第一篇:对民族声乐与科学演唱的探究
对民族声乐与科学演唱的探究
(史祎琳,宜兴市丁蜀高级中学,214221)
摘要:中华民族声乐之所以能在当今这样飞速发展的社会环境中独树一帜,盛开奇葩,就在于它继承了中国传统文化的精髓,汲取了西洋歌唱艺术的财富,适应了当代社会和人们的审美需求。为此,本文通过对民族声乐的历史,客观的回顾来谈民族声乐的基本文化内涵和科学的演唱。
关键词:民族声乐;文化内涵;科学唱法
一、民族声乐的历史及其发展
我国的民族声乐根植于中国的土壤,它包含各族人民创造的、能体现了中华民族声乐艺术的特点、欣赏习惯和审美意识的多种演唱形式和声乐艺术品种,积累了浩瀚的曲目,创造了独特的演唱技术,形成了中华民族声乐的演唱形式和风格,逐步形成和完善中华民族声乐艺术的理论。使中华民族声乐艺术以特有的美学意义,来丰富着世界声乐艺术的宝库。
建立具有中华民族特色的歌唱艺术体系,是我国几代声乐工作者孜孜以求,为之奋斗的夙愿,经过了大半个世纪的艺术实践发展到今天,已取得了令人瞩目的成绩。从教学、教材、教法直至教学体系已初见规模。演唱上,在全国范围内有相当数量代表性,出现了一批具有中国歌唱艺术特色,深受群众喜爱的歌唱家。由此可见,中华民族声乐艺术已经进入了新的发展时期,从理论上进行更深层的研讨。这将对中华民族声乐艺术学派的更加丰富与完善,使之走向世界艺术之林有着深远的意义。
任何新事物的生成及发展都离不开一定的社会因素,音乐更是如此,这些社会因素都有一定的历史时期的政治、经济、文化及各民族特定的传统文化审美、风俗习惯、民族语言和人文精神等等。中华民族声乐从开始发展到今天亦是受着这些因素的制约和影响,从不同民族文化的形成就有了不同民族的歌唱。中华民族在五千年光辉灿烂的文化历史中,不断衍生了广大人民喜爱的千姿百态的艺术形式,在表演艺术中有演唱形式的就有三百余种,而形成了各具特色的唱法及表现手段。因此可以说“中国的民族声乐艺术是绚丽而丰富多彩的”。从古代传统中的有关对《唱论》的描述,可见中国传统声乐艺术是很讲求其方法的,如《礼记·乐记》中描绘:“故歌者,上如抗,下如坠,曲如折,止如搞木,倨中短,句中钩,累累乎端如贯珠;”又如《东府杂录》中讲:“善歌者,必先调其气”。再如《唱论》中对演唱风格是这样论述的:“有唱的雄壮的,失之村沙;唱得蕴栧的,失之乜斜。唱得轻巧的,失之寒贱;唱得用意的,失之穿凿;唱得打稻的,失之本调”。[1]古人的这些论述今天看来是十分精辟和科学的,是和当今被称为最科学的唱法之一的西洋发声方法(美声唱法)很多要求是一致的。而我国传统的这些对于歌唱的科学总结早于西洋的美声唱法二千年左右。这足以说明我国民族声乐历史悠久、源远流长,并在演唱实践和理论总结上已达到了相当高的水平。这些精辟的理论和丰富多彩的民族传统唱法,为民族声乐艺术的发展和提高奠定的坚定的基础。
从三十年代的延安时期,反映阶级仇恨和表现广大军民热情高涨的学文化和大生产运动,编演的《军民大生产》、《夫妻识字》等歌曲,深受群众喜爱和欢迎的秧歌剧,其剧情中鲜活的人物,浓厚的民族之情感,熟悉而崭新的音调,朴实而丰富的语言,都要求当时的歌唱者去追寻一种与之相适应的新的演唱方法,而她们当时的这种演唱方法,可以说是民族声乐艺术的雏型。而歌剧《白毛女》的出现对当时的演唱者在表现民族的情感、风格、语言上都对于演唱者提出了更高的要求。《白毛女》的巨大成功,标志中华民族声乐艺术真正的开始,是中华民族声乐艺术的发展的新纪元。可谓是当代民族声乐艺术风格的重要里程碑。而五、六十年代创演的歌剧《江姐》、《洪湖赤卫队》等,一批新优秀歌剧。这些表达人民新的生活、新的思想感情、新的精神风貌、新的音乐风格和新的演唱方法和形式,八十年代创演的歌剧《党的女儿》等等。这些都给我国的音乐舞台上增添了新的色彩,深受广大群众的喜爱。事实上,这时的民族声乐已经是一个与西洋歌唱方法相比较而独立存在的、受到音乐界认真关注的强大歌唱流派。
二、民族声乐艺术的文化内涵
中华民族悠久的文化孕育了独具特色的声乐艺术。从两千五百年前的《诗经》以楚辞、乐府、唐诗、宋词、元曲等不仅诗、乐、舞、交相融汇,促进我们中华民族的音乐艺术文化审美。使中华民族声乐艺术发展到现在已是一个基础雄厚、力量强大、影响越来越广,这是滋养旺盛生命力的歌唱艺术的正是几千年来中华民族的优秀文化。而直接作用于民族声乐艺术发展的民族的情感、风格、语言和审美之上。
民族声乐艺术在继承发扬了中华民族的优秀传统文化的基础上,在每一个阶段的发展都是和同时期政治、文化、经济的发展紧密不可分的,是和广大群众的文化生活密不可分的,无论是延安时期,还是五、六十年代社会主义建设时期,中华民族声乐艺术基本确立,并涌现了许多著名歌唱家,主要代表人物有:王昆、郭兰英、才旦卓玛、郭颂等人,七十年代以后民族声乐又进一步进行了较大的改革,汲取西洋发声法的技术,对民族声乐进行了更具有现代意识的改革,一举形成了更体系化、技术化、风格化的中国当代民族声乐的体系。出现了一些有代表性的歌唱家如:将大为、彭丽媛、闫维文、宋祖英等人。并形成了以中国传统戏剧、曲艺、民间歌曲歌唱方法为基础,结合西洋歌唱方法的精华,形成独特民族 唱法发声理论和技术。民族声乐艺术发展对人民的精神起着一种感发、净化、升华、激励向上的作用。这正是民族文化的发展的具体的内涵。然而,我们的民族声乐艺术还需要专业音乐理论家,声乐教育家和歌唱家继续做出艰苦不懈的努力,才能真正使中华民族声乐艺术不但为中华民族服务,而且能进入世界艺术之林,为世界人民服务,这是我们的理想和为之奋斗的目标。
歌唱艺术重要的是要选择一个什么样的文化传承关系的问题,我们的着眼点应该落在继承优秀传统声乐基础上,应借鉴西方歌唱方法的长处,在实践中不断完善。因为民族声乐是建立在中华民族文化传统之上,美声唱法是建立在欧洲文化传统之上,两者有着不同的渊源关系。事实上现代民族声乐艺术的发展已经把继承和借鉴的关系处理的较合适了。早在延安解放区的声乐工作者中两种唱法就是并存,并相互影响融通,解放区更是如此,当民族声乐走进高等学府以后,在教学的方式、程序和方法上对西洋的歌唱方法都有的吸收和借鉴,但是“以我为主,以借为辅”,在继承方面将传统转为现实活动时,不断的根据现实的要求注入时代的新内容、新风貌,这样不断的注入新的内容的本身,既是对传统声乐艺术的继承,也是对自身的弱点进行不断的扬弃和修正,又是对民族声乐艺术的一种丰富和创造和文化的积淀。在借鉴方面,学习一切姊妹艺术包括西洋唱法的长处,经过消化,为我所用。如:宋祖英先后成功地在澳大利亚的悉尼和奥地利的维也纳举办个人独唱音乐会,这些成就无不充分体现了中华民族声乐艺术事业而孜孜以求,不懈奋斗的精神,并把中华民族声乐艺术引进世界的舞台,把中华民族文化推进世界。
民族的情感、民族的音乐风格、民族的语言、民族的文化、民族的审美是组成民族声乐艺术的重要因素。其特点是以汉语语言作基础,以民族的情感为主,以情带声,声情并茂,字正腔圆,韵味浓郁、真切动人。这都是民族声乐文化的所在,也就是我们讲的民族声乐艺术的广义,也是音乐文化的内涵,“唱情”是民族声乐艺术的一个本质特点。
