西方音乐史论文——巴赫的生平、艺术成就及其艺术创作

第一篇：西方音乐史论文——巴赫的生平、艺术成就及其艺术创作

西方音乐史与名曲鉴

赏论文

——巴赫的生平、艺术成就及其艺术创作

巴赫的生平、艺术成就及其艺术创作

1、巴赫简介及时代背景对音乐创作的影响

约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach，1685——1750），德国著名的作曲家、管风琴及羽管键琴家，虽然终身未出国门，但却是将西欧不同民族的音乐风格浑然融为一体的开山大师。在人们对音乐史上的代表人物进行评价与概括的时候，巴赫的伟大贡献以及在音乐史中的重要地位是逐渐被认识到的，其称谓从管风琴师到近代西方音乐的开山始祖、音乐发展的里程碑，乃至西方音乐之父，这样至高无上的评价既说明了人们的肯定与敬重，也说明巴赫的确具有令人叹服的才华与音乐成就。他萃集意大利、法国和德国传统音乐中的精华，曲尽其妙，珠联璧合，天衣无缝，对后来将近三百年整个德国音乐文化乃至世界音乐文化产生了深远的影响。巴赫1685年出生于德国，巴赫家族是地地道道的音乐世家，所以巴赫从小就展露出极高的音乐天赋，他对音乐的热爱接近到了一种痴迷的状态。他曾向许多著名的音乐家请教，后来，在吕奈堡的教会里担任歌手的时期,在图书馆里阅读了大量的著名的音乐作品,大大开阔了视野。中学毕业后,巴赫就开始了自己艰难的艺术创作生涯。巴赫一生都没有离开过自己的祖国,因此他的作品最能反映当时德国社会和人民生活的风貌与特点。他靠自己的刻苦努力在复调领域做出了突出的贡献，成为了一位著名的复调音乐大师。他的作品风格庄重而严谨,纯洁而虔诚；技巧高超,内容深刻，并对许多音乐形式都作了重要的发展和创新。巴赫的音乐从不同的角度表述了德国人民的思想和感情，用不同的形象反映了18世纪上半叶德国市民阶层的人文主义先进思想。坚强的意志、崇高的信念、自我牺牲的精神，是巴赫作品所表现的主要内容。巴赫的音乐思维具有高度的逻辑性，每部作品结构严谨、形式完美，密切地将哲学伦理、心理描述与抒情、写景结合起来。他的作品以其丰富的思想内容和深刻的哲理，被奉为西洋音乐史中的经典。

2、巴赫器乐创作的艺术成就——复调创作

巴赫的器乐作品包括管风琴音乐、钢琴音乐和用于各种乐器的奏鸣曲和协奏曲。其中赋格曲是巴洛克音乐中最活跃的形式，它从拉丁文fuga（飞翔）而来，含有想象的奔放之意，也许就是音乐主题从一个声部到另一个声部的“飞翔”。

对于学究气十足没有灵感却又单纯卖弄技巧的人来说，赋格曲是很难写好的。因为他无法以最少的组成部分来达到最复杂和最多样的变化。这种困难在巴赫那里却根本不存在，相反他的天才却使他从中找到了新的动力。他以丰富的激情，深刻的内在凝聚力，自由不拘的曲式和戏剧性的气势，将即兴的托卡塔幻想曲或主调和声性的前奏曲与严格复调式的赋格，结合在两个乐章表情性质完全相反的套曲之中。

巴赫把复调音乐推向了后世无人能够超越的、完美的顶峰。主要作品有《d小调托卡塔赋格》《十二平均律钢琴曲集》《赋格的艺术》《音乐的奉献》等。

巴赫的器乐作品以钢琴音乐最为重要，其形式变化无穷，细节精致巧妙，而且具有高度哲理性的思想主题。巴赫以《平均律钢琴曲集》首次为平均律的创作竖立典范，影响极为深远。这套曲集是钢琴文献中最重要的作品之一，被世人称为钢琴音乐的《旧约》。《平均律钢琴曲集》一共两卷，各24首。前奏曲与赋格或幻想曲与赋格，井不是古老的曲种。这种曲体起源，可能是自由的即兴部分与赋格曲部分所交替的多段体的托卡塔。托卡塔的创世者可能是梅鲁洛(Claudio Merulo，1533－1604)，梅鲁洛的托卡塔是把对位方式部分放在中间的三段体。后来，弗洛贝尔格(Johann Jakbb Froberger，1616—1667)等，把即兴性的第三部极端缩小，把第二部赋格曲扩大，最后把第三部删去。把第一、第二部分开，就产生了前奏曲与赋格。巴赫的这部《平均律钢琴曲集》，以C大调开始，根据各音为主音的12种大调以及12种小调分别写成前奏曲与赋格，按调性发展而排列。在排列过程中，以细微的差异体现变化、体现转调的魅力。这些前奏曲与赋格，在主题上彼此并没有直接的联系，它们靠调性与内在的思想感情结合在一起。巴赫在每一调性的表现中，都充分拓展了该调性的音乐内涵，每一调性的表现和调性间的关系，充满手法上的变化，使人回味无穷。

其实巴赫创作这套钢琴曲集的动机是非常简单的。他为了指导儿子练习钢琴，亲手为他们抄写了乐谱。他在题词中写到：“他供渴望学习的年轻音乐家们使用和收益，并作为其他在艺术上成为专家的人的一种消遣。”

