第一篇：简论钢琴复调作品的音乐分析及其演奏与教学
简论钢琴复调作品的音乐分析及其演奏与教学
内容提要 复调音乐分析对钢琴演奏与教学有至关重要的作用与意义，它包括背景分析、复调结构分折、复调主题分析、复调手法分析等四个方面。这四个方面的分析，为对复调音乐作品进行细致准确的诠释、处理，提供了理论依据及现实指导。
关键词 复调音乐分析 钢琴演奏与教学 复调结构 复调主题复调手法
从《小前奏曲与赋格》到《十二平均律》，钢琴复调作品始终伴随着每一位学琴者的学习生涯，从业余钢琴考级到各种钢琴比赛，甚至到各级音乐专业的升学考试，作为规定的必弹曲目，钢琴复调作品始终伴随着每一位弹琴者的演奏生涯。钢琴复调作品在钢琴教学中的重要性已无须多言。如何提高钢琴复调作品在的教学效果，如何正确演奏钢琴复调作品，要解决这些问题，除了在严谨的读谱、恰当的速度、良好的技巧、合理的处理等钢琴技能技巧方面进行科学、规范的教学外，对钢琴复调作品进行音乐分析是及其重要的。尽管这一点被众多的教学者所忽视。
传统的复调音乐分析是指运用复调与音乐分析的综合知识，通过对文献资料的查阅以及音乐作品的具体分析，达到对作品由形式到内容、由表面到深层、由其然到其所以然等方面准确的把握与理解。它在认识、鉴赏、表现与创作音乐作品等方面都有着积极的指导意义。钢琴复调作品的演奏与教学而言，它更是至关重要。按照从宏观到微观的原则，复调音乐分析包括背景分析、复调结构分析、复调主题分析、复调手法分析等。
一、背景分析
背景分析包括作者背景与作品背景两个方面。这种分析需要翻阅大量的文献资料，一方面要对作曲家所处时代的背景、风格、音乐审美与创作观念及作曲家的个人风格、与创作特征，另一方面还要对具体作品的创作背景、环境、意图与表现内容进行了解、分析、总结。为理解与表现音乐提供文化与史论层面的背景依据。
比如在教学巴赫的《十二平均律》时，通过背景分析，我们可以得知，巴赫的平均律是为羽管键琴和古钢琴写作的，在音色上要求做到明亮、纯净、清脆，能清晰的同时表达不同的旋律。在力度上要做到中庸、采用相对稳定的音量，不宜做太大或太多的变化，但要注意不同段落之间用不同力度制造明暗对比。根据当时的审美观念和音乐处理标准，情绪上要做到感情明确、情绪单一，没有大起大落和复杂的变化，相对比较内敛，情感往往置于理性的严格控制之下，不宜做太夸张的处理。律动上要注意隐藏与生生不息的无穷动节奏之中的稳定的节拍与有规律出现的重音。
而肖斯塔科维奇的《24首前奏曲与赋格》虽然模仿了巴赫时代的形式，但演奏风格与处理方法却与巴赫的作品有着很大的不同。力度的多层次改变、织体的丰富变化、调性的复杂多变、调式的广泛运用、旋律的高度半音化、以及乐曲中处处体现的浓郁的俄罗斯民族气息等等无不体现了20世纪的音乐的特点，演奏与教学中得充分意识并恰当地体现这些。
二、复调结构分析
由于复调音乐作品中多个声部你密我疏、互为补充、持续发展、延绵不绝的特点使音乐分段没有了清晰的界线，往往给作品的结构划分带来了一定的模糊性。但根据旋律进行的规律、主题发展的不同手法、调性布局的变化以及音乐的结构功能意义等等，综合各种信息，复调音乐作品还是可以划分出不同的结构部分。结构的清晰划分，给我们正确的诠释、处理复调音乐作品提供了整体布局的理论依据。不同的段落在整体中有不同的表达功能和结构意义。力度的阶梯式布局(1)、音色的段落性变化、情绪的层次性起伏等各方面的安排都得来源与正确的结构划分。另外，篇幅较长的复调音乐作品练习起来有一定难度，往往需要先逐段练习、各个击破，再化零为整、合而为一。避免练习过程中的丢三落
四、顾此失彼现象。段落结构的划分给这种练习发生提供了明确的部位，使分段练习时音乐依然相对完整、而不至于支离破碎。
三、复调主题分析
无论是创意曲、卡农曲还是赋格曲，复调音乐最重要的特点之一就是精心设计一个或多个主题，这个主题必须简练鲜明、相对完整、可资充分发展。它起着两个方面的重要作用。第一、主题是全面发展的材料资源库，完整的复调音乐作品往往就是建立在对主题变化重复的基础上，对主题作出富有逻辑的巧妙发展，使简洁的主题形象在充分的发挥与展示之基础上逐渐丰满，在各个层面充分体现和论证主题的性格魅力，从而完成乐曲。第二、主题的基本情绪和音乐形象是全曲的基调，后面的音乐发展正是建立在这个基调上不断的延伸发展，直至结束。它没有均衡对称的乐句和起讫明确的终止，也没有的巨大冲突、对比，全曲的情绪或音乐形象仅仅是对主题各个的层面加以发展。钢琴的演奏与教学中对复调音乐的形象与情绪的把握与处理，来源与对复调主题的准确分析，这种分析包括主题的组成材料、音调、节奏、旋律线条、音程方向等方面。如：巴赫《C大调二部创意曲》的主题：
