浅谈唱谱在钢琴教学中的重要性

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第一篇:浅谈唱谱在钢琴教学中的重要性

浅谈唱谱在钢琴教学中的重要性

胡文静

摘要:唱谱是学习音乐中的重要环节,对于学习乐器者来说,唱谱是尤为重要的事情。可是,在日常教学中,碰到太多只管演奏而不管唱谱的学生和老师,或者即使有唱谱的也是不规范的。所以我要谈谈唱谱的重要性

关键词:唱谱 钢琴教学

在钢琴教学中我发现许多教师在钢琴初级教学中只强调技术的训练,手型的正确与否,而不重视或根本没有意识到唱谱对初学钢琴者的重要作用,其后果是不仅不利于学生学习的正常进行。在初级钢琴学习的过程中,识谱能力的高低与唱谱习惯的养成,直接影响着学生学习的进度和音乐感情的培养。学生因为刚刚接触钢琴,认知水平不是那么高的限制,对乐谱中的音符、节奏等概念感到十分陌生和难以理解,这严重地制约了学生弹奏水平的提高,影响了作品的完整表现。因而在学琴初期,生动活泼的唱谱方法是让学生保持浓厚学习兴趣、提高钢琴表现力和创造力的重要手段。

一、为什么要唱谱

众所周知,音乐是声音的艺术,而我们在演奏乐器时总是看着乐谱演奏。乐谱是符号、图形,是视觉不是声音,如何把看到的乐谱变成声音甚至音乐,唯一的途径是唱谱。通过唱谱,才能真正把符号变成声音,而演奏乐器是把已唱会的“内心音乐”提取出来,变成特定的乐器声音,再通过耳朵的辨别、纠正,形成好听的音乐。因此,唱谱好比安装软件,在演奏时打开软件。如果不唱谱,直接从乐谱到演奏乐器的过程,其实心里是没有音乐的,或者音乐是没有真正深入内心的。

成熟的音乐家之所以不唱谱只是因为音乐早已植根内心,已经形成了乐谱到内心再到乐器的快速反应,但其实内心还是唱谱的。所以,唱谱是学习音乐不可或缺的环节,无论是歌唱、演奏乐器或者舞蹈。为什么很多孩子不唱谱,原因我认为还是启蒙老师没有一以贯之地要求唱谱,觉得这是多余的浪费时间的,或者怕耽误时间。还有就是学校音乐教育,往往只注重听觉,忽视动觉,也没有形成完整地唱谱体系,以致无论五线谱、简谱都看不懂。这是音乐教育的不足之处。

二、如何唱谱

虽有一些老师要求唱谱,坚持唱谱,但往往缺乏规范,很多学生只唱音不唱节奏、节拍,更不用说其他音乐记号,这样的唱谱是把音符与其他符号割裂开来,把旋律与其他要素割裂开来。正确的唱谱我认为有以下规范:

1、唱谱同时打节拍

很多学生只唱谱不打拍,造成节拍、节奏混乱,唱谱应跟打拍子同步,一般可用脚或手打拍子。动作应是上下动,即打下去是正拍,弹上来是反拍。每个拍子打成下、上,即分拍。这样有利于学习半拍的概念,使附点、切分、弱起等节奏变得容易。很多学生之所以总是搞不清楚附点节奏和切分节奏就是因为只打拍点不打反拍。另外,我反对一开始就把分拍唱成拍数的做法,这样虽容易搞清分拍数,但容易跟乐曲真正的拍数混淆,同时也不适用于时值较长的音符。所以我的做法是眼看谱、嘴唱谱、脚打拍、手演奏、耳听奏。这才是真正的开发智力协调发展。

2、唱谱要唱节拍数

很多学生唱谱只唱音,不唱拍数,那就很难搞清这个音到底多长。我的做法是超过一拍的音必须唱拍数,如2拍的Do就唱Do 2,三拍就唱Do 2 3,有几拍唱几拍,这样无论时值多长都容易区分,尤其碰到延音线节奏容易搞清拍数。这对附点节奏也适用。例如:前附点节奏1.1 就可以唱成Do 2Do,加入之前拍子的下上打法,很容易搞清附点节奏。

