音乐修养考试资料

第一篇：音乐修养考试资料

Libera合唱音乐会

Libera在拉丁语里代表「自由」之意。英国音乐制作人与诗歌班所交织而成的歌声Libera。他们的声音融合了传统教会音乐与新世纪音乐，创作出全新的类型。在拉丁语里，这个字不仅蕴含心灵气氛，同时还拥有能将歌曲意义传达给众人的力量。

拥有30位男童的合唱团，曾经被称为“圣菲利普合唱团”、也曾被称为“天籁创世纪”合唱团，该团在1998年正式改名为“天使之翼”后，音乐风格也朝向更积极正面、具有疗伤和振奋效果。同时他们也采用较多的知名旋律和古典名曲来改编。

来自英国南伦敦诺布利(Norbury)的圣菲利浦童声合唱团（St.philips boys' choir）第一次走进公众的视线，可以追溯到1984年他们在Sal Solo的歌San Damiano中为他唱和声。在之后的1988年，他们以圣菲利浦童声合唱团的名字发行了他们的第一张专辑Sing For Ever.1990年合唱团改名为Angel voices发行了Angel voices-new day，随后的几年又出了Angel voices系列的三张专辑这一时期合唱团开始广为人知。

1999年，乐团改名Libera，并发行了同名专辑Libera。2001年发行了Luminosa.此后乐团加入EMI Classics旗下并于2004年发行Free，2005年发行了专辑Visions，2006年发行了精选集Angel voices，2007年发行了合唱团的第一张DVD ——Angel Voices: Libera In Concert。

从St.philips boys' choir名称中可以看出libera起源于教堂唱诗班，早期音乐多是教堂圣歌的形式，给人一种静谧，神秘的感觉。如果说angel voices系列还主要是以classical和church music风格为主的话，那合唱团改名libera后发行的三张专辑则大大加重了new age元素的比重，而且这个趋势还在发展，以至于在新专辑free发行后一位fans直接定义libera的音乐为new age vocal。

凯尔特女人合唱音乐会

凯尔特音乐是来自于凯尔特人的音乐。凯尔特人原为公元前一千年左右居住在中欧、西欧的一些部落集团，经过漫长迁徙来到英伦，其后代今天散落于爱尔兰、威尔士、苏格兰北部与西部山地各处。凯尔特人包括爱尔兰人、苏格兰高地人、威尔士人及康尼士人，他们大多操双语---英语和本族语（盖尔语或凯尔特语），除了文字或文物研究可以证明他们之间的族源关系，最直接的方式是倾听他们的音乐。典型的凯尔特风味，古老、源远流长，可以听到提琴、风笛、小竖琴或者两个风箱的手风琴。在英伦三岛、在美洲大陆，只要是在有凯尔特移民后代的土地上面，你就可以找到这样的音乐。2005年，一个新的有众多美女组成的凯尔特女人组合，以纯美自然的凯尔特音乐风格，在美国再度兴起了跨界风潮。这个组合是由身兼音乐总监、指挥、作曲及编曲者四项身份、曾任《大河之舞》音乐总监的的大卫·唐恩所领军，包括四位爱尔兰歌手克萝伊、莉莎、梅芙、欧拉及一位小提琴手玛莉，还有06年刚加入的新西兰籍巨星海莉。

音乐会礼仪

票务:1.购票方式可选择网点及网络购买,单票或套票.2.确认演出时间 地点 区域(价位不同),不得随意更换位置.着装:1.衣着整洁,不可穿短裤或者拖鞋.2.提倡盛装出席,以示尊重.时间:1.要求提前1个小时到达场地.2.如遇迟到,在演奏厅门口稍后，待单首乐曲结束或乐章之间轻声入场,以免影响他人.饮食:勿将饮料、食品、口香糖、塑料袋（发出声音的物品）等,带入演奏厅.禁止吸烟.电子设备: 1.手机及其它无线通信设备关闭或调至无声状态。2.禁止摄影、摄像及现场录音,以维护知识产权单位及个人著作权的合法权益.3.如获得知识产权单位及个人同意，请在摄影时禁止使用闪光灯.儿童:1.2米以下儿童，谢绝入场。1.2米以上儿童凭票入场（儿童专场除外）。

小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》

何占豪、陈钢于1959年创作，并于当年首演。作品的题材选自广为流传的民间故事，并以越剧音乐为素材写成。这是一部具有鲜明的民族风格和时代特征的作品。

国内将其誉为“民族的交响音乐”。国外音乐界认为是一部“迷人、新奇、具有独创性的作品”，称它为“《蝴蝶的爱情》协奏曲”。《梁祝》采用单乐章结构形式写成，中间带有小标题，全曲三个部分以草桥结拜、英台抗婚、坟前化蝶为主要内容。第一部分为呈示部,第二部分是展开部,第三部分是再现部“化蝶”。

中国传统音乐

我国的传统音乐,可分为民间音乐、宫廷音乐、宗教音乐或文人音乐等不同社会层面。由体裁来分,为:民歌、曲艺、歌舞、戏曲和器乐五种类型。

民歌体裁分为: 山歌 包括各种山野歌曲,如藏族山歌、湖北长阳山歌、内蒙古的牧歌、陕北信天游、青海花儿、四川的晨歌、苗族的飞歌等.号子 多是节奏相对规范化的劳动歌曲,其特点主要是音乐的节奏直接配合劳动节奏,或与集体劳动的动作协调有关.如<<川江船夫号子>>、<<拉纤号子>>等。

小曲 包括各种山歌、号子以外的”里巷之曲”,这其中许多属于城镇街头巷尾市民文化与农村文化交融的产物,民间艺人在其中起了重要作用.如<<月牙五更>>、<<茉莉花>>、<<绣荷包>>等。

曲艺是指诸如单弦、大鼓、弹词、琴书等说唱艺术的总称。歌舞体裁中包括有花灯、花鼓、采茶、二人台等由民歌与民间舞蹈相结合的 以民间器乐曲为伴奏的体裁形式。

戏曲包括有高腔、昆腔、皮黄、梆子腔等不同剧种,其共同特点是将民歌、曲艺、歌舞、器乐等多种音乐成分综合发展,用以表现戏剧。

器乐曲主要是指中国民间器乐的合奏音乐,如:鼓吹乐、吹打乐、锣鼓乐、弦索乐、丝竹乐(江南丝竹、广东音乐、潮州弦诗、福建南音),还有大量民族器乐独奏曲。民族器乐音乐

(一)传统民族器乐音乐

<<战国策>>载:临淄甚实而富,其民无不吹竽、鼓瑟、击筑、弹琴。足以体现我国的民族器乐创作、演奏活动很早就有了蓬勃发展,并得到了广泛普及。

秦汉时的鼓吹乐、魏晋时代的清商乐、古琴音乐、隋唐时期的琵琶音乐、宋代以后的细乐、清乐、吹打乐、十番锣鼓、弦索等民间器乐、以及近代的各种体裁和形式,都是传统民族器乐形式的发展。

在民族器乐形式发展的同时,也留下了大量优秀的传统器乐作品.如古琴曲<<广陵散>>、<<梅花三弄>>、<<平沙落雁>>;琵琶曲<<十面埋伏>>、<<霸王卸甲>>、<<夕阳箫鼓>>;古筝曲<<渔舟唱晚>>、<<寒鸦戏水>>;唢呐曲<<百鸟朝凤>>、<<一枝花>>；笛曲<<五梆子>>、二胡曲<<二泉映月>>等等.而各地不同组合形式的民族器乐更是名目繁多.如江南丝竹<<三六>>、<<行街>>;广东音乐<<步步高>>、<<走马>>;福建音乐<<八骏马>>、<<梅花操>>;苏南吹打<<将军令>>、山东鼓吹<<普天乐>>、湘西土家族<<八哥洗澡>>等等。