材料|节奏为均分的十六分音符，音调为级进的C大调上行音阶前四级。情绪上是一种平稳的上升，弱起的动机增加了些许上升的急促感。材料||节奏一样为均分的十六分音符，音调为跳进的三度下行及其下行二度模进。情绪上是一种跳动的下降，小距离的跳进带来了一丝活泼、跳跃的欢快感。整个主题音调的上升趋势、轻快流畅的旋律奠定了全曲积极向上、朝气莲勃的情绪基调。
再如：肖斯塔科维齐《24首前奏曲与赋格》No.4的主题
宽松的节奏、宽广的节拍、级进的旋律音调体现了主题连贯、流畅、委婉、富有歌唱性的音乐形象。从节奏与旋律特点来看，这个主题可分为两个部分，第二部分的节奏是第一部分的变化重复，音调上，第一部分级进向上，第二部分级进下行，但总的趋势是向上，体现了一种上扬的情绪。演奏时注意每个强拍的上行趋势和较长的时值，要处理的坚定、饱满、稳健。
四、复调手法分析
复调手法多种多样，从声部的对位方式可分为单对位和复对位，从声部的写作方式可分为对比复调和模仿复调，从旋律的发展方法可分为模仿、模进、倒影、逆行、紧缩、扩大……。不同的复调音乐作品中对这些手法有着不同的运用，在钢琴演奏与教学中要进行具体、准确的分析，为处理作品确立依据。以巴赫《C大调二部创意曲》的部分复调手法分析为例。
音乐的最初呈示部分，首先是主题单独在高声部出现，然后答题在低声部对主题做低八度模仿，如：
演奏时注意左手答题的清晰进入及其重复乐思、强调主题的作用。右手主题与对题旋律上流畅连贯、一气呵成，力度上对题要做稍弱处理，给答题让路。模进部分仅仅是第一小节的高五度移位，处理手法不变，但力度耍加强一个级别，音区的提高要配以音色的明朗、情绪的激昂。
主题的发展部分，两个声部连绵不绝的均分性节奏，使音乐具有无穷动的特点，高声部对主题的倒影、低声部对主题材料|的扩大、以及整体的三次下行三度模进，使音乐具有展开的性质，发展了模仿二声部对位的对比因素。如：
演奏时注意主题倒影与主题原形的内在联系，材料|级进音调节奏的扩大要做到坚定有力，下行模进要按版块做力度上递减制造明暗度的变化，向属调过渡要注意调性色彩的对比及不稳定性与倾向性的加强。
新结构部分的开始是第一部分主题在G大调上的复对位。演奏时要注意用新的力度布局来体现旧主题在不同的调性、音区的形象变化。与第一部分形成对比。同时注意新的调性、新的声部呈示方式带来不稳定的感觉。
对具体作品的复调手法进行具体的分析一方面能明确乐曲的结构，另一方面为正确分句、明晰声部关系、确定声部线条及其旋律在不同地方的主次地位、在手指的控制及听觉效果上为多声部的清晰展示、为正确地对复调音乐作品进行细致的诠释、处理等方面提供了理论依据及现实指导。
第二篇：车尔尼钢琴练习曲OP.821 NO.1~30课的演奏与教学
二Ο一六届本科毕业论文
题
目：
车尔尼钢琴练习曲OP.821 NO.1~30
课的演奏与教学
专业名称： 所在系别： 毕业时间： 学
号： 姓
名： 指导教师 及职称：
音乐教育 音乐教育系 2009年6月 20050509000
** *** 教授
沈阳音乐学院教务处印制
摘 要
车尔尼是一位为钢琴的演奏技术的创作而奉献自己一生的音乐家，他的毕生的精力与才华都体现在他的钢琴教学生涯和为此所创作的的大量教材之中，经过长期的实践证明，他的钢琴练习曲早就已经成为了钢琴教学之中的经典。车尔尼多创作的钢琴曲能够广泛的应用在学习钢琴不同程度的学生之中，每一位学习钢琴的的学生都会根据自身的条件和需要来对车尔尼的钢琴练习曲进行不同程度的选择和联系，以便提高自己的钢琴的演奏的水平。因此，他的练习曲对于钢琴不同程度的学习者都具有十分重要的意义。本文主要介绍了车尼尔的生平以及创作背景，并且对《车尔尼八小节练习曲 160 首》作品 821 的练习曲进行分析，阐述其821 的练习曲的具体的内容以及钢琴演奏的一些技巧，同时也对钢琴练习曲在教学过程中的出现的问题和对策进行分析，从而为钢琴的教学提供一定的理论依据。
关键词: 车尔尼 钢琴练习曲 OP.821 演奏技巧
Abstract