总之,民族声乐艺术之所以能在当今这样飞速发展的社会环境中独树一帜,盛开奇葩,就在于它继承了中国传统文化的精髓,在于它汲取了西洋的歌唱艺术财富,适应了当代社会和人们的审美需求。正是这一艺术学派在千百年来中华优秀传统文化的历史积淀上,经过几代人的努力,“一手伸向民间,一手伸西洋”,兼收并蓄,并不断注入时代风采的结晶。
三、科学的演唱
科学家认为:“科学是人类在社会的规律下凭借对经验的验证和不断地探索构建起来的知识与知识框架和对这样的知识与知识框架不断完善和丰富的活动过程。”[2]如果我们能同意这一定义,那就必须承认科学具有民族性。因为,任何科学都是社会活动的过程,而社会又自然是由具体的文化维系起来的,具体的 文化必然属于具体的民族,故科学必然是有民族性的。从人类的总体而言,科学又是特定的民族与文化的产物。
任何普同性的科学从本质上来说,代替不了具体科学就象林奈的植物分类法代替不了《本草纲目》一样。时至今日,以为接受普同性科学即是革命的误解,应当成过去。当然我们应当努力学习其他民族的科学成就,但引进的东西必须民族化才能发挥最大的效益,企图用引进的科学完全取代固有的科学的想法和作法,恐怕是不现实的。一个民族、一个国家所取得的科学成就一味照搬,想学的是先进,学到的可能是废物。在不顾实际情况,一味照搬的条件下“科学”变成“非科学”的例子实在是很多。总之,科学不是唯一的,而是多样性的,各个民族按照自己的特点构建本民族的科学体系,不仅可行,而且已经是事实。引进的科学如果不结合本民族的实际,根本行不通。既然科学是有民族性的,它既不唯一,也不是西方才有的,同时科学的引进决不能照搬。一定要有一个民族性的过程。科学的演唱也是有民族性的,科学的唱法不是唯一的。如果照搬西方的科学唱法或其他科学的唱法,而不能使其民族化,最终仍不能达到科学的要求。
金铁霖教授——中国现代民族声乐艺术教育事业的杰出代表与开拓者,凭借自己的睿智和对声乐艺术教育科学的热爱,在二十余年从事中华民族声乐教学与理论研究的生涯中做出了令人惊羡的成功业绩。他以自己的睿智和对声乐艺术教育科学认知的敏感、融贯中、西、古今声乐艺术理论,蕴涵哲理之精髓,借鉴西方科学而系统的声乐技能训练方法与艺术表现手段,应用于民族声乐教学实践活动过程,形成了一个具有代表性色彩的声乐艺术教育文化现象。他所主张的“中华民族声乐教学应立足于科学性、民族性、艺术性与时代性的基础之上”。在对继承与借鉴的问题方面,对中、西、古今理论之精髓必须要为我所用,而不能盲目照搬,也不可全然代替,吸取其精华,借以丰富我们自己,发展我们自己。以此,才会使我国的民族声乐的教学和演唱艺术更趋于完善,且符合于自身健康的发展规律[3]对于声乐艺术嗓音的发掘与技术训练本身,他同样提出了极具指导意义的精辟解释,他认为:“科学唱法和技术是共性的,是中、外各种唱法所共有的,合呼于人声艺术嗓音的高技能,是发声规律的某些特殊技术因素表现形式的具体体现”。对于所谓唱法的科学性的界定,他认为“从基本的艺术歌唱嗓音训练原则来讲,科学唱法只能有一种,这是世界声乐学派共有的”。只是由于各个民族语言、地域风土人情,文化审美与欣赏习惯等客观存在的差异或不同,形成不同的各自不同的情感表达、表演形式、演员舞台气质等个性化的特色或人文文化表现的鲜明特征,促使不同民族的歌唱艺术在唱法上发生一些演变。这种演变并不意味着不同民族 歌唱艺术之唱法变得没有科学的技术因素。相反,而是证明了在符合于民族文化与审美欣赏习惯的基础上,使不同民族歌唱艺术在唱法上深厚积淀,且同样具有科学性内涵的个性技巧因素得以更充分的发挥。”[4]至 [3]于艺术歌唱嗓音的技术发声训练、从基本的发声方法(包括喉咙打开,稳定的喉咙状态,合理的气息支持技术的应用,歌唱语言、咬、吐字的正确构架、歌唱嗓音适应长时间的高技能演唱机能运动的耐力)等,所谓的科学唱法(训练方式和手段),到声乐具体的声乐作品的演唱——唱腔的着色润饰,语言特性的使用,民族或地域风格的把握,舞台整体艺术表现的设计与表演等等方面,事实上是并不存在科学性与民族性二者间矛盾关系的。
如:民族声乐的代表彭丽媛在声乐艺术上的发展,更证实了她所拥有的令人无可置疑的实力。她以异于常人的天赋与出色的艺术实践奠定了自己在民族声乐界的地位。她较完整地继承了前辈民族声乐歌唱家在歌唱与表演等诸多方面的成果,并在此基础上有所发展有所提高。她运用气息的控制和共鸣区的调整,在女声的假声之中注入了浓郁的真声色彩,使得这种声音既符合民族声乐的演唱时对声音审美的要求,又具有良好的气息支点和极大的可塑性。因此,演唱的持久性和韧性都达到了令人满意的程度。这种科学的方法,使他能够轻松胜任大型歌剧主角的全部唱段的演唱和举办个人音乐会的演唱,而游韧有余。她的歌唱艺术对更年轻一代歌手起到了示范引导作用。她在民族声乐演唱方法的基础上,汲取美声唱法的长处和西洋歌唱艺术的精髓,使她的演唱更具有科学性。在彭丽媛的演唱中我们可以找到与之相对应的东西。她的咬字之纯正清晰、运腔的圆润与装饰性色彩和张驰有致的乐感,节奏都令人为之叹服。而她演唱方法的科学性,更为拓展她的艺术表现力提供了坚定的保证。
所以说,科学具有民族性,它即不是唯一,也不是永恒已成为科学界的共识。科学性应当是放之四海而皆准的。科学的演唱方法应当既是中国的、也是世界的,它不仅能唱好中国各民族、各地域的民歌,还能唱好艺术歌曲和歌剧以及通俗歌曲、戏曲等,同时也能唱美声的歌曲及其他歌曲。由此看来科学的演唱不仅是属于中华民族,也应当是全人类共有的。那种认为科学的唱法只有一种的看法也应当成为过去。科学的演唱是多种多样的,只有多种多样的科学唱法才能适应现代化的要求,才能给中国乐坛带了生机和繁荣。
参考文献:
①杨庭硕《民族文化与生境》贵州人民出版社[M] 1992年166页
②③孙德俊《浅论金铁霖教授的中华民族声乐教学思想》[J]中国音乐2004·4期76页 ④刘麟《彭丽媛的歌唱艺术》[J]中国音乐1998年1期50页
第二篇:歌剧演唱与声乐教学
歌剧演唱与声乐教学
一、歌剧的声乐教学意义
学习声乐演唱的人如果有机会完整地演绎歌剧将会对自身的综合素质及能力有所提高,歌剧的演唱会让学习者渗入声乐艺术的实质。声乐是一种艺术形式,为了达到某种艺术效果而产生,可起到熏陶、感染人,提升整个人类的思想境界、审美理想的作用,也可满足人们心灵、情感的寄托和需要,达到启迪教育的目的。因此我们在学习这门艺术过程中要本着对艺术真谛的追求。以崇高的境界要求声乐的教与学。
在当今的美声演唱领域中,艺术歌曲与歌剧占有十分重要的地位,也是目前我国声乐教学与演唱中最为大家所熟悉的艺术表现形式。歌剧是一种综合性的舞台艺术,是诗歌、戏剧、文学、美术、灯光、舞蹈、表演等艺术形式至善至美的综合体。它的伴奏气势宏伟,一般使用管弦乐队,是在舞台上用演唱来表现的戏剧,是戏剧的一种音乐形式。大多戏剧是分幕的,幕与幕之间又是彼此联系的,具有一定的情节性,是按照一定的故事情节背景展开的。歌剧每一幕通常由咏叹调、重唱与合唱组成,并且它们之间通常又由宣叙调衔接并贯穿发展起来,歌剧这一艺术形式还具有一定的社会意义,带有一定的社会性和哲理性,可以反映人们的现实生活和时代背景,在某种程度上讲,是人们现实生活的一种体现。歌剧是人们的情感所需要的,同时又能使人们得到娱乐和满足。它的存在并不是一种艺术形式的存在,而是迄今为止独立的几种艺术的融合。作为综合艺术的歌剧有其不可替代的艺术魅力。歌剧表演对声乐演唱提出更全面、更高层次的要求,它一直以来都是声乐的最高艺术殿堂。
