《水彩游戏》的教学设计

第一篇：《水彩游戏》的教学设计

水彩游戏

教学目标

1.了解染、吹、淌、滴这些不同水彩技法产生的效果。

2.初步学习运用染、吹、淌、滴这些水彩技法创作一幅有主题的水彩画。3.培养学生大胆、细心的创作习惯，学习勇于创新的精神。

课前准备

（学生）水彩颜料、纸张等常规作画工具

（教师）范画、盛有稀释的红、黄、蓝三种水彩颜料的大杯子及一些空杯子供（学生分组及教师示范创作用）等

教学过程 1.游戏激趣。

（1）出示红、黄、蓝三杯颜料水，并提问：这三杯颜料水任意倒出两种互相混合，会出现什么效果？

（2）指名四位学生上台表演水彩游戏的实验，其他同学台下尝试。

2.欣赏范作。

（1）出示使用染、吹、淌、滴技法的范作，提问：这些画使你想到了什么？

（2）让学生谈谈不同作画方法带来的效果。

（3）学生比较各幅画的不同之处（色彩、纹样、技法等）。3.学生创作。

（1）学生说说创作计划。

（2）提出建议：选择一种或几种水彩技法随意或有意地进行创作，作品完成时可以适当地综合，并将作品作整体调整。

（3）学生创作，教师指导。4.讲评与拓展。

（1）学生展示自己的作品，以自评为主，他评为辅（评价建议：水彩图案是否与添画协调一致；题目是否适合画面内容；是否创造性地表达了自己的情感等）。

（2）拓展：混合其他的水彩颜料，做做水彩游戏；尝试运用不同作画工具及底板创作水彩画。

第二篇：经典水彩教学视频

经典水彩教学视频

简忠威，1968年出生於基隆，1990年辅仁大学应用美术系毕业，1998年台湾师范大学美术研究所西画创作硕士，曾荣获两届奇美艺术人才培训奖、东华扶轮美术奖，目前为中华亚太水彩艺术协会理事。创办简忠威画室，所有课程皆亲自规划设计，并担任社会人士绘画艺术研习班与青少年透明水彩班授课讲师。简老师从事绘画创作与教学研究二十年，不断思考改良传统基础绘画的教学方式，率先采用课程规划，以先讲解、再示范、后练习的程序，提供初学者一个正确而有效率的基础绘画学习之路。《平凡的尊严》————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————————其他作品

第三篇：水彩游戏的说课稿

说教材

本课为浙版小学美术第二册第2课——《水彩游戏》。

儿童的生活离不开游戏，不管是“丢手帕”、“老鹰捉小鸡”，还是简单的兔子舞，都能释放他们的纯真和快乐。水彩游戏以色彩的流动变化、水色交融，让儿童充满想象和向往，更能激起他们的创造力。当随意的滴、淌、染、吹造就一幅幅意想不到的杰作时，孩子们的想象之窗也被打开了，染出万花筒，吹成百草园，滴出太阳雨，淌出千千万万朵美丽的火花，使我们看到了他们赋予作品的稚拙却深刻的情感。水彩游戏对培养儿童色彩的敏锐感知力、调控力与想象力有较大的作用，而这些能力也是孩子们以后学习新知、参与社会、创建事业所必不可少的要素之一。

本课以《水彩游戏》为题，通过水彩的不同技法和工具材料的运用，表现各种不同的色彩搭配形成的效果，新奇有趣，极富想象力。教材选择了红、黄、蓝，三原色组成的学生作品，目的是让学生进一步认识各种不同的色彩名称，感受色彩游戏的魅力。教材还选择了滴、淌、染、吹这些水彩画技法，更让学生在基础学习水彩技法的同时创造出新的水彩玩法，激发学生学习水彩画的兴趣，同时还让学生进行适当地联想、想象、添画，使学生在不知不觉中学会了知识，锻炼了能力，增强了创新意识，提高了审美情趣。

