第一篇:琵琶演奏中的‘气息’和歌唱性的表现
琵琶演奏中的气息和歌唱性的表现
河北艺术职业学院 翟云翔
摘要:音乐是听觉的艺术,对于琵琶演奏来说,好的音乐一定是具有歌唱性的。那么培养一个良好的气息和歌唱感觉,对一个演奏者是否能够准确的表达音乐内涵起着很重要的作用。本文对在器乐演奏中如何培养良好的气息和歌唱感觉进行了详细的论述。
关键词:音乐 琵琶气息歌唱性 律动
对于一个琵琶演奏者来说,左右手的演奏技术,技巧及音色的熟练掌握和运用固然是很重要,但是只是把注意力集中或者是停留在这一个层面上是远远不够的。因为音乐是人类语言的一个高级状态,它同语言一样有着句子的长短分句,有抑扬顿挫的语气的变化,有表达一个中心思想的结构性和完整性。没有呼吸,就没有乐句,没有起伏,没有语调,没有了结构也就没有了生命。作为一个演奏者来说,琵琶演奏的最终目的,是让聆听者听到美好的声音,而这种让琵琶发出声音的过程就是我们演奏的过程。传达给听众的声音大致可以简单的分为两种;一种是呆板的机械的,一种是变化的赋予歌唱性的,当然我们要追求的是后者。因为这种歌唱性的声音能够在传达给听众后使听众的内心产生某种感受或者内心的体验。
如何使气息与音乐演奏密切吻合~?
一是首先要盯准谱子,分析乐曲,以及乐曲中的乐句,哪里该连奏,哪里该断奏,哪里该停顿,哪里该变换速度等等。另一个要注意的问题是“气口”时间问题,音乐本来就是一门时间的艺术,当然“气口”的呼吸时间也显得比较重要,这个时间的把握我觉得应该与音乐本身的律动节奏相联系,演奏者要善于体会这种包含着内涵的音乐感觉,有了这种内涵的感觉体会才可能掌握这“气感”的时间。在演奏一句有几十小节长的大起大落的旋律是就必须以缓慢而绵长的气息为根本,同样,在需演奏情绪高涨、激昂。或者速度较快的一段乐曲时,其呼吸、气感也相应地加快,到高潮音之前的一呼吸,也可能呼吸的深一点。但不管怎样,这些“气感”必须是与乐曲是一致的;是与乐段。乐句的分解相一致的。那么对于“气感”的掌握。我在教学中,还是采用在学生把乐曲演奏的较为完整的情况下,要求学生演唱出乐曲的旋律,从而找到和感觉乐曲的呼吸和气口,要反复的唱,加深体会,然后,将它运用到实际演奏中去。即将自身的呼吸和音乐的呼吸融为一体,将键盘转为自己手指的延伸,进而努力做到“人琴合一”,"人音合一”。即做到“人”“琴”“音乐”融为一体。只有这样才能达到表现音乐内涵的目的。“乐感、手感、气感”都是演奏者需要加以重视的问题,我想这也是一位教师在教学过程中应该充分体现的几个方面。
二是要注意音乐的艺术律动。艺术律动是演奏者在二度创作过程中所体现的对音符疏密关系的驾驭方式。艺术律动完全是由演奏者个人的音乐感悟能力,表现性技巧的驾驭能力和对作品提供的表现空间的利用能力所支配。在同比条件下,取决与演奏者对节奏节拍的内在规律的知觉,对节奏节拍与速度相互作用关系的理解,对律动在音乐中的情态功能语言功能和意态功能的合理运用。对艺术律动的理解和运用是见仁见智的。不同的分句,不同的气息感觉,不同的技术技巧能力,不同的专业化知觉水平和不同的局部优势等等,都会不同程度的反映到
艺术律动中来,这要求我们在平时的学琴过程中不光要注意对基本功的训练,还要不断的提高自己的艺术修养。
音乐其实就是等于歌唱。我们在弹奏中可以通过左手按音和右手技法的配合来发出一种我们想要的声音,这声音或柔和,或激烈,或抒情,或喜悦,或悲伤,均是在向听众传达一种美的感觉,人们在聆听到这样的音乐时会有审美感觉在其中,这样的音乐就是赋予歌唱性的。但是,往往有很多琵琶教育中忽视了“歌唱”的重要性。我们要在孩子最开始学习琵琶时就要让他们懂得什么是“歌唱”和怎样去“歌唱”,要强化歌唱性,强化技术要服从音乐的理念。在很多的琵琶作品中,如果细心研究,不难发现其实作曲家早已为我们精心构架了通往赋予歌唱性演奏的一条道路,即使在一些有人认为是比较枯燥的练习曲中,我们也可以发现赋予歌唱性的片段,没有一首作品是单纯的为了技术而训练的。技巧,应该是为音乐服务的。
琵琶音乐的实际内涵就是使琵琶发出一种带有歌唱性的声音。在琵琶演奏中歌唱性尤其重要,它会通过我们的手指、内心、感觉这三点合成一起,在演奏中共同表现出来,这种综合性的表现就是有音乐的、有歌唱性的。但往往我们在演奏中很难达到歌唱性,因为琵琶毕竟不像小提琴那样,琵琶是“点”的乐器,要通过手指的配合来发出点状的颗粒,因此这就需要通过手指、手腕合理的动作搭配,来构架合理的乐句。做到了以上这些要求,注重“起点——发展——高点——起点”的乐句阐释过程,歌唱性便会更好的体现出来。
参考文献:《中国琵琶演奏艺术》 李景侠上海音乐出版社
《钢琴演奏之道》赵晓生世界图书出版公司
第二篇:浅谈歌唱中气息的重要性
浅谈歌唱中气息的重要性
1.前言
