浅谈古典写实油画画技法教学

第一篇：浅谈古典写实油画画技法教学

《浅谈古典写实油画画技法教学》

整理人：徐君冬 古典风格的写实油画在当代西方几乎成了绝响，然而在目前的中国油画界却有许多画家仍然热衷于这一古老的绘画方式，出现了很多有东方韵味和时代感的古典风写实油画作品，并且在学术界和收藏界都有广泛的影响力。在当下的美术学院油画教学中，笔者认为系统的教授学生古典写实油画的制作技巧、方法和步骤，以及帮助他们理解古典写实油画的深厚底蕴和精神内涵是十分必要的。首先，在教学中应使学生明白古典写实油画是人类绘画史上的最高峰，所有的画风都是从古典绘画中派生出来的，那种精深唯美的样式，具象的外表下升腾出的灵性之美是我们在作品中一直要追求的。其二，通过对古典写实油画材料、技法以及制作步骤的熟悉和掌握，使学生在今后的油画创作实践中能够获得较强的写实能力和画面控制能力。在实际的教学过程中，任课教师应从古典油画普遍使用的技巧、步骤以及材料方面的运用讲起，在学生对古典绘画的艺术准则以及各个阶段最具代表性画家的风格技巧有初步的理解的基础上，通过临摹和写生训练能够掌握一定古典写实油画技巧，并运用在以后的创作实践中。以下本文就从古典写实油画材料、技巧和训练方法三个方面总结一下笔者在教学中的经验和体会。首先，学习古典技法的油画在绘画材料上应该有所研究和讲究的，学生在平时的写生课上往往忽视对这方面的关注和应用，因此在绘制作品之前系统的向学生讲解古典油画材料的制作和应用是很有必要的。油画的材料主要为画布、底料、画笔、光油、颜料，以下是古典写实油画在这几个方面所要注意的。画布： 画布中最好的是纯亚麻布，国产亚麻布质量较好，可选用。目前画材商店的现成的油画布极易出现问题，如脱落、龟裂等。我们应该提倡学生自己刷制画布，因为它是绘画过程中的一个重要组成部分。绷画布的时候不要绷的太紧，而是绷的即要紧又要有弹性。画布须钉的平整，纤维的纹路要平直，不能扭曲，扭曲的纹理会破坏作品表层的肌理美感。底料： 底料分为涂胶和涂粉两步。涂胶是绘画作品的第一层结构，可鼓励学生自己用动 1 1 8576280.doc-2微妙变化的色调。例如在黄色的色层上涂罩深沉的蓝色，就会产生蓝中透绿即冷中寓暖的丰富效果，这往往是调色板上无法调出的色调。另外，每一遍绘制之间都要先涂一便媒介剂进行 衔 接。

二、多层次着色法： 也称不透明覆色法，透明与不透明两种画法没有严格的区别，画家经常在一幅画作中综合运用。作画时先用统一的颜色画出大形体, 然后用颜色多层次塑造, 中间调子和亮部需层层厚涂，暗部画得较薄，或留或盖，形成色块对比。由于厚薄不一，显出色彩的丰富笔意与肌理。表现处在暗部或阴影中的物象时，用不透明覆色法易于塑造处在亮部的形体，增加画面色彩的饱和度。透明罩染则可以产生稳定、深厚的空间感和体积感。20 世纪以前的画家大都采用这种画法，制作作品的时间一般较长，有的画完一层后经长期放置，待色层完全干透后再进行描绘。在指导学生的作画过程中要求他们在画面上要经过五六次的反复制作。第一、二遍笔触要减弱，使画面平整。第三、四遍在大的色调和谐的情况下，有目的制作些符合造型、结构的笔触和肌理。在后来的透明罩染中，笔触又被减弱，同时利用皴擦等技法露出凸起部分的高点，留下暗部痕迹。如此反复多遍使作品呈现出一种丰富耐看 的 效 果。

三、不透明一次着色法： 也称为直接着色法或局部推移法。即在画布上作出物象形体轮廓后，凭借对物象的色彩感觉或对画面色彩的构思从一个局部开始铺设颜色, 基本上一次画完,。这种画法要求笔上所蘸的颜料比较浓厚, 色彩饱和度高, 笔触也较清晰，易于表达作画时的生动感受。19 世纪后期的许多俄罗斯学院派画家较多采用这种画法，如列宾、谢洛夫等。为使一次着色后达到色层饱满的效果，必须讲究笔势的运用，常用的涂法分为散涂、平涂和厚涂。散涂指的是根据所画形体的转折趋势运笔，笔触比较灵活、松散；平涂就是用均匀的笔势涂绘成大面积色彩，适于在安定、平稳的构图中塑造静止的形体； 厚涂则是全幅或局部地厚堆颜料，使颜料表现出质地的趣味。这种技法是现代写实画家常用的一种方法，在实际教学过程中，可根据学生自身的特点来进行不同的指导和要求。在具体的课堂的教学中可以通过临摹、写生两种手段进行技法的训练。3 8576280.doc-4的过程中可以自觉地驾驭油画材料、选择并运用可以表达艺术思想、形成艺术形象的写实技法来进行油画创作。在此基础之上，能够进一步的理解古典写实油画的精神内涵，自觉的向古代

油画大师学习，使自身的油画艺术创作有一个较高的起点。5 8576280.doc-6-［1 ］ 肖威． 《当代中国中青年写实油画家——郭润文》 ［M］ ． 江西： 江西美术出版社，1 999 年1 月第一版．［2］ 本社． 《解读肖像》 ［C］ ． 上海： 上海书画出版社，2005 年1 月第一版．［3］ 杨飞云． 《中国古典主义代表画家——杨飞云》［M］ ． 广西： 广西美术出版社，2003 年第一

第二篇：古典油画技法中质感的研究

古典油画技法中质感的研究

摘要：

当传统被忽视被淡忘的背景下,目前的中国油画界却有许多画家仍然热衷于这一古老的绘画方式，出现了很多有东方韵味和时代感的古典风油画作品，并且在学术界和收藏界都有广泛的影响力。在当下的美术学院油画教学中，系统的教授学生古典油画的制作技巧、方法和步骤，以及帮助他们理解古典油画的深厚底蕴和精神内涵是十分必要的。通过对古典油画材料、技法以及制作步骤的熟悉和掌握，使更多人懂得去欣赏古典油画，使学生在今后的油画创作实践中能够获得较强的写实能力和画面控制能力。

关键词：古典写实油画油画材料 技法

前言

古典油画技法的是油画中必不可少的一部分，从远古时代就已经开始技法的探索，在不断的寻找技法的变化与更进一步的完善。艺术的发展与社会的发展也有很多相似之处，不论在形式与审美，技法与材料，都是在不断进步与发展。直到欧洲文艺复兴时期人文主义的兴起，古典油画技法开始了全新的研究，乔托的到来为后来画家技法奠定了基础，早期佛罗伦萨画派的丹配拉技法，威尼斯画派与鲁本斯的绘画技法，每一个时代的过程都是对技法的进一步探索。

油画是一种西方艺术形态，通过油彩在抹布上作画。古典主义和浪漫主义是油画艺术的两大源头，而他们最终又都融汇于文艺复兴的伟大古典艺术当中。当古典风格的写实油画在当代西方几乎成了绝响，当传统被忽视被淡忘的背景下，在目前的中国油画界却有许多画家仍然热衷于这一古老的绘画方式，出现了很多有东方韵味和时代感的古典风写实油画作品，并且在学术界和收藏界都有广泛的影响力。

写实语言在更高阶段则体现为一种细微变化的“素描”语言。其色彩的变化让位素描层次的变化和虚实变化。当然这种处理不同于照片死的细致和周到，它沿着一条合理的视觉通道将观者的视觉指引，从而施展给画节奏的魅力。写实油画的“写”：抒写、流畅、自然、不做作、随意。写实的“写”在字面上理解不仅仅有表现得意思，其中包含了速度、运动和抒发的成分。写实油画的“实”：真、直观、准确、完整、理性、细致。写实的“实”是真实，眼睛所能看到的世界上的物质现象。但艺术中有极大的虚拟成分，想象力使实超出自然现象。

