艺术设计中的绘画基础教学的浅议

第一篇：艺术设计中的绘画基础教学的浅议

艺术设计中的绘画基础教学的浅议

陈立君

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摘要：正确处理传统绘画基础和艺术设计基础教学的关系,强调艺术设计绘画基础教学的目的性。在艺术设计的绘画基础教学中,注重学生的创造性思维和创新能力的培养,运用恰当的评价方法,培养学生的学习兴趣,使学科发展更规范、更完善,为社会培养更多更优秀的艺术设计人才。关键词：艺术设计;绘画基础;教学;评价

近年来，随着我国经济社会的高速发展，人民的生活水平不断提高,人们对审美的要求越来越高，艺术设计类人才越来越受到市场的青睐。高校的艺术设计专业成为热门专业。与之相适应，各层次高校争相开设艺术设计类专业。但是，通过实际的教育教学和对在校的以及已经毕业的艺术设计类学生进行的调查了解，我们发现，综合设计素质不高、设计作品缺少底蕴、创作理念漂浮无根等问题普遍存在。比如在实际的创作或设计中，比较容易找到要表现的形式感或者色彩表现，但是对作品的内涵深度缺少挖掘，缺少文化底蕴等等。究其原因，一是很多艺术设计类学生在进入高校前基本文化素质就相对较低，对一些底蕴深厚的传统文化没有很深的感知和认识；二是当前高校艺术设计类专业的教育教学内容和课程设置仍以现代的、西方的绘画、设计、创作等为主，而对一些提高基本文化素质、提升传统文化底蕴的课程或者教育内容重视不够，甚至根本就没有。因此，笔者呼吁，应在高校艺术设计类专业中，大力开展传统绘画课程的教学。

一、传统绘画之于现代艺术设计的作用和意义

中国传统绘画从古至今，历经千年，其笔墨、意境、造型、构图等独具一格，其艺术魅力对现代艺术设计有着很强的借鉴、吸收作用。实际上，在许多成功的现代艺术设计作品中，都可以找到传统绘画的影子，不论是平面设计、环境设计、园林设计还是建 1

筑设计，我们从中都能体会到中国传统绘画艺术的巨大影响。要提升设计人才的内涵和素质，中国传统绘画课程的教学就应该成为艺术设计专业在校教育的重要内容。

1．进行传统绘画教学，能提高艺术设计类学生的艺术基本素质 当前，艺术类专业学生在高考前很大一部分是为了应试而进行的强化训练，带有一定的程式性。我国艺术高考科目现在多是以西方传统绘画基础科目——素描和色彩为主，文化课录取分数又偏低，造成考生对传统文化和艺术的不重视。高等院校录取的学生对民族传统文化和艺术知之甚少，必定影响其设计专业的学习和作品的创作。比如，为了让学生了解徐渭绘画作品淋漓酣畅、大胆创新的风格，介绍徐渭的绘画风格和他的个性人格是分不开的，学生们不知道徐渭，那应该对徐文长这个名字应该熟悉吧，在高中课本上有一篇关于他故事的文言文《徐文长传》，没想到居然没一个学生知道！很多学生对传统绘画的造型手段等基本知识一无所知，对传统文化艺术的了解缺失非常严重。因此，通过在艺术设计专业开设与传统绘画相关的课程，通过对传统绘画以及相关的文化、艺术知识的掌握，可以加强和提高学生对传统文化包括传统绘画艺术的了解和认识，使学生懂得传统绘画的“天人合一”的哲学观和“形神兼备”的传统美学思想，具备传统艺术的基本素质，为进一步的设计专业的学习打下基础。

2．加强传统绘画教学，可以使学生的设计作品更具有生命力 在全球化的今天，东西方艺术文化交流已经十分紧密，东西方的绘画也互相包容、高度融合。在全国美展上，我们经常可以看到油画展区的有些作品虽然用的还是油画颜料，但是采用传统绘画的宣纸或者构图等；而在中国画展区的传统绘画又经常能看到一些作品虽然是采用传统绘画的工具或材料，但是在色彩或画面构成上又汲取了西方绘画的养分。在设计领域，现代的高科技材料和技法，已经使东西方在设计领域的探讨趋于一个层面。在这样的大背景下，如果我们的设计作品没有民族文化的底蕴，没有民族特色，就只能跟在西方设计的后面亦步亦趋。而设计作品加入民族元素，作品就有了“魂”，更具有特色和生命力。“艺术设计专业的中国画教学，正是要使学生感悟传统民族文化的审美内涵，将其融入到现

代思维之中，从而形成具有中华民族特色的设计风格。”

3．提高传统绘画素质，能增加艺术设计创作的丰富性和多元性多元化是现代艺术百花齐放、风格各异的一种趋势。艺术设计的表现手法应该是多元化，不仅要汲取西方艺术的精髓、民间剪纸艺术、书法艺术等，还要吸收传统绘画的精华。中国传统绘画源远流长、博大精深，其“气韵生动”的神韵和“意造境生”的审美情趣都可以为现代艺术设计提供不竭的灵感源泉。“中国画从写生、写意、意象创造到追求气韵风韵有着一套完整的程序和灵境，而这些也正是现代美术和设计创作所要遵循的创作原则。”［2］［1］如现代画家、美术教育家林风眠，把西方现代绘画与中国传统绘画的水墨境界相结合，画面构图一般是正方形而且没有标题，热烈的色彩融于水墨之中，笔墨放纵、遒劲，韵味优美，特点鲜明。在现代艺术设计中，加入传统绘画的元素，必定会增加作品的丰富性和多元性，进一步提升作品的内涵和底蕴。

