浅析印象主义音乐的风格特征

第一篇：浅析印象主义音乐的风格特征

浅析印象主义音乐的风格特征

摘要：印象主义是19世纪末在欧洲文化活动中心巴黎萌生的一种艺术风格。印象派艺术家的活动虽然属于19世纪的范畴，但是他们所探寻的这种新语言、新风格，却意味着同浪漫主义的一些传统形式与风格的决裂，并为19世纪以“现代派”面目出现的各种艺术做好了准备，因此，印象派很自然地成为连接两个世纪的纽带。德彪西和拉威尔等音乐家的音乐是在古典和浪漫主义音乐基础上发展起来的，德彪西独创的风格被西方音乐史概括为印象主义音乐，并称他为印象主义音乐的创始人。

关键词：德彪西 拉威尔 印象派 印象主义产生的背景因素及风格特征

一．从德彪西的作品看印象主义音乐风格

代表作《牧神午后》、《大海》、《月光》、《亚麻色头发的少女》、《木偶的步态舞》

1.《牧神午后》 ：在听每首曲子之前，我都会想象一下作曲家会用什么样的乐器表现曲子，脑海中会出现一个画面，并且用一个故事自己来编写一下剧情，在听曲子的过程当中也会跟着音乐想象画面。乐曲开始的部分，简单而无伴奏的长笛所吹出的旋律，仿佛是画布上刻画的十分分明的线条，它显然是表现了诗人马拉美笔下的牧神所吹奏的洋洋曲调。在听第一遍的时候能感受到大自然空灵的美妙。在听第二遍的时候能听到一串串流水般的竖琴声，听着变化多端的旋律很快就融入温暖的圆号和木管中去。乐队的色彩纤丽而细腻弦乐分声部奏出轻轻颤动的震音。整个音乐使人感到波光粼粼，阳光明媚，暖意袭人，微风吹拂，牧神昏昏欲睡，梦境消逝在稀薄的空气中。而这首曲子正好体现了印象派的音乐注重的是和声的色彩变化,强调朦胧感的效果。这首梦幻一般的交响诗是德彪西的第一部具有代表性的印象主义作品。德彪西通过这一音诗而开创了一个新的时代。

他的音乐是受他的朋友马拉美的著名诗篇《牧神午后》启发而写的。而印象主义的风格特征就是表现意像中的景色，就像莫奈的日出印象，表现的是一种朦胧的美。在音乐上德彪西就把具象的诗篇抽象化，写出了梦境一般的飘逸，空幻的音乐。

2.《大海》 ：没听音乐之前我心中的大海是辽阔无边，安静悠远的一个场景，很多歌曲中也描绘了大海的景象和我对大海的向往。在听了德彪西的大海后，我感受到了大海的变幻无穷。乐曲的开始描绘了黎明前大海的安详。中间高潮部分描绘了大海的苏醒。最后部分又描绘了大海的变化。在《大海》中体现的印象主义音乐的风格是通过对自然景物的感知印象用音乐加以客观描述，给人造成了一种视觉和听觉相结合的感受。从内容上讲音乐虽然是作曲家本人的主观体现，但描绘了一定的具体内容从音乐自身的音效来说，印象派利用了不同于浪漫主义的特殊音效组合，着重了音效的表现效果，这种音效的美则符合“自律论”的观点。印象派大师德彪西在对《大海》的创作上表现了一种朦胧之美。使人有身临其境的感觉。

3.《月光》 ：（对比贝多芬的月光奏鸣曲）来分析。“简单”是我对月光主旋律的第一印象。完全是对画面的描写，而没有任何玄技的色彩。朴实无华，却仍然美不胜收。

《月光》是德彪西的钢琴协奏曲，在音乐作品中，《月光》让人最先想到的是贝多芬的作品，然而这却是历史与他开的一个不大不小的玩笑。贝氏原作并无月光这一标题但雷尔斯塔勃因乐曲第一乐章而想到了卢塞恩湖上的月光，所以才定名为“月光”。德彪西的月光原属《贝加莫组曲》第三乐章，但作品实在太美了，以至于人们常常将它单独演奏，久而久之便忘了其真正出处。如果说贝多芬的月光使书写一种月光下的心情，那德彪西的月光则更像是在描写那月色的纯白。旋律可以说是音乐的灵魂。德彪西在旋律上的朴实无华是他值得称道的一大特点。

作为印象派音乐的鼻祖，德彪西的音乐作品可称是名副其实的“音画”.人们对王维的诗曾有过这样的评价：诗中有画，画中有诗。借用这一评价，德彪西的作品可以当之无愧的称“曲中有画，画中有曲”了。然而要做到这一步又谈何容易：曲是流动的，画是凝固的瞬景。大师毕竟是大师，他放弃了浪漫主义时期作曲家们以富有歌唱性的旋律作为其表现手法，转而汲取印象主义和象征主义绘画派的技巧，并将之实践于自己的作品中，以朦胧，有多指向的旋律让听者进行音和画的重构。代表作中最典型的体现这一方式的便是《月光》。也正因为《月光》取得了如此伟大的成就，以至于到今天，现代派的作曲家仍未能写出广为流传的描绘月光的作品。

如果说“静”是贝多芬月光的最大特点的话，那么“动”便是德彪西月光的精髓所在。在他的音乐里，月光如水般倾泄，缓缓流淌，充盈整个房间。德彪西的音符是有些离散的，打散了旋律然而散而不乱，像是溢出的水银在地板或是台阶上走走停停。每一个音符，都给你充分的想象空间。对于这首印象派的名曲，笔者所能诉诸于笔端的，无非是如下一些非常空泛的整体“印象”：所谓“月光”，对于法国著名作曲家德彪西而言，似乎既有外视之景致的意识印象，又有内心之思绪的波澜起伏。

4.《亚麻色头发的少女》 ：刚看到曲名时让人联想到优雅，美丽，青春的少女。音乐也应该是悠扬的青春的。听了后是灵动的钢琴曲，德彪西运用钢琴音响色彩调色板上的一切手段，创造了新颖独特的语言，栩栩如生地刻画了一系列别有情致的音乐形象，扩展了“前奏曲”的表现领域。乐曲一开始就呈现出清新而优美的具有五声调式特点的主题，流畅的旋律和着轻松的的三拍子节奏微微起伏，温柔宁静中透出少女那充满憧憬和幻想的微笑。在四度、五度并行的和弦组成的调式和声形成的和谐气氛中，这一抒情的主题进一步发展和再现，最后在清新柔美的气氛中结束。整首作品短小精致，细腻入微，委婉动人，汇集了印象主义音乐的突出特点。通过具有东方色彩的五声音调,刻画出一位清纯的少女形象。主题旋律线条清晰,富于歌唱性,音乐轻柔,飘逸,朦胧,是典型的“印象主义”音乐风格。这首曲子很抒情，给人的感受也很舒服。这就是印象主义的意向法，由音乐使人能联想到很多丰富的内容。