歌唱呼吸是一门广泛而深奥的学问。在意大利美声学派中就有着这样的说法:“呼吸是歌唱的基础和动力,谁懂得呼吸谁就懂得唱歌。”而在我国古代的声乐理论里也有说到“善歌者必先调其气”和“气动则声发”。今天,我们强调呼吸是发声的源泉,是歌唱的动力,是歌唱的生命。不仅是对呼吸重要性的深刻认识,而且更加突出了呼吸在歌唱中的重要作用。正确的发声,良好的共鸣乃至对歌曲思想感情的表达都与呼吸密切相关。因此,在歌唱时只有掌握最自然、最深长、最正确的呼吸,才能具有丰富表现力的歌唱物质动力,才能更为自如地进入歌唱艺术创造的境界,达到精神和身体的和谐,声音形象和角色形象的统一。
2.歌唱的呼吸器官及呼吸方法
在斯塔林的《人类生理学》中,是这样描述呼吸的:“由于胸或胸腔有节奏地交替扩大或缩小的容积而使空气不断更新。胸的每次扩大而膨胀,使空气(气息)通过气管或风管被吸入肺里,这就是吸气。胸放松时,它收缩而容积缩小,从而把肺中的空气逐出或排出,这就是呼气。”同样,呼吸在歌唱中也是一个平常的不能再平常地动作,但歌唱中的呼吸与生活中的呼吸不同,对于歌唱有着十分重要的作用。歌唱作为一种艺术实践活动,其呼吸运动比生活中的呼吸运动要复杂得多。“呼吸”是呼气和吸气的总称。“吸气”是由于横膈膜的下降,肋肌、腹肌的扩张,使胸腔扩大,将气吸入肺部;“呼气”是由于收缩腹肌肋肌促使横膈膜上升,吸入的空气受到压迫后,由肺部、气管,通过口、鼻排出。呼吸器官主要包括气管、肺、胸腔、横膈膜、腹肌等。
呼吸可大致分为三大类:第一种是人在安静时的呼吸,如坐着看书写字或休息睡眠时都处于静的状态。通常这个状态的呼吸所需要的气流量都不是很多。第二种是劳动时的呼吸,这时需要的气流量较大。以上这两种呼吸都属于是自然呼吸,是非意识的动作。但有一种呼吸是伴随着发声的,也就是歌唱的呼吸。它与说话时的呼吸截然不同,是在自然呼吸的基础上,需要有意识的强力呼吸。歌唱呼吸又分三大类型:
第一,胸式呼吸:这是一种主要依靠胸腔控制气息的呼吸方法。
第二,腹式呼吸:这种呼吸法主要靠下降横膈膜,用腹部肌肉控制气息,唱歌时胸部不抬起,只用凸肚子或者瘪肚子的方式呼吸,或者呼气时小腹不但不收缩,还向外凸出。
第三,胸腹式呼吸:这是目前声乐界大多数人认为最可取的歌唱呼吸方法。它是一种运用胸腔、横膈膜和腹部肌肉共同控制气息的呼吸方法。
3.歌唱中气息的运用
声乐界有这样的一句格言:“谁掌握了歌唱的呼吸,谁就会唱歌”。是否能唱好歌,呼吸是关键。所以要想在歌唱学习中取得进步,首先要解决呼吸问题。建立一套完整、科学、系统的歌唱呼吸方法是声乐界一直在研究和探索的问题。
3.1 歌唱的吸气
吸气是歌唱前的准备,吸气时应同时用口和鼻吸气,气要吸到肺的底部,从而使横膈膜下降,胸腔和腹腔同时扩张,腰围有膨胀的感觉。吸气时要注意动作柔和平稳,自然而放松,注意吸气适度,防止过深和过浅,否则很容易造成全身僵硬,使声音失去弹性和支持力。
3.2 歌唱的呼气
当气体从肺部流出,吸气肌肉群有控制地慢慢放松,横膈膜逐渐抬起,小腹收缩并与两肋保持扩张的力量形成对抗,使气息均匀流畅的呼出。呼气时,特别要注意对气息的控制适度,缺乏控制会产生漏气,导致气息不够用,过分控制容易使气息不流畅,造成声音僵硬干涩。
呼气时应该保持吸的感觉,吸气时也保持呼的感觉,呼与吸是对立统一的矛盾体。有人把这种对立统一概括为“怎么吸就怎么唱,吸到哪就从哪唱,唱的过程中想着吸,吸的过程中想着吸,所有的字都吸着唱”。
3.3 歌唱的换气
歌曲演唱中的换气,不仅关系到声音和技巧的发挥,更直接影响到音乐作品内容和情感的艺术表现。大家常说:“换不好气,唱不好戏。”如果气口换的不好,不但有可能使演唱者的声音失控,还会影响音乐作品的连贯性和完整性,破坏歌曲的意境和艺术表现。演唱者在学习作品时就要注意选择好换气口,并在练习的时候严格要求自己在提前设计好的气口换气,不能随意挪动。根据音乐的情绪掌握好换气的速度,合理地安排换气的时值,更好地控制歌唱的气息,表现音乐作品的内涵。
4.歌唱气息的训练
沈湘教授指出:“呼吸是歌唱的基础,气息是歌唱的动力。”对呼吸方法的正确领悟与气息配合发声训练是歌唱学习者的一门重要课程。想获得正确的歌唱呼吸方法,学习歌唱者要长期艰苦地进行呼吸训练。
4.1 快吸慢呼
快吸慢呼的呼吸训练就是瞬间把气吸得饱满,保持片刻后,再把气息均匀、平稳地慢慢呼出。正像我们平常受到惊吓时迅速地换气,两肋、腰围快速扩张,横膈膜快速且有弹性地下沉。初学者可以想象有一位离别很久的好友,突然出现在你面前,你惊奇的倒抽一口气,几乎要喊叫出来,就停止在这种状态上,几秒钟后仿佛有一股外部的力量将小腹向后推压,感到小腹在与这股外来的力量的对抗中,气息徐徐向着上齿根的背后发送,这时横膈膜起着支持作用。这种呼吸方法比较适合节奏紧凑,乐句较长的歌曲。
4.2 慢吸慢呼