(二)传统民族器乐音乐的类型

中国传统音乐在漫长的发展过程中,形成了吹管、拉弦、打弦、弹拨四种。按照乐器的 分类和演奏形式,又可分为独奏乐和合奏乐两大部分.吹管独奏乐是中国音乐史上最早出现的乐器品种和演奏形式,主要包括笛、笙、埙、管、箫、唢呐等气鸣乐器及其演奏的音乐。

拉弦独奏乐器主要包括二胡、高胡、京胡、坠胡、马头琴等弦鸣乐器机器演奏的音乐。

弹拨独奏乐主要包括古琴、古筝、琵琶、三弦、柳琴、阮、扬琴等拨奏弦鸣乐器及其演奏的音乐。

丝竹合奏乐的组合形式灵活多样，乐队组织大多较小型。

吹打乐又称“锣鼓乐”，是中华民族管乐器与打击乐合奏及其乐曲的总称。吹打合奏乐的形式普遍存在约我国各地，形式丰富多样。有苏南吹打、辽南鼓吹、山西鼓乐、山东鼓乐、河北吹歌、十番锣鼓、浙东锣鼓、西安锣鼓、潮州锣鼓等。

音乐欣赏（音乐剧）

音乐剧是将戏剧文学、表演、说白和音乐、歌唱、舞蹈相结合起来并与布景、服装和大场面融为一体的一种剧场演出形式。它是在欧洲轻歌剧，英、美等第流行的歌舞杂剧表演等艺术形式的基础上发展而来的，艺术风格有很强的包容性；既具有流行文化的通俗易懂、青春活力，又具有严肃艺术的严谨和精巧构思；既能让一般听众陶醉其中，也能够让专业人士津津乐道。这种平易近人而又颇具内涵的特质所形成的艺术魅力让世界各地不同种族、不同文化的听众都为之倾倒。

（一）早期音乐剧（20世纪20年代至第二次世界大战）

（二）百老汇的黄金时期（第二次世界大战后至20世纪60年代中期）

（三）从辉煌到暗淡（20世纪60年代中期至80年代）

（四）英国音乐剧的崛起（20世纪80年代以后）

《猫》是音乐剧历史上最成功的剧目，曾一度成为音乐剧的代名词。该剧创作于1981年，是在伦敦上演时间最长、美国戏剧史上持续巡回演出时间最长的音乐剧，1981年5月11日首演于伦敦西区新伦敦剧院，每周8场，星期一休息，连续演出至2002年5月11日。在它21岁生日时，在同一个剧场落幕。《猫》在美国演出时间相加总长为16年零2个月，仅这一出戏在全球演出的总收入就超过了20亿美元，到2000年6月该剧正式宣布停演时，已在全球演出了6000多场。该剧创作精良，表演水平精湛，36位出场演员各有各的绝活，片中的老猫格里泽贝拉由大家熟悉的依莲·佩姬扮演，她被一些媒体称为英国音乐剧“第一夫人”。

歌剧魅影（The Phantom of the Opera）是一部安德鲁·劳埃德·韦伯（Andrew Lloyd Webber）作曲的百老汇音乐剧。又译：歌声魅影、剧院魅影或歌剧院的幽灵。改编自加斯通·勒鲁著《歌剧幽灵》。

1986年首演，于1988年获得七项托尼奖，是史上最成功的音乐剧之一。1986年伦敦的首演由麦克尔•克劳福德和莎拉•布莱特曼担任男女主角，至今全球已有16个制作版本，也被改编成同名电影上映。讲述了一个发生在1870年的巴黎的故事。一个卡西莫多似的苦命人游荡在巴黎歌剧院迷宫般的地下室中。年少的不幸让人们同情他的身世，但丑陋的面容更使人们对他恐惧与排斥，不知道他来了歌剧院多少年，但他安于成为人们心中的魔鬼，成为歌剧院的幽灵。

音乐欣赏（第一课）

音乐，是一门历史十分悠久的艺术。作为人类的一种社会现象，是伴随着人类的出现而产生的，是人类社会发展到一定阶段的产物。关于音乐的起源，古往今来诸多音乐学家、人类学家都作过不同的研究与论述，归纳起来，影响较大的学术主要有：劳动说、模仿说、情感说、巫术说、语言说、娱乐说、性爱说等几种。

物体规则震动发出的声音称为乐音，由有组织的乐音来表达人们思想感情、反映现实生活的一种艺术就是音乐。音乐在人们的社会生活中，是一种传播信息、传递感情的手段。音乐的审美功能体现在音乐的旋律线条、节奏律动、和声织体、调性色彩、曲式变化与统一等，音乐在人们的社会生活中，是一种传播信息、传递感情的手段。

音乐的主要表现手段

音乐是艺术的一种，是通过有组织的乐音所形成的艺术形象来表达人们的思想情感、反映社会现实生活的时间艺术。音乐的艺术功能

音乐作为艺术的一个门类，它必须具有审美价值和审美功能，这是音乐与其他所有艺术的共性。

音乐欣赏（第二课）管弦乐队的形式与结构

除协奏曲、交响曲以外的由管弦乐队演奏的、属于交响音乐范畴的其他体裁类型的作品，统称为管弦乐曲。

管弦乐队通常由弦乐器组、木管乐器组、铜管乐器组、打击乐器组等不同的乐器组合而成。

弦乐组

小提琴

中提琴

大提琴

低音提琴 管乐组

木管

长笛

双簧管

单簧管(黑管)

大管 铜管乐器组

小号、圆号、长号和大号组成。打击乐器组

定音鼓、小军鼓及其他一些打击乐器组成。

管弦乐曲起源于欧洲。

《第九交响曲》由四个乐章构成。蝙蝠序曲是奥地利作曲家小约翰·施特劳斯用其所作轻歌剧《蝙蝠》中动听的旋律缀合而成 “序曲”原指歌剧、芭蕾舞剧或清唱剧等的开场音乐。19世纪以来，作曲家常采用这种体裁写成独立的管弦乐曲，其结构大多为奏鸣曲式，并加有标题。《1812序曲》（降E大调，作品第49号）是柴科夫斯基于1880年创作的一部管弦乐作品。全名为《用于莫斯科救主基督大教堂的落成典礼，为大乐队而作的1812年庄严序曲》。为了纪念1812年库图佐夫带领俄国人民击退拿破仑大军的入侵，赢得俄法战争的胜利。该序曲于1882年8月20日在莫斯科救世主大教堂首演。

彼得.伊里奇.柴可夫斯基（Peter IlychTchaikovsky 1840-1893),俄罗斯最著名的作曲家。他的音乐不仅只受俄罗斯民歌的影响，还可以听到法国、意大利与德国音乐的影响。与同时代的音乐家相比，他的作品秉承了更多的西方音乐传统。他将民族精神与国际元素融合在一起，创作出一种充满主观和激情的音乐。柴可夫斯基的代表作有：管弦作品《第四交响曲》、《第五交响曲》、《第六交响曲》（悲怆）、《降B小调第一钢琴协奏曲》、《小提琴协奏曲》、《罗密欧与朱丽叶》幻想序曲。芭蕾音乐《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》。他还创作了8部歌剧与管弦乐器展示曲《斯拉夫进行曲》、《1812序曲》。