巴赫的音乐之美，体现在两个方面：一方面是严格和均衡的美，主要体现在其对曲式的完美应用上，他能够熟练的把复杂的多声部加以巧妙处理从而获得高度的逻辑性，在他的创作中，仍然保持着复调音乐的典型性，并且起着主导性的作用；另一方面是深刻的抒情美，他的赋格曲中，有富于个性的短小主题、和声与转调的灵活运用都预示了新时代的主调音乐。

3、巴赫声乐领域的创作——马太福音受难曲

巴赫是一个虔诚敦厚的人，是一个忠诚于主宰他全部生活的宗教的庄重的德国新教徒。他对现存的宗教纷争不感兴趣，却坚信路德派的教义是他确定无疑的生活力量。他始终认为他的音乐是为宗教服务的一种形式，所以除了管风琴曲之外，他的四百多首清唱剧、康塔塔和受难曲便构成他宗教音乐的核心，同时也占去了他的全部作品一半的数量。巴洛克时期出现的大型声乐曲体裁主要是三种：清唱剧、康塔塔和受难乐。这三种体裁巴赫都写过，尤其对康塔塔和受难曲的创作贡献更大。

康塔塔诞生于十七世纪的意大利，是继意大利牧歌后产生的又一种重要的声乐体裁。世俗康塔塔展现寓言性或尘世化的内容，而宗教康塔塔力图以宗教的主题和超越尘世的精神来净化路德教会众的心灵，宗教康塔塔就成为当时最重要的教会礼仪音乐。而巴赫的宗教康塔塔在规模上就比较大，它要求有宽敞的室内演出空间，音乐的组合包括独唱、合唱与乐队。巴赫在莱比锡期间共创作了三百首左右的康塔塔，保存下来的大概有二百首左右。它们大多以赋格式的众赞歌合唱开始，随后是一系列的宣叙调和咏叹调，它们或用来陈述宗教故事，或使用来表达作为康塔塔主题的虔诚的思想。接着是二重唱和三重唱，对作品做抒情的和感情上的解说。最后以单纯的四声部众赞歌在宁静的气氛中结束。巴赫的乐队伴奏部分带有许多引人注意的动机，这些动机是用对位法与声乐旋律结合起来的，为歌词创作出相应的情绪，鲜明地表达其含义。由于许多咏叹调是以二重奏（唱）的形式表达的，这使人声与一个独奏乐器的结合，如小提琴、长笛、双簧管等，因此，单一的乐器色彩经常贯穿整首乐曲。就是在这些合唱、咏叹调、宣叙调和乐队的伴奏中，巴赫达到了最伟大、最深刻、与他本人最相称的境界。因为路德教众赞歌在巴赫的康塔塔中占据越来越重要的地位，巴赫晚期的创作完全放弃了咏叹调。而在新的基础上恢复众赞歌康塔塔，人们在此听到的不是个人情感的抒发或戏剧意味的表述，而是构建于歌唱基础之上的宗教精神的弘扬。主要作品有《宗教改革运动康塔塔》《农民康塔塔》《咖啡康塔塔》等。

受难乐作为一种特殊的清唱剧在德国有较大的发展，巴赫创作的受难乐中最具代表性的就是《马太福音受难曲》。巴赫的这部受难曲，不仅继承了中世纪后受难乐的传统，还和当时音乐的各种崭新技法和要素相融合，使这部受难曲拥有了永恒的艺术生命，成为圣乐作品中的精品、经典之作。巴赫的《马太受难曲》是他的教堂音乐的顶峰，这部作品之所以伟大，就是因为它表现的是热情、正义、崇高，歌颂人类的感情。

《马太福音受难曲》的内容采自圣经《新约全书》中的《马太福音》。圣经里的福音书共有四部，分别是《马太福音》、《马可福音》、《路加福音》和《约翰福音》。《马太福音受难曲》描写的是耶稣被出卖、受刑、死去和复活的情节。音乐规模很大，使用了三个合唱队、两个各由17件乐器组成的管弦乐队、两座管风琴，外加独唱者和独奏乐器。《马太受难曲》虽有一定的情节性，但是音乐所要表现的不是戏剧化的情节，而是史诗性的崇高精神。在受难曲里，情节性内容都由男高音的宣叙调唱出，有点像旁白，但又不完全脱离出音乐主体。情节叙述之外，合唱和乐队展开悲哀的沉思和激动的抒情，歌颂对人类的热爱和自我牺牲精神，表达对人生苦难的关怀和对崇高精神的追求。

《马太受难曲》这部作品极富抒情性，作品结束时的合唱宽广有力，在八个声部，两个合唱队的演唱下，深刻体现耶稣下葬时人们沉痛的心情。宽厚的低声部像广阔和坚实的河床一样承载着上面奔流不息的旋律。而庞大的合唱自由地、充满力量地歌唱着，让人如临其境。宗教音乐在这里被杂糅进世俗化内容，宗教形式下表达的是世俗化的思想感情。《马太受难曲》是饱含对人类的热爱的史诗性作品，代表着巴赫宗教音乐的最高成就。

