关于培养学院派芭蕾舞教学中舞蹈表现力方法的研究[精选多篇]

第一篇：关于培养学院派芭蕾舞教学中舞蹈表现力方法的研究

关于培养学院派芭蕾舞教学中舞蹈表现力方法的研究

摘要：规范、系统、科学的芭蕾舞训练起源于学院派，正是学院派奠定了芭蕾舞领域中对各种技巧的运用和对其深厚文化内涵的积累，使芭蕾舞成为一种有品位、对现代舞蹈都具有技术性启发的古典舞蹈艺术。古典芭蕾舞出身于宫廷文化，它在表演模式上存在着一定的束缚，表现出了表情木讷、技术刻板、心灵交流匮乏等表现力不足的问题，所以在现如今的芭蕾舞教学中应该对其进行完善，在强化学生基本功训练基础上，培养他们的舞蹈表现力，让芭蕾舞表演焕发其应有的艺术美感和优雅风范。

关键词：芭蕾舞教学学院派表现力对策

芭蕾舞孕育于意大利，发展于法国宫廷，在欧洲具有悠久的历史，它是名副其实的贵族舞蹈。为了供上层贵族观赏，早期的芭蕾舞者训练相当严格，他们都是出身于正规舞蹈学院，靠师生相传、层层因袭而练就成才。在成才之后，就要等待来自宫廷的专业选拔，所以最初人们学习芭蕾舞蹈的目的也是为了能够融入上层社会，为贵族表演。而正因如此，出自学院的芭蕾舞者往往在舞蹈学习过程中受到来自于各方约定俗成的限制，所以在舞蹈表现力上更加规范，缺乏芭蕾舞蹈应有的自由灵性与活力，这也是学院派芭蕾舞保守性质形成的关键因素。

一、学院派芭蕾舞教学的创作发展环境

学院派舞蹈是不能被忽视的重要舞蹈学派，尤其是在创作领域中学院派占有着十分重要的地位，对于舞蹈整体发展都具有导向性。学院派舞蹈的发展动因很简单，就是为学习舞蹈的人们提供一个能正确认识和了解舞蹈发展及创作的交流平台，在舞者交流之中形成作品、审美品质和精神，审时度势的调整舞蹈发展方向路径。所以我们说学院派舞蹈在创作与发展过程中更加稳定和持久，它是舞蹈领域中不可替代的基础。

从我国学院派芭蕾舞教学的发展历程来看，它的目的就在于教育并培养大量的芭蕾舞人才，从而创造更多的优秀作品，推动中国芭蕾舞发展。所以如今我们的芭蕾舞教学更多注重于学生基本功、动作组合与舞蹈片段方面的练习，也就是更加强调技术性训练，而相对却忽视了对艺术性的培养。在芭蕾舞作品表现过程中，一些学院派学生缺乏对舞蹈整体节奏与叙事性的掌控，在表现力上也摸不清脉络，所以体现出了基本功动作扎实，但整体平淡如水，没有表现出芭蕾舞活力的状况，从综合素质来看，这样的芭蕾舞教学缺乏完善性[1]。

二、芭蕾舞基本功训练与舞蹈表现力培养之间的关系

笔者认为，芭蕾舞的表现力应该分为两个层面，首先，芭蕾舞表演一定要符合基本的芭蕾舞特征，体现出传统芭蕾所特有的唯美高傲感觉，这也是许多传统观众对芭蕾舞的审美观念，即具有欧洲风格的传统表现模式。在这种表现模式下，舞者表现力古朴典雅，能够还原芭蕾舞的欧洲古典气息，从传统的角度去刻画人物、故事情节和心理矛盾，但在情感释放方面较为含蓄，所以就有了第二种表现力层次，那就是更加广义的芭蕾舞表现力。这种表现力层面善于通过情绪来带动舞蹈动作节奏，从而形成肢体上的沟通和心灵碰撞，真正达到了舞者之间心灵与身体方面的契合，将感情完整甚至夸张的传递了出去。在不同故事背景、不同环境、不同人物和不同情感下，芭蕾舞语汇各不相同，这种舞蹈表现力更加自由，甚至有舞者的即兴表演成分存在，它也解决了传统演员在舞蹈动作习惯方面较为严肃刻板和僵硬的问题。

芭蕾舞应该具备严谨的基本功训练要求，但也应该注重培养学生开放的舞蹈表现欲望。基本功训练的严谨与规范培养了舞蹈学习者良好的舞蹈习惯，长期培养并提升了他们的舞蹈技术能力，这些都是舞蹈情感表现力的基础支撑，让他们在表现人物情感、叙事情节方面有更富余的技术施展空间。所以说舞蹈表现力建立在芭蕾舞基本功之上，它将舞者的基本功通过舞蹈内容传播出去并戏剧化，让舞者在对自己身体游刃有余的掌控下完成对舞蹈内容的诠释，甚至向更深层次的表演境界发展[2]。

三、学院派芭蕾舞教学存在的问题

学院派芭蕾舞在技术动作上表现干净利落、身体挺拔，但是缺乏作品表现、缺乏生命力也一直被人诟病。在目前的学院派芭蕾舞教学方面，笔者认为存在以下四点现实问题有待解决。

1.重规范、轻灵性

芭蕾舞虽然古典但也充满灵性，我国在芭蕾舞专业教育方面更加讲究规范与整齐的美学，从而忽略了芭蕾舞还存在灵性的一面。在如此教育环境下培养出来的学生虽然具有极好的芭蕾舞基本功，但是他们的舞蹈思维空洞且保守，这就形成了“音乐盒式的舞蹈风格”，只有高傲优雅的气质，没有表现欲望与舞蹈生命力，让人觉得这样的芭蕾舞者在技术与风格上的输出与输入完全成正比，毫无任何创新能力。