交响曲（Sifonia或Symphony)的名称源自希腊语，愿意即“一起响”。在中世纪，常指“两个音协和地结合”。是器乐体裁的一种，是管弦乐队演奏的包含多个乐章的大型（奏鸣曲型）套曲。早期的交响曲是有意大利歌剧序曲演变而来。它是按照奏鸣曲的曲式原则创作的一种管弦乐套曲。其曲式结构宏大，内容深刻，富于戏剧性，音色对比鲜明，管弦乐写法复杂。通常由四个乐章组成。第一乐章，快板，奏鸣曲式；第二乐章，慢板，三段式；第三乐章，小步舞曲或谐谑曲；第四乐章，急板，回旋曲式或奏鸣曲式。19世纪以来，标题交响曲兴起，交响曲的题材更加丰富。

A大调第七交响曲（Symphony No.7 in A major），德国作曲家贝多芬作品第92号。首次公演于1807年3月。

第一乐章：稍稍绵延的，活板。第二乐章：小快板。第三乐章：不太快的急板。第四乐章：有活力的快板。

音乐欣赏（第二课.下）

维也纳爱乐乐团（Wiener Philharmoniker）是全球最著名的顶尖乐团之一，在国际乐坛享有盛誉。乐团极高的演奏水准和绝妙的“维也纳音色”使全世界音乐爱好者为之倾倒。他们与维也纳这座城市一样成为音乐的代名词。１８２４年５月２４日，维也纳“音乐之友协会”管弦乐团和维也纳宫廷歌剧院的乐团联合首演了贝多芬的《第九交响曲》。从１８７５年开始，指挥家汉斯·李希特比较长时间地率领乐团演出，先后首演了勃拉姆斯的第二、第三交响曲和布鲁克纳的第八交响曲。瓦格纳、威尔第、布鲁克纳、勃拉姆斯、李斯特等人也都曾以指挥或独奏家的身份与乐团合作，乐团由此真正开始成为世界乐坛所瞩目的名团。1945年后，在三位世界著名指挥大师博姆、卡拉扬、伯恩斯坦的带领下，维也纳爱乐成为世界最负盛名的交响乐团之一。

柏林爱乐乐团（Berliner Phihamoniker）

1882年，由解散了的毕尔瑟交响乐团的大约50名成员作为中心，加上部分业余人士组成。纽约爱乐乐团

这是美国最早的交响乐团，由希尔创立于1842年。

芝加哥交响乐团（Chicago Symphony Orchestra）1891年西奥多·托马斯在C.N.费伊等人的帮助下，获得5万元美金保证金，建立了芝加哥交响乐团芝加哥乐团，以后15年一直延用这个名称。费城管弦乐团

创立于1900年，首任指挥是谢尔。波士顿交响乐团

创立于1881年，由亨谢尔任指挥。

音乐修养（第4课）

钢琴（pianoforte)钢琴是典型的键盘乐器。它结构复杂，主要由琴箱、键盘、击弦机、钢板、音板、琴弦和踏板等部件构成.钢琴通常有八十八个音。共有七个八度多三个音。它的高音区的音色纯净明朗、晶莹亮丽；中音区的音色淳厚、悠扬、典雅；低音区凝重、低沉、浑厚、宏伟、宽广。十六世纪的键盘弦乐器有击弦机械的古钢琴（clavichord)和拨弦机械的羽管键琴（harpsichord)两种较成熟的改良乐器是钢琴的前身。钢琴的基本款式有两种：一种是卧式，另一种是立式。卧式钢琴俗称“三角钢琴”，于1709年在欧洲定型；第一台立式钢琴诞生于1800年。钢琴的演奏形式多样，有独奏、重奏、与管弦乐队合奏、四手联弹、伴奏等。古典主义时期的钢琴艺术

意大利人克里斯托弗（1655-1731）在1710年前后制成了最早的现代钢琴。浪漫主义时期的钢琴艺术 肖邦被誉为“钢琴诗人”。弗拉基米尔·霍洛维茨（Vladimir Horowitz，1904－1989）

，美国最负盛名的钢琴家之一，美籍俄罗斯人。

马尔塔·阿格里齐（Martha Argerich，1941－），阿根廷女钢琴家。

郎朗，1982年出生于中国沈阳。1985年，3岁由父亲郎国任启蒙开始学习钢琴。1995年，13岁获第二届柴科夫斯基国际青年音乐家比赛第一名。1996年，14岁考入著名美国科蒂斯音乐学院，师从著名钢琴大师、院长格拉夫曼。3个月后，与国际著名的IMG演出经纪公司签约，从此走向了职业演奏家的道路。

音乐欣赏（第五课）人声的类别

人声类别划分的主要依据是音色及音域。

一、女高音

1.花腔女高音（Coloratura Soprano)2.抒情花腔女高音（Lyric Coloratura Soprano)3.抒情女高音（Lyric Soprano)4.戏剧性女高音（Dramatic Soprano)玛丽亚·卡拉斯Maria Callas(1923-1977)。著名的美籍希腊女高音歌唱家。

二、女低音

1.次女低音2.女低音

三、男高音

1.上男高音（Altino)2.抒情男高音（Lyric Tenor)3.戏剧性男高音（Dramatic Tenor)

四、男中音

1.上男中音（High Baritone)2.男中音(Bariton)3.下男中音（Bass Bariton)五.男低音

1.男低音（Bass）2.特殊男低音

音乐修养（第六课上）

一、同声合唱

由同音质的不同声部组成的合唱叫同声合唱。1.女声合唱2.男声合唱

目前常用的女声与男声所组成的混声合唱： 1.一般性混声合唱 2.专业性混声合唱

3.非四声部的混声合唱

二、混声合唱

由不同音质不同声部组成的合唱叫混声合唱。童声+男声

女声+男声 维也纳童声合唱团

维也纳童声合唱团是由一群身穿蓝色水手服的男孩所组成的，这项特殊的打扮也成为了他们的标记。该团中的男童女高音（boy soprano）和男童女中音（boy alto）以优雅而又轻盈无比的男童声高音与男童声中音，演唱着各式各样的圣歌、圆舞曲、艺术歌曲、民歌与弥撒。（英文名称为Vienna Boy’s Choir 英文简称VBC）。

音乐修养（第七课）

巴洛克时期经历了音乐史上一项重大的革命性发展——歌剧（OPERA）。或带有管弦乐队伴奏的演唱的喜剧的诞生。在管弦乐队伴奏下的独唱曲称为咏叹调。宣叙调是模仿说话的节奏和音高变化的歌唱方式。当需要三个或三个以上演唱者的作品，即称为重唱曲。合唱在歌剧中常常起到营造气氛和烘托表演的作用。提示台词者必须在观众无法看见且狭小的空间内，为演唱者提示台词或是音高。序曲是大多数歌剧的纯管弦乐队作品开头。用音乐对整部歌剧做简短的介绍，向听众展现整部歌剧的基本情绪。每一幕开始之前的乐团导奏，称为前奏曲。

歌剧产生于16世纪末的意大利，是西方音乐文化的重要组成部分。1637年在意大利威尼斯建成了第一所公开歌剧院——圣卡西亚诺剧院.瓦格纳延续了格鲁克歌剧改革的线索，巧