慢吸慢呼的呼吸训练是在全身放松的状态下缓缓地吸入气体,觉得两肋慢慢地张开,同时腰围有明显的扩张,保持片刻后,再把气息均匀、平稳地慢慢呼出。这种练习正像我们平常闻花香的感觉,很自然而舒服地感觉到深吸气的状态。要注意的是吸气要与闻花香时一样自然、平静、柔和。气不要吸得太多,但要吸到膈肌。气吸得过多,不但不能解决歌唱时气息不够用的问题,相反还易使身体僵硬,声音不流畅。此呼吸法比较适合速度缓慢、抒情的歌曲。
4.3 慢吸快呼
慢吸快呼的呼吸训练是在全身放松的状态下缓缓地吸入气体,感觉两肋慢慢张开的同时,腰围有明显的扩张,保持片刻后,瞬间把气息呼出。这种练习正像我们过度劳累停下来休息时全身放松地深吸一口气后,再彻底地叹出去的那种感觉。这种呼吸方法经常用于歌曲的高潮,富有激情且充满力量的乐句。
4.4 快吸快呼
快吸快呼的呼吸训练是快速地吸气,再快速地呼出。快吸时要注意下肋打开,下腹收缩及胸肌群扩展的弹动力,气吸好控制住之后,摇动身体检查是否有多余的紧张。快呼要领与慢吸快呼练习相同,注意腹肌、膈肌的快速力弹动。很多声乐老师都主张的“狗喘气”就是指快吸快呼练习,它对加强横膈膜的弹性和灵活性有很大的帮助。这种呼吸方法比较适合节奏紧凑,欢快的歌曲。
5.歌唱呼吸中的气息支持
在17、18世纪的声乐著作中非常强调气息在歌唱中的支持和运用。当时教师在教学中最流行的说法是“在气息支持下唱歌”,“很好地支持住”,“用气息托住声音”,“谁懂得很好的呼吸和吐字就会懂得很好的歌唱”。这些说法看上去很简单,但却包含了十分重要的道理。的确,在歌唱的每一分钟都离不开气息的支持,凡是不用正确气息支持的歌唱,必然是挤着或者压着嗓子在歌唱。在长期的声乐学习中我们也会发现,凡是高音卡、挤,声音不自然、不放松的歌唱学者都没有正确的呼吸,没有掌握呼吸的支点。
5.1 气息支点的感觉
在歌唱发声时,需要把气息缓慢、均匀地呼出来,而胸腔、两肋、膈肌这种向里向上的反作用力,需要吸气时两肋、膈肌向外向下的力量来控制并保持住,这样才能得到平稳舒畅的呼吸效果,否则气息就会随着声音浮泄出来,造成气浅、声音虚弱。这种作用力与反作用力对抗平衡的着力点就是“呼吸支点”。
呼吸支点的部位感觉可以用咳嗽、大笑和强烈的抽泣来体会。还有一种体会是我们平时在挑重担或抬钢琴用力时会先憋着一口气,这种憋气的力量是向外向下的,能感觉腰、腹部肌肉的紧张,就是靠这种作用力的反作用力把担子挑起来、把钢琴抬起来的。
5.2 歌唱气息的练习
吸气时隔膜下降、使胸腔的底部向下伸展,同时胸腔两肋张开,使胸腔全面扩大。此时,因胸腔和肺部扩大,外界空气即吸入肺部。呼气时,一方面依靠胸腔本身的弹性作用和胸腔呼吸肌肉用力逐渐将肋骨拉下,使胸腔缩小;另一方面,腹部肌肉有控制地收缩,压迫腹腔内器官向上,使横隔膜逐回复原来的位置。以上两种方面的呼气动作互相配合,共同控制气息的呼出。同时在呼吸时,我们还要注意气息不可过深或过浅,吸气要柔和、自然、平稳,呼吸器官各部分不要有僵硬逼紧感,善于保持气息,始终保持胸腔的扩张状态,控制呼气的力量要适中,不要把保持气息当成紧压,呼气时用下胸肌和腹肌、横隔膜来操纵等等,这些问题都是应该注意的。
6.结论
一首完美的歌曲,不仅需要好的嗓音,更重要的是需要呼吸的调整,从而使歌曲演唱完美化、科学化。一切声音表现技巧都与呼吸有着不可分割的关系。无论是声乐爱好者还是声乐研究人员,至关重要的一点,都必须了解和掌握声乐演唱中正确的呼吸方法。呼吸是歌唱的基础和原动力,学习正确的歌唱呼吸是歌唱艺术最重要和最必要的前提。一切声音表现技巧都与呼吸有着不可分割的关系。无论是声乐爱好者还是声乐研究人员,都必须了解和掌握声乐演唱中正确的呼吸方法。科学的呼吸方法要通过长期正确且严格的训练,在学习过程中持之以恒,循序渐进。此外,在实际的的学习过程中,还不能片面地强调歌唱的呼吸,应该把呼吸和发声、吐字咬字以及情感很好地结合在一起,科学地掌握和运用呼吸,才能找到一条适合自己的声乐道路,唱出最美、最动听的声音。
第三篇:琵琶演奏技巧练习索要
琵琶演奏技巧练习索要
指甲触弦的面与锋触弦的面与锋就是右手指甲与弦的接触部么一般地说指甲触弦的大小与入弦的深浅成正比,即入弦深接触面就大,其发音饱满、厚实;入弦浅接触面小,其发音轻柔、圆润。因此,接触面大小,决定音响效果不同,在演奏过程中,触弦面的变化要取决于弦的粗细,音的强弱及乐句的情绪而定。如弹一、二弦时,应当缩小接触面;弹三、四弦时,应当扩大接触面,.弹清晰活泼的乐句时,要适当缩小接触面;弹强音时,要适当扩大接触面;弹弱音时,要适当缩小接触面;渐强时,要逐渐扩大接触面;减弱时,要逐渐缩小接触面。用以上扩大和缩小接触面的方法演奏,是琵琶演奏右手触弦面的最基本方法。为了更好的掌握和运用好接触面的方法,取得完美谁确的音色变化,我们可把指甲的用锋分为中锋、偏锋、侧锋三类指锋:
1、侧锋。所谓侧锋就是指甲的上下(左右)边沿。侧锋触弦面最小,其音色刚健、结实,摇指大多用侧锋。如要求音色比较柔和或弱奏时,要用侧锋的偏上方部位,入弦要浅。如果要获得明亮、浑厚的音色,就要使用上侧锋或下侧锋,弹得方向要斜。
2、偏锋。即指甲面的左右面。由于指甲面呈弧形,偏锋接触弦的面积较大,它的音色浑厚,柔润......
第四篇:浅谈琵琶弹奏中的情感表现
浅谈琵琶弹奏中的情感表现
摘要:琵琶作为中国最古老的民族乐器之一,在它几千年的流传过程中流下了大量的、丰富的、欣赏价值极高的乐曲。这些乐曲使我们的演奏风格更加广泛、韵律更加悠长。随着社会的进步与发展,生活节奏的不断加快,听众对琵琶乐曲的欣赏呈现出了多层次的需求。一些作曲家和演奏家紧跟时代步伐,写出了诸多充满时代气息的新作品。新作品层出不穷,其演奏难度也越来越大,如何掌握和演奏这些作品,无疑是每一位琵琶学者所必须面对和认真思考的课题。本文结合自己的学习实践,谈一点浅显的认识和看法。
关键词:情感、技巧、乐感
一、注重内心音乐听觉的培养
所谓的内心听觉,是指人们内心对听过的音乐的回忆或想象。人的内心音乐听觉是在聆听音乐的经验基础上形成的,是人在音乐实践活动中必须具备的一种音乐基本素质和能力。优秀的音乐作品是人类社会不可或缺的精神食粮。人对音乐音响的感知,包含着对音乐形式要素与音乐精神作品精神内涵的把握,在感知中获得音乐体验与精神上的满足。只有内心积累了丰富的音乐音响,才能形成对音乐的直觉感受和体验,在音乐音响作用于感知中获得人的听觉过程中领略音乐的美。音乐与人的情感密不可分的特性又决定了音乐教学活动的最终目的,应是学生审美情感的培养。因此包括学习乐器演奏在内的各种音乐能够实践活动,都应当把培养音乐审美情感放在首要位置。
学习演奏琵琶与其它音乐实践活动一样,要掌握琵琶演奏技法,不断提高琵琶演奏水平,完成各种乐器的演奏。在学习琵琶的初级阶段,单纯的技能训练固然重要,而更重要的是在技能训练的同时,注重对自我音乐审美情感的培养。通过技能训练,培养自我对音乐的感受能力、音乐审美意识和审美能力,并将音乐审美情感培养融入琵琶演奏的艺术再创造中,是琵琶技能不断产生质的飞跃
二、演奏琵琶时要注意培养自我的乐感
学习乐器演奏,掌握技巧固重要但只有把技巧训练与培养音乐感密切结合才能使器乐演奏产生质的飞跃。琵琶属于民族乐器中弹拨乐器类,以“点”来构筑旋律线,歌唱性演奏是琵琶这一乐器的突出特征。要使琵琶这种弹拨乐器富有歌唱性的演奏,就要在演奏时养成内心歌唱的习惯。刚开始学习琵琶时,对节奏与接拍的感受缺乏敏锐性,如琵琶弹跳技法,大拇指的力度往往比食指大,食指一般在强拍或强位置上演奏而大拇指又常在弱拍或弱位置上演奏,这样就容易形成缺乏节奏感的不良习惯,打破了音乐进行中的乐句和音乐语气,影响完美的表达音乐作品的内涵。因此,从琵琶技法的基础练习开始就因注意节拍的律动性,旋律进行中音与音之间的递进,乐句与乐句之间音的连接等。音与音之间的连接要符合音乐预期的要求,贯穿一种音乐审美意识,形成旋律的起伏感,把技能练习:乐曲的演奏与乐句的话分结合起来,感性与理性结合起来,使演奏的乐曲富有语气感,进而培养其自身的音乐感。学习乐器演奏,掌握技巧固然重要,但只有把技巧训练与培养音乐感密切结合,才能使器乐演奏产生质的飞跃。音乐艺术作为人类的精神产品,是人的内在精神的体现,它是人的感情世界的外现。在学习琵琶的过程中,要在音乐进行时感受旋律的起伏跌宕,体验音乐的内在美,这就必须注重对自我音乐感的培养。
三:处理好技与艺的关系
“技”是指琵琶演奏的技术水平,即运用科学的训练方法,牢固的掌握各种演奏技巧。演奏琵琶与演奏其它乐器一样技能性很强,必须经过长期训练才能达到演奏要求。“艺”是指演奏者的艺术修养水准,它包含对作品的准确理解与表达,它是演奏的感性体验与理想的思考的有机结合,是演奏者运用娴熟的演奏技巧对音乐作品进行艺术再创造,对作曲家的精神内涵进行的诠释,技与艺是相互作用的两个方面,也是音乐审美情感培养的两个重要环节。要将“技”融入“艺”,即在技巧练习中注重旋律感、节拍节奏感的培养。
学习任何乐器,都存在技与艺的关系问题。技与艺相互影响,具有不可分割性。琵琶学习始终贯穿技巧训练,这是一项重要的学习内容。掌握琵琶演奏技巧,一方面是应用琵琶练习曲,尽管这是纯技术性练习,但在练习曲旋律进行、节拍的律动中,也可以培养自我对音乐的感受力,建立良好的内心音乐听觉。另一方面,还应通过一些小型的乐曲或改编的歌曲进行训练。这些乐曲的旋律性和歌唱性,使枯燥的技巧练习具有了丰富的色彩。技巧练习融入音乐作品丰富的旋律中,淡化了单纯的技巧练习,使技巧训练能够为音乐表现服务,积累音乐的感性经验,进而培养自我的音乐审美感受,形成良好的乐感,这样可以收到良好的学习效果。这就是技与艺的不可分割性。在琵琶学习中,掌握技巧与音乐表现是相互制约的。不能灵活自如的运用琵琶的各种演奏技巧,乐曲的音乐表现就会受到影响;同样,演奏者如果只有呆板的机械性演奏,而缺乏内心的歌唱性,或者只是炫耀演奏技巧哗众取宠,不以音乐表现为目的,也很难准确的表达作品的精神内涵,从而失去了器乐演奏的真正意义。技与艺的这种相互制约的关系,直接影响琵琶的学习和演奏水平的提高。在琵琶的学习中,把握好技与艺的关系,对提高琵琶学习的质量有着十分重要的意义。