2.表情单调

芭蕾舞也是表演艺术的一种，表演者不能没有丰富的表情来诠释喜怒哀乐。但是学院派规范芭蕾舞所培养出的气质并不是表现力，反而是高傲、不可一世的气质让芭蕾舞者缺乏表情变化，它拉远了与观众之间的距离，更缺少对情感上的沟通，使人望而却步，降低了对芭蕾舞的兴趣。

3.课堂氛围严肃

教师对学生动作、高度、力度和速度的要求苛刻，从而让学生在技术动作上达到一个高度。在这种严肃的课堂气氛下，学生感受芭蕾舞美的心境被反复练习的技术动作所磨灭。长此以往，学生对芭蕾舞的创造能力也消失殆尽，这全是由于“规范技术之美”所造成的。

4.身体律动不自由

学院派芭蕾舞讲究“提拉”，缺少“沉”与“圆”。在芭蕾舞的技术动作中，上下规整，一板一眼，它的动作点线连接几乎都是直角直线，缺乏波浪抛物线这样的柔美变化，尤其是女舞者在这样的芭蕾舞动作表现过程中，很难展现出女性身形特有的美感。

四、学院派芭蕾舞教学表现力的培养策略

黑格尔曾经就人物性格提到过在舞蹈中塑造典型人物形象，建立舞蹈表现力。舞蹈是表演的一部分，舞者如果不能在舞蹈中抓住对人物形象及情感的塑造，就很难将表现力释放出来，所以在芭蕾舞教学中应该以各个角度去注重培养舞者的芭蕾舞表现力。

1.建立启发式和具有开放性的教学课堂

具有启发式和开放性课堂有助于培养学生的个性和想象力，而个性与想象力就是学生能够创造更多舞蹈表现力的源动力。所以在学院派芭蕾舞教学中，应该用更多的鼓励和引导去代替过于死板和严苛的技术动作规范教条，尽量将课堂氛围轻松化。开放性课堂可以提高学生的训练水平，它要从两个方面切入。

首先从音乐方面，音乐是芭蕾舞表现中最为重要的元素，芭蕾舞课堂训练应该注重对学生乐感的培养，潜移默化的让他们从乐感中提炼对身体与技术的认识，并达到音乐、身体和技术的三者完美融合。实际上，乐感就是对芭蕾舞者在舞蹈感觉、舞蹈情绪与舞蹈表现力方面的培养。许多国外的芭蕾舞教学中都会通过音乐来启发学生投入到激情的表演当中，训练他们的律动感、音乐结合动作的能力以及表现欲望。可以说音乐就是舞蹈的“魂”，而芭蕾舞连贯的动作也是基于音乐流畅的旋律切分和情感律动，在芭蕾舞表现中更加注重节奏强弱的对比，习惯于这种伴随着音乐的芭蕾运动规律模式，才能让学生在表现力释放方面更加积极和自如。

另一点就是演员艺术修养与文化素质的积累。所谓艺术修养和文化素质就是对舞蹈及其音乐的感知能力、意识和阅读理解能力。芭蕾舞者不但应该具备良好的舞蹈技巧与表现力，也应该具备相当的编舞能力和创造能力，这是提升一个舞者造诣的关键。所以除了舞蹈技术练习之外，还应该开设内容更为丰富的舞蹈理论课堂。在课堂理论教学方面，增加更多的教学互动，比如影片赏析、多媒体教学、更多的课外活动，比如集体参观艺术博物馆、观看舞蹈现场演出等等来丰富学生对舞蹈艺术的深刻认识，培养他们扎实的舞蹈文化修养。同时，也要带他们走入舞蹈舞台的其他环节，例如舞台布置、舞美、灯光、摄影等等。让学生从不同角度了解舞蹈表演的演变、转化过程，这有利于他们在表演时拥有更多换位思考的能力，从而了解自己在怎样角度、怎样舞台设计下才能充分展现自己的舞蹈表现力，全方位理解影响芭蕾舞表现力的所有因素。

2.从动作节奏方面培养芭蕾舞表现力

芭蕾舞动作讲求速度、幅度和力度，三者鲜明特点的诠释就赋予了芭蕾舞独特的表现魅力。在学院派芭蕾舞教学中，Adagio和Allegro是两个相当重要的训练部分，它们从不同角度和意图来训练学生不同的芭蕾舞风格。在法语中，Adagio代表了缓慢安详的慢板，例如芭蕾舞中常见的扶把和优雅连贯的动作组合，它培养的是舞者的控制、稳定与平衡能力；Allegro是快板的意思，它是指在芭蕾舞中明快活泼的动作，例如芭蕾中的各种跳跃如cabriole、entrechat、assemble、jete等等，它训练舞者灵巧轻盈的弹跳力。我们在芭蕾舞表演中就可以分辨出，快板和慢板的动作幅度、速度与力度的差异就体现了它们性质上的不同，比如说像不离地的小跳Pas Glissade是古典芭蕾中常见的连接动作，这个动作在Adagio与Allegro两种节奏的组合当中，就体现出了不同的表现能力。在Allegro中，Pas Glissade体现出了小跳的轻快，在第二拍节奏跳起后的落地时第二只脚要快速收起，此时Pas Glissade就能够表现出主动与欢快灵巧的情绪。而在Adagio中，它会在第二拍后，第一条腿融合的落在Plie动作后，而后脚略显滞后于第一只脚落地后擦地收回，此时的Pas Glissade表现出了控制力与柔和度，它是一种抒情的表现手法。所以从整体来说，Allegro中的Pas Glissade更具力量与速度感，而在Adagio中，它则体现出了柔和的抒情基调与完美控制力。同样的一个动作在不同节奏中，就能产生不同效果，赋予动作以不同内涵，这就是芭蕾舞动作节奏变换下舞者肢体语言的艺术表现力多元化展现[3]。