二、歌剧与声乐演唱教学的关系
(一)歌剧演唱要求音乐与戏剧情节发展相结合歌剧的综合艺术特征对演唱者的综合素质提出挑战,除用美妙声音表达出音乐,还要与戏剧、表演等其它舞台艺术协同配合。在歌剧的演唱与声乐教学活动中,要注意对演唱者多方面能力的训练与培养,歌剧是戏剧与音乐相结合的产物,对演唱者来说。将情节发展、戏剧冲突与音乐流动起伏相融合是必要的。情节,可以理解为戏剧发展中人物性格及人物关系的展示过程,而在这一过程中,人物之间的冲突则成为戏剧发展的动力,没有冲突便没有戏剧,离开戏剧冲突歌剧情节便不可能引人入胜。如果演唱者在表现这些过程时对人物性格有形象逼真的刻画,对人物关系、情节的展开和冲突认识、理解得深刻透彻。拿捏得恰当,演出会取得良好的艺术效果,欣赏者也会被吸引。而要想塑造出人物角色,做好案头工作很必要。要研读剧本,清楚每幕、每段、每句在说什么,原因后果、来龙去脉做到心中有数;要对人物性格,行为动机进行分析,对每一阶段的心理活动深入揣摩,这是成功塑造人物的关键。需要我们对剧本故事人物诞生的文化背景、植根的土壤有所认识和了解。因此宽泛的知识及敏锐的触觉和理解力对演唱者都是有用的。
然而众所周知,音乐是歌剧的核心,能获得成功的歌剧首先是一部优秀的音乐作品。歌剧中的声乐除了具备以上戏剧的思想认识手段,更重要的它是用人声的音乐形式体现歌剧主题和内涵,有力地烘托歌剧艺术效果。歌剧中声乐形式有咏叹调、宣叙调、重唱、合唱等,它对演唱者提出演唱时要具备高超的声音技巧、准确识谱能力等各方面与音乐有关素质要求,为声乐的教与学注明努力的方向和前进的目标。
(二)歌剧中各艺术体裁的共同存在对知识结构的完善
歌剧艺术体现了一种和谐的境界,在歌剧中,它的构成要素很多。是音乐、戏剧、文学、舞蹈等艺术形式的绝佳组合。音乐分为声乐和器乐,声乐里有宣叙调他称“朗诵调”,旋律近于说白,节奏随着语言的变化而变化,用于陈述剧情和戏剧动作紧密配合,也常作为咏叹调的引子用于咏叹调之前、咏叹调(是角色动作处于平静状态下演唱的独唱曲,相当于戏剧中的独白。主要刻画角色的性格和心理状态。一般篇幅大,结构完整,音域宽,技巧复杂,音乐富于抒情性和戏剧性,可以在音乐会上作为演唱曲目来演唱)和合唱或重唱(相当于戏剧中的群众场面。能烘托剧情的发展,使剧情富有动力)。歌剧的器乐结构:器乐分为前奏曲(开幕前演奏的管弦乐曲,起提示或概括剧情的作用)、幕间曲(幕与幕之间管弦乐曲,起烘托气氛的作用)、终曲(全剧结束时演奏的管弦乐曲,带有总结全剧的意义)和舞曲(富于生活气息,常起到配合剧情、活跃气氛的作用),这是器乐曲独立演奏的部分,而在整部歌剧中器乐是在连续不断地奏出旋律,除了联系各独立的幕,更联系各唱段、宣叙调、咏叹调和合重唱,并为其伴奏。咏叹调旋律优美,成为声乐教学中极其重要的学习内容,而演唱者在歌剧表演中除了演唱精美的咏叹调外,更要将宣叙调表演得完整而准确恰当。
歌剧中的宣叙调有着交代剧情、表达情感、作为程式的段落、激化矛盾、结构转换的意义。音乐上突出的语气化音乐风格,旋律走向呈直线的平稳进行,节奏的均分,模糊的和声功能和分句,其实这些也都是为实现它说话的意义。在演唱技法上,要求比咏叹调更清晰地吐字,更生动的语感;唱法为增强声音的表现力会更自由些;分析判断说与唱的比例,与歌剧总的格调保持一致。高水平的演唱,不仅是技巧与情感的高度配合,同时也是艺术中的协和、对称、平衡美的表现,我们在演唱咏叹调的同时绝不能忽视宣叙调,它可训练演唱者歌唱的整体感、统一感、连贯感。也使得演唱者深入对音乐的分析理解,扎实音乐修养。相信了解宣叙调并对其进行细致演唱后会对其它的声乐体裁有相应的促讲和指导,除了咏叹调、宣叙调之外歌剧中的重唱及合唱在声乐演唱及教学中具有十分重要的意义,首先因为它在音准、节奏、气息的训练过程中比独唱有着更为严格的要求。此外还使得演唱者对音乐作品的感受、处理、演绎能力得到立体的强化和提高。再者歌剧中的重唱除了具备一般重唱的特点外,要在保持声音和谐的基础上又要唱出具有角色的个性特征,和谐而不失个性。
重唱使得歌剧音乐中主调音乐与复调音乐兼而有之,它几乎都发生在主要人物情感交融或纠葛的时刻,为歌剧的发展提供了速度。如果说宣叙调强调了戏剧语言而忽视了音乐价值;咏叹调虽能自如地展现音乐力量,但有时又对戏剧语言产生了阻碍;重唱则是寻求音乐戏剧在戏剧性因素与音乐性因素之间获得平衡的一种最佳形式。这是由于重唱本身具有的多声部叠置的特点,因而能把歌剧中不同性格的人物在同一时间内不同的心理活动、不同的情感表达同时组织进自身的逻辑结构之中,把不同内容的剧诗、不同性质的旋律按多声音乐逻辑和情节发展要求组合起来并加以戏剧性的展开。因此歌剧中重唱的特点是它在同一长度单元中,所表现的戏剧容量要比单声部陈述得更丰富,结构上更为紧凑,并且中间所包含的不同人物音质也加强了歌剧的戏剧性。
在合唱的学习排练中,要求队员以集体性的歌唱实践、学习、理解和掌握声乐作品,还要学习与指挥的密切配合,将音乐形象线条化。这是一个新的、独特的学习实践途径。因为
音乐作为听觉艺术,其表现形式极为内化。而通过与指挥和乐队的配合,在一定程度上会将音乐具体化,拓展了音乐学习通道。同时,我们通过对指挥手势的感悟,对作品的各声部协调、平衡的多维立体的分析过程,会进一步地使内心的音乐形象丰富起来,也从学习中掌握了分析、建立音乐形象的方法和过程,这对个人的声乐学习和演唱是一个独特的促进和发展形式。
一般情况下,演唱时比较注意的是声音的优美和纯净,对于作品的处理则会忽略一些。因为平时学习中的模仿会占据很大的成份,不可避免,学生在歌曲内容情绪上的表现和理解会出现模糊,而在声音上过于重视,在情感的表现上落后,以声掩情,使歌唱的感染力降低。在合唱的训练过程中,由于群体学习和多声部的学习难度较大,每个片段的学习时间相对比较长,在排练学习中注重对作品各声部感情和内容的分析,比较细致地从各声部歌唱速度、力度、音色的对比上进行练习。这种极为细致的分析和练习,会使学生在练习中通过聆听各声部的变化及整个重合唱的效果而感受到音乐形象的表现要求,使得在声音的表现中更注意的是整体形象的树立,从而能正确理解和演绎作品。作为一种群体艺术形式的歌剧重、合唱学习;学习者会在排练、演绎过程中,通过指挥的要求、自身的合唱实践,不仅在基本素质、理解作品上有很好的进步,而且对声音的判断、调整和认识也将有一个飞跃。同时,由于是群体的学习,学习者也能在同一曲目和统一要求下互相交流和提高,这对激发演唱者对声乐艺术的学习和认识有着重要意义,是单纯声乐课学习无法做到的。现在的很多音乐院校都不会忽视重唱、合唱、重奏、合奏在学生学习教育中的重要作用。也会摆好它在教学中的位置,这样歌剧中众多的重、合唱便会使得声乐教学效率得到提高,它对学习者的声乐演唱有着极其重要的意义。
