第一篇:谈声乐演唱中钢琴伴奏的配合论文
在声乐演唱中,钢琴为其伴奏是一种常见的艺术形式,钢琴伴奏是整个歌唱艺术里不可或缺的一个组成部分。声乐演唱和钢琴伴奏在风格情绪,艺术细节的处理,还有他们的表演境界完全统一一致的,两者在统一,和谐的配合下,才能取得整个表演的成功。要做到如此完整的配合,也就需要对钢琴伴奏者和声乐演唱具有一定的要求,钢琴伴奏者要具有扎实的演奏技能,要能够深入的了解作品所要表达的内涵,而声乐演唱者也要有具有基本的歌唱唱技巧的表现能力,能够掌握住整首作品的精髓,表达的情感。所以,一首完整的声乐表演,要靠两个人的共同努力和相互配合,才能达到一个琴瑟共鸣的境界。钢琴伴奏在声乐演唱中的作用
1.1 烘托渲染音乐作品的情绪
在声乐演唱的过程中,钢琴伴奏是不可或缺的,但是钢琴不只是单单的伴奏,更多的是与声乐作品的默契配合,深化作品表达的情感,塑造鲜活鲜明的的艺术形象,也就成为声乐演唱中不可缺少的一部分了。并且钢琴伴奏还是整首声乐作品抒情的基础,贯穿于整首声乐作品之中。为声乐演唱烘托出气氛背景,塑造声乐作品中的形象,刻画曲子中的内心情感。通过自然的演奏,把整首声乐作品的情绪和氛围带给演唱者,把演唱者带入到特定的音乐环境中去,在丰富的音乐氛围里,展开声乐作品的情感,是演唱者更加投入,深刻的表现出声乐作品的音乐艺术形象,给予观众以美的享受。
1.2 对声乐演唱者的指导
一个优秀的钢琴伴奏者在声乐发音技巧、音准、节奏、呼吸、咬字等方面给予基本的指导,并且能够在作品的风格,历史文化背景做出客观的判断,进行客观的伴奏,对演唱者也可以进行这方面的指导和帮助。如果要想整场的声乐演唱表演成为一场听觉盛宴,就要求演唱者不仅要了解整首作品表达的情感,还要掌握整首作品的风格,选择合适的演唱表演的技巧,将音乐与情感还有文学巧妙地结合在一起,融在一起。并且还需要准确的听觉,因为声乐演唱者不仅要听自己的演唱,还要听钢琴的伴奏,要从头到尾配合默契、保持如一,才能更好的深刻的表达出该声乐作品的情感内涵,以达到更好的表演效果,使其成为一场极其丰盛的听觉的视觉的盛宴。钢琴伴奏和声乐演唱的配合钢琴伴奏和声乐演唱是一种相铺相成的关系,两者缺一不可,钢琴伴奏为声乐作品的情感内涵及其风格进行演绎,给演唱者烘托了背景气氛,从而使演唱者能够更好的处理作品的情感和选择合适的技巧。
2.1 钢琴伴奏与声乐演唱者气息的配合在一首作品进行声乐演唱的过程中,每一个乐句或者在气口的地方都会进行换气,一个优秀的演唱者在换气时有着巧妙的技巧,可以把换气口处理的非常好,是整首声乐作品,让大家听起来非常的流畅,优美。这时候,钢琴伴奏一定要配合好演唱者的气息,把整首作品的高低起伏和气息的连贯性给表达出来,不能仅仅只管弹自己的,各管各的,脱离了演唱者演唱。一定要留心观察演唱者气息的规律,伴奏和声乐演唱者要多加协调配合,以达到伴奏和声乐演唱为一体的表演效果,只有钢琴伴奏和声乐演唱相互配合、共同协作、相互交融,才能做到乐句清晰、伴奏稳定、协调流畅。
2.2 钢琴伴奏与声乐演唱节奏的配合节奏是音乐的灵魂,它以一种秩序的形式存在。在伴奏和声乐演唱的过程中,根据作品的转化,钢琴伴奏也进行了相对的改变,特别是节奏方面,用节奏、音色的转变作品的情绪及风格,引导听众进入到不一样的情绪氛围中,也引导了演唱者情感,更加深刻的投入进去,为后面做好了铺垫,从而奠定了基础。在一段旋律过后,会有一个间奏,通过这个间奏进行调整,作品情绪情感的转变,演唱者也可以进行调整,酝酿一下接下来的情绪。对节奏的准确把握使作品的情感得到了升华,给大家美的享受。
2.3 钢琴伴奏和声乐演唱者音量效果的配合钢琴伴奏作为声乐演唱的合作者,对整体的效果的影响是非常大的,是显而易见的。当你为一个声乐演唱者伴奏时,一定要注意伴奏的音量和声乐演唱者的音量是否融洽。有一些演唱者是属于大号的声音,如大号的女高音,当这些大号的声音在演唱时,钢琴伴奏的音量就不要太小,要让演唱者以及听众能够听到伴奏的旋律,从而给演唱者一种带动的作用。但是如果声乐演唱者的声音比较小号,轻巧一点的,那么伴奏的声音就不要过于强烈,导致的结果是喧宾夺主,听不到演唱者的声音。在声乐作品前面的叙述部分,伴奏的声音效果也不要太强烈,到中间高潮部分或者情绪比较激动的部分,伴奏的声音效果可以放出来,音量就要突出来,烘托渲染了气氛,调动演唱者的情绪。所以,钢琴在进行伴奏的过程中,一定要注意好音量的控制,要注意与声乐演唱者的融合,这样才能更加完美的诠释整首声乐作品所要表达的情感内涵。
2.4 钢琴伴奏与其作品旋律的配合一首声乐作品都有它的叙述部分、高潮部分以及结尾部分,如果要使整场表演得到更好的效果,伴奏就要掌握了解整首歌曲的结构,要知道它的叙述部分,高潮部分等分别在哪些地方。在叙述部分,钢琴伴奏就要谈得连贯柔和通畅,当到达整首声乐作品的高潮部分就渐渐地把气势给推上来,把整首作品推向高潮,调动起演唱者的情感。在推动高潮部分的时候可以进行一些演奏技巧,比如半音阶进行,或者反向音阶的进行,或者改变和弦、色彩、或者进行琶音震音等一些手法,以加强高潮部分的情绪和氛围。例如歌曲《我和我的祖国》就运用了反向音阶进行的手法,向整首的高潮部分进行推进,提高了声乐演唱者的情绪,表现出演唱者对祖国的歌颂和热爱之情,表达了该作品中的爱国情怀,力度和气势不断的增长上升,使得其情绪高亢兴奋,激昂。结语