说教学目标

1.了解滴、淌、吹、染这些不同水彩技法产生的效果。

2.初步学习运用滴、淌、吹、染这些不同水彩技法创作一幅有主题的水彩画。

3.培养学生敢于创作，勇于创新的精神。

说教学重点难点

重点：学习水彩游戏的各种玩法。

难点：运用多种形式的水彩技法创作一幅有主题的水彩画。

说教学法

突出学生的主体地位，遵循学生自主尝试，体验感悟的指导思想进行教学。

首先，通过纸筒人带来的礼物导入，这样的导入既符合学生的年龄特点又激起了他们的学习兴趣。接着，以学生的自主尝试与探究进行美术体验并在原有的基础上进行发明创造，使活动更近一步。然后，根据对比得出添画的方法，有意的让学生对作品进行主题性的创作。最后，以“水彩游戏，放飞创想”的展板形式进行展示，不光是展示了学生本课的创作，更重要的是展示着学生体验的一种感受，每幅作品都是有思想有生命的，这样的活动也显得更有意义。

说教学程序

一、猜测技法，激发兴趣

1.出示四幅水彩作品，学生观察并猜测其表现方法。

2.尝试用四种方法进行水彩游戏，教师小结水彩技法。

3.揭题《水彩游戏》。

二、尝试游戏，探究技法

1.学生自主尝试水彩游戏。

2.学生发明新的水彩玩法。

三、欣赏作品，引出添画

1.欣赏大师作品，对比得出添画。

2.学生帮教师进行添画联想。

3.学生交流添画设想。

四、水彩游戏，放飞创想

学生进行水彩游戏，教师巡回指导。

五、作品展示，自主评价

请学生谈谈创作方法，画面表达的情景以及表达的个人情感。

六、拓展延伸，获得提升

欣赏不同工具，不同方法表现的水彩作品，拓展学生的水彩表现形式。

第四篇：水彩人物画法教学

1.人物写生的特点

在水彩画中水彩人物是比较难掌握的，不像静物和风景那样可以把对象随意的增减、修改比例、变换色彩，它要求有十分准确的造型能力和良好的素描功底，特别是人物表情和动态神色的刻画需要画家有十分深厚的功底。

人物的肤色变化是非常微妙的，在不同的光线和环境中肤色的变化就更加丰富了，我们须在纸湿的过程中来表现颜色的变化，使颜色相接的比较自然生动。要抓住大的肤色基调，大胆的概括，下笔干净利落，不拖泥带水。初学者可多画一些淡彩人像和人体速写，这对提高技法是十分有益的。

2.人物写生分类

①头像：在画人物头像时，首先要注意面部的结构及肌肉的变化特征，抓住大的色调及冷暖关系，强调五官神态及微妙的色彩变化。画头发时不要只用单一的墨色来表现，要考虑环境色及淘汰色对头发的影响，强调冷暖色的对比。画的过程中适当的加入一些褐色或普蓝色倾向的色彩，可使头发的色彩变得生动而自然，还要注意干、湿画法的结合运用及高光的处理，画面的高光最好是留出纸的空白。

②半身像和全身像：画半身像和全身像时，要处理好面部色彩与服装色彩之间的关系，注意手和脚的刻画，还应注意人物与背景的构图处理。肤色的变化直接受到服装面料颜色的影响，要仔细的观察对比光源色及环境色对肤色的变化所起的作用，同时也要主动的处理好画面的主次虚实关系。处理服装时要从画面的整体出发，色彩及图案要恰到好处，不可喧宾夺主。

③人体：用水彩来表现人体是有相当大的难度的，要求你既要有严谨的造型能力，又要有表现色彩的丰富的经验。我们要认真了解人体的结构特征及肤色的变化特点，做到胸有成竹，一气呵成。

3.人物写生步骤

太行山娃。

①用HB铅笔起稿子，注意造型和素描关系，为上颜色打下好的基础。

②画出小山娃的面部色彩及衣服的大的色彩关系，下笔要大胆准确，不可拖泥带水。面部是先用清水打湿纸面，之后再上色，并画出大的明暗关系，使颜色的衔接比较自然。

③进一步刻画面部的色彩变化及头发的颜色，将衣服的色彩及衣纹深入表现。

④将背景颜色全部涂上，调整人物的面部色彩，刻画面部的神态，画出衣服的花纹和背景的色彩，画背景要注意虚实的处理及冷暖的变化。

这幅人物作品是要表现太行山区的农家小女娃在上午的逆光环境下的动人的神情。面部的神态在逆光的条件下显得比较朦胧，裤子的鲜艳的红色同背景的色彩形成强烈的明暗及色彩的冷暖的对比。画面是要强调小女娃的面部神情，背景画的比较写意，增加了画面的虚实效果，突出了主题。