Czerny is a dedicated for the creation of the piano playing techniques and the musicians of his life, his life's energy and talent are embodied in his piano teaching career and therefore the creation of a large number of materials, after a long period of practice has proved that his piano etude already has become a classic of piano teaching.Czerny more creation of piano music can be widely used in different levels of learning piano students, every learning piano students according to their own conditions and needs to varying degrees of czerny piano etude of choice and contact, in order to improve the level of his piano playing.As a result, his etudes for piano learners of different level all has the very vital significance.This article mainly introduced the car Neil's life and creation background, and in 160 eight section "czerny etudes etude in 821 were analyzed, and its specific content, and 821 of etude some piano playing skills, but also to the piano etude in teaching problems and countermeasures in the process of analysis, so as to provide certain theoretical basis for piano teaching.Keywords: Czerny piano etude OP.821 playing skills
目 录
引 言.....................................................................1
一、钢琴家车尔尼的生平以及创作背景.........................................2
（一）钢琴家车尔尼的生平...............................................2
（二）车尔尼创作的铜琴练习曲...........................................2
二、钢琴练习曲OP.821的具体内容的分析.....................................3
三、钢琴练习曲OP.821的演奏技巧分析........................................4
四、在钢琴练习曲教学过程中的问题及对策....................................4 结 语.....................................................................5
引 言
车尔尼多创作的钢琴曲能够广泛的应用在学习钢琴不同程度的学生之中，每一位学习钢琴的的学生都会根据自身的条件和需要来对车尔尼的钢琴练习曲进行不同程度的选择和联系，以便提高自己的钢琴的演奏的水平。因此，车尔尼这个名字也同时成为了钢琴练习曲的一个代名词，并逐渐为大家所知晓，而车尔尼在钢琴领域的成就也就是在贝多芬的音乐时代到现代的钢琴演奏之间架起了一座桥梁。因此，本文主要介绍了车尼尔的生平以及创作背景，并且对《车尔尼八小节练习曲 160 首》作品 821 的练习曲进行分析，阐述其821 的练习曲的具体的内容以及钢琴演奏的一些技巧，同时也对钢琴练习曲在教学过程中的出现的问题和对策进行分析。
一、钢琴家车尔尼的生平以及创作背景