4.了解传统绘画特点，对运用现代科技手段进行设计创作有极大帮助现代艺术设计通常使用电脑软件等高科技手段进行创作，不仅需要表现素描效果、油画效果、水彩效果等，有时还需要表现传统绘画中的水墨、线条效果。为了适应社会的需求，当前很多高校都开设了图形图像制作等专业的非艺术生，他们之前没有美术基础，进校后学会使用一些绘图软件，但是在进行设计创作时，软件是熟悉了，因为没有美术基础，在画面的构图、布局、疏密、浓淡、色彩等方面根本不知道如何经营。如果有传统绘画的基础，同时又熟悉绘图软件，那么只要能看懂的画面，基本也能在电脑上表现出来。因此，在实际的教学中，更应该加强传统绘画知识的传授，只有懂得传统绘画的作画程序、步骤和表现的意境效果等，才能在电脑设计中学会如何构图，如何布局，如何渲染，才能达到理想的表现效果。

二、在艺术设计类专业进行传统绘画教学应把握的几个问题

各类高校开设的艺术设计类专业层次不同，方向各异，培养目标也有不同的要求。在艺术设计类专业进行传统绘画教学，要根据专业培养目标,制定合理的教学计划,确定

合适的教学内容，运用灵活的教学方法，使学生通过中国传统绘画课程的学习，增加传统文化艺术修养，使设计出的作品更具民族特色和文化内涵。

1.把传统绘画课程纳入整个专业的教学体系之中，科学制定教学计划当前院校艺术设计类专业的课程设置中，很多不能体现对传统绘画课程的足够重视。即使是开设了传统绘画课程的学校，由于大多处于摸索阶段，传统绘画课程的设置安排也不尽科学，与其他专业课程缺乏沟通，课程之间缺乏内在联系和融会贯通，各种知识点、技能训练之间是孤立的、断裂的，导致传统绘画课程不能很好的为设计专业的学习提供依托和帮助。因此，在制定设计专业的教学计划时，要将传统绘画课程作为重要的基础专业课程而不是可有可无的公共课程，纳入到整个专业的教学体系之中，分类分型科学合理地和各类专业课程相结合。专业教师之间要保持沟通联系，互通有无，寻找课程之间的最佳结合点，保持教学目标的一致性，共同为提高学生专业艺术素质服务。

2.注重与专业相联系，合理安排教学内容在艺术设计类专业开设传统绘画课程，不能将传统的教学内容生搬硬套过来，不考虑艺术设计专业的特点，按照国画专业的教学思路来安排教学内容，这样势必导致学生觉得现在所学的内容和自己的专业没有联系，提不起兴趣。比如在教学中，如果只一味地讲授线条的美感、形式感、力度、弹性，学生就会感到太抽象、空洞，如果能把往届学生的手绘效果图拿出来结合分析，了解原来这个线条就是他们以后专业课要用到的线条，这样学生就会比较专心主动地去分析学习。

3.按照不同专业层次，合理选择教材和教辅资料传统绘画课程在绘画类专业中的设置已经比较成熟，教材和教辅资料比较丰富而且成体系。但是在艺术设计类专业中开设的传统绘画课程，除了面临课时相对较少、时间相对不足之外，合适的教材和教辅资料也相对匮乏。绘画专业课教材内容多，专业性强，而艺术设计类作为基础课的传统绘画教材需要具有一定的综合性和多样性，既能让学生掌握传统绘画基本知识和技能，又能开拓学生视野，扩大学生的知识面。在教辅资料信息配置方面也要满足不同专业层次的学生职业发展需要，避免在教学中因循守旧，忽视学生的创新精神和个性化的发展。因此，在摸索阶段，教师就需要花更多的精力，合理选择现有的或自编教材，为艺术设计类专业学生提供更多科学的、合适的传统绘画课程的教学资料。

4.根据具体专业特点，运用合适的教学方法设计类专业和绘画类专业由于专业定位和办学方向不同，在教学内容和课程设置上有差别，在具体的教学方法上也应该有区别。绘画类专业的传统绘画教学一般以临摹经典名画为主，通过大量的临摹掌握笔墨、造型形式与意境、构图等之后才有写生创作。而在艺术设计专业中的传统绘画教学，就不能仅仅是笔墨、技法的学习和训练，更应该注重寻找现代艺术设计和传统绘画的共同结合点，在讲授理论、赏析作品时，内容不能太枯燥和深奥，时间不能太长，否则学生容易失去兴趣，赏析的作品要有代表性，并结合具体专业联系分析；在进行实践练习时，要由浅入深，循序渐进，并突出专业特点，为专业创作打基础、储能量。

总之，中国传统绘画是最具中国人文特色的艺术形式之一，它那独特的笔墨技法、精妙的构图布局和以情达意、情景融合的气韵意境对现代艺术设计都有着重要的指导作用和借鉴意义。无论从现代艺术设计本身的专业发展还是从弘扬传统文化的角度，我们都应该重视传统绘画课程的教学。当然，传统也需要创新，“如果脱离传统之路，势必迷失前进的方向，但若一味沉迷于传统之中，在现代设计中单纯地强调传统、依赖传统，［3］而无新鲜血液输入，将会导致传统艺术发展的停滞。”在具体的教学之中，我还需要不