总之,钢琴伴奏与声乐演唱是一个有机的整体,两者是相互依存、相互配合、缺一不可。想要更好的诠释一首声乐作品,伴奏和声乐演唱必须要默契的配合,注意细节方面的处理,伴奏者和演唱者多沟通磨合,相互交融,在不断的磨合中,展现出一个更加完整,完美的艺术作品。
第二篇:石磊:谈钢琴伴奏在声乐教学中的艺术指导性石磊
谈钢琴伴奏在声乐教学中的艺术指导性
常德市鼎城区第一中学
石磊
在钢琴教育领域,无论是艺术实践的舞台还是专业课堂的钢琴教学,或是一些具有教研性质的研讨会、毕业音乐会、演唱会等等,都需要一名非常出色的钢琴伴奏,也就是我们常说的艺术指导。
一、声乐钢琴伴奏的定义与内容
声乐钢琴伴奏是为声乐服务的,是为了对富有表现的歌声进行补充与衬托,处于从属的地位。伴奏是随着音乐情绪的发展而进行的一种烘托手段,是为歌曲旋律与音乐形象的完整性而存在的一种艺术表现形式。钢琴伴奏最初是由钢琴独奏衍生出来的,如今它已成为一个独立的专业,伴奏并非是对自我的一种表现,而是与声乐演奏共同发展、互相作用,在艺术表达中具有自身的独特艺术特点。演奏者在表演中要与琴声达到水乳交融的艺术境界,那是一种自然的融合,是对音乐和艺术的烘托与支撑,只有用心去感受才能领略伴奏的独特魅力。热爱伴奏专业,并且愿意为音乐付出,是一名合格、称职的伴奏者所应具备的专业素质。
二、声乐钢琴伴奏与声乐教学的融合性
音乐院校的伴奏教师和其他专业的教学有很大的不同,由于工作压力比较大,工作时间的安排就会相对紧张。学生每周都进行两次专业课的学习。一是进行单纯的发声技巧练习,二是伴奏老师在课堂上与学生进行合伴奏实践课。在合伴奏课堂上,学生要系统灵活地运用所掌握的发声技法,并在钢琴伴奏下尽情、完美地展示歌曲。这就要求伴奏教师要认真细致地为学生进行讲解,无论是作品背景的体现,还是音准、速度、乐句、呼吸等多个方面都要进行耐心的启发式教学。
有人将声乐比作“红花”,将伴奏喻为“绿叶”,这样的形容再贴切不过了,在课堂教学中亦是如此。如果失去了伴奏的陪衬,孤立的声乐教学必定会黯然失色,只有两者共融才会更加相辅相成,教学内容也才能更加丰富多彩。曾几何时,音乐学院的学生大多认为有一副金嗓子就可以引以为豪,但是现代的教学更重要的是对音乐、乐理基础知识的培养,演唱技巧只是其中之一。正规系统地学习各方面音乐知识,对乐理知识以及每一个时期的声乐代表作品进行深入的研究,将伴奏与弹奏相互融合贯通,将知识特点与曲式结构掌握熟练,才是一个全能的、合格的、新时代的优秀音乐人才。
有些学生对乐句掌握得不好,对前奏、间奏理解得不清楚,唱歌音不准,节奏感不强,对强拍、弱拍的体现也不分明,这都是发声技术和视唱练耳掌握得不好的缘故。这些虽然是伴奏教师的职责,但只是其职责的一个部分,重要的还是要对歌曲旋律及内涵、学生的发声及呼吸等方面做进一步探讨,对歌曲的语气运用、歌词的内涵、歌曲的思想境界、音乐创作背景等方面也要进行细致的分析,使学生对音乐的理解达到更高的境界。
在学习合唱伴奏的过程中,不能只专注于自己的钢琴弹奏,而要时刻注意演唱者的情绪变化,这需要敏锐的判断和观察能力。例如演唱者由于紧张没有换好气,琴声却还弹得激情高昂,势必会影响演唱者歌唱的发挥,甚至会出现唱不动、高音失常等状况。伴奏者与歌唱者只有做到心有灵犀,才能将歌曲演绎得浑然一体,这不但需要心灵的默契,更是在课堂上千锤百炼才能真正领悟出来的真谛。
即兴伴奏是在瞬间爆发的兴致与灵感,它虽然与声乐伴奏属于一个范畴,但在内涵与意义上还是有很明显的不同之处。当一首单旋律的歌曲呈现在伴奏者面前,在有准确判断力的情况下,在短暂的时间内对主旋律的调性、伴奏、速度以及风格通过娴熟的演奏手法以伴奏音型、复调技巧、键盘和声形式,有的放矢地对歌曲主题内涵、风格形式进行选择,实际上就是即兴演奏与即兴伴奏的结合。
三、声乐钢琴伴奏的艺术指导性
艺术指导性,广义上是指对一切艺术行为具有指导意义的影响和促进的行为的特性。如今伴奏专业已经受到了越来越广泛的关注,钢琴伴奏也称艺术指导,但钢琴伴奏者和艺术指导还是有很大距离的,即使是学习了多年的钢琴伴奏并能够毕业留校,充其量也仅仅是钢琴合作者的开始,还远没有达到艺术指导的水平。钢琴伴奏者这个阶段可以把很多声乐曲目弹得非常出色,可是艺术指导所需要的内在气质与外延、内涵还需要长久的磨练。艺术指导的最基本素质是能够把钢琴伴奏技艺发挥得淋漓尽致,同时还要在音色控制、音乐色彩方面有很强的造诣,把歌唱与弹奏完美融合,天衣无缝地诠释音乐的连贯性与流畅性,这不是钢琴伴奏者一朝一夕所能做到的,需要长年累月的积累以及对艺术更深层次的理解。