。二 歌剧的体裁形式

（一）正歌剧

（二）喜歌剧

（三）大歌剧

（四）轻歌剧

（五）乐剧

（六）音乐喜剧

（七）室内歌剧

（八）抒情歌剧

音乐修养（第十五课）

舞剧在西方被通称为“芭蕾”(BALLET),起源于文艺复兴时期的意大利，形成于16世纪的法国。是一种由舞蹈、音乐、戏剧构思和舞台美术融合在一起的综合艺术，以舞蹈、表情动作和音乐为主要表现手段。舞剧中的音乐不仅是舞蹈和表情动作的伴奏，而且对塑造艺术形象。推动剧情发展起重要作用。舞剧中包含的舞蹈类型比较广泛，通常有古典舞、性格舞、现代舞、宫廷舞以及武术、杂技性的舞蹈。舞剧音乐包括序曲、各种舞曲、场景音乐、幕间曲等。

柴可夫斯基（Peter Ilitch Tchaikovsky1840-1893）俄国作曲家。生于一个矿业工程师的家庭，自幼学习钢琴。1859年毕业于彼得堡法律学校，在司法部供职。1862年入彼得堡音乐学院，学习作曲。后在莫斯科音乐学院任教。1877-1890在梅克夫人的资助下，得以辞职专心从事创作。1893年被英国剑桥大学授予名誉博士学位。柴可夫斯基的创作几乎涉及所有音乐体裁形式，且每个领域内都有流芳百世的经典作品。主要有《悲怆交响曲》等六部交响曲，《奥涅金》、《黑桃皇后》等十部歌剧，《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》等芭蕾舞剧，以及各种器乐独奏曲、协奏曲、重奏曲和声乐浪漫曲等。他的钢琴作品除了著名的《降B小调第一钢琴协奏曲》外，许多小品也广为流传。

《天鹅湖》: 芭蕾舞剧，作于1876年,1877年2月20日在莫斯科大剧院首演，四幕，取材于俄罗斯民间故事《天鹅公主》和德国作家姆宙斯的童话《天鹅湖》。20世纪的舞剧基本上有两种类型。一是循着俄罗斯芭蕾传统的前苏联式的舞剧。另一种是“现代芭蕾”。中国的舞剧包括民族舞剧、歌舞剧和芭蕾舞剧。中国近现代舞剧音乐事业起源于20世纪20年代。

第二篇：音乐教育学考试资料

音乐教育理论与教学方法形成的特定学科即是音乐教育学，他以培养人塑造人作为目的，并贯穿于教育全过程，是一种人文社会学科，又是一种交叉学科，他是音乐学与教育学互渗交融的产物。1971年陶行知先生提出以“教学法”代替“教授法”，是我国学科教育史上的一大进步。

1980年10月，从“教学法”发展成“教育学”又是我国学科教育史上的一大转变，这表明我国学校教育从学科技能教育向整体素质教育的转变。

音乐教育哲学从哲学层面上阐明音乐教育的方向，决定音乐教育的性质和价值，并为音乐教育新思想的产生提供共同的基准点。

三种不同的音乐哲学观

1他律论有可称为反映论2自律论又可称为形式主义 3实践论认为音乐是一种人类的多样化的实践活动。三种不同的音乐教育哲学观1审美论2 功能论3 美育论

不同哲学观在我国音乐教育中的体现

1政治化的音乐教育——他律论、功能论的哲学观2 技术化的音乐教育——自律论、审美论的哲学观。音乐美学 是美学的一个分支，同时又是音乐学的一个类别，是以研究音乐艺术的美学规律为宗旨的一门基础性理论学科，他特别把音乐的本质与特性，音乐的形式与内容，音乐的创作、表演与欣赏，音乐的功能，音乐的美与审美作为自己的研究对象。

第一个使用“音乐美学”这个概念的是德国诗人、音乐家舒巴特。

在音乐审美过程中，不可或缺的两个角色就是审美主体与审美对象，审美主体是在社会实践特别是在审美实践中形成的具有一定审美能力的人。审美对象是指能使欣赏者产生审美愉快的事物，是审美主体情感和感性体验的对象。

审美教育，就是美感教育，是培养人感知、感受和创造美的教育，培养人审美能力、审美情操的教育。第一个将审美教育作为一个独立范畴提出来的是德国的著名诗人、美学家席勒。

审美教育的本质特性是体验，它的这一特性为现代教育提供了极为深刻的启示。

构造主义心理学采用实验内省法研究意识经验的内容或构造。格式塔心理学又称为完形心理学。幼儿期是开始学习音乐的黄金学期。中小学年纪是儿童发展音乐感知能力的最佳时期。

音乐的感受能力：又称为音乐的情感体验能力、音乐感或简称乐感。

任何一种音乐的能力，都是在音乐的感受能力基础上发展起来，又促进音乐整体感受能力的发展的。埃利1885年发表的《论诸民族的音阶》被认为是比较音乐学的开端，他也被称为是“民族音乐学之父” 我国古代教育，常将“礼乐“并称，孔子认为最终只有经过“乐”才能达到人格完成的境界。

学琴在汉代就成为文人音乐的标志。魏晋南北朝时期成为历史上传统音乐与外族外域音乐、北方音乐与南方音乐进行广泛交流的时期。

几种不同的课程观 1 经验自然主义课程观 美国实用主义哲学家、教育学约翰·杜威 2要素主义课程观 美国威廉·C·巴格莱 3结构主义课程观 美国认知心理学家、教育家杰罗姆·S·布鲁纳4 人本主义课程观 美国心理学家罗杰斯5 后现代课程观 美国教育家多尔。

我国的三种教育模式1 灌输式2 园丁式3 交流式

交流式需要三个条件：1老师是否真正以平等的心态来进行教学2教师从无限主体的角色转换成为优先主题的角色3 教学的过程不是一个将给定的答案告诉学生的过程

如何培养良好的音乐感受能力 1 有分析地听2有选择地听3“多听”、“反复地听”是发展和提高音乐感受能力的关键。

音乐鉴赏是以具体音乐作品为对象，通过聆听的方式及其他辅助手段来体验和感悟音乐，从而得到精神愉悦的一种审美活动。

达尔克罗兹是瑞士音乐家兼教育家，他试验并创建了一整套的音乐教育体系，体态律动是其中最有成效的一部分。

柯达伊教学法是由匈牙利作曲家和音乐教育家佐尔丹·柯达伊倡导和建立的音乐教育体系和教学法，该体系以集体歌唱为教学形式，以五声音阶为视唱教学的支柱，采用首调唱名法及柯尔文手势。

奥尔夫教学法是德国作曲家、音乐教育家卡尔·奥尔夫创立的音乐教育体系和教学法，特色是元素性和开放性。奥尔夫教学法注重教学过程，奥尔夫教育体系与教学法在世界上是有影响的教学法之一。铃木教学法是日本小提琴演奏家、音乐教育家铃木镇一创立的，该教学法开始形成于20世纪30年代。幼儿音乐教育的特点1 审美性2 游戏性3综合性