断地摸索，寻找传统与现代的最佳结合点，为现代艺术设计专业的人才培养探索出更好更科学的方法和途径。

第二篇：艺术设计基础试卷

艺术设计基础试卷

第一部分选择题(共10分)

一、单项选择题

1．被认为是西方设计美学思想鼻祖的是公元前5世纪的思想家（B）A．柏拉图 B．苏格拉底 C．毕达哥拉斯D．阿里斯多德

2．艺术设计和技术设计的主要区别在于有无（A）A．审美观赏意义 B．审美创造意义 C．审美教育意义 D．审美社会意义

3．艺术设计的审美性质所遵循的美的规律是（D）A．艺术与技术相统一 B．功能与形式相统一 C．真和美相统一 D．真和善相统一

4．引导设计的决定性因素是（B）A．时尚 B．功能 C．消费 D．经济

5．构成艺术设计审美接受的前提是具有一定的（D）A．选择倾向 B．心理定势 C．审美知觉 D．认知经验

6．国际主义建筑设计的里程碑是1958年米斯和他人合作设计的（C）A．洛克菲勒大厦 B．时代广场 C．西格莱姆大厦 D．联合国大厦

7．服饰具有多重功能，处于第一位的是（C）A．时尚功能 B．审美功能 C．实用功能 D．礼仪功能

8．装潢设计中视觉传达的主要元素有色彩、文字以及（A）A．图形 B．肌理 C．材料 D．工艺

9．大画家倪瓒参与设计与改造的苏州园林是（C）A．沧浪亭 B．随园 C．狮子林 D．拙政园

10．形成设计师个人风格的决定因素是（A）

A．设计师的精神世界和创造才能 B．时代因素 C．民族因素 D．地域因素

三、名词解释（本大题共4小题，每题5分，共20分）

31．同构：利用物象之间视觉形式和所指含义上的相似，把两种不同的物象联接成为一个新的完整概念。

32．产品设计的宜人性：所设计和制造的产品的造型、结构、外观形象必须是为人们易于而且乐于接受和认同，与人的生理、心理特性相适宜，使人感到舒适、愉悦。

33．高技派：高技派的设计强调工业技术特征，强调透明、半透明的空间效果，喜欢以透明的玻璃、半透明的金属网、格子分割空间，形成室内层层叠叠的空间效果。20世纪后期，高技派随着科技的不断发展而发展起来。它的设计特点是内部构造外翻，显示出内部构造和管道线路，无论是内立面还是外立面，都把本应隐藏起来的结构构造显露出来，强调工业技术特征。巴黎的蓬皮杜国家艺术与文化中心(彩图10)是典型的高技派作品。在室内设计中采用透明的玻璃、半透明的金属网、格子等来分隔空间。形成室内层层叠叠的空间效果。室内的局部或管道常常涂上红、绿、黄、蓝等鲜艳的颜色，用以丰富空间效果，增加室内的现代感。

34．包豪斯：包豪斯为德语“建筑之家”(Bauhaus)的音译，是世界上第一所培养设计师、建筑师、工艺技师和画家的新型设计学院，由德国工业联盟的主要成员沃尔特．格罗皮乌斯于1919年合并魏玛工艺美术学校和魏玛美术学院创立。包豪斯是20世纪初西方科技进步、经济高涨的产物，也是自工艺美术运动、新艺术运动和德国工业联盟以来优秀设计思想发展的结果。它的出现，标志着艺术设计在工业社会作为一门学科的确立。

格罗皮乌斯在学院成立之初发表著名的《包豪斯宣言》，提出了现代主义设计的纲领．宣称建筑“是视觉艺术的最终目标”，建筑家、雕塑家和画家们都应该转向应用艺术，号召艺术家与工艺技师结合起来，建立一个新的设计家组织，实现艺术与技术、审美与实用的新统一，“创造出一幢将建筑、雕塑和绘画结合成三位一体的新的未来殿堂，并用千百万艺术工作者的双手将之矗立在云霄高处，变成为一种新的信念的鲜明标志”。

包豪斯集中了一批优秀的前卫艺术家、设计师，实行新的设计教育思想和教学方针。一是艺术教育与技术教育相结合，使学生具有审美和技术的双重才能：二是从现代工业设计的需要出发，开设了如平面构成、立体构成、色彩构成等设计基础课程，加强基础训练；三是教室与车间结合，理论修养和动手能力并重；四是提倡自由创造，在社会生产实践中培养设计创新能力。包豪斯实行的艺术教育与工业生产、基础训练和技艺实践相结合的教学体系．对欧美各国的设计教育起了很大的作用。包豪斯于1933年被纳粹关闭．但在短短的14年中造就了一批现代设计艺术家，师生们创作了许多不同凡响的现代设计杰作，形成了所谓的“包豪斯学派”，在现代设计史上留下了浓墨重彩的一页。包豪斯认为建筑是各门艺术的综合，由包豪斯发起的现代主义设计运动最初就是从建筑设计发展起来的，而后波及到产品设计、平面设计、装潢设计等其他领域。