3、唱谱要加入乐谱中的各种记号

只是唱音符、唱节奏还不够,音乐中有各种演奏记号、表情记号、力度记号等,唱谱应尽可能把各种记号唱进去,而不是等会唱音了甚至会演奏了再考虑这些记号。比如跳音就应唱得短些,重音就应唱得强些,连音就应唱得连贯。对于钢琴和吹管乐器,我特别要求学生要把换气也唱进去。因为歌唱是需要换气的,对于钢琴来说,换气即意味着提手,有些学生弹琴老是不提手,一方面可能没有意识到非连音弹法,另一方面可能就是因为唱谱不换气。唱谱中加入换气就更规范了演奏时的换气时机。而经常被忽略的重要一点是,换气其实很多时候是音乐的乐句、段落,唱谱中加入合适的换气即意味着能很好地理解音乐的句子和段落。

三、唱谱的好处

1、唱谱有利于提高学生对基本音、音高、时值的认识 对于刚刚学习钢琴的学生而言,很难理解钢琴弹奏中的音符,节奏,速度,力度音乐术语等等,对于一个陌生的东西,学生有的好奇,有的不耐烦,而唱谱就能解决这些问题,比如基本音,先老师教认识这些音的位置,后经过学生的唱来加强对音的认识,在唱的同时也把速度,时值,节奏型读学了进去,而且是在实践中,所以唱谱是一个解决这些问题的好办法。

2、唱谱对于演奏的的重要性 ①唱谱对于“断奏”的重要性

“断奏”俗称跳音。指实际奏时值短于音符时值的音。这时候的唱谱,就不单单是把音给唱出来,它包括节奏、强弱、音准等都要很好地表现出来。可能有些老师会觉得这样耽误时间,其实不然。如果儿童在弹奏之前,真的唱谱唱得很到位,那么他的弹奏不会差到哪去。要是一个学生对曲子都不熟悉,那他该怎么下手去弹。在断奏的弹奏中也是讲究手腕的运用与呼吸的,而这个呼吸就要求能够准确地将这个曲子弹唱出来,像理解歌一样的去理解曲子,弹奏曲子也是一样的道理。

②唱谱对于“连奏”的重要性

连奏又称连音,是一种音与音紧密相连的弹奏方法,是钢琴乐曲弹奏方法的中心内容,是使用率最高的弹奏方法。

先把断奏唱好,再唱连奏也不迟。就像我们学琴就是先学断奏,后学连奏。断奏如果说是立手型、识谱的初级阶段,那么连奏就是培养我们感情的阶段。所以,我们在教授有关于连奏的时候,就可以先不让孩子弹奏,而是要先大声的将曲子中的每个音唱出来,掌握乐曲节奏的规律,唱熟练了再弹奏,弹的时候可以让学生充分的展现自己,让他们自己通过对这首曲子的理解,弹出属于自己的味道,如果在弹奏中学生对于这个曲子理解有误,再纠正也不迟。这样学生不会觉得弹琴是件痛苦的事情,弹完后如果学生弹不好,还可以再唱再弹。

这样我认为,正确规范的唱谱不仅能让音乐真正走进内心,掌握音乐基本技能,同时也能更好地理解音乐作品,从而更好的表现作品。我经常跟学生讲傅聪的故事,他无论练琴还是公开演奏,总是边弹边唱,这是对的。

第二篇:节奏与识谱在音乐教学中的重要性

节奏与识谱在音乐教学中的重要性

节奏作为音乐的灵魂、音乐的骨架,是音乐赖以生存的原动力。任何旋律都是由节奏和音符拼凑在一起的,当然更缺少不了音符所带来的听觉上的感受,因为识谱是打开音乐大门的钥匙。音乐犹如千军万马,是节奏把它们有序地组织在一起。如果没有节奏,音乐就会杂乱无章,根本形不成音乐,因此,在音乐里节奏是至关重要的。而在目前的音乐教学中,往往因老师抽象而单纯的讲解音符时值与名称,用死板、枯燥、机械的反复拍打的方法进行教学,把想要表示的音响、运动和情感人为地割裂开来,使得学生的内心体验得不到满足,教学效果极差,导致学生讨厌节奏学习,从而,影响了学生对音乐的学习。因此,在课堂上我经常对学生说节奏和识谱的重要性,所以,在每节课的教学中我特别安排了对于节奏和识谱的训练。