四、演奏技巧与情感表现
当前,由于教育的正规化和系统化,掌握高超的琵琶演奏技巧的青少年大有人在,但真正成为琵琶演奏家的并不多,主要是因演奏者虽然掌握了高超的演奏技巧,但在情感表现方面还达不到应有的境界。而真正的琵琶演奏家是将演奏技巧完全融入到深刻的情感表现中,真正做到两者的统一。这样的表现不仅给人以美的享受,而且也能表现丰富的精神内涵和情感。要想达到情感的有机表现要做到以下几点:
(一)要有对生活的积累
人的各种行为,风格以及情感生活等复杂的心理活动形式,都从整体上服从其独有心理
机能系统。两人的心理机能及其复杂心理结构的形成,也离不开人的社会生活。人的生活阅历和知识才学越丰富,他在艺术活动中获得的情感体验也就越丰富,当你在演奏乐曲时你就会打开“情感的库存”取出于乐曲内涵要求一致的情感信息进行组合,从而完成演奏者的情感表现。
(二)想象力
艺术是离不开想象的。只有通过想象才可能从音乐中获得美感。在塑造艺术形象的过程中,音乐留给人们的想象领域是最大的,它不同于视觉艺术直观,也不同于文学艺术具体。它留给人们一个上接千古,包括宇宙万物的思维空间,塑造了一个个生动的音乐形象。虽然这种形象带有意向性,比较抽象模糊,并且要和人们丰富的想象相结合,但他同样是栩栩如生,深切感人的,同时又是具体的。
(三)情感表现的人性化
由于人的自身条件、艺术经验、修养和思想气质有差异,所以,人们对乐曲的理解与处理也有所不同。但要想具有较强的感人力量,还要有较高的独特创造力。
演奏技巧与情感表现在琵琶演奏中是相辅相成的两方面,没有演奏技巧根本谈不到情感表现,脱离了情感表现,演奏技巧也将失去它自身的存在价值。
五、注意把握好演奏与培养音乐审美情感的关系
一般的音乐学习都有感性和理性两方面的内容,琵琶也不例外。学生应在学习音乐中,不断增强其对音色以及音响特征的鉴别能力,积累对音乐音响的感性认识,并使之能够运用丰富的感性经验去演奏,进而达到培养音乐审美情感、提高音乐审美情趣和品位的目的。
综上所述,演奏琵琶是一种艺术的再创造。娴熟的演奏技巧只是为琵琶的完美演奏提供技术保证,只是完成乐曲的音乐表现的技术性基础,而审美情感的培养才是琵琶学习的最终目的。因此,应在琵琶学习过程中始终把音乐审美情感放在重要的位置,正确处理琵琶演奏中技与艺的关系,注重对自我内心音乐听觉的培养,使自我在演奏中注入自己全部的情感,用心灵的歌唱去表现乐曲的每一个音符和每一种音乐语气,塑造出一个个不同的音乐形象,这才是琵琶学习的真正归宿。
参考文献
[1]庄永平.琵琶手册[M].上海音乐出版社,2001.[2]李桂真,赵寒阳.民族器乐论文集[M].中国音乐学院出版社,2000.[3]孙丽伟.琵琶教程[M].人民音乐出版社,2001.[4]王泰雁,陈学娅音乐欣赏手册[M].上海音乐出版社,2004.[5]樊愉.中国琵琶名曲荟萃[M].上海音乐出版社,2001.
第五篇:音乐学毕业论文《浅谈歌唱中气息的重要性》
目录
继续教育学院本科毕业论文
题 目
浅谈歌唱中气息的重要性 院 系 晋中学院继续教育学院 专 业 音乐学 姓 名 籍元平学 号 *** 学习年限 2013年2月至2015年12月 指导教师
2015年 8 月 10 日
目录
目 录
摘要....................................................................................................................................I 1 2 3 前言..............................................................................................................................1 歌唱的呼吸器官及呼吸方法......................................................................................1 歌唱中气息的运用......................................................................................................2 3.1 