第一，现代建筑设计要与新的工业时代相适应。

第二，强调功能美，形式服从功能。

第三，艺术和技术统一，技术决定艺术。

第四，体现人文关怀，具有丰富的人性内涵。

第五，摒弃表面外加的繁琐的建筑装饰，以简洁、明快为外部特征，使建筑造型成为几何形体的抽象组合。米斯提出“少即是多”的著名的美学命题。第六，主张人文建筑与自然环境统一，从人一建筑一环境的大系统中对建筑设计进行审美创造。

四、简答题（本大题共5小题，每题8分，共40分）

35．简述功能美的经济性。

主要包括两方面内容。第一个内容是设计师必须考虑的经济核算问题，包括材料费、生产成本、产品价格、运输、贮藏、展示、推销等费用。以最小的成本获得最适用、优质、美观的设计，是艺术设计功能美的重要标志之一。

功能美的经济性具有相对的时代性。

艺术设计应当关注大多数人的需求，这是现代设计区别于“沙龙艺术”的一个重要特征。即使是豪华型产品设计，也有一个降低成本和消费者接受能力的问题，更何况人类社会的发展还远未达到富裕得可以“暴殄天物”的程度。

功能美的经济性所包含的第二个内容是简洁性。即用最简洁的设计语言或最简单的操作技术达到最佳设计和使用效果。简洁是美的因素之一，也是现代艺术设计功能美的经济性的重要内容。简洁是建立在紧凑、严格和秩序性基础上的，包括用色、用料、造型变化和使用中的以少见多、简洁明了、方便易学等内容，这是艺术设计发展的总趋势。

36．简述艺术设计风格与艺术风格的异同。

艺术设计风格与艺术风格既有关联，又有着明显的区别。

同艺术风格一样，艺术设计风格是不同的时代思潮和地域特质透过创造的构思和表现，而逐渐发展成的具有代表性的形态特征。因此，艺术设计每一种典型风格的形成，莫不与当时、当地的自然和人文条件息息相关。其中尤与民族特性、社会制度、生活方式、文化潮流、风俗习惯、宗教信仰、气候物产等因素的关系为密切。每一时期、每一地域，艺术设计的风格与纯艺术的风格往往比较一致。同时，各种不同文明的相互影响，也会促使某种定型风格产生相当程度的变化，甚或进而演变成为另一种新的艺术设计风格。

人类文明的演进本是一种绵延不绝的连续发展，任何新文化的孕育和成长，无不直接导源于古文明的启发，或者间接受到旧传统的影响。

艺术创作(雕塑或者手工艺设计制作)都深受人文主义思想和宗教改革运动的影响，都以现实主义的手法和浪漫主义的幻想，表现出同样理想的场景。

如同传统手工艺风格与传统艺术风格有着密切关系一样，现代艺术设计的风格也与同时代的各种艺术风格有着密切的关系。

现代主义时期，在绘画和雕塑领域出现了一些现代艺术流派，它们直接影响到了现代主义设计的风格。

然而，艺术设计风格与艺术风格毕竟有着很大的差别。

由于艺术设计的目的不同于纯粹的艺术创作。因此在风格上也表现出不同于纯艺术创作的一些特点。在纯艺术中，功能不是风格结构中的最重要的因素；而在艺术设计中，功能则占据了最重要的地位。

因为艺术设计的目标是创造具有实用价值的各种物品，与大众生活有更密切的关系，所以它一方面与民族特性、社会制度、生活方式、文化潮流、风俗习惯、宗教信仰、气候物产等因素的关系更为密切，另一方面，它在风格表现上也受到一些限制，不可能像纯艺术创作那样自由。

艺术设计也因此发展出一些纯艺术创作中没有的独特风格，比如高技派。

37．简述对比和调和的关系。

对比可借相互烘托陪衬求得变化，调和则借彼此之间的协调和连续性以求得统一。没有对比会产生单调，而过分强调对比以致失去连续性又会造成杂乱。只有把二者巧妙地结合起来，才能达到“不齐之齐”、“乱中见整”，于整齐中见变化，于秩序中见秩序。

38．简述现代主义建筑设计的美学主张和特征。

第一，现代建筑设计要与新的工业时代相适应。第二，强调功能美，形式服从功能。第三，艺术和技术统一，技术决定艺术。第四，体现人文关怀，具有丰富的人性内涵。

第五，摒弃表面外加的繁琐的建筑装饰，以简洁、明快为外部特征，使建筑造型成为几何形体的抽象组合。米斯提出“少即是多”的著名的美学命题。

第六，主张人文建筑与自然环境统一，从人一建筑一环境的大系统中对建筑设计进行审美创造。

39．简述企业视觉识别系统设计在展会中应用的基本表现形式。

①以烘托企业标志、标识字为主题的展示是商品展示会中企业识别系统设计最基本的一种表现形式。它是以企业标志、标识字作为企业识别系统的主要设计要素．任何其他的设计要素都必须服从于这两个并居于辅助的位置．起到“绿叶衬红花”的效果。这种表现方式直接简洁、主题鲜明突出。

②以企业标志或企业造型为主题的立体塑造表现形式。它是以企业标志或企业造型为主要的设计要素，将其用立体造型的手段艺术性地表现出来，并占据主要位置，突出醒目，从而强化企业形象对于受众的视觉冲击力。这种表现形式的运用，需要对整体展示空间的把握，注意整体主次关系在设计因素上的对比与调和，在制作材料的选择上也应注意企业标志或企业造型形象与所要使用材质结合的相容性以及材质与结构组合的合理性。