有些人错误地认为声乐伴奏只是辅助,没有很大的篇幅,所以很容易完成。其实音乐伴奏需要细腻的情感才能掌握好触键的分寸,将音色控制得恰到好处,才能弹奏出好的效果,用心去模仿自然界的每一种声音,伴奏时手指会情不自禁地演奏出相仿的琴声,风声、雨声、鸟儿的鸣叫、马儿的奔跑、小溪潺潺的流水、江河呼啸的波涛……声乐伴奏不仅仅是辅助,更是锦上添花。
艺术指导需要具备很高的艺术水准,不但要掌握国内和国外众多的经典曲目,还要掌握套曲、歌剧等各种形式的音乐。在语言上最基本的是要掌握意大利语的发音,然后还要深入到俄语、德语、法语、英语等语言的学习,拥有系统的理论知识以及对多种外语的掌握,才能让羽翼得以丰满,这是一名优秀艺术指导的必经之路。
综上所述,声乐是人声的艺术,古往今来的声乐作品创造了人类宝贵的艺术财富,是人类文 化艺术宝库中的珍品。艺术的创作离不开深厚的文化底蕴与社会背景。我们要充分领悟作品中的文化内涵,培养敏锐的感知力与判断力,才能推动伴奏事业的发展,也才能够做一名优秀的艺术指导和钢琴伴奏者。
2012年12月
第三篇:钢琴伴奏织体在声乐作品中的运用
钢琴伴奏织体在声乐作品中的运用
钢琴伴奏织体是指把音乐中的多声部根据内容的需要,有机地组织起来的形式。伴奏织体的结构形式是各种各样的。依据结构的性质,可以归纳为三种类型:和声性的织体、复调性的织体和综合性的织体。
一、不同风格作品伴奏织体的运用
1.在抒情歌曲中的运用
抒情性歌曲旋律婉转深情,装饰音的运用较丰富多彩,突出旋律的风格,常用4/4和慢速来表达对事物的深情。伴奏一般采用分解和弦、琶音来强调所赞美的意境,和弦色彩性常用不带旋律的伴奏,但与主旋律紧密呼应、补充。
2.在进行曲歌曲中的运用
进行曲风格的歌曲类旋律音四、五度大跳较多,使旋律的起伏很大,强调旋律的歌颂性。这一类型的歌曲一般采用带旋律的伴奏形式,为了增强旋律所要表现的气氛,多数以重复八度和加和弦音来增加歌声的气势,低声部则以有力的进行节奏,衬托旋律的进行曲形象。
3.在舞蹈性歌曲中的运用
舞蹈性歌曲的特点主要是表现在节奏上,在歌曲中常贯穿着富有特性的节奏音型,每个小节的强拍、弱拍有规律的交替出现,强调节拍的重音,一般有2/
4、4/4拍。圆舞曲风格的有3/
4、3/
8、6/8拍子,它的旋律跳动较大,表现出活泼、欢快的情绪。在结构上方整,情绪较为热烈,速度较快,气口清晰。各民族的舞蹈风格都具有各自的特征,弹伴奏时就要抓住这些不同特点节奏规律,来进行钢琴伴奏织体的运用。
二、前奏、间奏、尾声钢琴伴奏织体的运用
在歌曲钢琴伴奏中,前奏、间奏、尾声是与歌曲本身紧密联系组成完整的艺术形象的。在一首歌曲伴奏作品中可以含前奏、间奏、尾声这三个部分,也可以包含其中之一,或者其中的两种,这几个部分运用的材料和织体形式,都要以歌曲的风格、内容和所发展的要求为根据。下面以冼星海作曲的合唱作品《黄水谣》为例,分析如下:
前奏共五个小节,采用正副三和弦交替使用,用了歌曲的第一句作为音乐材料,突出主题,旋律优美流畅,钢琴伴奏采用震音的织体,右手旋律采用八度的形式,来描绘黄河气势磅礴的壮丽景象,最后落在ⅴ级开放性的终止。
间奏共有二个部分,第一个部分是在a段收拢性结束后,间奏和弦出现降三音的变和弦和色彩变化的副三和弦,尤其运用不协和的减三和弦后,使人感到惊慌恐惧之感。伴奏织体采用切分节奏音型,带低音的和弦式织体加强力度,具有强烈的推动作用,通过间奏b段随着节奏的变换,音乐转入悲愤的控诉。
第二部分是在b段控诉了家破人亡的切肤之痛后,间奏采用了新的音乐材料,和声采纳副三和弦与正三和弦交替,伴奏织体用的是复调形式,与主旋律形成对比。
尾声是在再现a段完满终止后,尾声采用间奏第二部分的音乐材料进行变化,补充和升华了歌唱者所要表达的心情。在和弦编配上采用副三和弦连续使用,使低声部线条下行走向平稳,色彩黯淡、凄凉,尾声以完满终止而结束。
三、钢琴伴奏织体的整体运用
在进行一首完整的歌曲伴奏时,钢琴伴奏织体在布局上要根据作品的题材、风格以及曲式结构等几个方面来考虑。这是运用钢琴伴奏织体构思时的重要依据。伴奏织体的发展变化服从于内容的需要,织体运用必须能符合音乐在陈述、发展、再现时的不同特点。在陈述时织体运用要简练一些,形象要鲜明,明确调式、调性,织体结构层次不要太复杂;在音乐发展段落中,织体的变换也是随着音乐的情绪发展而加以变化,可以加强力度、改变织体形式、运用不稳定的和声等造成强烈的气氛,以达到发展的目的;最后是再现部分,具有总结的性质,再现中伴奏的织体运用一般有这样几种:一是采用完全新的形式;二是将陈述时的基本形态加以发展,比如层次增多、加强力度、厚度等,用饱满辉煌的音响使音乐结束得肯定而又气魄;三是原样的再现,稍加以补充即可。
总之,只有使钢琴伴奏织体与歌唱部分的旋律融为一体,音乐作品内容才能得到完美的表现。为此,要想运用好钢琴伴奏织体,这不是一件技术手法上的问题,也不是消极、被动地为歌曲的旋律配上和声的问题,而是要从作品的内容出发,从作品的整体结构出发,经过精心的艺术构思才能运用的好。