节奏对于学生来讲是一个比较大的难点,但是如果把节奏通俗化生活化那就简单的多了。毕竟艺术要来源于生活,还要从生活中找寻艺术的影子。例如:让学生在听音乐的过程中,去感受生活中的各种节奏,如火车声:轰隆轰隆;钟表:嘀嗒嘀嗒;小鸡叫:叽叽叽叽;青蛙叫:呱呱呱呱等。只有真正把节奏掌握好了,才会更准确的表现歌曲的内涵所在。因为不同的节奏演绎不同的旋律,展现不同的歌曲内容和情绪。所以,我觉得节奏的正确掌握是更好的表现歌曲的关键所在。而且,在学生能掌握好的前提下尽量去尝试着举一反三,可以自己试着去改编原歌曲的节奏,体会不同的节奏所带来不同的音乐情绪和内涵表现,以此来加深学生对乐曲的深刻认识。学歌的另一个关键因素是——识谱。对于学生来讲识谱具有一定的挑战性,因为乐谱中包含着很多的音乐知识,是一个综合性的体验和学习的过程。要锻炼学生的识谱能力重要的一点是“多听,多练,多做”才会达到一定的熟练程度。

音乐学习的各个方面都涉及到听觉的作用,审美主体对于音乐的各种听觉感受能力是审美能力的基础。学谱的基础也应该首先放在听觉能力的培养上。听得多了,就自然会有一些音高的感觉,有了先入为主的音高再唱简谱,学生就更容易掌握音准的概念。

识谱教学中的各项内容和能力培养,都可从听辨音高开始,在听一听,比一比,辩一辩中培养学生的敏锐听觉、对音高的变化,集中注意并听辨演唱。

而同时也可以充分发挥学生的积极性来创编旋律以此提高学生的识谱能力。创编旋律的形式可以多种多样,创造性能力培养应该贯穿于音乐学习的各个环节、整个过程,可以在学唱歌谱之前创编,也可以在学完了新歌之后来创编。

在教学活动中培养学生的敏锐听觉、迅速反应、富有表现力的节奏感,对音乐结构、形式的感知、和默契的相互配合。以此,来加深学生对乐曲整体的认识和理解,有助于学生对知识的整体把握。所以在学唱新歌之前,我将乐曲中的旋律顺序打乱,以短小的旋律为单位排列在一起,先让同学们听每组旋律的音高,在根据自己的感觉重新排列成流畅的旋律,并一起弹唱。这样,以听为先导,创编为手段,然后再让大家来听一听,唱一唱教材上的歌曲,这样提高了学生的识谱能力,也大大调动了学生的学习积极性与主动性。

总之,节奏和识谱的学习即是相辅相成又是统一在一起的,只有把节奏掌握好了才能更快更好的去学习识谱,而只有在准确的识谱中节奏才更好的体现乐曲的音乐情绪,让乐曲变的更加生动充满活力。

第三篇:听力在钢琴教学中的重要性

龙源期刊网 http://www.xiexiebang.com 听力在钢琴教学中的重要性

作者:邓磊

来源:《科技创新导报》2011年第16期

摘 要:本文结合笔者的教学经验,着实讨论了听力训练在钢琴教学中的重要性,并指出了听力训练的特点,同时认为听琴练习、唱歌练习以及讨论交流是三种有效的钢琴听力训练方法。

关键词:听力钢琴教学重要性方法特点

中图分类号:G642 文献标识码:A 文章编号:1674-098X(2011)06(a)-0145-01 众所周知,钢琴音乐教学的难点就在于音乐的看不见和摸不着的性质,音乐的这种性质使得音乐教学“意会大于口传”。钢琴演奏的音乐只能凭借其声音的长短、高低以及强弱来学习,因此学习钢琴演奏显然应当注重听力的练习。我国著名的钢琴教育家周广仁曾经说“音乐是声音的艺术。要想使演奏有魅力,必须在声音上狠下功夫。”[1]

本文在结合笔者的日常教学工作,浅谈一下听力训练在钢琴教学中的重要作用及如何在钢琴教学中对学生进行听力训练。1 听力训练重要性的原因 1.1 音乐本身属性所决定

钢琴音乐本身要诠释的含义统统都是通过声音来实现的,演奏者需要通过声音来传达,钢琴音乐的演奏中,表演者要演奏出充满生命光辉的韵律;要想营造“难以言传”的艺术画境,显然审美听觉的自我控制是第一位的。历史证明,优秀的钢琴演奏家都具有非凡的音乐辨识能力。1.2 听力的后天性