③以企业标准色为主题进行氛围营造的表现形式。它是用企业标准色作为展示设计的主色调，对于主题的视觉传达进行全方位的烘托。色彩对于人类具有生理、心理等多方面的影响，设计者正是利用色彩对于消费者这些特殊作用而设定了具有特殊语义与特质的企业标准色彩．以达到企业经营策略的最终目标。另外，现代商品展示设计中还普遍利用现代化的光电技术，将自然光源与人造光源有机地融为一体，使展示空间的色彩为企业展示主题增添了无穷的魅力。

④以企业识别系统的内涵延展性为主题的意境创造。它是以企业识别系统的综合因素为创作素材，通过调研、理解、联想、想象与幻想的创意过程，充分表达出企业识别的特质。这种创意形式．在构思过程中首先应注重对企业识别的内涵与延展性的深刻理解．然后在主题定位上应准确地体现其文化内涵，即通过对特定的展示内容、造型和色彩等要素的设计表现，以适应不同性别、年龄、民族、文化、职业和国度的受众的心理与精神上的需要。

五、论述题（本大题共1小题，10分）

40．谈谈你对“艺术设计是绿色工业”这个观点的认识，指出中国的艺术设计目前所面临的问题，借鉴欧、美、日等设计发达国家的发展经验，你认为出路在哪里，请提出合理及具体的建议。

绿色工业是一种可持续发展、以人为本、以科技为先、高效、节能环保、低污染、资源循环利用、产业内部可循环利用资源，产业与产业之间可循环利用资源，实现对资源的梯级开发利用的工业体系。

艺术设计是绿色工业，其实质是艺术设计是绿色设计。

什么是绿色设计

绿色设计(Green Design)也称为生态设计(Ecological Design)，环境设计(Design for Environment)等。虽然叫法不同，内涵却是一致的，其基本思想是：在设计阶段就将环境因素和预防污染的措施纳入产品设计之中，将环境性能作为产品的设计目标和出发点，力求使产品对环境的影响为最小。对工业设计而言，绿色设计的核心是“3R”，即Reduce,Recycle,Reuse,不仅要减少物质和能源的消耗，减少有害物质的排放，而且要使产品及零部件能够方便的分类回收并再生循环或重新利用。

绿色设计的内容

绿色设计的主要内容包括：绿色产品设计的材料选择与管理；产品的可拆卸性设计；产品的可回收性设计。

1）绿色产品设计的材料选择与管理。一方面，不能把含有有害成分与无害成分的材料混放在一起；另一方面，对于达到寿命周期的产品，有用部分要充分回收利用，不可用部分要用一定的工艺方法进行处理，使其对环境的影响降到最低

2）产品的可回收性设计。综合考虑材料的回收可能性，回收价值的大小，回收的处理方法等

3）产品的可拆卸性设计。设计师要使所设计的结构易于拆卸，维护方便，并在产品报废后能够重新回收利用。

除此之外，还有绿色产品的成本分析，绿色产品设计数据库等。

绿色设计的方法

1）模块化设计。对一定范围内的不同功能或相同功能不同性能，不同规格的产品进行功能分析的基础上，划分并设计出一系列功能模块，通过模块的选择和组合可以构成不同的产品，满足不同的需求。

模块化设计既可以很好的解决产品品种规格，产品设计制造周期和生产成本之间的矛盾，又可为产品的快速更新换代，提高产品的质量，方便维修，有利于产品废弃后的拆卸，回收，为增强产品的竞争力提供必要条件。

2）循环设计。循环设计既是回收设计（Design for Recovering &Recycling)，就是实现广义回收所采用的手段或方法，即在进行产品设计时，充分考虑产品零部件及材料的回收的可能性，回收价值的大小，回收处理方法，回收处理结构工艺性等与回收有关的一系列问题，以达到零部件及材料资源和能源的充分有效利用，环境污染最小的一种设计的思想和方法。

除此之外，还有组合设计，可拆卸设计，绿色包装设计等等，其基本的内涵也是大致如上所述。

尽管绿色设计并不十分注意美学表现或狭义的设计语言，但绿色设计强调尽量减少无谓的材料消耗，重视再生材料使用的原则在产品的外观上也有所体现。在绿色设计中，“小就是美”，“少就是多”具有了新的含义。从20世纪80年代开始，一种追求极端简单的设计流派，讲产品的造型化简到极致，这就是所谓的“简约主义”（Minimalism）

绿色设计在现代化的今天，不仅仅是一句时髦的口号，而是切切实实关系到每一个人的切身利益的事。这对子孙后代，对整个人类社会的贡献和影响都将是不可估量的

第三篇：绘画基础心得体会

绘画基础心得体会（素描）

石家庄学院 2011级历史文化系人文教育专业 赵秋芳

时间如白驹过隙，转眼间，十六周看似短暂却很漫长，看似无味却很充实的绘画基础课结束了。回想起在这一段时间的学习，感慨颇多„„

前段时间我参观了学校美术系的作品展览，在展览现场，有很多当场画的作品，这些作品十分的优秀，令我无比羡慕，心里一直有个想拿笔画画的想法，所以在报选修课的时候，毫不犹豫地选择了绘画基础。