幼儿音乐教育的主要内容 1歌唱活动 2韵律活动 3 打击乐演奏活动 4音乐欣赏活动

1770年巴黎创建了世界上第一所聋童学校。

在我国现行的视障、听障、智障学校的教学计划中，各年级均设置音乐必修课。

社区音乐教育指的是专业音乐家与音乐爱好者以及社区音乐团体一起开展的音乐教育活动。它既着眼于社区成员美德的完善，又服务于社区成员才能的提高。

美国评价专家古巴和林肯把评价领域划分为测验和测量时期（19世纪末—20世纪30年代）判断时期（20世纪50—70年代），认为评价本质上是“判断”，3是建构时期（20世纪60年代末70年代初—）音乐水平的检测1认知水平的监测和评价 2实践能力的监测和评价3 审美情感与学习情感 音乐教师教学评价内容1教学能力评价2理论研究能力评价3思想观念及教学态度的评价教师角色的转变1从知识技能的传授者转变成为音乐生活的指导者2教学由重传授向重发展的转变 3由重教师“教”向重学生怎么“学”的转变4师生关系由教师居高临下向师生平等融洽转变5由教学模式化向教学个性化的转变

音乐教育实习一般包括课堂教学实习课外音乐活动的组织与辅导 班主任实习教育调查 音乐教育研究常用的方法1历史研究 2 定量研究 3 定性研究 4 行动研究（教师的教育研究）为什么需要音乐教育哲学整个专业需要信条，以指导集体的努力方向。2 对自己专业的价值的理解，会影响到他们对自己人生价值的理解。3 音乐教育工作者在工作中所做的事，都是在将他们关于自己学科的信条付诸实践。

教学评价的特点 1注重过程评价2注重主体参与评价3注重多项性 交互性评价4注重发展型 动态性评价 音乐教学评价的方式方法形成性评价与终结性评价相结合。形成性评价一般只学习中评价，在教学过程中进行。她的目的是为了了解教学结果及学生进展情况和存在问题，便于及时反馈、调整、改进教学工作。终结性评价一般只学习后评价，在学期末进行。目的是了解学生一学期来学习是否达到教学目标的要求，并做出较为全面总结，对学生学习结果有评价作用，定性述评与定量测评结合。定性述评主要针对学生爱好，情感反应、参与态度、交流合作、知识与技能的掌握情况等，用较为准确，形象的文字简要加以描述的评价方法。定量测评具有比较准确、便于实施等特点，根据需要对学生的音乐学习能力或水平进行量化测评，以便获得每个学生音乐学习的等级或分值。3 自评、互评及他评相结合。对学生的评价可采用自评的方式，以描述性评价和鼓励性评价为主。对音乐教师的教学评价也要重视自我评价。学生和教师的自评、师生之间和教师之间的互评、学校和上级主管部门对教师的评价、校长对教师的评价以及教师和家长对学校音乐教学工作和音乐课程的评价情景性评价和非情境性评价相结合。音乐教学的情境性评价是指在某一特定情境中对特定对象的评价。音乐教师的素质

1首先是要有优秀的人格修养和心理素质。人格是指一个人在社会情境中所特有的行为模式，同时也是一种固定化的、习惯性的心理模式。教师的人格魅力体现在各个方面。其次，是音乐教师解决教学过程中各种问题的心理素质。其次音乐教师必须具备广博的音乐文化知识和深厚的艺术素养比如必备的音乐知识技能 例如 歌唱技能 乐器演奏 识读乐谱 指挥技能 音乐创编能力 课外活动组织能力 再次是作为教师的职业素质教育专业的理论与实践能力 教育专业的理论知识 2课堂教学能力 3正确分析教材（1确定课的类型和结构 2确定教学目标 3选择恰当的教学方法 4合理运用现代化教学手段 教育研究能力

第三篇：音乐修养论文

以前的我，总是塞着耳机，听着流行音乐独自一人走在校园。总觉得流行音乐里面抒发的情感细腻而真实，引起我们的共鸣。这学期选修了王炎琪老师的大学生音乐修养这门课，我才开始仔细聆听我们的民族乐曲，有一种很不同的感受。上课的时候老师会放一些经典的曲目，闭上眼睛细细体会别有一番滋味„„我才领略到中国古典音乐的魅力。我忍不住想，不止我们当代大学生，很多人对中国古典音乐缺乏足够的重视和欣赏。如果我们自己都不能传承，又怎么将其发扬光大呢？

中华素称“礼乐之邦”，音乐文化源远流长。从文明发轫之初，我们的祖先就非常重视音乐修养。《礼记〃乐记》

中有“知乐，则几于知礼矣。礼乐皆得，谓之有德。”的句。子作为中国思想家典范的孔子也非常看重音乐，他教授学生，“乐”是一门必修课。他本身也是一个音乐家，据说，他很喜欢演奏古琴，还能亲自谱曲呢。

音乐是人类情感和精神生活的创造表现，音乐审美能力是借助于音乐艺术手段和现实世界的美，来提高人们对美的鉴别、欣赏和创造的能力，陶冶人的情操。所以在素质教育中音乐审美能力具有相当重要的地位。音乐审美能力并不是今天才有的，早在二千多年前我国古代的人们就认识到它的重要性，即有陶冶性情、启迪智慧、辅佐政道、教化风俗的社会功能。从西周开始的教育就有“礼、易、乐、御、书、算”六门课程，称为“六艺”，当时的“乐”就包含了音乐。

培养大学生的音乐审美能力不是一朝一夕的事。我们应该如何来进一步提高和培养呢? 第一，以音乐活动为手段，创造良好艺术氛围 第二、加强音乐修养、积极参加艺术实践

根据自己特长爱好有针对性地选择一些活动。在美的认识中提高自己，加强社会责任感，也增加了对生活的自信。第三，完善自我、树立正确的人生观

艺术界有句话："民族的才是世界的。”说的是只有具有鲜明民族特点的艺术品才能在世界文化宝库里占据一席之地，在音乐发展的某—阶段，民族风格是必然存在的，但不能是由民族性走向民族性做封闭式循环，而应是开放性地同外部世界交流并走向世界，只有这样才能做到流水不腐，持续保持旺盛的生命力

民族性不是天外来客，是一个民族在悠长历史岁月中积淀而来的。这种民族性扎根在民族文化中，包含了中华民族思维方法、生活习惯、行为模式、审美惯性等因素。当一种外来事物进入到另一个生长环境中时，必然要适应新的土壤。

从现阶段来看，从文化多元角度出发，我们占世界人口1／4 的中华民族有必要有责任保留宣传我们自己的民族音乐文化，使它在世界音乐文化大舞台上能一枝独绣，充分放射出其独特璀璨的光芒。即使在未来国家民族消亡的时代，民族音乐仍应作为文化物种加以妥善保护。别的不说，单就文化物种是一项极好的旅游资源这一点也足以证明其有存在的价值。

从发展的眼光看，我们更应该为世界音乐作出应有的贡献。邓小平高瞻远瞩，站在历史的和世界的高度提出我们的教育要“面向未来、面向世界、面向现代本这里当然也包括音乐教育，因此未来和世界才是我们音乐发展的真正方向。因此，在我们实际音乐教学中，不仅要讲授民族音乐，更应宣扬世界音乐，放眼世界，放眼未来，并逐渐形成其开放性的思维方式。美国和我们一样是个多民族的国家，它的人民来自世界各地，仅正规交响乐团就有一千多个，再加上业余的，数量就极其可观。由此可见其音乐文化的发达 确非我们所能相比。因为我们民族的文化素质不高，才尤其需要文化教育和世界音乐教育，最终提高全民族的素质，使他们能真正地充分地创造和享受世界音乐文化财富。

