中外舞剧欣赏论文 感想建议

第一篇：中外舞剧欣赏论文 感想建议

自《燃烧地板》舞蹈团诞生之日开始，它便开始了其全球巡演的历程。时至今日，《燃烧地板》创造了在全球大获成功的神话：在纽约电台城音乐厅的演出让《纽约时报》感慨这台节目“彻头彻尾令人叹服”；移师伦敦皇家阿尔伯特大厅又使《伦敦每日电讯》断言“它将长期成为全球的热门演出”。此后不久，加拿大的《全国邮报》把该剧的多伦多之行概括为“绝对热辣！” 《燃烧地板》已经成为国际舞台上最酷、最热辣、最性感、最轰动、最具有观赏性和戏剧性的舞蹈佳作。

编排:《燃烧地板》中我们能够看到优雅的华尔兹、激情的恰恰、桑巴、充满异国情调的伦巴、跳脚、爵士、摇摆、热情的佛拉明戈、清新飘渺的踢踏舞等国外各类风格的舞蹈。演员们粗犷奔放的表演，配以性感大胆的服饰造型，令人意想不到的创意风格、激情洋溢的音乐以及令人如痴如醉的视觉和音响效果。现场演出的火辣和轰动令观众情不自禁在座位上乃至走廊中翩翩起舞，与舞台上融为一体

内容:在总长近两个半小时的演出中，全剧集优雅的华尔兹、激情的恰恰和桑巴、充满异国情调的伦巴跳脚和爵士、热情的佛拉明戈、清新飘渺的踢踏舞等舞蹈之大乘；除了这些国标舞种之外，该剧还包含了摇滚、曼波、萨尔萨、林蒂跳步、吉特巴格等各国的民间舞和舞厅舞，以及在西方剧场舞蹈中的主流舞种——芭蕾和现代舞，都融合在其中，由此创造了一个古今同辉、雅俗共赏的舞蹈大荟萃。在即将来京的《燃烧地板》“金属版”中，这些舞种被巧妙地穿插在意大利威尼斯假面舞会、西班牙斗牛舞曲、美国水兵舞、法国红磨坊盛装舞等变化多端的舞会情景之中。音乐包含了上世纪30年代的爵士乐、布鲁斯、摇滚乐以及时下最为流行的电子音乐，配合不同舞种与氛围而变换

表现力: 感受最深的是：原来拉丁舞的表现力如此丰富！从拉丁舞最早的快步舞和狐步舞的高贵典雅，到恰恰、伦巴的欢快，再到桑巴与牛仔的奔放„„每个舞种都代表不同的情感宣泄。《燃烧的地板》的胜人之处恰在于，它不是简单的群舞，每一对舞者重复同样的动作；而是赋予每位舞者不同的情节和展现方式，但又在缤纷的情节中寻找连贯与统一。于是在舞台上，我们可以看到恋人的亲密缠绵与耳鬓厮磨，可以看到一群热情洋溢的小伙儿对一位姑娘的争相追求，可以看到两个女人的争风吃醋，还有旧时代的舞场中那些热恋男女的千姿百态。当然还有一点非常重要的因素，就是那些经典的摇滚歌曲配乐，令整场演出一直充满激情与震撼力，让台下的观众也备受感染。

其次印象最深刻的是：一流的艺术家就是高水准！（比起去年东方卫视《舞林大会》中的那些菜鸟强多了）他们的专业首先体现在他们不仅仅是在跳舞，在重复那些旋转与摇摆的动作，而是带着激情在演绎。只要他们一出现在聚光灯下，脸上立刻洋溢起丰富的表情，无论是高傲、欢快、鄙视，还是魅惑撩人；他们的每一次深情对望和激情相拥，或者性感的挑逗，都是如此真实；他们的每一次集体狂欢，都仿佛能把那欢乐从舞台漫溢到全场。以前看舞剧，只要盯着主角看就行，其余人不过是配舞；而这场演出中，人人都是主角，都演得那么棒，直看得我眼花缭乱，不知道看哪里才好。

还有一点不得不说的是，舞者们的身材真是很棒！女的就不消说了，单说男的。演出中有几幕男演员们是裸露上身起舞的（这也是《燃烧的地板》性感大胆的表现手法之一）。小伙子们健硕的肌肉上淌着汗，在舞台灯光下熠熠发亮；他们的每一举每一动都充满力度、充满阳刚之美（一点不像我见过的国内某些教拉丁舞的男老师身上那种女气），的的确确是引人入胜^_^。

《燃烧地板》是一整台的舞蹈秀。他们的舞将华尔兹、恰恰、伦巴、摇摆、弗拉明戈、探戈等融为一体。队员来自不同的国家，个个都是尤物，男女无一不是拥有让人为之疯狂的魔鬼身材，天使面孔。年龄跨度也很大，从三十几岁的性感少妇到十几岁的高中生，每个演员都充满了对舞蹈的“超级”热爱。