第四篇:声乐演唱之心得体会
目录
摘要„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„Ⅱ 关键词„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„Ⅱ 引言„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„1
一、掌握歌唱气息的正确方法„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„1
二、声乐训练中的咬字吐字„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„1
三、演唱风格„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„2
(一)、不同的国家及作品背景,音乐风格表现必然不同„„„„„„„„„3
(二)、不同的声音表现不同的作品„„„„„„„„„„„„„„„„„„3
(三)、因材施教„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„3
四、临场心理„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„4 小结„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„4 参考文献„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„5 致谢„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„5
声乐演唱之心得体会
摘 要
在声乐的学习过程中,我认为最基础的是掌握运用气息的方法;其次,语言是声乐艺术的基础,而咬字吐字有是歌唱中准确表现语言的基本功;歌曲是语言和旋律共同合作的艺术,我们的声乐学习,就是希望能运用科学的发声方法演唱歌曲,用歌声及语言的完美结合来表达出作者想要表达的意境和想要描写的人物性格,因此,把握作品的风格也是很重要的;最后就是临场的心理。本篇文章将从上述的四个方面来阐述我对学习的一些见解。
关键字
歌唱气息;咬字吐字;声乐演唱;把握风格;歌唱的临场心理
Abstract
In the vocal learning process, I think the most basic way is to master the use of breath;Secondly, the language is the basis of vocal art, and articulation there is a singing performance in a precise language basic skills;songs and melodies together in language arts, vocal music of our study is to be able to use the scientific method of singing voice with the perfect voice and language combined to express the author wants to express the mood and want to describe the personality, therefore, to grasp the style of work is also very important;Finally, there is the psychological spot.This article from the above-mentioned four aspects I am learning insights.Key words
Singing breath;Articulation;Vocal Music;Grasp the style;Singing spot psychological
引 言
随着现代经济条件的快速发展,人们对于精神的享受要求越来越高,声乐的受欢迎程度也日益增加,作为音乐学院的学生,我们应该坚持科学的方法,努力学好声乐。
一、掌握歌唱气息的正确方法
我们的声乐演唱最开始学的就是气息的训练,即运用胸腹式呼吸的训练,演唱中的呼气要保持一定的时间,因为要保持声音的位置统一,不能将气息一次吐完,否则声音就会很不稳定,从而不能使演唱者把歌曲流畅完整的表现出来呼气和吸气是很密切的两个过程,要让自己具有良好的控制气息能力,就必须在平时努力增加肺活量。
