第一篇:从艺术视角谈张艺谋电影中的中国元素
从艺术视角谈张艺谋电影中的中国元素
[摘 要] 我国电影的世界化和产业化离不开中国元素的整理和挖掘,而我国目前国产“大片”面对中国元素表现得集体不自信导致许多影片饱受诟病。本文以挖掘中国元素较好的张艺谋导演的电影为例,从艺术视角对电影中的中国元素进行分析,以求抛砖引玉,为我国电影的发展作出贡献。
[关键词] 艺术视角;张艺谋电影;中国元素
随着中国经济的发展,《花木兰》《功夫熊猫》《2012》《阿凡达》等国外影片纷纷在影片中加重中国元素的概念,与之相反,我国影片却在“洋为中用”的口号下,对影片中阐述的中国元素极度不自信,出现了诸如《赤壁》《梅兰芳》等中国题材的电影,让中国人看不懂,外国人不明白。本文从艺术视角对张艺谋电影中的中国元素进行分析,对我国目前影片中的中国元素的不自信进行分析,以求指出症结所在。
一、中国元素在部分国产商业片中的纠结讲述
(一)中国元素的内涵
广义上讲,凡是被大多数中国人(包括海外华人)认同的、凝结着中华民族传统文化精神的形象、符号和风俗习惯,均可以视为“中国元素”,中国元素由中国人创造、传承,反应的是中国人文精神和民俗心理,能够体现出国家尊严和民族利益,在特定区域内可以极大地提升民族凝聚力。
中国元素表现为道德观念、思想意识、价值体系、民俗事象、生活习惯、建筑、艺术,甚至颜色(如中国红、黄)、动植物(熊猫、梅兰竹菊)、武术(国外称为功夫)等。
(二)中国元素在部分国产商业片中的纠结讲述
据《2009中国电影产业研究报告》,最受中国观众重视的创意源就是中国元素,因为众多的表现载体,丰富的文化内涵,一直备受国外影人关注。《花木兰》《功夫熊猫》等一系列的中国文化题材电影的问世,甚至许多国际电影,如《木乃伊Ⅲ龙帝之墓》就以中国秦代陵墓为背景,加入东方的思维和叙事方式,极大地增加了中国元素的内容。
但是在《赤壁》《梅兰芳》等国产大片中,我国电影人在讲述民族历史等中国元素的时候更多地顾及西方人熟悉的叙事方式,喜欢照猫画虎,造成了影片中中国文化的迷失,所以才导致了拍摄出来的影片中国人外国人都不叫好的局面。中国影人热心挖掘中国元素,在讲述时又极度的不自信,是我国目前国产商业片的纠结所在。
二、张艺谋电影中的中国元素
作为中国最杰出的导演之一,自称绝对不拍没有中国元素的电影的张艺谋,对影片中的中国元素感情深厚,运用技术炉火纯青。
(一)张艺谋电影中的中国元素之色彩
色彩是张艺谋电影的重要组成部分,也是张艺谋电影中的重要中国元素的重要体现。从电影《红高粱》中的铺天盖地的红,到电影《英雄》中的蓝白绿三色,再到电影《满城尽带黄金甲》中的金黄,中国色彩是贯穿张艺谋电影的主要元素。
中国红是中国几千年文化积淀出来的一种颜色,里面有古色古香的秦汉气息,有灿烂辉煌的魏晋傲骨,有盛世气派的唐代遗风,高度概括着中华民族生生不息的历史。从朱门红墙到红木箱柜,从孩子的贴身兜肚到以中国红为主题的传统婚礼,本命年的腰带、舞龙灯的绣球、锣鼓唢呐的饰物、红头绳、舞绸……红色,这一颜色已然深深镌刻于华夏民族文化之中。
在艺术上,《红高粱》整部电影富于这种红色色调。绑着红绸的唢呐、花轿、高粱地、剪纸、年画、酒篓子、兜肚以及黄土地尽处的血一样的红太阳……它们被最大程度地赋予了生命、生殖、情绪、梦想,等等的一切,对生命的美好以及繁衍生息的追求,红色在中国代表喜庆、美满,也代表革命、激进。虽然《红高粱》是张艺谋执导的第一部电影,但是中国红在这部电影中被运用得如此入情入理,如此震人心脾,在国内外的一致认可当中,《红高粱》拿下当年柏林电影节的金熊奖,中国元素的色彩带来的震撼力功不可没。
(二)张艺谋电影中的中国元素之竹林
竹林打斗是张艺谋拍《十面埋伏》时的一部重头戏,在张艺谋眼里,竹林是中国武侠神秘的地方,即使已经有了《卧虎藏龙》等已臻完美的竹林打斗戏份,但是只要加入新的元素,以不同面貌呈现观众眼前,即使再选取用竹林为拍摄背景,影片仍旧能够取得成功。而这场竹林打斗,也确实成为《十面埋伏》里为数不多值得称道的地方之一。
捕头和小妹在逃亡过程中闯入竹林,被追兵投掷的毛竹遍插四周,毛竹凌空、插地为牢将二人困住,直到二姐出场飞刀下竹屑纷飞……整个场面都极具东方的奇幻风格。
竹子对于中国文化的影响,表现为物用和精神方面的影响。秦汉乃至更早,世人写字著说都是在竹简上完成。我国南方多省都有将竹子用于建筑的记载,岭南竹楼沿用至今。苏东坡曾说:“食者竹笋、庇者竹瓦、载者竹筏、炊者竹薪、衣者竹皮、书者竹纸、履者竹鞋,真可谓不可一日无此君也。”竹子对中国文化在精神层面上的影响,在于竹子虚心、有节、清拔,因为这些特点,竹子逐渐被人格化。《太平御览》载,晋代大书法家王徽之(王羲之子)平生爱竹,曾“暂寄人空宅住,使令种竹。或问暂住何烦尔?啸咏良久,直指竹曰:何可一日无此君!”清朝著名画家郑板桥在自己《竹石》图上的题诗曰“咬定青山不放松,立根原在破岩中。千磨万难还坚挺,任尔东南西北风”,通过竹子抒发自己的心志秉性。松、竹、梅是“岁寒三友”,梅、兰、竹、菊为“四君子”,古往今来,竹子曾被多少诗人、画家所称颂。在随后的影片中竹林反复出现,唯美的场景中,影片取得了巨大的成功。
(三)张艺谋电影中的中国元素之武术