人先天就具备听辨能力,但这并不代表卓越敏感的听力水平完全依靠天生能力。事实上,优秀钢琴演奏家的敏感听力水平并非天生(不排除很多是天资卓越者),而是长期训练的结果。对于入门学习钢琴演奏的学生而言,训练他们听力是至关重要的一步。让他们在演奏时尝试用听力来感知音乐的变化,力度的层次,节奏的脉搏,踏板的清晰,乐句的均匀,旋律的流畅,风格的准确等等。

因此,敏锐的音乐听觉能力对于学习钢琴演奏的人来说是十分重要的。2 音乐听力训练的特点

龙源期刊网 http://www.xiexiebang.com 笔者在钢琴教学中发现,如果学生不重视音乐听觉的训练,单纯注重技术手段或模仿弹奏,学习效果是很差的。学生在钢琴演奏时表现出的思路混乱不清通常是由听觉训练不够造成的。因此,钢琴学习中对学生进行的听觉训练应该是:学生在清晰的思维下,按照音乐表达的规律,将无意识的听觉,混乱的听觉调整为清晰的,有目的的听觉。这种训练能够促使学生从特定意义出发进行学习,充分调动自己的听觉器官,培养、发挥自己的听觉能力。“听”是心理在声音上的运用,而耳朵只是身体的器官,只要不发生故障,都具有一种听觉机能,而一般情况下听觉机能所起的只是消极作用,它可能听见也可能听不见。“听”是耳朵的功能.而凝神细听则是一种心理功能。钢琴学习中的音乐听觉训练,就包含了这种心理功能的训练,是学生集中于大脑的听觉训练。教师的任务就是不断地向学生发出信号,让学生注意听,并告诉他们所要听的内容和如何去听,而学生则必须时刻保持听觉的警惕性。

钢琴学习中的音乐听觉训练,就是学生必须在教师的指导下,对音乐进行分析,要对音乐中的各种因素了如指掌,在清晰的思维控制下,有目的的进行。3 听力训练的方式

笔者结合自身多年的教学工作经验,认为听琴练习、唱歌练习以及讨论交流是三种有效的钢琴听力训练方法。3.1 听琴练习

钢琴演奏的难点在于不同作品演奏时,触键的形式是多样化的。要想找到最合适的弹奏方法,最简单的辨别方法就是去“听”。许多初学者在钢琴弹奏时,其对于弹奏的力度和速度的把握是比较差的。所谓心灵则手巧,只有学生内心乐感达到一定的水平,才能把握好弹奏的力度和速度[2]。要做到这些,一个非常好的方法是在平日的学习过程中,多听一些优秀演奏家的示范,并将它们深深地记录在心中。诸如贝多芬的《月光奏鸣曲》、朗朗的《哥德堡变奏曲》等等。

那么有了好的作品之后,如何进行听琴练习训练呢?听的方法非常关键。周广仁教授曾说过:“练习钢琴,要从练第一个音开始就要学会听。”在钢琴学习中听琴练习的关键在于,“学生必须在清晰的思维下,按照音乐进行的规律,将无意识的听觉,混乱的听觉调整为清晰的,有目的的听觉。”难点在于学生如何保持清晰的思维以及把握音乐的规律,这时候教师的引导就非常关键。教师应该通过欣赏的手段,引导学生去用心地听,在这个过程中,教师要时刻提醒学生,注意去听哪里。怎样去听哪里,引导学生去把握音乐的精髓。这种训练能够促使学生从特定意义出发进行学习,充分调动自己的听觉器官,培养、发挥自己的听觉能力。但是这种训练不仅仅是对耳朵的训练,而是一种心理能力的训练。3.2 唱歌练习

尽管钢琴演奏和声乐练习之间有很多差异,但是音乐作品之间的紧密相通性使得唱歌练习对于培养钢琴弹奏的乐感非常有用。目前我们对于学生教授的钢琴弹奏作品都是比较简单的旋

龙源期刊网 http://www.xiexiebang.com 律,具有易懂、易记和上口的特点。让学生用唱钢琴作品曲目或者唱谱的方法对于训练学生对音高、节奏、强弱准确把握,以及训练学生对于乐句、呼吸和起伏的把握都非常有效。此外非常重要的一点作用,就是唱歌练习可以培养和调动学生学习音乐的积极性,激发其学习音乐的热情。教师在对学生使用唱作品练习法儿时,要注意作品选取由易渐难,循序渐进。在学生进行唱歌训练时,教师的指导是必不可少的。因此,从笔者的教学实践来看,学生无论是弹奏作品还是唱谱时,其对于音乐的盲点通常都是一致的。因此,学生在进行歌唱训练时,教师应该对其进行指导和分析,使学生对作品的各种因素做到心中有数,这样有目的的进行唱歌训练,方可以达到“唱准确”而后“听无误”的水平。3.3 讨论交流