4、综述

巴赫的音乐，可以说是构成欧洲音乐殿堂的一根重要支柱。对于整个巴洛克时期的音乐来说，巴赫的音乐成就可以说是架在这座殿堂上的圆顶。之所以这样来评价巴赫的音乐是因为：第一，是他将复调音乐推向了一个无人企及的顶峰；第二是他完善了大小调；第三是他首次将十二平均律用于乐曲的创作和演奏中。说到十二平均律，首先发现这个音乐律制的是我国明代一个叫朱载堉的皇室音乐家，但是首先将它运用于创作和演奏的是巴赫；第四就是在巴赫的作品中，展示了一种人文主义的色彩，巴赫具有人道主义的崇高信念和对美好生活不屈不挠的追求，他的音乐往往生气勃勃，富有人情味。其创作以复调手法为主，构思严密，感情内在，富于哲理性和逻辑性，并在德国民族音乐的基础上，集十六世纪以来尼德兰、意大利和法国等国音乐之大成，是巴罗克音乐发展的顶峰。巴赫的作品对欧洲近代音乐的发展产生了极其深远的影响，为全人类音乐的进步和发展指明了宽广的远景，为世界古典音乐树立了丰碑，因此，巴赫被称为“西方音乐之父”。

音乐的历史向人们表明：巴赫的音乐是真正难以忘怀的珍品，虽然他在世时只拥有一个管风琴演奏家的称号，名望还不及他的儿子，但在巴赫死后的几十年里，他的儿子、学生以及听众们还牢记着他的音乐。百余年以后，门德尔松、肖邦、李斯特、舒曼等音乐家们为复活巴赫的音乐做出来不同程度的贡献。在他们的努力下，人们逐渐认识到了巴赫音乐的魅力所在，认识到了他对音乐艺术发展所作出的丰功伟绩，认识到了伟大而严肃的音乐艺术将如同日月那样熠熠生辉。

对于我们后人来说，没有研究过巴赫，就不可能理解欧洲音乐；没有深入研究过巴赫的作品，就难以成为一个严谨的、精通其专业的音乐家；若不能透过巴赫音乐纯朴的形式、精练的技巧乃至宗教音乐形式上的“外壳”巴赫是位虔诚的基督教徒，他的音乐表达的更多的是对上帝的信仰，表现的是世界和谐存在的意义。巴赫认为，世界万物都是上帝恩赐的，音乐也是上帝赐予的圣物，因此音乐是与上帝对话，通往天堂的云梯，所以音乐的全部意义在于对上帝的赞美、感恩，通过这种隐蔽的理性方式来感觉上帝的存在。我想这也应该成为我们每个人心中的信条。

第二篇：西方音乐史论文

西方音乐史论文

——以贝多芬交响曲浅析他三个时期音乐风格

以贝多芬交响曲浅析他三个时期音乐风格

摘要：贝多芬所处的时代属于古典主义时期，在那个时期，贝多芬的作品除了具有那个时代的鲜明特色外还有属于他自己独有的一些音乐风格。他的音乐风格极富独创精神，他曾说过为了表现的需要，可以突破一切的形式。其创作构思宽广，形象宏伟，感情深邃，对比鲜明，涉猎题材广泛，其中最主要的、最具贡献的属其英雄性、戏剧性、社会性的音乐构思。“音乐应当使人类的精神迸发出火花”是贝多芬的名言。总的来说，贝多芬的音乐风格可分为早中晚三个时期——早期：沿袭了海顿式的轻松愉悦的风格；中期：开始带有强烈个性并显示出其创作理念的艺术性、思想性、其创作内容可概况为黑暗-光明，斗争-胜利；晚期：创作技巧深奥，内容深刻，思想复杂。本文将以贝多芬的九部交响乐作品来浅析他三个时期的音乐风格。

关键词：贝多芬古典主义时期交响曲 三个时期 音乐风格

正文：

路德维希·凡·贝多芬（Ludwig van Beethoven，1770.12.16—1827.03.26），男，德国作曲家、钢琴家、指挥家。维也纳古典乐派代表人物之一。他一共创作了9首编号交响曲、35首钢琴奏鸣曲（其中后32首带有编号）、10部小提琴奏鸣曲、16首弦乐四重奏、1部歌剧、2部弥撒、1部清唱剧与3部康塔塔，另外还有大量室内乐、艺术歌曲与舞曲。这些作品对音乐发展有著深远影响，因此被尊称为乐圣。

贝多芬集古典音乐的大成，同时开辟了浪漫时期音乐的道路，对世界音乐的发展有着举足轻重的作用。是德国最伟大的音乐家、钢琴家，也是“维也纳古典乐派”的最后一位代表人物，与海顿、莫扎特一起被后人称为“维也纳三杰”，是音乐历史上最伟大的代表人物之一。

贝多芬在古典主义时期的交响曲代表作主要有：《第二交响曲》、《第三交响曲》（英雄）、《第五交响曲》（命运）、《第六交响曲》（田园）、《第九交响曲》（合唱）和《爱格蒙特序曲》。而歌剧——《D大调庄严弥撒》交响曲是贝多芬音乐创作中最重要的领域之一，他极大的扩展了交响曲的思想内容使之成为直接反映社会变革的题材。

贝多芬认为交响乐是向人类致词的理想手段，他的9部交响曲是有普遍感染力的精神戏剧。它们以席卷一切和激动的气势肯定了生活。期中最有名的属《第三交响曲（英雄）》、《第五交响曲（命运）》和《第九交响曲》了。并且人们普遍认为第五交响曲是交响乐的原型，它具有一部交响曲所具有的一切。第九交响曲奏出了贝多芬最后期的深刻音调，它的终曲中，由人声唱出了席勒那著名的《欢乐颂》，那是响彻云霄的时代预言。