5.《木偶的步态舞》﹕音乐通过成人的眼光描绘了儿童天真烂漫的天地，这是德彪西相对通俗的一首作品。是德彪西为自己第二个妻子艾玛·巴尔达克所生的女儿巧巧创作的，表示父亲对女儿的真切爱意。

这是一首管弦乐合奏曲，音乐时而炽热奔放，时而温存柔弱，时而夸张模仿，时而诙谐幽默，顽皮的音乐表现木偶的步态，我们能够感受到此时木偶很快乐，在欣赏乐曲的过程中，我们可以体验到包括“优美”、“愉悦”在内的你能想到的一切情绪体验，但“顽皮”应是音乐总体的情绪。乐曲写一个木偶跳舞的滑稽形象。这个木偶外形怪诞，皮肤是黑色的，眼睛是红色的，蓬头垢面。在作曲家想像中，它是一个美洲黑人木偶。所以选用美洲黑人糕饼舞音乐的节奏，切分音和带断音的八分音符为其特点。糕饼舞是当时美洲黑人最爱跳的一种舞蹈。闲暇时，他们经常举行舞蹈比赛，谁的舞姿好，就奖以糕饼，因此得名。儿童的音乐更加富有童真和亲情。

二．从拉威尔的作品看印象主义音乐风格

代表作：《西班牙狂想曲》、《鹅妈妈》组曲

这首曲子，很奔放的风格，嘹亮的小号像一个斗牛士一样伴着强烈的节奏紧张地闯入，而后又回到了由英国管的独自吹出的引起回忆的曲调。谈到西班牙音乐，我们就会想到节奏享有至高无上的权威，即使宫廷音乐也是如此。“夜的前奏曲”以朦胧的雾霭和若隐若现的弦乐下行音型的吟咏开场，最后在渐弱的温柔的 单簧管独奏中结束。突然整个管弦乐队强力的爆发冲破了云雾。最为与众不同的是管弦乐队先与单簧管、后与大管风趣的二重奏。在末乐章，每一个小节的节拍与速度都表现出节奏是至高的。只有在中间插入的慢乐段，作曲家才得以表现他旋律性的手法，再次在蹒跚的节奏下由英国管和单簧管营造出阴郁的气氛。我们 可以感觉到地中海北岸寒冷的西北风以不受约束的活力渐渐地变得温暖了。华美2.《鹅妈妈》﹕拉威尔在1909年为他的好朋友哥台勃斯基的两个孩子创作的《鹅妈妈》组曲，是一部名副其实的儿童组曲——采用儿童题材、为儿童创作、供儿童演奏。《鹅妈妈》作为一部地道的儿童组曲，似乎只差作曲者不是儿童了。但拉威尔告诉我们：“我写这部组曲，目的是要唤起童年时代的诗意，因此手法就必须单纯，一切表面的效果只好摒弃不用。”可见作曲家也是怀着一颗童心来创作的。在这套组曲中并么样光彩夺目的乐句或令人头晕目眩的进行，也没有1.《西班牙狂想曲》 ：这是典型的西班牙式舞曲，一听前奏就让人记住了 的弦乐、打击乐、强有力的铜管、响板和节奏热情精力充沛的集成曲布满了画面。复杂的和弦堆积与豪华表现。为了便于作者的“小朋友们”得以首次当众演奏这组“童话”音乐，这些乐曲的织体清晰、透明，演奏起来也不困难，但是其中生动的想象和无尽的新意，典雅的画面和朴实的叙述，复杂的和声语言和精细入微的色调变化，不但在儿童听众中、而且在成人听众中也唤起了十分强烈的反应。三．德彪西，拉威尔诠释的印象主义

德彪西的世界充满了朦胧的月光、水中的倒影、无言的激情、发人深思的象征、含而不露的思想以及欲语还休的言词，他的印象派音乐正如同一时代的印象派绘画那样，用鲜艳的色彩玩着光与影的游戏。

德彪西一直是我非常喜爱的一位作曲家。作为印象派的创始人，他在浪漫主义向印象派的过渡时期起到了具有历史意义的承前启后的作用。《贝加莫组曲》中的第三首《月光》更是德彪西代表作中的力作。我最早认识德彪西就是通过月光，相信像我这样结识德彪西的不在少数。可以说，这首力作已经成为了与作者的名字具有相同地位的名片式的作品。初听《月光》已经是高中时期，当初只觉得此曲如画，充满了诗情画意，给人以清新淡雅之感。零星散乱而又不失章法的旋律，将月光婆娑，万籁俱静的场面描摹的淋漓尽致。听的人很难把握其标准的速度和节拍。音乐之间可以感受到节奏的进行，但若真的静下心来仔细寻找每一个拍点，他们却又无影无踪了。不得不让人感叹德彪西对复合拍炉火纯青的运用，摇摆中的平衡，零乱中的稳定让人充分的领略了不对称的美感。德彪西的音乐表现为旋律简短零碎,结构自由模糊,和声色彩斑斓,织体纤细精巧,配器细腻透明,力度层次渐变,音色丰富多变等特点.他打破了西欧几百年来的传统模式,创造了一种朦胧、飘逸、空幻、透明、幽静、纤细、优美、雅致的音乐音响,他的音乐给后代作曲家以启示,为20世纪的音乐发展开辟了一个广阔的前景。

拉威尔的印象主义更偏向于古典风格，对于音乐的描述不注重音乐的外部而注重音乐的本质和浓郁的色彩，更加注重真挚的情感。拉威尔同样也追求乐思的自由，但他几乎留在古典主义艺术的框架内，同古典传统保持联系。拉威尔的音乐都有明亮的色彩并且更加注重演奏的效果。拉威尔的钢琴创作逐渐摆脱印象主义的束缚回归古典主义，并用一些富有独创性的和弦丰富了古典主义印象。四．总结印象主义音乐的风格特征（结合本专业）

我们自己的专业就临摹过印象派大师的作品，对印象派风格有更加深刻的体会，在临摹的过程中也能感受到作者作品的意境，通过绘画手法的对比也可以发现印象派的风格与其他的不同。印象派音乐与绘画是互相影响的，在听印象派音乐时画的印象也展现在眼前。站在美术的角度上可以发现绘画与音乐有异曲同工之处。用绘画表现印象主义，印象派画家的风景画，把过去被忽略的许多现实的色调变为众所共有的财富，这无疑是印象主义作出的巨大贡献。绘画是通过色彩，画笔表现作者心中的世界和思绪。音乐则是通过不同的乐器来表现生动的画面感。像印象派绘画一样，印象派音乐的主角是音响和音色。为了让色彩效果得以在音乐作品中突出起作用，印象派作曲家大胆地对十九世纪后半叶浪漫主义音乐的风格和形式提出挑战：用织体、色彩和响度以取代发展，他们还认为音乐只能暗示或者提供一种意象或心境，不必要去转述一则故事或者字面的含义。他们的具体做法，首先是在和声方面利用音的各种新的结合和这些非常复杂的和弦的连接，而创造出不断闪烁的强烈色彩，就像印象派绘画的纯色并列一样。印象派作曲家为了突出音乐的恬淡、纤巧、妩媚、甚至带点伤感等情调，爱用弱奏和极弱奏，乐曲中的力度高潮大多只是短暂的闪现。至于旋律方面.在器乐作品中往往没有大段的旋律，而是一些互不连贯的短小动机的瞬息自由飘浮，其中变化多于稳定，正如德彪西所说，旋律的连绵进行从不被任何东西打断，而且永远不回复它的本来面目。印象主义的风格与我们的关系最为密切，对印象主义音乐的风格理解也可以联系自身所学的知识来浅析一下我们心目中的印象主义音乐风格。