在当下的美术学院油画教学中，我认为系统的教授学生古典写实油画的制作技巧、方法和步骤，以及帮助他们理解古典油画的深厚底蕴和精神内涵是十分必要的。

首先，在教学中应使学生明白古典油画是人类绘画史上的最高峰，所有的画风都是从古典绘画中派生出来的，那种精深唯美的样式，具象的外表下升腾出的灵性之美，是我们在作品中一直要追求的。其二，通过对古典写实油画材料、技法以及制作步骤的熟悉和掌握，使学生在今后的油画创作实践中能够获得较强的写实能力和画面控制能力。

在实际的教学过程中，任课教师应从古典油画普遍使用的技巧、步骤以及材料方面的运用讲起，在学生对古典绘画的艺术准则以及各个阶段最具代表性画家的风格技巧有初步的理解的基础上，通过临摹和写生训练能

够掌握一定古典写实油画技巧，并运用在以后的创作实践中。以下本文就从古典油画技法中质感的研究,古典油画材料、技巧和训练方法三个方面总结一下笔者在教学中的经验和体会。

目录

一 绪论

1-1研究背景

1-2研究的目的与意义 1-3研究的内容

二 关于国外古典油画技法中质感的分析 2.1 西方油画古典技法的起源与发展 1）西方油画技法的起源

壁画 湿壁画 2）西方油画技法的发展

丹陪拉技法

从丹陪拉到油画

古典油画技法的发展

三 关于国内油画技法中质感的分析

3.1 国内油画技法的引入与发展 1）国内技法的引入 2）国内技法的发展

外出留学 请进外教 对当前国内学习的运用 3.2 国内画家技法中质感的分析

毛焰

冷军

四 研究技法后对古典油画技法的分析

质感分析对比

肤色 布 金器

五 学习古典油画技法中质感后的问题与思考 六 结语

1绪论

1.1 研究的背景

油画在中国大约有了400多年的历史。绘画语言中的三个基本要素：造型，色彩，技法，相比中国传统的文化艺术来说对西方油画的研究根本是远远不够的，但古典油画的色彩与造型方面等方面中的内容还有很多不足。西方油画从13世纪开始经过了漫长的发展，从而产生了各种各样的流派留下许多巨作，由于世界发生了翻天覆地变化，工业革命的进步，现代高科技和工业快速发展，使画家的审美风格发生了转变，越来越多的人都容易接受这种视觉中的技法微小的变化。油画逐渐地传入中国后，带来了西方的古典绘画技法，也出现了新“材技法”改变了国内单一绘画的现状，新中国成立以后，有一大批的绘画大师去国外进行学习技法，徐悲鸿，李叔同等前辈们不但学会了西方的绘画原理，也对国外的教育体系有一个很深的了解，对国内起了不可缺少的作用。改革开放后国内油画变化与创新提供非常舒适的环境。油画在大学教育中成为重要的一门学科，对油画教育也越来越重视，经常会邀请著名的西方画家来国内进行教学，或带来一些国内没有的一些书籍，也极大提高了国内对西方技法的一些新的知识。通过国内各个地方的画家对研究技法的作品状况，技法越来越受到了重视。

1.2研究目的与意义

油画这一门艺术从欧洲进入中国已有一百多年时间了，油画作为中国独立的一门学科，在之前一直有许多前辈为此的发展而努力，目的是让中国的油画能够走向世界。在之前中国油画影响最深的是直接画法，因此国内画家才创作了许多的优秀作品，对中国的油画起了相当大作用，但当时中国只有这一种简单的创作方法，国内对西方古典油画技法还不是很全面，这使中国油画发展的道路上可能会产生的困难，这将阻碍了国内油画的前进方向。

纵观欧洲油画历史出现了许多世界级的大师与画作，由于中国对欧洲绘画接触相对晚一些，致使中国对欧洲材料技法有一大部分东西都不是很清楚。

1.3研究的内容

本篇主要分析的是古典技法起源、发展及自己在学习过程中的思考与问题。在国内外中对技法的分析中，分开对质感的这一问题进行研析，这篇中对西方古典绘画家作品及国内油画家对西方古典油画技法进行了简单的研析。

2关于国外古典油画技法中质感的研究

西方油画技法的起源

在时间久远的远古时期，在绘画材料的挑选中种类很多的自然材料，像石头，木头或死去的象牙都成为他们创作的材料。这一幅壁画是远古时期大约15000前，人类最早绘画作品是阿尔塔米拉洞岩的壁画，他们远古时期人类为了生存，会进行狩猎活动，他们会把每一次活动会把动物血的象征性的在岩石上描绘这一次活动的场面。当人类的思想活动还没有开化之前，这种行为是为了在动物面前表现出人类的强大与勇猛。

《阿尔塔米拉洞岩壁画》

湿壁画法基本从十三世纪意大利才开始，这个时候是欧洲壁画的兴盛时期，大量材料和方法的搜索出现了许多的成就，壁画的发展得到很大的提高，也就慢慢出现了许多伟大的绘画作品。湿壁画是在湿石灰泥上作画的，湿壁画具有不容易掉落、不易裂开、色彩光亮的优点，具有画面的肌理效果、色彩更加丰富的特点。拉斐尔是文艺复兴时的伟大画家，也是“文艺复兴后三杰”中比较年轻的，他具有文艺复兴时艺术家使理想美所能达到的顶峰的人。他的性情平和、文雅，创作了大量的圣母像，他的湿壁画代表作品《该拉忒亚》是据古希腊神话传说画的，对湿壁画法的探索具有重要意义。

<该拉忒亚》

2.2西方油画技法的发展

说到古典油画技法大家第一点想到是丹陪拉技法，因此油画是从丹陪拉技法的方式上慢慢发展起来的。丹陪拉是一种最古老的技法形式，是圣像画的一种主要手段，这种方法是在希腊时期兴起的是在中世纪时期兴盛起来的，一直到公元15世纪末才渐渐衰落的。

2.1.1丹陪拉

丹培拉是英语 Tempera 的英文翻译，大概意义为“调和”“搅拌”，丹培拉比较特殊性为一种乳液，乳液大概是一种水多而不透明的乳形状的混合物，里面有油和水两种主要成分，画面的颜色经过多次重复罩然，会在画面中产生锦衣剔透的效果。从西方美术史去看，丹陪拉绘画这种技术在中世纪的时候获得了大范围的发展，文艺复兴的达芬奇，米开朗基罗，阿尔布雷希特 丢勒等绘画大师都使用这种方式画过圣像画。简单来说，制作丹陪拉底面上面，先得涂很薄一遍透明颜色的底层，需要大量的加水，才能够使底板上面能够很快地吸取。这一层底色上面需要铺好几十次才能体现出画面中的效果，还要多次加点白能够使透明颜色一层一层透出，就能够产生特别的色彩效果。像波提切利这幅《维纳斯的诞生》的作品，就是纯粹使用了丹陪拉技法完成的画面，一直到文艺复兴时期，这一画种达到了前所未有的时期，让这种技术继续慢慢发展。

《维纳斯的诞生》

2.1.2从丹陪拉到油画

因为丹培拉技法干燥得时间太快了，作画步骤又有很多，很难使色彩混合达到非常细的写实风格样式，画家们就不断的找出适合自己的作画材料。当凡·爱克兄弟出现以后，他们找到了一种新的媒介剂油，这个油使丹陪拉技法过渡到油画的节奏，变得让混合技法更加完善。在油画刚形成时，颜料与技法都不太熟练，作品与中世纪的绘画形式基本没区别。到了文艺复兴初期的时候，油性材料与技法体系才开始慢慢完成了，成为包含了技法、色彩和造型等独特一种绘画方式——油画。