贝多芬的九部交响曲全都在维也纳举行了首演式。一八零五年，他唯一的一部歌剧创作《费德里奥》也在维也纳的国家歌剧院举行了首演。贝多芬被後人认为是有史以来最伟大的交响曲作家。他的《英雄交响曲》充满了激情。他的第九部交响曲取材于德国诗人席勒的《欢乐颂》，如今已经成为欧盟的盟歌。他的9部交响曲好似一篇英雄生活的大型交响史诗，通过多种角度对英雄进行形象的刻画。

早期（1792—1800）

《第一交响曲》——《C大调第一交响曲》（1779-1800），Op.21

Symphony No.1 in C major, Op.21。

《第一交响曲》是贝多芬伟大的一生中的第一部交响曲体裁的作品，但事实上早在1788-1789年间，也就是贝多芬20岁不到的时候，他就曾经试图创作交响乐，但是没能获得成功。《第一交响曲》真正问世已经是十年以后的1800年，贝多芬当时已经三十岁了, ——这是一部“充满了海顿和莫扎特一辈所特有的音 调，在很多方面继承了海顿交响曲传统”的作品。因为莫扎特和海顿是古典时期最重要的两位作曲家，贝多芬作为他们的后辈乃至学生，从他们两位的作品中汲取了非常丰富的养分，这些前辈赋予的精粹也正集中表现在《第一交响曲》当中。这部交响曲创作于贝多芬的早期音乐创作时期，作为他的第一部交响曲作品，虽然不若之后的《英雄交响曲》、《命运交响曲》和《第九交响曲》那么出色和风格独特鲜明，却也是一部很不错的创作。我专门去网上下载欣赏了一下这部作品，从这部交响曲的音乐风格来看，我觉得《第一交响曲》给人的第一感觉亲松柔和、幽默通俗，而又略带一些舞蹈性，韵味上接近莫扎特、海顿时期的交响曲。这部交响曲主要分为四个乐章，从初始的柔和到之后的快板舞曲再到最后的柔和，这部交响曲给人的整体感觉就是一种很舒缓的感受。在《第一交响曲》的某些旋律段中，贝多芬依然展现出了自己不同凡响的一面，只是这种独创的态度显得还不够开放，而过于拘谨，不像他之后的曲子那么奔放有力。欣赏这部作品是一件颇具兴味的事情，这部旋律不失激昂、幽默的作品，听来通俗易懂，但与贝多芬以后的那些名作又似乎有着较大的区别。通过这样的对比，正可以显现出其在创作上的风格转变。

中期（1800—1815）

在这个时期，欧洲启蒙运动的开展带来了思想自由、个性发展和反对封建思想、反对宗教束缚的积极思想，这些新思想潜移默化的影响啦贝多芬，在他这一时期的交响曲创作中可以很好的体现出来。

在贝多芬音乐创作的中期，他主要创作了第二到第八交响曲。这七部伟大的作品及主要风格如下：

《第二交响曲》：整部作品洋溢着乐观向上的“青春气息”以及对生活的渴望，有着一种接近浪漫主义的精神。在聆听后个人认为这部交响曲在思想性上已经超越了《第一交响曲》，变得更富有内涵和哲理。而在艺术性上，则依然稍稍带有莫扎特、海顿时期的影子，但属于贝多芬自己的东西已经越来越多，越来越丰富了。在经历了死亡的阴影后，作曲家对人生有了更加透彻的认识，所以在独创性方面也显得越加个性化和大胆。总之我觉得，《第二交响曲》虽无出名的乐章和段落，也没有很大名气，但其将思想和旋律的冲突性融为一体，很能体现贝多芬坚韧的个性风范。

《第三交响曲“英雄”》：这是贝多芬九部交响曲中最有名的一部了。这部乐曲是贝多芬献给他心目中给人类带来自由、平等、博爱新时代的英雄——拿破仑的，后来由于拿破仑对革命的背叛让贝多芬把此曲改为“英雄交响曲，为纪念一个伟大的人物而作”。而我觉得这个主旨更符合这部曲子的风格，因为在这部作品里，我们可以聆听到贝多芬更为成熟的音乐风格，这部乐曲气魄恢宏如狂风疾雨般，呈现出热情澎湃的情感怒潮，并交织出在黑暗与绝望中疾呼的勇气与抗争，以及光辉荣耀的胜利。此交响曲被誉为音乐史上最高杰作，同时也是贝多芬的交响曲开始迈入成熟的阶段，作品中所表现的音乐情感，有热情与温柔，有愤怒与幽默，人间的一切喜怒哀乐，都可藉以淋漓尽致地描绘出来。

《第四交响曲》：这是一部性格幽默，富于生活气息，有不少民间风格的交响曲，在这部轻快、明朗的交响曲中,充满着很多诗意情趣和微妙的细节,。它所呈现的气质是彻头彻底的平静，使我们得以看到灵魂经净化后的事物与影像，就像由高处俯瞰一样，清晰可辨，一目了然。整首乐曲优美轻快，虽然编制不大，却极其稳健雅致，充满著明朗快活的情调，是一首亲切自然的杰作。