第二篇：音乐风格

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第三篇：浅析贝多芬音乐风格

电子L101班10L0751014彭常尹

钢琴名曲鉴赏论文

——浅析贝多芬的音乐作品风格 音乐是生活不可缺少的一部分，学会欣赏音乐便走出了欣赏美的关键一部分。因此学习欣赏音乐是一门很重要的课程！特别是对钢琴曲的鉴赏就更加需要用心去感觉、去聆听。因为钢琴贵为乐曲之王，用它所弹奏出来的音乐实在是不同凡响、简洁又极具有穿透力。就我个人认为，学会对音乐的鉴赏和对各种乐曲的识别是生活中的一种艺术。为此在钢琴名曲鉴赏这门课程的学习中，我学到了很多东西。

在学习的过程中，老师带领我们了解了多位西方音乐钢琴作曲家的人物传记，有巴赫、莫扎特、海顿、克劳德·德彪西、约翰·施科劳斯、当然还有位在西方音乐史上极具有影响力的音乐家贝多芬。现在我就在学习中对贝多芬的音乐作品风格的一些理解和感受，通过此篇论文与大家交流并分享。

可以说，贝多芬是人类艺术上最伟大的创造者之一。他一方面有着卓越的音乐天赋、炽热的叛逆气质和巨人般的坚强性格；另一方面他那百折不挠的意志和对社会的责任感而产生的崇高思想，形成他作为一个音乐家的特殊品质。他通过自己的创作，反映了那个时代伟大的人民运动和最进步的思想。他以时代和个人的命运为题，通过深刻的哲理和感人的艺术形象相结合，写出了一系列交响乐作品，表现了从斗争到胜利、从黑暗到光明、从苦难到快乐的资产阶级上升时期的精神历程。早在贝多芬在世时他就已被公认是具有世界意义的音乐家，他既是伟大的古典作曲家，又以浪漫派的先驱而载入史册。

任何一位作曲家青年时期的作品和晚期作品，在风格上有所变化，在某种程度上都是相同的，但唯独贝多芬的作品，可以非常明确地加以区分。他的音乐可以划分为三个时期，通常的分期是：自作品第一曲至《英雄》交响曲之前为初期。约自《英雄》交响曲至第七交响曲前后为中期；其后的晚年作品为后期。

贝多芬的九首交响曲在音乐史上立下了难以逾越的丰碑，他的九首交响曲象珍珠一样永远闪闪发光。其中以附有标题的《第三交响曲“英雄”》《第五交响曲“命运”》《第六交响曲“田园”》《第九交响曲“合唱”》最为风行。

贝多芬的初期作品是在他来到维也纳之后的十年里，边学习边创作的乐曲，他沿用了海顿和莫扎特的形式，在内容上也多方面受到这些先辈的影响；这些作品当然不是单纯的模仿，其中具有许多他独自的特征，但与中期和晚期作品相比，激动人心之处就不多了。

1800年以后，贝多芬的创作开始形成个人风格，即由维也纳初期受海顿、莫扎特的影响，渐渐转向一种富有哲理、戏剧性和英雄特质的音乐思想，从而形成新的创作倾向和创作风格。1804年贝多芬完成了《第三交响曲“英雄”》的创作，这标志着贝多芬的创作道路进入了成熟阶段。这部作品完全奠定了他创作的基本逻辑枣“通过斗争，得到胜利”，“通过艰苦，走向欢乐”。《英雄交响曲》标志着他创作的“英雄年代”的开始。1808年他完成了简洁凝练、充满斗争精神和胜利信念的《第五交响曲“命运”》和纯真质朴、歌颂大自然的《第六交响曲“田园”》。《命运交响曲》堪称经典，历史上表现命运的音乐很多唯独只有贝多芬用选取了敲门声来表现命运，一声声短促而有力的敲门声显示出生命力的旺盛和与命运抗争到底的决心，“命运”这一主题在贝多芬的演绎下有了另一种境地，成为了历史上无人挑战的经典；《田园交响曲》是源于贝多芬居住在维也纳期间 1

电子L101班10L0751014彭常尹的这段乡野生活，他常到郊外散步，那里的森林、原野、溪涧、农舍便启迪了他那泉涌不竭的音乐灵感。这些热情洋溢的杰作全部出于这一时期。这些乐曲都可看作是以天才的表现力体现他强烈的性格和命运对他考验的结果。上述作品所表现的深度和强度，是从其他作曲家那里难以求得的特质。

晚期作品是完全失聪以后所作，具有代表性的一部巨作就是人们熟知的《第九交响曲 “合唱”》。最能表现这一时期特征的是最后的三首钢琴奏鸣曲和晚年的弦乐四重奏曲。这些作品已不复存在类似热情或斗争的内容，而变为充满冥想和诗意的音诗。年青时的音乐形式只是作为固定的音乐语言而保持了原形，即把形式放在第二位，而只夸张地表现情绪和内心的感情。1815年以后，贝多芬的创作一度消沉，抒情风格代替了英雄性的风格，1817～1823年间贝多芬完成了宏伟的，充满着哲理和英雄性的不朽之作《合唱交响曲》。它标志着贝多芬已度过了创作的危机期，表明他对胜利的信心，和对人类命运的关切。贝多芬根据自已的经历、体验，认为最优秀的人物定会经受痛苦，并“从痛苦得到欢乐”。他在完全失聪的病痛中所创作的晚期最重要的作品《第九交响曲》强烈完美地表达了这种信念。在这部作品中，他唱出了终生向往的资产阶级理想王国的最强音。这一时期的作品，在音乐风格上又有了新的变化，这表明贝多芬是一个永不停息的探索者。正如他所说：“音乐能使人类的精神爆出火花。”

通过对贝多芬一些经典钢琴作品的浅析，会逐渐发觉他的初期作品首先注重形式，属于典型的古典派，但中期作品表现出了强烈的个性，转向浪漫派的方向，到了晚期他跨越了半个世纪，已完全进入了浪漫派的境界。

