芭蕾艺术的美学原则（小编推荐）

第一篇：芭蕾艺术的美学原则（小编推荐）

第三节 芭蕾艺术的美学原则

占典芭蕾舞是一种系统、科学、规范的艺术，经过几百年的发展，它形成了一套科学、系统、完整、规范、严谨的训练体系，并且具有独特的审美特征，它的形体及动作姿态完全 符合几何构图的科学性。用几何构图的抽象线条来设计动作姿势，是以古希腊文明为源头的‘

西方舞蹈文化的一个重要特征。通常人们认为西方舞蹈强调人为的形式，而东方舞蹈则顺从 自然的形式。但是我们发现在西方舞蹈形式的纯粹抽象中追求的“黄金分割比”也是符合“人 体自然”的。“古希腊人认为数学的原理是一切事物的原理，舞蹈作为人体的“动．”，也是存

在于数学意义上的一种平衡。这种平衡的基础便是被古希腊哲学家柏拉图誉为“黄金分割律” 的0．618。又称为“黄金律”或“黄金比”：如头顶至脐与脐至脚底之比：臂宽与躯干之比： 下肢长度与上肢长度之比：下肢长与身长之比；眼高与脸长之比；前额到鼻孔的距离与脸长 之比等等。”∞在此基础上，最终归纳把它的审美标准归纳为“开、绷、直、立、轻、准、称、美”八个方面。

一、开、绷、直、立

从1661年法国皇家舞蹈院成立时开始建立芭蕾舞的基础，例如四大美学原则中的外开就 是在当时建立的，还有各大学派通用的五个脚的位置也是皇家舞蹈院制定并提出的。而传统 的古典芭蕾技术是建立在开、绷、直、立的基础之上，它是一切芭蕾舞动作的基础，只有符 合其美学原则，才能称的上是完美的古典芭蕾，下面将“开、绷、直、立”的美学原则进行 分析阐述。

“开”就是指身体从肩、胸、胯、膝、跺5大关节向外打开，双脚向外打开180度，最 大限度地延长肢体的线条，扩大舞蹈动作的范围，增强表现力，同时也增强了身体的平衡能 力和运动的灵活性。舞者通过芭蕾系统的、科学的训练使身体可以达到非职业舞者所不及的 境界，使身体理想化、完美化、职业化。正如美国著名舞蹈评论家珍妮·科恩指出：“芭蕾的。古典风格是以脚的五个位工为基础的动作。这五个位置中表现出外开的本质是指两腿以碗关

节处向外旋转。表演时，在舞台有限的空问内炫耀和张扬贵族的气派。”回 “绷”是指将膝关节和踩关节绷直。“绷”也是芭蕾艺术中非常重要的审美特征之一，芭 蕾是一种形体艺术，舞者只有将身体各部位“绷”直，才能使观众有延长肢体原有线条的视 觉感，并且芭蕾是一种放射性的艺术，因此必须通过“绷”才能将肢体放射到舞台当中，在 有限的空间内使能量聚集在肢体末梢部位，使舞姿更加舒展。例如做Battemt tendu时，脚 跟推动脚背、脚尖向外擦出，擦到最远点一直到脚趾尖，同时仍然保持延伸的感觉；在做 Battement tendu jete时，脚经过擦地离开地面踢向空中时，要用脚尖的力量带动腿踢出去，绷脚可以延长腿的长度。通过“绷”还可以使肢体各部位的肌肉能量向身体的中垂线上凝聚，也只有通过绷才能使肌肉收紧，从而产生上升的动作态势。这也符合芭蕾曾在一段时期内追 求“灵空”，呈现出舞姿轻盈飘逸的艺术魅力，“直”是指双腿膝盖伸直以及后背的垂直，也就是将身体垂直、拉长，使舞姿舒展、优，达到完美的长线条视觉造型。同时芭蕾动作在舞台中的运动路线多呈直线形，这也与西 人的思维方式有所相似之处，与中国舞的“拧、倾、圆、曲”的审美标准有很大的不同。如在旋转中，动作时除了全身收紧向上立起外，更重要的是颈、背、腰、臀垂直于地面，力量集中在人体的垂直中心轴上，只有这样才能使旋转运动起来，如果没有直立也就谈不 中心轴，没有中心所有的旋转更是无从谈起。在对“直”的分析中我们会谈到芭蕾的贵族 质，这与西方国家的审美思想及文化背景有着很大的联系，从精神气质的角度来看，要求 体挺拔直立，不能塌腰撅臀，也不能挺胸腆肚，在伸直腿时，必须绷紧膝盖，绷直脚背堪 人有一种精神倍增的、挺拔的、高雅的气质，给人一种蓬勃向上的美的享受。，“立”是指身体的直立、挺拔，使头颈、躯干和四肢作为一个整体，并把身体重心准确 放在两腿或一条腿的重心上，其空间占有感就像古典的宫殿似的傲然挺立、气字轩昂。这 非是和古典芭蕾发源于皇家宫廷的风格是一脉相承的，为的是突出芭蕾生来具有的皇家责 气质，而不是佣人和平民的风格品味。舞蹈中要求演员收腹、挺胸，使身体能量内聚、重 上提，以便向更高的空间层面发射能量，准确地完成各种舞蹈动作和技巧。芭蕾中的“立” 在直的基础上的升华，是芭蕾从形体美到动作美的整体概念。“立”具有一种延伸感，在脚 力踩向地面的同时，脖子向上拉长，有着脚踩地头顶天的感觉。“立”会给人带来一种提升 感觉，这种感觉能给人带来一种轻盈、敏捷、精神、高贵美的气质，而这些正是芭蕾所要 的审美标准。