2.1.3古典油画技法的发展

古典油画技法基本是从文艺复兴到写实绘画中，技法中大概用了透明、间接、混合技法材料等来完成画面。像威尼斯画派、鲁本斯、伦勃朗等都属写实风格的人物，虽然在表达的思想观念上差异性是相距有点差距的，但从绘画的基本技法来看，这个传承了文艺复兴时期的传统技法材料。大概到了16 世纪以后，媒介技法也不断发展与进步，渐渐成为欧洲的主要技法形式。

对大师技法的研究

而杨·凡艾克的《阿尔诺芬尼夫妇像》这幅画面中，用笔形式都很细，就由于他能够把油调的很稀薄，然后把透明色行进好几次的铺色，这样才把画面画的更加细。通过这幅画中，能够看出画家过程中使用 的一些技法，画面中闪的光线变化十分能对画面中每个物体的质感的表现，不管是亮部还是暗部，前景还是背景，每个物体都被刻画的质地表现，每个细节都达到严谨的手法。整个画面很光滑，几乎看不到小的笔触，画面整个质感形式都表现的十分到位，不论从人物的肤色或是衣服的布褶质感都对画面产生重要的作用。画面中闪烁着重重叠叠的小光斑，好多次透明色的精细渲染而产生出画面感，凡艾克画面中的人物结构坚实，空间把握的氛围精准，色层处理丰富精美，产生出了十分光亮的效果。

《阿尔诺芬尼夫妇像》

提香

在这技法方面中，有很大贡献的是威尼斯画派，当中有好多画家继承与发扬了混合的绘画手法，他们是第一个开始用深色底子作画的也用了比较不透明的颜料进行作画，色彩对比十分明显。而提香是一个人脱离了色彩，罩然技法和用笔直接塑造形体的程序，他是第一个将环境色用在了画面中，也是第一个用灰色的人。他的这幅画面中我们可以看出他的起稿不同，提香与以前画家不一样，他是用采用银灰色做底层，再用画面中利用补色的关系进行画面的对比。在画面中有很多地方是用直接画法进行作画的然后才用比较简单的透明画法和间接画法来大致修补一下。在画中色彩十分丰富，冷中有暖，暖中有冷，色彩感觉十分丰富，提香在威尼斯画派成为了大师的风范。

《忏悔者玛丽·玛格丹勒》

鲁本斯

在佛兰德斯大师鲁本斯对油性技法做出非常举足轻重的作用。这一画派大概使用丹培拉为底色，以树脂光油来罩然画面，而且还继承了威尼斯画派有色的底子和对比强烈的色彩，开创一个重要的画派。鲁本斯是 17 世纪的一个重要人物，他的画作都是壮观的场面、强烈的节奏感、情感对比光亮的色彩，使画面产生华美而有生机，在他笔下的人物都具有鲜明的特点，同时散发着贵族与人文的感觉，尤其是女性的形象表现，他笔下的女性人物都是肥胖还带着一丝丝微笑，比如作品《三美神》是鲁本斯晚年之作，在这幅画中已经看不到古典画家笔下那种秀美、端庄、典雅的形象，主要目的是为了赞美充满生命力的肉体形象。这幅作品是画家最具代表性的作品之一，具有独特的构图风格，是美术史上重要的一副构图的大作，而且还有装饰性的绘画，这一副是鲁本斯很特殊的画风，因此鲁本斯是巴洛克当中最有代表的人物。

《三美神》 伦勃朗

鲁本斯之后，又出现北方荷兰画派，最大巨匠伦勃朗。在他的画中，能够看出画面的重叠，在受光部分有明显的笔触，暗部有厚薄的颜料。我们不仅得出在他的画面中刚开始用笔直接进行绘画的技法，等到画到中部的时候，开始用透明颜色进行罩然，造成一种深颜色凹下去与高的部分又特别明亮的效果。他的色彩对比也是特别明显，比如他的这幅作品中，人物的受光用了浓浓的颜料层层塑造，干后在进行细节的渲染。在人物的暗部，通过了虚实的边线和闪闪首饰与衣物的空间，产生出非常强的视觉感受。

《花神打扮的萨斯基娅》

三

关于国内油画技法中质感的分析

3.1 国内油画技法的引入与发展

1）国内技法的引入

西方油画是从意大利带入中国的，中国在清末才开始真正接受油画，逐渐慢慢的传播开来，由于国内当时经济 政治等原因，油画一直没有广泛进行传播，是人们对油画的了解不够，也没有实践经验。直到新中国成立以后，国内的各个院校的成立，并要求前苏联画家来国内教学和向国外派遣留学生，因此国内的油画发展开始成熟起来。改革开放以后，国内还多画家都去欧洲进行学习与交流，才开始对西方的技法进行探索，也举行一些技法的学习班，国内才开始进行这方面的研究。因此，国内的技法才开始。

中国对技法从80年代伴随着油画界对油画作为单独一门艺术，但长期处于单一的绘画模式，画家对传统的绘画形式缺乏研究，严重阻碍国内油画发展，随之国内的出版部门也一直找西方的部分技法方面的重要内容进行翻译。大部分艺术家也出国考察。在有了鲁迅美术学院的“伊维尔技法材料班”与中央美术学院举办的“宾卡斯技法材料班”克劳德·伊维尔先生和宾卡斯先生是推动国内材料发展的重要人物，是国内的技术起了极大的作用。

对当前国内学习的

中国的技法已经有越来越多的画家进行深入的学习与研究，并把这些运用到教学之中，开设了许多画家的课程，产生了许多学生的兴趣，积极参与到材料技法的学习之中。像中央美院，中国美院，西安美院，鲁迅美院等等开始了技法的专业，对中国的绘画发展产生了影响，使业余的画家更加地对油画产生了很大的兴趣，越来越多的人加入到油画大家庭中，但是各大美院研究方向在技法中具有很大的差别。大体来说，中国大致的研习了西方传统绘画的古典技法的特色，已经形成了完整的体系，也为将来形成自己的民族特色有了铺垫。

国内技法的分析

冷军是国内超现实主义最具有代表性的油画家，冷军代表性作品很多，如图

这幅作品是拼贴其他物品的机械零件，创造出特殊的画面，然后进行超现实的刻画，他的画面有一种以假乱真 的画面感，对每一个细节的质感都体现的特别的充分，他采取的是一种是自己独特的一种多重画法，从细小的局部慢慢绘画，然后整幅画面进行，他的画面没有任何的笔触，为了达到这种效果，每一层都特别薄，能够更好的进行更深入的刻画，并不断的进行调整，使画面更加的和谐。为了达到不同物体的质感所形成以假乱真的视觉效果，必须对每一个小地方进行重复的描绘，是不分细致，一般也遵循了虚实的效果。

《小姜》

说道毛焰，有很多人对他的评价很高，在他画面上有高度光点分散在画面上，围绕着舒舒服服的衣物。最后，以背景的颜色突出画面，挑选出很细的轮廓线。毛焰用特别的技法达成了非常简单的效果。像简单的笔法来说，他没有别人看的明显，如果从油画技法来说，基本没人能够比过。好多油画家说到毛焰的绘画作品，对他技法上的都夸赞有加，更为夸张的是中国当代油画技法第一人。最主要是毛焰并不是单纯热爱技法的人，他表示技法对绘画家来说并不能引起足够的重视，由于对当代油画的粗糙与语言表达匮乏，才会花费力气探究。他慢慢把技法与感悟相融合，使大家看到作品时看不到技法，同时技法又精致达到有很高的难度。