歌唱的吸气..................................................................................................................2 3.2 歌唱的呼气..................................................................................................................2 3.3 歌唱的换气..................................................................................................................2 4 歌唱气息的训练..........................................................................................................2 4.1 快吸慢呼......................................................................................................................3 4.2 慢吸慢呼......................................................................................................................3 4.3 慢吸快呼......................................................................................................................3 4.4 快吸快呼......................................................................................................................3 5 歌唱呼吸中的气息支点..............................................................................................3 5.1
气息支点的感觉....................................................................................................4 5.2
歌唱气息的练习....................................................................................................4 6 结论..............................................................................................................................4 致
谢...................................................................................................................................5 参考文献...............................................................................................................................6
摘要
摘要
气息是歌唱的动力。正确的呼吸能使歌者获得良好的气息支持,从而更好地去表现歌曲的内容。正确的呼吸方法是声乐学习的基础,气息支点的掌握也至关重要。声乐界有“谁懂得呼吸,谁就会唱歌”,说明了呼吸在歌唱中的重要性。本研究从歌唱呼吸的原理、歌唱呼吸的类型、歌唱呼吸的运用、科学呼吸方法的训练等方面进行论述。
关键词:呼吸器官;呼吸方法;呼吸支点;训练
浅谈歌唱中气息的重要性
1.前言