二、轻、准、稳、美

芭蕾艺术共同的美学原则是“开、绷、直、立、轻、准、稳、美”8个字。“开、绷、直、立”这四大审美标准是基本；而“轻、准、稳、美”则是在“开、绷、直、立”的基础上的 更高要求。

“轻”是指舞者动作轻盈、自如，每次跳跃动作的起跳和落地，舞者都必须注意对身体 的控制，使观众看起来舞者身体松弛，动作自如，特别是落地时，需要脚趾、脚掌、脚跟依 次落地并微微下蹲，就像小猫脚上带有肉垫一样，没有声音。前苏联芭蕾大师乌兰诺娃曾经 说过：“使舞姿轻巧的是跳舞匠，轻盈的才是舞蹈家。”一名优秀的舞蹈家即使在舞蹈表演中 很累的情况下，也能很好地控制自己的身体和气息，总是把优美、轻盈、自如的舞姿展现给 观众，给人以美的视觉享受和心灵愉悦。

“准”是指舞者准确无误的完成每个动作和舞姿，并且能够达到这个动作或舞姿的规格 要求，使动作的运动路线和位置准确到位。在做过的实验中，一名技术过硬的舞者，连续做 100次Battement tendu，其脚尖每次都擦至一个点上，其路线也丝毫不差，即使技术性很强 的动作也毫不例外。例如，在《天鹅湖》中，黑天鹅所做的32个fouett en toumant，技术 水平高的女舞者在旋转的过程中主力腿的脚尖基本上在一个点上不会前后、左右移动；又如，男子tour en l’air两圈(720度)，起跳在空中保持五位脚，然后准确地落在五位Plie上。在古典芭蕾的表演中“准”这一点显得格外重要，即使技术含量再高的动作，也要准确无误 的完成，动作达不到规范性，就会失去其意义。

“稳”是指舞者在做动作时不仅要准确而且要稳健、扎实。比如芭蕾中有许多双人舞的托 举动作，需要男女演员默契配合，不能让观众感觉女演员快要掉下来似的。另外，做旋转动 作时要求演员要保持良好的稳定性，无论转几个圈，结束时都要使舞姿准确地、稳稳地停在 一个点上，这样才能保持作品的艺术表现力的完整。“美”，芭蕾舞是一种观赏性极强的视觉艺术，演员的一举一动都需要具有美感，芭蕾舞 的要求是极高的。首先芭蕾舞演员的身材是非常美的，其次舞蹈是“看得见的音乐、活 雕塑和绘画”，∞它像音乐一样受时间的限制，也像雕塑和绘画一样受空间的影响，舞蹈 需要通过发现和运用美的舞蹈形式来反映美的生活，使观众通过对舞蹈美的感知进行想 再创造，从而在情感上引起共鸣。徐尔充隆荫培：‘舞蹈知识100问》，北京：华乐出版社，2001年，第64—66页。于平： ‘风姿流韵——舞蹈文化与舞蹈审美》，北京：中国人民大学出版社，1999年，第132页。

第二篇：浅谈芭蕾的美学特征

浅谈芭蕾的美学特征

摘要：古典芭蕾舞具有独特的审美特征，它的形体及动作姿态完全符合几何构图的科学性。用几何构图的抽象线条来设计动作姿势，是以古希腊文明为源头的西方舞蹈文化的一个重要特征。芭蕾舞是一种观赏性极强的视觉艺术，演员的一举一动都需要具有美感。本文从美学角度分析芭蕾舞的审美特征，了解、掌握其艺术规律，能够帮助我们欣赏和鉴别古典芭蕾舞艺术，对提高艺术素质和艺术修养有着重要意义。

关键词：芭蕾舞，基本舞姿，美学特征

古典芭蕾舞是一种系统、科学、规范的艺术，经过几百年的发展，它形成了一套科学、系统、完整、规范、严谨的训练体系，并且具有独特的审美特征，它的高雅与美妙称得上是人类文明进步的精华，其优雅的舞姿，轻盈的动作时常令人痴迷，产生如梦似幻的体验感觉，它的形体及动作姿态完全符合几何构图的科学性。用几何构图的抽象线条来设计动作姿势，是以古希腊文明为源头的西方舞蹈文化的一个重要特征。通常人们认为西方舞蹈强调人为的形式，而东方舞蹈则顺从自然的形式。但是我们发现在西方舞蹈形式的纯粹抽象中追求的“黄金分割比”也是符合“人体自然”的。古希腊人认为数学的原理是一切事物的原理，舞蹈作为人体的“动”，也是存在于数学意义上的一种平衡。这种平衡的基础便是被古希腊哲学家柏拉图誉为“黄金分割律”的0．618，又称为“黄金律”或“黄金比”：如头顶至脐与脐至脚底之比：臂宽与躯干之比：下肢长度与上肢长度之比：下肢长与身长之比；眼高与脸长之比；前额到鼻孔的距离与脸长之比等等。传统的芭蕾舞技术是是建立在外开、伸展、绷直的基础上的，它包括五种脚的位置和三个基本舞姿，在此基础上，最终归纳把它的审美标准归纳为“开、绷、直、立、轻、准、称、美”八个方面。