个人对音乐的感想：

音乐是人类的朋友，我们的生活离不开音乐，音乐在生活中有着重要的作用。音乐能够让我们心里充满爱心，知道人生的意义！音乐能够开启人类的智慧，使之变得敏锐！音乐能够让我们的想象插上翅膀，使之自由飞翔！音乐能够发展形象思维，让我们孩子的生活充满阳光！音乐家贝多芬认为:音乐是比一切智慧、一切哲学更高的启示,谁能说透音乐的意义,便能超脱常人古典之曲何其远,时值当年正流行。一年一度热烈而隆重的维也纳新年音乐会,使得多少人在同一时刻得到新年的祝福。老师通过多媒体也让我们看到了伴着全球喜爱音乐的人的祝福的一场维也纳新年音乐会，让我真真切切的懂得了音乐的唯美！感谢音乐，音乐让我的生活如此美好！

第四篇：音乐风格毕业论文

摘 要: 我主要论述的是20世纪乡村音乐的起源、特征及发展;分析了早期乡村音乐风格、80年代乡村音乐风格的演变、90年代乡村音乐的复兴以及乡村音乐的演唱特点;指出应准确学唱和掌握欧美乡村歌手的演唱技术,将歌唱的情感与声音完美结合,以提高我国流行音乐的演唱水平,创造出更具有中国特色的流行音乐的新形式与新作品。

关 键 词: 乡村音乐;特征;风格;演唱

On the style of popular music——country music [Abstract] The origins, characteristics and development of American country music in the 20th century are discussed.The early style of American country music is analyzed, as well as the evolution of country music in 1980’s, the revival of country music in 1990’s and the singing features of American country music.It points out that, the singing technique of American and European singers should be studied exactly, to make the perfect combination of emotion and sound, in order to enhance the level of pop music singing in China, and create new forms and new works with Chinese characteristics.Key words: country music;features;style;singing

目 录

一、引言.................................................................................................................4

二、音乐风格形成的因素.....................................................................................4

（一）历史的因素..............................................................................................5

（二）地域、水土的因素..................................................................................6

（三）民族的因素..............................................................................................6

（四）乡村音乐风格的形成..............................................................................7

三、乡村音乐的起源与发展.................................................................................8

（一）乡村音乐的起源......................................................................................8

（二）乡村音乐的发展......................................................................................8

四、乡村音乐的音乐风格.....................................................................................9

（一）早期乡村音乐风格..................................................................................9

（二）20世纪80年代乡村音乐风格的演变...................................................9

（三）20世纪90年代乡村音乐的复兴...........................................................9

（四）现代“新乡村音乐”时期发展............................................................10

五、乡村音乐的演唱特点及启示.......................................................................11

六、结

语.......................................................................................................12 致辞.......................................................................................................................13 参考文献:..............................................................................................................14

一、引言

音乐风格是作曲家的性情气质、思想感情和其所处时代社会思潮和风气的混合产物,主要由旋律、和声、节奏等因素决定。古典主义及浪漫主义时期,是西方音乐作品风格的成熟时期。该时期,音乐为人类历史写下了辉煌篇章,节奏随同与旋律、和声等要素得到了全面发展。

在音乐上,“风格”表示旋律、节奏、音色、力度、和声、织体、曲式等元素结合时的特征与方法。不同时代的作曲家对于音乐节奏、旋律、和声等要素的选择是不同的。处于同一时期的作曲家,其创作风格必然要受到那个时代的社会思潮、社会风尚和社会心理的影响;同时受到不同人各不相同的审美力、旨趣、情绪和伦理观念等支配;不同地域、不同民族的人,对音乐要素的理解也不同,因此赋予了音乐风格以不同的特色,从而在作品中显示其历史的独特性,音乐风格也就经历了一个漫长的由低级到高级、由简单到复杂、由机械单一到灵活多样的历程。

作曲家用以表达其音乐思想的材料是声音、音色、和声及节奏等要素,这些材料构成“内容”,而用收集、连接、对比等手段显示出材料之间的次序与组织的方法就构成了曲式。早期人类的音乐材料只是单

一、机械,无小节线限制、无节拍规律性的简单低级的节奏。随着经济、社会、文化的不断进步,不同时期的作曲家们均尝试着在传统的曲式中运用新的材料,或以实验性的新曲式来表现传统的材料。表现音乐情绪仅靠节奏已无法完全表达创作者的意图,因此旋律、和声等音乐要素逐渐与节奏一起成为表达音乐情绪的主要因素。到了古典及浪漫主义时期,音乐风格逐渐复杂化、多样化、综合化,更适合表现人类不同的情感,并形成了不同的流派,创作手法也日臻丰富、成熟。

二、音乐风格形成的因素

音乐是表达人们思想感情的一门艺术, 不同的历史时期, 不同的地域、水土, 不同的民族、语言, 都会有着不同的音乐情感表达方式与风格。形成音乐情感表达方式与音乐风格的因素是多种多样, 由于社会结构、地理环境、历史进程、生产劳动、生活方式、宗教信仰、文化传统、民间习俗和民族语言等不同, 每个地区, 每个民族都形成了各自的音乐体系,也形成各具特色的音乐风格。

音乐风格不是音乐美的一般因素，而是由音乐家的创作个性体现在他的作品中的独特

魅力，音乐风格的形成是音乐家成熟的标志，它是音乐艺术历史发展中的阶段。因此，不是所有的音乐创作都可以形成自己的风格。风格绝不是纯形式上的，它是在人种、国别、宗教等因素下，有特定的生活环境中的人表现出来的。音乐风格作为一种表现形态，它是从音乐的整体中呈现出来的代表特征，它即与音乐家主观方面的特点有关，也有涉及到音乐作品内容与形式的各个方面。所以才会形成巴赫，莫扎特，贝多分等大音乐家的风格。

因此，我们可以这样概括音乐风格的含义：音乐风格是音乐家创作的独特标志，是音乐艺术历史发展中的阶段，是音乐家创作个性的外在表现。

（一）历史的因素

不同的国家, 不同的历史时期所产生的音乐有着不同的音乐风格。如欧洲经历了较长时间的教会统治时期, 宗教化的结果就是教化人们要节制和容忍, 所以在欧洲所形成的声乐演唱方法, 都具有既要表现真实的感情, 又要有所节制的特性。比如美声唱法中, 即使表现的是感情极其激烈的音乐, 其演唱也是比较有节制的。在这一方面有些像我国京剧的表现方式, 由于我国经历了较长时期封建社会的统治, 深受儒家“克己复礼”思想的影响, 所以我国民族音乐的表现方式也比较节制。而流行音乐是近、现代才在拉、美等国家得到发展, 所以, 流行音乐的许多方面都受到拉、美等民族音乐的影响。如美国的许多音乐风格, 同美国的历史有着直接的关系。同样, 我国的许多音乐风格同中国的历史有着密切的关系。