中国武术源远流长,在长期的武术实践活动中,形成了各种各样纷繁复杂、风格有别的武术流派。每个流派都有自己的一套理论或思想。但无论哪一个流派的理论大体都受着中国古代朴素哲学思想的影响。正如近代著名太极拳家杨澄甫说的:“中国之拳术虽派别繁多,要知皆寓于哲理之技术。”美国学者弗里乔夫•卡普拉在其名著《转折点》中写道:“由于东方哲学和宗教传统总是倾向于把精神和身体看作一个整体,因而东方发展出大量的从身体方面来解决意识的技术是不足为奇的。这种沉思的方法对治疗的意义在西方正逐渐被认识到,许多西方治疗家正把东方的身体作用技术,例如瑜伽、太极和合气道结合进他们的治疗中。”由此可见,武术中的哲学思想,现在被西方人士逐渐认识,并正发生着越来越深的影响。武术美包含功架造型、攻防技击和手眼身法步以及节奏、速度、力度等方面。其中功架造型直接产生技艺形式之美,攻防技击是武术特有的内涵,武术之美寓于攻防技击之中;眼神当有生气和活力,它对武术之美就起着画龙点睛的功效。
在张艺谋的几部功夫片中,我们都能看到被哲学化、美学化的精彩打斗场面。以电影《英雄》为例,从甄子丹与李连杰的意念比武到一招定胜负,从李连杰与梁朝伟湖上比武,如山水画一般的艺术效果,从李连杰张曼玉屋顶挡剑让梁朝伟写下朱红“剑”字,武术的哲学与美学得到了完美的诠释,张艺谋的电影也得到了国内外极大的认可。
(四)张艺谋电影中的中国元素之诸子百家
诸子百家是中华民族最灿烂的瑰宝之一。诸子百家是对春秋战国时期各种学术派别的总称,诸子百家中流传最为广泛、影响最大的是儒家、道家、阴阳家、法家、墨家等。诸子百家的许多思想给后代留下了深刻的启示。如儒家的“仁政”“己所不欲,勿施于人”的“恕道”;孟子的古代民主思想;道家的辩证法;墨家的科学思想和非命思想;法家的唯物思想;兵家的军事思想等,在今天依然闪烁光芒。便是那“诡辩”的名家,也开创了中国哲学史上的逻辑学领域。
张艺谋电影对诸子百家进行了非常好的传承和发扬。但在张艺谋电影中既有墨家思想的体现亦有儒家思想的精粹。在张艺谋的电影中既有对自由的向往,又有对封闭制度的维护,既有无为,又有反叛。各种思想在张艺谋的影片中都能找到些许印记,由此可见张艺谋的博学,亦可见张艺谋思想的复杂性和矛盾性。
例如在电影《英雄》中,秦朝军队飞箭如雨,学堂内老先生却阻止学生逃跑,在箭雨中学习书法的精髓,就是来自于儒家的气节观念,来培育自己的自尊、自强的独立人格;李连杰刺杀秦王嬴政最后关键时刻却调转剑身,而以剑把对嬴政,劝嬴政“为国家计,己所不欲,勿施于人”,也是来自于儒家的思想。但值得一提的是张艺谋在电影中的矛盾心理处处体现。比如《英雄》中秦始皇的形象,孟子(前373-前289)明确提出“民为贵,社稷次之,君为轻”的民本思想。也就是说,在儒家的思想中,皇权并不是神圣不可侵犯的,在浩瀚的历史中,中国的诸子百家的共同主旨就是对自由的追逐。然而在《英雄》中,张艺谋对于皇权和专治却是一种赞同的态度。正如秦始皇说“为统一(天下)而战,何错之有?”这一点与儒家对和平、自由、博爱的追求是相违背的,却吻合了墨家的“非命”和“尚同”思想。因为儒家提倡“先义后利”,而墨家则提倡“义利并重”进而发展到“天下之利”。
(五)张艺谋电影中的中国元素之建筑
如果说人文书籍能够体现一个民族的灵魂,那么建筑则是民族文化特色最直接的表现。西方古典建筑大部分与宗教息息相关,大到教堂、歌剧院,小到一个罗马柱,处处体现宗教色彩。但中国文化讲究的是修身、齐家,中国人骨子里的中庸思想在建筑中体现得淋漓尽致。那么,作为电影中的一种意象体现,建筑对电影的推动作用是显而易见的,对电影风格和文化的体现都有着重要的作用和意义。
例如在《大红灯笼高高挂》中,封闭的四合院反应了一个时代特色,但适时切换的镜头和对四合院的特写,恰到好处地融入剧情当中,则反应了对生命和对女人的封闭和禁锢。在颂莲怀孕产子之时,四合院依然是封闭是静默的,寓意着新生的生命无法打破这牢笼般的束缚。张艺谋在这部电影中将建筑和装饰用得十分精彩。连串的大红灯笼,封闭的四合院,将中国人的家族思想反映到位,也将中国妇女的地位凸显出来。每一个妇女都无法摆脱牢笼般的命运,这一点是由当时社会形态决定的,因为妇女是不准抛头露面的。因此,在《大红灯笼高高挂》中,四合院和院墙,被赋予了独特的使命和寓意体现。
张艺谋作为著名的导演,是和他善于利用电影元素和富有时代特征的中国元素所分不开的。《山楂树之恋》拍摄于宜昌市的一个废弃工厂,张艺谋利用这个废弃工厂还原了特定时代的一段特定的爱情。对于这个工厂,影片中多次给予特写,观众可以在电影中清晰地看到农房墙壁上“人民公社万岁”“高举毛泽东伟大旗帜奋勇前进”等标语以及70年代的报纸和奖状。农村的土坯房,城市的厂房以及各色标语,自然而然将观众的思绪带到了那个特定的时代。
三、结 语
张艺谋是中国电影的一个符号,他的艺术天赋以及他所拍摄的影片已经成为中国电影的一个品牌。张艺谋电影中无处不在的中国风,既是对中国文化的传承也是对中国文化的发扬。将中国电影做大做强,将中国风格传到世界各个角落,让中国特色和中国风格为世界所了解,是每一个电影人都应该力求做到的。
[参考文献]
[1] 张凤琼.张艺谋电影的唯美倾向――评《十面埋伏》[J].宁波教育学院学报,2006(02).[2] 苏壮.张艺谋电影作品中的构图艺术[J].成都大学学报:社会科学版,2009(10).[3] 周政保.试论张艺谋的艺术观――从小说到电影 [J].文艺研究,1994(09).[作者简介] 孙冀东(1963―),男,河北唐山人,武汉大学硕士,燕山大学艺术学院雕塑系副教授,主要研究方向:佛教及石窟造像艺术。
第二篇:从传统文化视角看好莱坞动画电影中中国元素的运用
从传统文化视角看好莱坞动画电影中中国元素的运用