总结

学院派芭蕾舞是严谨、规范、系统且科学的，所以它也应该拥有良好的教学体系加以辅助，从最专业角度去培养舞者的舞蹈技巧。而无论是学院派还是任何其他流派，表现力都是完善芭蕾舞教学的关键要素。就像美国著名芭蕾舞艺术家邓肯说的那样“表现力是芭蕾舞的窗，它让舞者与外界沟通，寻觅到了光亮的出口。如果芭蕾舞丧失了表现力，就没有了生命和艺术性。”

参考文献：

[1]论“学院派”舞蹈创作的发展动因[J].北京舞蹈学院，2010（3）.[2]孙亚男.学院派芭蕾舞教学中舞蹈表现力的培养[J].长江大学学报（社会科学版），2014（5）.[3]张筱彤.动作节奏在芭蕾舞教学中的功能[J].北京舞蹈学院学报，2014（4）.作者单位：沈阳音乐学院大连校区

第二篇：浅谈幼儿舞蹈教学中情感表现力的培养

浅谈幼儿舞蹈教学中情感表现力的培养

《纲要》的艺术领域，在强调幼儿教育的儿童化、整体化与生活化的同时，敏锐地抓住了艺术教育最根本的特点即感受美、表现美及创造美的艺术教育观。幼儿舞蹈教学综合了孩子对音乐的理解感受；舞蹈动作的控制和把握，以及表演时的情感表达。

幼儿由于舞蹈知识、生活阅历浅薄，在学习舞蹈的过程中，将大部分注意力都花在怎样模仿好这个动作上，常常舞蹈时有动作无表情。一个舞蹈，即使幼儿的动作模仿得再像，但缺乏感情，整个舞蹈也是没有生命力的，仿佛一个小木偶在表演。那么，怎样改变这种小木偶式的表演，使每个舞蹈表现得有血有肉，充满生命力呢？经过课堂教学实践，我认为：要改变这一现象就必须提高孩子的艺术表现能力和感知能力，而这是一个需要循序渐进，漫长而细微的过程。让孩子在生活中点点滴滴的感受和渗透；在玩耍中感悟艺术、感悟美，同时让孩子有机会接触丰富的艺术信息，了解民族历史、文化意蕴，培养人文情怀，才能逐步提高孩子的审美及表现能力。那么，我们在舞蹈教学实践中要采用哪些有效的方式培养孩子的情感表现力呢？

一、感知音乐及舞蹈的背景

（1）引导幼儿感知音乐传递给舞蹈的情感

舞蹈表演中音乐、动作、表情是不可分割的有机整体。为帮助孩子进入舞蹈的意境，听是感知与理解音乐的前提条件，在教幼儿舞蹈之前，教师要给孩子充足时间，满足他们地聆听的需求。让音乐刺激听觉，产生联想，让孩子体会乐曲的性质，并让孩子说说欣赏乐曲时产生的想象。再以动作来表现音乐，这样可以激起孩子表现音乐的欲望。孩子在把握乐曲的基本基调以后，老师就和孩子们一起拍手、跺脚、拍腿等掌握乐曲的节奏感，同时也为孩子创造及表现动作做好准备。

（2）感知舞蹈的文化意蕴，引发孩子的审美能力

教师首先就要进入状态，充满感染力的示范表演将孩子带入表演的意境。教师也要适当借助媒体教学，如生动形象的语言故事，来帮助孩子理解舞蹈内容，感受舞蹈所要表达的情感。例如：在教学蒙古舞《飞腾》以前，我先给孩子讲述了《草原英雄小姐妹》的故事，然后给孩子丰富一些有关蒙古民族的知识，熟悉这个民族的奔放、豪爽的特点，我就让孩子欣赏两段比较典型的蒙古舞《骑马》、《摔跤》。舞蹈中，让孩子观察舞蹈者的神态、气势及动作，然后让孩子和着音乐自由的模仿。孩子既欣赏了美的动作和形象，同时对蒙古舞中的提压腕、碎抖肩、耸肩、扭肩等动作有了进一步的具体理解。有了这些直接或间接的启示，幼儿就知道用什么样的情感来表现舞蹈中的动作。

二、引导孩子善于表达自己的舞蹈情感（1）注重平时点滴的积累与渗透

在孩子的眼中，世界是五颜六色的。由于表演的更多内容源于生活，他们随时拥有旺盛的激情，时刻准备着去发现、去欢呼、去雀跃。要使孩子较准确、细腻地表现舞蹈所蕴含的情感。为了让孩子轻松掌握这些枯燥的技能，我们可用游戏的方式进行训练。

首先，要靠平时的生活积累与体验。也可借助故事、儿歌、情景表演等来培养孩子对的喜、怒、哀、乐的表达。和老师一起来玩你演我猜的游戏，游戏主要是让孩子猜一些简单的表情或一些日常生活动作。孩子不仅兴趣盎然，而且还掌握了一些表情和动作的表演。如： 受到表扬心情好时，世界是红色的，孩子的表情是眯眯笑。做错事，挨批评时不高兴翘着嘴巴，不服气的样子。当听完故事《卖火柴的小姑娘》的故事心情差时，让孩子琢磨小女孩的悲惨童年是多么的不幸的悲伤感和孤独感。看动画片《猫和老鼠》时，让孩子不受约束的开心的哈哈大笑。这样反复琢磨，积累经验，就为舞蹈的情感表达打下坚实的基础。