它并非单纯的舞蹈串连，而是以不同的舞种为元素，编成一出出舞台剧，把华尔兹、恰恰、桑巴、伦巴、牛仔、爵士、踢踏舞乃至摇滚和现代舞等各种舞蹈的精髓与绚丽的服饰、激情的音乐、丰富的情节和华美的舞美设计巧妙地融为一体，借助各位艺术家精湛的演技和大胆的肢体语言展现出来，无怪乎它被称为“流行文化的奇迹”。

总结: 《燃烧的地板》演员们粗犷奔放的表演，配以性感大胆的服饰造型，令人意想不到的创意风格、激情洋溢的音乐以及令人如痴如醉的视觉和音响效果。现场演出的火辣和轰动将令观众情不自禁在座位上乃至走廊中翩翩起舞，与舞台上融为一体。

我们欣赏到了优雅的华尔兹、激情的恰恰、桑巴、充满异国情调的伦巴、跳脚、爵士、摇摆、热情的弗拉明戈、清新飘渺的踢踏舞等国外各类风格的舞蹈。《燃烧的地板》已经成为国际舞台上最酷、最热辣、最性感、最轰动、最具有观赏性和戏剧性的舞蹈佳作。在总长超过两个小时的演出中，《燃烧的地板》远远超越了国标舞的范畴和局限，全剧集高频的华尔兹、激情的恰恰和桑巴、充满异国情调的伦巴跳脚和爵士、热情的弗拉明戈、清新缥缈的踢踏舞等舞蹈之大成；除了这些国际化标准化的舞种之外，还包涵了摇滚、曼波、萨尔萨、弗拉门戈、林蒂跳步、吉特巴格等各国的民间舞和舞厅舞，以及在西方剧场舞蹈中的主流舞种——芭蕾和现代舞，融合在其中，由此创造了一个古今同辉、雅俗共赏的舞蹈大荟萃。

 对本课的感想和建议

总的说来，任道老师这个舞剧欣赏课是一门优秀的课程。首先，作为任课老师，任老师对同学们认真负责。具体表现在，每节课都有点名。这使得我们班的入座率一直处于高位（最少在临近下课的时候是这样）。这样有助于形成一个良好的舞台氛围，对同学们欣赏舞剧是有莫大的裨益的。同时，任老师还充分尊重同学们，给予同学们足够的自由，允许一部分人合理推迟上课。第二，这个舞剧欣赏课能取得极大的成功还与任道老师的崇高的学术素养有关。任老师对舞蹈有足够清醒的认识以及相对独到的理解，能把高深的舞剧知识讲解得通俗易懂、风趣幽默。在课程设置上，任老师选材的范围非常广，从经典的《钟楼怪人》、到现代舞剧男版《天鹅湖》，从外国著名舞台剧《大河之舞》到中国优秀舞剧《原野》、《一把酸枣》。这些优秀的作品的选取充分体现出任老师的广阔的视野和兼容并包的思想。这不仅让我们在短短的一个学期之内充分体会到舞剧的魅力，还极大地开拓了我们的眼界，为我们以后欣赏舞剧作了一个好开头。我认为，如果任老师在每次下课前把下节课的内容简单说一下会更好。这样同学们起码会对作品的背景和欣赏的角度、方向有所把握，更有利于对作品的欣赏。最后，我认为在作品是选择上任老师可以听取一下同学们的意见。这样的教学会更有针对性。

第二篇：中外舞剧鉴赏

中外舞剧鉴赏

这个学期以来我们看了很多的舞蹈作品，让我对舞蹈有了不一样认识，也开始慢慢的了解很多舞蹈知识。

一直以来我都对芭蕾舞蹈充满了憧憬，觉得它是一种高贵、纯洁、美丽的舞蹈。这个学期学习了一些芭蕾舞的知识后，对芭蕾有更深的认识，也改变了自己的很多的认识。看了舞蹈《天鹅湖》、《胡桃夹子》后让我更喜欢芭蕾了。

芭蕾出现于15-16世纪文艺复兴全盛时期的意大利，艺术家极力模仿古希腊的艺术风格。最早的芭蕾表演是在宫廷宴会上进行的，1489年在意大利的一个小城里，为庆祝米兰公爵和西班牙阿拉贡公主伊达贝尔的婚礼，演出了《奥菲士》。当时的表演形式与我们今天所见到的芭蕾演出绝然不同，它的每一段表演大致都与上菜联系在一起，比如模拟狩猎的表演开始以后就吃野猪肉；海洋、河流神灵出场开始吃鱼。然后，许多神话人物上场献上许多菜肴和水果，最后客人们也都参加到热闹狂欢的表演中去。这是一种把歌、舞、朗诵、戏剧表演综合起来的表演形式，可以说是芭蕾的雏形，后人称它为“宴会芭蕾”。芭蕾继续发展，经历了宫廷芭蕾、情节芭蕾、浪漫主义芭蕾、俄罗斯芭蕾、当代芭蕾几个主要阶段。

传统的芭蕾舞技巧是一个严格的体系。最基本的审美特征是对外开、伸展、绷直的追求，包括脚的五种基本位置，三种基本舞姿，腿的伸展、射击、打开、屈伸、抬腿、踢腿、和划圆圈等动作，还有各种舞姿的跳跃、旋转和转身，各种舞步和连接动作。将其按特定的结构手法编排、组合，就能创造出富有感染力的舞蹈艺术形象。