——以《功夫熊猫2》为例
【作者】王培玉; 【导师】李慧
【作者基本信息】广西大学,戏剧影视文学,2016,本科在读 【副题名】以功夫熊猫为例
【摘要】动画是一种充满想象力的艺术形式,有着视觉艺术的独特魅力,创作者可以天马行空地进行想象与创造。在信息传播图像化、动态化的今天,动画艺术不仅有娱乐化的性质,也承担着传递创作者价值观念和情感的作用。好莱坞作为世界电影梦工厂,一直擅长将其他国家的文化作为载体,融入自身的价值观,同时保留普世价值,使其生产的电影具有不可磨灭的文化符号和意蕴,从而达到商业和艺术上的双赢。其突出代表便是近年来大热的《功夫熊猫》系列,好莱坞斥巨资打造这部糅合了中华哲学,民俗,美食等中国元素的动画长片取得了美国本土和海外市场的成功,也折射出全球观众对中国文化的“好莱坞式解读”的认同。【关键词】传统文化,好莱坞动画,中国元素 【正文】
一.中国民俗符号的运用
中国因其历史悠久,因而有着丰富多彩的民俗文化。其中爆竹就是鲜明代表之一。爆竹起源至今有2000多年的历史,在中国古代,还没有发明火药和纸张,人们使用火烧竹子,使之爆裂发声,以驱逐瘟神,因竹子焚烧发出“噼噼叭叭”的响声,故称爆竹。在节日或喜庆日燃放,反映了中国古代劳动人民渴求安泰的美好愿望。制作《功夫熊猫》的好莱坞动画制作者显然对中国民俗进行过详细,认真的研究,他们在《功夫熊猫2》(以下简称“《功2》)中便围绕着爆竹,烟花这一线索,勾勒出了一个正义战胜邪恶的带有浓厚的美国”英雄主义“色彩的故事。《功2》讲述统治宫城门的孔雀夫妇发明了烟花为子民的生活增添了欢乐,而他们的儿子沈却看到烟花的另外一面——带有杀伤力的一面,并由此踏上了邪恶的道路。孔雀夫妇狠心驱逐沈,沈怀恨在心,多年待父母死后,带着他的威力巨大的火炮卷土重来,妄图占领整个中国。好莱坞巧妙地借用了中国在节日燃放爆竹这一传统民俗,并加以大胆的想象,使之成为贯穿整个故事核心的重要内容。其他的民俗还有开头讲述故事背景孔雀夫妇和沈的故事时运用的剪纸效果,以及故事进行到中间时阿宝借“狮子”来做掩护所反映了“舞狮”民俗,多种传统民俗符号的运用,为影片营造了浓浓的“中国氛围”。
二.中国艺术文化的运用
在《功2》中随处可见中国传统艺术文化,影片一开始,阿宝去瀑布下寻找师父时便运用了山水画的手法设计了师父打坐修炼的场所。中国的山水画源远流长,表现了丰富多彩的自然风光,体现了中国人的美意识。云雾缭绕,青松耸立,中国画讲究”留白“”渲染“等特点被好莱坞抓住,并悉心打造成为能够搬上荧幕的动画效果。其他的艺术文化还有音乐,在《功2》中出现的背景配乐有以悠扬笛声为主的开场音乐,还有在打斗场景时动感活泼的琵琶乐,以及在”舞狮“场景时锣鼓喧天,热闹非凡的鼓乐等。这些中国特有的音乐形式,为影片增强了艺术表现力。
三.中国建筑文化的运用
同时,《功2》中出现的几种建筑也是中国文化的代表。仿照紫禁城的“城中城”形式构筑的“宫门城”,外围是结实的城墙,中间有广阔的庭院,登堂前更有层层台阶,细微之处皆体现中国建筑的特点。此外,位于宫门城中央的宝塔更是东方建筑的典型。塔是一种在亚洲常见的,有着特定的形式和风格的中国传统建筑。最初是供奉或收藏佛骨、佛像、佛经、僧人遗体等的高耸型点式建筑,称“佛塔”。14世纪以后,塔逐渐世俗化。在片中,塔作为宫门城统治者的居所,其宏伟程度不亚于皇宫,外观上宏伟秀丽,飞檐琉璃瓦的装饰美轮美奂。在塔的内部,则是雕梁画柱,穹顶上装饰着壁画和明珠,富丽堂皇,充分体现着统治者的高贵的宫门城的繁荣昌盛。除外,宫门城的民居特点也值得一提,《功2》中的民居皆采用江南传统民居样式,马头墙是其重要建筑部分。马头墙又称风火墙,防火墙,在相邻民居发生火灾的情况下,起着隔断火源的作用。久而久之,就形成一种特殊风格了。在古代,马头墙是家人们望远盼归的物化象征,看到这种错落别致,黑白辉映的马头墙,也会使人得到一种明朗素雅和层次分明的韵味。
四.中国哲学文化的运用
在《功2》中,阿宝陷入了关于自身身世的心魔之中,身心浮躁,限制了实力的发挥。最后是他参透了师父所教的“静心”思想,才获得非凡力量,战胜火炮与敌人。这里所谓的“静心“,就是中国古代哲学文化,包括佛释道这些宗教领域所说的内心最大的空无,得道和涅槃的状态。在中国哲学史上,道家的创始人老子首先提出了”致虚守静“的观点,老子认为:只有排除物质与世俗的干扰,坚守纯净宁静的心态,才能真正把握”道“的真谛。而儒家经典《礼记·乐记》则说:”人生而静,天之性也;感于物而动,性之欲也。“认为人天生就是无情无欲的,受到外物的影响而产生情欲,所以要制礼作乐对人的欲望进行约束和引导,使之保持在”静“的状态。经过长期的历史检验与提炼,最终形成了中国后世儒道两家所一致,所一直推崇的重要原则:静以修身,俭以养德,非淡泊无以明志,非宁静无以致远。《功2》对中国哲学文化的运用使影片从对中国文化模仿的”形似“到”神似“,提高了影片主题的精神内涵。
好莱坞是当今世界最为发达的电影工业基地,其对中国元素的运用由来已久。在进入全球化的当今时代,好莱坞电影运用“中国元素热”愈演愈烈,呈现出新的形态和特点。从一开始的形似到以《功夫熊猫》系列为代表的神似,好莱坞对中国元素的运用和中国文化的把握越来越纯熟。但好莱坞终究是美国电影资本产业,其“商业观念“极强,因而这些”中国元素“的加入很大程度上都是在全球化背景下,意图打开中国这个消费大国电影市场的驱动下进行的。在中国传统文化的基础上进行包装改造,进而输入美国的”英雄主义“价值观,在一定程度上会对我国的精神文化造成冲击和影响。所以,通过分析,参考以《功夫熊猫》为代表的好莱坞动画片,反思本土动画电影和文化创意产品的输出,深入思考自身传统文化的价值所在,以及如何更好地加以运用才是当今影视从业者的关键命题。