中国是一个文明古国, 音乐文化的历史非常久远,从远古至明清各时期都有着不同的音乐风格。就近现代时期的音乐来说, 自清代末叶的鸦片战争,在历经一系列反帝反封建的农民革命,“戊戌变论音乐风格形成的因素法”、“辛亥革命”、“五四运动”, 以及中国共产党领导下的新民主主义革命, 这一百多年来, 音乐文化的发展交织着传统音乐和欧洲传入的西洋音乐, 但我国的音乐文化是以民主、科学为主要潮流而发展的。

在美国，20世纪60年代以后，乡村音乐的演奏者和作曲家们吸收了美国各种音乐流派的风格，使用的乐器和演奏风格不断发生变化，逐渐成为美国流行音乐的主流。与此同时随着广播、电视、网络媒体不断发展，赖曼礼堂的音乐设施却越来越不能满足需要，1974年，在距市中心14公里的郊外修建了新剧场，第一次开放时美国总统尼克松亲临现场。每到周六，世界200多个国家和全美200万人通过这里的卫星转播、有线电视和互联网来收听此节目。从1967年开始，每年入秋时节，国际乡村音乐大赛都在纳什维尔举办，世界各地的音乐家们都会以到这里登台献艺作为自己艺术生涯中一个辉煌的时刻。

（二）地域、水土的因素

不同的地域形成了不同的水土, 不同的水土造就了不同的环境。环境对人的情感表达方式会造成一定的影响。如在一望无际的平原上生活的人, 就会形成豪爽、泼辣的性格;在景色秀丽的江南水乡生活的人, 就会形成温柔、细腻的性格。音乐也一样, 不同的环境有着不同的风格与特点。

例如, 在环境恶劣的陕北高原所产生的陕北民歌:《咱们的领袖毛泽东》、《翻身道情》、《太阳一出满山红》、《边区好地方》等, 这类民歌的曲调高亢奔放而又深沉质朴, 音调嘹亮清脆、委婉秀丽、粗犷有力,近似呼号, 穿透力、空间感极强。在辽阔的内蒙古大草原上所产生的内蒙民歌:《辽阔的草原》、《牧歌》、《雪山》、《嘎达梅林》等, 这类的民歌与辽阔的草原、碧蓝的天空、肥壮的牛羊所赋予蒙古人民热情、直爽、彪悍的性格, 和蒙古民歌粗犷、豪放、悠长的特点有关, 这些民歌的音域较宽, 旋律婉转细致,多用颤音、波音等装饰性手法, 极富地方民族特色与风格。

在西方，乡村及西部音乐是美国流行音乐的另一种主要形式。它们主要是由南部白人和在阿帕拉契亚山脉以东的那些白人所创造的。开始于20年代，它起源于阿帕拉契亚山脉以南的民间音乐。这种音乐包括我们称之为西部摇滚以及一种带有布鲁斯风格的音乐，当时在西部很流行。很多年来这种所谓乡村音乐受到民间音乐、宗教音乐及布鲁斯音乐的影响，同时还受到了摇滚音乐的影响。反过来，它也影响着美国的流行音乐。尽管人们仍然把它叫作疯狂的粗犷音乐，但现在人们都认为乡村音乐已经进人了音乐的主流。因此, 不同的环境可形成不同的音乐, 同时也可形成不同的音乐风格和特点。

（三）民族的因素

不同的民族有着不同的民族性格。如地广人多的国家, 人们的生活因为有安全感而较随意, 甚至有些散漫;地小人少的国家, 人们的生活会因为大国的影响, 缺少安全感而紧张, 甚至是带有侵略性的恐惧。这种民族的特性, 在很大程度上影响着音乐的风格与表现形式。

我国地域辽阔、民族众多, 流传于各民族的民间音乐浩如烟海, 数不胜数。由于各民族的历史传统、地理环境、族源、语言、宗教信仰、生活习俗等的不同, 各民族的民间音乐也有着鲜明的风格和特点。在演唱(奏)形式, 演唱(奏)方法, 曲调风格及其音阶、调式或节拍、节奏、速度等方面, 有着各自的民族风格和地区色彩，美国乡村音乐更早起源于英格兰、爱尔兰及苏格兰18、19世纪到美国来的移民。爱

尔兰当时的乡村民谣对其产生主要影响。20年代第一个乡村音乐组就出现了，同时引进了弦乐的方式，弦乐队的音乐，曲目其中包括民歌、宗教音乐都给美国西南部乡村人民极大的感染力和号召力。20年代那种粗犷的音乐形式，随着大小城镇的广播电台的兴起逐渐地流行开来，随着音乐不断传播，新的地区特色像路易斯安那州的带有法国方言的音乐歌词慢慢地融人到了整个国家乡村音乐主流当中。

（四）乡村音乐风格的形成

乡村音乐，顾名思义原是一种民歌.它是从美国东南部白人农业区的传统民歌衍生而来的一种民间音乐，具有浓郁的民歌风味，曲调朴实无华、伤感哀怨。十九世纪初，已成为美国音乐的山个组成部分。乡村音乐虽然渊源久远，而且旋律优美，但一直湮没在农业地区.文化较高的大城市里的听众一直认为它是一种粗俗的乡下佬的音乐，不值得一听.到了本世纪50年代，一位名叫汉克·威廉斯的歌手，首次在大城市公演乡村音乐.为了吸引听众，威廉斯留着一头长发，演出时他有时身穿饰贴着金属小圆片的牛仔装，混身金光闪闪:有时又穿一身豪华的晚会礼服，显得十分气派。但因演奏缺乏训练，歌词内容又不合时局，再加乡村音乐一直被认为是穷人的音乐，所以仍不能博得城市听众的喜爱.60年代，美国大学生对山种情调伤感的美国南部黑人民歌—乡村布鲁士产生了兴趣，于是这种慢四步的黑人爵士乐开始流行，并在广播和电视节目中出现.由此其他少数民族的音乐也开始受到人们的重视.但真正上生土长的美国乡村音乐仍未能引起人们的兴趣.这并非音乐本身不好，主要还是由于政洽方面的原因.到了70年代的后期，乡村音乐才时来运转.当时美国主要的电台、电视公司竟相播放乡村音乐，唱片公司大量灌制乡村音乐，一些音乐厅也开始演出乡村音乐.乡村音乐成为美国流行音乐的主流、从音乐角度来看乡村音乐，形式非常简单，但它能给人们一种震撼力，它的特征促进了流行趋势。乡村音乐最迷人方面基本上是来自这么一个事实，即它更注重旋律和感觉。乡村音乐表达一种和谐、一种优美、一种韵律，用抒情的手法带来一种轻松，当然也有些例外。在进行音乐创作的过程中, 不同的作曲家会在以下三个方面使音乐形成不同的风格:

①在歌曲创作方面, 同一首歌词不同的作曲家会创作出不同风格的歌曲。从唱法上来看: 有的将它创作为用民族唱法演唱的歌曲, 有的又将它创作为用美声唱法演唱的歌曲, 而有的甚至将它创作为用通俗唱法演唱的歌曲;从声种上来看: 男高音、男中音、男低音, 女高音、女中音、女低音等, 都是作曲家创作的选择;从演唱形式上来看: 作曲家们将其创作为独唱、对唱、重唱、齐唱、合唱等都有可能。