音乐的民族性与世界性的原理告诉我们，在弘扬民族音乐文化的同时，更应该从理论和实践上大力促进发展世界音乐。我们的音乐理想和希望更在后者而不是前者。音乐的世界性，才使得一百多年来世界各族人民欣赏它接受它，同时他们也为自己的民族和国家赢得了世界性的荣誉和骄傲。即使是民族乐派，也还是经过提炼本民族音乐素材井将之加工和再创造，从而使之转化为一种用世界语来表达的世界音乐。也就是他们成功地将民族音乐转化成了世界音乐，否则别人是难以接受并承认他们的。以冼星海、聂耳为代表的一批极富才华的我国作曲家由于历史的原因以及受到思想观念的束缚，而最多只能成为我们自己民族范围内的骄傲，最终并不能赢得世界性的声誉，这确实非常遗憾．教训不能不说是惨痛的。当然，原因是多方面的和复杂的。造成这种现状原因不能仅归于我们没有对世界性音乐语言的运用，它也与当时特定的社会形势与社会历史环境以及我们的传统文化等多方面有着密不可分的关系。

明确地说，我们以往的音乐太过于注重民族风格的旋律音调，作曲技法单一，不注重个性，简单而武断地将作曲家的个性和民族风格对立起来，从而使作品失去生命力。民族风格成为最高意义的共性，它在某种程度上是对作曲家个性的扼杀。这于我们音乐的发展是极为不利的。正因为我们的音乐文化过分强调民族性的特色，从而使得我们客观上远离了世界性。不难想象，德国的民族音乐原先也同我们一样并非具有世界性，但由于其适宜的人文环境以及巴赫、贝多芬、瓦格纳等—大批杰出大师们的不懈努力而迅速走向世界，使之早在两三百年前便具有了世界性，从而对世界音乐文化作出了举世公认的巨大贡献。俄罗斯后来者居上，也跟着出现了—大批杰出的世界级大师，同样也为世界音乐文化做出了卓越的贡献。中华民族的音乐要走向世界，就要解开思想观念上的层层束缚，消除狭隘的民族主义和地域观，我们几千年封建传统的精神枷锁坚如磐石。尽管有一批仁人志士意识到这一点，并为此作出了和至今仍在做着不懈的努力，但终因其异常顽固至今仍不能真正彻底被打破。时至今日我们仍没能清楚地认识到这一点，不能不说是我们民族的极大不幸与悲哀。中国传统音乐在吸收外来音乐文化的同时，更加强烈的意识到弘扬本民族音乐文化传统的重要性，传承与发展、借用与创造，在传统与现代，东方与西方之间找到一条适合本国音乐文化发展的道路。传统音乐文化的传承其生命力是创新，只有在吸收借鉴的基础上创造出新的形式，与时代的观念相结合才能被大家所接受。处于知识经济时代的中国传统音乐，其核心是对待民族传统文化的态度上，传承和发展才是顺势而合之道

二胡传入中原之前，当时叫西琴，在北宋时期，它是契丹族等西族使用的弓弦乐器。当时他们就是用鳄鱼皮或蛇皮等动物皮来蒙制乐器。

后来随着契丹进入中原，这样的乐器迅速在中原流行开来，并开始叫“二胡”，到了明代时候，弓弦乐器在中国的绘画艺术中有大量反应，如当时的小说《金瓶梅》中对二胡就有记载。而到了清代更是达到高峰，特别到了民国时期，经过阿炳和刘天华两人的发展，二胡从伴奏乐器变为独奏乐器，并进入高等教育科目。

二胡是中国独特的民族乐器，它用蟒皮蒙制已有上千年的历史。中国民乐协会信息处丰元凯主任解释说，蟒皮因其特殊的组织构成、强度大、受气候影响小，色泽鲜明等特点，经过长期的自然选择过程，成为民族乐器振动膜的首选材料。

他说，这种中国所独有的传统工艺，据考证至今大约已经有上千年的历史。目前，同时使用蟒皮制成的乐器还有高胡、中胡、三弦、手鼓等。使用蟒皮制成的二胡，是我国具有十分悠久历史的弦鸣乐器，其音色因具有“模拟人声”的特点，演奏者在二胡演奏当中，通过技术的表现、感情的发挥、赋予乐器极强的演奏感染力。古往今来，著名的二胡乐曲有《二泉映月》、《听松》、《江河水》等一批脍炙人口的华乐经典。据悉，日本著名指挥家小泽征尔在指挥完二胡协奏曲《二泉映月》后，泪如泉涌，称“二胡将来一定会成为一件世界性乐器”。

20世纪中期以后，二胡由伴奏乐器发展为独奏乐器，成为专业演奏者和百姓大众所喜闻乐见的民族乐器，并被纳入了全国各音乐学院民族乐器中正规专业教学科目。

由于二胡具有独特的艺术表现力，国内外二胡学习者与日俱增，国外对二胡的需求量不断上升，近几年二胡出口额呈几何级数上升，二胡开始形成国内外不断扩大的需求市场。

在二胡的发展和传扬中不得不提起一个人：陈天华先生。他创立了专业二胡学科，将流行于民间的这一民族乐器引进了高等学府，使其走上了专业化的道路，为现代专业二胡教育奠定了基础。他对二胡进行了种种的改革。他冲破传统的束缚，吸取外来技法进行民族器乐的作品创作，成为我国音乐史上第一个把西洋技法应用于民族器乐创作的人，掀开了民族器乐发展的新篇章 我们传统的音乐作品真实地记录了不同历史时期的文化色彩、社会风貌以及音乐特点，应该得到完整的继承和保存，但它只有发展才会光大，也只有在发展中才能得到更好的继承和保存。如果总是强调传统而拒绝新的内容，也无从谈论发展。我国有着悠久的文明史，音乐文化博大精深，历史上还出现过许多外来音乐形式被我们的音乐文化所吸收融合的事实。这也是我们民族文化气魄宏大的体现。然而，到十九世纪后期，我们的音乐文化暴露出了一些弱点，并受到了西方音乐的挑战。尽管它也并非弱不禁风，但确实有被击败乃至同化的危险。正是刘天华先生的创新形式，使我们民族音乐的民族性得以巩固，使古老的音乐形式焕发出了无限生机。尤其是二胡，今天在民族乐器中已是佼佼者，但如果没有刘天华先生的努力，很难想象这门艺术现今会是什么样子，最起码也要落后许多年。后来者在其精神的鼓舞下，通过半个多世纪的努力使中华民族音乐在世界音乐文化领域中占据了一席之地。在世界经济文化蓬勃发展的今天，我们更应该大力弘扬刘天华先生的精神，开拓进取，积极创新，为我国民族音乐的发展做出自己应有的贡献，使民族音乐这颗明珠更加璀璨夺目，永放光芒。

四、中国传统音乐的时代特征和民族性思考

中国传统音乐的宗旨，就是以音乐这种开放的艺术形式，作为联结东方同西方不同文化背景空间差的桥梁，作为联结古代与现代不同时代审美需求时间差的桥梁，使中国传统音乐打开同世界文化隔绝，同现实生活隔绝的封闭状态，从而取民乐之所长，去民乐之糟粕，加西洋之精髓，取得开放性发展。中国音乐文化的时代特征与民族性并不矛盾，“现代化”不等于“西方化”，“民族性”不等于“局限性”。纵观世界各国对于音乐文化发展的历程是与各个国家文化、经济的背景相关连的。音乐文化的观念是随着人们生活的变化而变化的，商品经济的高速发展，必然会冲击人的审美观念，反之，音乐形式的超前也会引领商品经济繁荣，都对社会的发展起着积极的作用。这就要求音乐人紧紧把握时代的脉搏，深入到生活中去发现创作灵感，确立创作思路，憧憬创作理想，而不是闭门造车，在斗室中苦思冥想。目前从国内的创作现状来看，许多音乐人只追求创作形式上的哗众取宠，不知所云，甚至众多的音乐人为达到名利双收，热衷于参加各大赛事，拿某某奖项，而失去对生活的真挚理解。