画人物是比较复杂的，即要有严格准确的造型，又要有丰富微妙的色彩变化，要学会用色彩来塑造形象。

第五篇：水彩静物画法教学（推荐）

静物画，是指以表现现实生活中静止物象为内容的绘画。凡具有审美价值的、静止的物象都可以作为静物画的描绘对象。对静物的描绘可作为独立的画科进行教学和创作，也可以成为绘画作品的有机组成部分，还可以作为造型基础训练的重要手段。由于静物的造型往往比较单纯，静止不动，置于室内，受光状况常较稳定，可根据画者的需要和能力组合描绘，对培养观察、分析对象的能力和提高绘画技能是条有效途径。因此，中外均采取静物写生形式进行绘画基本功训练。对于初学者，这种形式尤为适宜。

静物写生的训练程序

人们对知识的积累，技能的掌握有其过程和规律，都要经历一个由无知到有知再到博学，由不掌握到初步掌握再到熟练掌握的过程。静物写生训练，也是学习知识，掌握技能的过程，故必须从基础学起，由易到难，由简到繁，循序渐进地不断学习和训练。

水彩静物写生的一般训练程序，按静物组合的复杂程序排列常是：单个静物练习——简单静物组合练习——复杂静物组合练习；按用色难度排列常是：单色练习——限制颜色练习——不限色练习。在水彩静物写生的训练过程中，一般是把以上两种顺序综合安排，穿插进行。另外，根据学者的基础、需要、时间和教学者的习惯，在由浅入深、由易到难、由简到繁的规律指导下也可作多种程序安排。有的以静物难度为序；有的以用色难度为序；有的综合安排但舍去某些程序又增加某些程序。如对于无绘画基础的初学者，就可能在单个练习之前，作涂色块练习；对基础较好的，也可舍去前训练，而有意增加作业难度。自学者可根据自己的基础情况，参照以上程序进行安排。下面分别谈谈单色静物练习和限制颜色的练习。

单色静物练习：是指用单一色相的水彩颜料来画静物。这种形式既是水彩又是素描，说它是水彩，是因为它运用水彩颜料作画；说它是素描，是因为它运用单一颜色来描绘对象。这种方法，多用于初学者从素描练习到水彩练习的过渡。它排除多种色彩表现的复杂任务，运用初学者在素描练习中已熟悉的方法去画水彩，这样就可以把注意力集中在熟悉水彩画的工具材料性能和方法步骤上。任务单纯，解决问题迅速，是从素描向色彩画过渡的一种有效方法，可为造型打下良好基础。其具体做法是：用一种具有一定深度的水彩色，如赭石、土红、熟褐、生褐、深蓝、紫、深绿等均可，并加进少量黑色，将它们调配在一起，作画时根据需要用水冲淡使用。其着色程序常是由浅到深，由明到暗，由大面积到小面积，把画面铺满后，再根据需要逐层加深，直到调整完成。初学者要认识其意义，作一点单色静物练习是大有好处的。

限制颜色的练习：是根据静物组合的几个基本色相，有意限制几种颜色来作水彩静物练习，有的甚至从两三种颜色练习起，等熟悉其调和效果后再增加色彩进行训练。初学者画色彩画，一开始就用多种颜色是非常吃力的。因还不知各种颜色的性能，它们的色相、色性，以及不同纯度、明度的状况，更不知两色甚至三色调配后的效果和表现力。采取限制颜色的作画方法，就可以一一熟悉各种颜色的性能和它们之间的关系，逐步掌握各色的性能，充分发挥各色的表现力。同时，可养成分析对象色彩组合，注意画面色调和严格用色的习惯，培养以简练的语言求达意，以质朴的美姿去感人的艺术品质。