芭蕾舞是一种观赏性极强的视觉艺术，演员的一举一动都需要具有美感，“开、绷、直、立、轻、准、称、美”八个方面都是其审美特征的要求与体现。最大限度地延长肢体的线条，扩大舞蹈动作的范围，增强表现力，同时也增强了身体的平衡能力和运动的灵活性；舞者只有将身体各部位“绷”直，才能使观众有延长肢体原有线条的视觉感，并且芭蕾是一种放射性的艺术，因此必须通过“绷”才能将肢体放射到舞台当中，在有限的空间内使能量聚集在肢体末梢部位，使舞姿更加舒展。通过“绷”还可以使肢体各部位的肌肉能量向身体的中垂线上凝聚，也只有通过绷才能使肌肉收紧，从而产生上升的动作态势。这也符合芭蕾曾在一段时期内追求“灵空”，呈现出舞姿轻盈飘逸的艺术魅力；“直”是指双腿膝盖伸直以及后背的垂直，也就是将身体垂直、拉长，使舞姿舒展、优雅，达到完美的长线条视觉造型；芭蕾中的“立”在直的基础上的升华，是芭蕾从形体美到动作美的整体概念。“立”具有一种延伸感，在脚力踩向地面的同时，脖子向上拉长，有着脚踩地头顶天的感觉。“立”会给人带来一种提升感觉，这种感觉能给人带来一种轻盈、敏捷、精神、高贵美的气质，而这些正是芭蕾所要的审美标准。

芭蕾艺术共同的美学原则是“开、绷、直、立、轻、准、稳、美”8个字。“开、绷、直、立”这四大审美标准是基本；而“轻、准、稳、美”则是在“开、绷、直、立”的基础上的更高要求。芭蕾舞的要求是极高的。首先芭蕾舞演员的身材是非常美的，其次舞蹈是“看得见的音乐、活雕塑和绘画”，它像音乐一样

受时间的限制，也像雕塑和绘画一样受空间的影响，舞蹈需要通过发现和运用美的舞蹈形式来反映美的生活，使观众通过对舞蹈美的感知进行再创造，从而在情感上引起共鸣。艺术的审美往往存在共通之处，纵观同为艺术领域一大重要角色的美术发展史，可以发现在西方古往今来的绘画作品中有不少表现芭蕾主题的优秀传世作品出现，从这一现象可知，芭蕾艺术所追求的轻盈、空灵、优雅、高贵的美感在一定程度上与绘画美术的艺术追求有着高度的相似之处，芭蕾艺术和绘画艺术同样追求一种介于真实和虚幻之间的美感，具体来说，芭蕾通过真实的舞者的肢体语言来展现整个舞蹈的神韵、主题和美，通过舞台这一介质与观众产生互动，结合优美的音乐给观众以美的欣赏感受，使其产生一系列的遐想和认知；而绘画则是作者通过纸张或画布这类媒介，以真实的色彩、笔触、造型等传达作者所想表达的内容以及精神层面的信息。

另一方面，芭蕾艺术与设计美学也有着一定的联系和共通点。前文提到芭蕾舞的形体及动作姿态完全符合几何构图的科学性，以及芭蕾舞中存在的“黄金分割比”的问题，这些也是设计美学中非常重要的美学原则。在芭蕾舞剧的观赏过程中，整个舞蹈的编排，舞台灯光效果的制定，舞者服饰妆容的定夺，甚至每一个动作的展现效果，都是经过精心设计而来，为达到最终的展示目的应运而生。现代设计中也可见到一些源于芭蕾艺术美学的灵感，例如服装设计，产品设计等，借用芭蕾艺术典型的形态语言或视觉元素进行再创作，等等。因此说，从美学角度分析芭蕾舞的审美特征，了解、掌握其艺术规律，能够帮助我们欣赏和鉴别古典芭蕾舞艺术，对提高艺术素质和艺术修养有着重要意义。

第三篇：浅谈艺术美学

浅谈艺术美学

西方的音乐美学思想自古希腊以来，经过了前后约两千多年的曲折发展。各音乐美学流派和音乐美学思想家层出不穷。按照西方音乐的发展脉络和音乐风格，大致分为七个时期。

一、古希腊

在古希腊，音乐并不是一种独立的艺术门类，而是作为一种综合艺术，成为宗教仪式的一部分。在后来的音乐史上几个光辉时代——文艺复兴时期、古典主义时期，都是对古希腊光辉文化的一次次回眸。