第三篇:从《泰坦尼克号》谈艺术
艺 术 导 论 论 文
题目: 从《泰坦尼克号》看艺术
学 院
姓 名 学 号 授课老师
2015年 11 月
一百年前,在距离加拿大纽芬兰以东三百八十英里的大西洋海面上,一艘历史上前所未有的超大客轮泰坦尼克撞上了冰山,两个多小时后沉入近四千米深的海底从而结束它的处女航。一千五百多名身着救生衣的乘客浸泡在冰冷刺骨的海水中,他们在漆黑的洋面上挣扎,哭喊,直到失去知觉。这样的巨大悲剧去成就了八十多年后的丰碑——电影史上的传奇《泰坦尼克号》
百年前船上的照片
百年后地同一地点
电影可是说是艺术中非常直观的一种形式。百度百科中对电影的解释是:“电影,是由活动照相术和幻灯放映术结合发展起来的一种连续的视频画面,是一门视觉和听觉的现代艺术,也是一门可以容纳悲喜剧与文学戏剧、摄影、绘画、音乐、舞蹈、文字、雕塑、建筑等多种艺术的现代科技与艺术的综合体。”
真正好看的电影,不只应给人视觉的冲击,还应带给观众心灵上的震撼。在这两点上《泰坦尼克号》可以说是登峰造极。
影片采用了倒叙地手法,这个故事是一个年迈的老妇人为我们娓娓道来的,镜头让百岁老夫罗丝那满是皱纹的脸幻化成八十四年前的美丽容颜,同时追忆沉船悲剧的老人的那双泪眼也跟着幻化成少女明亮的眸子。这种视觉上地巨大反差促使人们很快想到人生如短或如梦人生,这样的手法在影片中出现过很多次。
例如。作画时,镜头通过眼睛的角度从回忆回到现实。可以说是非常经典的镜头,之后的其他电影中也陆续模仿这样的镜头。
她介绍的第一个人不是杰克,不是未婚夫,却只是一个小小的配角莫莉,她是一个被贵族们排斥的暴发户,她爽朗的个性,不拘束的举止让贵夫人们嗤之以鼻。但她被刻画成一个个性非常鲜明的人物形象。她所乘坐的小艇安全的驶离了沉船带来的漩涡,她是唯一一个要求船长返航的人,她对船上所有的妇人们说:
“你们怎么了,要救的可是你们的丈夫!”然而落难的人中其实并没有她的亲人。也是她在所有人都瞧不起杰克的贫穷地位的时候,欣赏他见义勇为的勇气,帮助他避免贵族们的嘲笑。她在贵族的圈子里却拥有着平常人的心,是特殊的,更是特别的。外表是臃肿的,微笑确实善良的真诚的,让看完影片的观众都无法忘记她。
【电影细节描写】
细节描写是对表现对象的细微部分进行细腻描写,是作品形象描绘的最小单位,但对其只有意义性要求而无统一的量的规定性。电影剧作中的人物性格塑造、事件发展、典型环境、主题思想都是通过许多有机联系的细节描写来实现的。细节可以担负一切剧作功能。电影中所有表现元素都可以通过精心构思成为细节,如声音细节、人物细节、景物细节、物件细节、色彩细节等等。生活细节成为艺术细节,必须经过加工和提炼,成为有一定意义的细节。电影细节描写要有独创性、可视听性和真实可信性。
电影中无数的细节,前后呼应更是让人为之惊叹。
女主角罗丝随身携带的照片在整个电影中出现过三次,知道最后一个镜头观众们才理解照片的意义,只是短短三个镜头,就可以赚到观众不少的眼泪,这一处的处理是非常成功的。
八十年后生了锈的发饰,没想到还能看见曾经完好如新样子。电影中没有多余的镜头,很多镜头一扫而过,直到再看一遍时才领悟导演的用意。
再比如罗丝喜欢画,而杰克刚好擅长画画,这就自然地引出他们的相知相恋,从而推动故事的发展
电影中最感人的其实并不是男女主人公的爱情悲剧,而是大难来临时其他普通人们尤其是社会底层人民的反应。正如光明需要黑暗的衬托,善良也需要邪恶的映衬。当死亡来临,人们的表现才是最接近真正的自己的。很多贵族贪生怕死,却也有很多社会底层人们站在人性的制高点。每一个镜头都像是在讽刺当时的阶级制度,再想想贵族们是多么看不起穷人,越发觉得可悲。有像卡尔·霍克利那样卑鄙地逃生的人,像威胁得救提议回去救人的人,但恰恰是这些丑恶凸显出来了人性中最真的善良。船上的乐师放弃逃生,直到沉船的最后一刻都演奏着优美的合奏,船员坚持让女人和小孩先上船,船体倾斜,牧师依然拉着他的人民的手为他们祈福,年迈夫妻相拥躺在床上,船舱中来不及逃出的女人微笑着哄两个可爱的孩子入睡,船长得知巨轮将沉没的时候,回到船头掌舵的地方静静等待,造船总师在大厅中,优雅地讲时钟挑向沉船的时刻,毅然与船共存亡。
这些看似只是这部爱情悲剧中配角的场景却在观众的心里留下最深的烙印。他们从容赴死,或为爱情,或为亲情,或为责任。深处社会不同阶级的人,不容的职业,更加令人动容。
故事的最后,渐渐很多出场的人都标注了姓名和生卒年,当看到一个个标注的死亡日期是1912,心就好像一次次受到冲击。影片反复地提醒我们,这些不只是艺术形式,他们都是有原型的,这些都是真实发生了的,这些善良与罪恶都是人性中最真实的存在。哪怕是电影,其中的悲剧已经够让人揪心,让人心痛了,影片还在不停提醒我们,这不只是电影。此刻,标注中那些不重要的人名看起来都不多余。
电影中的台词同样没有一句废话,给我印象最深的是老妇人口中故事的末尾,灾难过去后,她的一句话:
“Afterwards,the 700 people in the boats had nothing to do but wait.Wait to die,wait to live.Wait for an absolution that would never come.”