（2）教师注重舞蹈的情感分析与引导

孩子有了一定的表达情感的基础，教师在教舞蹈时要注意把动作和表情统一起来，避免把动作与表情分开的做法。每一段舞蹈都有自己所要表达的思想，都应有与其相符合的情绪。舞蹈前老师首先要给孩子讲述舞蹈的情感基调，这样才更便于孩子理解。例如：表演抒情舞蹈时，要求孩子动作要连贯、柔和，表情自然。表演欢快舞蹈时，要求孩子表现出喜悦的心情、眼睛要亮起来，动作要轻快。有些舞蹈在表演时，情绪是变化起伏的，教师应注意引导孩子根据情节的变化用相应的情感去表达。例如：舞蹈《粗心的小画家》，整个舞蹈的基本特点是夸张、幽默、滑稽、多变的。在整个活动中，老师给孩子一个简单的内容提示，然后请他们把自己也当作是小画家，去揣摩并讲述自己所感受的情景。这时，孩子情绪激动，讨论热烈，都说着自己的感受，将小画家的表情变化表现得淋漓尽致。

三、创设环境，激发孩子对表演的兴趣。

为了使孩子得到更多的锻炼机会，要用更多方法激发他们的表演的兴趣。如：多给孩子创设一些活动区，在活动区中我扮演医生，你扮演病人；我扮演王子，你扮演公主；我扮演警察，你扮演小偷；孩子在这个活动区中玩得不亦乐乎。老师也要对孩子的大胆表现进行充分的鼓励。其次，老师也可以给孩子提供材料，孩子自己动手制作表演道具，不仅丰富了表演的色彩，孩子还更带劲了。

总之，这些有趣的活动培养了孩子的舞台表现力，动作协调力和想象力，孩子也掌握了基本的情感表达方式，增强了自信心。孩子们的改变使我明白，舞蹈让他们享受到快乐，快乐的生活会因为他们的舞蹈而更加美好。

第三篇：高校体育舞蹈教学中学生舞台表现力研究

高校体育舞蹈教学中学生舞台表现力研究

【摘要】我们都知道，要想做好舞蹈表演，除了有良好的舞蹈基础外，舞蹈表现力也对一个好的舞蹈表演有很大的影响。舞蹈表现力是舞蹈表演的重要的方面。因此，在高校体育舞蹈教学中对学生的舞蹈表现力进行培养是非常必要的。需要对其进行深入研究。本文中对培养学生舞台表现力的必要性及如何培养学生舞台表现力进行了论述，希望可以提供一些帮助。

【关键词】高校体育舞蹈教学 舞台表现力

【中图分类号】G807.3 【文献标识码】A 【文章编号】2095-3089（2015）06-0199-02

随着我国高校课程体系的不断完善和教学水平的不断提高，学校教育也已经上升到了新的水平。学校教育已不仅仅局限于对学生知识的培养，更加注重对学生综合素质的培养。作为学校教育一部分的体育舞蹈教学也是这样。在体育舞蹈教学中也越来越注重对学生综合素质的培养。舞蹈表现力就是舞蹈综合素质的重要部分，也是做好舞蹈表演的重要前提。因此培养学生的舞蹈表现力是非常重要的。

一段好的舞蹈除了有优美、规范的舞姿外，还需要有丰富的感情在里边。只有这样观众才能感受到舞蹈的魅力，从欣赏舞蹈的过程中得到享受，而这离不开舞台表现力。舞台表现力应是外在舞蹈和内在情感相结合。

一、舞台表现力包括的内容

1.丰富的想象力

舞蹈是一门艺术，艺术离不开想象力。想象力在舞蹈中起着非常重要的作用。想象力是表演者进行舞蹈创新和舞蹈表演的重要手段。学生对于舞蹈的想象力包括多个方面。有对舞蹈主题的理解，有对音乐的想象，还有对舞蹈表演的想象。学生具有丰富的想象力，就可以更加容易的对舞蹈主题和情感进行理解，就可以对舞蹈表演具有更加详细的想象。

2.舞蹈自我创造能力

自我创造能力是学生在对舞蹈进行深刻理解基础上对舞蹈进行再次创作的能力。学生可以通过创新将感情和自己对舞蹈的理解更好的投入到舞蹈中，使舞蹈更具魅力。要想培养学生的自我创造能力，老师就必须在教学中注重培养学生的创造能力，鼓励学生积极表达自己的想法，给学生更多发挥的空间，促进学生自我创造能力的提高。

3.良好的思维能力

学生良好的思维能力是学生进行舞蹈的重要组成部分。具有良好的思维能力，学生不仅可以对舞蹈有深入的理解，并且将舞蹈动作很好的表现出来，还可以对舞蹈有更加深入的认识，可以使舞蹈动作更加细致化，更加能充分表达情感。

二、对高校体育舞蹈教学中培养学生舞台表现力的建议

1.对学生舞蹈的培养

对学生基本功的训练。基本功是进行舞蹈表演的基础。因此对基本功的训练是必不可少的。这也是培养舞台表现力的根本方法。对学生进行基本功训练可以提升学生的柔韧性和体能。柔韧性提升以后学生在表演时可以表演出更好的效果，使观众可以得到更好的视觉享受。提升学生体能，学生可以更好的进行有挑战性的动作和耗费体力的舞蹈动作，其体能可以提供支持。因此，教师在教学中要注重学生的基本功训练，使学生明白基本功训练是进行舞蹈表演的基础。只有做好基本功的训练，才有可能实现美的舞蹈。在教学中，学生和老师都应注重基本功训练，通过不同的方式对基本功进行训练。