《第五交响曲“命运”》：这可以说是他最集中精练，发展逻辑最清晰的作品了。当听到一开场那四声令人恐惧的有力音符时，几乎每个人永远无法忘却。这段充满了震慑力的经典段落，如此简短却又如此令人挥之不去。当然，贝多芬对于这四个音符的解释最为权威——命运在敲门。我认为这个解释很形象也很贴切。这是我很是喜欢的一部部交响曲，因为它给我一种很有生命力、很积极向上不屈服于命运的感觉。这种感觉是我们这个时代几乎再也找不到的感觉了，其中所包含的那种不屈、顽强的精神是贝多芬所带给我们最大的震撼。所以，我觉得，在贝多芬音乐创作的中期时代，这部《命运交响曲》是最能代表其音乐风格的作品了。

《第六交响曲“田园”》：这部交响曲引领了19世纪标题交响曲的潮流。从这部交响曲中我可以感觉得到贝多芬所想表达的一种对恬静、闲适生活的向往，这种向往不仅体现了当时那个时期贝多芬以及整个社会对生活的态度，也是一种时代生活现状的间接体现。

《第七》和《第八》交响曲均完成于1812年，它们都有生气勃勃的舞蹈般的节奏。

从以上七部作品看来，贝多芬在他创作中期的音乐风格是多元化的，是不断成熟和富有开拓创新意味的，虽然这七部作品风格并不相似，但其中都有透露着一个主题，那就是坚强、向上的生活态度。特别是此时的贝多芬是失聪的，这对于一个作曲家来说是一种毁灭性的打击，但是贝多芬并没有向命运屈服，反而创作出了这么多优秀的作品，这种精神与生活态度与他的音乐紧密相关，从他这一时期的音乐中能很好的体现出来。

晚期（1815—1825）

《第九交响曲“合唱”》这是贝多芬晚期的最后一部交响曲了，也是他辉煌音乐人生的有一个高峰。这部作品是贝多芬历经一生磨难后的一个人生感悟，体现了他晚期风格，也是他一生思想和创作的总结。

在这部交响曲中，给我印象最深的是最后的《欢乐颂》。这个乐章伴随着激情澎湃的唱词和急速雄壮的旋律，唱出了人们对自由、平等、博爱精神的热望。《欢乐颂》使这部曲子得到了升华，使欣赏的人们得到无与伦比的奋进力量和精神支柱。

我认为从这部交响曲可以很清晰的看出贝多芬创作晚期的一些音乐风格，比如在体裁方面，贝多芬打破了以往的交响曲的传统形式，加入了人声的合唱，故此作品又称之为“合唱交响曲”，这也是音乐史上第一部加入合唱的交响曲。这

部作品还反映了他晚期音乐的风格，贝多芬这一时期的音乐风格有明显的转变，因为历经了漫长的一生，贝多芬的思想和感情有了很大的变化，也算是他一生的情感和阅历写照吧。

以上就是我从贝多芬所作的九部交响曲来浅析的他的三个时期的音乐风格。此间从网上的资料，自己聆听他的九部交响曲得来了很多感想，我认为，贝多芬作为一名优秀的作曲家，他作品的音乐风格来自于他的个人魅力和人生感悟，他的一生是不平凡的，所以才会有这么三个时期不同音乐风格的产生，而他的音乐历经时代的考验后依然那么让人为之震撼，他不愧为人类音乐史上的最优秀作曲家之一。

参考文献（资料）：

[1]百度知道——“贝多芬 简介”、“贝多芬九大交响曲赏析”

[2]百度文库——音乐鉴赏论文-关于《贝多芬第九交响曲》歌剧的赏析

第三篇：舞蹈艺术创作巡礼论文

了解当代中国艺术发展历程的人，大概谁都不会忘记１９８９年男子群舞《黄河》在北京演出的盛况。那是《黄河大合唱》的旋律勾起了人们对于祖国的无限深情，舞台上舞者们尽情挥洒着一种高亢的激情，婆娑而舞的身躯互相激励，传递着一种信息，那就是：中华民族将在黄河岸边演绎全新的生活，将要创造一个时代的奇迹！人们屏息观舞，幕落时许多人热泪盈眶。演出盛况的消息很快在全国各地传播。而那一年正是党的十三届四中全会召开之际！

回顾２０世纪９０年代中国舞蹈艺术的发展历程，真可谓大河浪涛连天涌，花雨缤纷话神奇。这是中国舞蹈家们乘东风，张大帆，鼓干劲，争上游，创造当代中国舞蹈奇迹的年代。

首先，中国舞蹈艺术前所未有地探触当代中国人的时代精神，以动感的肢体语言表现出极其丰富的社会精神风貌，以舞蹈艺术之美勾勒着中国社会精神生活之旅。１９８９年问世的《黄河一方土》以鲜明的个性勾勒出黄河人的内在情愫，虽然仅仅是婚姻生活的幅幅画面，却极力地将艺术的目光聚焦在人的内心深处。随后，１９９１年问世的大型舞蹈晚会《献给俺爹娘》，更是整个９０年代舞蹈创作的先导。其中对于民族情感、民族性格、民族气派和民族风格的艺术表达，得到了众口一词的高度称赞。它深刻影响了后来的舞蹈创作发展，也几乎可以被看作是自延安新秧歌运动以后中华民族精神在舞蹈领域的又一次昭彰。《俺从黄河来》、《黄土黄》等作品或用大群舞构图中充满渴求力量的身影，或用浓烈的鼓声和奋跃的舞蹈姿态，积极反映了中国开放初期人民群众从闭守心理到张望远方的急切目光和冲动心理。《东方红》、《阿莫惹妞》等一系列作品则比较深入地探索了华夏民族不屈不挠的坚韧性格和容纳百川汇成大海的胸襟与气魄。