(之后,救生船上的那700人束手无策,唯有等待。等待死亡,等待生存。等待着那永远不会到来地宽恕。)
不常见到,故事性很强的电影中出现这么发人深省的台词。活下去的700人,他们的未来是由终结在大西洋中的1500条生命换来的,更何况那里永远沉睡与海底的还有他们的亲人。那些偷偷挤上救生艇的人将会一辈子与愧疚为伍,西方人大都相信上帝,但其实,人这辈子最难逃过的就是自己对自己的宽恕。
悲剧不同于喜剧,喜剧常常带给人幸福感,而悲剧,用鲁迅先生对悲剧有一句精辟的概括:悲剧是把人生有价值的东西毁灭给人看。有时候看悲剧,有一种自虐的感觉。但是,相比于喜剧,往往是悲剧更能激起人内心的波澜,给观众留下难以磨灭的印象。看一部喜剧,看完就过去了,那种幸福感很快便会淡去,但一部真正意义上的悲剧,会让人在过去很久之后想起来依然难以释怀。但是,真正意义上悲剧并不会带给人负能量,因为悲剧所要重点表现的并不是悲剧本身,而往往是因为悲剧而呈现出来的其他具有正面积极意义的东西,如善良,如勇气。
影片最后,罗丝的最后一个梦中,她穿过破旧的,长满厚厚青苔的头等舱长廊,时光瞬间穿越到八十四年前,身着西装领带,油头粉面的侍者们为她打开金碧辉煌的舞厅大门,所有人甚至包括曾经反对他们的人都用祝福的眼光看着她走向杰克,墙上的钟表还停留在沉船的时刻。有些人觉得这是天堂的杰克来接罗丝,可我觉得这是罗丝心中最深的期望,最美的梦。
悲剧的电影留给我们最美好的结局,哪怕只是一个梦,却像是圆了我们的心愿。音乐响起,是那首奥斯卡金曲《我心永恒》。优美的背景音乐同样是这部电影如此成功地重要因素之一。
什么是艺术?从广义上说艺术是一种社会意识形态,是人类审美活动的最高形式。从狭义上讲,艺术是指任何可以表达美的行动或事物,任何以美学内涵表现出来地形式都可以称为艺术。就定义上说,一部电影中涵盖艺术的范围是相当广的,每一个镜头,每一首配乐,每一句台词都是艺术。《泰坦尼克号》这部电影之所以影响力如此深远,与它在艺术上的巨大成就是分不开的。影视有三个艺术特性,文化特性,美学特性,技术特性。在这三个方面,《泰坦尼克号》都做到了无可挑剔。所以奥斯卡也在当年为这部电影大开绿灯,“慷慨地”给予了最佳影片、最佳导演、最佳音效、最佳摄影、最佳电影剪辑、最佳服装设计、最佳艺术指导、最佳戏剧效果、最佳原创歌曲、最佳视觉效果、最佳声效剪辑11项重要奖项,这在奥斯卡的历史上可谓是凤毛麟角。
也许艺术并没有我们想像中那么高不可攀,看一步电影,我们就能走进艺术。
第四篇:浅析张艺谋电影《活着》的声音艺术
《活着》声音分析
电影《活着》是根据余华同名原著小说改编,是一部中国活生生的现、当代野史,给我们展现了一个个生离死别,风风雨雨的那个时代的农民家庭。在福贵的一生当中,最初的纸醉金迷,到五颗枪子的恐惧,到儿子夭亡时的悲痛,再到女儿意外去世时的无奈接受,影片结尾时吃饭时的辛酸苦楚,个人命运随波逐流,被历史牵引。
影视声音的构成元素分为有声语言、音乐、音响三大类,影视声音是影视媒介基本元素之一,它可以直接参与作品的叙事,也可以间接地对叙事起到渲染的作用,它是电影的重要组成部分。
(一)有声语言
有声语言在影视声音元素中占据相对重要的地位。通过语言的音色、音量、音高节奏、发声位置等结合后反映出来,从而构成语言情绪。
影片中,福贵和二龙在语言的语调和语气上按照剧情的发展有着明显的反差,影片刚开始,在赌场听皮影戏这场戏中,刚开始龙儿频频给福贵斟茶,低声哈气地和富贵说话,而这时候的福贵则显得目中无人。
福贵:我说龙二,你这个皮影班主怎么弄的?光惦记着赢我钱了?这戏唱着比驴叫都难听。
龙二:累了,这板眼就乱了,都唱了一夜了。要不,福贵少爷你给露两声?让他们开开眼。
这段语言的表达,福贵的语气比龙二显得有气势,语调要比龙二高,语速也相对比龙二要快,体现出福贵和龙二的地位,突出
了福贵目中无人的形象。
当嗜好赌博的福贵很快把他家的财产输给了狡诈的皮影剧团的领班龙二时。
龙二:账面上没错的话,我先告辞了。富贵少爷,您府上那院房连半间都没给您剩下。您千万别怪我狠心,我实在太喜欢那院房了。失陪失陪,过两天府上见。
福贵:(不服气想把院房赢回来)你不能赢了我就走吧?咱还没完呢,接着来接着来。
龙二:福贵少爷,对不住了,您现在连本钱都没了,拿什么跟我玩呀。有什么话您可以跟谢老板说,对不住了。
福贵:不行,不行,不行„„
龙二:富贵少爷,您这是干什么?
福贵:还没完,再来再来„„你是存心憋着害我,你„„
这段对白福贵的情感高涨,语调高,带有乞求的语气。而龙二这时的语气带有讽刺的意味。表现出福贵和龙二内心深处的情感冲突。
同样,在福贵和家珍两个人的关系中,福贵对家珍的态度前后也有明显反差,在福家还没有衰败之前,富贵对家珍说话的语气总是那种爱理不理的感觉,语调高,语气生硬。但在家珍听说福贵改邪归正回家后,福贵的语气明显软了下来,变得柔和了,语调也变低了。表现出福贵和家珍两个人关系的慢慢升温,为下面的剧情做好了铺垫。
福贵回到家中,与父亲发生争执,有过这个一段对白.徐老爷:畜生,又是一夜,狗改不了吃屎,你这小王八蛋。你就这么胡折腾,徐家这点家底,非得让你折腾光了。你还能干点什么?你说,除了那事你还能干什么?就不学点好,这王八蛋
福贵:没有老王八蛋哪来的小王八蛋?我跟谁学好去?我就纳闷,这三院房怎么就剩这一院了?当年有名的徐大混蛋,不是我。(徐老太太见状忙拿毛巾给老爷擦脸)
徐老爷:他说我什么来着? 徐老太太:喝粥,喝粥。
福贵:娘,你擦完了,扶我爹进去吧!凤霞:爹,爷爷又来骂你了!福贵:你爷爷在唱歌呢
这段对白,两人距离较远,语调都比较高,语气生硬。体现出两个人之间关系不和谐,推动了情节的发展,增加了矛盾冲突,在这样的争执下,一句稚嫩的童声打破了这种僵硬的局面,增添了几分诙谐的色彩。