另外,歌剧表演是声乐与器乐的配合,此外它又是音乐与舞蹈的结合,与雕塑、服装、造型等的融合。它们共同体现一个时代场景,一种美的艺术效果。因此,声乐教学中又必须要注重声乐与器乐等各有关要素的配合,并要对画面视觉效果及有关的各种艺术要素进行审美与评价,不断探索、改进与提高。
(三)歌剧舞台实践与声乐教学
声乐的表演性艺术特征,决定了舞台实践对歌唱学习的重要性。实践是在积累经验,有了某种经历或体验,便会得出教训和经验,才可能使得事情越做越好。歌剧的演绎和普通的音乐会形式不同,因为它涉及的内容更多更复杂,要求具备的能力更高,需要演员的综合条件和素质。首先它是由多人演出的,需要演员与多方的配合,要求与其它成员发生互动,在眼神、动作、声音、情态进行交流,与自己一个人表演是不同的:它是由多幕连续不断的具有戏剧冲突的故事情节组成,每一场故事发展的阶段戏剧张力的程度,人物在此时的心理活动,都需要演员有较好的把握和塑造;歌剧的音乐流动需要随着指挥与器乐配合进行,还需要融进氛围,与舞蹈等其他艺术形式融为一体,去展现一件完整的艺术品。歌剧的演出要求演员在对戏剧思想深刻理解的基础上,配合其它艺术元素,将歌剧艺术完满地呈现。从教学的角度出发,歌剧的演出会使各演出成员的能力得到多方面的锻炼、熏陶与提高。
无论西方歌剧还是中国歌剧在我国的声乐教学中都是重点,它体现并展示出了无以伦比的艺术魅力。歌剧是声乐艺术的最高境界,它对声乐演唱提出了更高、更难的要求,演唱者在解决问题,努力达到这些要求的同时,也促进了技能水平的提高。
歌剧音乐的连续性使歌剧表演具有其特殊性。歌剧演员必须在规定的音乐空间内,去完成规定情景下的人物情感的表达。演员既要充分地把所扮演的人物生动形象地展现给观众,又不能超出音乐上带来的局限。因此,舞台上歌剧演员的表演,必须处于“理智状态”下的表演。表演话剧的人可以不受时间和空间的约束去酝酿情绪,调整状态。一旦情绪到位,他们可以完全投入,忘我投入,直到演员认为情感表达得到满足为止。即使有背景音乐的烘托,演员的表演也是自由的、可以尽兴的。而在歌剧表演中要求就更为复杂,演员必须在规定的时间内完成规定的情感表现,否则音乐可能已经转换到另一种情景上,因此歌剧演员的表演是受约束的且有被动性。歌剧演员要时刻注意自己的声音、音准、节奏、速度及和指挥、乐队合作等一系列问题;还要清楚地知道自己在舞台上的地位、剧情发展的速度以及对手的交流等等。这就使得歌剧演员最在舞台上塑造人物的同时,还要让思维不时地跳出来,检查声音、音准等方面是否到位。歌剧演出时,演员既要投入还要清醒地保持自我,歌剧的演出对演唱者提出更高层面的要求。只有不断增强自己的综合素质,演唱者才可能在歌剧表演中更主动,更灵活。
第三篇:声乐演唱之心得体会
目录
摘要„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„Ⅱ 关键词„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„Ⅱ 引言„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„1
一、掌握歌唱气息的正确方法„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„1
二、声乐训练中的咬字吐字„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„1
三、演唱风格„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„2
(一)、不同的国家及作品背景,音乐风格表现必然不同„„„„„„„„„3
(二)、不同的声音表现不同的作品„„„„„„„„„„„„„„„„„„3
(三)、因材施教„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„3
四、临场心理„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„4 小结„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„4 参考文献„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„5 致谢„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„5
声乐演唱之心得体会
摘 要
在声乐的学习过程中,我认为最基础的是掌握运用气息的方法;其次,语言是声乐艺术的基础,而咬字吐字有是歌唱中准确表现语言的基本功;歌曲是语言和旋律共同合作的艺术,我们的声乐学习,就是希望能运用科学的发声方法演唱歌曲,用歌声及语言的完美结合来表达出作者想要表达的意境和想要描写的人物性格,因此,把握作品的风格也是很重要的;最后就是临场的心理。本篇文章将从上述的四个方面来阐述我对学习的一些见解。
关键字
歌唱气息;咬字吐字;声乐演唱;把握风格;歌唱的临场心理
Abstract
In the vocal learning process, I think the most basic way is to master the use of breath;Secondly, the language is the basis of vocal art, and articulation there is a singing performance in a precise language basic skills;songs and melodies together in language arts, vocal music of our study is to be able to use the scientific method of singing voice with the perfect voice and language combined to express the author wants to express the mood and want to describe the personality, therefore, to grasp the style of work is also very important;Finally, there is the psychological spot.This article from the above-mentioned four aspects I am learning insights.Key words
Singing breath;Articulation;Vocal Music;Grasp the style;Singing spot psychological
引 言
随着现代经济条件的快速发展,人们对于精神的享受要求越来越高,声乐的受欢迎程度也日益增加,作为音乐学院的学生,我们应该坚持科学的方法,努力学好声乐。
一、掌握歌唱气息的正确方法