研究技法后对古典油画质感分析对比 肤色

布

玻璃

金器

质感，大部分是指某物体的材质、质量带给人的第一种感受。即视觉、触觉和心理上中对不同物体像固态、液态的感受。在“质感”中的认识方面中，每个物体中自身所应有的物品种类，如玻璃、木头、陶瓷、布料等坚硬柔软的感觉，人本身能够从视觉角度、触觉角度和心理触觉等方面被人们所认识而反应出的一种感受。从触觉角度方面来说，物体质感的又有细致、软硬之分，这种感觉主要是从触觉上看的，主要是物体的基本单元形状的组织形式相关，故而触感上较之其它两种组织方式形成的。在视觉感受和触觉感受的方向来说，人们在心里上回产生一种概括的心里触觉，又称为量感。这个量感的区分并不是关于它们在范围里所占的体积大小，造型上带来的是稳定、安静感受，能够让形体的量感扩大；而碎小的造型在心理上给人以活动的感受，相对于就会减少物品自身的量感。大体来说，物体自身的天然形成包括质感基本光线很少，都不是主观上存在而发展，最后物体自身表现出来视觉形式，也包括质感，通过物体本身的形状和光线产生一定的因素生成的。换一句话说，在明暗和光影的作用下，使质感才能表现的淋漓尽致，所以色彩才是起到画面中的重要作用。

一般金器处于同一个环境里时，一般都放在很普通的漫射光的照射中，物体受光部分显出温和复杂的不同质感，背光部在反射光的照射中显得微小而简单，轮廓线微小转变的光线层次也丰富多彩，透明类的物体则有多变明度层次。在外部条件

光线照射之下，强度不变的情况下，在没有其他光线的干扰的条件下，表面有凸起 的斑点和肌理形成的光影的立体感更加强，轮廓线变得更加简洁，质感的特征更为强烈。

而布料的质感主要是来自了经纬纹线中各种交织的线条在相互摩擦作用下形成的小颗点，在光线照射中产生的光电和阴影。布纹又包括纹理相对较粗的白麻布和纹理相对较细致的袜子，在描绘时，想起了这两种布料的视觉触觉产生的粗糙感，对其在视觉上雷同的纹理触觉上和线头进行了归纳和简化，通过使物体画面质感差异选择性的简述，使一些质感与光线之中相互的影响表现出来，产生出奇特空间感，使质感形式作为一种画面具有力量支撑。

五

学习古典油画技法中质感后的思考与问题

来了大学学习进行油画学习已有四年，我们也都知道油画来源于欧洲，当中对古典油画技法的学习使我对油画学习有很大的帮助。古典油画作品是很有震撼力的，它所有的一切东西是其他风格的绘画作品所达不到的，自己对古典油画画面中的有些东西很是好奇。因此，在选题的时候就和导师商量想认真的学习这方面的知识。

在学习古典油画之前自己做了大量的准备工作，找个一些关于古典油画技法的资料，从画布的选择、画笔的选择、用什么样的颜料、用什么油等都认真的挑选了一些，我的老使也帮我提了好多建议，有什么不会的地方都会请教质询导师。

我选用了一种布面比较光滑、细致的画面，便于自己学习过程中便于绘画，在起稿中在画布上打上九宫格一点点起形，然后加入很多松节油铺了一层颜料铺了底色，然后等干慢慢在进行物体的三四层铺色进行刻画，我在画画过程中遇到了好多困难，对古典油画的一些颜色和油现在基本没有，不能进行对古典油画颜色完全一样，而且古典油画是没有笔触颜色没有厚度的，在过程中自己对这方面做了很多功夫，也像国内大事一样用手指或其他东西来消除笔触与厚度 但还是没有做的很好，最重要的是时间和条件的问题我没有办法完全按照古典画法的步骤一步一步来，只能利用现有的条件来画，铺背景色的时候由与颜色干了之后和画的时候颜色差距很大，背景色在不停的修改，而有些细小的东西根本画不出来，由于古典油画是进行一层一层罩然 颜色比较丰富，对于现在自己的能力在作画的过程中有点吃力，自己画面中有许多铜银器，但自己由于对颜色的使用了解不够太多，使画面氛围色温有点过浓，使自己用透明色对画面进行了一层薄薄的调整，由于时间和材料的限制我没有办法做的很细致，但是我尽可能的希望画面能出来那样的效果。

结语

我们从欧洲古典油画技法的起源和发展来看，技法的革新和运用可以表现出不同风格的绘画作品，国内也是对技法进行了许多的学习。古典油画大师是我们以不能达到的绘画效果，对全世界来说是十分宝贵的一段资料，由于大师们不断地努力，油画取得了很高的成就，也为后人留下难能可贵的财富。到现在，对古典油画的学习成为每一位油画创作者不可避免的问题。画面也对古典油画来进行深入的学习，古典油画技法对油画的帮助是非常大的。随着社会的不断发展科学技术的进布，技法也发生了改变社会文化的多元化为油画创作提供更广阔的发展空间。虽然时代的发展为油画的发展注入了新元素也赋予它时代意义，但传统技法为油画艺术在表达观念和创作艺术类型化方面提供了有力的技术保障。我们也要对古典油画技法有更深入的学习。

致谢

时光流逝，四年的学习生活已接近结尾。回首这四年的学习生活，心里倍感欣慰。首先真心的感谢我的老师曲乐乐老师，在一开始论文的选题到写论文提纲到最后整个论文的完成，曲老师都给了我很多建议和指导，指出我学习绘画、论文中出现的问题，告诉我应该注意哪些细节问题，也让在这次中了解到跟多，在此我表示衷心的感谢。还要感谢在大学四年来在我学业上给予我诸多指导的老师，让我学到了不少的专业知识，使我在各个方面都学到很多。

第三篇：油画棒技法教案

一、教学课题：

油画棒

二、教学课时：

4课时

三、教学重点：

油画棒的使用技巧以及色彩的合理运用。

四、课前准备：

PPT课件 铅笔 橡皮 画纸 油画棒

五、教学过程 ：

通过本课的学习，使学生能够掌握一定的油画棒绘画技法； 使学生进一步认识色彩，感受色彩的象征意义； 鼓励学生运用色彩来表现不同的事物与情感，进而培养其审美感知的能力。教学重点： 油画棒的使用技巧以及色彩的合理运用。教学方法： 欣赏法、讲授法、演示法、实践指导法。教具准备： 彩色图片、彩色画纸、油画棒。

六、教学过程；

一、导入新课

1、复习渐变技法的种类：单色、双色、多色

2、范图展示（如图1）这节课我们将学习如何运用渐变技法制作纸筒小人。

二、讲授新课

1、绘制步骤（1）裁纸（将八开的纸对裁成16开）（2）根据纸的高度确定构图，起大形。（3）利用渐变技法画人物（4）利用渐变技法画背景（5）将画好的画面卷起来用双面胶粘上。系上绳子