十九世纪末叶，柴可夫斯基的《天鹅湖》、《睡美人》和《胡桃夹子》把芭蕾音乐提高到交响音乐的水平。在他的舞剧中，音乐是和作品内容与舞台动作紧密联系的重要组成部分。柴可夫斯基提高了

1舞剧音乐的表现力，通过交响性的展开和对人物性格的刻画，加深了

作品的戏剧性。

他在《天鹅湖》中，以富于浪漫色彩的抒情笔触，表现了诗一般的意境，刻画了主人公优美纯洁的性格和忠贞不渝的爱情；并以磅礴的戏剧力量描绘了敌对势力的矛盾冲突。因此，柴可夫斯基的《天鹅

湖》，至今还是芭蕾音乐的典范作品。《天鹅湖》取材于神话故事，描

述被妖人洛特巴尔特用魔法变为天鹅的公主奥杰塔和王子齐格弗里

德相爱。最后，爱情的力量战胜了魔法，奥杰塔得以恢复为人身。

在第二幕的《白天鹅双人舞》中，那如泣如诉、哀怨委婉的旋

律，形象逼真地表达出了奥杰塔公主对自己被困于魔掌之中的无助与

无奈，对纯真爱情和自由生活的无限向往。

《胡桃夹子》是一个充满童话色彩的故事，整个舞剧气势宏大，场景辉煌，充满了喜庆欢乐的色彩。他是一个老少皆宜的，贴近民众的芭蕾舞剧。这部剧还为观众营造了一个美丽、浪漫、欢乐的氛围，给人美好的享受。舞蹈剧音乐富有节奏，舞蹈优美、欢快，两者交织

在一起。芭蕾舞剧《胡桃夹子》之所以能吸引千千万万的观众，一方

面是由于它有华丽壮观的场面、诙谐有趣的表演，但更重要的原因是

柴科夫斯基的音乐赋予舞剧以强烈的感染力,柴可夫斯基的音乐;充

满了童话般的梦幻色彩，其中活泼欢快的节奏、精致优美的旋律，以

及特有的清澈透明的音色，给我留下了很深的印象。舞剧中的有很多

好听的曲子，比如：《中国舞曲》很有中国特色，幽默活波。另一首

《花之圆舞曲》是很著名的华尔兹舞曲之一，曲子欢快，缓慢，节奏

起伏。

一部好的舞剧除了优美的舞蹈，舞曲以外，服装场景也很重要。

《胡桃夹子》里面舞蹈演员的服装也很变化多姿，不同情境下舞曲不

同，服装也不同。我很喜欢里面舞蹈演员的的服装，他跟我们常见的芭蕾舞剧如《天鹅湖》里面见到的服装都不同，这些服装也装点了气氛。我很喜欢这部舞剧。

《睡美人》是根据法国作家夏尔·佩罗一个缦妙的爱情童话小说《沉睡森林的美人》改编，由俄罗斯芭蕾编导大师彼季帕与作曲家柴可夫斯基密切合作，把这个童话故事搬上了芭蕾舞台，继而成就了一部古典芭蕾的巅峰之作，享有“芭蕾艺术的百科全书”之誉。

舞剧《睡美人》场面富丽堂皇，演员阵容庞大。彼季帕巧妙运用群舞、双人舞、独舞以及哑剧表演等多种形式，使该剧尽显路易十四时期法国宫廷的风采。虽然1889年1月2日俄国沙皇观摩该剧彩排后并未留下满意之言，但该剧首演后却受到了广大观众的热烈欢迎。

柴可夫斯基对舞剧音乐进行了许多革新，他克服了过去舞剧音乐的公式化弊病，赋予舞剧音乐以交响性的发展，使之更富于戏剧性，大大提高了舞剧音乐的表现力。他在《天鹅湖》的音乐中成功地运用了交响乐原则、奏鸣曲式中主题的对比和展开原则、赋格段及回旋曲式的自由运用原则；柴可夫斯基把舞剧中的古典舞（包括双人舞、三人舞、四人舞以及男女独舞等）和代表性民间舞（包括各民族，各地区的特性舞）的音乐和表现力大大丰富提高了，使之焕然一新。他以真挚动人心弦的旋律，如泣如诉的歌唱性乐句为主导，巧妙地运用了各种音乐表现手法来塑造人物形象，展开戏剧冲突，整个舞剧音乐优美完整、富于诗意。柴可夫斯基强调音乐优美完整、富于诗意，强调音乐对于舞剧的积极作用。运用主导动机发展、高密度和声织体等交响乐的创作手法，使音乐与剧中人物感情、特定场面紧密吻合，达到了高度的统一。

第三篇：浅谈欣赏《中外歌剧》感想

浅谈欣赏《中外歌剧》感想

我是一个音乐爱好者，甚至是一个音乐发烧友。在上高中之前，我一直都只知道流行歌曲。但是在一次偶然的机会，我听到了朋友弹钢琴。虽然那次她弹的是《梦中的婚礼》，但毕竟钢琴还是与古典音乐分不开的。所以从那时起，我爱上了钢琴，也因此爱上了古典音乐。