这部影片也巧妙的运用了画外空间,在家珍和福贵第一次团聚的那个晚上,画面首先是个门的固定镜头,画外音是家珍和福贵的对白,停留了几秒后,运用了一个长镜头,从徐老太太一直摇到家珍和福贵。这个片段,巧妙的利用画外空间表现了家珍和福贵夫妻之间的恩爱,给观众留下了更多遐想的余地,画中有声,声中有画,声画互补,生生传情,真正体现了“视听艺术”的魅力。
群声指的是群杂或背景人声,它主要用来表现故事情节的环境气氛。在影片刚开头,当福贵唱戏时,喝彩声明显要比之前高涨许多,有明显的情绪差别。
(二)音乐
音乐的特点具有抽象性、主观性,它不像语言那样能够直接表达意义,它具有强烈的情绪色彩和感染力。音乐语言包括旋律、音色、音区、节奏、节拍、力度、和声、调式、调性、曲式等等。
这部影片的配乐非常好,吸收了西北秦腔戏曲素材,唱出了人生的种种无奈,.电影揭示了个人与时代对立,个人处于时代历史的重压
之下,任其摆布,无从反抗.刻画了小人物的悲欢离合和时代的荒谬感.表现上世纪中叶中国历史现状,解放战争、大跃进、破四旧、“文化大革命”„„每一次打击都与时代有暗合的关系,展现人在社会面前的渺小。
本影片出现次数最多的曲子是“似水流年”,是赵季平老先生的杰作,他的音乐作品都蕴含着身后的东方文化传统,包含着窑洞、高原、秦腔、剪纸、信天游等各种西部元素,他的音乐能够很好的运用和发挥民族乐器民族音调的特点,是音乐和影片相结合,恰如其分地表现了影片的故事情节和中心思想。
本影片刚开头,曲调悲凉,流露出一种淡淡的忧伤,体现了赵季平老先生音乐的乡土情结和黄土高原的风格。这段音乐是由板胡和二胡独奏交织而成,音乐风格古朴。在《霸王别姬》中,首段音乐就是京剧锣鼓,后面更由京胡、琵琶引出悠婉悲壮的大乐队的交响。当男主人公福贵即将输掉自己全部财产时,赌场内皮影戏的伴奏音量突然大了起来(近乎噪音),达到了烘托紧张气氛的效果。
当福贵带着皮影帮子第一次演出时,刚开始还是有源音乐,音乐是福贵唱的秦腔,后来画面是福贵和皮影帮子在路上,但是背景音乐还是福贵唱的秦腔,此时为无源音乐;而后的唱戏、家珍喂徐老太太吃饭,这几个画面来回切,此时音乐为主题音乐,渲染了情绪,是影片主题得到了升华;最后画面落在了唱戏上,无源音乐转为有源音乐,也就是音乐与画面结合了起来。这样一段戏,先利用秦腔这个有源音乐,增强了影片的真实感,然后转为无源音乐,在渲染福贵新生活来
之不易的同时,同时又很好的塑造了家珍贤妻良母的形象,所谓一举两得,最后又转到有源音乐,音乐一紧一松,恰到好处。
在为国民党演皮影戏的那场戏中,撕心裂肺的人声和胡琴高亢的旋律回荡在千沟万壑的黄土地上,塑造了一种荒凉、无奈的意境。
贯穿本部影片的音乐叫“似水流年”,曲调哀怨,在影片中出现了十几次,每一次出现在影片中诠释的意思都不同。其中有几次对我印象深刻:第一次是在福贵被抓丁,国民党大撤退。福贵的战友都被打死了,没有吃的,什么都没有。福贵只想跑回家,看看家珍和孩子。不管怎样活着,都要回家看看。这时主题音乐响起,让人心里面由衷的觉得活着真好,只要家人团聚,能在一起就好。有一次是春生被打成反革命,要自杀,来找福贵道歉,福贵和家珍都原谅了春生。家珍让春生进屋说话,这时主题音乐响起,体现了中国农民质朴的心灵和善良的心,精神层面高于物质层面。还有一次就是在影片的结尾,福贵在对自己的外孙馒头说:“小鸡长大了就是鹅,鹅长大了就是羊,羊长大了就是牛”“那我就可以骑牛了”“到那个时候馒头就可以开上火车,飞机了”“到那时候,咱日子就会越来越好了。”这时音乐响起,体现出人生命途多舛,人们只要活着,踏踏实实的走好每一步,好好的活着才是人生最伟大的价值体现。
(三)音响
音响就是除语言、音乐之外,影视节目中其他声音的统称。包括电影中的动作音响、自然音响、特殊音响、背景音响等。在影
片中能够渲染情绪,烘托环境气氛,同时可以推动情节,创造节奏,产生寓意等。
在徐府算账抵押院子这场戏中,在空旷的房子里,算珠碰撞的声音远超过实际碰撞的声音,剪辑人员将此声音夸大,加大了混响,体现出福贵心里的忐忑不安,和龙二心里的得意洋洋,两种心理的巨大反差,通过算盘巧妙地体现了出来。
在福贵第一次为谋生演出这段戏中,有个戏帮子在路上走的镜头,夹杂着鸟扑打翅膀飞走的声音,表明了福贵的内心不平静,但是又对这样的生活感到无奈与惋惜,以前那种不愁吃不愁穿的日子一去不复返了。
在春生给福贵一家送存折的这场戏中,福贵在开门之前的一系列细致入微的动作声都凸显了出来,穿衣声,开门声,脚步声动作;在影片的结尾,春生背的一个大全景,有火车驶过的声音,火车疾驰而过的声音为主声源,人声为辅助声源,一个主声源和一个或多个辅助声源结合一起形成复合声源,这样的结合胜过语言的结合。
第五篇:张艺谋电影中塑造的的女性形象
张艺谋电影中塑造的的女性形象
张艺谋的一系列电影中,女性意识依然遮蔽在男权话语之中,影片仍然未逃脱“女人被讲述”的传统模式。尽管表面上看,女性形象在张艺谋电影中占有重要地位:在《大红灯笼》中,老爷只剩下了声音:在《我的父亲母亲》中,母亲的回忆使叙事表层以母亲为主,突现母亲的美丽、勇敢、执着和痴情,父亲完全成为母亲的陪衬,成为一个符号和回忆,在《英雄》中每个故事都离不开美丽的女侠飞雪,她那曼妙的身姿给观众留下了深刻的印象。以至于有论者认为他的电影以“女性神话”张扬女性意识,可以挤进女性主义话语的潮流[4],然而,重要的不在于女性占了多大份量,而在于女性究竟是如何出现在电影中。纵观所有张艺谋电影,其中的女性形象大致可分为以下四种类型:
一、情欲型「“我奶奶”、菊豆、颂莲 」