培养学生表演的形象性。舞台表现力中舞蹈的形象性是不可缺少的舞蹈是一门肢体语言，表演者的思想自己舞蹈中包含的感情在很大程度上是通过舞蹈的形象性表现出来的。表演的形象性是舞台表现力的反应。因此在教学中教师应注重对学生表演形象性的培养。教师可以通过对学生进行各种类型的音乐舞蹈的训练来提升学生表演形象性。

2.培养学生的内在情感

培养学生的音乐素养。舞蹈和音乐是相辅相成的，好的舞蹈离不开好的音乐，音乐使舞蹈更具美感。表演者要想将舞蹈淋漓尽致的表达出来就必须对音乐有深刻的理解。不同的音乐有不同的感情色彩，表演者需要对音乐有透彻的理解。同时，表演者也因为音乐才能更好的进行舞蹈。因此，音乐与舞蹈是相互促进的。因此在教学中教师应注重培养学生的音乐素养，引导学生进行音乐知识的学习，使学生更好的理解音乐。教师应该让学生听不同类型的音乐，增强学生对不同音乐的理解力，使学生在听到音乐时可以迅速对舞蹈进行想象。

训练学生情感体验能力。表演者要想把通过舞蹈把舞蹈中的情感淋漓尽致的表达出来，使观众能够体会到这种情感并从中获得享受，就必须对舞蹈的情感有一个深刻的认识，这就与表演者的情感体验能力分不开，因此培养学生的情感体验能力至关重要，这是学生理解舞蹈的前提。所以在教学中，老师应用有效的手段来培养学生的情感体验能力。如老师可以假设一种环境，让学生自己去感受，对舞蹈进行自己的想象。另外，老师还可以让学生听各种类型的音乐，使学生有不同的情感体验机会，从而不断提升学生的情感体验能力，使学生可以更好的将感情融入到舞蹈中。

注重学生的实践。舞蹈相对于其它科目来说是一种实践性较强的科目，需要学生在掌握知识的基础上进行大量的练习，因此实践在体育舞蹈教学中是不可或缺的，只有进行实践，学生的基本功才会得到锻炼。因此老师在教学中向学生传授知识的同时要注重鼓励学生进行实践，使学生有更多的表演机会。通过学生的实践使学生能够将理论知识实践化，促进学生对知识的理解，提升学生的舞台表现力。教师和学生应该抓住相应的机会，多进行表演，使学生在实践的过程中能够发现自身问题，在对问题进行改进的同时学生可能会有一些新的想法，使自己在实践中获得进步。

三、小结

舞蹈是一门语言艺术，其所包含的思想不能经过语言表达出来，而是要通过表演者的表演表达出来。表演者通过舞蹈表演要向观众传递出舞蹈中包含的感情，使观众得到得到美的享受。要做到这些并不容易，需要表演者有很强的舞台表现力，因此，舞台表现力对好的舞蹈是非常重要的，而舞台的表现力需要从多方面进行培养，需要老师与学生的共同努力。在教学中，教师和学生都应注重培养舞台表现力，教师应以多种方法帮助学生培养舞台表现力，学生应也从各个方面提升自己，提升自己的舞台表现力。

参考文献：

[1]朱海蓬.高中舞蹈教学中学生舞蹈艺术表现力的培养[J].艺术科技，2003（10）.[2]肖莉.如何在舞蹈中提高艺术表现力[J].大众文艺，2010（20）.[3]薛鳗.谈舞蹈专业学生艺术表现力的培养[J].康定民族师范高等专科学校学报，2009（02）.

第四篇：钢琴教学中音乐表现力培养论文

摘要：本文从听觉能力、知觉能力、感受能力三个层面分析音乐表现力的组成要素，重点探讨钢琴音乐教学中音乐表现力的培养途径，即加强钢琴作品内涵背景分析、引导学生掌握正确的钢琴演奏技巧、注重对学生钢琴音乐听觉能力培养、开展内容丰富的音乐艺术实践活动、全面提高学生钢琴音乐的综合素养。旨在通过本文研究为高校钢琴专业一线教育者提供一定的借鉴，不断提高高校钢琴教学水平，达到提升培养学生音乐表现力的目的。

关键词：高校；钢琴教学；音乐表现力

培养钢琴教学是高校音乐艺术课程体系的重要组成部分，对学生音乐素养的提升、艺术表现力的强化、综合能力的培养具有极为重要的现实意义。纵观当前高校钢琴教学的现状来看，某些教师为了完成既定教学目标，缺乏对钢琴音乐作品内涵的深层次挖掘，忽视对学生音乐表现力的培养，进而影响学生钢琴演奏素养的根本性提升，难以将钢琴音乐的精髓呈现给受众。因此，在钢琴教学中加强对学生音乐表现力的培养则显得极为必要。对此，本文以浅谈钢琴教学中音乐表现力的培养为题，对其相关内容作出简要分析与着重探讨。

一、音乐表现力的组成要素

音乐具有独特性，若想进一步提高自身的音乐表现力则需要明确音乐的基本要素，学会弹奏音乐的技巧，借助精湛恰当的手法将自身的思想情感融入其中，从而彰显音乐的独特魅力。也就是说，若想实现音乐表现效果的最大化，则需要通过听觉、知觉、情感三方面的充分调动与有机结合，才可以发挥出音乐的表现力。具体来说，音乐表现力的组成要素主要可以归纳为以下三方面：