刚开始，我还是个菜鸟。但因为音乐的感染力实在太强了，因此我很快认识了各种古典音乐体裁、流派、风格等以及数不尽的作曲家、演唱家、演奏家等。

我第一次听到歌剧其实是在看动画片时偶然听到的。有一次我看动画片《猫和老鼠》，其中有一集的情节很有意思：猫是一个歌唱家，有一天到剧院开音乐会。而老鼠住在那个歌剧院的舞台地板下。猫的演唱影响了老鼠的休息，然后老鼠跟猫展开了一场以音乐为线索贯穿全集的战斗。最终老鼠把猫整垮了，老鼠赢得了胜利。挺有意思的一集。我看完这一集后觉得其中的音乐很好听。虽然听不懂意大利语，但我还是到网上查到了这首曲子的名字，原来这一集中贯穿全集的曲子就是《塞维利亚理发师》中的《快给忙人让路》。

第二次接触歌剧是在大二上学期，那时候我选

了公选课“八孔竖笛”。最后的考试曲目老师说我们可以吹《北风吹》。其实那时我并没有注意这是《白毛女》选段，直到这次选了“音乐鉴赏”这门公选课。一次上课，老师讲歌剧，让我们欣赏了《白毛女》。我乍一听，发现很熟悉，这才知道原来我们以前用笛子吹的《北风吹》就是歌剧《白毛女》选段。这次上课老师还给我们听了歌剧《卡门》，其中有一小段我一听就又想起了公选课“八孔竖笛”。我记得一次上八孔竖笛的课，老师吹给我们听《哈巴捏拉舞曲》，原来这就是歌剧《卡门》中的一段。另外，我还听到了《卡门》中有一段就是我们小时候玩的游戏“俄罗斯方块”中的音乐。原来歌剧与我们的生活相距并不遥远。

听歌剧是一种享受，虽然我永远也听不懂他们唱的内容，但是我可以从音乐的节奏、高低、速度等特点中感受到歌剧中的气氛。

我最喜爱的古典音乐是古典钢琴音乐，因此在我第一次听真正的歌剧之前，我早就听过了李斯特由歌剧改编的很多钢琴曲。比如，歌剧《弄臣》由李斯特改编成《弄臣改编曲》，歌剧《唐璜》由李斯特改编的《唐璜的回忆》，有很多人认为《唐璜的回忆》是世界上最难的钢琴独奏曲。

在课后，我上网听了歌剧《阿依达》和歌剧《魔

笛》，加深了对歌剧的理解。

歌剧这种音乐体裁很特别。它不仅要唱歌、演奏、跳舞、还要精心布置舞台，真可谓是把音乐这种艺术的表现力发挥到了极致。通常，歌剧都是以一些名著为基础，将其音乐化，加上演唱、配器、场景布置等等。歌剧作曲家需要先钻研他将要利用的名著，真可谓是天才。这一点真让我自愧不如。

我欣赏过的歌剧不多，这里我就讲一讲在课上老师给我们看的《白毛女》以及我在课后看过的歌剧《塞维利亚的理发师》中的《快给忙人让路》。

1.《白毛女》

这是我们中国歌剧的骄傲。歌剧本来就是西方音乐体裁，不过随着时代的发展，中国也出现了几部著名的歌剧，如《白毛女》《江姐》等。这些都是以中国解放前的时代为背景，根据历史改编的歌剧。

《白毛女》中第一段就是《北风吹》，这也许是中国人最熟悉的《白毛女》中的乐段了。其旋律开始很凄凉，加上下雪的背景，给人一种阴风刺骨的感觉。只见杨白劳躲债三天归来，冒着大风雪一瘸一拐地走着。这一场景立即让我想到当时的地主简直是罪不容诛。接着，喜儿出现了，她在破旧不堪的小屋中，焦急地等待她父亲回来。她自言自语地说：“爹是挑着两担米出去的。如果他把米买了，换

个几文钱，买上两斤面，过年也许还能吃上一顿饺子呢！”听到这里，我不禁想到，现在我们这些大学生衣食无忧，还嫌这嫌那，不好好学习。而那时吃饺子对普通家庭来说就已经是很奢侈的事情了。我们现在生活在蜜水中，却身在福中不知福。另外，我还想到，当时的中国是何等的贫穷，一年只能吃上一顿饺子，而我们现在天天吃饺子都没问题，这也是党的正确领导加上我们龙的传人的奋勇拼搏得来的。想到这里，我暗自庆幸：还好我生在90年代。

由此可见，歌剧能生动地体现历史场景。相对于文学作品来说，更加直观，更有感染力，也更具欣赏性。

2.《塞维利亚的理发师》中的《快给忙人让路》：如果我没记错的话，这好像是罗西尼的作品。在上“音乐鉴赏”课之前，我早就在图书馆看到过法国作家博马舍的《费加罗三部曲》，包括《费加罗的婚礼》《塞维利亚的理发师》以及《有罪的母亲》。其中的《费加罗的婚礼》和《有罪的母亲》被莫扎特改编成了歌剧，而《塞维利亚的理发师》则由罗西尼改编成了歌剧。