我们的声乐演唱最开始学的就是气息的训练,即运用胸腹式呼吸的训练,演唱中的呼气要保持一定的时间,因为要保持声音的位置统一,不能将气息一次吐完,否则声音就会很不稳定,从而不能使演唱者把歌曲流畅完整的表现出来呼气和吸气是很密切的两个过程,要让自己具有良好的控制气息能力,就必须在平时努力增加肺活量。
在声乐学习中我们必须基本的了解我们发声的身体器官,知道一些歌唱器官的小知识,比如:口、咽喉、鼻、头、胸腔及横膈膜等,得了解演唱时它们所处的状态。我们再演唱之前,头脑中应有一个最理想的状态,声音从哪里发出到达哪里,都应该有准备,有目的,使一张嘴就能达到预想的效果。我们在歌唱前就应该有一种高兴想唱歌的心态,不应处于被动的地步,使自己紧张的脸红脖子粗,这样就不利于气息的控制,气息是演唱的动力,而肺、横膈膜、两肋就是演唱的风箱,只有控制好这个风箱,才能使声音稳定而自然,如果身体的各个部位都没打开,就会产生思想紧张、消极,从而反向的阻止气息的运行,使声音僵硬,不自然。
另外,演唱者的听力训练也很重要,在发声之前,自身就要有准确的音高概念,就像没有发出声音但脑子已有了声音的音高和音色,这些都是要不断地磨合训练才能融合贯通,只有方法运用得当,才能有很好的学习效果。
二、声乐训练中的咬字吐字
我们的歌曲要求演唱的字正腔圆,这是声乐艺术与其他音乐形式的区别之处,本文将从咬字头、吐字腹、收字尾三大方面阐述声乐训练中咬字吐字的重要性。声乐是通过语言来表达歌曲内容的,我们生活中的乐器能够通过演奏技术及技巧来表达作者的感情起伏,但是却没有办法完整的具体的语言内容,而声乐不但能通过演唱者的表演唱出作者想说的话,而且还加入了演唱者对歌词的感情理解,使文字与声音感情完美结合,使作者和演唱者的感情表达更为丰富,这就能让我们与听众产生共鸣和交流,因此,清晰准确的歌唱是听众听懂歌词内容并且与演唱者产生情感上的共鸣和交流的关键,所以,咬字吐字在歌唱中具有十分重要的意义,不能学会咬字吐字,歌词与旋律就不能很好的联系起来,艺术形象也就得不到完美的表现。
我国传统的歌唱理论根据汉字发音的三个特点归纳为“出声”“引腹”“归韵”的咬字过程。“出声”部分主要由21个声母,也称字头。“引腹”部分就是延长发响的韵母,也叫字腹。“归韵”指字音的收尾。我们可以把发音过程分为三个要点:咬字头、吐字腹、收字尾。
1、咬字头:我们在演唱字头时要收拢,咬字要重。俗话说的好“咬字千金重,听者自动容”,就是强调字头咬字用力的要求和声音效果。使“出字”有力,追求声音的爆发力。如“问”(W,就得双唇收拢);“几”(J,舌尖与上腭贴近)。这些口腔关闭或接近关闭然后爆发出来的音往往时间不长,却很有力量。所以说,字正是基础,要“正”,就要施巧劲,从而让参与字头发音的口腔肌肉准确灵活地调动。
2、吐字腹:歌唱语言 中的字腹是声音位置的基础,这与我们平时的说话发音有着很大区别。歌唱声音主要就是由各个韵母连贯而成的,声音是不是圆润,主要取决于韵母发音的准确、连贯、流畅与否。同时,字腹又是歌唱中音色丰富变化的基础。字腹要松开扩充,吐音要圆。如“我”字中的o,“江”字中的a,“渡”字中的u,这个阶段发出的是音节中的唯一的元音,如“普”字中的u,都必须使用圆吐,才能使声音字正腔圆。字腹发音的口腔动作要求放松,尽可能让气流在口腔内自由流动,演长发音时间,使声音自然流畅的推向字尾。
3、收字尾:字尾是字音消失前的收尾阶段,是完成字音、决定字意正确表达的重要部分。这是歌词音乐美的基础。如“爱”字的i,“江”字的ng,就是字尾,跟组成字头的音素一样,字尾都是口腔收拢至完全关闭或接近关闭而发出的音素,字尾收韵要轻,要求把稳定成型的字腹轻巧柔和地收到尾音上来,使字音有个纯正、完整的结束。字尾的时值要比字腹短暂得多,力量也比字头松弛轻柔得多。具体的做法是,当字音在字尾上结束时,气流稍减弱,音量稍收小,肌肉稍放松,为下一个字头的有力喷弹而积蓄力量。
我们日常生活中的说话习惯,在一定程度上影响甚至决定着歌唱者的读字。因此,好的读字本身就是一项声音训练的联系,我们在教学的时候必须教导学生怎样首先去朗读歌词,捕捉口语的感觉,并把全部注意力集中在歌词的含义上,才能精细准确的表达一首歌曲。正如莎士比亚所说:“好的说话就已经获得了一半好的歌唱。”千百年来,我国历代音乐家对歌唱的咬字吐字,无不提出严格要求。如明代魏良辅在《曲律》中提出:“曲有三绝,字清为一绝;腔纯为二绝;板正为三绝。”这里的“绝”是指唱歌的技巧,他将“字清”列于三绝之首,可见咬字吐字的重要性。因此,我们在歌唱中应该认真学习,掌握扎实的吐字咬字方法,成就歌唱发生的基础。
三、演唱风格
歌唱艺术是文字语言与音乐旋律有机结合的产物,一般地讲,就是用科学的发声方法唱出嘹亮的歌声,又用音乐化的文字语言生动的塑造乐曲中的人物形象,描绘其意境,从而表达其思想感情的一门艺术,因此,作品的风格把握也是很重要的一门学科。
(一)、不同的国家及作品背景,音乐风格的表现必然不同
在歌曲演唱中,我们要对声乐作品的风格进行分析和表现,联系当时社会的时代特征及作曲背景,对作品进行研究,特别是演唱者在演唱作品的时候,不能所有的歌曲不论时代和背景,千篇一律的用相同的声音,相同的表现手法,相同的情感来演唱,要研究不同时代不同作曲家作品的差异,这就是我们所说的作品风格。例如在我国的音乐中,时代的特点相当明确,如延安时期的声乐作品,表达受压迫而想改变命运的歌曲较多,如《黄水谣》;而改革开放以来,声乐创作出现了前所未有的繁荣景象,作品的风格和创作方法可谓是百花齐放,这个时候的歌曲,往往想表达的是一种处于发展和前进的时代特征,例如《走进新时代》等,也有表达对祖国的无限热爱及歌颂,如《我爱你中国》之类的,往往要唱出思想上的激动,也有表现细腻情感的,风情小故事,如《大森林的早晨》之类的精美小歌,演唱时就要求演唱者的情感细腻,自然。
(二)、不同的声音表现不同的作品
我们的声乐教学要学会对作品进行风格分析,用什么样的声音表现什么样的作品,如意大利的热情,德国的严谨,法国的浪漫,中国的自然。这些都应在作品中得以体现,我们在演唱意大利的歌曲时,如果声音在处理方面显得严谨,这就有点过了,我们的演唱情感是由内而外的,不同的声音诠释不同的音乐风格,个人演唱的风格加上自身的生理结构,才能完美的演绎作品。个人声音的差异在中国的民歌上的表现更为明显,如民歌《茉莉花》,不同的人演唱就有不同的风格,宋祖英在维也纳音乐演唱会上的完美诠释,使这首歌曲的声音演唱的最到位,令人百听不厌。因此,演唱的特点因人而异,各不相同,有人喜欢本嗓而显得自然,有人喜欢滑音而独具特色,总之,我们在学习中不要盲目的去模仿,演唱风格要因人因作品而定。
(三)、因材施教
我们师范学校音乐学的学生是将来社会的音乐教师,首先我们要教习学生掌握比较正确地歌唱方法,但是,也不能急于求成,其次,在教学中不能急于求成,不能超出学生的能力,我们首先要了解学生的歌唱生理条件,因人而异的选择适合自己的歌曲。山西民歌经彭丽媛的演唱,使地方特色更为明显;而阿宝的陕北民歌,更是让人耳目一亮,只听他的声音就能把人带到陕北高原。因此,我们应在学习中多听,多看,多学,多唱,不能一味的模仿,而应找到自己的风格。
四、临场心理