2、作品欣赏讨论

三、巩固复习，学生动手实践

1、注意：构图要合理；先涂深颜色再涂浅颜色 ；颜色与颜色之间过度要协调；颜色与颜色之间对比要强烈些。

2、学生运用渐变技法练习在卡纸上绘制人物，教师个别辅导。

四、作业点评 常见的问题：

1、颜色之间过度的不自然

2、画面颜色不够丰富

3、构图上部分同学还存在问题

五、教师总结

1、渐变技法：单色、双色、多色

2、画面要求：构图合理，颜色丰富多变，两种颜色之间的过度要自然

六、作业布置 课后继续完成一个纸筒小人再将其与本节课制作的纸筒小人合并一起。

第四篇：油画技法课程题库

油画技法课程题库

一、素描试题库之一

1.教学课题：理解素描的基础理论，掌握素描的不同表现技法

质量要求：方法正确，作业完整，符合作业质量要求。数量要求：1幅作业，四开

评分标准：学习体会应有感而发和理论高度，技能评分标准同质量要求

2.教学课题：如何在写生中深入理解形体、结构、透视、解剖、动态、线条、明暗等基本要素。

质量要求：造型准确，表现生动 数量要求：1幅作业，对开

评分标准：理论及技能考核标准同作业质量要求

二、油画人像试题库之二

1.教学课题：油画基础理论及制作程序和人物头像色彩写生和作品临摹

质量要求：正确掌握方法、具有良好的色彩感觉和素养 数量要求：1幅/4——20课时

评分标准：教师组成阅卷小组统一阅卷。

2.教学课题：古典主义人物肖像画技法研究和作品临摹

质量要求：正确掌握方法、具有良好的油画感觉和素养 数量要求：1幅/4——20课时

评分标准：教师组成阅卷小组统一阅卷

3.教学课题：在写生的基础上进行写意人物的创作练习

质量要求：有一定的创作构思，画面完整 数量要求：1幅/4——30课时

评分标准：教师组成阅卷小组统一阅卷。

4.教学课题：高级人物画技法研究和作品临摹、毕业创作设计外出考察采风素材收集、综合媒介创作、展览和图式研究

质量要求：正确掌握方法、具有良好的色彩感觉和素养。数量要求：1幅/4——30课时

评分标准：教师组成阅卷小组统一阅卷。

三、油画人体试题库之三

1.教学课题：油画基础理论及制作程序和人体色彩写生和作品临摹

质量要求：正确掌握方法、具有良好的色彩感觉和素养。数量要求：1幅/4——20课时

评分标准：1.构图完整（20%）2.色彩关系协调（40%）3.造型合理（20%）4.技法熟练程度（20%）

2.教学课题：古典主义人体画技法研究和作品临摹

质量要求：把握人体画基本表现方法和观察方法古典人体油画技能特点和观念 数量要求：考试写生一幅

评分标准：1.构图完整（20%）2.色彩关系协调（40%）3.造型合理（20%）4.技法熟练程度（20%）

3.教学课题：表现性倾向人体画技法研究和作品临摹/绘画与摄影研究

质量要求：正确掌握方法、具有良好的油画感觉和素养。数量要求：1幅/4——30课时

评分标准：1.构图完整（20%）2.色彩关系协调（40%）3.造型合理（20%）4.技法熟练程度（20%）

4.教学课题：高级人体画技法研究和作品临摹、毕业创作设计外出考察

采风素材整理、综合媒介创作、展览和图式研究

质量要求：形成一定个人面貌、具有良好的油画感觉和素养 数量要求：1幅/4——30课时

评分标准：教师组成阅卷小组统一阅卷

四、油画风景试题库

1.教学课题：油画基础理论及制作程序和静物色彩写生和作品临摹

质量要求：正确掌握方法、具有良好的色彩感觉和素养 数量要求：1幅/4——20课时

评分标准：1.构图完整（20%）2.色彩关系协调（40%）3.造型合理（20%）4.技法熟练程度（20%）

2.教学课题：古典主义风景技法研究和作品临摹

质量要求：构图完整色彩明快、协调 数量要求：1幅/4——30课时

评分标准：1.构图完整（20%）2.色彩关系协调（40%）3.造型合理（20%）4.技法熟练程度（20%）

3.教学课题：表现性倾向风景技法研究和作品临摹/绘画与摄影研究

质量要求：创意新颖、色彩协调、体现一定油画品格 数量要求：1幅/4——30课时

评分标准：1.构图完整（20%）2.色彩关系协调（40%）3.造型合理（20%）4.技法熟练程度（20%）

4.教学课题：以静物为题材完成油画创作

质量要求：创意新颖、色彩协调、体现个人油画品格 数量要求：创作至少一件

评分标准：1.构图完整（20%）2.色彩关系协调（40%）3.造型合理（20%）4.技法熟练程度（20%）

五、油画静物试题库之一 1.教学课题：油画静物技法

质量要求：造型生动、准确，有一定艺术表现力 数量要求：４开或对开纸大小画布

评分标准：构图完整，造型生动，有条件色关系

2.教学课题：油画静物技法

质量要求：造型生动，色调协调 数量要求：４开或对开纸大小画布

评分标准：构图完整，造型生动，有一定的光色效果

3.教学课题：油画静物技法

质量要求：造型生动、准确，有一定艺术表现力 数量要求：４开或对开纸大小画布 评分标准：构图完整，气歆生动，形式特征明显

4.教学课题：以静物为题材完成油画创作

质量要求：画面完整，并具有一定的表现性 数量要求：1幅

评分标准：同质量要求

六、色彩试题库之二

1.教学课题：色彩基础理论和静物色彩写生和作品临摹

质量要求：正确掌握原理、具有良好的色彩感觉和素养 数量要求：1幅/4——12课时

评分标准：1.构图完整（20%）2.色彩关系协调（40%）3.造型合理（20%）4.技法熟练程度（20%）

2.教学课题：色彩基础理论和人物、风景色彩写生、复杂静物色调组合练习和作品临摹

质量要求：构图完整、色彩明快、协调 数量要求：考试写生一幅

评分标准：1.构图完整（20%）2.色彩关系协调（40%）3.造型合理（20%）4.技法熟练程度（20%）

3.教学课题：色彩基础理论和人物、人体色彩写生、风格比较创作研究和作品临摹

质量要求：构图完整具艺术表现力、色彩明快、协调 数量要求：考试写生一幅

评分标准：1.构图完整（20%）2.色彩关系协调（40%）3.造型合理（20%）4.技法熟练程度（20%）

4.教学课题：色彩高级理论和人物、人体色彩写生、综合媒介创作研究和作品临摹

质量要求：构图完整具艺术表现力、色彩协调，个人风格形成。数量要求：考试写生一幅

评分标准：1.构图完整（20%）2.色彩关系协调（40%）3.造型合理（20%）4.技法熟练程度（20%）

七、中外油画史试题库

1.教学课题：由外国油画史和中国油画史两部分组成

质量要求：答案应显示其掌握该课程的基本内容 数量要求：书面考卷１份 评分标准：同质量要求

八、油画鉴赏试题库

1.教学课题：中外油画名作赏析

质量要求：答案应显示其掌握该课程的基本内容 数量要求：书面考卷１份 评分标准：同质量要求

九、绘画美学试题库

1.教学课题：美学基本原理，中西美学发展史的基本脉络。

质量要求：概念明确，论之有据，说理充分，结合实际。数量要求：论文一篇，3000字左右。评分标准：言之有物，说理明晰。

2.教学课题：中西方美学专题考察

质量要求：概念明确，论之有据，说理充分，结合实际。数量要求：论文一篇，3000字左右。评分标准：言之有物，说理明晰。

3.教学课题：中国美学思想史

质量要求：问题意识强，思考深入，见解深刻，符合学术规范。数量要求：论文一篇，3000字左右。

评分标准：选题恰切，论证充分，寓于启发性、前瞻性。

4.教学课题：西方美术美学史概论

质量要求：以基础知识为根本，求异求创。数量要求：论文一篇，1000字左右。

评分标准：以基础知识为根本，对西方美术美学史有较为明晰的把握。

十、解剖学试题库之一

1.教学课题：基本艺用解剖学

质量要求：能够指认默画出基本骨点和肌肉。数量要求：论文一篇，3000字左右。评分标准：见考试试卷评卷标准

第五篇：画油画心得

油画的心得体会

得知这学期要上油画课以后，心情不免有些郁闷。因为它对于我来说是那么的陌生。在此之前从未接触过油画。我曾欣赏过无数中外优秀的油画作品，陶醉于画家笔下那灵动的线条，丰富的情感和栩栩如生的色彩，但通过这次自身的油画课实践，终于明白了任何优秀的作品都源于画家对生活的热爱和追求，对艺术领域的积极投入。任何优秀的作品并非一朝一夕的历炼，它源于画家毕生心血的投入。所以说，任何成功并非偶然。通过这次的两次模特写生和一次临摹，让我从不会画油画，到会画一点油画，比想象中要简单一点。在此之前一直都没有接触过油画，认为油画很难画，不知道从哪里下手。但画了一幅再到第二幅的时候，慢慢的就得心应手了，就觉得油画充满了情趣。它体现了我们做事的态度。在绘画的过程中，不仅要仔细观察人物的外部特征，同时要准确地捕捉人物的内心世界，把握人物的喜怒哀乐，并通过造型和色彩将其生动地表现出来。