我在网上看了廖昌永以及一位外国声乐家(我不知道叫什么名字)演唱的《快给忙人让路》，这是一段男中音。在我看来，这是《塞维利亚的理发师》

中最好听的一段了。它与中国歌剧相比(如《白毛女》)在演唱技巧上要难得多。听着听着，我总觉得这些歌唱家的舌头好像要很快并且很复杂地运动，这不像《白毛女》一样人人都能唱得出来(我并不是指人人都能唱得好)。另外，这一乐段速度很快，气氛很紧张，让人每一根听觉神经都绷得紧紧的。虽然我们永远也听不懂他们唱的内容，但其旋律也足够让我们沉醉了。

由此可见，与中国歌剧相比，西方歌剧的创作技巧更高，演唱技巧更为华丽、炫技(就像弹钢琴一样也有炫技)，篇章更宏伟，气势非凡。毕竟这是西方人的音乐体裁，就像中国的戏剧一样，外国人想写好中国戏剧并不容易。

不过，相对于单纯的声乐与器乐，歌剧爱好者似乎相对较少。也许是因为歌剧跟我们大多数年轻人的流行口味对不上，再加上其冗长的特点，而且扣人心弦的乐段不多。但尽管如此，歌剧内容丰富、篇章华丽，极具历史时代气息，这是我们这些大学生所钟爱的流行歌曲所望尘莫及的。

在听烦了流行歌曲之后，我们不妨也欣赏一下像歌剧这样的“高雅音乐”。这对提高我们大学生的心性修养及音乐鉴赏能力有莫大的好处。

第四篇：中外名著欣赏论文

海伦凯勒的文学艺术

学院：制造科学与工程学院专业：材料成型及控制工程 姓名：朱小飞学号：1043022057

摘要：20世纪一个独特的女性以其勇敢的方式震撼了世界，她就是海伦凯勒，一个生活在黑暗但是却又给人类带来光明的女性，一个度过88个春秋却熬过了87年无光、无声、无语的弱女子，但是，正式这样一个弱女子竟然毕业于哈弗大学的德克利夫学院，并且在她以后的一生里，她致力于慈善事业，为残疾人造福。这一个被美国《时代周刊》评选为20世纪美国十大英雄偶像的弱女子，不是存在于荧屏上的构造体，她是大自然自编自导的生命讴歌的主角，她是现实世界确确实实存在的，她的一生就是一部励志的电影，其文学艺术性比任何虚构的人物都要大。

内容：从小学初次接触到海伦凯勒这个名字，但是那时自己并不了解她的事迹，直到高中时，读到她自传体的小说《假如给我三天光明》时，我才猛然惊醒般的认识了这个值得怜悯而又伟大的才女。我被这部书中的主人的精神打动，她对我的影响，我相信那是时间永远也无法磨灭的。

虽然，我不是艺术类的学生，但是我坚信任何与艺术有关的东西最重要的是其内在所表达的精神，那种华而不实的东西总会过眼云烟，精神的存在才是艺术所需要表达的永恒主题。当说到这儿，我相信海伦的一生将于艺术产生很大的牵连，她是励志电影里的主角，但是比电影更加真实、动人，优秀的电影不只显现在屏幕上，现实生活中环境和自然导演的电影是最优秀的、更能启迪人生。下面我们来讨论这部励志电影的发展。

1880年6月27日，海伦出生在美国的南部亚拉巴马州的斯甘比亚镇，父亲是是一个上尉，这也是她的优越外部环境，她本可以拥有幸福的童年，但是，就在她出生19个月后，因为一场怪病使其失去听力和视力，这是令人心碎的，还是一个小女孩时，就失去了与外界沟通的能力，不能看见自己双亲和兄弟姐妹，不能看见蔚蓝的天空、青翠的草木、宽广的家园，这儿故事跌倒低谷，不能接受教育，似乎在这样的一个无声、无光的世界里，海伦正常生活将被剥夺，她的一生似乎永远也不会荡起美丽的涟漪，这样的故事别人也不会一直看下去，因为人们不会去看那种淡而无味只有怜悯的人，别人想看这个人以后的巨大的改变，以致能获得内心的启迪。大自然永远是最伟大的导演，它总能根据故事的发展安排剧情，就在这时，海伦生命中的另一个人出现来了——莎莉文。即使这位与海伦有可以同样遭遇的人出现，他们彼此产生了交集，以前都受别人怜悯的两个人，在彼此的协作下，谱写了一曲生命的乐章。