在声乐学习中我们必须基本的了解我们发声的身体器官,知道一些歌唱器官的小知识,比如:口、咽喉、鼻、头、胸腔及横膈膜等,得了解演唱时它们所处的状态。我们再演唱之前,头脑中应有一个最理想的状态,声音从哪里发出到达哪里,都应该有准备,有目的,使一张嘴就能达到预想的效果。我们在歌唱前就应该有一种高兴想唱歌的心态,不应处于被动的地步,使自己紧张的脸红脖子粗,这样就不利于气息的控制,气息是演唱的动力,而肺、横膈膜、两肋就是演唱的风箱,只有控制好这个风箱,才能使声音稳定而自然,如果身体的各个部位都没打开,就会产生思想紧张、消极,从而反向的阻止气息的运行,使声音僵硬,不自然。
另外,演唱者的听力训练也很重要,在发声之前,自身就要有准确的音高概念,就像没有发出声音但脑子已有了声音的音高和音色,这些都是要不断地磨合训练才能融合贯通,只有方法运用得当,才能有很好的学习效果。
二、声乐训练中的咬字吐字
我们的歌曲要求演唱的字正腔圆,这是声乐艺术与其他音乐形式的区别之处,本文将从咬字头、吐字腹、收字尾三大方面阐述声乐训练中咬字吐字的重要性。声乐是通过语言来表达歌曲内容的,我们生活中的乐器能够通过演奏技术及技巧来表达作者的感情起伏,但是却没有办法完整的具体的语言内容,而声乐不但能通过演唱者的表演唱出作者想说的话,而且还加入了演唱者对歌词的感情理解,使文字与声音感情完美结合,使作者和演唱者的感情表达更为丰富,这就能让我们与听众产生共鸣和交流,因此,清晰准确的歌唱是听众听懂歌词内容并且与演唱者产生情感上的共鸣和交流的关键,所以,咬字吐字在歌唱中具有十分重要的意义,不能学会咬字吐字,歌词与旋律就不能很好的联系起来,艺术形象也就得不到完美的表现。
我国传统的歌唱理论根据汉字发音的三个特点归纳为“出声”“引腹”“归韵”的咬字过程。“出声”部分主要由21个声母,也称字头。“引腹”部分就是延长发响的韵母,也叫字腹。“归韵”指字音的收尾。我们可以把发音过程分为三个要点:咬字头、吐字腹、收字尾。
1、咬字头:我们在演唱字头时要收拢,咬字要重。俗话说的好“咬字千金重,听者自动容”,就是强调字头咬字用力的要求和声音效果。使“出字”有力,追求声音的爆发力。如“问”(W,就得双唇收拢);“几”(J,舌尖与上腭贴近)。这些口腔关闭或接近关闭然后爆发出来的音往往时间不长,却很有力量。所以说,字正是基础,要“正”,就要施巧劲,从而让参与字头发音的口腔肌肉准确灵活地调动。
2、吐字腹:歌唱语言 中的字腹是声音位置的基础,这与我们平时的说话发音有着很大区别。歌唱声音主要就是由各个韵母连贯而成的,声音是不是圆润,主要取决于韵母发音的准确、连贯、流畅与否。同时,字腹又是歌唱中音色丰富变化的基础。字腹要松开扩充,吐音要圆。如“我”字中的o,“江”字中的a,“渡”字中的u,这个阶段发出的是音节中的唯一的元音,如“普”字中的u,都必须使用圆吐,才能使声音字正腔圆。字腹发音的口腔动作要求放松,尽可能让气流在口腔内自由流动,演长发音时间,使声音自然流畅的推向字尾。
3、收字尾:字尾是字音消失前的收尾阶段,是完成字音、决定字意正确表达的重要部分。这是歌词音乐美的基础。如“爱”字的i,“江”字的ng,就是字尾,跟组成字头的音素一样,字尾都是口腔收拢至完全关闭或接近关闭而发出的音素,字尾收韵要轻,要求把稳定成型的字腹轻巧柔和地收到尾音上来,使字音有个纯正、完整的结束。字尾的时值要比字腹短暂得多,力量也比字头松弛轻柔得多。具体的做法是,当字音在字尾上结束时,气流稍减弱,音量稍收小,肌肉稍放松,为下一个字头的有力喷弹而积蓄力量。
我们日常生活中的说话习惯,在一定程度上影响甚至决定着歌唱者的读字。因此,好的读字本身就是一项声音训练的联系,我们在教学的时候必须教导学生怎样首先去朗读歌词,捕捉口语的感觉,并把全部注意力集中在歌词的含义上,才能精细准确的表达一首歌曲。正如莎士比亚所说:“好的说话就已经获得了一半好的歌唱。”千百年来,我国历代音乐家对歌唱的咬字吐字,无不提出严格要求。如明代魏良辅在《曲律》中提出:“曲有三绝,字清为一绝;腔纯为二绝;板正为三绝。”这里的“绝”是指唱歌的技巧,他将“字清”列于三绝之首,可见咬字吐字的重要性。因此,我们在歌唱中应该认真学习,掌握扎实的吐字咬字方法,成就歌唱发生的基础。
三、演唱风格
歌唱艺术是文字语言与音乐旋律有机结合的产物,一般地讲,就是用科学的发声方法唱出嘹亮的歌声,又用音乐化的文字语言生动的塑造乐曲中的人物形象,描绘其意境,从而表达其思想感情的一门艺术,因此,作品的风格把握也是很重要的一门学科。
(一)、不同的国家及作品背景,音乐风格的表现必然不同