（一）钢琴家车尔尼的生平、著名的钢琴教育家以及铜琴演奏家车尔尼卡尔·车尔尼是出生于奥地利，是著名的音乐家以及作曲家贝多芬的一名最得意的学生之一。在18 0 0年的时候，年纪仅为9岁的车尔尼就已经作为一名钢琴家在维也纳城市举行了自己钢琴演奏生涯的第一次公演。后来，车尔尼又演奏了他的老师，即音乐贝多芬的名曲《大调协奏曲》以及《皇帝协奏曲》，这两首钢琴曲的演奏使得他的名声大震，也因此引起了世界的评论界的高度的关注，评论界普遍认为车尔尼是继钢琴演奏家胡迈尔之后，在维也纳地区最著名的的钢琴演奏家之一。不幸的是，车尔尼的身体素质较差，并且性格较为腼腆和内向，因此从这个方面来讲的话钢琴演奏似乎并不适合他。在跟着音乐家贝多芬学习钢琴演奏的三年的生涯之中，车尔尼同时也对前人的一些钢琴教学的方法有了一定的研究，因此，在他十五岁的那年她就成为一位著名的钢琴老师。从此以后，车尔尼就开始了他的钢琴教师生涯，并且付出了他毕生的精力。在钢琴教师领域，他也取得了不凡的成绩，培养了很多才华横溢的钢琴才华的学生，著名钢琴演奏家多勒、以及伊尔和塞尔伯格等等都是他的学生，而其中最为出名的便是著名的钢琴大师李斯特。并且在教授李斯特的过程之中，车尔尼有自己的一套独特的方法。他根据李斯特自己的钢琴演奏的特点，车尔尼已不去重视李斯特的钢琴演奏的技巧，而是更加注重让他去了解和掌握作曲家的写作的风格，这同时也说明了车尔尼在钢琴教学的过程中有自己的独特的教学风格。
（二）车尔尼创作的铜琴练习曲
车尔尼编纂的一共80集的钢琴练习曲，是其在自己的钢琴教学实践的过程之中，同时结合了学生的需要，而编写及创作的钢琴教材，次钢琴教材也是车尔尼对很多的钢琴音乐的家作品的风格以及技巧和手段的一种归纳和归结。车尔尼在其一生之中一共创作了一千多首钢琴的练习曲，其中有编号的钢琴练习曲一共有78册。它所创作的这些钢琴练习曲将古典主义的雅典风格以及克列门蒂式的旋律织体融合在一起，并且经过其对钢琴曲的严谨的分类，以及其由浅入深的精心的编排。车尔尼多创作的钢琴曲能够广泛的应用在学习钢琴不同程度的学生之中，每一位学习钢琴的的学生都会根据自身的条件和需要来对车尔尼的钢琴练习曲进行不同程度的选择和联系，以便提高自己的钢琴的演奏的水平。因此，车尔尼这个名字也同时成为了钢琴练习曲的一个代名词，并逐渐为大家所知晓，而车尔尼在钢琴领域的成就也就是在贝多芬的音乐时代到现代的钢琴演奏之间架起了一座桥梁。本论文主要是对钢琴练习曲OP.821的内容以及演奏的技巧等方面进行研究和分析。
二、钢琴练习曲OP.821的具体内容的分析
在车尔尼的钢琴练习曲中，其中的OP.821钢琴曲被称为8小节的练习曲，该钢琴练习曲一共有160首，大部分的钢琴练习曲都是8小节（NO。14是16小节外。OP.821钢琴练习曲的整体的结构较短，而且其音型以及技术等方面涵盖的内容较为全面，其旋律也较为优美。因此，学生在容易在对OP.821钢琴曲进行练习的时候，能够较快的且较完整的进行弹奏，这样的话在培养学生对钢琴的学习的兴趣以及增强学生学习钢琴的自信心等方面可以起到十分重要的作用。另外，OP.821钢琴练习虽然曲的篇幅较为短小，但是乐句比较完整，而且音乐的前后的对比也比较的鲜明，其中的每一首都具有一个完整的主题。而且，其中的易部分钢琴练习曲也同时汲取了民歌的一些素材，例如钢琴曲NO。
32、21就吸取了奥地利的民歌的素材，因而其具有短小而动听以及简单却色彩丰富的特点。
钢琴曲OP.821的内容基本上暴扣哦了音阶、半音阶、和弦、以及琶音和双音（3、6、8度）、连音等等钢琴技巧的练习的内容，因此在对其进行练习的的过程中要对钢琴练习曲的伴奏音型以及和声配置等十分重视，这样，对于学生对钢琴的学习的水平的提高以及即兴伴奏能力的增强等方面都具有很重要的帮助。
OP.821钢琴练习曲的音型比较全面。著名的钢琴领域的教育家蔡奎一先生就曾经把该钢琴练习曲分为八个音型的技术模块，具体包括音群型的练习、轮指的练习、节奏性的练习、音程（3、6、8度）练习、。颤音的练习、。琶音的练习、。断奏的练习以及旋律性的练习。而其中，根据高师的钢琴课的形式，在钢琴联系过程中应该把音阶、节奏以及音程三个方面的联系作为练习练习曲的重点内容。