②在器乐曲创作方面, 同样一个音乐素材, 作曲家们可将它创作为某一乐器的独奏曲, 也可将它创作为重奏、协奏、齐奏、合奏曲等。③在民歌或乐曲的改编方面, 同样一首歌曲或器乐曲, 不同的作曲家可将其改编成不同的演唱、奏形式, 不同的演唱、奏风格。

总的来讲, 音乐风格形成的因素与历史、地域、民族、语言等有着密不可分的关系, 所以, 随着社会的不断发展, 还将会有新的音乐风格产生, 使音乐百花园变得更加丰富多彩。

三、乡村音乐的起源与发展

（一）乡村音乐的起源

乡村音乐(Country music)是当代的一种流行音乐,起源于20世纪20年代美国南部农村及偏远山区,主要来源是英国的传统民间歌谣,同时也受到宗教音乐的影响。乡村音乐融合了传统民谣音乐、凯尔特音乐、福音音乐及古时音乐。最早期的乡村音乐在内容上主要表现乡村牧场的劳动生活以及对美好生活的向往。在后期发展与演变中,乡村音乐的内容发生了很大的变化。

乡村音乐的曲式结构较为简单,多为歌谣体、二部曲式或三部曲式。旋律流畅,朗朗上口,传唱性较强。在唱法上,由于乡村音乐是从美国民间音乐发展而来的,带有浓郁的民间音乐色彩,较多地运用民间本嗓的音色来演唱,并带有浓重的鼻音。在演唱形式上,乡村音乐以独唱和有声部的小合唱为主。在乐器上,早期乡村音乐主要以吉他、班卓琴和小提琴为主要伴奏。随着乡村音乐的发展,在现代乡村音乐中,乐队的配置发生了变化,乐器以电吉他、电贝司、鼓、键盘为主,再加入特色的民间乐器。如班卓琴、曼陀林、夏威夷吉他等。

（二）乡村音乐的发展

乡村音乐从农村走向世界并在世界流行乐坛占有重要的位置是经过了一段曲折发展的道路的。从它的发展历程上看,它经历了早期乡村音乐———山地音乐(Hillbilly music)、西部摇摆(WesternSwing);20世纪40年代的蓝草音乐(Blue GrassMusic)、纳什维尔之声(Nashville);五六十年代的乡村摇滚(Country Rock)、乡村民谣(CountryFolk);七八十年代的新传统主义音乐(NewTraitionalism)、新乡村音乐(New Country)以及90年代的乡村音乐等不同时期、不同风格的演变历程。

四、乡村音乐的音乐风格

（一）早期乡村音乐风格

乡村音乐最早的自身演变是从“牛仔音乐”和“西部摇摆”等音乐形式发展而来的。在表现内容和形式上产生了变化。例如,“西部摇摆”最初作为提琴乐队演奏的一种新风格,使提琴手和吉他演奏者与钢琴弹奏者还有其他弦乐器演奏者浑然一体,并且发展成乡间爵士乐的一种形式。进入20世纪四五十年代,乡村音乐受到其他流行音乐形式的影响,逐渐加入钢琴和弦乐和背景合音等成分。在音乐风格上,既有乡土特色,又有流行音乐的时代气息,使传统的乡村音乐更加流行化。其音乐的特点是音乐精致、纯正、原汁原味,也称“蓝草音乐”。常用两三个声部的“和音”,最常用的乐器有曼陀林、班卓琴、小提琴、口琴等。20世纪50年代出现的“山地摇滚”是乡村音乐和摇滚乐的第一次结合。山地摇滚改变了传统乡村音乐的形式,对乡村音乐的发展产生了重要的影响。应当说,40—60年代乡村音乐向新音乐形式的演变,本质上是沿着乡村音乐的主体所进行的“分歧性”演变。

（二）20世纪80年代乡村音乐风格的演变

20世纪80年代初期兴起的一种乡村音乐潮流“新传统主义”主要是以“复兴传统音乐”为口号,在音乐元素上保留乡土性和民间性。肯尼·罗杰斯(Kenny Rogers)被称为“乡村音乐的改良者”,他将大量的流行元素融入乡村音乐中。他的嗓音厚实、粗犷,略带沙哑却又不失温存。如《Lady》、《We’ve Got Tonight》、《Island In TheStream》等歌曲都在流行歌曲排行榜上取得不错的成绩[4]205。显而易见,真正的乡村之声受到了流行音乐的强烈冲击,在这种形势之下出现了“新传统主义”流派。至80年代中后期,流行乐坛上又出现了“新传统主义潮流的延续———新乡村音乐”(New Country)。“新乡村音乐”是20世纪80年代中期回归本土根源的乡村音乐形式。

（三）20世纪90年代乡村音乐的复兴

20世纪90年代以后,乡村音乐开始向全球进发,很多乡村歌手逐步成为家喻户晓的国际级巨星,如仙尼亚·唐恩(Shania Twain)、文思·基尔(Vince Gill)以及费斯·希尔(Faith Hill)等。仙尼亚·唐恩是90年代中期最受欢迎的女乡村歌手。她的成功绝对是个奇迹,她将新的抒情歌曲与新的乡村民谣巧妙地有机结合在一起。她将乡村纯情风格转化成无比的亲和

力,在《I’m Gonna Getcha Good》中增加了民谣元素,与之前的《Man!I Feel Like A Woman》等专辑相比有着截然不同的表现。仙尼亚·唐恩拥有很特别的美式鼻音,在她演绎的歌曲中,弦乐伴奏和和声的配合是相当绝妙的。在仙尼亚·唐恩的音乐中,经常加入硬摇滚的音乐成分,使摇滚乐和乡村音乐得到有机结合,成为“新乡村音乐”的典范。

费斯·希尔对乡村音乐的最大贡献是从“蓝草音乐”出发,将乡村音乐的演唱提升到一个全新境界。她的演唱具有很强的宣叙性,节奏鲜明。她不断地吸取摇滚乐与爵士乐的成分,并将其与流行音乐形式相结合,将欧美乡村音乐的演唱技巧发挥得淋漓尽致。在费斯·希尔的音乐里,有乡村音乐的朴实、自然、亲切,也有古典美的特质,还有中低高声区音色的统一和技巧的转换。她在演唱中强调字与字的强弱对比以及同一个字不同力度的对比表现,将乐句与乐句之间的对比转换处理得恰到好处。费斯·希尔光彩夺目的演唱,又一次证明了90年代中期的乡村音乐听众比以往更加年轻化了。