（一）听觉能力

敏锐的听觉能力是理解音乐情感、感受作者内心世界的重要方式，在演奏的基础上用心聆听自己的演奏声音。因此，在钢琴学习过程中要将听力训练放在首位，利于倾听音乐基础之上深入理解音乐内涵，从而感受整体的音乐效果，进而强化音乐的表现力。同时，在钢琴音乐作品倾听时，在停留自我演奏音乐的基础上，还需要善于从中发现自己的不足之处，保持注意力的高度集中，最大限度发挥自身想象力，弹奏出表现效果最大的钢琴音乐作品。由此可见，声音的艺术表现以音乐为主要形式，需要借助耳朵听力功能的发挥得以实现，学生自身钢琴表现能力的提升更是需要建立在倾听的基础之上。

（二）知觉能力

音乐的知觉能力属于心理情感范畴，与学生自身的内心活动紧密联系。因此，在钢琴演奏过程中若想实现表现效果的最大化，则需要精准客观的判断音响，在较高音乐素养的指导之下根据自身的独特体验强化对钢琴音乐的表现，从而了解钢琴作品的情绪、性质、弹奏速度、感情基调等，并将此看作是彰显整个钢琴音乐作品风格的路径之一。音乐旋律的形成是建立在音符基础之上，通过有序的排列组合，在演奏者力度、音色等行为活动的表现之下达到以情动人的效果，促使倾听者走进钢琴作品作者的灵魂深处。

（三）感受能力

感受能力是个体理解音乐作品的一种形式，是个体音乐审美素养的重要表现，是建立在理解、感受钢琴音乐作品的基础之上。钢琴音乐作品是创作者将自身思想情感融入其中的成果载体，通过表现长存于人的心灵深入，且经典的音乐作品总是代代相传、历久弥新。因此，在音乐表现力的培养过程中则需要将表现与再现相融合，将钢琴音乐作品放置在特定的时空内，立足于精神思想层面与钢琴音乐作品进行对话。

二、钢琴教学中音乐表现力的培养途径

（一）加强钢琴作品内涵背景分析

在高校钢琴音乐教学过程中，教师要在素质教育精神的引领之下，透彻理解钢琴音乐表现力的内涵及组成要素，树立以生为本的教育教学理念，根据学生身心发展的客观诉求制定有针对性的教学方案，加强对钢琴音乐作品创作背景、思想情感、内涵主旨等方面的全方位分析，为学生音乐表现力的培养创设更为广阔的空间。对此，教师要明确自身的钢琴音乐教学活动中的角色，对钢琴音乐作品的内涵、创作背景进行深入透彻的分析，引导学生了解作曲家的风格特征、生平经历，以便精准把握钢琴作品的真情实感及深刻内涵。例如，浪漫时期与古典时期的钢琴作品风格截然不同，不同作曲家的风格又具备独特性，这就需要学生了解各个时期作曲家的思想生活、创作特色，从而准确的把握钢琴作品风格。

（二）引导学生掌握正确的钢琴演奏技巧

在高校钢琴音乐教学过程中，教师要在以生为本教育教学理念的指导之下，将钢琴音乐课堂教学的主导权交到学生手中，彰显学生在高校钢琴音乐教学中的主体性，将音乐表现力培养纳入人才培养目标体系之中，结合钢琴教学规律、学生身心发展规律实施科学有效的教学策略，引导学生掌握正确的钢琴演奏技巧，提升学生的钢琴演奏艺术素养。因此，在钢琴演奏中学生要加强对手指的技巧训练，弹奏时动作要干净利落、迅速准确，确保手指技巧与其他演奏技巧处于有效衔接的状态。同时，在弹奏力度的把握方面要将全身的力量送达到之间，将一时之力凝聚在钢琴演奏的整个环节当中。此外，要加强对乐谱的分析，重视乐谱上音符、节拍、力度记号等表示，指导学生体验钢琴作品内容，将钢琴作品的风格、旋律、节奏恰如其分的表现出来。

（三）注重对学生钢琴音乐听觉能力培养

在高校钢琴音乐教学过程中，教师要明确学生音乐表现力的培养并不是靠单纯的模仿得以实现的，而是要在钢琴音乐作品处理中不断提高学生的听觉能力，并将听觉能力的培养看作是学生获得表现力的基础环节，为学生音乐表现能力的培养提供必要保障。对此，高校钢琴教师要有意识、有目的地培养学生善于倾听的良好习惯，指导学生在练习演奏过程中善于倾听自己的演奏声音，实现手、耳、心三者的高度配合，根据自己所发现的问题及时调整钢琴演奏声音，以便确保自己所演奏的声音符合钢琴音乐内容的具体要求，不断提高钢琴练习的效率与质量。同时，学生要善于聆听一些经典的钢琴音乐作品，在渊博的音乐世界中汲取养分，不断提高自身的钢琴音乐听觉能力，强化学生的钢琴音乐感受力，更好的表现钢琴艺术价值。

（四）开展内容丰富的音乐艺术实践活动

在高校钢琴音乐教学过程中，教师要在为学生讲解钢琴演奏理论知识的同时，还需要开展内容丰富、形式多样的音乐艺术实践活动，为学生钢琴音乐表现能力的培养提供必要的训练环境，不断遵循并落实教育的客观规律，最大限度地调动学生钢琴演奏的主动性和积极性，在实践演练当中逐步提高学生的钢琴音乐表现力。一方面，在钢琴音乐教学中教师要于课堂活动中为学生讲解基础乐理知识，在课外开展各类型的钢琴艺术活动，大力开发第二课堂教学资源，鼓励学生根据自己的兴趣爱好自发成立乐队，积极参加各类文艺汇演、工艺演出等活动，逐步走入社区、走入社会，将钢琴音乐理论知识上升到实践演奏层面，不断提高学生的艺术修养。另一方面，高校要为学生提供表现性较强的舞台实践机会，以大型文艺汇演为主，不断丰富学生的舞台表演经验，提高学生的心理素质，确保学生可以以从容镇定的心态面对钢琴演奏中的突发情况，以平常心或者超水平发挥的状态为观众带来全新的音乐享受。