静物的选择和组台

画静物，首先要选择静物和摆设静物。怎样选择静物和摆设静物呢？下面看看《新疆瓜果》一画的静物选择和组合过程，然后再谈谈在静物的选择和组合中应注意些什么问题。这样可能较为实际。

该幅画是为乌鲁木齐市中小学美术教师水彩画学习班进行静物示范表演时绘制的。

学习班主持人邀作者进行水彩静物示范，准备了大量瓜果、器皿、衬布由作者挑选。结果选择了哈密瓜、无核葡萄、红色果盘和红绿交织的壁毯作为道具进行静物组合。哈密瓜、吐鲁番的葡萄在新疆瓜果中自然最为典型，果盘和壁毯亦是新疆少数民族常用的生活用品。这样的选择既符合生活真实，又是艺术表现的需要，更增强了地方特点和民族特色。其形色的选定，既是为了主体物的突出和画面的统一协调，又是为了加强热烈迎宾气氛的需要。

静物选定后则是进行静物设置。为了主体物的突出，将哈密瓜和几串无核葡萄置于果盘的中心部位，并将果盘放于位置较低的平铺壁毯上。这样的设置既符合新疆席地共欢的生活习俗，又可使观众产生亲临其境之感，有利于主题的表现。这个静物设置后，又在适当位置增放了几个苹果，这既是构图的需要，又增加了果品丰盛之感，并避免了哈密瓜和葡萄大小过于悬殊的缺陷。这组静物就这样设置就绪了。

上述例子可看出，静物的选择和组合应注意以下几点：首先，要对描绘的对象有所感受，要有明确的构思。其次，根据主题、构思选取主体物，再根据主体物选择陪衬物。在选取时要注意内容的内在联系，既符合生活的真实又符合艺术美的要求。第三，静物的组合，要符合突出主体的需要，并做到合理自然。也就是说，组合物的形状、大小、色彩、质地的统一与变化，光线的照射，背景的处理，组合物的位置和关系等，都应有利于主体物的突出并符合美的原则。

总之，静物的选择和组合，是一门值得研究的学问，其中色括很多构图学的原理，仅此一例，难以一一述尽，这需要认真研究，不断实践去掌握。作为教学者，在摆设静物时，要阐述为什么这样选择和摆设，有机会也可以让学习者自己选择和摆设静物。这将有利于学生学刁积极性、主动性和创造性的发挥，有利于对静物的理解和艺术处理。

下面结合《青桔》一画，介绍着色方法的综合运用。这幅画有水果、丝织衬布、金属、玻璃、草编器皿等几种不同材质的物象，描绘时作者采用了不同的着色方法。为表现青桔明亮而模糊的高光，采用干擦法着色；为表现金属保温瓶明亮而清晰的高光，预涂白色油画棒遮挡；为表现玻璃和金属高光的差异，采取干后重叠留空，体现出玻璃的高光。草编果盘光色变化柔缓，采取干后重叠法描绘；绸巾底色与花纹色相距甚远，则采用并置法着色。总之，画法的运用要以表现对象为目的。

着色程序的安排

水彩画十分重视着色程序的安排，这是其工具、材料特性决定的。水彩画用水调和透明的颜色作画，色调的浓淡是借助亮度和色层的厚薄体现的，水分的多少，底层的干湿，接色的快慢，对画面色彩的准确性和表现效果关系极大，必须重视着色先后程序的妥善安排。水彩画的着色程序，可以归纳为以下几种：

1.先浅后深或先深后浅

这是从色彩的深浅来分析画面着色的先后次序。水彩画是使用透明或半透明颜料作画，透明颜料深色可以覆盖浅色，浅色难以覆盖深色。因此，水彩画多是先画浅色，后画深色，先浅后深是水彩画一般常用的着色程序。这不仅对画面深色块和浅色块而言，并包括对单个物的深色和浅色而言。《西陲果香》一画就是从浅色衬布画起的。从画面深色画起或部分从深色画起，有时也是必要的。从深色画起一般容易用色肯定、明快、单纯、概括，适宜表现明暗显著，轮廓清晰，层次分明的物象，并有利于短期作业的迅速完成和对色彩、形体的概括。《新疆瓜果》一画就是从深色的背景画起的，但背景却又是从浅色部分先起的。