说实话，心里既高兴又担忧。高兴的是可以学到绘画基础了。担忧的是我从来没有拿笔画过画，对于绘画一窍不通，也没有丝毫的绘画功底；我本人也是属于笨笨型的人，对于知识理解、接受的比较慢；

选修的第一节课迎来了我们和蔼可亲的崔老师，值得幸运的是，崔老师不同于其他选修课老师，她特别希望我们能学到些东西，不浪费宝贵的十六周课。崔老师是一位教学经验十分丰富的老师，她有信心也有能力将我们这些对绘画知之甚少的孩子们培养出来，在她的指导下，我们逐渐恢复了自信。

素描作为一门绘画基础课，以质感、明暗调子、空间感、虚实处理等方面为重点，研究造型的基本规律，画面以视觉艺术效果为主要目的。崔老师在遵循这些基本规律的基础上，以个人的独特的绘画技巧让我们尝试了从未体验过的画法。这种富有强烈层次感的绘画技巧让我们尤为赞叹。

学习的过程是艰苦的，当其他同学在所选的课程逃课的时候，我们却想着不能错过一节课，那种渴望学习心情是其他选修课学生无法体会到的。在严寒的冬天的晚上，我们抱着画板从宿舍走到四号教学楼，在空旷的路上，大多是绘画基础课的战友„„然后乖乖地围着雕像画画，一画就是一两个小时，画的入神了，忘记了咕咕叫的肚子，顾不了上厕所„„虽然自己画的很不好，经常被老师点号，可是我很能理解老师的苦心，那是颗恨铁不成钢的心，那颗心父母也有的心。那么冷的天，她没有拉下一节课；我们画画的时候，她围着我们不停地转，仔细地发现我们的错误，并及时一一地点出纠正。在她喉咙疼痛难忍的情况下，她仍然不停地指出我们的错误，崔老师严谨的教学作风和认真工作的态度深深地打动了我„„

德加说：“素描画的不是形体，而是对形体的观察”。崔老师正是本着这样的理念对我们进行超越造型的表现。所以我觉得在这短短的十六周里，我的素描有了一次飞跃式的进步。学会了用眼用脑来画画。并且能把这种表现方法运用到我以后的绘画中。

短短的几十课时的素描训练结束了，看着自己一张张的作品，感到了许久都未体验到的成就，让我对绘画不再有所畏惧，最后一课，崔老师的话让我懂了很多：我们对绘画的学习与探索是无止境的„„

在此特别感谢为我们辛苦苦付出的崔琳琳老师，并真诚地道一声：老师，您辛苦了！

第四篇：浅论在绘画教学中如何起稿

浅论在绘画教学中如何起稿

摘要：绘画与文学是相通的。学习绘画可以提高我们整体而全面地观察事物的能力，准确而主观地表现事物，提高我们眼、脑与手的协调发展。而绘画的第一步就是起稿。在起稿前，要明确绘画的主题和结构。起稿阶段要处理抽象与具象、概括和细节、选择和舍弃的关系。起稿阶段既要严谨又要松弛。物色尽而情有余，不画僵、画死，做到这样，可谓“草创鸿笔”。

关键词：绘画教学；文学；相通

中图分类号：G632.0 文献标识码：A 文章编号：1992-7711（2016）12-0027

绘画与文学是相通的。学习绘画可以提高我们整体而全面地观察事物的能力，准确而主观地表现事物，提高我们眼、脑与手的协调发展。而绘画的第一步就是起稿。

起稿指开始的草稿。在《物色黑白》一书中曾写到：“凡思绪初发，辞采苦杂；心非权衡，势必轻重。是以草创鸿笔，先标三准：履端于始，则设情以位体；举正于中，?t酌事以取类；归余于终，则措辞以举要。然后舒华布实，献替节文；绳墨以外，美材既故能首尾圆合，条贯统序。”在绘画教学中的如何起稿亦称之为如何构图，从内心思考（创作者）和画面表现（欣赏者）做以下浅论：

一、在起稿前要明确绘画的主题和结构

主题是什么？所要表现的重点、次重点和非重点，进而分出重中之重。创作者起稿时只有把握住以上说的几点之外，在以后的刻画中才会围绕这个重点而进行。这个清晰的等级安排就相当于“设情”。例如，在高一素描静物写生训练中，学生下笔之前就需要考虑，面前的静物是什么样子的？教师的教学要求是什么等。根据不同的教学目标，学生起稿前的构思就有了重点之分。对于他们的画面也有了一定想法的情境设置。同时，也就知道了哪是重点、次重点和非重点。主题是通过结构来体现的。任何形都有自己的特征和个性，在大小、长短、曲直、方圆的对比中展现着自己形状的个性。这就是正确的思维方式，从整体出发，由大的比例，大的体面转折到局部、到具体，用相互比较的观察方法驾驭整体。