（五）全面提高学生钢琴音乐的综合素养

在高校钢琴音乐教学过程中，教师要明确培养提升学生音乐表现能力是一个长期、反复的过程，在培养学生听觉能力、知觉能力的同时，还需要加强对学生创造能力、想象能力、心理素质、舞台表现能力等方面的全面强化，提高学生钢琴音乐的综合素养，使得学生在掌握钢琴演奏理论的基础上通过演奏更好的传递钢琴音乐作品内涵。对此，钢琴教师要鼓励学生多多阅读书籍，如文学、历史、文学等领域的书籍，不断增强学生的文化底蕴，扩展学生的认知视野，使得学生具备较高的思想修养与艺术修养，加深对钢琴音乐作品的理解，更好地表现钢琴音乐作品内涵，强化钢琴演奏艺术效果。

三、结语

综上所述，在钢琴教学中教师要在素质教育精神的引领之下，透彻理解音乐表现力的内涵及组成要素，树立以生为本的教育教学理念，根据学生身心发展的客观诉求，结合音乐艺术专业人才培养目标设置有针对性的钢琴教学方案，探索钢琴教学规律、学生学习规律，加强对钢琴音乐作品内涵背景的分析，采取科学合理的有效教学策略，引导学生掌握正确的钢琴演奏技巧，将钢琴练习、技巧训练、理解升华、表现力培养等方面紧密联系，注重对学生钢琴音乐听觉能力的培养，积极开展内容丰富、形式多样的音乐艺术实践活动，全面提高学生钢琴音乐综合素养，使得学生的钢琴表现力发展到一个全新的阶段，最大限度的彰显钢琴演奏的独特魅力。

参考文献：

[1]袁星光.关注音乐表现力让钢琴演奏衍生无穷魅力———钢琴教学中音乐表现力的培养[J].黄河之声,2018,(08):63-64.[2]付胜利.“音乐表现力”视域下普通高校钢琴公共课教学的思考与实践[J].陕西教育(高教),2017,(10):35-36.[3]刘春序.刍议大学钢琴教学中怎样提高学生的音乐表现力[J].黄河之声,2015,(08):58-59.[4]魏敏.聚合思维在钢琴教学中诠释作品的应用———钢琴教学中音乐表现力的培养[J].黄河之声,2017,(11):84.

第五篇：高校舞蹈教学中提高学生舞蹈表现力的探讨

高校舞蹈教学中提高学生舞蹈表现力的探讨

摘要：随着时代的不断发展，人们审美意识的提高，我国对于舞蹈人才的需求也越来越多。高校要重视舞蹈人才的培养，在教学中注重提高学生的舞蹈表现力。本文首先分析了舞蹈艺术表现力的重要性，接着提出了高校舞蹈教学中提高学生舞蹈表现力的措施。

伴随着我国舞蹈事业的蓬勃发展，舞蹈理论方面在不断的创新，舞蹈教育教学改革也在如火如荼的进行。事实上，过分强调技术难度的舞蹈教学评价标准显然跟不上时代的发展，舞蹈的审美标准逐渐回归到艺术本身的特质中来，开始注重舞蹈的美感和思想性，也开始注重舞蹈的表现力。

一、舞蹈艺术表现力的重要性

（一）艺术表现力是衡量舞蹈演员质量的重要指标

公众在评判一个舞蹈演员是否优秀的重要标准不是看其是不是能够完成一些高难度的舞蹈动作，而是要看这个舞蹈演员是不是具有很强的艺术表现力。我们以前苏联著名舞蹈艺术家巴普洛娃为例，她所塑造的白天鹅这个艺术形象深入人心，至今受到很多人的模仿和追捧，主要的原因就是巴普洛娃塑造的这个艺术形象给观众很深的震撼，引起了观众的共鸣。演员的舞蹈动作就像文字一样，一篇好的文字要透露出精神，不能随意的堆砌。舞蹈动作是舞蹈的语言，不能简单的把动作当做肢体在空间的简单的摆设和舞动，这样只能称作是肢体运动，而不能称作是语言，舞蹈动作要成为语言就需要具备很强的表达性，这就是舞蹈艺术表现力的体现。

（二）艺术表现力是传达舞蹈作品精神内涵的保障

舞蹈是艺术的一种表现形式，主要的目标就是通过演员的肢体动作来传递作品的精神内涵。舞蹈作品的优秀与否，一项主要的指标就是有没有传达出精神内涵。一个同样的作品让不同的舞蹈演员来演绎，就可能取得不一样的效果。好的舞蹈演员能够发挥出舞蹈作品的内在精神，否则舞蹈作品就只能停留在技术编织的层面之上。