古希腊音乐美学思想的代表人物是毕达哥拉斯和柏拉图。毕达哥拉斯用数学的方法研究乐律理论，提出“美是数的和谐，是对立因素的统一”，并由音乐音程的和谐理论出发，渐渐发现这种和谐的观念并不仅限于乐器，它存在于宇宙万物。所以，毕达哥拉斯学派认为，宇宙是和谐的，他们相信，音乐的和谐是宇宙和谐在现象界的具体表现。另一重要代表人物柏拉图基于毕达哥拉斯的“音乐进化灵魂说”，把和谐的音乐看做当灵魂失去安静时让其恢复和谐的最好手段。在柏拉图这里，美的存在不仅有形式上的，更有行为甚至制度以及美学观念上的美，他的音乐美学思想更多得体现了一种理性原则，使得美和艺术的观念第一次被引入哲学体系。而亚里士多德却保持一种中立的态度，肯定了音乐的净化和宣泄作用存在的合理性，于是在毕达哥拉斯学派中音乐作为形而上学思考的隔阂在他的思想中消失了。

二、中世纪

西方中世纪的音乐，主要是在宗教领域中发展起来的，其特征即为：音乐被用来服务于宗教活动。中世纪音乐最重要的一个关键词就是“圣咏”。哥里高利圣咏在中世纪时常充满战争的社会生活中发挥着特殊的社会文化功能，它被认为是欧洲单音音乐最完美的形式。中世纪基督教神学的重要人物奥古斯丁认为音乐既能表达感情，又能激发情感，它是研究优美的运动的科学。把音乐看成上帝自身性质的体现，把音乐作为礼拜上帝，宣扬宗教的工具，肯定和强调了精神性的美，轻视感官性的、世俗的美，反映了其音乐美学思想的神学特征，并集成和发展了古希腊的音乐理论传统。

三、文艺复兴

文艺复兴时期的音乐美学思想力图建立一种崭新的文化模式，将人的思想从中那个叫的桎梏中解放出来。人文主义是文艺复兴时期最具影响力的思想潮流，提倡尊重人的尊严与个性发展，强调人的自然本性、自由意志。这些思想都在这一时期的音乐中得以体现。同时，这一时期是中世纪与近代历史的过渡时期，是复调音乐的黄金时代，主调音乐的思维逐渐兴起。

这一时期音乐美学的代表人物是扎尔林诺，他不再认为音乐起源于神，而是人类的认识与自然存在的和谐相适应，而人又认识到这种和谐时产生的。在这一时期，音乐渐然摆脱宗教神学理念的束缚，将音乐紧密联系于世俗的现实生活和人类天然的情感。

四、巴洛克

由于在文艺复兴时期，复调音乐的创作手法已经达到一个顶峰，其平稳的特点已经不适合新时期的需要，完美的形式被表达感情的需要所压倒，于是人们开始把文艺复兴时期已经开拓的乐曲样式逐渐加以变化，以求取更强的音乐表现力。

如果把文艺复兴的美学观比做浑圆的珍珠，而巴洛克的美学观则是华丽得形状不整的珍珠，它是宁可打破形式上的均整也要着重于表现强度的一种形式，用和谐的理论去顶前古典主义的秩序和古典时期的自然。所以我们可以很形象地总结巴洛克音乐的特点，那就是“对比强烈而略带夸张”。相比文艺复兴时期音乐作品力求获得和谐统一、舒缓流畅的效果以及整体四平八稳的风格，巴洛克音乐冲破了这种传统，而变得更加热烈而张扬。巴洛克时期，是音乐史上最多姿多彩也是最混乱繁杂的时期之一。

五、古典主义

古典主义崇尚理性，与全欧星的启蒙运动思潮有关的音乐理想很大程度上支配了音乐创作与音乐审美风尚变化。在音乐审美上，崇尚个人性和自然情感的愉悦性，数学和哲学的发展使音乐也趋向于越来越完美的构思，设计和逻辑推理，表现人与大自然的和谐等内容大都与音乐自身完美的逻辑结构相统一。其特点为形式严谨，又具有高超技巧，能轻而易举地随机应变以适应情况，而又始终保持在一定的常规中，至少不偏离它太远，也就是着眼于取悦公众和使之易于理解。

在这一时期中，音乐创作思维趋向，功能性在音乐创作中至高无上，音乐的共性被无限扩大，理性占了上风。音乐家们接受“到民间去”、“回到自然去”的美学思想，体现了反抗封建束缚，坚定乐观、勇于奋斗的民主精神和深刻的人道主义精神。