莎莉文从小失去母亲，父亲又是一个酒鬼，不得不寄居亲戚家，但是随后她和弟弟被送到救济院，不幸接踵而来，她的弟弟因为得病早年夭折，并且在莎莉文老师三岁时她的视力也越来越差，虽然不是失明，但是几乎算是失明的，并在眼睛做手术好后，产生了上学的想法，在帕金斯残疾学校以优秀的成绩毕业。我们可以看到安妮莎莉文的身世是悲惨的，到海伦该上学的年龄时，她父亲来到帕金斯学校，并在介绍下，将莎莉文聘为家教。起初，海伦处在无光、无声的世界里，除与亲人相处融洽外，基本不与外人接触，也包括外来者莎莉文老师。但是莎莉文是一位伟大的老师，尽管起初海伦的家里人都对这个弱女子失望，但是当安妮以自己的执着和武断，教化海伦的许多被宠出来的坏习惯，用一周的独处，使海伦改变很大，以致当自己父亲看到时，都感到欣慰，不再小看安妮。其中的细不

再一一叙述，但是我相信进步的过程是令人骄傲的，其中的方法是值得我们去肯定的。待安妮老师教几年的时间后，海伦不得不进入学校，但是安妮老师还是一如既往的陪在她的身边，照顾她，为看外面的世界。在她读书的时间里总是默默地帮助她。

这位不受上帝眷顾的孩子，与安妮朝夕相处，从剑桥女子学校考入了哈弗大学的德克利夫学院，她是第一个考入哈弗大学的盲人、哑巴、聋子。也许我不该用这样的字词来说她，但是那时真的，为什么这样一个残疾的人能达到甚至能超越常人的高度？到底是什么成就了她？有什么精神在她的内心奔流？我震撼了，但是这不是结局，更加辉煌的还在她以后的人生待续。为残疾人的福利奔走，建立起一座座福利院，接受总统的接见，得到全世界人的肯定。她的一生充满了悲剧，但是是喜剧的一生，没有人能做到比她更加的辉煌、更加的有成就。

我相信这一切的答案我们都可以从《假如给我三天光明》中找到答案。这也就是她的文学艺术，她将世界看得透彻，将她眼中的世界展现在我们的眼前，将她的奋斗历程摆在我们的眼前，将她和安妮老师的师生情炫耀与我们这些常人。我真正的为这份师生情而感动，安妮老师用她的一生成就了海伦，海伦是安妮老师的一部巨作，比任何一部小说，抑或电影还要震撼，这样的感情是让我们这些常人眼红的，也许曾几何时，我们正躲着期待这份真挚的感情的到来。海伦最重要的文学艺术还是要数她的一篇散文——《假如给我三天光明》。这儿她陈述了在她眼中的世界，她认为的幸福，和她想做的事，然而这些事对我们这些眼明的人来说又是那么的常见。第一天，我要看人，他们的善良、温厚与友谊使我的生活值得一过，这体现了她内心的感恩，尤其对她亲爱的老师。第二天，我将向世界，向过去和现在的世界匆忙瞥一眼。我想看看人类进步的奇观，那变化无穷的千年。第三天，我将在当前的日常世界度过，到为生活奔忙的人们经常去的地方去，而那儿能像纽约一样找得到人们那么的活动和那么多得状况呢？这就是她想要的，不是我们这些为金银财富的俗人，多么的简单，而又是多么的不简单。

结论：海伦的一生是大自然产生的艺术，其中深奥难懂的元素很多。但我相信精神元素永远是不可忘却的。身体上的终究是一种缺陷，但是我们得极力控制自己，把别人眼睛所看到的光明当做自己的太阳，把别人耳朵所听到的音乐当作自己的乐曲，别人嘴角的微笑当作我的快乐。怨天尤人根本于事无补，不要因为缺陷而把人生过分的缩小，其实，在缺陷面前你同样可以将自己的人生放大，快乐的生活——这就是20世纪美国十大英雄偶像海伦的文学艺术。

第五篇：浅谈欣赏中外艺术歌曲之感想

浅谈欣赏中外艺术歌曲之感想

艺术歌曲是欧洲文艺复兴以后，在西方音乐文化蓬勃发展时期产生的一个重要音乐品种。是19世纪欧洲音乐社会生活中最为短小、抒情的艺术表现形式之一，它融诗歌、音乐、钢琴伴奏为一体。诗歌因音乐的表现使内涵、意境得以升华，音乐因诗歌的启迪而更能引发作曲家和听众美妙的遐想，而钢琴伴奏则最大程度地发挥了它的艺术表现力。这种“三位一体”的创作方法，已成为中外艺术歌曲的主要创作特征。艺术歌曲创作水平的高低，在当今中西音乐文化融合的时代，是衡量一个国家歌曲创作水平高低的重要标志。

回顾西洋艺术歌曲进入中国的过程，是一个从徘徊到交融、根植、结果的过程，是西方音乐文化为中国音乐文化注入了新鲜血液。近百年来，经过几代作曲家的不断努力，我们已经拥有一个非常丰富的艺术歌曲宝库。最近，一个提倡在全国范围内普及及欣赏艺术歌曲的热潮正在兴起，大家崇尚高雅艺术，更需要作曲家们创作出适应时代需要的艺术歌曲。在热情的听众面前，鉴借先进的，摒弃落后的、运用创新的技术手法写作艺术歌曲就成为当前每一位词、曲作家应重视的问题。下面，我从歌曲创作的角度谈谈中外艺术歌曲名作中做融合的民族民间音乐元素。