歌唱呼吸是一门广泛而深奥的学问。在意大利美声学派中就有着这样的说法:“呼吸是歌唱的基础和动力,谁懂得呼吸谁就懂得唱歌。”而在我国古代的声乐理论里也有说到“善歌者必先调其气”和“气动则声发”。今天,我们强调呼吸是发声的源泉,是歌唱的动力,是歌唱的生命。不仅是对呼吸重要性的深刻认识,而且更加突出了呼吸在歌唱中的重要作用。正确的发声,良好的共鸣乃至对歌曲思想感情的表达都与呼吸密切相关。因此,在歌唱时只有掌握最自然、最深长、最正确的呼吸,才能具有丰富表现力的歌唱物质动力,才能更为自如地进入歌唱艺术创造的境界,达到精神和身体的和谐,声音形象和角色形象的统一。
2.歌唱的呼吸器官及呼吸方法
在斯塔林的《人类生理学》中,是这样描述呼吸的:“由于胸或胸腔有节奏地交替扩大或缩小的容积而使空气不断更新。胸的每次扩大而膨胀,使空气(气息)通过气管或风管被吸入肺里,这就是吸气。胸放松时,它收缩而容积缩小,从而把肺中的空气逐出或排出,这就是呼气。”同样,呼吸在歌唱中也是一个平常的不能再平常地动作,但歌唱中的呼吸与生活中的呼吸不同,对于歌唱有着十分重要的作用。歌唱作为一种艺术实践活动,其呼吸运动比生活中的呼吸运动要复杂得多。“呼吸”是呼气和吸气的总称。“吸气”是由于横膈膜的下降,肋肌、腹肌的扩张,使胸腔扩大,将气吸入肺部;“呼气”是由于收缩腹肌肋肌促使横膈膜上升,吸入的空气受到压迫后,由肺部、气管,通过口、鼻排出。呼吸器官主要包括气管、肺、胸腔、横膈膜、腹肌等。
呼吸可大致分为三大类:第一种是人在安静时的呼吸,如坐着看书写字或休息睡眠时都处于静的状态。通常这个状态的呼吸所需要的气流量都不是很多。第二种是劳动时的呼吸,这时需要的气流量较大。以上这两种呼吸都属于是自然呼吸,是非意识的动作。但有一种呼吸是伴随着发声的,也就是歌唱的呼吸。它与说话时的呼吸截然不同,是在自然呼吸的基础上,需要有意识的强力呼吸。歌唱呼吸又分三大类型: 第一,胸式呼吸:这是一种主要依靠胸腔控制气息的呼吸方法。
第二,腹式呼吸:这种呼吸法主要靠下降横膈膜,用腹部肌肉控制气息,唱歌时胸部不抬起,只用凸肚子或者瘪肚子的方式呼吸,或者呼气时小腹不但不收缩,- 1 -
还向外凸出。
第三,胸腹式呼吸:这是目前声乐界大多数人认为最可取的歌唱呼吸方法。它是一种运用胸腔、横膈膜和腹部肌肉共同控制气息的呼吸方法。
3.歌唱中气息的运用
声乐界有这样的一句格言:“谁掌握了歌唱的呼吸,谁就会唱歌”。是否能唱好歌,呼吸是关键。所以要想在歌唱学习中取得进步,首先要解决呼吸问题。建立一套完整、科学、系统的歌唱呼吸方法是声乐界一直在研究和探索的问题。
3.1 歌唱的吸气
吸气是歌唱前的准备,吸气时应同时用口和鼻吸气,气要吸到肺的底部,从而使横膈膜下降,胸腔和腹腔同时扩张,腰围有膨胀的感觉。吸气时要注意动作柔和平稳,自然而放松,注意吸气适度,防止过深和过浅,否则很容易造成全身僵硬,使声音失去弹性和支持力。
3.2 歌唱的呼气
当气体从肺部流出,吸气肌肉群有控制地慢慢放松,横膈膜逐渐抬起,小腹收缩并与两肋保持扩张的力量形成对抗,使气息均匀流畅的呼出。呼气时,特别要注意对气息的控制适度,缺乏控制会产生漏气,导致气息不够用,过分控制容易使气息不流畅,造成声音僵硬干涩。
呼气时应该保持吸的感觉,吸气时也保持呼的感觉,呼与吸是对立统一的矛盾体。有人把这种对立统一概括为“怎么吸就怎么唱,吸到哪就从哪唱,唱的过程中想着吸,吸的过程中想着吸,所有的字都吸着唱”。
3.3 歌唱的换气
歌曲演唱中的换气,不仅关系到声音和技巧的发挥,更直接影响到音乐作品内容和情感的艺术表现。大家常说:“换不好气,唱不好戏。”如果气口换的不好,不但有可能使演唱者的声音失控,还会影响音乐作品的连贯性和完整性,破坏歌曲的意境和艺术表现。演唱者在学习作品时就要注意选择好换气口,并在练习的时候严格要求自己在提前设计好的气口换气,不能随意挪动。根据音乐的情绪掌握好换气的速度,合理地安排换气的时值,更好地控制歌唱的气息,表现音乐作品的内涵。
4.歌唱气息的训练
沈湘教授指出:“呼吸是歌唱的基础,气息是歌唱的动力。”对呼吸方法的正确领悟与气息配合发声训练是歌唱学习者的一门重要课程。想获得正确的歌唱呼吸方法,学习
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歌唱者要长期艰苦地进行呼吸训练。
4.1 快吸慢呼
快吸慢呼的呼吸训练就是瞬间把气吸得饱满,保持片刻后,再把气息均匀、平稳地慢慢呼出。正像我们平常受到惊吓时迅速地换气,两肋、腰围快速扩张,横膈膜快速且有弹性地下沉。初学者可以想象有一位离别很久的好友,突然出现在你面前,你惊奇的倒抽一口气,几乎要喊叫出来,就停止在这种状态上,几秒钟后仿佛有一股外部的力量将小腹向后推压,感到小腹在与这股外来的力量的对抗中,气息徐徐向着上齿根的背后发送,这时横膈膜起着支持作用。这种呼吸方法比较适合节奏紧凑,乐句较长的歌曲。
4.2 慢吸慢呼