歌唱心理是指与歌唱有关的行为和精神活动及其相互作用的总和,而表现最大的就是怯场。心理学说:“因各种原因造成的情绪紧张只是原来已形成的熟练动作、书籍了的材料不能重新回忆叫做怯场”。而往往我们见到的情况就是演出前很多人讲“我好紧张„„”这就是怯场心理。
怯场在音乐表演中的主要表现如下:
1、脑子空白,注意力分散;
2、心跳加快,呼吸紧促,发抖,嗓子干渴,随之声音发抖,音高走调,节奏不稳,脸红心跳,甚至晕倒。
而造成怯场的原因有很多,基本如下:
1、技能不熟而引起心理压力;
2、思想负担过重;
3、自信心不足;
4、临场经验不足。
无论什么原因引起怯场,都会影响学生的发挥,我们必须做好全部准备,才能克服怯场心理,具体方法如下:
1、勤学苦练,因此才能“艺高人胆大”;
2、克服害怕失败的心理,音乐是一门遗憾的艺术,一经出错则无法弥补,但我们应保持良好心态,努力演好后面的部分;
3、增强自信心,上台前可找个安静的地方,暗示自己一定行,或者告诉自己说“我叫不紧张”,增加自信,必能事半功倍;
4、积累舞台经验,树立坚忍不拔的意志力,我们可以在演出前登台走台,缓解内心的压力,并且养成“败不馁”的精神,则一定会克服怯场,走向成功。
小 结
演唱表演比较复杂,每前进一步,都要付出更大的努力,我们必须掌握科学的演唱方法,学习咬字吐字的好习惯,把握作品的演唱风格,克服怯场心理,才能在声乐的学习上取得更大的进步。
参考文献
【1】 张凯,《音乐心理》,西南师范大学出版社2001第192页 【1】 马俊芳,《声乐理论基础》第一章,河南大学出版2004 【2】 宋承宪,歌唱咬字训练与十三辙【M】北京中央民族大学出版社,1998 【3】 薛良,歌唱的艺术【M】中国文联出版公司,1998
第四篇:浅谈在民族声乐演唱中的“声情并茂”
浅谈在民族声乐演唱中的“声情并茂”
【摘 要】在民族声乐演唱中,著名民族声乐教育家金铁霖教授提出从声、情、字、味、表、养、象这七个方面来衡量一位演唱者的综合演唱能力。声指的是歌唱中的科学发声,情是歌唱中的情感表达,字是歌唱中的吐字咬字,味指的是歌唱的风格和韵味,表是歌唱中的表演,养指的是歌唱者的道德修养和文化修养,象是演唱者的形象、仪表、台风、气质与风度等。在演唱中,科学的发声和情感的表达互为影响,缺一不可。演唱者如果能做到以情带声、以声传情,便能更真实地表达内心的情感,听者也更能感受到和演唱者之间的情感连接。声乐演唱这门独特的艺术表达形式正是通过声音和情感的纽带拉近人们和灵魂之间的距离。
【关键词】情感;声音;气息
中图分类号:J616.2 文献标志码:A 文章编号:1007-0125(2017)13-0055-02
提起歌唱很多人脑海里会联想到各种美妙的声音和优美的旋律带给人们内心美好的情感体验,在歌唱中声音和情感缺一不可、密不可分。歌唱者做到以情带声、以声传情的声情并茂的演唱,才能带给听众美好的音乐感受。
一、歌唱中音色的表达
音色是指声音的感觉特征。不同的人声和不同的声响都能区分为不同的音色。音调的高低决定于发声体振动的频率,响度的大小决定于发声体振动的振幅。但不同的发声体由于材料、结构不同,发出声音的音色也就不同,这样我们就可以通过音色的不同去分辨不同的发声体音色,根据不同的音色,即使在同一音高和同一声音强度的情况下,也能区分出是不同乐器或人发出的。同样的响度和音调上不同的音色,就好比同样饱和度和色相配上不同的明度的感觉一样。在歌唱中,音色指的是不同歌唱者的声带所发出的不同质感的声音。
在民族声乐演唱的学习中,想要表达出美妙的音色需要通过一系列的科学发声练习,科学的发声会带给听众听觉上的享受,也会保养演唱者的声带,延长艺术生命力。在声乐演唱中,检验演唱技巧的科学与否有一个很适用的手段,就是看演唱者的歌唱音色是否放松和自然。通过科学的气息和声带相结合的音色是非常清透、自然和充满穿透力的,演唱者自身也会有很舒服的体验,听众听到这样的声音也会感受到舒服和放松。
在我从事声乐教学将近七年的时间里,遇到了很多具备声乐演唱技巧却无法舒服表达歌唱色彩的学生。学生在声乐学习的过程中往往容易把歌唱技巧当成歌唱的目的,而没有认识到音色表达的重要性。所有的歌唱技巧都只是表达声音色彩的手段。技巧是手段,音色是目的,有了这样的歌唱理念后,在声乐学习中的很多“复杂”的问题便可“简单化”。
二、歌唱中的情感表达
演唱者在演唱不同的声乐作品时,会根据不同作品的需要来表达不同的情感。比如在演唱江苏民歌《茉莉花》时,演唱者要根据这首作品的需要表达出温婉、清新、美好的情感,让听众能感受到江南水乡的细腻和柔美。在演唱歌曲《我爱你中国》时,演唱者要根据作品需要表达出真诚、热情、阳光的情感,使听者能感受到祖国河山的波澜壮阔和对祖国热爱的赤子之心。在同一首声乐作品里有时也需要表达出多种情感,比如在歌曲的引子部分,往往是抒情地歌唱,在歌曲的副歌部分往往是激动和饱满地歌唱。在歌剧唱段里更是会有多样的情感表达,比如民族歌剧《野火春风斗古城》的选段《娘在那片云彩里》,这个唱段就以铿锵有力的音乐表现作为开头,刻画了杨母坚强的形象。在接下来的音乐发展中,又进入抒情优美的部分,展现了杨母温柔慈祥热爱生活的母亲形象。最后唱段的结尾以悲壮的音乐风格结束,展示了杨母宁折不屈的坚强的革命形象。同一首声乐作品里显现出如此丰富的情感表达,需要演唱者有丰富的生活阅历才能做到。
如何真诚地通过歌唱表达声乐作品所要表达的情感呢?首先,要了解歌曲的创作背景和歌曲所要表达的主题。其次,歌唱者结合自身的生活经历,将相似的情感体验投射到声乐作品演唱中。要做到这两点要求歌唱者具备一定的文化修养和丰富的生活阅历,这也是人们所说的“艺术来源于生活,又高于生活”。声乐者在演唱的过程中,将生活中的各种情感体验通过演唱的形式放大或者夸张,让人们对生活有更为深刻和明朗的认知体验,所以说,歌唱中的情感表达是歌唱的灵魂。
三、在歌唱中如何更好地做到声音的表达和情感的表达
要更好地做到声音和情感的共同表达,就要求歌唱者在学习中严格合理地进行练习。在演唱一首作品时,首先要准确地按照歌曲的曲谱对歌曲进行认真的演唱学习,保证音准的准确度是表达音乐旋律的前提;其次,演唱者可根据自身掌握的声音技巧对歌曲进行完整演唱,在演唱的过程中可做自我审视,遇到自己歌唱不舒服或者音高受限的地方可做重点标记,再通过简单的练声曲训练对歌曲中所要解决的问题进行针对性的练习。在我以往的?乐学习中接受的教学方式普遍是先练声再唱歌,即先运用简单的旋律进行声音的练习,课堂上老师会把一系列科学发声的理念通过这些发声练习传授给我。参加工作后,我也走上了声乐教学的岗位,在我的课堂中我也以这样的方式进行教学,经过长时间的教学体验和总结,我发现声乐学习的学生不能把练声曲里老师贯穿的理念很好地运用在歌曲里,这样就很难体现出练声曲在声乐学习中所能起到的作用。对此,我在自己的歌唱练习以及在课堂上和学生的互动中,将练声曲的练习和歌曲演唱的顺序进行了对换,将歌曲演唱放在第一步来完成,带着在歌曲演唱中出现的问题再有针对性地进行简单的旋律练习。这样歌唱者在歌唱中会懂得如何运用练声曲作为解决声音问题的手段,这样的调整让我自己也让我的学生都在歌唱学习中更好地表达了自己的声音,得到了很好的体验!