一、旋律中的民族主题

“民族，是我们的理想。”---勃拉姆斯

舒伯特的艺术歌曲创作，对后世中、外作曲家有着直接的影响，他的作品不仅与当时德国民族诗人的诗歌紧密联系在一起，而且与奥地利、德国的民间音乐有着血缘关系。在舒伯特最优秀的歌曲旋律中，融合了奥地利、德国民族音乐音调的主题，并把它们纳入到作品中去，使富有民族特点的抒情性旋律成为当时音乐会上的主要抒情形式。同样，与舒伯特同时代的舒曼、勃拉姆斯、以及所有从事艺术歌曲创作的作曲家都喜爱运用本民族音调作为旋律主题进行创作，用以表达他们的民族情怀。如勃拉姆斯的艺术歌曲《去看望爱人的路上》，就是根据莱茵河下游的民歌主题创作的；《徒劳小夜曲》的主题旋律则取自波西米亚民歌音调；俄罗斯音乐之父格林卡《别唱，美丽的人儿》是一首充满了格鲁吉亚民歌风情的艺术歌曲。另外，还有一些经过作曲家编配，通过美声唱法传唱下来的优秀民歌，如：意大利《我的太阳》、苏格兰《友谊天长地久》等，都已成为脍炙人口的艺术歌曲精品。

非常值得一提的是，波兰浪漫主义音乐的唯一代表肖邦，一生以从事钢琴演奏与创作钢琴作品为主，波兰民歌的影响表现在他作品旋律的总体轮廓上，在他为数不多的歌曲作品中，如《宴会》、《漂亮的小伙子》、《我的爱》、《指环》等，都能直接找到波兰民歌的主题，这种把民歌主题，甚至把民歌旋律直接纳入到音乐创作中去的现象，在19世纪欧洲民族主义的作曲家那里，是一种理想的表达民族情感的方式。

我国近、现代艺术歌曲的创作，在借鉴西方艺术传统，继承我国音乐传统等方面已经取得很大成就。在歌曲主题音调的运用上，把民歌音调用于旋律创作中，或主题旋律直接取自民歌进行改编的也有不少。仅用新疆民歌改编的就有丁善德的《玛依拉》、黎英海的《阿拉木汗》、《在银色的月光下》、严良昆的《马车夫之歌》等，这些作品在旋律写作、在钢琴伴奏的织体的写作上都是根据民歌的内容灵活改编，很有特色，这些歌曲已成为我国音乐会上的保留节目。

这些直接从民歌中提取音乐素材的、具有永恒艺术魅力的艺术歌曲，具有鲜明的民族色彩与鲜明的民族个性，这些艺术歌曲是民族音乐文化中、乃至世界音乐文化中最完美的、最宝贵的艺术财富。

二、织体中的调式色彩

“调式是人类音乐思维的基础。”---玛采尔

浪漫主义艺术歌曲十分重视钢琴伴奏的织体写作（也包括交响乐队的织体写作），一改古典艺术歌曲中仅将钢琴伴奏作为人声部分的和声、或节奏的烘托手法，而是赋予伴奏织体以鲜明丰富的音乐形象。舒伯特来自于民众，舒曼、勃拉姆斯与民间音乐的联系也非常密切，他们创作的艺术歌曲都是建立在西洋民族大、小调体系之上，具有深厚的民族调式基础。使艺术歌曲的民族气质、民族韵味符合欧洲人的审美情趣。

舒伯特的《魔王》是一首戏剧性色彩很浓的叙事歌曲。钢琴伴奏的织体刻画了诗中不安的气氛，在低音部隆隆作响的音型上是奔驰的三连音，它贯穿、赋予全曲以统一性。歌曲中四个不同的角色用旋律、和声、节奏和伴奏类型的变化来加以区分，孩子三次惊呼时的织体，三次用了调试中的不协和音程，恰到好处的烘托了歌曲的紧张情绪。在歌曲《菩提树》、舒曼的《两个近卫兵》中，作者采用了同名大、小调式的交替。前者，细致入微地刻画了流浪者在“现实”与“回忆”中的强烈感情对照；后者，用小调描绘了两个近卫兵紧张、不安、悲壮的情绪，而歌中大调《马赛曲》的曲调，则描绘了经久不息的激动人心的效果。体现了大师们充分运用大、小调式的明暗色彩变化创作织体的高超技术。

我国作曲家在创作中探索用民族调式的和声色彩写作钢琴织体的方面也做了不懈的努力。赵元任曾提出：“中国人要么不做音乐，开张明义的第一条就是要用和声。和声要中国化。”在他的歌曲《海韵》、《教我如何不想他》的钢琴织体写作中，前奏、间奏、尾奏中的纯五声和声的运用，使作品充满了中国色彩、受其影响，我国当代作曲家中也涌现了大批勇于实践的探索者。如瞿希贤、杜鸣心、朱践耳、黎英海、陆在易等，在他们的作品中已经融汇了西洋先进作曲技巧和中华民族调式的和声色彩，融入了中华民族的情韵。主要优秀作品如《把我的奶名儿叫》、《祖国。慈祥的母亲》、《玛依拉》、《在银色的月光下》等，都已成为广为流传的艺术精品。