六、浪漫主义

浪漫主义看重自由、运动、激情和不受拘束的表现形式，不仅音乐表现更具有个性化，而且音乐与其他的艺术之间也寻求相互的沟通，更加注重个人情感的表达。黑格尔把“一种自在自为的绝对精神理念视为万事万物的本源”，认为自然及人类社会中的一切变化多样的现象，都是这种绝对精神的感性显现。在他看来音乐必然要以某种附着于其中的精神内涵为本质，精神内容才是艺术的根本之所在。李斯特曾明确指出：“艺术中的形式是放置无形内容的容器，是思想的外壳、灵魂的躯体。”浪漫主义要求乐曲情绪的饱满达到狂热的程度，要求音乐追随诗的意境或文学情节，为此不惜削弱乐曲结构的严谨逻辑和理性因素。于是音乐家们打破一切常规手法，毫不犹豫地选择了和声进行中的半音化、色彩性进行、平行进行与意外进行等手法，来表现自由、新奇、个性及色彩的对比。李斯特、舒曼、瓦格纳等音乐家在音乐形式上的创新，更是成为了音乐美学思想中音乐情感理论的代表。而这一时期情感表现的深度几乎成为了衡量音乐艺术作品价值的基本标准，也使得情感论这一思想达到了最高极限的理论形态。这些观念客观促进了音乐艺术的发展，而音乐艺术的蓬勃也是同情感论音乐美学的深入人心相辅相成，这些音乐和美学思想同时都深深影响着整个时代。

七、现实主义

现实主义崇尚个性写作，在20世纪之后涌现出各式各样的音乐流派，表现主义音乐和新古典主义音乐成为重要的代表流派，他们继续在音乐情感的表现上坚持着各自的立场，但都同时推进了音乐艺术的发展。

新古典主义是20世纪上半叶出现的一个重要流派。它力图恢复古典主义音乐及其以前的风格和，主要代表人物为斯特拉文斯基。新古典主义在整体风格上追求均衡、完美以及相对稳定。它们排斥过度的感情表现，追求理性、内省、适度和普遍的感情，反对过度的主观意识。力图恢复音乐的纯洁性，尽量使听众把注意力放在音乐本身，而非借助于音乐以外的其他手段，并且提出把音乐从各种艺术的结合中“解放”出来。因此，一般来讲，新古典主义更偏重于器乐体裁作品的音乐创作，而不象浪漫主义那么重视声乐。

表现主义音乐，这个现代音乐的第一个主要流派，是以奥地利音乐巨人勋伯格为代表，紧随在印象乐派之后产生的。表现主义音乐的最大特征，是无视传统，无视规则，不追求庞大、夸张，刻意追求精致、纯朴，抛弃印象派的玄妙模糊，力求于音乐表现的简洁、单纯、明快和热烈。表现主义的意义，以无调性为其基本成分。由于抛弃了主属音的传统观念，八度中的十二个音的价值得以相等，从而使传统的旋律概念、节奏、节拍的组织，曲式的结构，和声与对位的感觉皆面目全非。融入十分自由的形式中的若干独特音的连续，带来了流动的、甚为发展的奇妙特色。而小巧、精致的乐队编配，常具单纯、明快的色彩。

生活是需要美的，而人类美的起源寄存在这些西方的美学思想家们以及中国的美学家们身上，他们将音乐艺术美学艺术逐渐发展。在现代生活的快节奏下，我们静下心来去了解其音乐简史的发展过程，是很有必要的。尤其是当我们沉醉于各个时期代表音乐或悠扬或庄重或轻快的曲调里的时候，它给我们的熏陶，就如毕达哥拉斯所说，可以净化我们的灵魂。而美学，给我们的不仅仅是享受和熏陶，还有一种认知。

第四篇：艺术美学

建筑——凝固的音乐

论建筑设计中的艺术美

院系：艺术设计学院班级：09研专业：环境艺术设计姓名：宫蕾学号：1043109146

一．建筑艺术概述

建筑是建筑物与构筑物的总和，人类在早期，建筑与艺术就有着密切的联系，拉丁文中建筑的原意是“伟大的艺术”，它是通过建筑物的形体﹑结构﹑空间的组合﹑以及色彩﹑材质等方面的审美处理所形成的一种实用艺术。建筑艺术既具有实用性，又具有审美性，既适应于人类的生存活动，又符合审美的需要，歌德认为它是“凝固的音乐”，黑格尔认为是象征性艺术的代表，前苏联的鲍列夫则认为它是用石头写成的史书，是人类历史文化的纪念碑。俄国美学家车尔尼雪夫斯基也说：“艺术的序列通常从建筑开始，因而在人类所有各种多少带有实际目的的活动中，只有建筑活动有权利被提高到艺术的地位。”

远古时代，我们的祖先从诞生之日起就对安身之所有着急迫的要求。他们制造劳动工具进行生产劳动，从穴居野处，构木为巢，到在地面上建造城池宫殿和房屋，人类的住所已发生了翻天覆地的变化，已不同于一般的兽穴和鸟巢。这说明，人类的居所已形成了既适于居住又具有了一定审美特性的建筑了。因此，人类的营造，已不同于动物的本能，已经可以称为是一种“建筑艺术”。