首先，是对音阶以及半音阶类的练习。这类联系第一集里主要包括了NO。1、7、8、9、12、15、24、28、30、34、38、40等内容；在第二集里主要包括了NO。43、46、52、58、69、77等内容；而在第三集中主要包括了NO。109、120等内容。学生在刚开始练习钢琴曲的时候，应该采用先易后难的策略。例如在选择调式的时候应该从调号较少的开始练习。在选择节奏的时候，应该首先选择结构比较规整和简单，然后再选择结构比较复杂的。例如，NO。1、2、7、8等练习的内容中，其音的群型练习主要是以音阶以及半音阶为主的。学生要对大指的横向运动的训练较为重视，也就是换指练习以及五个手指进行连贯而且均匀的跑动的联系。另外，在音阶的跑动练习的过程之中，学生要十分注意手指的互相支撑作用。
其次，是对节奏的练习。学生在对节奏的练习过程中要十分的注意自己的节奏是否准确，在学生进行钢琴的学习的过程中，对于节奏的训练是一种重点，也是一个难点。例如，在对NO。2、21、72等内容进行练习的时候，首先在学生进行识谱的练习，这时要注意首先是以最小的时值为一个单位拍。而在NO。21练习时，练习曲的原谱是一个3/4拍，但是学生在在初次视谱的练习的过程中，为了易于接受，也可以先按照12/16拍进行练习，在自己能够对准音位之后，并且逐渐对该曲目练熟的时候，然后再改回原谱的3/4拍，对于其他的复杂节奏的联系也可以采用这个方法，以便提高自己练习钢琴的效率。
最后是对于音程类的练习。所谓对于音程类的联系指的主要是一些含3、6、8度的音程的练习曲的练习。例如，在对NO。3、11、19、29等内容的练习曲的联系的时候。练习者要特别的注意自己的手指在落键之后音的整齐性问题。此项练习在钢琴的课堂之上，是一个需要花费很长时间才能够逐渐解决的难题。
三、钢琴练习曲OP.821的演奏技巧分析
约瑟夫·霍夫曼曾近说过这样一句话，即钢琴的演奏者必须取得一种能够操纵钢琴的主权，而这个操纵权就是我们所说的技术。也就是说如果没有了技术演奏者就失去了能够体现钢琴艺术的重要的工具。而如何掌握钢琴演奏的技巧是一个难题，有研究表明。钢琴练习者只有掌握了钢琴演奏的一些基本的技巧，并且能够理解钢琴作品的内在的思想与内涵，而且能够领会钢琴作品的音乐风格，并在此基础上充分的发挥对于钢琴作品的二度创作的空间，只有这样才能实现对于钢琴作品的完整的诠释诊，并进一步使得钢琴演奏者的思想能够达到与钢琴作曲家创作作品时所要表达的内容达到高度的统一。而俗话说得好，熟能生巧，因此，要想取得钢琴演奏的成功，并不能靠着三天打鱼两天晒网的态度，因为钢琴技巧的掌握并不是凭着一日之功就能奏效的，而是需经过较长时间的反复的练习。另外，在钢琴的学习过程中，很多学习者包括一些著名的钢琴大师都要在手指的练习上花费很大的功夫和时间，另外，车尔尼的作品82 1的技术类型十分的丰富，难度的跨度也较大，同时也包含了练习者从初级逐渐到高级程度的练习，因此跨度很大，所以在钢琴的练习过程中，学习者要抱有一种持之以恒的态度。
四、在钢琴练习曲教学过程中的问题及对策
著名钢琴演奏家车尔尼的钢琴练习曲涵盖的范围很广，包括了钢琴学习的初级、中级、以及高级的各个阶段的学习。其在练习曲的难易方面主要强调的是均衡性，而对于同一种的技术性的课题，其在不同程度的钢琴练习曲中也有一定的连续性的体现，学生可以根据程度逐渐选择由易到难的练习曲，因而让不同学习程度的学生能够同时训练同一技术的钢
琴练习课题。例如，OP.821练习曲中，都是需要掌握八度的双音的断奏的技巧，在练习曲第1 9首的时候主要采用的是主旋律通过一只右手弹出的方法，但是在第25首的时候前一句练习中采用的是左右双的手合作，通过采用半音阶的形式弹奏，但是在后一句中则是采用了右手弹奏的旋律。另外，在进行钢琴的教学过程中，钢琴教师是整个课堂的主导但是却不是发挥主宰的作用。大部分学生在刚开始学习钢琴的时候，其技术基础都较为薄弱，但是在对于音乐的理解能力却很强。因此，如果教师能够把生活中存在的丰富的生活阅历以及感受转化为一些弹奏钢琴过程中的运动原理之中，对于提高学生练习钢琴的技巧是具有很大的帮助的。例如，乒乓球以及羽毛球等的控球和击球的感觉，游泳和跳水时候的感受等等，以便学生触类旁通，可以弥补一些学生在手指训练时的困难。最终通过循序渐进的方法进行钢琴的训练，能够促使学生在迅速的了解和掌握钢琴弹奏的一些基本的技巧。
综上所述，在钢琴的教学过程中，教师首先要明确钢琴教学的目的，这样可以避免一些教师只注重对学生的钢琴弹奏技巧的提高，从而忽略了对学生的综合应用能力的培养。因此，教师在教学实践的过程中，要有一种敢于突破传统的教学模式的精神，并且重视因材施教，合理的选择钢琴的教材，只有这样，才能有助于培养出一些高质量的钢琴人才。
结 语