二、起稿阶段要处理抽象与具象，概括和细节，选择和舍弃的关系

直白点就是处理大的关系、大的比例、大的体面关系的转折，这是酌事取类中酌的第一步。不管是静物是石膏像是真人头像还是速写等都要求各部分的比例关系要准确，形态倾向要明确。在一定光线下所呈现的黑白虚实既要层次鲜明又要井然有序，这就是大关系。例如：创作者起稿落幅时，物体在画中的定位就包含了以下几点：1.教师摆放物体时具有的视觉引导作用。这可以让学生很快地在画面上构建出具有暗示性的视觉移动路线的图。2.以上方法不仅适用于高中美术教育静物写生，也适用于人物写生。所要画的对象是人物，就要考虑到人物的心理方向性，即人物目光所示的方向。人物目光凝视的方向在视觉上有很大的份量，因而可以占据画面很大一部分空间。3.制定目光移动路径。在一组静物写生中可以把同类的东西或相似的物体摆在一组，自然而然这些物体相互吸引，欣赏者的视线也会随着这些物体从近处感受到远处，而且每个物体形象之间都有一定的遮挡关系和适当的空间关系，这样很好地起到了引申空间的作用。

三、起稿阶段往往是对这些精彩之处的经营

用严谨、生动的手法抓具有特征的造型元素。这涉及一个主动和被动的问题。是创作者抓重点，而不是被重点束缚住。例如，一组写生的绘画，学生在选好角度以后观察静物台，确定这张作品的精彩之处在哪？方法有二：1.从教师摆放的物品的绘画主题入手。教师往往在一个画室中应人数的多少摆不同种类的绘画题材，有水果类、蔬菜类、文具类、食品类、花卉类等，那重点一般在画幅的中景与近景。2.根据自己的喜好寻找可以表现的精彩之处。面对教师摆放的非常规类型的静物来说，学生就必须根据自己的喜好，在自己喜欢的角度来选定精彩之处。可见，经营精彩之处取决于绘画者的观察和内心活动。这是一个主观的思维活动，是主动的不是被动的。起稿阶段既要严谨又要松弛；严谨是关系特征点的严谨，尽量做到一步到位。松弛是细节的捕捉，要留有余地，要做到辞已尽而势有余。物色尽而情有余，不画僵、画死，做到这样，可谓“草创鸿笔”。面对学生起稿时对特征的把握是一个具有难度的训练。首先需要绘画者有一双鹰一样的眼睛。学生对特征的把握会让形体特征更形象化。特征既不能太过夸张，跃出形象的范畴，产生变形的感觉，又不能对特征的把握稍显不足，这会使看画的人对事物的特征感受不明显，也就失去了绘画的意义。这就需要我们具有严谨的态度对待绘画的每一个环节。

但是，画面太过于严谨，难免会显得僵、死，因此还需要松弛。白话一点就是对所有的细节不要面面俱到。一组好的画面既有重心点，引人入胜的地方也需要有概括的部分。松弛的概括不等于模糊。许多学生容易把这一概念混淆。在概括中也要有形体的转折与变化。只不过它们的对比要弱化、要含蓄。

由此可见，起稿就是绘画者的构思与落幅。他的这一落无不遵循构图的规则：利用视觉元素给人以平衡或均势的感觉；所有相似元素的重现与布置给人以和谐而有序的心里；重复描绘的元素为目光创造了一种可追随的阶石；视觉元素要流动起来，给人以韵律感；视觉元素的和谐中介入变化性、多样性以及灵活性。线条的不同，色彩浓度的不同，颜色的不同，形状的不同，质地的不同以及方向性的不同等；创造出焦点；考虑一个构图元素与另一个构图元素的对比关系；要为了整体而牺牲一些细节；要注重整体性。同时，起稿也考虑更多的是欣赏者对画面用心的赏识点，被我们前期的设情位体、酌事取类、措辞举要掌控住了多少。

总而言之，许多艺术大师为构图手法的实践应用创造了大量优秀的典范作品。这些范例体现了构图规则在不同对象物体中的不同应用方式。

（作者单位：山西省晋中市职业中专学校 030600）

第五篇：艺术设计基础素描教学论文

【摘要】我国高校艺术设计专业中基础素描教学方式的探索与改革，拓展了这一基础学科的训练手段，同时教学理念得到了修正，成效是显著的。笔者以为均衡地发展是艺术设计基础素描教学应该坚持的方向。

【关键词】素描教学；教学思路；教学理念；教学模式；形象思维；创新思维；形式感

我国高校艺术设计专业中基础素描教学方式的探索与改革实践，始于上世纪九十年代．此项实践包括了试验性的课堂实践与学术和教材上的探索．在此过程中同仁们反思以往的教学思路、教学模式与教学手段．吸取国外艺术院校的成功经验与做法，很多方面重新定位，重新构建。从起步到目前为止时间虽然不算太长，但从多方渠道了解到的教学现状、教学效果以及社会实践的反响来看成效是显著的。

据本人在教学中所接触到的教材．教学参考以及浏览各类相关出版物．经粗略的统计与归纳．我个人认为到目前为止其中三款艺术设计素描教学专著基本上可作为我国高校艺术设计基础教学改革，教材教参整编修正的两个阶段的代表。