从观念上来讲，人类从最初建造建筑是为了遮风避雨，创造封闭的空间来对抗自然，到“有机”地融入自然，从“现代”建筑反对装饰和古老的审美观，到“后现代”建筑强调人的精神功能，重视历史文化，大量运用隐喻和象征，这不仅能反映人类物质技术的进步，也体现着人类审美意识的巨大变化。建筑艺术正是在现代社会这样一个物质技术不断进步，人类与自然却越来越远的状况下，发挥着其伟大的功能，重新构建起人类与自然环境的和谐世界。建筑是人类居住和生活的场所，人类在建筑空间中活动并改造不断使其美化，创造出诗意的栖居环境。然而，这个美的空间形象需要赋予其一定的欣赏主体。因为，真正的诗意是建筑形象与欣赏主体相互作用的结果，真正的美感来自于欣赏主体，它是欣赏主体在审美过程中体验到的一种独特心理感受。因此，我们要能不断地去发现建筑艺术的美，要置身其中去感受它的魅力，才能使我们的生存空间更加艺术化。建筑划分了我们的生存空间，美化了我们的生存环境，因此，我们可以说建筑是艺术空间与生存空间的统一。

二．建筑艺术的特征

1． 实用与审美的统一

建筑作为与人类生活息息相关的物质产品，其实用功能是很明显的。千百年来，人们在与自然的斗争中，学会了建造天然的“房屋”，随着生产的发展，技术的进步，人们开始学会了用木头和石材建造房子，人们在实践的过程中，发挥着其自身的智慧和才能，逐渐形成了审美的观念，然而，人类的审美观念随着社会的发展逐步提高，对建筑的要求已不仅停留在实用的基础上，人们开始对建筑的造型﹑尺度﹑比例以及装饰进行研究。在改造环境，利用材质特性以及发达的技术手段使其符合生活的需要的同时，人们按照美的规律，研究其空间结构﹑色彩﹑材质等与周围环境的和谐统一，使生存空间更加美化，这一切都是源于对美的追求。

建筑美的规律主要体现在各种美学元素中，概括起来大致有：主题、重点、比例、尺度、韵律、和谐、对比、衬托、对称、均衡、隐喻、虚实、质感，等等。这些抽象的美学元素如果使用得当，就有可能创造出令人欣赏的优美建筑。在西方古典时期，最佳的比例往往被认为是黄金分割比，它是用几何作图得出的内在规律，比例大致为1∶1.618，在15～17世纪的欧洲文艺复兴时期，这种比例关系曾被奉为金科玉律。

例如：希腊古典时期建造的帕提农神庙，虽然遗留下来已有两千四百多年，建筑物本身也已历尽沧桑，但是正因为它蕴涵着丰富的美学规律，至今仍被尊为世界建筑艺术的皇冠。它的主题突出，比例尺度恰当，构图均衡和谐，细部雕刻装饰精美，视差处理深入细微，不愧为建筑师学习的艺术典范。

建筑是实用与审美的统一，也是技术与艺术的统一，中国现代建筑家梁思成说“建筑是具有双重性或者两面性的：它既是一种科学技术，同时往往也是一种艺术”。因此，建筑除具有一般艺术所具有的特性外，还具有其独特的特性，那就是它还要受到技术性的制约。在建筑设计中，我们应把建筑设计与结构和设备设计看作是一体的，相关联而存在，一旦脱节，材料特性的结构表现就会很难发挥出来。因此，没有任何科技感的建筑形象是缺乏时代感的。改革开放以来，我国的科学技术高速发展，在某些尖端科学领域已接近世界先进水平，同时又由于西方建筑美学理论与艺术手法在我国的运用，使得我国的建筑创作十分繁荣，涌现了不少体现高科技的建筑材料和新的施工工艺的应用的优秀作品。因此，建筑具备实用功能与美学价值双重特性，是技术与艺术的结合。

2．空间艺术与时间艺术的统一

建筑艺术是一种空间造型艺术，通过综合运用空间﹑比例﹑色彩﹑材质等设计元素，根据对比﹑角度、序列、均衡﹑韵律等造型规律，创造出三围的空间形象。因此，建筑的空间形象，也就是其造型形式决定着它是否符合审美标准，在造型上缺乏美感的建筑是缺少感染力的，从而也就缺少艺术性。作为一门艺术，无论历史上哪一个时期，哪一种主义，都离不开对建筑形式的探索。

建筑奇观悉尼歌剧院，其完美的建筑形象可以说是堪称经典，它的浪漫气质令人过目难忘。它最吸引人的地方，是巨型平台上弧线优美的十片白色壳体它们舒徐伸展，在港湾的天光水色间婀娜多姿。有人甚至认为，在100年中最美丽的建筑，非悉尼歌剧院莫属。