（四）现代“新乡村音乐”时期发展

“新乡村音乐”虽然在近现代西方流行音乐史上被作为20世纪九十年代以后所有具有乡村音乐风格的音乐的统称，但严格意义上讲，它是特指乡村音乐发展到八十年代时产生的“新传统主义”潮流的延续。在“新乡村音乐”时期，乡村音乐与摇滚乐实现了第三次结合。虽然这一时期的口号是要回归到传统乡村音乐时期，但在音乐制作方式上仍借助着流行音乐的手段，加进了更多的背景合音，电声乐器的运用也相应加强了力度，因此在“新乡村音乐”时期创作的乡村音乐中摇滚乐的成分越发加重，这种带有浓厚摇滚风的乡村音乐同样得到了众多乐迷的喜爱和追捧。

在这一时期也涌现出新一批年轻的艺人，他们将乡村音乐与摇滚良好地融合在一起，不但是歌手更是创作人。如加斯?布鲁克斯（Garth Brooks）、仙妮亚?特温（Shania Twain）、文斯?基尔（Vince Gill）等，他们都是“新乡村音乐”的典范。综上所述，摇滚乐在乡村音乐发展过程中注入了新鲜血液，同时，摇滚乐也获得了相应的发展。事实上，纵观整个流行音乐史，无论中外古今，像这种互相渗透融合的现象是常有的事，它不断推动着全世界流行音乐的发展。如果我们能主动认识这种现象，并积极运用于流行音乐的创作中，必将带来有益的创新成果。

五、乡村音乐的演唱特点及启示

乡村音乐是土生土长的美国音乐，体现了浓郁的美国南方民间音乐的风格。传统的乡村音乐从19世纪的弦乐曲和传统叙事歌中发展而来，他的一个显著特点就是，不受性别和年龄限制，也不受时间地点的限制，一把吉他，外加班卓琴和口琴乐器的伴奏，歌手便可以尽情抒发他们心中的快乐和忧愁。乡村音乐的演唱特点是将情感与声音完美结合, 和歌手的完美诠释。

我在这里举一个例子，是我比较喜欢的乡村音乐人约翰·丹佛的代表作《Take Me home Country Road 》其演唱技巧表现在: 整首歌曲首先以音准的准确性为基础，以掌握标准的吐字,平衡完美的和音为辅;从始至终都保持着声音的自然性，到了歌曲的中间部分开始要注重节奏、节拍的强弱控制，掌握连音和断音的技巧。同时，要以真挚的情感贯穿全曲。从对欧美乡村歌手成功经验的理解与认识可以看出,正确的歌唱,能够以自然的方式来诠释情感,让歌唱更具色彩。情感变化受心理状态的影响,它支配着声音的音高和色彩。

与此同时,选曲的重要性也决定了演唱的是否成功。选对了歌曲,把握和表达好情感,让声音具有不同的色彩,使歌曲更有层次感、表现力更强、更具有完整性。这也是歌手建立自信的基础。音色指的是乐音的音质,这种音质以“音的色彩”予以描绘。

音色是嗓音的第二特征,它也是乡村音乐演唱的突出特质,它对于流行音乐演唱来说更有价值。音色是语言的一个重要部分,也是表达真实情感的必要条件,通过音色才能表达出歌词中的鲜明情感。在乡村音乐演唱的教学中,把握音乐风格的同时,还要从音色的角度上考量。因为每个人都具有各自的个性特征,反映在音乐作品中会形成独特的风格,使演唱更加丰富多彩。自然放松的歌唱是音色形成的基础。因此,歌唱时的自然与放松状态是心理的自然状态。它是相对的,是以自然的放松转变为歌唱时的放松为前提的。在流行音乐演唱中,有各种音色被使用,如明亮、温暖、气声或者清晰,等等。乡村音乐的演唱,在这些音色的基础上准确表现乡村音乐的突出特质。对咬字的处理也十分重要,清晰、纯正的咬字是歌唱的前提条件,清楚地发声是咬字的必要因素。作为表演者,必须深度挖掘隐藏在深处的情感能量。声音表达、身体语言、歌词的清晰度、音域和声区,都必须百分之百地切合歌曲需要传达的信息并以真挚的情感表达出来。在此基础上,应循序渐进地练习,学会逐渐掌握这些技巧并在演唱实践中运用这些技巧。

六、结

语

通过对乡村音乐演唱风格的研究,引发当代中国流行音乐对未来的探索。这就是,既要有对于民族音乐文化的深入理解与认识,还要挖掘具有鲜明中国特色的流行音乐的新形式与新作品,紧密结合流行音乐所具有的时尚和多变的特点,创作出既符合时代风格又具有自身特色的流行音乐作品。乡村音乐是普通劳苦大众的音乐，普通人民的音乐，人们可以从中得到认同感。乡村音乐它以一种直接的方式来向人们表达心意，这是其他音乐所不能做到的，它可以给人们带来一种情感，就是说他们在艰苦生活中并不感到孤独，其他人也非常理解，人们可以在音乐中找到一种发泄孤独的一种力量。通过以上梳理，使我们对西方民族音乐学家在音乐风格分析方法上能有个清晰的认识，并根据他们对风格分析方法的摒弃、革新和创造，来为我们民族音乐风格的研究提供借鉴。

致辞

在本文完成之际，感慨万千。本论文每一段文本的输入之中都有我辛勤的汗水。半年的设计时间虽然短暂，我却从中学到了很多的东西。我由衷地感谢关心、教诲、帮助、支持和鼓励我完成学业的老师、朋友和亲人。

特别感谢我的导师徐幸，半年来她在学习、科研上一直对我悉心指导，严格要求、热情鼓励，为我创造了很多锻炼提高的机会。徐老师洞察全局、高屋建瓴，为我的论文的顺利完成指出了很好的方向，徐老师渊博的知识、宽广无私的胸怀、夜以继日的工作态度、对事业的执着追求、诲人不倦的教师风范和对问题的敏锐观察力，都将使我毕生受益。无论是教书治学，还是为人处事，她都足以让我高山仰止。尤其是，在我最困难的时候，是老师给了我最大的鼓励与帮助，让我有勇气有力量继续走下去。包括这篇论文，老师不厌其烦，多次予以催促与修改，让我感动感激不已。她是我一辈子的恩师！

我不知道我的明天会怎样，我只知道和你们在一起的这些单纯美好的时光，永远永远不会再有。在此我谨向我的导师以及在毕业设计过程中给予我很大帮助的老师、同学们致以最诚挚的谢意！

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第五篇：中世纪音乐风格教案

（一）音乐风格

艺术风格：音乐作品是独特内容和形式相结合的产物，是作曲家主观精神与与作品的客观特征相统一的艺术体现，具有其能够感知和体验难以说明的独特面貌。音乐风格的本质是音乐艺术美在多种形态上的体现。

音乐风格具有多样性和一致性。音乐风格所反映的客观世界本身的多样性，音乐家主观精神世界和创造才能的多样性，不同时代对艺术要求的多样性，不同欣赏者对音乐艺术的需要和兴趣的多样性，决定了音乐艺术在不同时期和不同状况上的表现实质、内容、形式和美学意义上的多样性。也就规定了音乐艺术风格的多样性。