通过前两张人物写生，我认为色彩的运用很重要，一幅好的作品，给人的第一感觉应该内容丰富，感情细腻，色彩充满魅力，一开始我对于色彩的运用很生疏，尤其是人物的脸部色彩把握不好，导致调出的颜色不协调，整个人物看起来是僵硬呆板的，后来，在老师改画的过程中学到了一些技巧。初学者的我们，太拘，拘拟于造型，所以在绘画过程中忽略了整体的把握，导致画出来的作品缺乏生动性，但老师的绘画手法潇洒而富有活力，很注重整体效果的把握，做到形

中有神，神中有形，神形兼具是画人物画的关键。画最后一幅画的时候，绘画有了感觉，因为是临摹，所以激起了我很大的兴趣，首先从选材上再到上色的时候也是比前面的画更游刃有余。通过临摹，我学到了优秀作品中色彩的运用，画中的色彩统一而不单调，人物生动而富有内心独白。经过一番练习，惊奇的发现画油画蛮有趣的。看着自己认真画出来的作品，心中充满了对艺术的热爱。

通过这次油画课，我学到了很多画油画的技巧，同时认为做任何事的时候，态度很重要，绘画需要我们观察周围的事物，热爱我们的生活，同时把自己丰富的情感融入艺术。绘画更需要我们静下心来，运用自己的绘画技巧充分的把自己的内心世界充分的表达出来。篇二：油画学习心得

油画学习心得

作者：美术高考„ 教学来源：互联网 点击数：1780 更新时间：2012-5-31 油画它的概念很容易界定，那就是必须用油彩涂在布上或纸上或板上或是其他物品上成图画的一种绘画形式。它的最大特点就是必须用油画颜料。概念虽然容易界定，它的方式却是五花八门的。我们谈的是写实油画，古典写实也好，新写实油风也好，照相写实主义也罢，有明确的写实手段呈现意图的观念艺术也行，总之，它们在技巧上都有写实功夫这么一个基础。

油画没有标准，好的就是坏的，坏的就是好的，这是中国油画家的幸运吗？算是吧！生存在这个时代，我个人认为无论是观念如何更新，油画总还有 “技术”一说。我喜欢高超技术下所体现的现代观念，也喜欢高超技术下的古典观念。也就是说，它应当首先是好的，好的东西我想永远会是好的。画家可以在画中创造另一个天地，要如何去画，就如何去画，有时要表现现实，有时也不能太顾到现实，这种取舍，全凭自己的思想。画一件东西，不应当要求太像，也不应故意求不想。求它像，当然不如摄影，如果它不像，那又何必画它呢？所以一定要在像与不像之间，得到物的天趣，才算是艺术。

作画要明白物理，体会物情，观察物态，这才算是到了微妙的境界。由理生情，由情生态，由态传情，这是自然的道理。可以感觉到身边的东西是可以去触摸的，手伸出去以后，却发现它是“无限的”。什么叫“无限”，无限就是你掀开眼前的树枝看到前面有山，再往前走有羊，有更多的树，有鸟，穿过树林有条河。河边有草。。。全部都是细节，这才是无限，绘画的无限。

有人以为画油画很难，有说要生来有绘画的天赋，才能画好。鲁迅先生曾说“即使天才，在生下来的时候的第一声啼哭，也和平常的儿童一样，决不会是一首好诗”。学习油画要从最基本的着手，也就是基础。首先是素描，画素描绝不单纯是打轮廓，素描不仅由线条所组成，它还是具有表现力，有内在的形，有画的全局，是艺术的雏形。我知道在素描之后将产生什么东西，它本身包含着全画的四分之三强。阿佩列斯说：“不要虚度哪怕是一天连一根线条也画不出的日子”。他已经说的这样肯定，在研究描绘对象时，首先必须注意整体，向整体要答案。其次，色彩尤其是水粉，我们所要掌握的只有一般规律，即人物的基本解剖知识，基本形体结构，及明暗调子和色彩变化的规律。要表现出物体的质感或人的个性特征，空间感，色调和谐，色彩关系准确等等。我们在水粉写生中，要求形色合一。素描中的黑白灰概念在彩画中要以冷暖色块来代替，用改变色彩冷暖来表现形体的变化。再次，速写。绘画学习方面以速写最为方便，最简便的方式。速写语言简洁，生动，操作直接，方便，趣味的自由变化是它在艺术门类之中不可代替的。应该说，速写是一种综合能力的训练，有利于养成良好的观察分析的习惯，有利于锻炼迅速捕捉生活瞬间的能力，增强形象记忆能力与造型能力，保持画家与客观世界的联系与交流，更有利于艺术语言的不断探索和认识，而且，跟不同人的多样实践体会，应有很多特殊的收益。那么最终速写写什么呢？写形，写神，更主要的是写情。

油画人体写生心得 学习了近一个月的油画人体写生，我对油画人体的绘画技巧、方法有了进一步的了解。

油画的写实塑造绝不仅仅满足于结构、立体、空间等“硬性”指标的实现。首先写实的意义就不在于迎合人们的视觉经验，否则绘画的存在很容易就会被其它更为有效、便捷的形式所取代。虽然我们不可忽视绘画中手工的独特价值，但如果手工的结果是对自身特征的抵消，那么我们将要怀疑它的意义了。绘画中的手工特征是什么呢？道理很简单，手迹如心迹，手迹是心灵感受的物化。问题在于艺术中人的心迹是否趋于和自然形式的一致？虽然不能一概而论，但如果我们是处于对自然的模仿性塑造状态，那艺术中的“精准”将会是变异的，只能是降格以求。我们常说要画感觉，何为感觉？“感”是感知，是感官在起作用；而“觉”则是觉悟、发觉，是感知后的反应，即意识。因此怎样塑造，怎样表现心迹便是一种意识。

追求这一切的精神准备都将落实到一点，即“意在笔先”。面对女人体，不同的人有不同的感受与理解。每个人的意识可以不同，但庇荫在自然形式之下的绘画是失语的，更是失意的„„当然，要达到绘画艺术的至美境界是艰难的，我们都是在追求那一目标的途中，我们虽然还达不到大师般的成就，但我们必须要树立一种意识；虽然我们的笔迹还不能完全对应心迹，但只有意识到才会使这样的距离缩短。

虽然写实是西方的传统，它在中国当代文化生态中是否具有生命力，或许只有历史才能做出正确的评判。我觉得学习传统的精神并不在于恪守，而在于适变。因为任何有价值的传统都是与时代现实血脉相连的，如果只是出于对传统的挚恋，而无视现实的热烈，那么艺术的光芒将会黯淡。今天中国的写实油画必须放在美术史的角度来审视，我们不能以重复西方传统来定位自己的文化，更不能以模仿自然的视觉逼真来暴露我们意识的欠缺。值得乐观的是我们大部分写实画家都各自有自己的认识和探索，我个人体会觉得属于绘画性中的笔意既可以沟通写实绘画与自然的关系，又不失中国传统艺术的逸格。当然这一切不只是出于理念，而是由于油画材料特点及表现意趣，以及我们自身的文化气质所决定的。篇四：油画风景写生心得

油画风景写生心得 10月份中旬，我们开了油画风景写生课程。老师带领我们前往济源王屋山进行写生。下边，首先谈谈我对油画风景写生的理解和看法。

油画风景写生及其意义 ：

风景画是以大自然为题材的绘画。其审美价值的高低在于作者是否真实完美地表达出自己的审美理想，使被描绘的景物传达出人的神韵和生活气息，能否体现出民族的审美情趣。通过所描绘的景物来抒发情怀，引导观者的参与共鸣，并给予美的享受。