2.先主体后环境或先环境后主体

这是从主宾关系来分析画面着色的先后次序。主体物是画面的中心所在，一般在画面占较大面积，明暗显著，色彩突出，根据先画浅色、先画对画面起决定作用的颜色的原则，一般先画主体物，后画陪衬物和背景。这样的着色程序有利于主体物的刻划和表现。《丁香和波斯菊》一画就是从主体花头先画起的。但有时环境与主体物在明暗、色彩和虚实关系上距离较大，不先画环境则影响主体物的描绘和对整个画面色彩的把握，在这种情况下，又可能先画环境，后画主体物。如《新疆瓜果》一画。

3.全面展开，逐层深入或部分展开，一次直取

这是从画面的展开度来分析着色的程序。全面展开逐层深入是把对象各部浅颜色铺满后，再层层加深，逐步深入的着色方法和程序。采取此程序着色，便于画面的全面比较、调整和充实，是初学者易于掌握和比较稳妥的着色程序，适宜长时间作业，对复杂对象进行描绘（如《青桔》一画）。部分展开，一次直取是一部分画完或基本画完，再画另一部分的着色方法和程序。有经验的老画家多采用此程序作画，学习者则用在短期作业或对象复杂，画幅较大，又需湿画效果的画面，只能根据画面情况，将其分成几个部分，一部分一部分完成，才不失湿画效果。采取此程序着色，虽从部分着手，但必须整体观察，胸有全局，方能收到较好效果。

4.从鲜颜色画起或从灰颜色画起

这是从色彩的纯度来分析画面着色的先后次序。从鲜颜色画起，就是从色彩纯度高，易于辨认的颜色画起。此程序多用在色彩对比较强的画面，《水蜜毛桃》一画就是从鲜艳的水果画起的。在对象色彩调和、接近的情况下，又可能先找准画面灰色，然后再画纯度较高的颜色。这样，可以使个别纯度较高的颜色仍居于统一的色调之中，而不致走调，影响画面色彩的表现。《新疆瓜果》一画，就是先画灰色，后画鲜艳颜色的例子。

以上是从几个不同角度分析画面的着色程序，为的是述说方便，但对于具体作画来说，它又可能是几种程序同时并用，穿插交替使用。既可能是这一程序，又同时是那一程序；或是先采用这一程序，后又采用那一程序。将其多种程序置于一起对照说明，为的是使初学者了解着色程序并不是绝对的，只不过是在特定情况下，可能按某种程序着色更为适宜。有经验的画家可以从画面的任何一处画起，因为他善于解决遇到的难题。对于初学者来说，还必须学会妥善安排画面的着色程序，不仅考虑哪先画，哪后画，而且要结合着色方法、接色时间，对画面着色程序作详细而周密的安排。

室内光色状况分析

表现物象在特定时间、环境和条件下的光色状况是写生色彩的重要要求。为了使初学者在开始进行色彩画训练时，就能以写生色彩的要求去观察和描绘对象，进行光色变化规律的研究和探讨，现结合静物写生需要，对室内物象的光色状况作以下简要分析。

1.室内物象光色一般状况

室内物象一般受特定角度射入的天光照射，光线比较稳定、柔和，明暗和色彩对比不强，暗影较多。受天光照射的物体，明部较清晰；处暗影部分，色彩较灰暗，明暗也不清晰。

室内空间较小，物象的色彩空间透视变化没有室外显著，固有色较显露。景物之间的距离较小，色彩的互相影响较大，背景的色彩对物象影响也较显著。

2.物体明暗各部光色状况

物体的高光是物体上反射光最集中部分，亦称辉点。室内物体的高光一般是天光的反射，色性偏冷，其色相是天光色或接近天光色。

物体的明部受天光的照射，多是天光色和固有色的综合，一般偏冷。但如环境反光色比天光色更冷，明部在暗部偏冷的对比之下，也会出现偏暖的现象。

物体的半明部（或称中间调子、半调子）是侧受天光部位，也受环境反射光影响，但一般影响不大，因此固有色较明显。其色相是固有色、光源色、环境色三者的综合，又以固有色为主。其色调的冷暖一般以物体固有色的冷暖状况为转移。