音乐风格的一致性，主要表现在作曲家创作风格必然为其所生活的特定历史时代、国家、民族文化的审美特征所制约。

音乐风格多样性和一致性是辩证统一的关系。

（二）中世纪和文艺复兴时期音乐

1.格里戈利圣咏：公元6世纪，罗马教皇格里戈利一世为了统一教会仪式后，把教仪歌曲、赞美歌等收集成一册《唱经歌集》，即格里戈利圣咏。它是单音音乐，由男声用拉丁文演唱，有独唱、对唱、合唱等形式，旋律有音节试、花唱式、咏唱式三种类型，节奏自由。它追求超脱于现世的“彼岸”精神，排斥世俗情感。调式沿用古希腊调或名称，但排列相反，自上而下。

2.奥尔加农”是欧洲最早的“复调音乐”形式。公元9世纪，从事宗教活动的僧侣音乐家开始在格里高利圣咏的单线 条旋律的下方加一个平行四度或五度的曲调。于是，这个所加的曲调与原来的旋律就构成了一种简单的“复音”形式。这种“复音”形式就是“奥尔加农”。后来，世俗音乐的繁荣促进了宗教音乐的发展，奥尔加农这种“复音”形式也发生了变化。这就是在圣咏旋律的上方加八度、四度、五度音程。到12、13世纪，经巴黎圣母院的作曲家的发展，“奥尔加农”又有了新的发展。这就是增强了各个声部的独立性。由于声部的独立性加强，原来的格里高利圣咏的旋律已不再是音乐的主线条了。随着旋律也变得复杂起来，声部之间的对位逐渐严格。于是，复调音乐就正式产生了。“奥尔加农”的产生和发展，极大地促进了西方复调音乐的发展。

3.有量记谱法：在平行奥尔加农的基础上，人们加入各种协和音程，使用一音对多音的技巧，开始运用反向进行，使两声部在旋律进行上获得了独立；从此结束了单声部圣歌和早期奥尔加农的无节拍状态，获得了节奏上的独立，导致了记谱法的重大革新，能使两声部准确协调的有节拍的记谱法出现了。

（三）文艺复兴时期音乐

文艺复兴时期：指13世纪末在意大利各城市兴起，以后扩展到西欧各国，于16世纪在欧洲盛行的一场思想文化运动，带来一段科学与艺术革命时期，揭开了近代欧洲历史的序幕，被认为是中古时代和近代的分界。13世纪末期，在意大利商业发达的城市，新兴的资产阶级中的一些先进的知识分子借助研究古希腊、古罗马艺术文化，通过文艺创作，宣传人文精神。主要标志是：1）古希腊、古罗马时代的文化精神得到新的体现2）从绝对信仰和神秘主义的宗教向理性新年和科学探索时代过渡；3.提倡人类智慧和对生活的热爱，崇尚“人本主义”思想，现实生活成为艺术所关注的中心内容和题材；4.理性和有没成为重要的艺术追求，理想的形式与谐和成为艺术的标准。对欧洲音乐的发展有巨大的推动作用。

佛兰德斯乐派：德兰德斯乐派(又称为勃隆第乐派或弗兰德斯乐派)，是指1450-1600年在法国北部、比利时及荷兰南部地区形成的一个音乐流派。是文艺复兴时期的主要乐派之一，另外的主要乐派有勃艮第乐派等。

史料记载，这一地区在当时又被称为尼德兰区域。20世纪初，史学家们为了使历史上政治、文化、地理的名称更加吻合，常把尼德兰第一乐派称为勃艮第乐派，把尼德兰第二乐派、第三乐派称为佛兰德斯乐派，即狭义上的尼德兰乐派。佛兰德斯乐派使复调对位音乐发展到盛期，在人文主义的影响下，他们把世俗曲调作为弥撒曲和经文歌的定旋律，而且常采用尚松、牧歌、维勒莱等世俗声乐体裁进行写作。

贡献：15世纪中期以后，佛兰德斯乐派进一步发展了复调音乐，表现在：（1）强调复调中各声部地位平等，都具有呈现主题的功能。

（2）喜好较为丰满的音响，出现简单的和声结构（三和弦形式完整出现），假低音技巧和兰迪尼终止式被正格终止和变格终止取代。

（3）弥撒曲以四个声部为主，有时甚至采用五、六个声部，作曲家也常把四声部拆为二重声部，形成一种对比强烈的二重风格。

佛兰德斯乐派的代表作曲家按年代顺序可分为三类：

（1）早期（约1450-1490年）代表

奥克冈（J.Ockeghem，约1425—1497），是佛兰德斯乐派第一代作曲家，他历经法国三代君王，长期在皇家小教堂供职。他的音乐深受勃艮第乐派的影响，创作的弥撒曲庄严宏伟，旋律宽广，音响丰富；在模仿复调上有较高的造诣，创有一种“迷你卡农”形式。现存的宗教作品有13部弥撒曲，1首安魂曲，1首信经和10首经文歌等；世俗音乐主要有26首尚松。常被人提及且具有代表性的作品是经文歌《感谢上主》，这是一首三十六个声部的卡农曲，主题在不同声部回旋9次之多。（格CD2Track20）

（2）中期（约1480-1520年）代表

若斯坎（JosquindesPres，约1440～1521），佛兰德斯乐派第二代作曲家，奥克冈的学生。他致力于复调技术的革新，其中最典型、突出的成就反映在经文歌的创作方面，强调各声部旋律的同等作用；同时音乐不再像数学模式那样进行，而在描绘歌词的意境、表情达意方面发展到了一个新的高度。若斯坎留存下来的作品有18首弥撒曲、100首经文歌和70余首尚松等。（格CD2Track22，CD2Track23，CD2Track24）

（3）晚期（约1520-1550以后）代表 拉索（OrlandodiLasso约1532～1594），佛兰德斯乐派第三代作曲家，是继若斯坎之后佛兰德斯乐派的又一个重要作曲家。他精通文艺复兴时期的各种音乐体裁，作品涉猎弥撒曲、经文歌、意大利“牧歌”、法国“尚松”和德国“里德”，重要的代表作为无伴奏合唱 《回声》等。如果我们把文艺复兴时期的音乐看成是中世纪以来声乐复调艺术发展的顶点，那么拉索就是这个领域的集大成者。他的音乐特点是：①初步建立了T-DD-T的和声功能圈。

②在弥撒曲的写作中，定旋律tenor声部的圣咏旋律被世俗曲调取代。

③奠定了复调艺术的两种写作类型：一是对位化写作，它以模仿原则为主，各声部连绵不断地独立发展，少用终止式，前后一气呵成浑然一体，代表形式是卡农曲与双重卡农曲；二是对位和声化写作，它在复调织体中使用和弦进行，多用终止式，段落分明，有明显的收束感。

④创作风格：明净、质朴而又含有一种动态的情感美。