慢吸慢呼的呼吸训练是在全身放松的状态下缓缓地吸入气体,觉得两肋慢慢地张开,同时腰围有明显的扩张,保持片刻后,再把气息均匀、平稳地慢慢呼出。这种练习正像我们平常闻花香的感觉,很自然而舒服地感觉到深吸气的状态。要注意的是吸气要与闻花香时一样自然、平静、柔和。气不要吸得太多,但要吸到膈肌。气吸得过多,不但不能解决歌唱时气息不够用的问题,相反还易使身体僵硬,声音不流畅。此呼吸法比较适合速度缓慢、抒情的歌曲。
4.3 慢吸快呼
慢吸快呼的呼吸训练是在全身放松的状态下缓缓地吸入气体,感觉两肋慢慢张开的同时,腰围有明显的扩张,保持片刻后,瞬间把气息呼出。这种练习正像我们过度劳累停下来休息时全身放松地深吸一口气后,再彻底地叹出去的那种感觉。这种呼吸方法经常用于歌曲的高潮,富有激情且充满力量的乐句。
4.4 快吸快呼
快吸快呼的呼吸训练是快速地吸气,再快速地呼出。快吸时要注意下肋打开,下腹收缩及胸肌群扩展的弹动力,气吸好控制住之后,摇动身体检查是否有多余的紧张。快呼要领与慢吸快呼练习相同,注意腹肌、膈肌的快速力弹动。很多声乐老师都主张的“狗喘气”就是指快吸快呼练习,它对加强横膈膜的弹性和灵活性有很大的帮助。这种呼吸方法比较适合节奏紧凑,欢快的歌曲。
5.歌唱呼吸中的气息支持
在17、18世纪的声乐著作中非常强调气息在歌唱中的支持和运用。当时教师在教学中最流行的说法是“在气息支持下唱歌”,“很好地支持住”,“用气息托住声音”,“谁懂得很好的呼吸和吐字就会懂得很好的歌唱”。这些说法看上去很简单,但却包含了十分重要的道理。的确,在歌唱的每一分钟都离不开气息的支持,凡是不用正确气息支持的歌唱,必然是挤着或者压着嗓子在歌唱。在长期的声乐学习中我们也会发现,凡是高
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音卡、挤,声音不自然、不放松的歌唱学者都没有正确的呼吸,没有掌握呼吸的支点。
5.1 气息支点的感觉
在歌唱发声时,需要把气息缓慢、均匀地呼出来,而胸腔、两肋、膈肌这种向里向上的反作用力,需要吸气时两肋、膈肌向外向下的力量来控制并保持住,这样才能得到平稳舒畅的呼吸效果,否则气息就会随着声音浮泄出来,造成气浅、声音虚弱。这种作用力与反作用力对抗平衡的着力点就是“呼吸支点”。
呼吸支点的部位感觉可以用咳嗽、大笑和强烈的抽泣来体会。还有一种体会是我们平时在挑重担或抬钢琴用力时会先憋着一口气,这种憋气的力量是向外向下的,能感觉腰、腹部肌肉的紧张,就是靠这种作用力的反作用力把担子挑起来、把钢琴抬起来的。
5.2 歌唱气息的练习
吸气时隔膜下降、使胸腔的底部向下伸展,同时胸腔两肋张开,使胸腔全面扩大。此时,因胸腔和肺部扩大,外界空气即吸入肺部。呼气时,一方面依靠胸腔本身的弹性作用和胸腔呼吸肌肉用力逐渐将肋骨拉下,使胸腔缩小;另一方面,腹部肌肉有控制地收缩,压迫腹腔内器官向上,使横隔膜逐回复原来的位置。以上两种方面的呼气动作互相配合,共同控制气息的呼出。同时在呼吸时,我们还要注意气息不可过深或过浅,吸气要柔和、自然、平稳,呼吸器官各部分不要有僵硬逼紧感,善于保持气息,始终保持胸腔的扩张状态,控制呼气的力量要适中,不要把保持气息当成紧压,呼气时用下胸肌和腹肌、横隔膜来操纵等等,这些问题都是应该注意的。
6.结论
一首完美的歌曲,不仅需要好的嗓音,更重要的是需要呼吸的调整,从而使歌曲演唱完美化、科学化。一切声音表现技巧都与呼吸有着不可分割的关系。无论是声乐爱好者还是声乐研究人员,至关重要的一点,都必须了解和掌握声乐演唱中正确的呼吸方法。呼吸是歌唱的基础和原动力,学习正确的歌唱呼吸是歌唱艺术最重要和最必要的前提。一切声音表现技巧都与呼吸有着不可分割的关系。无论是声乐爱好者还是声乐研究人员,都必须了解和掌握声乐演唱中正确的呼吸方法。科学的呼吸方法要通过长期正确且严格的训练,在学习过程中持之以恒,循序渐进。此外,在实际的的学习过程中,还不能片面地强调歌唱的呼吸,应该把呼吸和发声、吐字咬字以及情感很好地结合在一起,科学地掌握和运用呼吸,才能找到一条适合自己的声乐道路,唱出最美、最动听的声音。
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致
谢
致
谢
经过一段时间的努力,毕业论文已经接近尾声,作为一名本科生,由于经验匮乏,难免有许多考虑不周全的地方,如果没有导师的督促指导,想要完成毕业论文是不易的。
感谢指导老师在本人选题、选材、修改、定稿等一系列过程中给予的指导和帮助;同时感谢在座的各位领导和评委老师对我论文提出的意见;另外还要感谢老师几年来对我的栽培和教育。
致谢人:籍元平
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参考文献
参考文献
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