建筑作为一种空间造型艺术，它的审美性与艺术性除了与其自身的空间形象有关外，还具有空间延续性，与周围的环境有关。因为建筑不是独立的，它是构筑于一定的地理环境中的，建筑作为城市的一个组成部分，能否处理好与周围居民的生活环境的关系，直接关系到它的艺术美的特性。因为，建筑不同于其他的艺术形式，它最后建造出来是否成功，要看它能否与周边环境协调一致，也就是建筑要能融入一定的情境中，才能营造出美的意境。因此，它的艺术形象永远和周围的环境融为一体，有的甚至还主要靠环境才能构成完美的形象。著名建筑大师赖特设计的流水别墅，将背靠着陡崖，水泥的大阳台叠摞在巨石之间。室内也保持了天然野趣，一些被保留下来的岩石好像是从地面下破土而出，成为壁炉前的天然装饰，一览无余的带形窗使室内与四周浓密的树林相互交融。别墅就好像是从溪流之上滋生出来的，住宅和基地在一起构成了一个人类所希望的与自然结合、对等和融合的形象，使得它成为一件艺术品。

中国古代建筑群，不仅通过各个庭院之间的有机组合，达到整体布局上的和谐效果，还特别注意建筑与自然环境的有机统一。如北京故宫，用人工挖出金水河，流经几组重要建筑物的前面，又在宫城之北用土堆成景山，作为背景。这种做法为建筑选择或营造一个有机的自然环境，让建筑和自然融为一体，体现了中国传统的天人合一的观念和深刻的美学涵义。建筑是一种空间造型艺术，同时，它也是一种时间艺术。因为建筑空间往往是一个空间序列，需要在空间中通过运动的方式一一展现出来、在时间的推移中逐步领略其全部魅力。一系列空间序列的展开不是杂论无章的，是有节奏的，通过高低、起伏、浓淡、疏密、虚实、进退、间隔等在有规律的变化体现出抑扬顿挫的律动，类似于音乐中的序幕、发展、渐强、高潮、重复、休止，给人一种优美的旋律感。这就是为什么哥德、雨过、贝多芬都将建筑称为是“凝固的音乐”的原因。此外，它积淀着一定的社会历史文化，物化着某一个时代的情感，而不同的时代又会有着不同的精神内涵。它记载着人类所经历的世事变迁。因此，无论

从时间的流动性还是从时间的延伸性来说，建筑都可以称之为是一种时间的艺术。北京的故宫建筑群的空间序列就是一部宏伟壮观的经典交响乐。

因此，从一定意义上来讲，建筑艺术既是一种空间艺术，又是一种时间艺术，具有着时空双重性。

3．建筑形象的象征性

建筑作为一种实用艺术其特征是具象的，实体的，但它还是一种符号艺术，有着深刻内涵，它往往象征着一个国家、民族的社会历史文化内涵，代表着一个朝代、一段时期的时代特征。因此，千百年来，从人类文明的角度来讲，没有任何一件东西比建筑更能直观地反映人类文明的发展历程，它已成为一个国家或城市甚至地区最鲜明的标志。

二战后，建筑设计呈多元化发展，一些流派讲究个性和象征，在艺术处理上手法丰富，主要运用几何构图、抽象或具象的形式，以及独特的建筑艺术处理手法来获得建筑的个性与象征性。

能体现象征性的典范的当属西欧中世纪的哥特式建筑。10世纪以后，出现了城市教堂，教堂没有侧高窗，中厅上的筒形拱显示出威严和压抑，位于正里面上的两个钟楼奋力冲破云霄，伸向天空，散发着宗教的神秘感，显示着权力阶层所具有的高傲和粗暴。将天主教的形象刻画地极其鲜明。而北京故宫，则是通过建筑群组织，使太和殿处于中轴线上，而且逐渐升高，两侧建筑对称均衡地护卫着它，从而造成一种中心突出而至高无上的意境，显示了帝王的权威和至尊至贵。

三．建筑艺术的鉴赏与艺术意境

1．创作过程与鉴赏过程的统一

艺术活动是一个从艺术创作、艺术作品到艺术接受的过程。艺术创作者将自己对现实的认识，赋予主观想象与联想，借助特定的符号将其展现出来。艺术作品的存在不是艺术创作的目的所在，艺术创作的真正目的是艺术价值的最终实现，也就是说，一件艺术作品一旦创作出来，需要的是欣赏者去感受、理解它，最终接受它，才能实现其价值。因此，建筑艺术作为一种实用艺术与审美艺术的统一，毫无疑问，应是艺术创作者创作过程与艺术欣赏者鉴赏过程的统一。

建筑艺术的鉴赏，是欣赏主体通过对建筑形象的直观的认识并加以内心的心理感受，感受其形式美与表现力，体味其社会历史文化内涵与象征意义，获得精神上的愉悦与满足的审美活动，审美鉴赏活动是否成功，就取决于审美主体与审美对象能否最终达成一致。也就是说，创作者的创作思想能否与鉴赏者的审美体验以及审美观产生共鸣，对建筑艺术作品的最终价值的实现起着至关重要的作用。当然，这种共鸣除了要求审美对象要造型优美，富有时代感、符合一定的审美性之外，还要求其审美主体要有敏锐的艺术感受力，较为丰厚的文化素养、知识阅历，以及适合于鉴赏的身心状态等。建筑大师赖特设计的流水别墅获得了其主人考夫曼的大加赞赏与认同，他说：“流水别墅是一所绝妙的栖身之所，又不仅如此，它还是一件艺术品。”不仅如此，后人对其的高对评价也是无可厚非的，不言而喻，它的成功源于创作者的创作满足了人们对自然以及诗意居所的向往。