教师与学生以及学生之间对于钢琴作品的讨论和交流是非常重要的。事实上,讨论交流是学习各个学科各种学问的通用有效方法。学生之间对某钢琴作品的听辨赏析进行讨论和交流,便于学生在讨论交流中明白自己对作品的感知程度,从而更加有效的进行钢琴作品的听力训练。笔者在日常的教学工作中,经常组织学生在集体听过某篇钢琴作品后,让学生谈谈对作品的听辨感受,让学生在辩论和讨论中提高自己的听辨能力,效果非常好。4 结语

在目前的钢琴教学模式当中,钢琴教师更加侧重于对音乐作品内容的讲解,听力训练尚未被教师们所重视。本文结合笔者的多年教学工作经验,讨论了听力训练在钢琴音乐教学中的重要性以及听力训练的特点和模式,希望听力训练能够为我国的钢琴教学工作带来一些启发。

参考文献

[1] 王孟德,孟晓.浅谈听觉训练在钢琴教学中的作用[J].中国校外教育.[2] 李莉.影响钢琴学习与教学的相关因素分析[D].西北师范大学,2001.

第四篇:试论情感教育在钢琴教学中的重要性

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试论情感教育在钢琴教学中的重要性

作者:郝爽

来源:《神州·中旬刊》2013年第01期

摘要:在整个钢琴教学活动之中,教师要懂得利用情感教学意识来完成对学生的情感塑造,使他们通过钢琴教学能够形成积极而且丰富的情感,并拥有独立且向上乐观的人格,为他们以后的生活工作奠定坚实的情感基础。

关键词:情感教育 钢琴教学 重要性 独立人格

1.绪言

钢琴演奏是一种极富感染力的乐器表演形式,在演奏过程中所呈现出来的忘我、想象以及思考的范围是不受任何约束的,它是一种不可捉摸的艺术形式,并可以保持在较长的时间段内维持一种很强的情感作用。从根本上来讲,钢琴演奏是来源于生活的,也是人的内心情感能够在其中得以充分表现的一种艺术形式。钢琴演奏也是一种综合性很强的艺术,它所包含的内容姿态万千,是其他所有艺术类型都无法复制和替代的。钢琴演奏可以表现出非常丰富的情绪,而我们人类本身就是一种情感活动非常丰富的动物,两者不谋而合。在当下的钢琴教学中,引入情感教育的方法,可以使学生获得更深入、更广泛的情感与艺术的双重熏陶,使它们成为一个情感积极丰富、具有独立人格魅力的人。从这个角度来讲,我们在当下谈论情感教育在钢琴教学中的重要性,是具有重要现实意义的。

2.钢琴教学过程中的情感因素

2.1教师情感因素对于学生的影响

在钢琴教育过程中,教师的情感因素对于学生有重要的影响,譬如说如果教师与学生之间的关系不够融洽,学生厌恶甚至是憎恨教师,那么对于教师所讲的钢琴课,他肯定是没有学习热情的,对于教师所布置下来的学习任务,学生也肯定会敷衍了事,甚至置之不理,长时间下去,学生对于钢琴的消极情绪就会越积越浓,相反,如果教师能够将自己的全部身心都倾注在学生身上,能够对每一位学生一视同仁,关心和爱护每一位学生,用自己的满腔热情去面对学生,学生也会充分的感受到这种积极的情绪,这肯定是一种非常有效的情感教育方式。除此之外,教师在授课的过程中,绝对不能吧自己的不良情绪带入到课堂的教学活动之中,而应该时时刻刻都保持一种积极向上的生活态度,也只有这样,才能传达更多的正能量给学生,从而辅助他们学好钢琴课。所以,钢琴教师不仅仅要拥有过硬的教学技能,还必须要保持一种昂扬向上的人生态度,用这种情绪上的积极力量去影响学生,促使他们对钢琴课感兴趣。