在歌曲演唱中,我们要对声乐作品的风格进行分析和表现,联系当时社会的时代特征及作曲背景,对作品进行研究,特别是演唱者在演唱作品的时候,不能所有的歌曲不论时代和背景,千篇一律的用相同的声音,相同的表现手法,相同的情感来演唱,要研究不同时代不同作曲家作品的差异,这就是我们所说的作品风格。例如在我国的音乐中,时代的特点相当明确,如延安时期的声乐作品,表达受压迫而想改变命运的歌曲较多,如《黄水谣》;而改革开放以来,声乐创作出现了前所未有的繁荣景象,作品的风格和创作方法可谓是百花齐放,这个时候的歌曲,往往想表达的是一种处于发展和前进的时代特征,例如《走进新时代》等,也有表达对祖国的无限热爱及歌颂,如《我爱你中国》之类的,往往要唱出思想上的激动,也有表现细腻情感的,风情小故事,如《大森林的早晨》之类的精美小歌,演唱时就要求演唱者的情感细腻,自然。
(二)、不同的声音表现不同的作品
我们的声乐教学要学会对作品进行风格分析,用什么样的声音表现什么样的作品,如意大利的热情,德国的严谨,法国的浪漫,中国的自然。这些都应在作品中得以体现,我们在演唱意大利的歌曲时,如果声音在处理方面显得严谨,这就有点过了,我们的演唱情感是由内而外的,不同的声音诠释不同的音乐风格,个人演唱的风格加上自身的生理结构,才能完美的演绎作品。个人声音的差异在中国的民歌上的表现更为明显,如民歌《茉莉花》,不同的人演唱就有不同的风格,宋祖英在维也纳音乐演唱会上的完美诠释,使这首歌曲的声音演唱的最到位,令人百听不厌。因此,演唱的特点因人而异,各不相同,有人喜欢本嗓而显得自然,有人喜欢滑音而独具特色,总之,我们在学习中不要盲目的去模仿,演唱风格要因人因作品而定。
(三)、因材施教
我们师范学校音乐学的学生是将来社会的音乐教师,首先我们要教习学生掌握比较正确地歌唱方法,但是,也不能急于求成,其次,在教学中不能急于求成,不能超出学生的能力,我们首先要了解学生的歌唱生理条件,因人而异的选择适合自己的歌曲。山西民歌经彭丽媛的演唱,使地方特色更为明显;而阿宝的陕北民歌,更是让人耳目一亮,只听他的声音就能把人带到陕北高原。因此,我们应在学习中多听,多看,多学,多唱,不能一味的模仿,而应找到自己的风格。
四、临场心理
歌唱心理是指与歌唱有关的行为和精神活动及其相互作用的总和,而表现最大的就是怯场。心理学说:“因各种原因造成的情绪紧张只是原来已形成的熟练动作、书籍了的材料不能重新回忆叫做怯场”。而往往我们见到的情况就是演出前很多人讲“我好紧张„„”这就是怯场心理。
怯场在音乐表演中的主要表现如下:
1、脑子空白,注意力分散;
2、心跳加快,呼吸紧促,发抖,嗓子干渴,随之声音发抖,音高走调,节奏不稳,脸红心跳,甚至晕倒。
而造成怯场的原因有很多,基本如下:
1、技能不熟而引起心理压力;
2、思想负担过重;
3、自信心不足;
4、临场经验不足。
无论什么原因引起怯场,都会影响学生的发挥,我们必须做好全部准备,才能克服怯场心理,具体方法如下:
1、勤学苦练,因此才能“艺高人胆大”;
2、克服害怕失败的心理,音乐是一门遗憾的艺术,一经出错则无法弥补,但我们应保持良好心态,努力演好后面的部分;
3、增强自信心,上台前可找个安静的地方,暗示自己一定行,或者告诉自己说“我叫不紧张”,增加自信,必能事半功倍;
4、积累舞台经验,树立坚忍不拔的意志力,我们可以在演出前登台走台,缓解内心的压力,并且养成“败不馁”的精神,则一定会克服怯场,走向成功。
小 结
演唱表演比较复杂,每前进一步,都要付出更大的努力,我们必须掌握科学的演唱方法,学习咬字吐字的好习惯,把握作品的演唱风格,克服怯场心理,才能在声乐的学习上取得更大的进步。
参考文献
【1】 张凯,《音乐心理》,西南师范大学出版社2001第192页 【1】 马俊芳,《声乐理论基础》第一章,河南大学出版2004 【2】 宋承宪,歌唱咬字训练与十三辙【M】北京中央民族大学出版社,1998 【3】 薛良,歌唱的艺术【M】中国文联出版公司,1998
第五篇:论文刚浅谈声乐作品的演唱方法
高等教育自学考试本科
毕业论文(音乐教育)
题目:浅谈声乐作品《一杯美酒》 的演唱方法
专 业: 音乐教育 学生姓名: 准考证号: 指导教师:
2016年月日
目 录
内容摘要....................................................................................................................................1 序言............................................................................................................................................1
一、了解作者和作品的背景....................................................................................................1
二、结合歌词及旋律体会作品的表达情感............................................................................2