另一方面，为了更深刻地揭示当代中国人的精神世界，９０年代的舞蹈创作不得不打破原有舞蹈艺术的样式和风格，采用新鲜的手法，大胆探索新的表现理念和表达方式。《长城》、《绿》、《地平线》等作品，也都将艺术创新写在了自己的艺术旗帜上。２００１年创作演出的《我们看见了河岸》、《我要飞》等现代舞作品，更是将中国人大胆吸取外来艺术，创造全新自我的时代风貌勾画得生龙活虎。演出中那紧握拳头的速写，让每一个观舞者都深切地感受了历史前进的巨大冲动和力量！

９０年代以来，舞蹈艺术不仅是时代的号角，吹响着当代中国进步的主旋律，还用舞蹈艺术特有的心理刻画力量揭示着人类内心的丰富世界。换句话说，如何深入开掘人类内心世界，是这一时期当代舞蹈艺术发展历程上最重大的课题之一。舞蹈艺术创作积极探索了多种社会层面的丰富社会心理，以及不同性别者的精神之旅。《暗战》用双人舞的形式表现了生活中普遍发生着的对抗、冲突及其复杂。在国际上获得很高声誉的《也许是要飞翔》、《和梦一起上岸》则表现了人在现实中所遭遇的暂时挫折以及那不可放弃的永恒追求。也许是舞蹈艺术语言富于优美动感的缘故吧，许多优秀作品都将视觉焦点集中在女性心理的刻画上。《天边的红云》以中国工农红军伟大长征中的女性战士为表现对象，用浓重的浪漫主义手法塑造了艰苦绝地上的牺牲之于女性战士所潜藏的解脱意味，以及正是在牺牲中所蕴藏的精神之壮烈、追求之高尚！杨丽萍的名字，自８０年代开始响亮起来，达到了家喻户晓的程度，它不仅证明着一种舞蹈艺术被普遍认可的社会现象，还证明着让舞蹈艺术走进千家万户的艺术理想。这在当代青年舞蹈家中并不多见，也是新时代以前中国舞蹈界所梦寐以求的事情。如果我们深究其理的话，除去杨丽萍所创造的特殊舞蹈形态美之外，我们不得不承认她非常善于创造具有独特心理色彩而又非常富于民族性的舞蹈艺术形象，舞台上时有即兴发挥部分而至自由状态，能够触及人心和生命底蕴。她的《雀之灵》、《两颗树》等，都可以当作女性心理的独白去细细解读。

１０余年来，舞蹈者们穿行于历史的时空里，在各级政府的大力支持下，在人民群众日益高涨的审美需求的鼓舞之下，以独特的思考力量和极大的创作热情，创作了大量的舞剧和舞蹈诗。据不完全统计，１９５０年至１９７８年间，近３０年里舞蹈界共创作了７０余部舞剧。自１９８９年至今的１０余年来，共有约１２０部舞剧问世，是此前舞剧创作的近两倍！这也就意味着中国舞剧创作的年产量已经达到了１０余部。在整个世界范围内，这也是个惊人的数字！如此众多的当代舞剧拥有一批鲜明的艺术形象，极大地丰富了中国舞剧人物之画廊。如由黄豆豆主演的舞剧《闪闪的红星》，以巧妙的舞蹈艺术手法，用一个孩子般的眼睛观察事物，塑造了一个充分舞蹈化的“潘冬子”。舞剧《妈勒访天边》，对一个简单而富于象征意味的壮族传说做了大胆的加工和改造，以超越自我、战胜人性中的弱点为艺术表现的大主题，在传统故事里做深入开掘，成为一部当代人心灵历程的诘问史。《阿炳》、《大梦敦煌》、《妈祖》等舞剧和大型舞蹈诗作品，都在各种角度上塑造了多样的人物，或以神奇的民间艺术家生平故事为底本，或以沿海人民普遍尊崇的神灵人物为表现对象，或以古代文化遗产为创作的依托，给我们的舞剧艺术舞台增添了相当美好的形象。

中国改革开放大潮鼓舞下的舞蹈艺术如同风头浪尖的弄潮儿，创作了许多富于突破性、开拓性的作品，多样化成为时代主潮。同时，随着外来文化大量涌入我国，中国舞蹈像所有的发展中国家的传统艺术一样受到剧烈的冲击。８０年代中后期，舞蹈界关于“中华民族舞蹈生命力何在”的大讨论吸引了许多舞蹈工作者的注意。在那次讨论中，观点分歧之大，正反映了改革开放在舞蹈界引发的思想动荡。一时间民族舞蹈的生命力受到人们的质疑，甚至有人认为，中国的民间舞难以表现当代的都市生活，已经该被收藏进博物馆了，或是让民间舞蹈自生自灭。当时的这种带有激进性和极端性的观点，已经被今天民间舞壮阔发展之事实所反驳。《土里巴人》、《珠穆朗玛》等舞剧和大型舞蹈诗作品，《牧歌》、《阿惹妞》、《红色恋人》、《出走》、《穿越》等作品从主题立意、编排观念、表演形式、舞美语言等许多方面进行了大胆的、具有突破意义的创造。《望穿秋水》将爱情生命的不可挽回与团圆的渴望浓缩在双人舞里，声声长叹曾经让很多人为之流泪！独舞《翔》提炼的是蒙古族舞蹈手臂中蕴含的翱翔之意，《酥油飘香》则是藏族女性舞蹈文化的新鲜再造和示范。《顶碗舞》中那一群美妙绝伦的维吾尔族姑娘和她们的舞姿舞步，创造了传统艺术在当代舞台上的神话！