以女性及其女性欲望作为向西方世界展示东方风情的载体,一种面向西方的东方主义策略被张艺谋一再使用,成为填平艺术性与商业性、民族性与世界性之间鸿沟的有效手段。《红高粱》是始作俑者,而《大红灯笼高高挂》则是其中最具有典范意义的作品。
《红高粱》中的“我奶奶”出嫁的路上惊心动魄的颠桥风俗、血色高粱地中的激情野合、原始的酿酒方式,《菊豆》中古老的、原始的酿酒方式,《菊豆》中古老的染坊、菊豆与天青之间的乱伦,《大红灯笼高高挂》中幽深、封闭、牢狱般的古宅深院,清冷夜色中暧昧的红灯笼,美丽却怪异的东方美女间无休止的明争暗斗,共同构成了在西方观众眼光中奇观式的东方历史场景。无论是“我奶奶”、菊豆还是颂莲,她们不仅是男性的欲望对象,同时她们本身也是欲望主体。“我奶奶”坐在出嫁的婚轿中向外偷窥轿夫们大汗淋漓的裸背,专注的眼神表达出她的欲望。菊豆因为丈夫的性无能而主动投入了天青的怀抱,影片中菊豆身体的大量暴露虽然示威性地呈现出她的生命力,是一种被压抑的人性的觉醒,但难逃满足男性视觉之嫌。
《大红灯笼高高挂》则是其中最为有趣的文本,上至妻、妾,下至使女,无一不是男性的附庸、玩偶、奴隶和工具,她们的生死荣辱,完全取决于所依赖的男性的喜怒哀乐。在该影片中最引人注目的是男主人公的视觉缺席:男主人是一个不可见又无处不在的形象。男主人的视觉缺席,便成了欲望主体、欲望视域的发出者的悬置,使所有男性观众「西方和东方」成了共同的窥视者,美丽的妻妾们自然而然地成为一幅供人观赏的风景。于是,“东方式的空间、东方故事、东方佳丽共同成为西方视域中的‘奇观’,同时在“看、被看,男性、女性的经典模式中将跻身于西方文化边缘的民族文化呈现为一种自觉的‘女性’角色与姿态。”在这几部影片中,“我奶奶”、菊豆、颂莲不单是男性情欲的幻想式人物,而且被男导演打造成了一个个富于异国情调的取悦者,引诱和激发着西方男性观众本已倦怠疲沓的欣赏趣味。影片以女性的施虐、受虐情境来阐释东方的历史苦难,来迎合西方文化对东方及东方女性的预期,暗示了东方文化在西方文化面前的弱势「女性」地位。
张艺谋不厌其烦地让那些充满情欲的故事在庄稼地里、四合院中、染房内一遍又一遍地重演,而且越来越离奇。在这几部影片中,几位年轻的女性都能觅得一个年轻男子作为性伴侣,来帮助她们摆脱家长们的控制。张艺谋将这种对情欲力量的展现作为女性的性解放来颂扬,似乎只有用到处释放本能爱欲的女性才能表达反封建的意识,这显然是以男性的性别角色去理解女性,为女人下定义,实际上是男性对热衷情欲而鲜亮活泛的女性伴侣的幻想。男性导演用一种适合男性需求的叙事方式去表达所谓的“女性意识”和“反封建意识”,不由让人想起“此地无银三百两”之类的老话。
二、大地母亲型「招娣」
除了大量的情欲型女性之外,张艺谋还塑造了一些传统的贤妻良母角色,《我的父亲母亲》中的招娣便是典型的代表。《我的父亲母亲》讲述的是一个发生在50年代的,表面上看来纯真而美好的爱情故事:城市青年骆长余来到一个小山村教书,美丽纯真的农村姑娘招娣对他产生了无限崇敬的仰慕之情,进而发展到对他的痴恋。影片中的“父亲”虽然缺乏具体的存在,却传达出一种强烈的男权意识强势群体「城市男性」毫不费劲地征服了弱势群体「农村女性」。从精神层面上说,有知识有文化的骆长余是一个精神上的拯救者,没有读过书的招娣则是一个被拯救者,拯救者的权威经由女性的弱而被衬托得益发伟大,因此这里的两性结合实际上是一种交换:一方面提供慈母般的关爱,一方面提供精神上的光辉指引。在男性霸权笼罩下,女性依然是“第二性”「西蒙娜·德·波伏娃语」。
影片中的招娣仿佛是为爱而生的,她的爱情被表现得单纯、热烈并无私。然而我们在这种看似淡雅的爱情中看到的只是一种单向式的对朗朗书声的追逐。而非一种平等的思想交流,“母亲”对“父亲”读书声的迷恋成了爱情的唯一理由。电影大部分时间是招娣在山间、在田野奔跑、追逐的画面,这也是影片中最美的画面,“父亲”毫无付出的收获和“母亲”向“父亲”的主动奔跑消解了爱情的平等,招娣的爱还可以说是一种本能的母爱式的无私给予,她的一切都是以。父亲”为主体自身为客体的。在那样一个清冷的冬天,“母亲”除了在路上奔跑,就是在家中做饺子、烙饼给“父亲”吃,与男性的精神富有相比,女性能提供的帮助仅限于物质,食物成了女性给男性提供的最高奖赏。张艺谋在爱情的幌子下将“男主外,女主内”的传统家庭模式塑造得温暖而感人。
影片的结尾更是意味深长,当年老的母亲听到儿子像当年的父亲一样教孩子们读书时,儿子和丈夫的身影在她眼中叠现。毫无疑问,儿子成了父亲权力的继承者。母亲的回忆使叙事表层以母亲为主角,而儿子的叙述则显现了男性中心的深层意味。
从以上的符号分析可以看出,《我的父亲母亲》再次使女性成为“被看”,成为男性权力的一种浪漫表达。招娣其实是作为男性社会中的一个理想女性来塑造的,尤其是对于城市男性而言。她有着自然清新靓丽的容貌,温柔多情,对文明十分向往又没有受现代文明的污染,对爱人有着天真的执著,这一切轻易地打动了观众,以此也说明了社会对女性客体化的普遍认同。
三、偏执型「秋菊、魏敏芝」
和以往作品中发生在过去、虚构的故事不同,《秋菊打官司》发生在现实社会,以纪录的方式拍摄而成,具有极强的真实感,许多论者认为该片真实地反映了一个贫困山区的当代农村少妇对社会的抗争。而笔者认为,正因为该片采用的是纪实的拍摄手法,因此片中秋菊的形象塑造可以说是对当代农村妇女的一种变相的丑化。首先,秋菊执拗地要“讨个说法”的出发点,与其说是为了维护人的尊严还不如说是因为村长蹋到了她丈夫的“要命处”。她不仅担心丈夫的身体,更担心的是男人从此丧失了生育能力,而自己肚子里怀的不知是男是女。一种“断子绝孙”的恐惧使她产生出无穷的力量,几乎出于生存的本能去挽救自己的命运。而当她终于生了一个儿子后,她如释重负,生存的危机消失了,对村长的仇恨也马上烟消云散,但此时她的官司却赢了。影片中最后的镜头是秋菊的脸部大特写,反映出她慌张、内疚的心理。抱着这种深刻的“传宗接代”的封建思想去“讨个说法”,到底是对男权社会的抗争还是对男权社会的臣服,还值得我们深思。其次,秋菊的造型丑陋不堪,她那走路时不自然的摆动、僵硬的上身、难看的八字步,臃肿且肮脏的棉衣,无不夸张,笔者不由得怀疑当代农村的年青妇女是否真的就是这种惨不忍睹的样子。