2.2 钢琴作品中的情感因素对于钢琴教育的有利影响

在钢琴教学活动之中,我们必须要选择一些和学生的认知理解水平相一致的钢琴曲目,万万不可为了追求所谓的高而深,而是学生陷入了不知所以的情绪之中,学生会在这个过程中产生畏难情绪,这种情绪的产生,对于学好钢琴课,有着极其不利的阻碍作用。教师在选择教材的过程中,需要特别注意曲目的系统性以及有机性,从而最大化的保证情感与审美的统一。在钢琴曲目之中,有很多作品情景交融,极富诗意,它们都无一例外的蕴含着浓郁的感情,也同样因此而具备了非常强烈的艺术感染力。这些经典的曲目不仅仅可以帮助学生形成积极向上的情感,也会帮助他们通过欣赏音乐而获得人格的完善。

3.钢琴教育中必须要遵循的情感教育原则

3.1形象性原则

众所周知的是,音乐艺术是一种极富形象的表演艺术,而音乐什么也正是借助于这些具体的形象来诱导和感染学生,使他们身临其境的去感受和理解,所以,在钢琴情感教学过程中,尤其是涉及到一些非常枯燥的理论教学,教师必须要想办法将各种理论知识转化为生动有趣的具体形象,来吸引学生的关注,也只有这样,才会点燃学生学习的情感火花,从而激励他们更好的感受和享受钢琴艺术所呈现出来的独特美感。

3.2欣赏性原则

音乐教学与对音乐的欣赏是分不开的,作为钢琴教育过程中,更是如此。所以教师在钢琴情感教学过程中,应该通过有效的欣赏来激发学生的学习兴趣,使他们能够充分的体验到钢琴作品的钢琴基调。钢琴教学中,教师要通过多种形式引导学生带着情绪去认真的感受和理解音乐作品,能够全身心地投入到作品中去,从而获得更加充分的情感感悟。

3.3 愉悦性原则

音乐教学,特别是情感教学的愉悦性是审美教学过程中所产生的情感体验。如果学生在学习的过程中能够保持一种愉悦的心态,就会将原本较为枯燥的学习过程变成是一种乐趣,而钢琴教学也非常完美的提供了这样的一个机制。钢琴教学完全可以利用自身的演奏特点来实现教学方法的趣味性和游戏化,可以给学生带来非常多的欢乐,最主要的是,是他们对钢琴学习感兴趣,从而积极主动的投入到学习的过程中去。

4.结语

在具体的钢琴课情感教育过程中,教师需要改变以往的教学方式,创新教学内容,并采取积极的教学方法开展丰富的情感教学,促进学生情感的有效表达,在这个过程中,教师自己要形成一种完善且独立的情感教育意识,在整个教学活动之中,利用情感教学意识来完成对学生的情感塑造,使他们通过钢琴教学能够形成积极而且丰富的情感,并拥有独立且向上乐观的人格,为他们以后的生活工作奠定坚实的情感基础。

参考文献:

[1]赵飒爽.论钢琴教学中的情感教育[J].东北师范大学学报,2009,(6)

[2]吴磊,黄钟.试论情感在钢琴教学中的功能[J].武汉音乐学院学报,2011,(3)

[3]周险峰.达尔克罗兹音乐教学方法在少儿钢琴教学中的运用[J].华中师范大学学报,2010,(7)

[4] 王昌逵.中国钢琴音乐的文化取向——“神韵”[J].深圳大学学报(人文社会科学版).2011(01)

第五篇:音阶和琵音练习在钢琴教学中的重要性

音阶和琵音练习在钢琴教学中的重要性

摘要:音阶和琵音练习属于技术类型的训练,在钢琴教学训练中占着重要的地位和作用。学生要想打下良好的基本功,就必须通过大量的音阶、琶音练习。该文主要论述了音阶和琵音练习在钢琴教学中的作用和意义。

关键词:音阶;琶音练习;钢琴教学所谓音阶,就是将音乐中所使用的乐音按音高的顺序依此排列起来,形成阶梯状的序列。所谓琶音,就是将同时发音的和弦各音按从低到高或从高到低的顺序依此奏出而不是同时奏出的音。