2． 建筑艺术的鉴赏要求

建筑艺术是一种实用艺术，它与绘画、雕塑等一般造型艺术不完全相同，因此，对建筑艺术的鉴赏有一些相应的要求。

首先，它是由外部形象和内部空间两部分构成的，我们在欣赏它的时候，不能只置身其外地去单一地欣赏它的外部造型，而应是进入其内部空间来感受其结构方式、空间布局等。因为，其内部空间更能体现主体生存活动与建筑的适应性关系，即我们不仅要从形式上去体味其艺术性，还要从实用价值上去体味它的美感。建筑物的内部空间适于主体活动，给人带来心理上的舒适，就能给人以美的感受。教堂的空间高大穹窿顶结构能让人们产生一种神圣

感，而娱乐空间的自由而且独特的结构造型更能使人们放松心情。

其次，欣赏主体不应只固定地从一个角度去欣赏，它是存在于三围空间的艺术形式，人们可以从任何一个角度和方向去感受它的美，这就与二维空间的艺术有所不同。当然，不同的角度会产生不同的审美感受，正所谓“横看成岭侧成峰，远近高低各不同”。而不同的建筑，根据其不同的结构和尺寸，亦可以选择其不同的最佳观赏角度。如对于布局规范、中心突出、轴线明确的北京古城，需在一定高度做一览无余的俯视，才能感受其雄伟壮丽的气势。不同的是，对于古埃及金字塔，如果不通过近距离的仰视，就不能体会到那种宏大的规模造成的威严与压迫感。而对于中国古代园林建筑的欣赏，又需得从各个角度细细去品位其艺术意境。这正像音乐艺术一样，在运动中随着时间的推移，视角位置的变化，移步换景，在空间序列展开的过程中，体验其节奏与韵律。

3．鉴赏过程中的再创造

艺术家创作艺术作品是一种创作的过程，而欣赏者在欣赏的过程中理解、阐释、延伸艺术作品，也是一种创作的过程，而欣赏者是在艺术家创作的基础之上进行创作的，因此可以称鉴赏过程中的创作为一种再创造。

建筑艺术和其他的艺术作品一样，需要接受再创造来实现其价值。当建筑设计师将一件作品设计出来之后，他便完成了其创作的使命。人们在对其鉴赏的同时，便是一种美的延续。因此，对建筑艺术的鉴赏，我们除了能获得审美的精神体验，还能在建筑设计师设计创作的基础上发挥再创造的能力，让建筑艺术作品的美得以延伸。如澳大利亚的悉尼歌剧院、勒·柯布西耶的朗乡教堂给人无限的遐想与再创造空间。

因此，我们在鉴赏的过程中，应提高自身的精神境界，超然物外，在一定程度上摒除功利心理，多从审美的角度来关照建筑，而不是看到阳台就只想的凉衣服，当然，这并不代表要抛弃一切实用功能的纯美学观。可以说，在对建筑艺术的鉴赏过程中，再创造已成为一个必不可少的阶段。也可以说，在审美过程中，欣赏主体有着责无旁贷的责任。

第五篇：读艺术美学有感

读《艺术美学》的感想

艺术美学是在美学与艺术哲学得到充分发展的基础上才得以形成的。

艺术美学就是在研究和解释人与艺术对象之间的审美关系所形成的诸多理论与实践问题。具体来说，艺术美学研究“人、物、思、象、境“。

人，即审美主体，是面对艺术世界而具有审美情感的人。物，即审美对象，是纳入人的审美视野的艺术现象。思，即审美活动，人的审美活动表现为人的特殊思维方式，也称作情感判断、审美判断，属于审美之思。象，即艺术审美形态，指人与艺术对象之间的审美判断所生成的意象。境，即艺术审美境界，指人与艺术对象之间的审美判断所达到的精神与思维境界，不同于审美表象。这五个基本范畴以艺术审美活动为核心，相互关联，相互影响，共同构成完整的艺术审美关系模式。

艺术美学的核心概念是艺术美，而美与艺术则是理解艺术美的基础。艺术美不是艺术与美两个术语简单相加形成的概念，而是处于审美状态中的人与艺术对象相互融通所形成的东西，是在人与艺术构成的审美关系中体现出来的境界。

它有以下几个基本特点。

第一，艺术美是艺术审美领域中的价值存在。

第二，艺术美是艺术对象与审美主体的情感遇合。

第三，艺术美体现出人的艺术审美境界。

第四，艺术美是人的情感判断活动中的当下状态，不是过去形态或将来形态。《艺术美学》还比较全面的介绍了西方和中国的艺术美学发展概况。并且逐一分章详细分析了“人、物、思、象、境“这几个重要研究内容。

读完《艺术美学》，我感觉收益颇丰，此书让我明白了许多为人处事的道理，思维方式也有了很大的进步。总之，意犹未尽，还会反复拜读。