物体的反光是接受环境反射光部分，受环境色影响较大，其色相是固有色和环境色的综合，常以环境色为主。

物体的明暗交界部分，是既不受天光照射，又很少受环境反射的部位，故色度较深，其色性冷暖一般界于明部与暗部之间。但在明部受冷光照射，暗部也受冷光反射的情况下，这部分色性则偏暖。反之，则偏冷。

3.光照角度不同所产生的变化

正面光照射的物体，光线从画者方向射向描绘物，物体中间明，边沿暗，明部面积大，变化丰富，暗部面积小，变化较少。物体明暗变化微弱，光色现象不明显。

侧面光照射的物体，光线从侧面一方射向描绘物，物体呈半明半暗状态。受光面光源色明显；背光面环境反光色突出；中间部位固有色清晰。物体明暗层次多，色彩变化丰富。如《西陲果香》一画。

逆光的物体，光线从画者对面方向射向描绘物，一般呈上明下暗状态。物体光色变化显著，冷暖对比强烈，明暗对比突出。明部面积小、变化少，多受天光影响，色性一般偏冷；暗部面积大，反光明显，色彩变化丰富、透明，色性一般偏暖，如《水蜜毛桃》一画。

总之，室内物象的光色变化是极其丰富的，它是物体固有色、环境色和淘汰色相互作用的结果，描绘时它又与物象位置、画者角度、画面色调密切联系。研究物象各部色彩变化，就必须把几方面联系起来进行具体观察、分析和比较。机械搬用以上规律不能表现千变万化的光色世界。

小色稿的练习

静物写生中的小色稿，是为了绘好一幅静物在绘制前所作的小幅色彩摸索练习。在正式画一张色彩画之前，先画一张或数张小色稿是非常必要的。这就像进行一项新工作前的试点，生产一种新产品前的试产。目的是通过试验发现问题，解决疑难，摸索工作规律，为正式进行此项工作创造条件。画小色稿对于静物、风景、人物写生都是必要的。

小色稿练习的中心任务是研究和把握对象大的色彩关系与明暗关系。在小色稿的绘制过程中，必然会对绘画诸因素进行研究和试验，并获得绘制过程中的经验。譬如：构图处理、方法步骤、着色程序、色彩调配、用笔等方面的研究和经验积累，这是无疑的，而且这些方面的收获对绘制正稿也是有益的。然而，这并非是绘制小色稿的主要任务和目的。如色彩小稿在把握对象大关系上确有所获，它将为绘制色彩正稿提供有益参考，为把握色彩大关系奠定基础。这些对于画好一幅色彩写生是至关重要的。

绘制小色稿的方法，是在初接触对象的新鲜色彩印象下，在小块画纸上把对象大的色彩关系、印象和气氛记录下来。它不求画面的完整和细致，要置细节于不顾，不择手段的摄取对象大的色彩状况，一次未达到者，可通过调整修改或多画几张，达到准确而概括地体现。初学者画小色稿常出现以下两种情况：一种是草草几笔，大的色彩关系未体现也不修改，这是对小色稿不重视或误认为小色稿就是寥寥几笔，不需修改所致；另一种是画得十分完整细致，把小色稿画成了正稿的缩样，这是不理解画小色稿的目的和意义，混淆了小色稿同小样稿的区别所造成的。以上两种情况均不符合绘制小色稿的要求。

画好小色稿，关键在于整体观察和善于概括提炼。写生色彩要求表现对象的色彩关系，把握对象色彩关系的关键在于整体观察，全面比较。方法是以描绘主体为视觉中心，一眼看到对象全部，进行广泛而全面的色彩比较，以求得色彩关系的准确。这是写生画把握色彩关系的关键，也是画好小色稿的前提。再者，艺术不同于自然，概括、提炼是艺术不同于自然的特征，小色稿在较小的画面里，体现对象大的色彩关系和明暗关系，自然更应注意概括和提炼。画小色稿时要有意舍弃其不必要细节和明暗层次，以概括、洗炼的形式，体现对象色彩基本特征，否则就达不到绘制小色稿的要求。《熟透的苹果》是正稿和小色稿的对照，可以从中看出它们之间的差异。