在中国大开放和全球一体化的今天，注重生活，消化和吸收中外优秀文化的精髓，发展自身的竞争力，以警惕西方国家的“文化和平演变”战略，抵制西方“文化殖民主义”，这是我们当前音乐人不可推卸的历史责任。这种时代的责任感与紧迫感迫使我们每一位音乐人需要更多的理性思维去思考面对传统的传承和外来文化的借鉴以及面对广阔空间的创新，逐步调整和规范中国音乐创作，标准化地推广中国音乐。

二胡艺术只有超越民族走向世界,为世界认同接纳、学习与传播,才能成为人类世界共同需要、欣赏、享受的精神财富

第四篇：如何提高音乐修养

如何提高音乐基础课教学质量

音乐学科是进行美学教育不可替代的学科。培养审美情趣、提高审美意识是我们的目标，审美活动贯穿于教学的始终，审美结构是我们研究的重要结构。不同的审美观可以决定使用不同的教学方法和组成不同的练习结构，不同的审美观可以为学生组成不同的知识结构和不同的能力结构。

音乐是素质教育的必要，是培养能力的必要。研究了课堂结构我们才发现，要缩短知识与能力的距离，要努力寻求知识与能力的中介，音乐课不能只教学生唱歌，还有听的能力、审美能力、审美观点、演唱技能、演奏技能要去培养。这需要研究教学内容的结构、教学方法的结构和知识载体的使用等，组成一节课的结构是多维的，分析它们之间的关系，理出层次，准确地找出知识、能力的中介，培养学生的能力、提高学生的音乐素质才成为可能。

提高课堂效益是每位老师的希望。如果在上课前认真思考这节课哪些结构是贯穿性的、哪些结构是从属的、各结构需要多长时间为宜，周密地、全方位地思考之后，才有可能使一节课重点突出，既有科学性、系统性又符合儿童心理特征，使学生从不会到会、从知之甚少到知之较多。音乐教学的目标是培养和提高学生的审美意识，审美结构也就成了贯穿性的重要结构。音乐课对于培养学生健康的审美情趣和审美能力具有特殊的、不可替代的作用。审美过程要贯彻音乐课的始终，情感因素是审美过程的突出特点。音乐课上，随着时间的推移，教师应运用各种载体介绍作品，使学生感受到作品的音乐美，再通过音乐、文学诸方面的分析使学生理解美，用变化力度和变化速度等手段去表现美，构成重要的审美结构。不具备审美结构的音乐课只是知识课而不是艺术课。

教学，本身就是一种创造性的思维活动。最好教的是死知识，教者只需“照本宣科”，但效果也是最差的 ；而最难教的则是最活的“教学教法”，即教会学生用最短的时间、最少的精力，学会最多的知识的方法。因 为它是要因人、因地、因时、因条件而异的，从来就不是一成不变的。它是对教师水平的一种全面、综合性的 考察。它需要我们教师对所学知识融会贯通，灵活掌握。那么，如何提高音乐课堂的教学质量让学生快乐地参加课堂教学，在美学界流行着一句话：“趣味无争辨。”这是说，一个人喜爱什么音乐，不喜欢什么音乐是因人而异的，我们没有必要让人们都有相同的爱好。相反的，我们应该尊重每个人的兴趣和爱好，但这并不是意味着我们放弃了引导和教育。

教学内容的延伸也需要教师平时对音乐素材的大量积累。让学生了解更多的中华民族文化艺术的精髓，以此来激发学生的民族自豪感和学习的兴趣，在潜移默化中巩固了知识。流行音乐是现代生活中必不可少的内容，我们还在课堂上大胆引进流行音乐，拉近了学生和音乐课之间的距离。除了课堂上教学内容的延伸，课外的网络学习、民间采风等也能让学生真正地去感受理解音乐文化多元的特点，提高学生的音乐审美能力，拓展他们的音乐视野。艺术来源于生活，音乐与人类生活同在，让生活的“内容”注入学生学习中，让学生在学习中感受生活的美好。寓教于乐，让学生在音乐课上既享受到“音乐盛宴”，又学到音乐知识。

课程改革的今天，应多方面激发学生学习的兴趣，挖掘学生兴趣的潜在因素。做到一上课就紧紧地抓住学生的注意力，激起学生的兴趣，使他们很快进入 “最佳学习状态”，这是上好课的第—步。教师应成为教学活动的组织者，引导者与合作者。教师的角色便是调动学生主动思维和主动参与的积极性。因此，教师应根据学生的认知规律创设条件，引导学生主动学习、探究，成为学生学习过程中的组织者、引导者和协助者。儿童的心理特点是在课堂上给同学们布置一些常见的练习曲,如《闪烁的小星星》《我的名字叫中国》《小白菜》等,这些小曲生活气息浓厚,同学们吹起来有声有色,大大提高了他们对音乐的兴趣。此外,可介绍其他乐器进行教学,使他们在实际示范中懂得更多的器乐知识。如在讲中国戏曲时,我向大家介绍了京胡、板胡、二胡、唢呐等乐器后欣赏乐曲,使学生在身临其境中自然而然地掌握枯燥的音乐知识。

兴趣是求知的内在动力。激发起学生的兴趣，学习就会积极主动，学得轻松而有成效。但是学习兴趣不是天生的，主要在于教师如何引导学生，充分调动学生对学习的积极性和主动性，进而能创造性地学，最终达到优化课堂教学和提高教学质量的目的。如何提高音乐课堂教学质量、促进课堂教学发展，不断提高每一个学生的学习积极性，今后还须多加努力.因为孩子们需要美、追求美、感受美和追求美，所以需要我们多花些心思，相信孩子们就会从中得到快乐的体验好奇、好动、好胜、好玩，虽然他们的知识面和联想力还不够丰富，但对音乐情绪的直接感受能力并不差，特别是自我表现欲望非常强。当聆听一段欢快的音乐时，高年级学生面呈喜悦，低年级学生则是手舞足蹈地动起来。动是低年级学生的突出特点，是他们表达自己对音乐感受和理解的最直接、最喜爱的方式。把更多的想象空间留给学生，让其发挥主观积极性和参与教学的主动性，这样学生才会获得审美的愉悦性。利用闭路电视或定期讲座进行音乐欣赏活动，定期开展歌咏比赛和文艺比赛等活动。让学生在充满艺术的氛围中熏陶和潜移默化，保持对音乐的热情。在课堂内则应创造宽松、民主的氛围。教师在教学中充分发扬民主、“动静”结合。“动”要有秩序，有规律的动。情绪饱满，气氛热烈，勇于发问，使学生有“成就感”、“轻松感”。“静”不是暮气沉沉、没精打彩，而是注意集中，思维专注而活跃。但是宽松的教学气氛中应有严谨的教风和学风，这样，宽松而不涣散，严谨而不威慑。两者结合，构建了一种和谐共创的教学环境，师生愉快的教愉快的学，学生兴趣自然高涨。有了兴趣才有提高课堂教学质量的保证。总之，教师只有善用“他山之石”，不迷信经验和权威，勇于创新。在课堂中把握“情感”的方向、在实践中形成自己的独特风格。就会增添音乐课堂的魅力，从而提高音乐课堂活动的质量。