车尔尼的钢琴练习曲早就已经成为了钢琴教学之中的经典。车尔尼多创作的钢琴曲能够广泛的应用在学习钢琴不同程度的学生之中，每一位学习钢琴的的学生都会根据自身的条件和需要来对车尔尼的钢琴练习曲进行不同程度的选择和联系，以便提高自己的钢琴的演奏的水平。在车尔尼之后的很多年，钢琴音乐的创作以及演奏的风格都发生了很大的变化，但是车尔尼的钢琴练习曲仍然具有十分重要的现实的意义。
参考文献
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第三篇：钢琴音色特点与演奏技巧的浅议
内容摘要： [论文关键词]钢琴 音色 表现力 演奏技巧 [论文摘要]通过钢琴丰富的音色表现力和音色特点,阐述如何表现、如何改变音色的方法,分析改变音色的演奏技巧。
[论文关键词]钢琴 音色 表现力 演奏技巧
[论文摘要]通过钢琴丰富的音色表现力和音色特点,阐述如何表现、如何改变音色的方法,分析改变音色的演奏技巧。
音色是由发音体的性质、形态以及其产生泛音数目的不同而呈现出的不同声音,即音的色彩和特征。优美的音色是音乐表演者必须持续不断追求的目标。只有演奏出优美的音色才能打动听众的心,实现音乐感人肺腑之功能。着名钢琴教育家涅高兹说“钢琴的艺术也是声音的艺术,通过弹奏音色的变化产生的音响可以表现出愤怒的狂号、疾风骤雨、雄伟悲壮、奔腾豪放、果断刚烈等强烈的情感,也可以表达低声倾诉、喃喃细语、安慰、爱抚、叹息、抽泣、甜蜜、微笑、幸福、爱情等内心的复杂情感,也可以表达空谷回声、黄昏钟声、高山流水、粼粼水波等大自然的奇观美景以及阳光、月色、云彩、微风等看得见摸不着的物体。总之,所有称之为音乐的东西都可以在钢琴上弹奏出来, 而音色的变化使音乐的表现具有广阔的想象空间和表现范围。
一、钢琴独特的音色美
在辽阔的音乐世界,乐器的品种类别数以千百,但人们却对钢琴情有独钟,那是因为钢琴本身所具有的独特性能和审美价值。钢琴的气势宏大,没有哪件乐器可以与之相比。它既有辽亮辉煌的音响,又有绚丽多彩极具丰富的音色。钢琴音域广达6-7个八度,力度变化从最弱到最强,体现了大幅度、多层次音响特征,其丰富的表现力可以与一个交响乐队媲美。通过弹奏等技术处理又可以使音乐变化多彩„„钢琴这种乐器在笔者的印象中是最理智的,弹奏时脑海里总是浮现各种更感性的、更具体的声音形象,包括人声和世界上所有乐器所表现出来的各种各样的色彩。因此钢琴演奏者不需要任何人的帮助,一个人就可以单独在钢琴上塑造出绝对完整的形象,创造出某种完整和完美的钢琴作品。
钢琴有它独特的音色美,有它的“自我”,无法与其他东西混淆。我们应当了解并喜爱钢琴独特的“自我”,从而彻底理解它、掌握它。音色美给人以官能上的快感,这种源于物理属性的生理反应,是一种初级的灵感。但从键盘上流淌出来的音乐,却蕴涵着丰富的音乐美的内涵,这种有旋律、和声、调式、调性、肢体、曲式、速度、力度等音乐表现要素交织在一起所构成的音响美,不仅给人以情绪的感染和精神的愉悦,而且还具有一定的启迪智慧、完善品格的效应。只有当你在钢琴上弹出不可能的东西时,你才能弹出钢琴上一切可能表现的东西。心理学家认为,概念、想象、愿望是可以跑在实际的东西前面的。贝多芬耳聋后创作了他听不见的钢琴音响并且预示了钢琴在数十年后的发展。作曲家的创作精神为钢琴音响探索出了新的规律,而钢琴就逐渐地适应了这些规律。
从钢琴弹奏的原理上看,钢琴是键盘乐器,是通过琴槌击弦发出声音的,因此颗粒性声音是钢琴的特色和所长。弹跳音、弹连奏就特别能显示钢琴的优势。在弹奏运指的同时,自肩起贯通至臂腕部,力量从上至下,无阻隔的传递到指间,这需要学生上部身躯各个部位能够相互协调并运用自如。尤其是臂腕部尽量放松,整体投入、上通下点、手指站立,这样所发出的音响通透亮丽,松弛而有弹性,富有光泽。在节奏旋律上有脉动感,有活力,更有清澈的颗粒性。所谓“大珠小珠落玉盘”就是钢琴效果的精妙写照。要训练好手指,使其独立、主动、灵活;使弹奏的声音清晰、流畅、均匀。这对展现出钢琴所长是关键性的步骤。
二、正确的触键方式是获得良好音色的前提
一些业余钢琴爱好者,他们有良好的钢琴演奏技能,但由于他们只知道触感是演奏艺术完美的保证,而忽略了触键方式,致使强奏时声音生硬、死板,弱奏时声音“虚”。因此在技术方面,要弹出“好听的”声音,必须具备非常灵活柔顺的双手(但不是软弱无力)和“放松的重量”,即从肩部和背部起,直到接触键盘的指尖(全部的准确性都集中在指尖)为止,整个手臂都是放松的;还必须有把握地、合理地控制这种重量,从弹疾速轻巧的音所要求的飞掠而过的触键起,到弹宏大的音量而用大力度用力弹键为止,都必须如此。