《一个都不能少》是张艺谋继《秋菊打官司》之后的又一部写实风格的影片,但《一》一片的纪实比《秋》片更为彻底,其中主人公魏敏芝的性格比起秋菊更是有过之而无不及。魏敏芝除了坚定执行“一个都不能少”的理想之外,对待她所管辖的学生似乎并没有什么爱心,她的语气和态度,处理学生纠纷的方式都十分简单粗暴。尤其是看到她对告状的同学说“我怎么管?”,推搡学生,强迫学生捐款等情节,我总觉得这实在不是一个可爱的女孩形象。她追汽车的情节和后来的章子怡如出一辙,而在电视台门口死磨硬缠不过是秋菊打官司的翻版。她们都是为一个偏执的念头驱动的机器。
更令人惊讶的是,这两部本应是反映沉重主题的影片都采用了轻喜剧的叙事风格,我们不无遗憾地看到,戏里戏外的三个男人「男导演、男角色、男观众」带着满心的优越感高高在上地欣赏着女人们的苦苦抗争。
四、道具型「飞雪、如月、小妹」
2002年张艺谋新世纪的第一部宏片巨著新作《英雄》轰轰烈烈上映,它讲述的是一个围绕着三男二女而发生的刺秦故事,女主角是两个符号化的人物飞雪、如月,分别由东方美女的代言人——张曼玉和章子怡扮演,东方文化的意蕴,东方人审美的标准,你在她们身上绝对可以找到,这无疑体现了一种借助美女效应的商业预谋。本质上来说这仍是一部“英雄+美女”的电影,其中的女性不但没有改变“绿叶”的身份,更成了导演手中的道具。
影片中的飞雪造型典雅艳丽、飘逸如仙、风情万种。但她的性格矜持冷傲,嫉妒心很强,更突出的是她目光短浅且自私自利,一心只想刺杀秦王为父报仇,只明白“家为天下”,至始至终无法体会残剑心中“天下为家”的雄心壮志。飞雪虽为一个武艺超群的杀手,但与至情至理、胸怀天下的残剑相比,充其量只是一个美丽但“头发长见识短”、不能成就大业、眼里只有“家”的小女人,她的存在不仅是为了满足男性的欲望视线,也是为了衬托残剑的大英雄气概,满足男性的“英雄”情节。
而章子怡扮演的如月,更是一个可有可无的道具式人物。如月是一个弱者,在任何一个版本的故事中她都是以哭泣结束的,她还是一个剑奴,始终忠心耿耿地服侍着并一直无私地崇拜着主人残剑,她没有自己的世界、自己的思想,她唯一的人生准则就是“主人说的话,一定有道理”。如月在剧中的存在仅仅是为了构成一个老套的三角恋爱模式,她最精彩的出场是挥舞双刀大战飞雪,两个情敌为残剑而在胡杨林里的那场决斗,打得是那么飘逸、优美,金黄色的树叶与两位美女红色的衣裙搭配出明亮夺目的色彩,让人难以忘怀。但是如果我们删除那段武打,整个故事的剧情和结构竟没有丝毫的损害与不连贯。飞雪和如月的设置纯粹是为了满足男性的虚荣心:一个出身名门、与自己心心相印的红颜知己,一个为自己甘愿舍命的美丽奴隶,构成了两个为自己而狂战的美丽女人。如此看来,飞雪和如月并不是张导眼中的“英雄”,她们只是“英雄”的陪衬,是导演手中用以博取男性观众欢心的道具。
到了2004年的《十面埋伏》,我们不无遗憾地看到,张艺谋继承着他的男性霸权主义。《十面埋伏》讲述了两个捕快和一个倾国倾城的盲歌伎之间的感情纠葛。剧中由章子怡饰演的小妹在满山遍野的花海中像一只鸟儿一样做飞舞状,与情人用轻功踩踏着花瓣竞相追逐,还多次在花丛中与情人有一番激情戏。而留给我最深的印象是她那露了N次的白生生的肩膀,章子怡做到了舍身为戏,无数次地牺牲了她的肩膀让观众欣赏。但也同时让人匪夷所思的是,这露肩膀到底代表着什么,导演到底要给我们一种什么样的暗示?最夺人眼球的那场跳舞击鼓的场景,没有阶级,没有文化启蒙,就是纯粹让观众享受视觉的快乐。片中的四段激情戏更是让观众看得目瞪口呆,不管是与金捕头的那种心甘情愿的缠绵,还是与刘捕头的有些勉强的激情戏中,小妹那自我陶醉的神情令在场的男性观众叹为观止。《十面埋伏》整个就成了小妹一个人的戏,她的一切举动部成为男性眼中的美妙风景,女性被看的地位一步一步地加深。
从《红高粱》的狂野到《大红灯笼高高挂》的压抑,从《秋菊打官司》的偷拍到《一个都不能少》的纯纪实镜头,再到《英雄》的东方式英雄童话到《十面埋伏》的乌克兰风情,无论是表现当代苦难,还是表现古代的神奇,都是为了给中国男人和西方人看,为了适合西方人对中国的想像和中国男人对女人的想像。这使得张艺谋电影中的女性扮演了双重的“他者”身份:中国男性观众眼中的“他者”和西方观众眼中的“他者”。女性成为张艺谋主题抒发的出口,却是一个不争的事实。张艺谋强调女性的独立意识,却让女性在更大的社会规范里或无力而作,或心悦诚服地被湮灭掉,他的影片中的女性形象无一不是在完成一桩游戏。
“在大部分的电影里,对于女性形象的塑造要么是性别特征过度崇拜从而成为虚假抽空了的女性‘性’角色,要么就是完全没有性别意识,彻底融化在男性经验里的女性角色。”当前以张艺谋为代表的众多男性导演则更多地受到男权中心意识的浸染和熏陶,往往不自觉地绕回到男权中心意识的控制之下,对女性形象、心理的刻画显得批判不足,未能免去男性具有的拯救心态和理想目光。电影银幕上叙述的基本上都是男尊女卑、英雄救美等阳刚美德,女性角色不是贤慧的就是风骚的,大多数情况下的女性角色只是为男性作陪衬。女人总是被拒绝,被囚禁,被命名,被放逐,被拯救,被剥夺了话语权,女性想要摆脱“被看”的角色命运还有很长的路要走。