在钢琴教学中音阶、琶音属七和减七和弦双八度以及双三度等这些基础训练处于十分重要的地位。许多曲子都是巧妙地运用了各种音阶琶音和弦和分解和弦(包括它们的种种变体)作为表现音乐的手段。例如,尔尼740练习中的第一条就是各种音阶组成的,第二条则是由各类琶音组成的。音阶和琶音等基本功训练不可取代的作用还可以从以下事实中得到印证。拉萨列夫是俄国著名钢琴家,他常常告诫他的学生,每天应该练一小时左右的音阶、琶音。鲁道夫塞金也十分重视音阶、琶音等技术训练,他认为没有技巧,即没有音乐。巴克豪斯也强调音阶、琶音的练习,他每天都练半小时以上的音阶、琶音而且都加上表情。钢琴大师们尚且如此,可见一个学生在他学习技术的七、八年里,音阶、琶音是非常重要的学习美术论文发表www.xiexiebang.com/mslwfabiao/内容。

教学实践也证明,虽然音阶琶音弹起来和教起来都枯燥乏味,不易有“立竿见影”的教学效果,但是由于钢琴演奏技艺性很强,在学习过程中需要进行大量的、长期的音阶和琶音训练。如果一个学琴者缺乏这种扎实的训练的话,当他开始跨入中级程度后不久就会遇到困难,使他无法再取得更大的进步。

由此可见,要想弹好乐曲的前提是先打好基础,把音阶琶音等基本功练好。那么用什么样的练习方法才能做到事半功倍的效果呢?下面我们从两个方面谈一下音阶、琶音在这方面的重要性。

1.音阶作为基本功的重要性人的十个手指天生能力不一样,而音阶练习要求每个音的力度要均匀一致,练习音阶能够使手指得到平衡发展,并提高控制手指、运用手指的能力,还可以帮助学生熟悉键盘的位置。

全部的音阶,是由24个大小调式组成的。我们接触最多的欧洲钢琴音乐,几乎全部属于这些调式。熟悉了音阶,也就熟悉了这些调式、调性。而在乐曲中,常有音阶和音阶式的进行,往往这也正是技术难点。平时练习音阶,就为克服乐曲中的难点事先做好了准备。相反,没有音阶练习的基础,一旦在乐曲中遇到音阶临时练习,就要延误正常的学习进度了。表面上,音阶的音符是按顺序排列的,认起来并不难。但实际上,把音阶弹奏得较快而又均匀是很难的。我们必须每天认真地练习并长期坚持才能弹好音阶。

那么,要用什么样的速度和力度练习音阶呢?要将音阶弹得速度快而又力度强,不是短时期练习所能达到的。对于初学者,尤其是小孩,在速度力度的要求上,应有一个由易到难,循序渐进的过程。在开始阶段,应该慢而又弱,要求在最自然、最省力、腕和指最协调的状态下弹出最均匀的音阶。然后依次过渡到比较快比较强。在经过长期的慢练达到快而又强时,本质上应当依然是自然、省力、协调的状态和感觉。

2.琶音作为基本功的重要性钢琴音乐是一种和声音乐,和声的基础是和弦的连续,琶音又是和弦的一种形式。因此,琶音在钢琴音乐中占有十分重要的地位。在欧洲古典音乐中,琶音或琶音类的进行相当普遍。弹好了琶音,也就是弹好了许多钢琴曲的片断。

由于琶音是和弦的一种形式,练习琶音的过程也就是熟悉各个调性、调式的各种和弦的位置、和弦的不同色彩的过程。弹琶音时,由于手位迅速转移,其难度比弹音阶要大。其中,关键又在于手腕灵活的协调配合。所以,琶音练习可以帮助获得良好的感觉和状态。弹好琶音,也离不开手指的积极主动。而且,手指是在比弹音阶时更大的范围里运动,必然对手指能力提出更高的要求。所以弹琶音,也就是训练手指的灵敏和活力。在英语期刊www.xiexiebang.com/yyqk/速度方面也可以和弹音阶一样,先慢后快。相比而言,练习琶音的速度可略慢于音阶。但最终掌握技术之后,并不存在于两者之间的差别。琶音所能达到的速度并不低于音阶。由于琶音的音和音之间的距离较宽,在慢速练习中比音阶更容易显得孤立,所以尤其要强调动作、线条、观念意识上的整体感和连贯感。

综上所述,音阶、琶音的弹奏水平是学生技术水平的标志之一。所以各种“考级”都把音阶、琶音作为基本考试内容之一。它是钢琴技术最基本的两种技术。可以说不论演奏哪种风格、哪个时代的作品,都离不开大量的音阶和琶音。可见音阶、琶音在钢琴教学中是多么的重要。

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