首先是前期阶段对艺术设计基础素描教学较早着手改革的当推中国美术学院的王守中和许江二位教授．他们于2000年编写出版了《从素描走向设计》这一专著，他们大胆创新，锐意进取，打破传统的绘画专业基础素描教学的陈规旧俗约束，变更 教学的内容与表现手段，以崭新的教学理念来组织教学，注意开启培养学生的创意思维潜能，很大程度上变再现性的观察与表现为发现性、创意性的观察与表现，注重物象的生长、物理及物质以及形式结构的表现。最为独到的是他们在基础素描中安排了联想性、发现性的训练来培养学生的发散思维能力，是为日后他们能够逐渐具备随机应变的“化腐朽为神奇”、“点石成金”的联想创意表现才能。相比之下传统绘画专业的基础素描训练，由于强调的是整体的再现，重技巧、重宏观，能够引发灵感生成的细微之处却被视而不见，是王守中与许江的《从素描走向设计》唤醒了人们的审美意识．让毫不起眼的废弃之物、腐朽之物也能“重然生命之火”．被他们注入新的形式、内涵要素的素描让人耳FI一新。此专著面世后在学术界反响较大，对于我国高校艺术设计专业基础素描教学体系的重新构建，起到了较好的引领示范作用。对于艺术设计专业学生及艺术设计人员造型能力与审美素质的提高也是功不可没的。他们所推介的造型理念与训练手段融入基础素描的训练中，使得之前的基础素描教学与艺术设计相互脱节的不合理状况得到了改善，促使基础素描教学提早与设计实行了一定程度的对接。

在后期阶段，北京服装学院的安佳教授根据多年来该院设计基础素描教学实践所积累的经验成果，于二00三年编写出《素描基础》这本现已被不少艺术院校设计专业作为教材、教参的专著。在教学的观念上他认为素描是造型的基础，通过训练主要培养学生的观察能力与塑造能力；其次是培养学生的艺术修养和审美能力，用艺术的创意的眼光观察体会自然；再其次因为训练被注入艺术设计更为密切的内容，以认识对象为途经、以协调专业为目的，拓宽学生的创造能力，提高造型艺术的综合设计能力。在素描教学实践与课程的建构上他将设计素描教学分为三个阶段，第 一阶段为结构素描的训练，用以培养学生透过现象看本质的观察方法，提高对物象的认知能力；第二阶段为凋子素描训练，用以培养学生深入细致观察与表现A然物象的能力：

第三阶段为构想素描的训练，用以培养学生从观象生意到改象寓意，再到造象表意的创意表达能力。其在课程设置的原理、原则、要点、要领上各阶段分别给予了精辟的阐述，深入浅出简明扼要。尤其是专著中各种表现手段的制作方法与设想一并且可以充分说明，通俗易懂 加之配以师生们大量的习作作为佐证，可算图文并茂。总体来讲三个阶段的教学状况是稳健推进的。在造型基础能力与创意构想能力的发展上．可以讲能够做到均衡发展。后期阶段另由苏州学院李涵教授和苏州大学刘咏清教授合作编写的《设计素描》于2005年被苏州大学出版社列入现代艺术设计基础教程系列教材出版。此专著在先前各类设计专业基础素描论著的基础上再次创新。在课程的构成上划分为四个阶段：第一阶段为客观写实再现，可分为结构表现、材质精细表现与快速表现；第二阶段为形体构想阶段，其中分为装饰造型、抽象造型和意象化造型；第三阶段为空闻创构阶段，其中又分为图地互换同、平面虚幻，时空的混淆，多维意念空间的创构：第四阶段为设计素描创意表现阶段，其中又分为创意思维、创意原则、创意表现。课程区分更为细化，系统化了，可操作性很强。该专著作者将设计与基础素描的训练极为紧密的相互结合、相互包容，溯本求源，将世界艺术设计最权威的德国包豪斯艺术学院的教学理念、设计理念与我国的艺术设计基础素描教学巧妙的联系起来，实现了更深层次的对接，让素描走进了设计。至于插图与习作当然了是十分丰富精彩的，手法多变，尤其是创意表现的作品许多十分新颖别致，此专著出版后．立刻被不少艺术院校选定为教材、教参，并为不少设计工作者所喜爱。

以上三款设计素描专著是众多设计素描专著中代表，本人认为各具特色，各有所长，具有不可替代性。它们和其它的设计素描教材专著拓展了这一基础学科的训练手段，丰富了广大学子们的表现才能，教学的理念得到修正与完善，僵化的单一教学模式得以改善，为这门学科的良性发展，为提高我国艺术设计专业学生以及设计师素质水平、专业技能作出了较大的贡献。从历年各高校艺术设计专业学生的相关作品以及社会艺术设计水平不断得以提升便可证明成效显著。当下设计类素描教材与专著为数不少，本人认为均衡地发展是我国艺术设计素描教学应该坚持的方向。以上列举的三种类型不妨可以结合加以吸取其各自所长，传统的苏式素描教学体系也有其不可替代的优点所在。不走极端，不偏废、排斥，和谐均衡对待我们的教学我想是有益的。

五十年代全盘苏化，不论绘画与设计只认一个模式，文革中只重视政治13号式的而否定形式主义，否定现代构成手法等做法都是不妥的。因为无论是纯绘画艺术还是设计艺术．其本来面貌就应该是千姿百态包罗万象的，而作为造型基础的基础素描训练．其理念手法自然了应该是极其广泛的，具象性的，抽象性的，意象性的，再现性的，发现性的，创造性的等各种手段均应该有所涉及才是。

由于认知

所限，疏漏偏颇错误之处还望同行们赐教。

【参考文献】

[1]安佳素描基础一北京：北京工艺美术出版社．2003年．

[2]李涵、刘咏清．设计素描．苏州：苏州大学出版社．2005年。