第五篇：考场作文资料：修养

【名言警句】

1.本性流露永远胜与豪言壮语。——莱辛

2.生命不可能从谎言中开出灿烂的花朵。——海涅

3.虚伪永远不能凭借它生长在权利中而变成真实。——泰戈尔

4.凡是与相虚伪矛盾的东西都是极其重要而有价值的。——高尔基

5.虚荣心很难说是一种恶行，然而一切恶行都围绕虚荣心而生。——柏格森

6.君子坦荡荡，小人长戚戚。——孔子

7.好脾气是一个人在社交中能穿着的最佳服饰。——都德

8.爆脾气是人类较为卑劣的天性之一，人要是发脾气就等于在人类进步的阶梯上倒退了一步。——达尔文

9.对别人的意见要表示尊重。千万别说：“你错了。”——卡耐基

【运用思路】

一个人活在现实的社会中，必须得有良好的修养，或谦虚，或感恩，或正直，或真诚，或诚恳，或忍耐。良好的修养是个人成功的重要基石，正如毛泽东所言“谦虚使人进步，骄傲使人落后”，在人类前行的路途上，修养永远是一面有价值的旗帜，就让它在人类心灵的山冈上猎猎飘扬。

【精彩素材1】

谦虚的价值

据说有一次徐悲鸿正在画展上评议作品，一位乡下老农上前对他说：“先生您这幅画里的鸭子画错了。您画的是麻鸭，雌麻鸭尾巴哪有那么长的？”原来徐悲鸿展出的《写东坡春江水暖诗意》，画中麻鸭的尾羽长且卷曲如环。老农告诉徐悲鸿，雄麻鸭羽毛鲜艳，有的尾巴卷曲；雌麻鸭毛为麻褐色，尾巴是很短的。徐悲鸿接受了批评，并向老农表示深深的谢意。孔子是我国古代著名的大思想家、教育家，学识渊博，但从不自满。他周游列国回来，遇见一个七岁的孩子拦路，要他回答两个问题才让路。其一是：鹅的叫声为什么大。孔子答道：鹅的脖子长，所以叫声大。孩子说：青蛙的脖子很短，为什么叫声也很大呢？孔子无言以对。他惭愧地对学生说，我不如他，他可以做我的老师啊！

还有一次，孔子和他的学生们周游列国。一个孩子在路当中玩，挡住了他们的去路。孔子说：“你不该在路当中玩，挡住我们的车！”。孩子指着地上说：“老人家，您看这是什么？”孔子一看，是用碎石瓦片摆的一座城。孩子又说：“您说，应该是城给车让路还是车

给城让路呢？” 孔子觉得这孩子很懂得礼貌，便问他叫什么名字，孩子说：“我叫项橐，7岁！” 孔子对学生们说：“项橐7岁懂礼，他可以做我的老师啊！”后来孔子绕道而行。

【素材点拨】

成功的名人往往具有谦虚的美德，他们虚怀若谷，海纳百川，幸运荣光的事降临在他们身上理所当然。谦虚主要有两大方面的好处：一是谦虚使人进步。人生有涯而学海无涯，一个人不管怎样聪明博学，他的知识与人类整体的知识相比只不过是沧海一粟。“海纳百川有容乃大。”大凡才识越高的人，越是明白这个道理，因而越是虚心好学，严以律己，持之以恒，也越能成就大事业。二是谦虚赢得好感。谦虚的人言谈举止谦恭有礼，不专断、不傲慢、不自以为是，在交往中比较容易获得别人的好感，容易得到忠告、帮助和真诚的合作。一个处处得到好感的人，他的事业之船等于悬挂了顺风之帆，其成功也就不言而喻。

【适用话题】

“骄傲与谦虚”“学问”“谦虚”“做学问与做人”等

【精彩素材2】

真相VS谎言

1976年1月8日，周恩来逝世时，设在美国纽约的联合国总部门前的联合国旗降了半旗。自1945年联合国成立以来，世界上有许多国家的元首先后去世，联合国还没有为谁下过半旗。一些国家感到不平了，他们的外交官聚集在联合国大门前的广场上，言辞激愤地向联合国总部发出质问：我们的国家元首去世，联合国的大旗却升得那么高，中国的总理去世，为什么要为他降半旗呢？当时的联合国秘书长瓦尔德海姆站出来，在联合国大厦门前的台阶上发表了一次极短的演讲，总共不过一分钟。他说：“为了悼念周恩来，联合国降半旗，这是我决定的，原因有二：

一、中国是一个文明古国，她的金银财宝多得不计其数，她使用的人民币多得我们数不过来，可周恩来没有一分钱存款！

二、中国有10亿人口占世界人口的1/4，可周恩来却没有一个孩子。你们任何国家的元首，如果能做到其中一条，在他逝世之日，总部将照样为他降半旗。说完，他转身就走，广场上外交官各个哑口无言，随后响起雷鸣般的掌声。”

可惜这并非事实的真相。联合国为悼念周恩来降半旗并不是破例之举。联合国于1947年制定了一部旗典(Flag Code)。其中有关志哀的规定：凡成员国的国家元首或者政府首脑去世，必须在纽约总部和日内瓦的办事处降半旗志哀一天。因此1976年1月为周恩来降半旗只是例行公事而已。

【素材点拨】

生命不可能从谎言中开出灿烂的花朵，很多时候虚伪像一瓶毒酒，先醉翻别人，再醉倒自己。敢于说真话需要勇气，更是一种精神，但很多时候真相比谎言更能长存人间。人行天

地间，请记住“君子坦荡荡，小人长戚戚”的诤言。虽然，联合国为周恩来降半旗不是事实，但并不影响总理在人民心中的地位。

【适用话题】

“虚伪”“真相”“胆识”“谎言VS真相”“直面现实”等

【精彩素材3】

坏脾气与钉钉子

从前，有个脾气很坏的小男孩。一天，父亲给了他一包钉子，要求他每发一次脾气都必须用铁锤在后院的栅栏上钉一颗钉子。第一天，小男孩在栅栏上钉了37颗钉子。

过了几个星期，由于学会了控制自己的愤怒，小男孩每天在栅栏上钉钉子的数目逐渐减少了。他发现控制自己的坏脾气比往栅栏上钉钉子要容易多了。最后，小男孩变得不爱发脾气了。

他把自己的转变告诉了父亲。他父亲又建议说：“如果你能坚持一整天不发脾气，就从栅栏上拔下一颗钉子。”经过一段时间，小男孩终于把栅栏上所以的钉子都拔掉了。

父亲来到栅栏边，对小男孩说：“儿子，你做得很好。但是，你看钉子在栅栏上留下了那么多的小孔，栅栏再也不会是原来的样子了。当你向别人发过脾气之后，就会在人们的心灵上留下疤痕。就好比用刀子刺向了某人的身体，然后再拔出来。无论你说多少次对不起，那伤口都会永远存在。所以，口头上的伤害与肉体的伤害没什么两样。”

【素材点拨】

这个世界上谁也不愿意自己的心灵被“钉”得千疮百孔，那么就请控制好自己的脾气与那张嘴。爆脾气是人类较为卑劣的天性之一，人要是发脾气就等于在人类进步的阶梯上倒退了一步，明白了这一点，我们就要笑对生活，少发脾气，少成为别人眼里的“钉子”。

【适用话题】

“脾气”“关注自己与关注他人”“语言的刀子”“品德”“修养”“坏脾气与糟人生”等。