总之，绘制小色稿对绘制正稿，把握大的色彩关系是十分有益的，对培养正确的观察方法，训练概括、提炼的能力，也是有好处的。初学者一定要养成绘制小色稿的习惯。

质感的认识和表现

不同的物体具有不同的质地。质感是指造型艺术通过不同的表现手段，表现出各种不同的物体所具有的物质。真实而生动地表现出不同物体所具有的特征，是写实绘画表现真实感的需要，是静物写生的突出要求，是衡量绘画基本功的重要方面。初学者要注意利用静物写生描绘不同物体的良好条件，锻炼和提高对于不同物体质感的表现能力。

绘画表现物体质感，就是表现物体质地所显现出的可视特征。不同的物质材料构成不同质地的物体，不同质地显现出不同的可视特征。如坚硬或柔软、光滑或粗糙、厚重或单薄、透明或不透明、蓬松或板结、鲜嫩或枯萎等特征。绘画是造型艺术，它一般不直接显现实物，对于物体质地和真实感的表现，是通过描绘其可视形象来表现。即通过线条、明暗、色彩、笔、材料等表现手段，在平面上描绘出物象的形体、纹理、表面及吸收和反射色光的状况等质地可视特征，并借助于人们的经验和联想，形成某种质地的感觉和实物的印象。如表现了物体的折光现象，就可以使人感到这是透明的物象。又如具体而准确地表现了某一玻璃器皿的折光、反光、形体、纹理、表面等质地可视特征，人们就可以认定是描绘的这一玻璃器皿，而不是其他物象。绘画就是在平面上，通过表现物体质地可视性，表现物体的质地感，简称质感。

表现物体质地感，要抓住物体质地主要可视特征和典型部位进行描绘。物体质地可视特征是多方面的，包括形体、表面、纹理及吸收和反射色光的能力等，它们之不同，则是显现不同质地物体的可视区别。描绘时，均应注意体现，但其仍有主次之分。如金属制品和木制品质地不同，其形体、表面、纹理及吸收和反射光的能力也就不同。金属反射色光的能力强，木器反射色光的能力弱，并有突出纹理，这是它们各自的主要可视特征。表现时，在拒绝其他可视特征的同时，要重点抓住主要可视特征进行描绘，甚至进行强调和夸张，金属和木器的质感就能很好地表现出来。另外，有时由于各种原因，其可视特征表现得不够典型，在这种情况下，就要选择其他体现质地可视特征的典型部位进行描绘，排除其偶然因素，达到对物体质地的突出体现。

水彩画表现物体质感，要动用各种技法手段。形体、明暗、色彩准确，这是色彩绘画的共同要求。用水彩画工具材料表现物体质感，就要动用水彩画各种技法手段。即不同着色方法、笔触、留空技法等的恰当使用，才能使不同物体的质地在画面上准确、生动地体现。如用干画法表现质地坚硬的对象，湿画法表现质地柔软的对象；用不明显笔触表现表面平展的对象，明显笔触表现表面粗糙的对象；用明显留空表现反射光能力强的对象，柔和留空表现反射光能力弱的对象等。总之，水彩画技法多样，表现物体质感时，就必须深入观察、分析，比较各种不同物质的可视特征，根据表现质感的需要，灵活和创造性地使用不同技法，在白色的画纸上就可以表现出光彩夺目、质地万千的对象。下面谈谈《糕点饮品》一画的质感表现。这幅画主要是糕点、玻璃器和挑花桌布几个不同质地的物象。为其质感的表现，我注意研究了它们的质地差异并运用不同技法进行表现。糕点柔软而蓬松，形体变化柔缓，色彩变化细徽丰富，描绘时我运用接色法接画出渐变的基本形色，再用干后重叠法并以隐晦的笔触表现其形体的缓转和色彩的细微变化。玻璃器坚硬、光滑而透明，形体转折流利，高光、反光、透光均较明显，其厚薄及所盛物的颜色决定着色彩的变化，描绘时我强化了高光、反光、透光的表现，多采用湿时重叠法表现其厚薄和盛物状况。白色挑花桌布柔软、单薄、透底，转折缓、折纹显，其色彩因光照和厚薄透底状况而改变，描绘时平面桌布我用油画棒预画出织纹后再涂底色；立面桌布则是先涂底色再吸洗出花纹。通过以上诸多方法，几个不同质地的物象质感就突出地表现出来。