１０余年来，无数的事实证明，中国当代舞蹈艺术正在走着一条辉煌而又必须付出千百倍努力才能取得回报的发展道路。纵观历史发展，我们可以毫不犹豫地说，９０年代是中国舞蹈艺术极其辉煌的历史发展时期，也是中国当代舞蹈家们创造了不少艺术奇迹的年代。努力坚持走从生活中汲取创作营养的道路，坚定地走深入生活的艺术创作道路，探索鲜明的民族审美情趣，深刻地开掘中国多种地域文化的丰富内涵，坚持大胆的艺术变革精神，中国舞蹈艺术就一定能攀上新的高峰，创造新的奇迹。

第四篇：诗经 艺术成就

艺术成就

《周礼?春官?大师》云：“大师教六诗：曰风，曰赋，曰比，曰兴，曰雅，曰颂。”六诗在《毛诗序》中又作六义。其中，风、雅、颂，是指体例分类来说的；赋、比、兴，是就表现手法而言。关于赋、比、兴，宋代朱熹在《诗集传》中做了比较确切的解释：“赋者，敷陈其事而直言之也；比者，以彼物比此物也；兴者，先言他物以引起所咏之词也。”例如《豳风?七月》、《卫风?氓》都是赋体：前者铺叙了奴隶春耕、采桑、纺织、田猎、造酒、贮藏和准备过冬等一年四季的全部劳动生活，表现了阶级的对立和奴隶们的悲愤之情；后者倒叙了弃妇与氓由恋爱到结婚直至被氓遗弃的悲惨遭遇，表现了弃妇的哀怨和决绝。又如《魏风?硕鼠》、《邶风?新台》都是比体：前者把剥削者比作贪婪的大老鼠；后者把淫乱无耻的卫宣公比作大癞蛤蟆；二者都寄寓了极大的讽刺之意。另如《周南?关雎 》、《魏风?伐檀》都是兴体：前者以贞鸟雎鸠的“关关”叫声起兴，联想起人的男女之情；后者以奴隶们的“坎坎”伐木声起兴，联想到奴隶主阶级的不劳而获。在《诗经》中，赋、比、兴手法常常是交替使用的，有“赋而比也”，有“比而兴也”，还有“兴而比也”。如《卫风?氓》是赋体，但诗中“桑之未落，其叶沃若，吁嗟鸠兮，无食桑葚”又显然是“兴而比也”。另如《卫风?硕人》，用铺陈的手法描写庄姜美貌，但其中“手如柔荑，肤如凝脂，齿如瓠犀，螓首蛾眉 ”传神地表现出庄姜的天生丽质，这显然又是“ 赋而比也”。赋、比、兴手法的成功运用，是构成《诗经》民歌浓厚风土气息的重要原因。

《诗经》以四言为主，兼有杂言。在结构上多采用重章叠句的形式加强抒情效果。每一章只变换几个字，却能收到回旋跌宕的艺术效果。在语言上多采用双声叠韵、叠字连绵词来状物、拟声、穷貌。“以少总多，情貌无遗”。此外，《诗经》在押韵上有的句句押韵，有的隔句押韵，有的一韵到底，有的中途转韵，现代诗歌的用韵规律在《诗经》中几乎都已经具备了。

《诗经》是中国现实主义文学的光辉起点。由于其内容丰富、思想和艺术上的高度成就，在中国以至世界文化史上都占有重要地位。它开创了中国诗歌的优秀传统，对后世文学产生了不可磨灭的影响。《诗经》的影响还越出中国的国界而走向全世界。日本、朝鲜、越南等国很早就传入汉文版《诗经》。从18世纪开始，又出现了法文、德文、英文、俄文等译本。《诗经》中的乐歌，原来的主要用途，一是作为各种典礼仪的一部分，二是娱乐，三是表达对于社会和政治问题的看法。但到后来，《诗经》成了贵族教育中普遍使用的文化教材，学习《诗经》成了贵族人士必需的文化素养。这种教育一方面具有美化语言的作用，特别在外交场合，常常需要摘引《诗经》中的诗句，曲折地表达自己的意思。这叫“赋《诗》言志”，其具体情况在《左传》中多有记载。《论语》记孔子的话说：“不学《诗》，无以言。”“诵《诗》三百，授之以政，不达；使于四方，不能专对，虽多亦奚以为？”可以看出学习《诗经》对于上层人士以及准备进入上层社会的人士，具有何等重要的意义。另一方面，《诗经》的教育也具有政治、道德意义。《礼记-经解》引用孔子的话说，经过“诗教”，可以导致人“温柔敦厚”。《论语》记载孔子的话，也说学了《诗》可以“远之事君，迩之事父”，即学到事奉君主和长辈的道理。按照孔子的意见（理应也是当时社会上层一般人的意见），“《诗》三百，一言以蔽之，曰：思无邪”。意思就是，《诗经》中的作品，全部（或至少在总体上）是符合于当时社会公认道德原则的。否则不可能用以“教化”。孔子言其“乐而不淫，哀而不伤。”