歌曲中情感的表达需要生活中的各种情感体验的积累。在声乐课堂教学中老师教授学生的主要方式是口传心授,但是语言所能表达的内容是非常有限的,就像老师无法用语言的形式给一个没有吃过苹果的学生描述苹果的味道一样,学生只有自己亲自品尝了才知道其中的滋味。歌唱的情感表达也是如此,因为这方面的学习更多的内容其实是在课外的积累。我在课堂上就鼓励我的学生多阅读古今中外的著名书籍提高自己的内心素养,建议学生利用假期的时间多出去旅行,接触大自然,接触丰富多彩的人文风情来开阔自己的眼界。一个人内心的能量启动了才能更好地表达自己,无论是在生活中还是在歌唱中,会生活的人往往也有一颗会歌唱的心灵!在我的声乐课堂里,当我发现学生出现紧张、胆怯的情绪时,我往往会中止课堂内容的正常教学,让学生静下来感受和观察自己的情绪,并和学生一起去发现形成这种情绪的原因。在这个过程里,无形中老师就带给学生一种安全感,从而缩小了和老师之间的距离感,这样交流过后学生的课堂状态明显轻松积极了很多,在这样的心理状态下再去表达歌唱的内容,无论是在声音还是在情感的表达上都有了更好的表达。
四、发音技巧和情感表达互相依存、缺一不可
著名民族声乐教育家金铁霖教授提出从声、情、字、味、表、养、象这七个方面来衡量一位演唱者的综合演唱能力。声指的是歌唱中的科学发声,情是歌唱中的情感表达,字是歌唱中的吐字咬字,味指的是歌唱的风格和韵味,表是歌唱中的表演,养指的是歌唱者的道德修养和文化修养,象是演唱者的形象、仪表、台风、气质与风度等。在金铁霖老师提出的演唱中的七个方面里,其中最为重要的还是声和情的把握。声是声乐演唱者进行演唱的前提,情是声乐演唱者在演唱中要到达更高境界的要求,有了科学的发声、美妙的声音、真挚的情感流露才能愉悦演唱者自身和听众的内心!
在民族声乐演唱的学习中,发音技巧的练习是一种很理性的练习,要求歌唱者做到用小腹协助呼吸和低喉位演唱。这个学习过程极其漫长和枯燥,有很多技巧运用的传授仅通过老师语言的表述是很难完整传情达意的,这就要求学生在课堂上有很强的领悟能力和在课下有更强的学习能力,不仅从音乐的角度进行学习,甚至还可以延伸到医学中对人体咽喉器官的研究学习等。情感表达在歌唱中某种意义上说也是在理性基础之上呈现出来的感性,比如在演唱一些歌剧片段作品的时候,演唱者就要做到先让自己投入歌剧中的人物角色,这就是一个理性的思考过程,进入这样的角色后再通过自己所塑造的人物形象来表达自己的情感,这样在演唱时才能将自己所经历的情感直接运用或者间接折射到所要演唱的声乐作品中来。一名优秀的歌唱者,一定可以做到将发音技巧和情感表达融为一体,通过美妙的声音表达真挚的感情。
五、结语
在中国的古籍《乐记》中就曾记载:“凡音者,生人心者也。情动于中,故形于声;声成文,谓之音”。在民族声乐演唱中声音和情感缺一不可,互为作用。真挚的感情需要美妙的声音来传达,美妙动听的声音只有表达出真挚的情感才能真正打动人心!歌唱作为一门独特的艺术表现形式,在生活中不仅能够愉悦人的心灵,丰富人们的精神生活,还能最直接地体现出时代的发展和不同的人文环境的特征。中国地大物博,有五十六个民族,每一个民族都有自己独特的音乐特点,有江南的温婉,如江苏民歌《四季歌》;有黄土高原的辽阔,如陕北民歌《山丹丹开花红艳艳》;有中原大地的质朴爽朗,如河南民歌《编花篮》„„在演唱这些不同地域的民歌时,对演唱者歌曲风格把握能力的要求都非常的高。所以每一位歌唱者要通过掌握科学的发声技巧,对所演唱的每一首声乐作品要有贴切的情感表达,这样才能成为一名优秀的声乐歌唱者,才能用他美妙的歌声为我们的生活和社会带来更多的美的享受和正能量的传播!