第四篇：《竖笛演奏与教学》
《竖笛演奏与教学》作者：韩中健编著，南京师范大学出版社
前言
第一部分 竖笛概况
一、竖笛的历史与发展
二、竖笛的种类与特点
三、竖笛各部位名称图示
四、竖笛的保养
五、竖笛的指法与指法表
六、外国著名竖笛演奏家介绍
第二部分 演奏法概论
一、竖笛演奏的姿势
二、竖笛演奏的手型
三、竖笛演奏的口形
四、竖笛演奏的呼吸方法
五、竖笛演奏的运舌法
六、竖笛演奏的运指法
第三部分 基础练习
一、左手五个音的练习
二、加入右手的四个音
三、高音区的练习
四、加入变化音的练习五、二、三声部重奏曲
第四部分 技巧训练
一、双吐与三吐
二、气颤音
三、指颤音
四、各调音阶、琵音、三和弦等练习
五、半音音阶
六、练习曲
第五部分 乐曲选练
一、中外名曲
(一)中国乐曲六首
(二)外国乐曲二十二首
二、独奏曲、奏鸣曲、协奏曲
(一)中国乐曲
(二)外国乐曲
附录 常见音乐术语
本书以高等师范音乐系科学生及中、小学音乐教师为读者对象,主要包括以下几个部分的内容:
一、竖笛概况;
二、竖笛演奏法概论;
三、基础练习;
四、技巧训练;
五、乐曲选练，《竖笛演奏与教学》。
在第一部分中,读者可以了解到竖笛的历史、竖笛的特点及外国著名竖笛演奏家介绍等相关知识。第二部分是关于竖笛演奏的理论。从演奏方法、演奏技巧的角度,对演奏姿势及演奏中气、指、舌的运用等作了详尽的介绍和分析。第三部分从左手五个音的练习开始,按照由浅入深、循序渐进的原则,以指法训练内容为主线,然后加入右手音的学习和高音区的练习,进而啬带有变化音的练习。同时,结合运气、运舌和运指方面的内容进行训练。第四部分的技巧训练,着重在气、指、舌三方面进行专门的练习。选编了有针对性的练习曲与乐曲,供读者在学习时根据自己的实际情况选择，教学反思《《竖笛演奏与教学》》。第五部分选编了部分竖笛的优秀作品,既可作综合练习之用,又可供读者浏览参阅。
《儿童竖笛启蒙》
本教材适用于小学中、低年级及幼儿园使用。
简介：许国屏，出身于音乐世家，9岁师从著名笛子演奏家陆春龄学生学习，现为中福会儿童艺术剧院许国屏多功能组合式民族管乐器教学实验室主任，国家一级演奏家员，享受国务院专家特殊津贴、上海儿童音乐学会常务副会长。曾先后出版《直吹笛十八课》、《少年儿童笛子教程》、《儿童民族乐队实用手册》，其中《青少年学竹笛》被团中央列入希望书库、许国屏发明的“多功能组合式民族管乐器”多次荣获世界金奖、银奖、文化部科技进步二等奖。《儿童竖笛启蒙》系作者近二十年来深入幼儿园和小学，探索竖笛引进教室的科研成果。本教材适用于小学中、低年级及幼儿园使用。
儿童竖笛启蒙 目录：再版说明开头的话
一、竖笛图介
二、演奏姿势
三、儿童竖笛练习曲九十条 “1、2、3”三个音的练习（1）“1”音练习（2）“2”音练习（3）兄弟俩（4）“3”音练习（5）竖笛是我的好朋友（6）小鼓咚咚响（7）好宝宝要睡觉 “6”音练习（8）“6”音练习曲（9）小夜曲（10）草原圆舞曲（11）吹起芦笙跳起舞 “5”音练习曲（12）“5”音练习曲（13）洒水车来了（14）侗笛声声（15）小喇叭（16）钟声（17）小火车 “4”音练习（18）“4”音练习曲（19）过小桥（20）小圆舞曲（21）各族儿童心连心 “7”音练习（22）“7”音练习曲一（23）“7”音练习曲二（24）四季歌（25）小鸟飞回来了（26）我们的朋友遍天下 “5”音练习（27）“5”音练习曲（28）新年好（29）生日歌（30）下雨啦（31）小牧民（32）牧场上的家（33）欢乐颂（34）学吹小军号……
四、快乐的小乐队附：儿童打击乐训练
///抱歉,业余考级I don't know
第五篇：手风琴演奏心理因素分析与教学训练
手风琴演奏心理因素分析与教学训练
【摘 要】本文通过对手风琴演奏者演奏状态的心理因素分析，试图探究演奏心理对演奏者的影响，并试探提出提高手风琴演奏者心理素质的应对措施。
【关键词】手风琴演奏；心理因素；教学训练
中图分类号：G642 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2015）12-0241-01
要想通过手风琴演奏出经典优美的曲目，不仅需要扎实深厚的基本功底，还需要演奏者具备较强的心理素质水平，对于手风琴演奏者来说，心理因素对演奏过程中的投入意识、整体流畅性、创新意识等都有着很大的影响。