风景写生是油画家很注重的一种观察，是感受自然，体验生活，历练、提高自身素养的重要手段。从某种意义上说，写生不仅仅是画画，更重要的是体验，酝酿心中的意境。为使画面的构成和谐而具有美感，还有地域特点和画家的情感合拍等因素，“删繁就简”、“查漏补缺”是很好的取舍手段。色彩搭配的是否对比响亮、协调美观、情境合理，直接关系到作品的成败、优劣。对一个风景油画家来说，积累丰富的写生经验，真实地描绘出自己的情感和思想，表达出对自然的理解、感怀和认识，以此才能抵达美感追求的最高境界。发现美是艺术家的首要任务，艺术家的眼睛是敏锐的，也是具有穿透力的。画家面对大自然时，会在事物表象中发现内在的韵律，这韵律在画家的内心世界中构成美感。

我想要探讨的是油画风景写生作为绘画专业的基础课程——画家到大自然中去“师法自然”，培养画家良好的视觉阅历和高雅的审美能力，同时锻炼画家体会自然、观察自然、归纳自然和表现自然的能力，吸收传统师承方法的宝贵经验——有着其他写生课程所无法取代的意义。风景油画家要达到绘画艺术的最高境界，需要画家付出千百倍的辛勤努力。艺术是心灵的写真，只有真诚才能动人。我在写生过程中，渐渐对油画风景写生有了一些体会和感受，认为任何一个画家都难以避免原生态景物的“挑战”，如果蔑视自然写生，初学者就会显得很盲目，画得杂乱无章，既没有主题，又无法感染人。造成这种情况的主要原因是：一是没有用心灵观察感悟自然；二是掌握色彩基本原理的能力不够；三是绘画基本功粗浅，造成不能够驾驭画面。作为初学者，我认为应该多画多思考多尝试。我认为要注意以下几点：一是经常到大自然中去写生，丰富自己的内心世界，提升认知能力和感悟能力；二是用心去体会和感受物象，认真观察景物的内在美，从内心深处去感悟自然万物的美好属性；三是多尝试用主观色彩去概括物象，不要一味“对景写生”；四是多看古今中外大师的作品，从中体悟色彩语言的准确表达方法；五是要广泛阅读古今中外与油画艺术有关的文学、哲学、音乐学、影视学、戏剧学等书籍，把个人经验汇入整个文化的源流，以此训练自身更高的艺术境界。

油画风景写生的观察方法： 首先，观察是首要因素，在还没有观察之前，不要急于动笔，先观察，后思考，然后再考虑画面的色、光、点、线、面和所承载的意义。实践证明，针对一个要写生的风景时，我们要用近一半的时间静静观察，反复揣摩眼前的物象，通过充分解构与分析，深思熟虑后开始严谨地构图。作为画家，要培养独到的观察力，比如面前的景物，什么地方使你激动，什么使你产生“诗情画意”，要在整个写生的过程中，紧紧抓住这个令你心动的兴奋点，至于画面中的其他景物皆为陪衬，这样写生起来，就会随心所欲，体味出运笔写诗的感觉。在写生的过程中，善于观察会有意想不到的收获，如一处极为平常的景致，你也会觉得“有味”，突然产生创作冲动，有种值得一画的欲望。

油画风景写生和室内写生最大的区别在于，油画风景写生可以让画家获得一种既新鲜又兴奋的感受，作画时充满激情。这种感受和激情是单纯待在画室里所难以取得的，它是一种带有个人真挚感情色彩和强烈乡土生活气息的审美体验。油画风景写生和室内静物写生都要求画家对所面对的客观事物进行认真的观察和思考，对物象进行具体分析和取舍，根据艺术需要经过归纳、组织，使画面结构与表现语言整体概括，富有生气，达到形体与色彩、刻画与表现，整体与细节等各种因素的和谐统一。充分发挥自己的主观能动性，主动经营画面，运用光与色、明与暗、节奏与韵律等视觉语言，充分发挥主观表现功能，把对客观物象的认识转化为主题的感受和情感的抒发。

油画风景写生的色彩：

对自然写生，首先要采取定什么色彩，表达什么样的感情，定调是很关键的一个环节。每个人对自然的感受，都有自己的独到见解，所以画家们对同一个景物写生，表现出来的画面也是不相同的，怎样表达景物，怎样用自己的感受，把自然唯美的表现在画面上，进而达到欣赏者和你产生情感共鸣，重点就在于如何运用色彩语言的表达能力。对自然的感悟深浅程度，取决于一个人的意境历练的深浅程度。因此，许多油画家对同一个景物写生后，会出现不同的作品，意境是每个人内在思想的体现，加之画家对大自然抒发的情感，表现的技法，也存在着个体差异。油画风景注重光影与色调，调子要定准，用色要准确，避免反复描摹，防止匠气，尽量要一气呵成，始终保持画面的通透感，不浪费时间。因为光线透视，很可能在几分钟内，或几秒钟都会影响色彩透视，打乱你最初的意境，色彩微妙变化，也会使你束手无策。比如我们在秋季写生，时间是15∶00点以后，这个时间的自然色彩变化差异是非常大的，而且这个时间的色彩、光线、光影、明暗都是最佳时机。如果我们每个环节都不按写生正确方法操作，这幅作品就会杂乱无章，色彩不明快，画面不生动，所以，进入画家视野的景物最基本的方法之一就是定调问题。

油画风景创作的提炼 ：

大自然赋予我们美的景物，所以我们要用生命去阅读大自然，并在写生中提炼意境和主题。有时我们会面对一片杂乱无章的山间树林、杂草、乱石等无从下笔，这时，应先确定景物的大体走向，并对其适当地予以归类，有时是形的统一，有时是色的组合，均应根据画面的需求加以分析和把握。

多年来，笔者一直坚持风景写生与创作相结合，在写生中进行创作，受益匪浅。对于一些长期在室外写生的画家来说，只有把写生和创作有机地结合起来才能有所创新。把大自然的一山、一水、一草、一木、一束阳光用来表达自己的情感体会以及独特的艺术语言和风格追求。笔者认为，这是写生的最高境界。如果写生只是按部就班，看到什么画什么，很被动地跟着客观事物的形状和色彩走，不加入自己主观的情感和想象，写生将没有任何意义，而创作就更无从下手。那么，怎样才能把写生和创作有机地结合起来呢？笔者认为要做到以下几点：第一，必须要有量的积累。要多想、多看、多动手画，熟练掌握油画材料的特性。多去体验大自然，做到能够熟练地把大自然中各种美丽斑斓的颜色搭配出来，把千奇百怪的形状表达出来。要做到这一点，需要我们的勤奋努力和全身心地投入，需要有吃苦耐劳的精神和意志，做到“笔不离手”。第二，还要了解古今中外的大作和与其有关文化的源流，提高自己的见识和审美能力，这是写生的基本要求，更

是创作的基本功。只有具备了这样的精神和意志，具备了这样的感受和激情，具备了量的积累，才能真正把写生和创作有机地结合起来，才能把自己的情感和个性语言真正融入到自己的作品中去。第三，把写生当做创作来完成。在写生过程中，不要一味地跟着对象走，在造型上要多变化，大胆取舍；在色彩上主动用主观色彩再现对象，把自己的心理感受表达出来。

寻找适合自己的绘画语言：

优秀的油画风景作品都有其独特的个性化语言。油画风景中的个性化语言是画家将自己的审美与情感融入到客观自然环境中，并以独特的表现手段呈现出来的视觉形式，它涉及构图、色彩、明暗、笔触、肌理、意境等多种因素。风景油画的个性化语言的形成和完善，则与特定的地域景色、画家的审美观有关。任何一种创作都离不开生活，油画风景的创作也需要从写生中得到灵感，引发错觉。写生时画自己想画的，表达自己感兴趣的东西，并把这种兴奋运用到创作中是非常必要和有益的。写生本身就带有创作的意味，如吴冠中的油画风景有着中国画的韵味，点、线、面的结合、色彩的轻盈等，无不体现出他对景物的理解，在写生中搬动画具，把一切美好的东西都组织到画面中去，充分体现出他的审美观。贡布里希说过：“绘画是一种活动，所以艺术家的倾向是看到他要画的东西，而不是画他所看到的东西。”我们不可流于外表形式地模仿照搬，应该从提高自身修养入手，在主观内化的前提下才能在创作中流露出来。陈晓明