另外，用中、外民歌改编的艺术歌曲中，调式、调性的和声色彩也非常丰富，如意大利拿波里民歌《我的太阳》，采用西洋大调式音阶写成。A段旋律，织体音响色彩辉煌；B段旋律，织体音响高亢明亮。高潮乐句中运用了和声大调降六级音，使音乐的色彩变化一新，织体中则贯穿了意大利民间音乐节奏的主导音型，亲切感人。苏格兰民歌《友谊地久天长》，采用典型的苏格兰民族五声调式写成。旋律、织体呈现出浓郁的异国色彩，与我国民族五声调式从旋法上相比有着明显的差异。我国新疆民歌《在银色的月光下》，旋律、织体中运用了增二度和声色彩的配置，这是我国新疆少数民族音乐中所特有的调式音程，加上新疆手鼓舞的节奏贯穿在歌曲织体中，使歌曲的民族地域色彩更加浓郁。

值得一提的是，我国民歌《茉莉花》自19世纪中叶以来，被西方作曲家多次改编。1943年英国作曲家格兰维尔班托克再次修订，并配上了钢琴伴奏，他说：“节奏和旋律是东方音乐的基本特征，但还是产生了偶然和声的效果。《茉莉花》包含着同时能为西方人和东方人的耳朵所接受的优越性。”

我们说，在浩如烟海的民族音乐文化中，保留了真正的、色彩各异的民族民

间音乐调式，我们就有取之不尽、用之不竭的音乐源泉。只要我们真正融西方音乐创作技巧于我们的民族音乐中，就能创作出具有本民族调式特征和本民族旋律、织体特点的，又能与西方音乐创作思维、音乐审美习惯相适应的具有世界意义的艺术歌曲。

三、结构中的民间形式

“分节歌是中外各名族最普遍运用的形式。”---钱仁康

分节歌起源与民间。中外许多民间器乐曲、民间歌曲都是通过这一简短的、易于传唱的形式保留下来的。分节歌的旋律必须动听，音乐形象必须准确，才能经得起时间的磨砺。由于这一形式在民间音乐中的独特地位，所以中外作曲家纷纷采用这一形式谱写他们的艺术歌曲。德国西歇尔的《罗雷莱》，俄国格林卡的《别唱吧，美人》，德国勃拉姆斯的《要知道我该回头该有多好》，舒曼的《月夜》，奥地利舒伯特的《鳟鱼》、《菩提树》、《听、听、云雀》等，都是分节歌形式的艺术精品。分节歌形式在舒伯特的艺术歌曲中有了很大的发展，他根据歌词内容的要求，用变奏和展开主题的手法来丰富这一形式。《鳟鱼》和《菩提树》就是典型的例子。

《鳟鱼》是一首分节叙事歌曲，全曲共分三段：A A1 A2结构，采用旋律变奏、伴奏织体中贯穿休止符的六连音和两个八分音符相交替的节奏音型，生动地描绘出波光闪烁、小鱼畅游及跳跃出水面时的活泼情景。

《菩提树》也是一首分节叙事歌，全曲共分四段，其作品分析如下： ①曲式结构：前奏 A--间奏 A1--间奏 A2--间奏 A3 ②小节： 8 16 4 8 8 1 8 3 18 ③调性布局： E e e E e E ④创作特点：采用同名大、小调式色彩交替的变化刻画出主人公在旅途的不同心里感受；同一主题的转调变奏使音乐形象在对比中得到了统一；另外，旋律中带有宣叙调特点的音调，变化织体中交织的大小调式的色彩则很好地烘托了歌曲的气氛。

在我国，近、现代作曲家的艺术歌曲也有不少分节歌的优秀作品，如赵元任的《教我如何不想他》，这首作品，既借鉴了西方作曲技法中调式、调性的布局和织体写作的创作方法，又继承了本民族的传统音调，开创了五声音阶式的民族和声，具有划时代的意义。

黎英海的《在银色的月光下》、瞿希贤的《把我的奶名儿叫》、谷建芬的《那就是我》等，都不同程度地在民间分节歌的结构形式上作了有益的尝试与创新，为艺术歌曲这一体裁形式成为我国抒情歌曲演唱中的重要品种做出了巨大的贡献。

俄国作曲家格林卡说：“创作音乐的是人民，作曲家只不过把他编成曲子而已。”艺术歌曲与其他体裁的音乐品种一样，也是根植于民族民间音乐之中的。因此，一切优秀的中、外艺术歌曲，都具有本民族音乐文化的诸多元素。正是这些诸多元素，才使得艺术歌曲的色彩丰富，风格各异，生命长久。今天，我们的作曲家正站在打破传统音乐的许多局限、形成世界音乐大融合的发展潮流之中，更应该在民族民间音乐中去寻找艺术歌曲的创作元素，使艺术歌曲在其共性化的创作规律下，更加旋律有没、色彩丰富、个性鲜明、风格各异。