三、解读作品的风格特点........................................................................................................3
四、找到自己合适的调............................................................................................................3
五、掌握节拍强弱的律动感....................................................................................................3
六、练声....................................................................................................................................4
七、情感的处理........................................................................................................................4
八、结语....................................................................................................................................4 参考文献....................................................................................................................................5
浅谈声乐作品《一杯美酒》的演唱方法
内容摘要:《一杯美酒》是众多新疆民歌中的代表作品,不论是在旋律的发展还是节奏的律动,都展现出新疆民歌的特色面貌。本文通过对这首民歌的作品分析和演唱分析,对这首经典新疆民歌进行深入分析,进一步加深对作品的理解,从作品出发,向新疆音乐文化进展,学习地域的音乐文化。在理论性的分析基础上为演唱乐曲提供了乐曲理论基础,使得演唱有理论可依据,让表达更科学。
关键词:新疆民歌 一杯美酒 作品分析 演唱分析
序言:只有真正地理解了歌曲的内涵,才能用真心去抒发,才能唱出感动人心的歌声。歌曲的词、曲作家以高度艺术概括手法,将内容与形式完美地结合在一起。有了深刻的理解后,就在我们心中形成了丰富的音乐形象。为此,我们在演绎这首作品时就应有一种豪迈的气势,演唱过程中要唱出黄河的雄伟壮观。使歌唱者进入歌唱的意境当中,描绘出黄河的壮美、宏伟之情。当这种景象画面进入演唱者头脑之后,这部听众耳熟能详的作品也就通过演唱焕发出新的光彩。
一、了解作者和作品的背景
冼星海(1905.6.13-1945.10.30),男,祖籍广东番禺,出生于澳门,中国近代著名作曲家、钢琴家,有“人民音乐家”之称。1926年入北京大学音乐传习所,1928年进上海国立音专学习音乐。1929年去巴黎勤工俭学,师从著名提琴家帕尼·奥别多菲尔和著名作曲家保罗·杜卡斯。1935年回国后,积极参加抗日救亡运动。1938年赴延安,后担任鲁迅艺术学院音乐系主任。1939年6月,加入中国共产党。1945年10月因劳累和营养不良,他的肺病日益严重,最后冼星海病逝于莫斯科。光未然,男,(1913—2002),原名张光年,中国古典文学,如诗经、楚辞、古代文论、文字学等,并潜心研究戏剧、音乐,阅读了大量外国文学名著和社会科学方面的著作。他创作了组诗《黄河大合唱》《五月的鲜花》《屈原》等诗作;在身患多种病痛的晚年,他关心青年作家的创作,并完成了厚重的古典文学研究成果《骈体语译文心雕龙》,之后由上海书店出版社出版,实现了他40年的心愿。2002年光未然在完成了《张光年文集》的编审工作后,于2002年1月28日在北京辞世。
1935年冼星海毕业回国痛感民族危亡的深重,深知民众的苦痛。在民族危亡的严重关头,他站在民族斗争的前例。他确信中国共产党才是中华民族的中流砥柱,他加入了中国共产党。为了民族解放,“为抗战发出怒吼”,他纵笔谱写歌曲。1939年他去看望病床上的青年诗人光未然,听其朗诵《黄河吟》听其讲述黄河呼啸奔腾的壮丽景象遂荡其共鸣,乐思如潮。创作一星期,半月之内又完成了该作品八个乐章及伴奏音乐的全部乐谱。写就了这一时代的中华民族的音乐史诗。
二、结合歌词及旋律体会作品的表达情感
