问，其实声乐就是把音乐和文学完美的结合在一起，你中有我，我中有你。当音乐和文学融入在一起，互相补充，才能真正的发挥其重要性。而怎样才可以真正的把声乐的特性发挥出来，我们又不得不一一探讨。要想把音乐和文学融汇到一起，首先我们必须在演唱之前先理解文学的含义，理解出想表达的真正意境，理解作品的主题思想，领悟到它最真实的情感所在，体味到其他的韵味之处，同时还应该分辨出不同曲子的不同艺术手法，从而让自己更好的认识到作品的同时让自己能够更好的演绎出来。只有真正的体会到了作品本身并且诠释到了作品的真正含义才可以更好的演绎作品。只有这样的表达才能够把文学与声乐相结合充分的表达出来。而要想真正的体会到歌曲的精髓所在，朗诵则是最佳的工具，因为朗诵可以真正把文学中的情感表达出来，能更加正确的抓住作品的内涵。古代文人雅士总喜欢反复吟诵一篇诗词，那是因为在多次吟诵以后才能够真正体会到其中的含义，也能体会到文章所要表达的感情所在之处。所以要想抓住音乐的精髓，我们也可以通过反复吟诵歌次来达到效果，来帮组我们了解歌曲里的含义，体会到作品的音乐灵魂。而在朗诵的同时，还能渐渐唤起我们唱歌时领略不到的地方，让我们能够根据更加全面的诠释歌词里的含义让自己能够选择更加适合表达歌曲的方式及声音特性，完全达到说唱全部融为一体。

经过上述多个层面的分析，我们也可以从中看出朗诵和声乐的多处共同之处，无论是声线还是在呼吸上，还是在咬字上面，同时我们也可以发现对于一个声乐者而言，朗诵对声乐存在潜移默化中也有着相当重要的意义所在之处，对于声乐者而言，要想真正的做到专业，那么要让声乐和朗诵中融会贯通，收放自如，只有这样可能够真正诠释到声乐的精髓所在之处。

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