美教油画2班 101014072篇五：油画创作感想

《银月湖》——我的毕业油画创作

感言：

四年快接近尾声了，心想着自己这四年来的绘画作品，感觉在校基本就是为了完成作业去绘画的，作品中几乎完全没有自己的感想，同时那一大堆都属于写生作业说实话交作业也就是为了得到老师的好评所以每次考试作业很认真的画给给老师点评。

不过这次系里的毕业创作可是费了很大的精力和时间去认真着手的。在毕业创作还未进行时我那时就考虑绘画一幅油画油画风景，不过一般我觉得像我们这么大的男生都喜欢绘画一些美女，不过为了打破世俗我在找素材上花费了很多时间。首先找了一幅满足大众化的漂浮荷叶，我将这素材给了相应的指导老师让他们给于指导，老师看了说这种素材很适合但是可能会花的很平淡。时间过的很快应为外出自己耽误了创作时间学校即将要交毕业作品，这加快了我寻找素材的速度，猛的某天我在网上看到了一张新意的图片《莲花组图》，这张图片看上去最吸引我的就是那荷叶。看到了这些荷叶荷花我的绘画兴趣来了，创作的激情也随之到来。随后又找了大量关于荷叶荷花的图片。

找到这些图片立即打印到手，买好了相应的绘画材料工具，把所有准备工作做到了位。首先我看了这原始图片作了相应的构思，心想绘画时不能按部就班要画出自己的思想，画面面一定要有个吸引别人的转地方。在绘画过程中我省略了很多东西把一些次要的统统都去掉。构图完成后，型打好后就是上颜色和刻画。我沉思了好久后决定画面以绿色为主，整幅画面以蓝绿色调为主，这样突出淳朴的风俗。在刻画细节方面我思考的最多在荷叶刻画上我根据场景需求将枯黄的荷

叶莲蓬荷花刻画成主体，其次我都是统统粗略的带过。在描绘枯黄的荷叶时我心里很矛盾，心想究竟是画水墨画样子还是写实类型?经过一番斟酌，最终决定采取水墨感觉，这样更能充实画面内容。接着就是荷花，这些荷花都是很新鲜的，当画到这里时我想到的就是将鲜嫩的荷花跟莲蓬枯黄的荷叶做对比，这样加强了画面的对比效果。不过在绘画那么多的荷花的时候我只将几朵做了深入刻画其中以单独在外面的那些刻画最深入。

绘画过了很长一段时间看着画面就觉得有点不足，感觉画面对比度不够，吸引度不强。通过几天的停手思考终于想到了一些方法，一个想法就是将画面分组成两幅组图各有特色却相互关联而且有过度效果。一幅画面以成熟的荷叶莲蓬将凋落的枯黄荷叶为主，而另一幅则以含苞待放的鲜嫩荷花初生的荷叶尖为主。由左到右逐步变化。让两幅组图更具对比与吸引力。

选题：

荷花在我国已有三千年的历史。传说农历六月二十四是荷花的生日，所以古称荷花为“六月花神”。荷花，不骄不躁，宛如一个饱读诗书的女子，处事坦然自若，遇事信心倍足，在她面前，再名贵的花儿也得甘拜下风。她清爽脱俗，不妖不艳，象一个高贵的小妇，静静地为丈夫守候在家门。

我喜欢荷花，因为它美，不论是海棠般的红荷花，小姑娘般的粉荷花，还是那雪一样的白荷花，都那么美。它到哪儿，就会给哪儿增添一丝幽雅。莲与文化关系最深的是中国。自古以来，中国人便喜爱这种植物，认为它是洁身自好、不同流合污的高尚品德的象征，因此诗人有“莲生淤泥中，不与泥同调”之赞。周敦颐还在《爱莲说》中把莲和各种类型的人物联系起来，“菊，花之隐逸者也；牡丹，花之富贵者也；莲，花之君子者也。”从古至今，许多人都有这种想法。在中国文学里，与莲有关的诗词歌赋，不计其数，莲也有许多不同的名字，最常见的有荷、芙蕖、菡萏等。

中国画以荷花作为夏天的标志，在中国的瓷器、地毯和戏服上也常绘有荷花。荷花盛开是丰收的预兆，也是夏天有代表性的美丽景色。北京故宫附近的北海公园本来是御花园，园中有人工湖，湖面大部分为莲叶所覆，莲叶有时候高出水面将近2米，开着千万朵清雅芳香的花。莲叶下可以行驶小船。

中国有许多与莲有关的话语，莲子代表连生贵子，藕为佳偶。并蒂莲代表一对恋人，藕断丝连是指男女虽然分手，但情意未绝。据说在公元五世纪，南齐东昏候“凿金为莲花以帖地，令潘妃行其上，”曰：“此步步生莲花也！”因而后人称美人之步为莲步，又称女子之纤足为金莲。没有别的植物可以像莲那样把亚洲各种不同的文化和谐而完美地融在一起。

荷花是中国绘画艺术不朽的主题，古来就有“清除出芙蓉 天然去雕饰”的雅句来形容荷花的清新之美。中国画家更是以不同的笔法诠释和演绎了千变万化、多姿多彩的荷花艺术，将荷花的恬静温雅之美发挥到了极致。尽管一些新锐的艺术家，在创作国画作品时，艺术效果还不够稳定，但是他们也为中国的绘画艺术增添了新鲜的血液

西方也有不表现荷花的经典油画作品，寄予了人们对荷花的美好希望和理想，其中最值得提到的是印象画派。

克劳特-莫奈(1840-1926)法国印象派画家

在这些一流的印象派画家中，我愿举出克劳德·莫奈，他吸吮了我们这个时代的乳汁，在对周围事物的礼赞中，他成长起来，并将日臻成熟。

这是作家左拉为画家莫奈写的诗。莫奈 1840 年生于巴黎，是一名杂货商的长子。少年开始习画，临摩名师的作品，他经常在殉道者啤酒馆中高谈阔论，他在这里的所见所闻及学会的绘画技巧，远胜于任何课堂的教诲。因家人不满他的愤世独行，而断绝了对他的一切财力支持，只得靠朋友们的帮助，后他又不顾家人反对，与卡蜜儿结婚，生活一直窘迫。在印象派第一次画展中，因莫奈有一幅 《 日出印象 》 的油画，被评论家不无讽刺意味地杜撰出“印象派”这个名词。卡蜜儿因病去世后，莫奈又与欧雪德遗孀结婚。随后经济条件有所好转，画界声誉也有提高，但他对此时毫不吝惜的赞誉全然无动于衷，全身心投入绘画之中。尽管晚年的视力不断衰退。莫奈晚年在吉维尼的家中，修建了一个池塘花园，种上了睡莲，成为他油画创作的泉源，创作了一批《睡莲》组画，画面上池中的倒影与水中的光芒相映成为一片合谐的色彩，虚实之间充满了自然的生趣，绿色的合谐。水面正氤氲在浓雾中，而睡莲开放在朦胧中，不确定的弧形轮廓线显示莲花晃荡的动态，不同的笔触在多维视幻觉间保持了一种生动的张力。生命从四面八方涌来，遮挡天空，繁茂得近乎粗俗，转瞬即逝的光影与生机盎然的花叶都一同溶化在一种无序状态之中。莫奈的花园与《睡莲》，是他将对东方艺术的体验转换到花园与绘画上，是出自对东方情境的想象。睡莲池畔的植物，系为了可以透过水面的反射，产生倒影，以营造幻境的气氛。此情此景，马拉美曾写有这样的诗句：“它深浓的白，包含这一个空无不可及的梦，包含着一种永不存在的快乐，我们所能作的只有继续屏息，向那幻影致敬。在意外的脚步声来临前，在我走避的时候、这朵完美的花在升起的水泡中清晰可见 „ „ ”。莫奈的《睡莲》系列呈现出超越物体的表象，直探物体本质，这是对东方思想空无的诠释。