例如作品第一段,要求情感宽广,演唱中要注意,速度稍慢、舒展、宽广、平稳。这一乐段声音总体要求要唱的舒缓、流畅,但又不失磅礴的气势,歌唱者联想、伸人自己身临其境,感情真挚。乐句“掀起万丈狂澜”,中的“掀起”两字用力冲击唱出,形成一个小高潮,随即,声音可以弱一些。乐句“劈成南北两面”中的“劈成南北”这四个字,要“硬”咬字,强调顿挫。还有“两面”中的“两”拖腔注意渐慢,并先渐强,然后再渐慢,最后以肯定的口气进入“面”字[1]。
第二乐段,总体情感要求要,热情的、稍快。这一段要唱的稍快一些,激动一些,热情一些;一直唱到“多少英雄儿女”。从乐句“你是伟大坚强!........”从这里开始要一改前面的感情的宽广,舒缓的风格,而要唱的坚定有力,更有弹性,更有力量、更具有朗诵性,犹如歌剧中的宣叙调的唱法。
第三乐段的前五小节要唱的像第一乐段那样,宽广、舒缓些,但要更加宽广壮阔、雄伟有力。从乐句“向南北两岸......”开始要唱的强有力,有弹性,速度也要加快,表示一种决心。从乐句“像你一样的伟大坚强!......”开始,要速度放慢,节奏拉宽,一字一顿,唱的坚定有力、气势磅礴。最后“坚强”两字,“坚”字,一音一顿,在高音“re”上延长后强收,换气后强咬唱出“强”字,然后渐强至强收,更有一种神圣不可侵犯的精神威力[2]。
三、解读作品的风格特点
《黄河颂》是一首颂诗,着眼于“歌颂”,在结构上与组诗第一章《黄河船夫曲》是紧密相承的。《黄河颂》开篇明确“歌颂黄河”的主题,展示了黄河的伟大坚强。
热情激昂的音乐旋律男声独唱歌曲《黄河颂》是《黄河大合唱》中的第二乐章(主体乐章),曲调壮丽庄严,抒情优美;它以中国民间音调和五声调式为基础,与西洋大小调式自然结合,具有鲜明的时代气息和浓厚的民族特色。歌曲通过对黄河形象的描述和对黄河历史的回顾,歌颂了黄河孕育我们中华民族,创造灿烂文化和文明古国的博大胸怀,是一首充满豪放激情、磅礴大气和感情深厚的史诗性的颂歌。
《黄河颂》诗人采用象征的手法表面上歌颂黄河,实际上是歌颂我们的民族,激励中华儿女像黄河一样“伟大坚强”,以英雄的气概和坚强的决心保卫黄河,保卫中国。《黄河颂》,是黄河的颂歌,是时代的颂歌,是中华民族的颂歌,是中华民族生生不息、坚忍不拔、永往直前的颂歌。
四、找到自己合适的调
依据作品分析,此曲为D大调,根据自己平时的练声音域,可以为C调或者降B等,但是切记上升和下降不能超过小三度,音乐的本身特色,一般歌曲上下达到小三度的话容易导致失去原创歌曲的味道和情感以及创作初衷,尤其像这种著名的大作品更是要把握好,所以要适时的找到并确定适合自己的调。建议男低音用降B调,男中音用C调,男高用E调。
五、掌握节拍强弱的律动感
节奏是音乐的支柱、乐感的核心,只有保持音乐节奏等速稳定,灵敏地适应随节奏变化,才能在演唱中表现出很强的乐感[3]。例如唱到“金涛澎湃”的四拍时值,尽可能作一点渐强,在“掀起万丈狂澜”的“掀”字上唱出一个明显的强音力点,这样能够表现出心潮澎湃的气概。整个乐句一口气唱完与“我站在”三个字之后吸气的演唱效果显然是不同的。我们在唱这一首作品时,不能像绷紧的弦一样,每个音都很强,每拍都很重。只要基本保持开始的速度,把节奏中的强拍,要唱出律动性,歌词中的重点字突出唱来,就达到演唱要求了。
六、练声
我拿自己为参考,我用C大调演唱,此曲的最高音为小字二组的e,最低音至小字一组的c。再根据歌词发现有许多开口音,那么,先练三度的“啊”开口音,然后再练五度音阶开口音“啊”,再练三度“昂”母音,再练五度“昂”母音。因为作品需求以及学习的需要,哼鸣和跳音是必练的,再可根据自己擅长及喜爱的练声方法,反复科学的练习[4]。
七、情感的处理
《黄河颂》这首歌曲整体上是在比较强的声音力度上抒情。要唱出“赞”“颂”的语气,从关键的词、短语式的句、呼告语以及层意来把握。不管歌词多么令人激动,歌终究是歌,声音的歌唱性是演唱好歌曲的最基本的保证。根据壮丽、宏伟的歌曲特点,演唱时要气息稳健、声音舒展、音值饱满。最高音“mi”出现了9次,“啊,黄河!”重复了3次,演唱时处理得不好会絮烦平淡,使乐曲失去光彩。演唱者应注意每个“啊”都不一样,重点要放在第3个“啊”上。开头第一句出现的高音“mi”一定不能用全力去唱,这样才能有“后劲”,才能在后面将音乐推向高潮,产生感人的效果。在全面理解和分析了作品之后,反复地将这些要领默记心中,熟练掌握,在舞台上就能够全身心地投入艺术再现[5]。
八、结语
通过这一首声乐作品,我们要学到的不止是简单的会唱这首歌,更重要的是,了解作品背景,通过背景结合词曲解读此作品的高深的情感。通过作品的情感,升华自己内心的爱国情感。参考文献:
[1] 周小燕.《声乐基础》.上海音乐出版社,1990年 [2] 赵梅伯.《歌唱的艺术》.上海音乐出版社,2001年 [3] 沈湘.《沈湘声乐教学艺术》.上海音乐出版社,1998年
[4] 金铁霖.《金铁霖其民族声乐教学艺术》.中国音乐学院出版社,2004年 [5] 赵梅博.《歌唱的艺术》.上海音乐出版社,1997年,11月