参考文献:
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张 爽,郑州升达经贸管理学院艺术系,教师,助教,民族声乐方向。
第五篇:声乐作品的艺术处理与演唱
声乐作品的艺术处理与演唱
声乐演唱是一种综合的艺术表现形式,它综合了演唱者的脑力、体力想象力和表现力。表演者对音乐作品的理解力、感受力、想象力和表现力将随着人的文化底蕴的提高不断注入新的生机和活力,并得以升华。
一、要深入分析作品
认真地分析作品的词和曲,这是演唱好任何音乐作品都首先要做到的,但对演唱好艺术歌曲而言,我们还要对作品的时代背景、各作曲家的个人创作风格等进行全面的了解和研究。
1.要分析作品的时代背景
很多艺术歌曲都带有浓郁的时代特色,饱含丰富的时代气息,可以说,一首优秀的艺术歌曲,就是以音乐形式对那个时代精神的浓缩和凝结。古典主义音乐崇尚理性、重视规范、要求感情的节制和形式,古典时期的作品声音力度不是很大,强弱的幅度对比也不是很强烈„„在浪漫主义时期,音乐就着重强调自我主观意识的表达,作品多以理想事物、古代神话传说和幻想故事为题材,强调音乐与诗歌、戏剧、绘画等其他艺术的结合,注重音乐的标题性和诗情画意,重视吸收民族民间音乐的素材体现民族性。
2.要分析作品的民族特色
世界上任何民族的音乐都有既明显又与众不同的特点。我们应该借助语言学、民族学、历史学和地理学等学科的科研支持,更好地分析和演绎不同国家、民族风格作品。德国艺术歌曲的演唱含蓄、内向、诗意,声音要求圆润、情绪变化幅度小,情感更加细腻,小动作多„„意大利的艺术歌曲演唱就比较倾向于热情洋溢,大起大落,感情很外露夸张,因此,意大利风格的艺术歌曲演唱需要更多的热情浪漫,声音的变化和幅度可以强烈些。我国在二十世纪二三十年代的黄自为代表的艺术歌曲的风格内向、典雅、小巧精制、文人气比较浓。
3.正确理解歌词的含义
歌唱的目的是为了表达思想感情,每一首歌都有鲜明的主题和中心思想。当我们演唱一首作品时,首先应了解歌曲所表达的含义及曲作者的表达意图。对作品的理解越深刻,感受就越强烈;感受力越强烈,想象力则越丰富;想像力越丰富,那么表达的能力则越强、越生动、越完美。每一部作品都有属于它自身的情感的含义,在演唱作品之前,最重要的就是先理解每句歌词的含义,只有理解了作品的内容,和作者想要充分表达的思想感情,才能更好的演唱出作品的含义。
二、内心情感在作品中的运用
声乐演唱必然要贯穿情感,通过对艺术歌曲歌词的分析和研究,确定作品的主题思想,准确把握演唱时的情感基调,才能淋漓尽致地表现艺术歌曲意境,塑造出鲜明的艺术形象。歌唱艺术不是塑造生活中触手可得的实体形象,也不是通过科学试验或说明概念来表情达意,而是通过独特的音乐元素,借助声音技巧塑造形象、抒发情感,以此引发欣赏者的情感共鸣。
1.要展开场景想象
场景想象即想象作品描述的场景,并把自己置身于当时的场景,设身处地的感受。如由刘麟填词.王志信作曲的艺术歌曲《昭君出塞》就是一首非常优秀的作品。这首歌曲的歌词写得精炼.旋律凌婉壮丽、荡气回肠。把王昭君这位不满二十岁的弱女子为了国家的和平民族的安宁远嫁异族的和亲壮举刻画褥栩栩如生.催人泪下。塑造了一位深明大义,才貌双全,为民族团结而作出重大贡献的女英雄形象。
2.要进入角色
艺术歌曲的表演和其他表演创作一样,始于想象,从阅读作品、熟悉角色开始,演唱者都需要进行艺术想象,以便最终进入角色。《美丽的草原我的家》这首歌曲,就具有浓郁的蒙族民歌辽阔、抒情、悠扬的特点。在演唱这首歌曲时,首先根据自己的理解总结出蒙族民歌的特点,同时老师对该民族某些典型的地区性或民族性音乐风格或特点给我做了详细的讲解。引导我们想象一望无际的大草原,绿浪碧波,牛羊成群的美丽景色,这样就容易使我唱出歌曲的风格。演唱者不仅要完美的运用发音,更要有令人沉醉的情感抒发。
3.要把握好作品高潮的处理
歌曲作品一般因篇幅较小而容量有限,但同样有可能存在着情绪的起伏和变化。在有些歌曲,特别是创作歌曲中,作者为了使主题更为突出,安排了一个情绪的最高点,即“高潮”,它通常都安放在全曲后部或结尾。高潮是歌曲情绪最集中、最具表现力的重点,在演唱时处理高潮应该根据自己的条件,在声音力度上给高潮的出现留出充分的余地以突出高潮。在演唱艺术歌曲过程中,要让几个音乐符号去让观众感动,让观众明白作品所表现的内涵,是离不开演唱者对音乐形象的塑造的。例如:贺绿汀的《嘉陵江上》这首歌高潮前的“我必须回去,从敌人的枪弹底下回去”,到“把我打胜仗的刀枪,放在我生长的地方”,一句比一句的感情表达强烈,每一句尾处感情延留虽然是强的,但语势和感情先现要求时,下句先现只能利用休止和气口,不能侵入上句句尾。
三、要反复锤炼作品
要演唱好艺术歌曲,需通过不断的“打磨”过程,找到最佳的艺术感觉。
1、表演在演唱中的正确发挥
表演可以促进艺术想象的完成。艺术想象力是艺术创造中的一种必不可少的心理功能,它始终和形象思维、情绪情感等心理过程互相联系,互相渗透和互相作用。在声乐演唱中,表演可以促进艺术想象的完成。演唱者对声乐作品内在形象思维的想象必须通过表演来实现。表演诱发想象力,想象力推动表演,二者是相辅相成,互相作用的。表演者通过艺术想象力的功能,依据作品提供的想象材料结合自己对生活的积累进行表演。让自己在想象的环境中生活,在这种状态中表演者通过自己真实的体验获得真实情感,从而把作品完美的表现出来,可以促进声情并茂。
2、演唱技巧在声乐作品中的运用 歌曲演唱的技术性处理在演唱中也很重要。所谓“技术性处理”主要指在老师指导下学生演唱时运用不同的速度、力度、各音色的变化对比以更好地取得作品所期望的艺术效果。
速度就是乐曲进行的快慢。不同的音乐形象、风格往往与适当的速度相配合。速度加快可以使情绪趋向热烈、紧张,反过来速度放慢可以产生松驰、缓解的感觉。速度对表现不同的意境、表达人的复杂感情具有重要的意义。速度的划分较细,多数歌曲都标明了速度的要求。
力度也称强弱,它是音乐表现的物质基础。在音乐表现中,声音力度的强弱和音乐意境、反映的自然现象、人的思想感情有关,那麽处理歌曲时,就应顺其自然的艺术规律,恰如其分地运用声音的力度来表现。声音的力度变化,在歌曲演唱中有很强的表现力。在歌曲处理时,必须做到自然、合理。
音色指声音的色彩。对歌曲音色的处理,既是表现歌曲感情的需要,又是音乐表现的需要。不同音色的运用可以产生不同角色的感情色彩。人类语音音色具有鲜明的情感色彩,在歌曲艺术的表现上具有特殊的魅力。我们要充分利用歌唱音色表现情感的这一特性,恰如其分地进行音色处理,使歌曲演唱更富于艺术感染力。不同速度、力度和音色的运用常常不是孤立的,而是互相结合互为补充的,与旋律、节奏等其它音乐因素有机地交织在一起而组成有思想内容的乐曲。处理歌曲作品,首先应从歌曲内容出发,使音乐处理同歌词内容的表现紧密结合,做到处理贴切、恰如其分使其为歌曲表现的情感而服务。
真正做到处理好每一部作品,不仅仅需要对作品进行分析,情感的表达,更重要的是牢牢抓住声乐表演的根——生活,老老实实向生活学习;苦练基本功,扎扎实实学习表现技巧;感受文化、感受生活、提高素质修养;依据作品的思想内涵合理设计情境、心态、眼神情态、表演举止,运用丰富的声音色彩,展现作品的风格特色,排除一切与演唱无关的因素,融入作品,把“以情化声,声情合一”作为自己追求的表演境界。真正理解作品传达的思想内涵,当歌者头脑中的思想情感与之相碰撞时,爆发出火花般璀璨的艺术灵感,才能引领观众进入艺术情境,充分调动观众的生活情感积累,把观众的情感积累调动到不得不发的最高峰,激发痛快淋漓的情感宣泄,最大限度地引发内心共鸣,达到预期的审美目的,赢得观众发自内心的喝彩。