这里有两点值得注意：第一，就孔子所论来推测当时人对《诗经》的看法，他们所定的“无邪”的范围还是相当宽广的。许多斥责统治黑暗、表现男女爱情的诗歌，只要不超出一定限度，仍可认为是“无邪”即正当的感情流露。第二，尽管如此，《诗经》毕竟不是一部单纯的诗集，它既是周王朝的一项文化积累，又是贵族日常诵习的对象。所以，虽然其中收录了不少民间歌谣，但恐怕不可能包含正面地、直接地与社会公认的政治与道德原则相冲突的内容。

秦代曾经焚毁包括《诗经》在内的所有儒家典籍。但由于《诗经》是易于记诵的、士人普遍熟悉的书，所以到汉代又得到流传。汉初传授《诗经》学的共有四家，也就是四个学派：齐之辕固生，鲁之申培，燕之韩婴，赵之毛亨、毛苌，简称齐诗、鲁诗、韩诗、毛诗（前二者取国名，后二者取姓氏）。齐、鲁、韩三家属今文经学，是官方承认的学派，毛诗属古文经学，是民间学派。但到了东汉以后，毛诗反而日渐兴盛，并为官方所承认；前三家则逐渐衰落，到南宋，就完全失传了。今天我们看到的《诗经》，就是毛诗一派的传本。

第五篇：评书大家单田芳老师之生平成就

评书大家单田芳老师之生平成就

说起评书大家第一时间想到的应该就是单田芳老师了，单田芳老师影响了一代人。是中国文化的传承，是中国评书表演艺术家、作家。

评书表演艺术家单田芳1934年出生于营口市的一个曲艺世家。2018年9月11日下午3点30分，著名评书艺术家单田芳因病在中日友好医院去逝，享年84岁。

单田芳评书的流行也是拜时代所赐，那时候没有书籍没有报刊可以拿来读，更没有电视机，所以大部分人就是拿一部收音机来听评书，那个年代在农村很多人没上过学，文化程度低，即便如此，他们也能听懂单老的评书，可以说他的评书和他独特的嗓音深深的印在了每个人的心里，说他是国内评书第一人也不为过，他说每一部评书都生动形象，通俗易懂，让人身临其境，好像就是在看电视剧一样，那个画面就浮现在你面前。这才是艺术家

评书就是一个人的表演，没有灯光、布景、道具，只靠一张嘴去说，其实很难把千千万万的人给说住，评书讲的是伦理道德，是故事也是人生经验。几十年来，单田芳把他的经历也都融入到每一段书里去了。

单田芳生平：

单田芳，1934年出生于营口市的一个曲艺世家，外祖父王福义是闯关东进沈阳最早的竹板书老艺人，母亲王香桂是三四十年代著名的西河大鼓演员，人称“白丫头”，父亲单永魁是弦师，大伯单永生和三叔单永槐分别是西河大鼓和评书演员。

1953年单田芳高中毕业后，考入东北大学，但因病退学，拜李庆海为师，正式说书。1955年参加鞍山市曲艺团，二十四岁正式登台，六十年代即在鞍山成名。1955—1956年间，他先后说过传统评书《三国》和《隋唐》等十多部，以及新编评书《林海雪原》、《平原枪声》等。文革期间，因下放而离开舞台。

1979年5月1日，单田芳重返书坛，在鞍山人民广播电台播出了第一部评书《隋唐演义》（《瓦岗英雄》），此后与其合作十余载，先后录制播出了三十九部评书，风行全国大江南北几十家广播电台。其中《天京血泪》在中央人民广播电台播出，听众多达六亿。

自1981年以来，他先后出版了近四十部评书，是全国出版评书最多的评书演员。《大明英烈》入选《中国十大传统评书经典》丛书。1995年，单田芳成立了北京单田芳文化传播有限公司，自任董事长，并为中国曲协会员，中国通俗小说研究会会员。

2000年群众出版社出版了《单田芳评书全集》。《中国武侠小说史》一书将其列为大陆的武侠小说作家之一。评书《白眉大侠》和《宏碧缘》被拍成电视连续剧播出。此外，他录制了《薛家将》等多部电视评书并自编自演了《龙虎风云会》（正续）等广播评书。2007年1月26日，单田芳宣布收山，《老店风云》是他的收山之作。2010年7月，75岁的单田芳又选出重新出山，录制的现代电视立体评书《羊神》。2011年，出版自传《言归正传：单田芳说单田芳》。2012年，在第七届中国牡丹奖颁奖典礼上获得终身成就奖。

1954年走上评书舞台，1979年重返评书舞台，1995年成立北京单田芳文化传播有限公司。

2007年1月26日，单田芳宣布收山，《老店风云》是他的收山之作。2011年，单田芳出版了自传《言归正传：单田芳说单田芳》。2012年，单田芳在第七届中国曲艺牡丹奖颁奖典礼上获得终身成就奖。

其代表作品有《三侠五义》、《白眉大侠》、《三侠剑》、《童林传》、《隋唐演义》、《乱世枭雄》、《水浒外传》 等评书。

斯人已逝

其作不衰

世间再无下回分解

大师走好！