二、高校舞蹈教学中提高学生舞蹈表现力的措施

（一）夯实基础能力，增强艺术感染力

要具备良好的舞蹈表现力就需要具备准确规范的舞蹈动作，所以，跳舞者的根本动作和反应速度以及相应的协调性是衡量舞蹈水平的重要前提。在高校舞蹈教学中，要培养学生的舞感，就要有扎实的舞蹈方面的基础，全身的动作都要高度的敏感，还要有很强的协调性。在进行舞蹈基本功训练中，要重点注意改善髋关节、踝关节、胸椎关节和肩带的柔韧性，因为这些部位柔韧度的高低关系着表演动作是否到位，身体能否最大限度的延伸和动作是否显得自然大方，也决定了舞蹈者是不是具有良好的表现力。除此之外，舞蹈表演作为一个演绎类的实践项目，对于动作的要求比较高，需要很高的身体协调能力。所以，在训练中提高学生的身体机能是非常重要的环节。要把握好大脑神经的协调机能，加上自身的平衡机能，还有本体感受能力，训练的时候能够清晰的感知身体各环节在运动中所处的位置，还要有一定的运动节奏，包括对时间的掌控能力，运动感知觉能力，这些都是比较重要的。要注意舞蹈过程中的每个细节，赋予动作强烈的感情，增强艺术感染力。

（二）灵活运用教学方法，提升艺术表现力

在舞蹈教学过程中，教师主要起到指导作用，学生是主体，要灵活运用教学方式，让他们进行自主师学习，结合教师的指导能形成一个连续整体。比如，在学习民族民间舞蹈的时候，教师可以采用模仿训练的形式，让学生在课堂上现场模仿他们所理解的民族民间舞蹈，让他们说出这些民族民间舞蹈的基本动率，找出他们所认为的舞蹈节奏。积极估计学生自己去体验这些舞蹈的感觉，让他们用学过的舞蹈知识进行舞蹈的改变，让他们充分发挥自己的个性特长，提高舞蹈的艺术表现力。这样一来，学生能够在一个较短的时间内了解民族民间舞蹈的基本知识和基本动率，还培养了学生主动观察的能力。而教师采用自主教学的方式，让学生相互结合，三人一组甚至自己独立的进行舞蹈的编排工作，把自己的意识与创作在音乐的律动和舞蹈的律动中变现出来。教师要鼓励学生去质疑，对于学习中发现的问题要进行积极的提问和猜测，发挥想象力，按照不同的线索去找寻问题的答案。事实上，舞蹈的特点决定了其教学模式与其他学科不同。这是一门肢体训练加上情感表现的课程，要在教学中不断培养学生情感的发挥，积极向上的情感能够辅助舞蹈教学活动的开展，发挥舞蹈的感染力，恰当的增添学生的情感，把对音乐的理解和肢体的训练融为一体。让学生保持舞蹈学习的激情，从不同方面来激发学生的潜能。强化学生对艺术的认知能力并通过自身的感悟表达出来是进行舞蹈教学的主要目的。开展情感教育，能够增加学生和老师之间的交流与沟通，学生可以针对舞蹈学生上的问题与老师探讨。找出自身学习的薄弱环节，针对这些薄弱点加强学习和训练，提高舞蹈艺术表现力。

（三）观察、体验生活，丰富学生的艺术想象力

舞蹈想象力是进行舞蹈创造的重要能力之一，要提高表演者的想象能力，才能更好的激发表演者的表演激情，强化其艺术表现力。在高校舞蹈教学过程中，丰富学生的艺术想象力的重要方式就是让学生观察生活、体验生活。随着舞蹈教学模式的变化，对舞蹈教学产生了很大的影响，把舞蹈教学融入到学生的实际生活中来，完成从肢体训练向内心情感感悟的升华，这条教学创新之路，成为素质教育的重要组成部分。舞蹈艺术的原型就是来源于生活，舞蹈作品都是在生活的土壤中产生的，舞蹈形象的塑造也是为了再现生活。在开展舞蹈教学的时候，教师要重视利用已有的生活体验去启发学生进行大胆的想象，不断丰富自己的想象力。比如，在看到牵牛花的时候，可以让学生联想到滴滴答答的军号，看到淅淅沥沥的春雨，就能联想到即将破土而出的小嫩芽等等。通过这些的联想，丰富了学生的情感，让作品中的形象跟自己的情感有效的结合在一起，使学生演绎的舞蹈更具有表现力。

（四）培养综合素质，提升艺术修养

新时期舞蹈教学要注重学生身心健康的协调发展，培养学生的综合素质，教会他们认真看待自身的情感世界。特别是90后进入校门之后，面对颇多争议，要正确看待这些充满朝气的艺术人才。通过舞蹈教学可以培养学生的性情，用优美的旋律来消除学生的拘束心理，让他们变得平静，减少大起大落的心理负面情绪。这是舞蹈教学对素质教育所起到的作用。教师还可以有意识的让学生接触除舞蹈之外的其他学科的知识，比如，音乐鉴赏，古典哲学，社会学等，扩大他们的知识面，让他们通过了解这些知识来增加对舞蹈这门学科的认识。舞蹈教育在培养学生艺术技能的时候，还要培养学生欣赏艺术的能力，艺术评价能力，把舞蹈与其他人文学科结合转化为自身的综合感受能力，即在舞蹈教学过程中，要结合其他学科，比如美学，哲学，社会学等。要不断的提高自身的艺术修养，完善自身的知识技能和知识结构，培养自身的艺术鉴赏能力，提高创造性思维的能力。教师可以运用现代化的教学手段，在课堂上让学生观看和分析好的作品，帮助他们分析作品，这些都是提高学生艺术修养的重要方式。

结论

综上所述，在高校舞蹈教学过程中，要坚持一切从实际出发，学会观察、体验生活，丰富学生的艺术想象力，让学生在学习中准确、生动的开展舞蹈活动，提高他们的舞蹈表现力。要站在时代发展的高度，思考教育方式的改革成效，坚守教育理念，重视对学生舞感的开拓，使他们的舞蹈表演风格朝着多样化的方向发展。（作者单位：宿迁高等师范学校）