水彩花卉的画法

花，色彩艳丽，形态多姿，为人们所喜爱，为画家所描绘。画家描绘花的美姿，不但可以美化生活，振奋精神，而且可以借花的美质表现一种精神和品格，给人以美的享受和熏陶。然而，由于花的种类繁多，形状、色彩、姿态各异，加之其质地柔软、透明、鲜嫩，更增加了表现的难度。画花卉是绘画基础训练中较难的课题。

花有数千种，各有特色，不能一一谈及。但从其外形分析，不外乎有大花和小花、单瓣和复瓣的差异。结合《丁香和波斯菊》一画谈花的画法，就可侧重介绍中小型花和单瓣花的画法，并推及大花和复瓣花头的画法，有举一反三之助。下面具体谈谈《丁香和波斯菊》一画的绘制过程。

设置：丁香花小而碎，多个花头长在一起，近似串串葡萄，姿态多样，色彩优美，为了丰富画面，则又寻来几枝波斯菊，插入玻璃瓶置于丁香花的偏后部位，桌面仍感空虚，便随意撒放了几个花瓣。两瓶花安放好后，作者对花的主次、疏密和不同朝向进行了调整，形成了浅灰色背景托深色花，深色花衬浅色花的状况。这样，一个主次分明、层次清楚、疏密适当、统一而有变化的静物设置就显现出来了。

构图：根据整个静物的组合状况，采用了横幅构图。勾画轮廓时研究了整个静物的外形变化和留空状况，使其既不拥挤又不空虚，外形具有节奏变化。为了表现花和叶的生动姿态和组合状况，对花和叶的大小、疏密、前后、隐显以及俯、仰、向、背进行了认真观察和勾画，主要花勾画细致，辅助的花和叶仅勾画其外形。这样在勾稿时就分清了主次，给着色用笔留下了创造的余地。

着色：着色前对整个静物的色彩组合状况进行了观察，对着色方法和程序亦作了分析和安排。这组静物比较明亮，黄灰色环境包围着紫色和红色两组花束，紫、红两色花束又衬托着明亮的浅色花头，色彩艳丽、层次分明、主题十分突出。着色以干湿画法相结合，从浅到深较为适宜。根据这种分析，涂绘大调子时，从浅色花头和水罐画起，仅画出浅淡的基色；然后将纸染湿，用大笔接画背景并力求一次画准；在背景未干时就重叠模糊而虚远的花和叶，井逐步画向较清晰的及至玻璃瓶和桌子。主要花头和前突的部分物象，等大体色干后用干后重叠法再进行加工。这幅画朝前的浅色花头是重点描绘对象，丁香花小而碎，加工时未一一刻画，主要是画出花头组合的大的形体、色彩、明暗和层次，在其基础上仅对个别突出花头进行加工；波斯菊是单瓣花头，视其单薄但有体积，描绘时我抓住它俯、仰、向、背的不同朝向，花瓣起伏及其转折的表现，其体积状况就显现出来。

花难画主要有两方面难题：一方面是因为花的种类繁多，形色多样，俯、仰、向、背更是变化复杂；另一方面是花束组合，外形起伏多变，花叶四散难以表现。描绘花主要在于先画好花头的形体起伏和明暗色彩变化，以体现其基本形体特征和色彩，在此基础上再抓住个别突出花瓣深入描绘，以表现其个别特征和生动姿态；表现花的组合，首先要把握花束组合大的外形变化，然后再分组描绘其内部起伏，并靠虚实和不同朝向体现其花叶四散的整体形态，这是画花的基本方法。总之，画花要研究其自然生长规律，并遵照艺术规律去概括处理，任何复杂的花束都能真实、生动和艺术地表现出来。