一、心理因素对手风琴演奏者的影响
（一）投情状态方面
音乐背景以及情感是需要演奏者用心去投入才能深刻理解，投入的深度与维度依靠于表演者自身的想象力以及音乐修养水平，演奏者需要在不断加强自身专业水平的同时，还需要注意培养丰富的情感想象能力。作为手风琴演奏者应能够通过各种途径来丰富自身的感受与经验，并学会将其运用在手风琴音乐表演中，与听众进行心与心的交流，达到艺术与情感融为一体的效果，提高整个演奏活动的整体水平，特别是情感艺术水平。如若投情心理因素掌握不到位，那么在表演的过程中就会影响演奏者的演奏水平。
（二）演奏流畅性方面
演奏者出现临场心理问题的主要因素是由于陌生的演奏环境对自身技能以及心理的刺激而产生的，如果演奏者在短时间内对演奏环境没有形成良好的适应性，临场不良心理问题就会出现。手风琴演奏者在日常训练中，都是出于自身熟悉的物质环境及人文环境下，在突然面对众多受众时会形成无形压力，使其失去正常的演奏状态，表演思维也会发生混乱，影响演奏的流畅性。演奏熟练程度以及临场高素质心态可以有效地提高演奏流畅性，练习属于知觉、记忆的过程，演奏则与其相反，是再现、回忆、条件反射的过程。现场演奏能够将演奏者平时练习中未解决的问题显露出来，为了弥补显露出来的问题演奏者会出现一定程度的失误，一旦失误产生，原有的动作定型及情感模式就会被打破，而新的动作定型以及心理又很难形成，极大地影响着演奏者的表演流畅性与整体性。
（三）创新意识方面
艺术心理学在乐器演奏过程中产生的非理性影响也往往被视为演奏中的主要原动力，甚至在必要时刻关乎着演奏效果的升降与成败。不同环境产生的心理因素，对于乐器弹奏的影响主要体现在音调的细节方面。因此，良好的心理状态能够增强乐器的演绎效果。这种基于理论层面的认识溯及到现实的手风琴演奏过程中，便可通过积极的心理状态带动演奏效果的增进，这就需要在舞台的布置上予以格局化地创新与突破。首先在舞台环境的布置上，演员在舞台上进入一种相对舒适的环境中，并不会感到紧张，便有助于减少琴音上的误差；其次在演奏之前，导演与教师要学会及时为演奏者做一定的心理工作，使其减轻心理压力；最后在平日的演奏练习中，演奏者应当在手风琴乐色的玄妙中自我净化与陶冶心灵，力求达到只要琴在手中，一切便在“无我之境”的主观环境之内。借助心理因素对演奏者的非理性影响，实现演奏者和练习者们在弹奏技巧的进步过程中潜移默化地推进。
二、提高手风琴演奏者的心理素质的应对措施
（一）意志培养法
在手风琴手演奏的时候演奏者会受意识的影响，这种影响是对演奏者的内心暗示，即有意识的控制和潜意识的控制，这是在心理学上的划分。有意识的控制是在不自知的前提下有目的性的行为，比如在拉风箱的时候对于速度和力度的处理，在不断的重复中已经不再需要思考，在潜意识里已经形成了不会改变的自然动作。手风琴演奏者演奏时，应尽量避免紧张的情绪，加强自制力，多参与大型的手风琴演奏，锻炼自己的心理素质，同时加强对情操的培养，让演奏出来的曲子具有生命力。手风琴的演奏由双向因素决定，即欣赏因素和再创造因素，所以在演奏的过程中要使自己的思想与作品集中起来，将无限的想象力和情怀赋予音乐当中，在登台前暗示自己，这是伟大的行为，是自身对美的切实塑造。同时在登台之前要将检查背带、变音器等是否妥当当成重要的事宜。
（二）心理训练法
日常心理训练的主要目的是为手风琴演奏者的现场表演做好心理准备，针对演奏者演奏前的心理变化以及现场表演的具体情况，利用常规心理训练原则，对演奏者采取针对性的心理训练。对手风琴演奏者的心理训练，可以采用类似现场舞台模拟表演的方式完成，通过与近似现场演奏表演的多次模拟，演奏者开始能够逐渐适应现场舞台表演的氛围，并能够通过多次的模拟训练来提高心理适应能力，通过总结可以加强自身心理素质的调节能力，对于心理训练进度的制定需要严密可行，可以充分进行有效地锻炼。放松心理训练是心理训练中的基本方法之一，主要是有意识地控制自身的心理以及心理素质活动，借以必要的肌肉松弛练习课程，改善心理情绪，梳理紊乱状态。
参考文献：
[1]张欣.浅谈如何提高手风琴演奏表现力[J].大众文艺，2010，（05）：29.[2]李小琪.手风琴演奏中的紧张心理探究[J].音乐天地，2010，（12）：22-24.[3]常诚.谈手风琴学习的方法与途径[J].音乐天地，2013，（05）：50-52.
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